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CASA EDITORIAL NOEMA 5

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Literatura

Director general y editor: Mariano Alberto Hernández Yberry

5 Tras la batalla 6 El poeta nuestro de cada día 8No lo pienses dos veces, es Bob Dylan (segunda parte)

Diseño, maquetación y portada: Anabel López Borja Community manager y webmaster: Fabiola Aguilar Hernández León Alejandro Maya Segura Raúl Muñóz Reyes

Arte

11 Bazar de fin de semana, Zona Maco 14 El arte detrás de Leonardo DaVinci 17 Tim Noble y Sue Webster y el arte de la sombra

Cine

19 Philadelphia 20 Amor Índigo

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Corrección de estilo: Omar Marroquín Hernández Fotografía: Oswaldo Rojas Pérez

Música

Colaboradores: Leilanny del Castillo Carlos Díaz Álvarez Gustavo Díaz Salas Elizabeth Dorantes Soto Kyo Escamilla Hernández Mariano Alberto Hernández Yberry Cynthia Jaimes Lissete Montealegre Paz Michelle Uribe Anabel López Borja

21 #El jefe y la nueva cara de lo viejo 22 Un buen concierto por menos de 100 pesos

Recomendaciones 25 Falla generacional

Columnas

27 A TRAVÉZ DE LAS VENTANAS: Parámetros 28 EL APANTALLADOR: #DeLasProyeccionesSobreLaCancha #I 29 MACKTUB, ESTABA ESCRITO EN LAS REDES: Las redes sociales y la virilización 30 HERMOSO Y DESCONOCIDO: Tenis del futuro

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Proyecto Anubis: Rodrigo Daniel Espino Hernández Alhelí Montalvo Pantoja Raúl Muñoz Pérez Ana Paulina Pérez García Oswaldo Rojas Pérez

#Anubis

Contacto:

anubisrevista@gmail.com www.facebook.com/RevistaAnubis www.twitter.com/anubisrevista ANUBIS. Publicación mensual editada por: Noema S.A de C.V. Domicilio de la publicación: Icacos No. 60 Colonia Narvarte, Delegación Benito Juárez, CP.03020, México D.F. Certificado de Reserva de Derechos al Uso Exclusivo expedido por el Instituto Nacional de Derechos de Autor está en trámite. Editores responsables Mariano Alberto Hernández Yberry, Anabel López Borja. Impresa por: Ab7 México D.F. Los artículos y el contenido editorial son responsabilidad de sus autores y no reflejan necesariamente el punto de vista de la publicación, ni de la editorial. Todos los derechos están reservados.


#Editorial

La muerte es parte de la vida. Es una máxima con la cual las personas tenemos que lidiar, luchar, confrontar. Cualquiera que dude de la realidad debe enfrentarse a su muerte para ver si realmente sigue dudando o sólo es un discurso repetido, disfrazado de discurso profundo y autónomo, libre. Hay muertes que nos duelen más, y eso depende, directamente, de la cercanía que tengamos con l@s difunt@s . Lo más inmediato es un familiar: entre más cercano es más fuerte el dolor. Después seguimos con l@s amig@s, maestr@s y conocid@s. Qué fácil es conmovernos con la muerte, no importa si no conocemos a la persona que fallece, siempre levantamos un “qué pena”, un “lo siento” ante la muerte. ¿Por qué? Pautas culturales, empatía, humanidad, costumbre. Es difícil saber realmente por qué lo hacemos. Muy poc@s se muestran indiferentes hacia la muerte pues hay quienes la disfrutan, la celebran, la defienden. No importa si es un asesino condenado a la muerte, la ruta de escape del nihilista o del deprimido, el curso irremediable de la naturaleza, la muerte siempre nos provoca algo. Mueren y mueren grandes poetas, grandes músicos, grandes seres humanos, grandes compañer@s. Es extraño conmoverse con la idea de la muerte de algún ser famoso con el cual no tuvimos contacto. Sin duda la Obra de estos es una forma de comunicación muy directa pero no total. Pero basta sólo con leer, escuchar, vivir las creaciones de much@s para sentirlos como cercan@s, como amig@s, como maestr@s, y en muy raros y muy psicoanalíticos casos, como familiares. Por eso no es extraño ver cómo las personas se conmueven con los aniversarios luctuosos. Sería hipócrita que no recordáramos la fecha fatal de una persona. Sería absurdo decir que alguna imagen no nos evoca a una persona muerta. Sea como sea, siempre tenemos la muerte presente; ya sea por los periódicos, por #Anubis

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las redes sociales, o por la vida misma, siempre estamos conviviendo con la muerte, en espera del día que decida pasear con nosotr@s. La muerte es una de las conexiones más fuertes de la humanidad, el único síntoma de esa palabra denominada “igualdad”: tod@s vamos a morir. Por eso, y sin importar las cir-cunstancias, no debe sorprendernos en un futuro cuando la muerte nos conmueva (porque aún nos seguimos sorprendiendo). Si en estos días leíste sobre la muerte de algún poeta, o leíste que era el aniversario luctuoso de alguien, piensa con cuidado si criticarás a las personas que se ven muy afectadas por este tipo de información. Quizá no alcancemos a ver las razones por las que nuestr@s cerrcan@s lloran por Pacheco o por Gelman, pero sí entenderemos la razón fundamental, la raíz única y primera que nadie puede negar, cuna de la tristeza: la muerte.

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#LITERATURA FEBRERO 2014

Tras la batalla

Por: Oswaldo Rojas y Alhelí Montalvo Pantoja El 26 de enero uno de los escritores más representativos de la literatura mexicana -durante las últimas cuatro décadas-, falleció de un paro cardíaco provocado por un golpe en la cabeza, sufrido un día antes. Estuvo hospitalizado en el Instituto Nacional de Ciencias Médicas y Nutrición Salvador Zubirán, tan sólo 12 días después de la muerte de Juan Gelman sobre quien escribió La travesía de Juan Gelman publicada (post mortem) en la revista Proceso. Así la muerte de José Emilio Pacheco (1939-2014) deja rápidamente otra perdida en la literatura mexicana.

Con todo ese trabajo dejó reflejado en sus obras su experiencia en el ideario y costumbres mexicanas, pero probablemente su práctica como investigador en el INAH (Instituto Nacional de Antropología e Historia) fue lo más representativo en su obra escrita como lo deja ver así varias de sus más grandes obras, El principio del placer, Las batallas en el desierto y No me preguntes cómo pasa el tiempo y, especialmente, La arena errante, Tarde o temprano. Pacheco muestra en su trabajo una mesura con las palabras, no es extenso con lo que se dice y no recurre, si no es necesario, a las metáforas, dejando un trabajo limpio y sincero en su obra narrativa, aunque no por esto deja de rozar fibras sensibles del individuo pues es claro que la forma bajo la que el ser humano deja atrás la niñez, vive una muerte o cómo se relaciona con la gente, adquieren complejidad. En sus textos y en su poesía es evidente la importancia de su país, así como la gente que lo rodea, que sale a la calle, que vive lo mismo que él vive y lo siente a su forma. Toda la obra de Pacheco es una experimentación con la estructura y las reglas de escribir un cuento o un ensayo: se trasmutan. Un hombre preocupado por la política de su país, con mucho que contar, amable con las generaciones soltó todo lo que le fue posible en su literatura, más allá de los amigos y los críticos, para ser parte del México que vivió, ”la gente vive, sufre, se muere. Vienen los otros a ocupar su sitio y la casa arruinada sigue viviendo” #Anubis

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#Literatura

José Emilio Pacheco nació en la ciudad de México un 30 de junio de 1939, estudiante de Derecho y Letras en la Universidad Nacional Autónoma de México, donde desde estudiante mostró interés en la escritura y literatura lo que lo llevo a colaborar en la revista Mediosiglo; también fue director de el suplemento de la revista Estaciones, Novedades y Siempre!, en la revista de la Universidad de México donde fue secretario de redacción y de México en la Cultura.


#LITERATURA FEBRERO 2014

El poeta nuestro de cada día Por: Mariano Alberto Hernández Yberry

Es muy extraño cómo la muerte conoce las coincidencias. El 14 de enero del reciente año murió el poeta argentino Juan Gelman. No habían pasado ni dos semanas cuando José Emilio Pacheco escribía un artículo para la revista mexicana Proceso donde hablaba sobre Juan Gelman. La noche del viernes 24 de enero, Pacheco envía su artículo llamado La travesía de Juan Gelman. El sábado en la tarde es hospitalizado por un golpe en la cabeza. El domingo por la tarde-noche fallece el poeta, cuentista, novelista y traductor mexicano. Era 26 de enero del año que apenas empieza…

#Literatura

El periódico chileno La tercera recuerda una entrevista con el poeta mexicano en la cual él declara que no podría ser ni siquiera el mejor poeta de su barrio pues, en la esquina de su calle, vive Juan Gelman. No sólo compartían calle, también compartían, al menos, un premio, el que es considerado el más importante en lengua española: el Premio Miguel de Cervantes. En 2007 le fue otorgado al autor de Violín y otras cuestiones; dos años después le fue otorgado al autor de Los trabajos del mar. El poeta argentino nació el 3 de mayo de 1940 en Buenos Aires, Argentina. Fue increíble ver cómo su muerte fue tan hablada días después de que ésta ocurriera. Su poesía circuló en las redes sociales de una manera que no había notado en otros poetas. Grandes personalidades del círculo cultural y literario se unieron al duelo de Gelman, quien murió a los 83 años aquí en el Distrito Federal por un síndrome mielodisplásico (enfermedad que provoca que la médula ósea no funcione correctamente y no permite la formación de glóbulos rojos). Incluso la República Argentina declaró 3 días de luto nacional. Llegó a México en la década de los 70 cuando la dictadura militar de su país natal lo exilió. El exilio sería una constante en su poesía, así como el secuestro de su hijo y de su nuera, el cual quedaría grabado en un desgarrador poema: Carta abierta: “hablarte o deshablarte/dolor mío/ manera de tenerte/destenerte/ pasión que munda su castigo como hijo que vuela por quietudes/por arrobamientos/voces/sequedades/ levantamientos de la ser/paredes donde tu rostro suave de pavor estalla de furor/adioses…” Son las primeras dos estrofas de este poema, extraídas de la antología Otromundo (Ed. Fondo de Cultura Económica, 2008). El título lleva una nota al pie de página en la cual Gelman explicó el porqué del poema, la historia de su hijo y la esposa de éste, mismos que no reconocerá muertos hasta ver los cadáveres. Una nota que rompe con la idea de que el poeta sólo escribe su poema y ya. Aquí la nota deja la duda, en un principio, de quién la escribe, sin embargo la llamada de atención al autor es parte del poema. Realmente el poema pierde sentido sin el pie de página. Los editores de los libros de Gelman no tocan ni una sola letra de esa nota. Los sustantivos hechos verbos, sustantivos usados para medir el tiempo, para crear verbos: “duró un relámpago”, “en pleno colibrí”, “niñábamos”, “cuando pasabas con tu otoño a cuestas”. Las palabras se liberan de la esclavitud de la Academia en la poesía de Gelman: “según otoña” (aquí es doble la liberación), “a rostros gente”. Hay poemas donde el poeta delata su dolor, ya

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#Anubis


#LITERATURA FEBRERO 2014 sea por el exilio –prueba dura para cualquier poeta-, por la muerte de su madre, o por una mezcla en conjunto de las dos. Una forma fantástica de expresar dolor dándole voz a las sillas, a los pájaros; hay momentos de terrible angustia y soledad en la obra de Gelman, un poeta atormentado que encontró consuelo en la poesía. Un pequeño fragmento del maravilloso poema de Gelman, Lluvia: pero el alma qué puede explicar/ por eso mi vecino tiene tormentas en la boca/ Palabras que naufragan/ palabras que no saben que hay sol porque nacen y mueren la misma noche en que amó/ y dejan cartas en el pensamiento que él nunca escribirá/ como el silencio que hay entre dos rosas/ o como yo/ que escribo palabras para volver a mi vecino que mira la lluvia/ a la lluvia/ a mi corazón desterrado/ *Las batallas de los recuerdos

El principio del placer es una novela corta –que da título completo al libro- y una colección de 6 cuentos –género bien logrado por Pacheco. Según me platicó el también novelista y poeta, Salvador Mendiola, Pacheco le confesó que el título de la novela, así como todos los cuentos, fueron un desahogo de ciertos complejos edípicos. Algo no muy arriesgado de pensar si se pone atención al título del libro. Pero más allá de la interpretación freudiana encontramos cuentos aterradores como Tenga para que se entretenga, o tan surreales como Fiesta Brava. ¿Alguna vez has pensado en escribir un cuento, cuando, de repente, te vuelves el protagonista de éste? Se los dejo de tarea. La poesía de Pacheco, como en general su obra, está cargada de un lenguaje muy sencillo y directo, no muy rebuscado pero no por eso inculto. Las letras desbordan una vida dentro de las bibliotecas y hemerotecas, pero también alguien que gusta de su ciudad, una persona que trató de entenderla y conocerla hasta por los más ínfimos rincones, hasta casi encontrar la ciudad perdida que sabemos existe debajo de nosotros, algo elemental en la obra de Pacheco: la vida subterránea, los túneles, el Metro del Distrito Federal. Se fueron grandes poetas. Apenas empieza el año. Si he de ser sincero, conozco más la obra de Pacheco que la de Gelman. Este artículo no trataba de llegar a una interpretación excelsa de la obra de alguno de ellos. Es algo para lo que todavía no estoy preparado. Es un simple homenaje que ojalá despierte algo en el lector y los mande a buscar un libro de alguno de los dos (si va a ser de Pacheco, sugiero El reposo del fuego). Sin más, así empezamos el año: qué inicio tan alentador. Q. E. P. D. #Anubis

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#Literatura

José Emilio Pacheco debe ser el autor que casi todo mexicano conoce. Por alguna extraña razón se considera que Las batallas en el desierto es un libro obligatorio para la educación secundaria o preparatoria. Nos lanza a la aventura de Carlos casi sin entender el complejo de Edipo, o sin haber entendido con claridad cómo fue el sexenio de Miguel de la Madrid. Y aun así, cómo recordamos a Carlos, a Mariana y a Jim. Debe ser el libro más leído de Pacheco, el más buscado, el más autografiado. No diré que el más comentado pues me parece que, como antípoda de Las batallas, está el libro menos leído: Morirás lejos. Siguiendo con los contrastes, encontramos el segundo libro más leído: El principio del placer.


#LITERATURA FEBRERO 2014

No lo pienses dos veces, es Bob Dylan(Pt.2) Por: Mariano Alberto Hernández Yberry

segunda parte

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Bob Dylan

La verdad de una persona es siempre la mentira de otra” “

#Literatura

“La verdad de una persona es siempre la mentira de otra” Bob Dylan Nota: Por cuestiones de espacio no pude publicar mi texto sobre Bringingitall back home como deseaba. Sin embargo, te invito a verlo en nuestro nuevo blog =>http://bit.ly/1eZ8IXr Hasta Bringingitall back home Bob Dylan había mantenido cierta línea en su poesía. Poco a poco ésta se veía cada vez más influenciada por la literatura beat y por poetas como Arthur Rimbaud y William Blake; su poesía se volvía cada vez más abstracta y menos política, que no significa que haya dejado de protestar, como él mismo declaró. ¿Por qué entonces tanto problema con el círculo folk? Sencillo: la poesía que protesta es muy compleja, críptica y cifrada, no es directa. Además, la canción protesta limita a quien la escribe, a quien la canta; no le permite innovar o salirse de ciertos parámetros. Y como ya revisamos, Dylan se cansó de ser “el peón en su juego”, se cansó de verse encerrado y se permitió explorar nuevos horizontes musicales que iban muy de la mano de su poesía, la cual, creo yo, alcanza su cenit en Highway 61 revisited. Highway 61 revisited sale a la venta en agosto de 1965. Diversos críticos, entre ellos Michael Gray, catalogan el álbum como un pilar fundamental de los 60s, donde la política y cultura de ese entonces se conjuntan en 9 increíbles canciones. El nombre viene de la carretera 61 la cual conecta directamente con Dulluth, Minnesota, tierra natal de Bob Dylan. Asimismo, esta carretera conecta con muchos lugares en donde nacieron figuras que inspiraron a Dylan: MuddyWaters, Elvis Presley, BlindWillieMcTell. La intención del disco, a nivel musical, era regresar a los orígenes eléctricos y blueseros de Dylan, mismos que había abandonado cuando inició su carrera como cantante folk. La lista de canciones comienza con la mítica canción de Dylan: Like a rollingstone. La canción fue escrita por un fantasma, un espectro que se apropió de su cuerpo,según declaró Dylan. La canción contaba, originalmente, con 20 estrofas calificadas por el autor como “una larga pieza de vómito”. El sentimiento que envuelve esta canción es aquel que tenía Dylan presente cuando regresó de su fatídica gira por Europa. En entrevista con CBC Radio MontrealDylan declaró que después de escribir dicha canción ya no tuvo ambiciones de escribir una novela ni una obra de teatro. ¿Por qué? Es cuestión de escuchar con atención la letra: nihilista, irónica, cargada de sabiduría, totalmente rockera y aventurera, #Anubis


#LITERATURA FEBRERO 2014 poética. ¿Cómo se siente no tener nada de nada? ¿Qué puedes perder si no tienes nada? ¿Cómo se siente perder la imagen de una vida de un momento a otro? Es la canción de la posmodernidad. Si nunca has sentido lo Like a rollingstone describe, algo estás haciendo muy mal. La lista se complementa con canciones como Tombstone blues llena de versos muy complicados de descifrar:

#Anubis

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#Literatura

La muerte será un tema muy común en Highway 61 revisited, pero más que la muerte, la espera de ésta. Se deja ver más claro en Frombuick 6 en la cual Dylan hace alusión a la canción In my time of dying que aparece en su primer álbum. Frombuick 6 es un grito desesperado para encontrar alivio mental y existencial, alivio que se dirige hacia la muerte no como suicidio sino como descanso. No es una canción suicida. “Thesweetyprettythings are in bednow of course Para entenderla mejor hay que remitirnos al Thecityfather’sthe’retryingto endorse primer álbum. Es liberarse de un agobio de Thereincarnation of Paul Revere’shorse ideas, de situaciones y momentos: “I need Butthetown has no needto be nervous” a dumptruck, mama, tounloadmy head”. Esta parte del “descanso existencial” se verá Paul Revere fue aquel que dio aviso a las tropas de reflejado en otra canción del álbum: Queen las Trece Colonias cuando los ingleses desembar- Jane aproximately. La canción es una especaron por sorpresa, acontecimiento fundamencie de carta dirigida a Queen Jane, personatal para el inicio de la guerra de independencia je que no pasa por muy buenos momentos norteamericana. Jack el destripador liderando la y a la cual se le hace una cordial invitación cámara de comercio, Juan Bautista torturando a a olvidarse del mundo (“Won’tyou come un ladrón, el Comandante en Jefe persiguiendo see me, Queen Jane?”). La identidad de moscas, parecen ser personajes que construyen Queen Jane es un misterio. Como siempre, una dura crítica a la política de aquel entonces, cuando hay un personaje femenino, se encabezada por Lyndon B. Johnson. Durante cua- adjudica a Joan Baez. En este caso se hace tro estrofas Dylan hace una analogía de las políti- mucha referencia a ella por el parecido que cas bélicas que apoyó y propagó el político antes se encuentra entre “Jane” y “Joan”, además, mencionado. Se vuelve muy complicado entender porque en su momento Joan y Bob fueron muy bien por qué, sin embargo hay ciertas notas señalados como la reina y el rey del movinformativas las cuales sustentan esta teoría, noimiento folk. También se especula que tas en las que Lyndon está ocupado persiguiendo habla de Jane Seymour y Lady Jane Grey, moscas y mandando soldados a Vietnam para esposa y nieta de Enrique VIII, respectiva“salvar” a Norteamérica, aunque, por otro lado, mente. A pesar de estas suposiciones, y esté llorando la muerte y sufriendo por ésta: relacionando la canción con Frombuick 6, podemos suponer que se trata del mismo “Theking of thePhilistineshissoldierstosave Dylan, sustentada esta teoría con sus proPutsjawbonesontheirtombstones and flatterstheir pias declaraciones en las cuales señala que graves el personaje de Queen Jane aproximately Putsthepiedpipers in prison and fattenstheslaves es un hombre. Una especie de experimento Thensendsthemouttothejungle” poético, una especie de canción dedicada a la otredad. Esta idea la sustento bajo el Y si queda duda de la protesta que existe en la argumento de que Dylan también está canción, Dylan hace un pequeño homenaje a influenciado por T.S. Elliot y su Wastedland. WoodyGuthrie con el coro: “Mama’s in thefact’ry / Sheain’tgot no shoes / Daddy’s in thealley / La influencia de Wasteland se hace notar en He’slookingfor fuse / I’m in thestreetswiththeel largo y excelso poema con el cual cierra Tombstone blues”. el álbum: DesolationRow. No sólo en la pieza mencionada aparece el nombre del Elliot, aparecen otros personajes, reales y


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#Literatura

ficticios, como son: Ofelia, personaje de la obra Hamlet de William Shakespeare; Cenicienta; Noé y su arca; Caín y Abel; Einstein y Robin Hood;el Jorobado de Notre Dame. La canción comienza recordando una escena que marcó la vida de Dylan. Cuando éste era niño, durante un carnaval en su natal Duluth, Minnesota, llegaron 3 hombres africanos los cuales fueron acusados de haber secuestrado a unos niños. Los supuestos criminales fueron linchados, y la imagen de su ejecución fue vendida después en tarjetas postales (“They’resellingpostcards of thehanging”). Hay diversos escenarios y mensajes dentro de la canción: un malabarista atado a un comisionado ciego parece ser una alegoría al círculo folk; Cenicienta y Romeo, bajo estrellas que se esconden, pueden convertirse en una gran metáfora de la industria pop de aquel entonces; la marca de Caín como símbolo de la contracultura (algo que también se puede observar en la novela de Hermann Hesse, Demian). Si el poemaAullido, de Allen Gingsberg,es un poema que describe un escenario intenso, salvaje y moderno, DesolationRow es su equivalente pero en la pluma de BobDylan. El título hace referencia a DesolationAngels de Jack Kerouac, libro y autor que serían una influencia constante en el cantante de Minnesota. En una conferencia de prensa, Bob aseguró el 3 de diciembre de 1965 que DesolationRow era un lugar real ubicado en la frontera de México, cerca de una fábrica de Coca-Cola. Dentro del disco encontramos canciones directas como es el caso de Ballad of a thinman. Es una dura y aniquilante respuesta, quizá una de las mejores del álbum, dirigida a Mr. Jones. Por diversas declaraciones se sabe que el personaje fue un periodista que de alguna manera atacó o fastidió a Dylan, al punto de que éste le contestara con la canción. La identidad que más se comenta sobre el personaje de la Balada de un hombre delgado es Jeffrey Owen Jones, reportero de Times, quien entrevistó al cantante en el desastroso Newport Folk Festival de 1965, aquel en el cual hubo abucheos por parte del público por el nuevo sonido eléctrico de la banda. Otra teoría apunta a Max Jones de la revistaMelodyMaker. Nunca se ha dicho la identidad real del periodista ya que Bob considera que todos tenemos nuestro propio Mr. Jones (cosa totalmente cierta). Los líderes de las Panteras Negras, Huey P. Newton y Bobby Seale, incluso, aseguraron que la canción era de protesta, un reflejo de la sociedad de aquel entonces. La pieza que da título al álbum contiene una letra que hace referencia al cantante de blues BlindWillieMcTell, al personaje bíblico Abraham y a Luis XVI de Francia. A riesgo de equivocarme, considero que es una canción bop pues en cada estrofa se plantea un conflicto o situación, las cuales se solucionan o terminan en la carretera 61. Con esto sobran dos canciones: Ittakes a lot of laugh, ittakestraintocry y Justlike Tom Thumb’s blues; la primera es una clara referencia a la frustración sexual como se deja ver en la siguiente línea:“Don'tsay I neverwarnedyou / Whenyourtraingetslost”. También contiene imágenes cargadas de mucha belleza, mucha abstracción: sensibilidad ante la situación, sin dejar el blues. La segunda describe una Ciudad Juárez llena de prostitutas y alcohol, tapizada con bohemia. La canción se vuelve una descripción de ese momento. Inspirada claramente por Mi vida bohemia de Arthur Rimbaud y con una referencia al cuento de Edgar Allan Poe, Themurders of theRue Morgue. También se menciona Housing Project Hall, lugar que aparece en DesolationAngels. Te invito a que estés atento a Proyecto Anubis (http://anubisrevista.wordpress.com/) ya que ahí concluiré este pequeñísimo homenaje a Dylan hablando de dos grandes obras, diré, metanfetamínicas: su novela Tarantula y Blondeonblonde (1966).

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Bazar de fin de semana Zona Maco Por: Raúl Muñoz

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Galerías de Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Cuba, Dinamarca, Francia, Alemania, Italia, Islandia, Estambul, México, Perú, Portugal, España, Suecia, Suiza, Turquía, Reino Unido, Uruguay, EE.UU. y Venezuela.

Durante la semana del 5 al 9 de febrero se llevó a cabo la ambiciosa feria considerada como el evento artístico más importante de América Latina, donde se reunieron 19 galerías que presentan proyectos en solitario por artistas jóvenes entre 24 y 35 años en el área de Nuevas Propuestas, 21 galerías en Zona Maco sur donde se abordan movimientos sociales y políticos del mundo dando la posibilidad al espectador de reevaluar su entorno; 6 galerías centradas en arte moderno, y 22 galerías que fusionan arte y diseño en lo que más bien parecía un bazar. Alrededor de 1077 obras para mostrar todo lo que sucede en el mundo del arte contemporáneo, sus tendencias, corrientes y discursos de cada uno de los artistas en sus diversos formatos y disciplinas. Una atmósfera artística donde convivieron creadores, coleccionistas, curadores, amantes de las artes y publico en general en un ambiente de júbilo y exaltación dando una nueva personalidad a la escena artística en México, abriendo las posibilidades para fortalecer la identidad de América Latina en el mercado mundial del arte. #Anubis

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#Arte

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Sin duda un gran esfuerzo por incentivar el potencial artístico comienza a emerger. Los organizadores indicaron que esta 11ª edición de la feria de arte Zona Maco estaba regida por los lineamientos de la Société Anonyme, organización de arte fundada en 1920 por Katherine Dreier, Man Ray y Marcel. Después de describir todo lo grandioso de este evento, desde la perspectiva de sus organizadores y participantes, si bien es cierto que esto es una posibilidad que ningún otro museo o institución cultural en México puede ofrecer. Pero... ¿Qué pasa con el público? Como se puede leer en diversos muros de diferentes redes sociales este evento no fue bien aceptado. Un gran número de críticas negativas fueron expresadas en torno a la exposición acompañadas de fotografías de las diferentes obras. Habrá entonces que hacer hincapié y tratar de categorizar la corriente de este evento que estaba realizado para y por burgueses. ¿Qué pasa entonces en la mente de todos esos organizadores y artistas, en donde las “obras de arte” hacen denuncia del consu-

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mismo excesivo que promueven algunas marcas del capitalismo y denuncias de referencia social y política reflejadas en cuadros de 40 mil pesos? ¿Entonces donde queda la idea de que el arte es para denunciar lo político y socialmente incorrecto? ¿Juntar y envolver basura es arte? Si no es así, entonces ¿qué es el arte en un mundo como el actual? ¿De qué manera el artista debe empezar a moverse para que su expresión logre dejar huella y realmente provoque el flujo de emociones? ¿Es esto arte? Cuestiones que quedan latentes ante la mirada del neófito o incluso del “experto”. ¿Somos tan conocedores del arte que podemos distinguir el buen arte del mal arte? Nuestro sistema educativo nos da las armas y herramientas para poder leer el arte, pero, ¿podremos distinguir un Picasso de cualquier rayón de un artista contemporáneo? ¿Podrías distinguir un cuadro pintado por Jackson Pollock de uno por Secundino Hernández? A lo largo de mi recorrido el día domingo 9 de febrero por los pasillos y stands de las diferentes corrientes noté que el publico no se tomaba la mínima molestia de permanecer por más de


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5 minutos frente a cualquier obra y realmente observarla, pasaban de largo con sus bebidas en una mano y sus smartphones en la otra. De un stand a otro posando frente a las obras exhibidas para capturar una imagen. Entonces la crítica que se lee en las redes sociales será valida en los casos: llegar casi corriendo, posar de espaldas al cuadro “Pure Pleasure” de Víctor Castillo y enseguida pasar a la otra sección del recinto entre una multitud de “hipsters selfies” desesperados por tomarse la mejor foto con un filtro adecuado para compartirlas en Instagram. Se me ocurrió en ese momento un sencillo ejercicio: preguntar a cualquiera de esos “hipsters selfies” cuantos personajes conformaban la obra, o por qué había decidido tomar la foto que en ese cuadro le gustó más, si conocía el nombre del cuadro o del artista mismo, más allá de la idea de que un trabajo sea malo o no, seguramente no sabría qué responder porque no tenia la menor idea de lo que acababa de ver. La exposición estaba enfocada para incentivar la función social del coleccionismo como

medio para que el artista siga creando, la exposición al final quedaba reducida a un gran bazar y al pequeño número de personas, que podían comprar una obra, parecía un evento más bien de sociales, por los pasillos se podían ver desfilar a diferentes personas de varios medios como música y televisión, esperando el momento para que macotv los usara como anzuelos para que todos aquellos incautos pudieran caer al bazar de arte burgués sin sentido más grande que México pudo haber presentado.

Imágenes: Victor Castillo, Pure Pleasure, 2013-2014 Olof Inger, Kroppsfält, 2014. #Anubis

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El arte detrás de Leonardo Da Vinci Por: Leilanny del Castillo

El inicio de la Edad Moderna fue marcado por el Renacimiento, movimiento artístico surgido en Italia durante el siglo XV. Debido a su trascendencia no sólo en el arte (sino también en la literatura, ciencia y filosofía) es denominado como Movimiento Cultural o el Siglo de Oro. Este movimiento se caracteriza por su humanismo y retoma el clasicismo romano (grecorromano), deja de lado el aprendizaje medieval y el teocentrismo; se concentra en el antropocentrismo, ideología basada en el ser humano como centro del cosmos, la cual predomina en muchas de las obras, al igual que la investigación y uso de la «razón». Aún siendo arte antropocentrista no rechaza del todo lo religioso; sólo marca la "separación" del arte y la Iglesia, abriendo nuevos campos y/o temas por descubrir, es decir, ya no sólo se construían templos o catedrales, sino también universidades, palacios, calles, etcétera; el gremio pictórico encontraba nuevos enfoques en el paisaje y el desnudo. El Siglo de Oro se divide en dos periodos: • Quattrocento «Primer Renacimiento o Bajo Renacimiento». Florencia se vuelve la sede de la comunidad artística. Se promueve el coleccionismo de arte.

La Nascita di Venere. Botticelli Sandro. 1484. Temple sobre lienzo 278.48 cm × 172.48 cm. Galería Uffizi, Florencia, Italia.

• Cinquecento. Roma ahora se convierte en la nueva sede de esta comunidad, los artistas encuentran protección y apoyo del Papado, sin embargo se enfrentan a la "censura" ya que muchas de sus obras serían destinadas a lo religioso. El estilo arquitectónico del Renacimiento se distingue por el dominio de las formas clásicas, la claridad y la solemnidad. Los pintores hallan técnicas para crear movimientos tan reales, que expresan lo mismo: serenidad o inquietud (el sentimentalismo llega al límite).

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El Renacimiento se puede resumir en una sola persona: Leonardo Da Vinci. Hijo ilegítimo del notario Piero y la campesina Catalina, nació hace 562 años (1452) en la villa toscana de Vinci. Pese a ser hijo nacido fuera de un matrimonio, fue educado por su padre durante la niñez en una familia rica; su iniciación artística tal vez la hizo con su abuela, quien era ceramista.

Autorretrato de Leonardo da Vinci. 1510-1515. Dibujo con sanguina sobre papel, 33 x 21 cm. Biblioteca Real de Turín, Italia.

Desde niño resaltaba su enorme curiosidad por las colecciones de insectos, esqueletos, pieles y plantas. Si había algo que no podía conseguir lo dibujaba de inmediato. Con ayuda de su padre ingresa como aprendiz en el taller de Andrea de Verrocchio, pintor florentino al cual Leonardo siempre le estuvo agradecido, puesto que le enseñó distintas técnicas de pintura, escultura, grabado y sobretodo de dibujo. Además de métodos artísticos lo incitó a iniciar con mezclas químicas, entre otras muchas cosas. Tres años después, en 1472 finalizó su período de aprendizaje y fue inscrito en el registro de la Corporación de Pintores de Florencia como artista ayudante de Verrocchio. Fue hasta los 26 años de edad que se convierte en Maestro pintor.

Diez años después se traslada junto Ludovico Sforza a Milán. Entre 1482 y 1499 Da Vinci ejerce la ingeniería sin abandonar la pintura. Durante este período crea La Virgen de las rocas (1483-1486). En 1486 comienza a investigar al ser humano, su anatomía y su organismo. Hasta el año anterior, Leonardo solo realizaba obras religiosas, típicas de la época, siendo así que crea el mural de La última cena (1495-1497). #Anubis

L'ultima cena. Leonardo D Vinci Temple y óleo sobre yeso. 460 × 880 cm. Santa Mariadelle Grazie, Roma (Italia).

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#ARTE FEBRERO 2014


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#ARTE FEBRERO 2014 En 1502 Cesar Borgia nombra a Leonardo como arquitecto e ingeniero militar, para quien construyó máquinas de asalto. Los primeros mapas topográficos son realizados por Da Vinci cuando trabajaba para campañas militares. Después de la batalla de Anghiari, retoma la pintura. Mientras Leonardo se negaba hacer un retrato de Isabela d'Este (marquesa de Mantua), pintaba a Madonna o Mona, Lisa del Giocondo -esposa de un mercader florentino- a quien pintó con las manos cruzadas, mirando con una leve sonrisa. Trabajó en el retrato durante tres años. Un par de años después fue abandonando el arte. Debido a su obsesión por «volar» inició examinando el vuelo de los pájaros, estudió minuciosamente la estructura de las alas, experimentó con modelos (diseñó un paracaídas y un helicóptero) y reunió todas sus observaciones en un libro sobre el vuelo de los pájaros. El libro consta de cuatro partes: la primera trata del vuelo al mover las alas; la segunda del vuelo sin mover las alas, la tercera del vuelo en general y la cuarta del mecanismo del vuelo. En mayo de 1506 regresa a Milán. En 1507 Luis XII lo nombra pintor e ingeniero real. Da Vinci hizo investigaciones geológicas y destacó en estudios anatómicos.

En 1516 se marcha de Roma. Invitado por Francisco I, rey de Francia, le fue asignada la mansión de Cloux, en el valle del Loira. Decepcionado de sí mismo y con una severa artritis, muere el 2 de Mayo 1519, es enterrado en una iglesia de Amboise, que fue destruida por la Revolución Francesa varios siglos después. Más tarde son encontrados sus restos y llevados a la capilla de Saint Hubert en el castillo de Amboise. El legado… Leonardo da Vinci pasó toda su vida intentando inventar nuevas técnicas pictóricas, algunas de ellas sin el éxito que él esperaba, y la más sobresaliente es: Sfumato/Esfumado/Difuminado. Se sustituyen los contornos y las líneas de dibujo en las figuras por sutiles graduaciones de luz y color, al superponer capas muy finas de pintura en las que se oculta la pincelada. Sin duda alguna, Leonardo Da Vinci, era un genio, no sólo en el arte, sino en todas las ramas en las que se desempeñaba.

La Gioconda. 1503-1505. Leonardo da Vinci. Óleo sobre tabla, 76.8 x 53 cm. Museo del Louvre, París, Francia.

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Tim Noble y Sue Webster y el arte de la sombra Por:Lissete Paz

Hacer arte es un acto de sublimación, en él se busca llegar a una catarsis que nos conduce a una purificación. Generalmente buscamos en el arte algo hermoso, imaginamos materiales como estuco, madera, grafito, pigmentos de todo tipo de color, incluso encontramos el arte en una gran variedad de sonidos que nos crean una atmósfera de armonía. ¿Pero qué pasa cuando el arte es basura, literalmente? Los londinenses Tim Noble y Sue Webster, toman lo ordinario para transformarlo en originales obras de arte. Estos dos artistas al utilizar residuos desechados y criaturas disecadas, hacen montajes los cuales, apuntados con luz, proyectan sombras que forman imágenes reconocibles, como autorretratos y edificios como el Times Square y Las Vegas. Noble y Webster hacen de lo grotesco algo sublime. Este par de artistas llevan dieciséis años creando estos anti-monumentos donde mezclan las estrategias de la cultura moderna con una actitud punk de hacer arte de anti-arte. En su obra se muestran figuras que van desde una escena de la vida cotidiana (como un par de personas sentadas), hasta cabezas decapitadas siendo devoradas por cuervos.

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#Arte

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Lo interesante del trabajo de Tim y Sue radica en esta combinación de opuestos, artesanía y basura, amor y violencia, cultura y anti-cultura,produciendo estas obras irónicamente seductoras. Estos artistas son capaces de fusionar lo abstracto y lo figurativo teniendo un resultado meramente asombroso. Noble y Webster están familiarizados con la idea de la psicología de la percepción y cómo las personas evalúan las formas abstractas. Así, a primera vista, el espectador ve pilas de basura, pero una vez iluminadas, éste puede observar una gran variedad de formas. Desde su primera exposición individual en Londres, British Rubbish en 1996, Noble y Webster han gozado de reconocimiento internacional con exposiciones individuales en Rockefeller Plaza (Nueva York, 2008), The Freud Museum (Londres, 2006), CAC (Málaga, 2005), Museum of Fine Arts (Boston, 2004), PS1/MoMA (Nueva York, 2003), Milton Keynes Gallery (Reino Unido, 2002), Deste Foundation (Atenas, 2000) y The Chisenhale Gallery (Londres, 1999). Su trabajo fue incluido en Statuephilia —Contemporary Sculp-

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tors at The British Museum (Londres, 2008–09) y en la exposición Apocalypse— Beauty and Horror in Contemporary Art. Su obra se encuentra en las colecciones permanentes del Arken Museum of Modern Art, Copenhagen; Art Gallery of South Australia, Adelaide; Artis-François Pinault, Francia; Berengo Studio, Venecia; The British Museum, Londres; Dakis Joannou Collection, Atenas; Es Baluard Museum, Palma, España; The Goss-Michael Collection, Dallas; Honart Museum, Tehran, Iran; Museum of Contemporary Art, Denver; Museum of Contemporary Art, Los Angeles; National Portrait Gallery, Londres; The Olbricht Collection, Berlin; Project Space 176–The Zabludowicz Collection, Londres; Saatchi Collection, Londres; Samsung Museum, Seul, Corea; Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York. Bien dicen que la basura de uno puede ser el tesoro de otro. Puedes conocer más del trabajo de esta pareja en su sitio web http://www.timnobleandsuewebster.com


#Arte #Cine

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Phliladelphia

Por: Alhelí Montalvo Pantoja Título: Philadelphia Dirección: Jonathan Demme Música: Howard Shore, Bruce Springsteen y Maria Callas. Reparto: Tom hanks, Denzel Washington y Antonio Banderas. País: Estados Unidos Duración: 126 min. aprox. Producción: Jonathan Demme Guión: Ron Nyswaner Año. 1993

Philadelphia película realizada por el director Jonathan Demme, y protagonizada por Tom Hanks, muestra a un joven abogado contagiado de SIDA, al cual a pesar de su desempeño y excelencia laboral lo despiden argumentando que Andrew Beckett (Tom Hanks) era incompetente e irresponsable en su trabajo. Andrew al no creer las razones de su despido, decide demandar a la firma argumentando un despido injustificado y discriminación por su enfermedad. Busca a un abogado que lo represente en este juicio, después de ser rechazado por varios llega con Joe Miller (Denzel Washington) quien después de analizar el caso decide acceder a la representación de la demanda. En la película se hablará de la vida de Andrew; por un lado, en cuanto a cómo lucha con el SIDA, su vida personal, la discriminación pública por los medios de difusión, etc; y por el otro, el apoyo por varios grupos sociales a favor de Andrew. En cuanto al juicio podremos ver todo el proceso y las afecciones que llevó dicho caso a los demandados, a Andrew, su abogado y su familia. #Anubis

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#Cine

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Amor Índigo Por: Oswaldo Rojas

L’ecume de jours es el nombre original de la novela La espuma de los días escrita por Boris Vian en 1946. Vian fue un hombre que vivió rápidamente (murió a los 39 años de edad) y bajo muchas actividades: jazz, ópera, escritura, ingeniería, director de cine y traductor. Un personaje que encarno varios de los rostros, Boris Vian público varios cuentos y novelas con cierto éxito. El año pasado se estrenó una adaptación al cine de La Espuma de los Días dirigida por Michel Gondry que llevo por nombre Amor Índigo. Colín es hombre adinerado, inventor por hobby y amante del confort, digamos pues que es un bohemio, que se enamora a propósito de Chloé una mujer bella, amable y suspicaz. Ambos sienten un amor cursi pero sincero, amor que se vive en un París surrealista, lleno de situaciones aparentemente absurdas, donde comparten situaciones con sus amigos Chick y Alise, Nicolás e Isis, estos dos últimos son probablemente los personajes más realistas. Pero cuando Chloé enferma a causa de un “nenúfar” (lirio que crece dentro del pecho) Colín se ve en la necesidad de recorrer un mundo más visceral para ayudarla, donde conocerá los vicios de su amigo Chick amante del escritor Jean Sol Partre (basado evidente-

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mente en Sartre a quien Vian sí trato en vida) adicto también a las drogas que lo llevarán a la separación de la sociedad. En un principio la novela/película es una parodia pero existe una denuncia a la forma de producción y la forma en la que los trabajadores sobrellevan su vida, es una queja a la pérdida del individuo bajo las presiones sociales y económicas. Colín, atado por amor a Chloé experimentara el cansancio, la duda y desesperación que lo llevaran a vivir su humanidad fuera del confort.

Director: Michel Gondry Nombre: Amor Indigo Duracion: 125 minutos En cartelera de: Cineneca Nacional #Anubis


#MÚSICA FEBRERO 2014

#El jefe y la nueva cara de lo viejo

Por: Gustavo Díaz Salas #BruceSpringsteen está de vuelta con gran esperanza. Se trata de #HighHopes, que desempolva momentos del pasado y les da una nueva cara. El cantautor originario de Nueva Jersey y de la cuna de Columbia Records y la mano que la mece de John Hammond (al igual que #BobDylan con quien fuese comparado), nos deja un sabor de boca contrastante; entre éxitos del pasado renovados y frescos, contagiosos aunque fugaces.

La nueva versión de #TheghostofTomJoad publicada en 1995 para su álbum homónimo es un cambio radical que pasa de un estilo folk con corta duración, a un potente rock de sonidos electrónicos con la participación (como en todo el álbum) de Tom Morello, guitarrista de Rage against the machine en un solo de guitarra que recuerda al rock progresivo inglés.

High hopes rescata canciones como Down in the Hole, que fue descartada del álbum Therising. #FrankieFellsInLove que fue descartada de Magic y, que es quizá la mejor canción del álbum. Y American Skin(41 shots), una composición de siete minutos que había sido tocada en vivo desde el primer lustro del siglo XXI y ahora ve la luz en una versión de estudio, con una participación sublime de Morello. Podríamos decir que en este disco de Bruce Sprinsteen no hay nada nuevo salvo lo viejo, la insoportable novedad de lo antaño; High Hopes ofrece un estilo clásico del compositor de #BornInTheUSA. Hecho para los fans, con un sonido agradable y potente, High Hopes es un experimento original de remezclas de rock y no de remixes fiesteros; una reencarnación de ideas.

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#Música

En el disco se alinean 12 canciones, entre nuevas composiciones, otras que fueron sentenciadas a quedarse fuera de la luz pública hasta esta producción, ediciones nuevas de éxitos anteriores de #Theboss y tres covers, incluida la canción que nombra al álbum.

Las versiones que El jefe hace de High hopes de TheHavalinas y Justlikefirewould de TheSaints es una envoltura con ese sonido esencial del rock de estadio, que incluso, podría poner a cantar y bailar a más de uno. Dreambabydream, original de Suicide, es un cierre ligero.


#MÚSICA FEBRERO 2014

Un buen concierto por menos de 100 pesos Por: Cynthia Jaimes

#Música

Burocracia Cósmica es una banda callejera que fusiona diferentes géneros musicales, logrando una mezcla cautivadora y sublime, con la que han conseguido un gran número de seguidores. A pesar de ser una banda joven, han incursionado en el mundo de la música underground donde, por su talento, han sido invitados a algunos festivalesen diferentes partes de la República Mexicana. Axel, David, Guille, Pepe y Ulises son los integrantes de este grupo prometedor.

REVISTA ANUBIS se dio a la tarea de entrevistar a 4 de los integrantes de la banda; todos fueron bastante accesibles y amables. La plática con ellos se hizo muy amena y agradable, pero la cereza del pastel, sin duda, fue escucharlos tocar. No les miento cuando menciono que son una banda cautivadora. Pepe, el baterista, fue quien nos narró cómo fue que surgió Burocracia Cósmica: <<Ese día yo venía caminando cuando encontré a Guille en la calle de Motolinia tocando el citar. En ese momento lo conocí. Siempre en mi mochila cargo baquetas, y me iba a poner a tocar en un poste que estaba ahí, pero pensé que ese era su momento y que él estaba hacien-do su trabajo así que lo esperé hasta que terminó. Me le acerqué y le dije que yo era baterista. Le pasé mi número telefónico. Pensé que no me hablaría pero sí lo hizo. Al día siguiente nos vimos donde él tocaba nor

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“Me le acerqué y le dije que yo era baterista. Le pasé mi número telefónico. Pensé que no me hablaría pero sí lo hizo”


#MÚSICA FEBRERO 2014 Guille que lo invitáramos. Él me contestó que no, ya que los jazzeritos eran medio mamones y pesados, pero David fue el que le habló y le invitó a echarnos un palomazo>> Y así fue como comienzó la banda.

“En otra ocasión nos movimos al Callejón Condesa, fue donde conocimos a David; él estaba con su banda y le pedimos permiso para estar ahí. Dijo que no había problema y, escuchándonos mutuamente, decidimos invitarlo. Él a su vez invitó a su compañero de saxofón, Ulises. Tiempo después se agregó el último integrante, Axel; a él lo conocimos cuando fuimos a tocar un día a la Glorieta de Insurgentes. Le sugerí a

Como ya se había mencionado, Burocracia Cósmica ha logrado incursionarse en distintos festivales musicales. Pero ¿cómo fue que se les abrieron las puertas de éstos? <<La gente que nos escucha, nos recomienda por el buen sonido que tenemos sin necesidad de tantas cosas. Aquí lo que nos ayuda es la acústica de los edificios que tenemos al frente y detrás. Hay dos ventajas que tenemos para darnos #Anubis

Esta banda sabe que la calle ha sido su aliada para su difusión, sin embargo, no se salvaron de los problemas por “la mafia callejera”: <<Generalmente en el Centro es complicado ya que la policía está vinculada con la mafia, principalmente los P.A., y debido a los problemas nos dimos a la tarea de conseguir cartas de recomendación del Sanborns, del 5to piso de informática del Banco de México, Inbursa, la Torre Latino también nos apoyó con una e incluso el Instituto Nacional de Bellas Artes nos ayudó, ya que uno de nosotros estudió en el INBA. También hemos participado en presentaciones gratuitas por lo que nos denominan patrimonio cultural de México, sobre todo porque estamos creando en nuestro país. “Y respecto a los problemas con la mafia, aunque suene apático, sé que no se quitarán jamás, porque no sólo

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#Música

malmente (calle de Motolinia) y fue en ese momento cuando comenzamos a tocar los dos; empezó a juntarse la gente mientras nosotros improvisábamos. No sabíamos bien cómo tocábamos pero a las personas que estaban escuchándonos parecía gustarles.

David, el más puntual de los integrantes, nos contó de dónde surge el nombre de Burocracia Cósmica: <<Hay una canción de Les Luthiers que habla de cómo las cosas circunstancialmente se empiezan a juntar, de cómo el mismo destino lo arregla. Cada uno tenía problemas con sus respectivas bandas, y por esa situación comenzamos a juntarnos. Tal vez una burocracia como tal, no, pero sí puede ser una burocracia musical, ya que no queríamos seguir los patrones: ni cantar covers, ni tocar jazz, música clásica, etc. Fue una analogía>>

a conocer: una es que la calle es la mejor forma de promocionar y la segunda es que la gente toma videos y fotografías para después subirlo a Internet, logrando que otras personas navegando en la web nos encuentren, pues lo que normalmente la gente busca es música. Porque la música cura el alma, así es como nos contactaron para el Festival de la Cerveza en Cuernavaca>>


#MÚSICA FEBRERO 2014

músicos recientes tenemos ese problema, personas que tocan aquí desde hace 30 años siempre se han encontrado con ellos pidiendo $50 por el “derecho de piso”, y a veces a la policía hay que darles de nuevo. Es parecido a lo que hay en el Metro. Ahorita ya nos dejan tocar sin broncas, ya no se meten con nosotros como artistas, sin embargo, la Ley de Cultura Cívica no nos protege ni defiende nuestra libertad de expresión. Esta ley sobrepasa a nuestra Carta Magna>>, aseguró David. Ninguno de ellos esperaba el éxito que han tenido gracias a sus presentaciones callejeras. En verdad es algo inusual el hecho de que la gente ya vaya a verlos exclusivamente y tomen asiento en la “comodidad” de la acera. Guille contó sus expectativas después de los problemas de la banda: <<Obviamente fue difícil. Por un lado estuvo la resignación pero del otro nos dio más fuerza y nos impulsó a tocar más fuerte. Dentro de todo hay distintas propuestas. Nos gustaría tocar más en otros lugares, otros estados, más festivales, otros mundos. Sin embargo no está en planes dejar la calle, nunca del todo.>> Por último, Ulises nos compartió un poco su perspectiva hacia el arte callejero: <<Faltan muchos espacios para los artistas que hay, y también hay mucha gente que no tiene el talento y desvirtúa un poco el nivel de los demás artistas callejeros.>>

#Música

Aquí tienen a una banda especial. Ellos nunca tuvieron el plan de formarse, mucho menos imaginaron que su música (fusión entre jazz, funk, blues, entre otros géneros y estilos) logrará el éxito que ha conseguido. Burocracia Cósmica es una banda que puede presumir que sus seguidores no son de paso. ¿Aún no me creen? Pues los invito a visitar el Callejón Condesa, entre Madero y 5 de Mayo este fin de semana (justo a un lado del Sanborns de los azulejos que está sobre calle Madero). Les prometo que les va a encantar. Axel: Guitarra y efectos David: Sax, tenor y Flauta transversal Ulises: Sax soprano y clarinete Pepe: Bateria Gullermo: Citarel y bajo

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#Anubis

“La Ley de

Cultura Cívica no nos protege ni defiende nuestra libertad de expresión”


#RECOMENDACIÓM FEBRERO 2014

Falla generacional

No sé nada de ella como persona humana, su origen o historia familiar los ignoro, lo mismo que su edad exacta, ni sé cuál sea su color favorito, pero dentro de mí su poesía nuevas alas construyó. Sin saberlo ella, me di cuenta de que en un instante habló por toda una generación, mi generación que grita al mundo y nadie quiere escuchar. Falla generacional es un bello y poderoso poema que va tejiendo en cada palabra conexiones, uniones que resuenan en la joven sociedad de los noventa. #Anubis

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#Recomendación

Jóvenes que desde nuestro nacimiento fuimos condenados a luchar contra un país viejo, Por: Ana Paulina Pérez García arraigado y sumergido en su historia, temeLa tarde era cálida, el primer round se anuncia- roso, un país que huye de nosotros de una juventud que no vive de dioses, ni de hijos, ba, el jurado del combate estaba atento a las acciones de las poetas; la réferi lanzó la mone- de instituciones, ni historia, que construimos realidades, nacidos de la nueva revolución, la da al aire, dando comienzo así a la pelea, los revolución tecnológica, que nos arma de conoversos leídos en voz alta caían uno a uno; de cimiento y nos vuelve más poderosos… ambos lados el ring de poesía se manchó de fuerza verbal, vocales y consonantes perfumaron el aire, la pelea reñida se tornó, los aplausos predicaban empate; pero la última palabra en el jurado estaba. Lluvia de rimas empaparon la escena cuando una de ellas un “Ondeamos vaporosos como la devaluación gancho de prosa metió en mi cabeza… “¡Soy del peso”, de la generación de los noventa, sin herencia, mi hogar es la lágrima del mundo que rueda y “Tenemos los puños rajados por pegarle al sol”, rueda carreta de lagartos desbocados, imanta- “Con la frente sibilante y la sonrisa de metralla, nos dedicamos a masacrar a la gente: Somos ción del contraste y algarabía! Recitaba”, poetas”. palabras que recorrieron mi cuerpo. “¡Soy de la generación de los noventa y nos estamos incendiando!” vibró dentro de mí, los versos continuaron, ahora toda mi atención en ella estaba. El fin de la pelea llegó, el triunfo para la otra poeta fue; pero dentro de mí aquellos versos seguían sonando. Sin pensarlo dos veces me dirigí hacia la mesa donde vendían los libros de l@s poetas participantes, buscando aquel que hace unos momentos me hiciera temblar: Mi Rubik, ese es el nombre del pequeño libro que resguarda el lenguaje de una joven poeta: Joana Medellín. Mientras recordaba lo que dice Don Quijote al hijo del Caballero del Verde Gabán, que los buenos poetas en los concursos ganan el segundo lugar, porque el primero les toca a los buenos políticos.


#Recomendación

#RECOMENDACIÓN FEBRERO 2014 Fue tan fuerte el efecto de esos versos en mi conciencia que ahora me tienen escribiendo esto como una sonámbula, como una poseída por la poesía, versos que brotaron aquella tarde de su roja boca y perforaron en mi como balas, versos, hermosos versos salieron de ese pequeño cuerpo, palabras adornando su enmarañado pelo, rimas que iban tejiendo sus medias rasgadas, estampas adornando su pequeño vestido, versos que la hacían lucir poderosa, embriagada, versos conduciéndome a la poesía que hoy nos une, que nos arrastran a la sagrada condena, dos corazones unidos, almas conectadas, dispersas en el cantar de los cantares, poesía refugio que nos preserva de las obviedades, la que da lo que no hay, la que transforma, destruye y diluye la justicia violenta de lo que no es, bien hallad@s l@s condenad@s a la poesía, a lo inexpresable, a los que como Joana buscamos

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dar forma a lo que no tiene forma, dar nombre a lo que no tiene nombre, taparle la boca a la mudez, justicia destruyendo mi naturaleza, justicia que regresa con la palabra. Falla Generacional es un poema tremendo que dibuja el sueño de toda una juventud, rimas que llaman a la apertura total de toda una vida generacional, liberan su cuerpo, la carne y el alma. Y escribo este comentario para hacer viral su efecto. Hay que leerlo y leerlo con mucho cuidado si eres de la generación tremenda de los noventa. HETAIRA LÓGICA Aquí les dejo la liga donde podran leer “Falla Generacional” => http://anubisrevista.wordpress. com/2014/02/11/poema-falla-generacional/


A través de las ventanas

Más allá de las respuestas considero que la estética no debe ser un factor, lo que me lleva al segundo punto: los Likes. El argumento más divertido que encontré fue aquel el cual decía que el tener muchos Me Gusta no era sinónimo de belleza, como si las chicas (para futuras referencias las denominaré como como chicas no-nice) defendieran la relación deditos arriba-belleza. Dudo mucho que el Like tenga que ver con la estética; quizá desa-rrolle otro tipo de situaciones entre l@s usuari@s, más o menos hedonistas.

Parámetros

Por: Mariano Alberto Hernández Yberry Mientras navegaba por las aguas virtuales de Facebook, me encontré con varias publicaciones en las cuales se hacía burla o se ofendía a una joven (distinta en cada caso) la cual mostraba sus senos a través de un escote, enseñaba parte de sus piernas o parte de sus nalgas. Como buen chismoso, me metí a los comentarios de dichas publicaciones para ver qué se comentaba en el ágora posmoderna. Leí muchos comentarios -que no argumentos- para lo que parece ser una molestia compartida por vari@s usuari@s de la red social: las mujeres que enseñan mucho de su cuerpo o que son promiscuas, no DEBEN (sí, tal cual) subir ese tipo de fotos. El primer argumento aludía a la estética. Según los detractores de este contenido hay de fotos sexy a fotos vulgares. Por supuesto l@s que están en contra consideran que ell@s saben qué sí es sexy y qué no lo es. ¿Sólo lo bello debe ser permitido? ¿Toda publicación debe estar sometida al estándar de belleza actual, o no es permisible? L@s usuari@s que han comenzado una campaña negra contra estas jóvenes, ¿se consideran bell@s ante todo el mundo, que sus fotos son “impecables”? Lo que se denomina vulgar siempre ha sido subversivo. Por alguna razón la humanidad se niega a ciertas imágenes por considerarlas mundanas, humanas y muy reales. En la historia de la humanidad, grandes mentes han sido consideradas hasta perversas por no negarse a la vulgaridad, o a la definición del momento de este concepto.

El comentario más repetido fue aquel en el cual tachaban de zorras a las chicas no-nice, algo, al parecer, terriblemente repro-bable. ¿Tiene algo de malo que las mujeres manden señales donde digan que están dispuestas a entablar relaciones sexuales con quien corresponda al mensaje? ¿De veras está mal la promiscuidad femenina? Vivimos todavía en una sociedad muy fa-logocéntrica en la cual la poligamia es aún mal vista. Me interesan poco las mujeres que suben una foto de su pezón para mostrarse dispu-estas al coito; me interesan aún menos las chicas que critican a las chicas no-nice y creen que la propia mordida del labio sí es sexy, y por tanto, permisible. Es una apología a la libertad, no sólo sexual, también a la libertad de publicar mi cuerpo cómo sea y por las razones que me vengan en gana. Concluyo, ergo, con esto: publica lo que quieras de ti: tu seno, tus nalgas, tu boca, tus ojos, tu cabello, tu vulva. Sólo un consejo: cuida las imágenes que subas. Al final del día, una vez hecho público el contenido, muchas personas pueden tener acceso a él. Si vas a suvir una foto, publicar un estado, o hacer chekc-in en algún lugar, toma en cuenta la publicidad de las redes sociales. Más allá de la moralidad o las críticas, nunca sabes a quién le pueda caer ese contenido y qué uso le puedan dar. Es la regla de oro: publica sólo contenido del que te puedas hacer responsable.

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#Columna

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#Columna

#COLUMNA FEBRERO 2014

El apantallador #DeLasProyeccionesSobreLaCancha #I rios de presentadores y una determinada calidad de imagen y audio, sin el riesgo de empaparse de lluvia o asolearse.

Los eventos deportivos, como los artísticos, son proyectados en el cine. Éste es el caso de la #NFL y de algunos partidos de futbol soccer. El ambiente de cancha se vuelve alterno a la transmisión en vivo a través de una pantalla de alta resolución, la experiencia real se transforma en una experiencia cercana a la realidad. ¿Por qué preferir una sobre la otra? ¿Por qué la afición del mexicano por estos deportes preferiría una proyección sobre la cancha? Algunos factores que influyen en esta elección se explican brevemente a continuación: a) Es inevitable tomar en cuenta la calidad del evento.Cabe aclarar que no es mi intención poner en una misma ecuación un “espectáculo deportivo” de la talla del #SuperBowl, con un partido de la #SelecciónMexicanaDeFutbol (aunque podría hacerse con una final de #ChampionsLeague), sino la experiencia sensorial de cada evento; uno visto desde las gradas y otro visto desde una sala cerrada través de una pantalla, así como la accesibilidad económica a los inmuebles. b) Las enormes pantallas de los cines ofrecen una experiencia cercana a la realidad, que no deja de ser manipulada por los muchos enfoques de las tomas, los comenta-

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Del otro lado de la balanza está el ambiente del estadio: los coros y porras de la afición. No hay más visión que la de nuestros ojos -a los que se interpone el vendedor de cervezas o botanas- y el único presentador es el sonido local. Es un espacio abierto sin refugio que cuenta con probabilidad de lluvia o calor incesante. c) La accesibilidad a los recintos es otro factor determinante. Un boleto en México para ver un partidodesde cualquier butaca en el cine cuesta alrededor de 70 pesos, mientras un boleto para el estadio va desde los 90 en la parte más alta, ascendiendo hasta los 700 pesos mientras más cerca se esté de la cancha. La admisión a un Super Bowl es distinta. Los boletos van desde los 30 hasta más de 200 mil pesos. Cabe recordar que el precio de los boletos del último partido de NFL que hubo en México un inolvidable 2 de octubre de 2005 entre los Carde-nales de Arizona y los 49ers San Francisco –de temporada regular- en el Estadio Azteca, se pagaron de 300 a 1000 pesos. Es un hecho que ante estos fenómenos, las pantallas se antepongan a los estadios, acortando distancias y reduciendo gastos, ofreciendo una grandiosa calidad audiovisual. Sintetizando: la acción cercana a la realidad es más económica que la real. Sin embargo, desde esta perspectiva una cosa es cierta: la NFL volverá a México sino hasta cuando haya un estadio más accesible, moderno, que corresponda con los lujos y necesidades de los estadios norteamericanosaunque haya cines VIP con pantallas de tecnología Imax 4k.

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#COLUMNA FEBRERO 2014

Macktub Estaba escrito en las redes Lo negativo de esto no es la página de Internet, sino que la gente realmente crea estas noticias, no consulte ningún otro medio; todo esto pese a que el Deforma tiene un aviso legal que notifica de la fantasía de sus notas.

Las redes sociales y la viralización

Por: Kyo Escamilla Hernández En estos tiempos de incredulidad a los medios “oficiales” de comunicación, han surgido diversos medios de información alternativa con tendencias de izquierda o con una manera divertida de dar las noticias, pero dentro de estos medios existen otros que publican ingeniosas notas falsas como el Deforma.

Si esto pasa con un medio que no oculta el tipo de contenido que ofrece, ¿qué pasará con los medios que publican contenidos falsos sin notificación alguna? Se supone que la gente que maneja Internet tiene un nivel mayor de acceso a información pero en televisión, radio o internet pueden dar las mismas noticias falsas o verdaderas, aquí la diferencia la marca el lector.

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Hermoso y desconocido

Lo malo Este calzado no es para todos, sólo existen 1, 500 pares. Lo feo

Tenis del futuro Por: Anabel L. Borja

¿Qué tienen en común Michael J. Fox y la enfermedad de Parkinson? El par de tenis Nike MAG de Volver al futuro II (título original #BackToTheFutureII). Imposible olvidar esta escena: Marty McFly es llevado al futuro (año 2015) por el Doc Emmett Brown. El científico le da ropa de la época para no desentonar con su atuendo de los años 80. Entonces Marty, sentado en el DeLorean con las piernas hacia afuera, se pone un par de tenis Nike MAG, toca un botón y automáticamente, se ajustan los cordones a la medida de su pie. ¿Alguna vez soñaste con tener los tenis de Marty McFly?, seguramente sí, ¿quién no? ¿Nuestros zapatos tenis se atan solos ahora que hemos alcanzado el futuro? Hubiera sido genial que eso fuera cierto… ¡espera!, ¡sí lo logramos!, en 2011 salieron a la venta, por parte de la empresa Nike, réplicas exactas de MAG, el calzado que usó Michael J. Fox en la legendaria película.

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Éstos tienen el mismo diseño que los de la película, un panel de luces LED, un logo luminoso y una batería que los mantiene encendidos durante cinco horas. El único problema es que estos zapatos tenis no se atan a sí mismos. Se vendieron durante diez días (del 8 al 18 de septiembre de 2011), en una subasta de eBay, limitada a 150 pares por día, y el mejor postor pagó hasta $8 000 dólares por uno de ellos. Lo bueno Lo recaudado en la subasta, por la venta de los Nike MAG, se destinó como donativo para la fundación de Michael J. Fox para la investigación del mal de Parkinson, enfermedad que él padece. El modelito, según Sole Collector, promete mejorar para el 2015, será como vivir un dejavú. Durante una entrevista en Nueva Orleans, el diseñador Tinker Hatfield, sugirió que los cordones automáticos aparecerán el próximo año. Hasta ahora no se han difundido particularidades de cómo será el nuevo modelo, pero es inminente que en un futuro no muy lejano se irán sabiendo muchos detalles más.

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Anubis Febrero 2014  

Anubis Febrero 2014 Anubis es una revista de Grupo editorial Noema. Publicación dedicada al cine, al arte, a la música y la literatura en l...