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Corazón Milán, Ana Aristimuño, Ana Schaffner, Candela Bado, Ciro Jaumandreu, Diego Nessi, Ernestina Pereyra Gallo, Ernesto Rizzo, Fabricio Guaragna, Guadalupe Ayala Alaska, Gustavo Elola, Jacqueline Lacasa, Joacques, Lucía Fernández, Manuela Aldabe, Matías Muten, Murilo Acosta, Natalia Lecueder, Natalia Torterolo, Pablo Musé, Paola Monzillo, Santiago Martins, Sebastián Sáez, Sofía Martínez, Teresa Puppo, Valentina Cardellino, COLECTIVA CARETA Leonardo Anne, Nea Apocalypta, Bruno Nogueira, Shuliza Dura, Kevin Royk, Hiela Pierrez.

Participan


Live 2021 nace de la idea de generar un encuentro para mostrar los trabajos de les artistas que habitan la Pensión Cultural Milán, espacio en el que desarrollan sus prácticas artísticas. Surge como una experiencia de autogestión del espacio y de trabajo colaborativo, partiendo de la necesidad en les mismes artistas de interactuar, de generar comunidad que albergue inquietudes estéticas y artísticas, que propenden en le artista el vínculo y el gesto en función de una participación más activa y dinámica. Es en esta medida una experiencia que habilita la reflexión y la práctica de los participantes en las diferentes tareas que conlleva la propuesta, desde la producción y el montaje hasta la curaduría y la difusión. Este proceso ha supuesto validar e intercambiar sobre las diversas maneras de hacer, desde los diversos enfoques, los conocimientos provenientes de cada participante y desde las diferentes áreas que lo constituyen. Se ha conformado como una experiencia potente, de encuentro y aportes, que ha permitido el uso de métodos, habilidades y estrategias a través de las cuales los artistas pueden guiar, aportar, apoyar la tarea colectiva, logrando el objetivo de generar una propuesta autónoma, un encuentro de diversos lenguajes, experiencias y trayectorias. Los partícipes de live 2021 buscan recursos, generan alianzas, encuentros, instalan la posibilidad de la práctica colaborativa, desde la producción independiente, desde la construcción de un espacio habitados por todos. Ana Aristimuño


Bruno Nogueira

El Beso


¨El Beso ̈ tuvo como punto de partida la experimentación de la vulnerabilidad y la confianza en el proceso de trabajar junto con lxs modelxs siendo por primera vez fotógrafo e intérprete. Representa por el lado personal, la libertad de desnudarse, más allá de lo sexual, rompiendo con las barreras y prejuicios sobre mi propio cuerpo, sellando con un “beso”, la confianza y la conexión que siento con las personas en cada sesión de fotos. En paralelo, en una visión más general, la obra tiene que ver con la expresión de la belleza de lxs cuerpxs por fuera de la hegemonía de las estructuras sociales.

Bruno Nogueira Nací en 1990 en Montevideo, Uruguay. Soy fotógrafo autodidacta. Estudié Diseño Gráfico en Bios y cursé 3 años en el Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes (IENBA); en 2018 participé de Lugar, Laboratorio de creación de proyectos fotográficos (taller de los fotógrafos Diego Vidart y Pablo Guidali), donde desarrollé mi proyecto “El Beso”. Influenciado por la música pop y revistas de los 90s, mi investigación artística partió desde un lugar muy visual y estético, por lo que me dedico a la fotografía de moda desde 2010. He trabajado para diferentes revistas y marcas de ropa en Uruguay, Chile, Colombia, Argentina, Paraguay, México, Alemania, EEUU, Japón y Nueva Zelanda. Participé en 2013 en la Fotogalería de Parque Rodó con Llamale H y en 2019 en la exposición colectiva “Sin Censura” en el Teatro Solís. Actualmente estoy indagando en el mundo de la serigrafía en el Taller Ferrando. @brunoilusorio


Natalia Lecueder

Sin título


Un cuerpo que se desgarra Un cuerpo dinámico Un cuerpo sujeto por si mismo Un cuerpo vulnerable Un cuerpo que va más allá de su materialidad, es espacio, contexto, memoria y propósito.Me encuentro investigando las formas en las que el cuerpo humano se ha tematizado durante la historia y cómo fue integrando estos conceptos hasta hoy, una contemporaneidad que contiene a cuerpos disidentes de las formas dadas, antiguas y actuales.

Natalia Lecueder Me encuentro investigando las formas en las que el cuerpo humano se ha tematizado durante la historia y cómo fue integrando estos conceptos hasta hoy, una contemporaneidad que contiene a cuerpos disidentes de las formas dadas, antiguas y actuales. @nat_lecueder


Murilo Acosta

Sin título


Inspirado en la década de los 80’s, tomando como referencia al colectivo Memphis y Keith Haring, se presentan 4 cuadros pintados en acrílico. Tres de ellos de 50x50 cm y uno de 100x120cm. El uso de patrones y formas geométricas rígidas logran un cierto placer estético que mezcla el caos y el orden. Al exponer las pinturas a luz ultravioleta se revelan nuevas imágenes ocultas por la transparencia de pigmentos fluorescentes.

Murilo Acosta Nace en el estado de Santa Catarina, Brasil, en 1988. A los ocho años de edad, su familia se radica en Uruguay. Su formación artística comienza desde muy temprana edad en el taller de artes plásticas de su padre, donde pasa largas horas de su infancia. Es egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes. Actualmente, su trabajo está orientado al dibujo, la pintura, la escultura y técnicas mixtas. @taller.m.acosta


Sin título

Ana Schaffner


Mi búsqueda actualmente se centra en la esencia de la escena, de la imagen, captar el momento, la energía de lo vivo, la materialidad blanda del cuerpo contrastada con las figuras geométricas del espacio; las formas puras, abstractas que lo hacen resaltar, exaltando la vida dentro de contextos aparentemente inanimados, exaltando la presencia del espacio, su energía, el espacio "entre"; la energía en movimiento, la interacción de estos cuerpos en el mundo de lo visible. Hacer visible lo invisible.

Ana Schaffner Artista plástica, arquitecta, paisajista (Montevideo, 1972). Licenciatura en Artes Plásticas y Estética y Diploma en Estudios Universitarios Generales en Artes Plásticas La Sorbonne, París I. Talleres de Bellas Artes de París, 1990 a 2013, profesores artistas Antoine Petel y Brigitte Guy. Talleres de Clever Lara y Alvaro Amengual, en Montevideo. Exposiciones colectivas en Sede de la Unesco en París, Talleres de Bellas Artes de París, Centre Saint-Charles, La Sorbonne y en la Universidad ORT Uruguay. Residencia de artistas en la Cité Universitaire de Paris. Arquitecta Ecole Nationale Supérieure d'Architecture de Paris Val-deSeine y UDELAR. Master en Paisajismo y Doctorado en curso, Ecole Nationale Supérieure de Paysage de Versailles y Ecole Nationale Supérieure d'Architecture de Paris-La-Villette, Paris VII. Posgrado en Alta Calidad Medioambiental ENSP Paris La Villette.


Santiago Martíns

Sin título


Mi trabajo aborda la imagen. A partir del color busco un camino por donde entrar en ella. Esto me lleva a trasmitir atmósferas difusas en un principio y en el transcurso del proceso voy descubriendo cómo realzar lo figurativo en ellas.

Santiago Martins. Nací en Montevideo en 1988. Desde hace 8 años investigó el lenguaje de la pintura. Hoy en una búsqueda en un formato pequeño que me permite investigar más exponencialmente este lenguaje. @santiago.o.martins


Natalia Torterolo

Alta Tensión


Alta tensión Sin highlights. Residuos en la imagen, de lo que fue. Entradxs ya en la nueva era de la reproductibilidad de second lifes. La verdad, cuestión liviana. Cómo desentramar la misma red que nos sostiene? Esta pieza/ instalación es realizada para la fecha puntual de Pensión Milán 2021. Derivada de la investigación que comienza en la serie *señales (con espectros que saltan de una dimensión en otra mediante la aparición de señales); en esta oportunidad el lenguaje, la comunicación y la verdad se desdoblan para componer y contener la red/ realidad.

Natalia Torterolo Nace en San José, Uruguay, en 1988. (la obra) Mi obra revela el conflicto de las relaciones psicosociales del sujeto. Abordo lo complejo desde una práctica transversal. Las estrategias de producción y circulación de la información, me cuestionan acerca de qué es lo político. Exploro así diferentes técnicas y medios, componiendo piezas que generan espacios indefinidos y atmósferas transportadoras. https://linktr.ee/nataliatorterolo


Leonardo Anne

Fantasía


Serie de ilustraciones digitales “Fantasía” Habla sobre la expresión de género como una construcción social, donde cada persona puede autopercibirse con la identidad con la que se sienta cómode creando así su propia fantasía, sintiéndose empoderades, cuerpes deseades más allá de la biología y reconocides como humanes. Estas ilustraciones son diseños que van a ser tatuados en piel, mi proyecto como tatuador es @wiqueerink

Leonardo Anne Nació en Tierra del fuego, Argentina. Realizó estudios con especialización en arte y diseño. En Buenos Aires continuó sus estudios superiores en fotografía y cine, desarrolló obra de forma autodidacta en otras disciplinas como murales, instalaciones y performance. Actualmente reside en Montevideo y desarrolla su proyecto de espacio queer, tatuajes e ilustración. @wiqueerink


nea.apocalypta

Valentina Cardellino


Acrílico en confinamiento. El pincel rompe el protocolo. Mi cara a menos de un metro del lienzo, sin tapabocas.

Valentina Cardellino Montevideo, 1985. Artista visual y Arquitecta. Egresada de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo (FADU-UdelaR). Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes (IENBA-UdelaR), en el Foto Club Uruguayo y en diversos talleres de arte en Montevideo. valentinacardellino.com


Teresa, hija de Blanca, nieta de Antonia, bisnieta de

Teresa Puppo

Sabina

Este retrato se llama “Teresa, hija de Blanca, nieta de Antonia, bisnieta de Sabina”. Está realizado con pintura acrílica sobre tela. Forma parte de la serie de retratos de las mujeres de mi familia que mostré en el año 2015, en el Museo Zorrilla, en la exposición "Entrañable", cuando inicié la búsqueda de mi ancestría indígena, legado de mi abuela. “Entrañable” propone develar zonas oscuras de la matriz social e histórica que nos constituye, como abordaje a la conflictividad del presente. A través de diversas prácticas artísticas interdisciplinarias y territoriales busca agrietar las memorias individuales e indagar en los secretos familiares, historias mínimas invisibilizadas y ocultas que devienen traumas socioculturales.


Teresa Puppo Trabaja como artista desde los años 80. Ha hecho cine experimental, usando cámaras analógicas y material fílmico súper 8 y 16 mm, y ha realizado acciones poéticas, filmperformances con proyectores analógicos, fotoperformances y videoperformances, ha organizando y formando parte de performances colectivas. Es una de las artistas pioneras del video arte en su país. Ha recibido premios de instituciones nacionales. Ha mantenido un blog dedicado a la reserva de la memoria, alimentándolo con archivos diarios durante diez años. También pinta y dibuja, hace grabados, ha intervenido objetos encontrados. Ha trabajado como ilustradora para medios de prensa. Da clases para artistas de escritura y análisis de textos sobre su propia obra. También trabaja haciendo análisis curatoriales y seguimiento de proyectos. Le gustaría que siempre les pagaran a los artistas por sus trabajos, por lo que mantiene una postura activista con respecto al tema. Es cofundadora e integrante de la Fundación de Arte Contemporáneo. Fue directora editorial de la revista ARTE y durante 6 años colaboró como ilustradora en el Suplemento Cultural del diario El País. Ha escrito poesía, cuentos y novelas. En 2006 publicó su primera novela corta "Santa Clara (Un espacio oscuro)", a través de Editorial Artefato. En 2008, con la recopilación de cuentos "Así nomás", le otorgaron la Primera Mención en Narrativa en el Concurso Anual de Literatura de la Intendencia de Montevideo, Uruguay. En 2013 publica "Extravíos habituales" con la editorial HUM. En 2020 recibe el segundo Premio Lussich de narrativa. @terepuppo


y vuelta, ida y vuelta… (bye bye)

Gustavo Elola

…Ida


…este es el caso de una fuga, de la superficie, del tiempo fosilizado de la foto cliché, para desplegarse, doblarse, quebrarse hasta romperse y volverse a constituir en una pintura.

Gustavo Elola Algunas exposiciones y trabajos: selección de obra en el Salón Municipal. Creación de logo para la Fundación G. C. Jung de Psicología Analítica. Intervención urbana para Día del Patrimonio. Exposición en Galería Garzón. @elolagustavo


Ciro A. Jaumandreu

a

Anticipo de una bella economía doméstica del universo rot


El poeta y pensador romántico Novalis, en sus “Fragmentos Logológicos” (1798) escribió sobre “la bella economía doméstica del universo”y de la poesía como llave de la filosofía, adelantándose a Nietzsche y a Heidegger. En el siglo XX, Marcel Duchamp con su ready-made “Anticipo de un brazo roto” (1915) nos presenta una pala como obra arte exaltando la especulación intelectual en la escena artística adelantándose al arte conceptual. La presente obra es un gesto que toma a ambos ejemplos y los unifica: la estética romántica y su sentir junto al ready-made y su pensar.

Ciro A. Jaumandreu Nace en 1977 en Montevideo, Uruguay. Estudios: Taller de Graziella Basso (1996) / Escuela Nacional de Bellas Artes (1997-1998) / Taller de Marcelo Legrand (1999-2000) / Fotografía en la Escuela Dimensión Visual (1998) / Carrera de Diseñador Gráfico y Web profesional en BIOS (2002-2005). Exposiciones destacadas: Feria Art Lima con la Pensión Cultural Milán (2020) / Temporada #5 SUBTE de Montevideo (2019) / Art-Fest Garzón (2019) / Temporada #34 EAC (2019) / Temporada #3 SUBTE de Montevideo (2018) / Individual en Espacio Impo, Montevideo (2014) / Colectiva en The Union Gallery, Nueva York (2010). Seleccionado y premiado: EAC (2019) / SUBTE (2018) / Premio Ariel de plata (2008) / Mención de honor concurso NEXTARTE (1999).Residencias: JOYA Arte+Ecología, Andalucía, España (2017) / OBRA ABIERTA de Gustavo Tabares, San José, Uruguay. www.cirojaumandreu.com


Diego Nessi

Roja


La fotografía “Roja” es parte de la serie “Imágenes abstractas de la cotidianidad” y se basa en el concepto de extrañamiento, con el que suelo trabajar en mis obras, formas efímeras encontradas o generadas a través de la luz.

Diego Nessi Investiga el campo de la fotografía y lo escénico, su trabajo se centra en instalaciones escénicas. Se formó en Dirección de Fotografía y Realización Documental en el SICA (Sindicato de la Industria Cinematográfica Argentina). Posee un Posgrado en Guión de ESCAC, (Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña). Estudió Fotografía Estenopéica con el Colectivo Sinóptico en el Museo Blanes, Fotografía Digital con Carlos Amerigo y realizó Laboratorio Analógico con Carlos Porro. Se formó en la realización de cine artesanal con Guillermo Zabaleta de la Fundación de Arte Contemporáneo y, en arte contemporáneo, con Fernando López Lage. En el campo de las artes escénicas se formó con las compañías Fura dels Baus y Finzi Pasca y mediante talleres del Instituto Nacional de Artes Escénicas (“La frontera flexible” con Manuela Montalto y Richard Riveiro, “El cine y la danza” con Carmen Werner, “El yo como vivencia poética” con Verónica Mato y Bruno Pereira). Estudió teatro con Roberto Suárez a través del taller “Ilusión Escénica” y de la Clínica Casavalle, consistente en dos años de formación en dramaturgia y actuación. Estudió dramaturgia a través del taller anual brindado por Calderón, Fletcher, Pouso y Sanguinetti. Sus obras han sido expuestas, en muestras individuales y colectivas, en el Museo Nacional de Artes Visuales, en la colección Engelman Ost, en el Espacio de Arte Contemporáneo y en el Centro de Exposiciones SUBTE, entre otros. diegonessi.com


Sebastián Sáez

Sin título


“Los paisajes nos dan paz y a la vez prometen o sugieren algo más, la presencia de un espíritu del bosque, o el espíritu del ser humano mismo reflejado en el verdor, del mismo modo que David Lynch coloca otras dimensiones tras cortinas en los bosques de Twin Peaks. Esa es la sensación que transmiten los cuadros de Sáez: estamos tan cerca de la cortina que creemos que lograremos tocarla, descubrir qué hay detrás.” Extracto del texto Waldeinsamkeit, por Luciana Martínez.

Sebastián Sáez (Montevideo, 1974)

Pintor y docente en su estudio en Montevideo. Estudi en la Fundaci n de Arte Contempor neo, con Fernando L pez Lage desde el 2002 hasta el 2008 y teor a del arte con la Lic. Jaqueline Lacasa desde 2001 hasta 2003. Curs la carrera de Filosof a en la Facultad de humanidades durante el a o 2017. sebastian-saez.com


Lucía Fernández

Misterio de mí


de placer, de sueños inquietos Algo nuevo aparece, al encontrar lo que entiendo son apuntes que me hice en otro tiempo. Tengo la inquietante sensación de haberlos conocido para encontrarlos hoy, en un espacio íntimo concebido para esta ocasión. ¡Vengan! ¡Miren! ¿Hay alguien?

Lucía Fernández Cordano Formada como Directora de Fotografía en el Centro de Estudios Cinematográficos de Catalunya, en Barcelona. Realiza Posgrado en Gestión Cultural y Comunicación en Facultad Latinoamericana de Ciencias Sociales; Estudia fotografía de gran formato en la Scuola Scienza e Técnica di Roma. Cursa hasta tercer año en FADU/ UDELAR. Dirige La huella de Sepé (2011) serie documental emitida en TNU; Welkom (2015), largometraje de ficción; Vicente, serie en desarrollo apoyada por ICAU, Mvd Filma, fondo ICAU-MIEM y programa IBERMEDIA. Expone sus fotografías de forma individual y colectiva en Barcelona, Madrid, Roma, Buenos Aires, Maldonado y Montevideo. antidotocine.com


Jaqueline Lacasa

Antigona


Esta fotografía es un registro de la vida íntima. Se autoficciona para evocar una dramaturgia visual, por esto, el cuerpo ensaya una y otra vez, vuelve a una reapropiación del “ser ahí”. Hay un límite preciso, una materialidad, un montaje, un conflicto como máxima y como motor. En ese territorio actuó Antígona, una mujer disruptiva frente a lo patriarcal, que fue diseñada por un mundo masculino en la visión de la tragedia griega. Juego, como lo hago siempre, con los bordes del discurso, con los bordes del cuerpo, en definitiva en el territorio “nosotrxs”; encarno partículas de la naturaleza mítica, estética y política de un kosmos que se revela incierto y luminoso.

Jaqueline Lacasa Artista visual, curadora e investigadora de arte contemporáneo, Licenciada en Psicología, Master en Estudios Culturales con énfasis en Cultura Visual, ARCIS Universidad, CHILE. Directora del Museo Nacional de Artes Visuales, (2007-2009). Proyectos artísticos destacados: La hija natural de Joaquín Torres García (2000-2010), Museo Líquido (2007- 2009), La Uruguaya (2010- 2020), ATACAMA 1670 (2015-2020). Su obra se encuentra en colecciones privadas y públicas de Uruguay y el exterior. Participó de la Bienal de La Habana 2007, Bienal del MERCOSUR 2008, Bienal de Curitiba 2012, Pr. Recibe el Premio Cisneros Fontanals Foundation Miami, recibe el Premio FEFCA a la trayectoria artística en Uruguay y el Premio 59 Salón Nacional de Artes Visuales Margaret White, ambos otorgados por el Ministerio de Educación y Cultura de su país. Como investigadora en arte contemporáneo ha publicado la investigación: La Hija Natural de JTG. Creó la Editorial CAC cuadernos de arte contemporáneo, en donde editó de su autoría: Palimpsesto. Escritos sobre arte contemporáneo uruguayo (compiladora). Actos PúblicosActos Privados, archivos y democracia en el arte contemporáneo uruguayo. Arte contemporáneo en el Uruguay del siglo XXI. (Basado en su tesis de Maestría de Estudios Culturales ARCIS universidad CHILE) @jaquelinelacasa


Sofía Martínez

Beso blanco


Cambiar el lugar de subordinación del hombre con la mujer a través de un beso que es intervenido, saboteado. Este beso ya no resulta complaciente entre los estereotipos masculinos heterosexuales, es como un acto de subversión que propone deconstruir con cierta imposición, que determina nuestro comportamiento con relación al género, para controlar nuestra sexualidad.

Sofía Martínez Frenkel Actualmente cursa la Maestría en Crítica y Difusión de las Artes en la Universidad Nacional de las Artes, Buenos Aires-Argentina. Es licenciada en Artes Plásticas y Visuales por el Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes-UdelaR. Estudió en el programa de formación permanente de la Fundación de Arte Contemporáneo. Forma parte del colectivo FAC y participa del Laboratorio de Cine FAC. Es co-fundadora de ogt_sexindicato_. @sofrinkel


Fabricio Guaragna

Proceso hiperbólico


Esta obra se inicia en el 2003 y continúa su proceso hasta el día de hoy. Un palimpsesto autobiográfico. Una ruta de vida entre las tensiones del campo del arte y mi cuerpo disidente. Una tensión ritualística entre la hegemonía y la intensidad psicoafectiva. Una manera de las infinitas maneras de ser yo a través de una iconografía diacrónica.

Fabricio Guaragna Artista visual, docente de Comunicación Visual e investigador en arte contemporáneo, performance y producciones transdisciplinarias. Gestor cultural en proyectos artísticos. Estudia pintura con Alicia Asconeguy desde el 2006 e ingresa a trabajar en el Museo Nacional de Artes Visuales, dentro de la dirección de Jacqueline Lacasa ese mismo año. Al día de hoy coordina el Área Educativa de dicho Museo, conectando el trabajo didáctico/pedagógico docente con el hacer artístico de producción uruguaya. En 2008 ingresa a la Fundación de Arte Contemporáneo bajo la dirección de Fernando Lopez Lage y desde ese momento forma parte del staff de artistas del colectivo trabajando en diversos proyectos, generando redes nacionales e internacionales. En 2013 inicia sus trabajos individuales en torno a lo performático transdisciplinario, conectando con Argentina y Uruguay. Realiza su obra "MUTANTE", y en el 2015 gesta el proyecto "Arte Degenerado" junto a varios artistas uruguayos. En 2019 realiza su primer exposición individual "DRAG" en la colección Engelman-Ost. @fguaragna_arte


Baños y su intimidad pública

Hiela Pierrez


Habit culo de la mutaci n infinita Secretos... espejo astillado, labiales repasan labios tacos en punta tacos gastados tacos cuchillo tacos harapo L grimas de glitter, perfume saturado Estrella estrellade... gemido apurado

Hiela Pierrez Hiela nace en Libertad (San José) y actualmente vive en Las Brujas (Canelones). Su formación es independiente y su búsqueda está atravesada desde temprana edad por lo “teatral”. Su oficio como estilista hace que su experimentación corporal/sonora/vocal esté intervenida por elementos de vestuario y montaje que en diálogo constante devienen en su lenguaje performático. Actualmente integra el dúo musical A.M.I.G.A donde bucean en lo oscuro y despampanante de la noche e integra la colectivx CARETA junto a veries performers multidisciplinaries de la escena Queer Uruguaya. Esta instalación hace referencia al universo “Caretx” y entremezcla el paisaje sonoro de la performer Kevin Royk junto con destellos de obra fotográfica de Julissa Dura. @hielapierrez


Public speaking

Ernestina Pereyra

Fotografía: Eduardo Baldizán Roca


En esta obra problematizo el derecho a hablar en público que tenemos las mujeres. El pelo se vuelve metáfora de todo lo que nos atraviesa siendo mujeres y otras disidencias de género. Cuando una mujer habla en público muchas veces se la minimiza, acota, restringe o simplemente se la interrumpe. Poder hablar en público, especialmente vinculado a áreas de poder, se convierte en casi un privilegio de hombres fundamentalmente blancos y heterosexuales. ¿Qué tipo de sociedad habitaríamos si nuestros discursos fueran dichos? ¿Cómo crecerían los intercambios si fuéramos escuchadas en profundidad? ¿Qué estructuras quedarían en pie y cuáles se derrumbarían?

Ernestina Pereyra (Montevideo 1980) Artista visual, vive y trabaja en Montevideo. Integrante original del proyecto Pensión Cultural Milán hasta la actualidad. Socia fundadora del colectivo de artistas Marte Centro Cultural. Formada en el taller de Gustavo Tabares de 2006 a 2014. Hace clínicas de obra con Alberto Lastreto y Jacqueline Lacasa. Realiza talleres sobre performance con Valeria Píriz, Fabricio Guaragna y Abel Azcona en 2020. Desde el 2008 realizó muestras individuales y colectivas en Uruguay y el exterior. Entre las que se destaca la instalación fotográfica “Trenza 1”, Galería CAF, Montevideo, 2020; la pieza de audio en la colectiva “Sustratos”, Museo Zorrilla, Montevideo, 2017; la intervención urbana dentro de la X Bienal de Salto, Salto, 2013; la instalación en la muestra “Futuro Natural”, Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo, 2011 y la instalación sonora en la muestra individual “Mutaciones”, Centro de Exposiciones Subte, Montevideo, 2010. Obras suyas integran colecciones privadas, en Uruguay y el exterior. @andywarholisnitdead


Pablo Musé

Sin título


La belleza de los gallos de riña, de sus plumajes y de sus movimientos, contrasta con lo abyecto de la escena, en la cual la agresividad animal se pone al servicio de un espectáculo humano decadente. Nos encontramos frente a una metáfora sobre el goce y la supremacía, enmarcado en el concepto de “pasión”, del latín passio, el sufrimiento existencial.

Pablo Musé (Montevideo, 1975) Ingeniero eléctrico por la Universidad de la República y doctor en matemática aplicada por la Ecole Normale Supérieure de Paris-Saclay. Asistió al taller de Clever Lara (1993-2000) y luego, en París, cursó estudios de dibujo de figura humana con Olga Rochard (2001-2002) y de pintura con Gonzalo Belmonte (2001-2004). Entre 2008 y 2018 asistió al taller de Alvaro Amengual. Actualmente cursa estudios de grabado con Claudia Anselmi. Exposiciones recientes (año 2020): Galería del Paseo en Punta del Este, Art Lima Perú, Galería Grafiska Sällskapet de Estocolmo, Museo Gallino de Salto, Museo de Artes Decorativas Palacio Taranco, selección de artistas de la 59a edición del Premio Nacional de Artes Visuales. pablomuse.com


Cosmogonías, de la serie Colecciones del Imaginario

Paola Monzillo


En la serie Colecciones del Imaginario se despliega una colección de dibujos y bocetos de imágenes históricas que alguna vez representaron el mundo. Estas imágenes incluyen la cosmogonía hindú de la Tierra sostenida por elefantes sobre una tortuga gigante y la representación del cielo y la tierra en el antiguo Egipto, entre muchas otras.

Paola Monzillo (1986, Montevideo, Uruguay) Realiza estudios de arquitectura, recibiendo su título de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de la República (FADU-UdelaR), Uruguay. Asiste simultáneamente a distintos talleres y clínicas de artistas, empezando a exponer en el circuito local hacia el año 2009. Ha mostrado su trabajo en Uruguay, Argentina, Colombia, Perú, Marruecos, Arabia Saudita, Inglaterra y China. Participó en la Bienal de Montevideo (2014); en la Bienal del Mercosur (2015); y en la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del SurBIENALSUR, (2017 / 2019). En 2014, obtuvo el segundo Premio Adquisición MEC en el 56º Premio Nacional de Artes Visuales José Gamarra y, en 2015, una beca de residencia artística en la Cité Internationale des Arts en París, en el marco del Premio Paul Cézanne de la Embajada de Francia. Ha recibido la beca de creación Justino Zavala Muniz en 2016 y, en 2018, la beca de formación Eduardo Víctor Haedo, otorgadas por el MEC. paolamonzillo.com


Flor de biznaga

Manu Aldabe

Flor de biznaga, platino paladio, realzada sin cámara. por contacto directo, forma parte de la serie Las flores de Ida, hecha durante la impresión del retrato de Ida Vitale para la galería Cervantes, Biblioteca Nacional de España.


Manuela Aldabe Toribio - 03/11/1975 Investigo técnicas fotográficas antiguas y experimentales, fusiono lo analógico con la era digital. Comencé mi formación fotográfica en 1992, en la Escuela de Fotografía Dimensión Visual. Estudié fotografía en la Scuola Scienza e Técnica del Municipio di Roma y en 2001 comencé a estudiar Ciencias Históricas en la Universitá Roma III mientras colaboraba como fotógrafa‚ en la Agencia de Noticias Associated Press. En Uruguay colaboro con el Semanario Brecha‚ he publicado en la Revista Lento y La Diaria. Realizó fotoreportajes para el ONU, ANTEL, Biblioteca Nacional de España, y otros. Docente de fotografía en Foto Club Uruguayo, en Bellas Artes UDELAR, en Universidad Católica del Uruguay, he sido tallerista en el Centro de Fotografía de Montevideo, en el EAC, en Cure Maldonado‚ (UDELAR), Cárcel de Mujeres‚ en el Centro Cultural Goes, en el Centro Cultural de España. Mis principales exposiciones han sido en el Museo Nacional de Artes Visuales‚ en el Espacio de Arte Contemporáneo, en el IMPO, en el Centro de Exposiciones SUBTE, en el Cabildo de Montevideo, DNC MEC, Universitá La Sapienza en Roma, Italia, en el Museo de la Memoria Ex ESMA en Buenos Aires. La muestra Toco tu piel, prendas de víctimas de femicidio ha recorrido el país y se encuentra de forma permanente en la Fiscalía de la Nación. Seleccionada para el Salón Nacional de Artes Visuales 2016 y 2018 Seleccionada para los Salones Nacionales de Artes Visuales Montevideo en los años 2017 y 2019Ganadora de Fondos Concursables 2016, fotografía. Mención Premio de Fotografía Uruguay 2018 Ganadora del premio Residencia Espacio de Arte Contemporáneo en Buenos Aires, en CHELA, 2019 Mención de honor en el Salón Premio Montevideo 2019 da vitale, obra adquisición Galería Premio Cervantes, Biblioteca Nacional de España Seleccionada para el Salón Nacional de Artes Visuales 2020. https://sindominio.net/manualdabe/about/


Candela Bado

Sin título


Busco interpretar el poder que tienen los objetos y la relación que entablamos con estos. Mediante la apropiación de lenguajes visuales presentes en el espacio urbano, me interesa desarrollar narrativas alternativas que se basan en la imaginación como fuente de conocimiento.

Candela Bado Licenciada en Bellas Artes en la Royal Academy of Fine Arts en Holanda en el 2016. Basada en La Haya expone en Ámsterdam, Rotterdam y otros países dentro de Europa como en Reino Unido, Italia, Grecia. Forma parte de iniciativas que se concentran en la autogestión de artistas. En el 2018 realiza una residencia artística en Atenas donde investiga lenguajes escultóricos. Desde el 2019 reside y expone en Montevideo, iniciándose en la gestión de un proyecto expositivo Bajo el hormigón, la playa que busca re-significar espacios en desuso. Desarrolla el proyecto colaborativo Fruta Furtiva enfocado en crear objetos en cerámica fomentando el uso de la imaginación como medio de conocimiento, también imparte talleres de cerámica promoviendo el encuentro e intercambio entre artistas. candelabado.com


Ernesto Rizzo

La vacuna que me toque


Trabajar con objetos e intervenirlos ha sido una constante en mi trabajo. En este caso es un brazo izquierdo sin la mano de un maniquí. Comienzo desde la muñeca una espira de letras transferibles de colores. Un dedicado y largo itinerario en espiral que cubre y resalta las formas sinuosas del brazo. La palabra dicha o escrita también ha sido una constante en mi obra y en esta última etapa las letras transferibles de colores invaden los objetos, trato de escribir con los ojos un poema plástico. El brazo izquierdo cuelga y gira en tonos mayormente azules esperando su nombre : la vacuna que me toque.

Ernesto Rizzo Montevideo 1966 Artista visual y performer. Trabaja con objetos que generalmente el público puede usar: trajes transparentes para hacer un desnudo público, yoga mats o colchonetas de yoga para recorrer lugares de exposiciones recostarse y simplemente estar. Investiga también la palabra y su lectura en acciones individuales o con música en el dúo Tango Villero. Desde 2017 forma parte de la Pensión Milán, integrando Noche de Performance. @ernestorizzoart


Ana Aristimuño

Umbrales


Mi trabajo habla dxl cuerpx, de mi cuerpx, dxl cuerpx social, de la genealogía dxl cuerpx, de los conceptos que lx atraviesan, de la construcción de la subjetividades que le cargan y le construyen, intento reinventarlx, resignificar y encontrar otrxs cuerpxs posibles. Otras maneras de habitarle. Investigo el conceptos dxl cuerpx sin órganos y desde esa mirada la construcción de un lugar donde todxs los cuerpos son posibles, son queribles, deseables, habitables.

Ana Aristimuño Nací en 1969 en la ciudad de Tacuarembó departamento de Uruguay. Soy licenciada egresada del Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes (IENBA) de la Universidad de la República (UDELAR) y maestra de educación preescolar egresada de Facultad de Ciencias Sociales (UCUDAL), licenciada en ciencias de la educación Universidad de la República (UDELAR). He realizado residencias en Mexico, Argentina, Italia, Alemania y Colombia. Participé de encuentros de arte urbano en Argentina, Brasil, Colombia, Ecuador, México, España, Irlanda, Alemania. Creé y gestione el colectivo m.a.m (Mujeres Artistas en Movimiento). He expuesto individual y colectivamente en Latinoamérica, Europa, EEUU y Japón. Trabajo e investigo desde el año 2000 el lenguaje de performance. @aristimunodeolivera


Guadalupe Ayala

Mesa Vudú


Mesa Vudú es una instalación realizada en el marco de la muestra “Live 2021”. En ella, elementos propios del universo narrativo de la artista: una mesa circular, copas rotas y diversas, vajilla intervenida, fragmentos de vidrio de auto e invisibles fuerzas sostienen a la autora, a su obra, a su trabajo y a la comunidad Milán toda; sin cuyo marco y sin cuyos colegas esta obra adolecería de poder y sentido.

Guadalupe Ayala Alaska (Argentina-Uruguay, 1976) Artista visual y politóloga. Ha realizado diversos estudios de ciencia política, arte, residencias, clínicas de obra y exposiciones en Alemania, Argentina, Estados Unidos y Uruguay. Realiza exposiciones individuales y colectivas desde 2001. Sus individuales más destacadas han sido: 2018 “Conquista”, Pensión Cultural Milán, Montevideo, Uruguay I 2015 “Contienda 2do. Round”, Espacio de Arte Contemporáneo (EAC), Montevideo, Uruguay; curaduría de Santiago Tavella. Sus colectivas más recientes han sido: 2021 “Fuerza de lanzamiento (Parte II) Lo que quedó después de mí”, en 59° Premio Nacional de Artes Visuales “Margaret White Espacio de Arte Contemporáneo (EAC), Montevideo, Uruguay I 2020 “Fuerza de lanzamiento (Parte I), en “Creadoras Uruguayas MMXX, Banco de Desarrollo de América Latina, (CAF), Montevideo, Uruguay, curaduría de Daniel Benoit I ¿Qué se preguntó Alicia?”, en “Dimensiones Fantásticas”, Paideia Art Gallery, José Ignacio, Uruguay, curaduría María Noel Camacho. Ha recibido diversos premios y distinciones tanto en Uruguay como en el exterior. @guadalupe_ayala_alaska


Matías Nario Aka Muten

Matías Nario AKA Muten Es un productor uruguayo que desde el 2002 a formado parte de diversos proyectos artísticos relacionados a la música; producción de música electrónica, música original para películas, obras de teatro, publicidades y aplicaciones. Volcándose también en los últimos años a dar clases y talleres de producción musical.


Joaquín Ibáñez Suárez

Joquín Ibáñez Suárez Estudiante de cello de la EUM con la asistene de solista de la filarmónica de Montevideo, Lucrecia Basaldua. Estudia actualmente con el cellista y maestro ruso radicado en Montevideo, Serhii Potreba. Gestor de grupo juvenil Animusic, proyecto de música de cámara en el cual el repertorio son adaptaciones orquestales de la música de videojuegos y series de anime. Diseñador gráfico, editor de video y social media manager freelance. @joacques


Agradecimientos Gastón Roca Pensión Cultural Milán Contacto @pensionculturalmilan pensionculturalmilan@gmail.com Facebook

Tipografía: Anita @teaceptouna Registro de las obras: Ciro Jaumandreu, Lucía Fernández.


Profile for Anita González

Pensión Cultural Milán Live 21  

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