Catalogo CONVITE, Primer Encuentro de Agentes en Artes Visuales (2015)

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CONVITE

Primer encuentro de agentes en Artes Visuales

Centro Cultural GAM 2015




TODO VALE Breve introducción a lo que no importa Por comparación o expectativas, la intensa búsqueda del éxito no es asunto solo de las artes visuales. Tras la agresiva y extrema consumación del proyecto económico neoliberal diseñado por los Chicago Boys en El Ladrillo (1973) y puesto en marcha por la dictadura en Chile, el modelo exitista cubrió todo afán colectivo con seductoras escaladas privadas e individuales. El Consejo Nacional de la Cultura del período Piñera, en modalidades y líneas de Fondart, llamaron al artista o agente cualquiera a “ser oferta” y trabajar proyectos bajo lógicas de producto, demanda y dinámicas de consumo. Se manipuló el concepto de industrias creativas en un sector donde no hay empresas ni empresarios, con la metáfora de edificaciones culturales “a la altura” pero sin un sostén humano de experiencia, y nivel capaz de producir y difundir adecuadamente lo que allí sucede. Se acostumbró a evaluar y validar la calidad de un proyecto según el índice de audiencias que genera, insistiendo en el posible impacto que las artes visuales pudieran tener o no dentro de cierto estado


local, nacional e incluso internacional, en un país donde los problemas e intereses sociales están evidentemente en otro lugar. Implantación de un sistema que funciona por si solo (lógica inherente al neoliberalismo) tiñendo y estructurando cada área de la sociedad. El estado en que actúan las artes visuales, otra réplica. Artista, curador, productor, editor, y cuanta labor es posible asociada al medio, se re-inventan como producto a través de estereotipos ligados a la publicidad y moda -artistas intentado parecer rockstars o modelos de revista explotando una imagen que promocionar-, constantes ponencias teórico-divagantes en base a discursos y retóricas académicas que no mantienen un correlato con el trabajo real -ejercicio a la usanza de prometedora propaganda política-, y obras que no circulan más allá del circuito local con títulos en otros idiomas detrás de una internacionalización desesperada; esfuerzos de travestismo inútil. El arte tratado como bien de consumo en una sociedad donde no existe realmente un mercado del arte, diluye todo discurso. No hay una plataforma de realidad que sostenga esa retórica publicitaria de lo que no existe. Este supuesto “mercado” (si es que se le quiere nombrar así) está formado por dos escenarios: el formal o académico, que define feudalmente la validación y proyección -o no- de una obra u artista; y el comercial, que funciona más bien bajo la especulación de ventas acotadas y momentáneas, ornamentadas con la utopía de que algo está pasando o cambiando. Good luck!. En un sistema de libre mercado, todo vale.


Implantado en dictadura, creció libre e ingenuamente en “democracia”, reforzado bajo el último gobierno de derecha, se mantiene hasta hoy. Instrumentos cuantificadores, datos duros, parábolas comparativas y relaciones numéricas; estadísticas que no han resultado ser más que otra forma de esconder lo que sucede. Esfuerzo individual, iniciativa, interés, búsqueda o deserción, responden a ímpetus personales. Como Friedman sostendría, cada proyecto si es ejecutado libre e individualmente bajo metas personales (o al costado/alero de un partner conveniente), será capaz de entregar ganancias a sí mismo gracias a su esfuerzo. El afán colectivo e igualitario es una derrota, no hay una mirada común, o peor aún, no existe interés en esa mirada. El mismo sistema evidencia que la forma en que las artes visuales trabajan, no resiste continuar con un medio incapaz de ver que un ombligo también tiene un cuerpo. CONVITE, plantea temas hasta ahora analizados en seminarios o encuentros gubernamentales desde la tarima institucional -por cierto, lejana a la realidad-, e instancias informales en medio de alguna inauguración, una conversación de pasillo, comentarios en tiempos muertos o un whisky intencionado por algún taller.


La comparación constante con opuestas realidades o trabajar bajo expectativas de mercado irreales, frustra y provoca abulia en un medio donde, como en el resto de la sociedad, solo algunos gozan de sus beneficios y vuelve invisible a la gran mayoría. Las artes visuales se encuentran sumergidas en la paradoja absurda de lo que no se ve -tras la falta de un estado financiero de interés político y socialsiendo un medio que (sobre) vive justamente de la visualidad. ¿Cómo incomodar a un sistema que pareciera válido sin que solo se quede en una molestia? ¿Cómo generar y exponer una crítica sin que se le tache de resentida, negativa y quede bajo la alfombra? ¿Cómo lograr algo común sin temor al robo, aprovechamiento o chaqueteo? ¿Cómo destapar una lamentable pero real situación esquivando el individualismo, los egos de autoproducción y las evasiones exitistas de por medio? Cada vez que alguien tiene dificultades, aprendizajes, problemas, reclamos, experiencias, denuncias, no es el único que las tiene, pero no importa. Ese chicle lo mascamos todos.

Angie Saiz. La primera edición de este texto fue publicada en septiembre de 2015 como introducción editorial a la página web del proyecto. Esta segunda edición fue realizada durante el mes de Noviembre para su publicación en éste catálogo




MESAS DE DEBATE CONVITE Encuentro de Agentes en Artes Visuales en su primer año, busca realizar un diagnóstico del estado en que las artes visuales trabajan en Chile. La necesidad de visibilizar y generar una instancia de reunión entre los diversos agentes del medio, exponer las ideas, problemáticas y conflictos de su trabajo compartiendo esa experiencia, es recogida en este primer encuentro. Durante ocho días, más de treinta invitados en cuatro mesas de debate distintas, se reunieron dando cuenta de la diversidad de plataformas, gestiones, acciones y sistemas de producción que el medio presenta; desde donde y como trabajan, y lo común en el cruce de las diferentes


escalas. En dos jornadas, cada mesa articuló espontánea y orgánicamente una metodología basada en la experiencia como insumo principal, administrándose a través de un trabajo de campo grupal frente a la no menor ansiedad resolutiva y el sin número de problemáticas expuestas y en debate. La dialéctica constante del análisis entre lo micro y lo macro, llevo a cada grupo a instalar un foco particular de mirada y reflexión en torno a las temáticas planteadas. El resultado, fueron una serie de propuestas desarrolladas a partir de un contexto crítico y que en las cuatro instancias manifestaron una urgencia de cambio. Algunas de las ideas fuerza que se identificaron durante el desarrollo de las jornadas de debate fueron luego intensificadas y retomadas para la construcción de los documentos finales que se presentan. La primera mesa de Profesionalización, puso el foco en la institución; subrayando la importancia de incluir dentro del diseño de las políticas públicas en artes visuales agentes tanto públicos como privados, tanto corporativos como independientes, y la necesidad de valorizar el trabajo del artista a partir de un análisis cualitativo hoy inexistente. La segunda mesa de Difusión, miró hacia el espectador y público; estableció una lectura del medio e identificó la fragilidad en la calidad de los contenidos que se emiten, analizó las aristas publicitarias


dentro de la difusión versus la carencia de una editoriabilidad activa y permanente, y desmenuzó la idea de la atomización de los espacios y plataformas actuales, y cómo funcionan las diferentes trincheras en la circulación mediática de la información. La tercera mesa de Localización, por su parte, se detuvo en el análisis de lo local y los fenómenos de internacionalización; exponiendo la necesidad de trabajar lo local bajo una visión global exportable, analizando la constante pelea por el hueco y el territorio propio de acción en la fisura del sistema, la deformación de la obra en pos de una validación foránea, y como la ficción actual de realidad no lleva un correlato con los distintos programas gubernamentales carentes del impacto que ellos mismos exigen a los agentes del medio. Por último la mesa de Financiamiento, si bien abordó diversos modelos en el análisis, centro la atención de sus discusiones en el rol del estado; la falta de una visión con objetivos concretos hacia una educación de cultura real y no de espectáculo, la necesidad de administrar los recursos en acciones de calidad para la formación de audiencias, la precariedad laboral de quienes trabajan seria y constantemente en un afán colectivo dentro del medio, el tratamiento actual del artista como un técnico administrativo, los diversos problemas de gremialidad y la fondarización/formularización de los proyectos y obras, soslayando el factor creativo para uniformar a todos. Los documentos incluidos en este catálogo son el resultado de este encuentro. CONVITE es catalizador de un primer diagnóstico abierto y más cercano a la realidad del medio, instancia de cruce fundamental, y plataforma para la manifestación de propuestas, exponiendo la calidad y alta capacidad de trabajo que el sector tiene para activar un cambio desde su propio contexto.



CUANDO LA RETÓRICA ENCUBRE LA REALIDAD

PROFESIONALIZACIÓN

MESA

¿Qué es la profesionalización en las artes visuales? ¿Existe en nuestro medio algo así? ¿Qué piensan las autoridades sobre el término, que piensa el público, los artistas? ¿Existe un valor de la actividad en nuestra sociedad? Los trabajadores de las artes, ¿tienen los mismos beneficios que los demás trabajadores “profesionales”? ¿Existen políticas públicas en cuanto a la situación laboral de los artistas visuales?

Ma 6 - Mie 7 Octubre Moderador: Rodrigo Vergara Arturo Duclós Ignacio Szmulewicz Adolfo Torres Ximena Zomosa Marisol Frugone Andrea Josch


Frente a la necesidad de instalar a nivel político temas relevantes para el sector de las artes visuales en Chile hoy, ad portas de un Ministerio de Cultura y Patrimonio, urge el trabajo mancomunado de organizaciones formales y no formales para dar un impulso al sector; la necesidad del nombramiento de autoridades institucionales vinculadas directamente al medio, el mejoramiento de la programación en infraestructura cultural y la relevancia de prácticas laborales adecuadas, son algunos de los puntos a destacar. Esta mesa de Profesionalización, pone foco y énfasis en fortalecer la institución cultural bajo la exigencia de mayores estándares de calidad para el trabajo que se realiza, considerando diferentes aristas del tema y sus dificultades respecto a la asignación de presupuestos atingentes por parte del estado, esto, pues actualmente se promueve la profesionalización del sector para el crecimiento del medio, dejando de sublimar la precariedad con que los distintos protocolos institucionales -o la inexistencia de ellos- se aplican en estos espacios. A partir de estas reflexiones, se presenta como documento final del trabajo de la mesa un texto de observaciones, puntuales pero de gran importancia a considerar dentro de la creación y diseño de la futura ley del sector. A modo de insumos se revisaron el Código de Buenas Prácticas en las Artes Visuales (ACA, SOECH, APECH, 2014), y el primer borrador del proyecto para la Ley sobre el Consejo e Industria de las Artes Visuales; discutiéndose, reflexionándose y, luego, redactándose este escrito a modo de completar algunos de los aspectos que estos documentos mencionados no contemplan.




O b s e r vac i o n e s para una futura Ley de Artes Visuales Comentarios de importancia a considerar para un estรกndar de profesionalizaciรณn institucional en las Artes Visuales


ESTÁNDARES INSTITUCIONALES Establecer la necesidad de una normativa legal para todas las instituciones culturales a nivel nacional: museos, galerías, centros culturales, corporaciones culturales, etc. del estado u otros organismos estatales de difusión cultural o artística, incluyendo a aquellas privadas con financiamiento estatal parcial o total, que presente estándares de trabajo de mediación, remuneraciones y honorarios, producción, museografía, difusión, etc. tomando como modelo a revisar y actualizar el Código de Buenas Prácticas Profesionales de las Artes Visuales. De esta forma, creemos que las exigencias señaladas son imprescindibles para la profesionalización del campo, elevando el desarrollo de proyectos expositivos, la vinculación entre los diferentes agentes tanto nacionales como internacionales, la generación de redes, mediación con público, etc., aportando no sólo a la valoración del trabajo artístico, sino también estableciendo una plusvalía para el medio completo en otras instancias como la académica, el coleccionismo y la comercialización en un mercado aún incipiente y pequeño. Asimismo, se promueve la consideración de los estándares sugeridos por el Código de Buenas Practicas en relación a la contratación de profesionales de las artes visuales en otras organizaciones culturales de derecho privado y sin fines de lucro, para ser aplicados en sus proyectos anuales y considerados en la postulación a fondos públicos y/o privados, asegurando el cumplimiento de leyes laborales, convenios de honorarios y contrataros de trabajo.


PUESTA EN VALOR DE LA OBRA ARTÍSTICA Señalar que la entrega del sector de las artes visuales y su producción no solo se remite a un producto cuantificable y de valor monetario, sino también a todo un valor simbólico que forma parte del patrimonio cultural del país. De esta forma, consideramos fundamental agregar el valor simbólico como concepto esencial dentro del medio y las leyes a trabajar. HOMOLOGACIÓN DE CURRÍCULUM ARTÍSTICO Señalar la necesidad de modificar las exigencias de concursos públicos para becas y/o fondos (Fondart, Conicyt, Corfo, FNDR, Dirac, etc.), y parámetros para labores pedagógicas, contando con la homologación de la experiencia y experticia del campo en prácticas tales como: investigación artística, producción de exposiciones, proyectos de creación de obra, trabajo en publicaciones, dirección de proyectos, trabajo curatorial, etc.; y por lo tanto, sean estas considerados de validez significativa como criterios de evaluación curricular propios del medio.


CANALES DE DIFUSIÓN Al igual que en otras disciplinas artísticas de la sociedad, señalar la necesidad de mantener una política de difusión exigente para la distribución masiva de información en canales y medios de uso estatal y otros (televisión, radio, prensa escrita), a través de proyectos concretos como Canal Cultural y/o espacio porcentual específico de contenidos en artes visuales dentro de aquellos. FOMENTO Y ESTÍMULO PARA LA PARTICIPACIÓN DE PRIVADOS Se propone estudiar mejoras en la aplicación de estímulos tributarios para fomentar la actividad de privados en todas las áreas del sector, tales como: coleccionismo entre los privados, creación de espacios artísticos y expositivos, becas, apoyos para espacios de residencias y galerías no comerciales, además de actividades de preservación de patrimonio. Dentro de este punto se propone revisar, reevaluar y considerar estos asuntos en la actual legislación de la Ley de Donaciones Culturales (Ley Nº 18.985).


ARTURO DUCLÓS


MARISOL FRUGONE

ANDREA JÖSCH


IGNACIO SZMULEWICZ (1986) Historiador y crítico de arte formado en la Universidad de Chile. Magíster en Arquitectura por la Pontificia Universidad Católica de Chile. Se ha especializado en las áreas de arte moderno y contemporáneo, arte público, chileno y latinoamericano. Ha publicado el libro Fuera del cubo blanco: lecturas sobre arte público contemporáneo y curado ciclos expositivos. Ha realizado los proyectos de investigación Artes visuales en Valdivia: archivo 1977-1986 y Arte y ciudad en Chile: una mirada a su historia y teoría. Actualmente, es crítico de arte en la revista La Panera y prepara un libro sobre crónica de arte en Valdivia durante los 70 y 80 que será editado por la editorial El Kultrún.

XIMENA ZOMOSA (1966) Es Licenciada en Arte con mención en Grabado en la Universidad Católica de Chile. Actualmente se desempeña como Coordinadora de las áreas de artes visuales y danza de Balmaceda Arte Joven. Ha realizado exposiciones individuales, entre las que destacan Historia Ornamental, Centro Cultural de España y Mucho que Aprender, Sala Gasco Arte Contemporáneo. Algunas de sus exposiciones colectivas son: Arte Mujer y Compromiso político, Museo de Solidaridad Salvador Allende; Sur Scène, Arte contemporáneo de Chile Tours, Francia y Project of a Boundary (fold), Latincollector Art Center. Nueva York. Ha recibido numerosas distinciones y premios, entre los que destaca: Premio Altazor. Vive y trabaja en Santiago de Chile.


ADOLFO TORRES (1971) Es Cocinero de escuela y artista visual autodidacta, cruce que ha ido uniendo por medio de su trabajo La Olla Comun, un proyecto teórico, visual y culinario, el cual indaga en aspectos y disidencias que las cocinas activan en los cuerpos sociales. Por medio de obras visuales, acciones públicas y encuentros, seminarios y charlas, Torres o Chawak, ejecuta estas representaciones de actos culinarios, apoyado y en colaboración con distintos colectivos, grupos o barrios, incluyéndolos en los llamado “actos relacionales”. Vive, cocina y trabaja en Bahía Inglesa, región de Atacama, norte de Chile.

RODRIGO VERARA (1974) Artista visual. Ha participado en más de 40 exposiciones, contando 6 individuales. Su trabajo se ha mostrado en diversos países de Europa y América, también ha sido publicado en más de 25 medios especializados de arte, tanto en Chile como en el extranjero. Ha obtenido tres distinciones en concursos y 5 becas de financiamiento estatal. Ha realizado residencias en Brasil y Argentina.


DIFUSIÓN EN LAS ARTES VISUALES. OBJETIVOS / HERRAMIENTAS / AUTONOMÍA / ¿QUÉ? ¿POR QUÉ? ¿PARA QUIÉN?

DIFUSIÓN

MESA En primera instancia manejamos una idea cercana a la definición de Word Reference: “Difusión: Propagación de algo, especialmente de un conocimiento o de una noticia: difusión de un suceso”. En Artes Visuales la práctica común es difundir a través del suceso (actividad - evento), pero en realidad y a largo plazo se pretende difundir una obra, su propuesta y principalmente al artista/autor. También se difunde el trabajo de teóricos, curadores, instituciones e incluso auspiciadores. Nuestro objetivo es pensar la difusión a largo plazo. Sus posibilidades reales, dependencia/ autonomía, herramientas/auto-difusión, precariedad, sujeto/ institución, público objetivo, nacional/internacional. ¿Qué difundo?, ¿Para qué?, ¿Para quién? Jue 8 - Vie 9 Octubre Moderadora: Yto Aranda Ximena Moreno Nadinne Canto Miguel Michelson Francisco Villarroel Juvenal Barría Elisa Massardo Carolina Lara



SOBRE LA DIFUSIÓN DEL ARTE CONTEMPORÁNEO EN CHILE MAPEO DE SITUACIÓN Y POSIBLES FORMAS DE ENFRENTAR LA DIFUSIÓN


Revisar el estado actual de la difusión de las artes visuales en Chile implica, en primer lugar, responder a diferentes interrogantes. Identificar con qué periodicidad, en qué proporciones y con qué profundidad los medios nacionales difunden eventos, críticas, entrevistas o reflexiones acerca del quehacer de las artes visuales, es un asunto primordial. Abordando la gran variedad de soportes o formatos que caracterizan a los medios (TV, periódicos, revistas, radio, redes sociales, etc.), evidenciamos que la promoción de las artes visuales no ocupa una posición homogénea en cada uno de estos espacios, situación que esperamos comentar brevemente. Esta mesa reúne una serie de proyectos y medios que han desarrollado particulares estrategias de difusión para las artes visuales y que nos permiten reconocer distintos modelos que conviven hoy en Chile. Apreciamos medios especializados que ocupan predominantemente el formato web (Artishock, Escáner Cultural), aunque también identificamos otros que se valen del soporte impreso (Arte al Límite). Por otro lado, surgen otros proyectos diferenciados que han desarrollado estrategias de difusión con un carácter distinto, entre los que se encuentran plataformas de portafolios de artistas de sentido abierto y gratuito destinados a actores emergentes (Arte en Línea), como también proyectos de arte que difunden su mensaje en el espacio público a través de publicaciones móviles (Cuadernos de Movilización); galerías que se emplazan en zonas de amplia circulación (Sala de


Carga) e incluso redes de proyectos de carácter más híbrido que piensan su modelo de difusión como una instancia de encuentro a escala más pequeña (Gálvez, Inc.). Restan, no obstante, modelos más sistemáticos y que complementan la práctica cada vez más recurrente en la era de las redes sociales, como es la autodifusión privada que realizan los artistas a través de Facebook, blogs, contactos propios y otras plataformas. Si bien este documento no es un estudio que incluya información precisa ni datos estratégicos puntuales, pretende dar a conocer la visión orgánica del estado de la difusión de las artes visuales en Chile, con el fin de mapearlo e intentar identificar cuáles son las falencias y desafíos a enfrentar.   I Introducción: Un estado de la cuestión Cualquier análisis sobre la difusión de proyectos o eventos de carácter artístico en Chile debe considerar la existencia de un duopolio -El Mercurio y Grupo Copesaen la administración de los mismos, lo que genera marcadas barreras para el ingreso de nuevos actores desde sectores independientes e, incluso, de cierto material a difundir. A pesar de la condición del sector, el formato privilegiado para la difusión del arte contemporáneo se sigue situando en estos medios, entre los que se encuentran la prensa oficial y los ejemplos independientes, pudiendo funcionar ambos tanto en formatos impresos como a través de sitios web. Si bien en los 90’s en los medios tradicionales había un margen de libertad editorial inédito a pesar de cierta censura que presentaba aún el país durante la transición democrática, desde el 2000 en adelante va disminuyendo el espacio para el arte contemporáneo, dándose un mayor énfasis al espectáculo, articulándose la (escasa) crítica de arte desde ángulos más sensacionalistas con criterios de semiótica básica y dando cobertura a experiencias expositivas con un centralismo marcado. Este contexto podría haber determinando en los últimos años tanto las prácticas de producción como también las estrategias de difusión de los actores de arte contemporáneo. Una hipótesis es que


lo descrito anteriormente genera un efecto en el circuito local que acelera la creación de iniciativas independientes, las que tienden a articularse bajo modelos de autogestión y que implementan sus estrategias de difusión desde las redes sociales y a escalas menos masivas, organizadas por medio de círculos especializados o a nivel de redes comunales. En el caso de la prensa de circulación nacional, diagnosticamos una disminución de las secciones destinadas a difundir arte contemporáneo y un adelgazamiento de la escritura a causa de, entre otros factores, un criterio “espectacularizado” que se centra principalmente en los eventos y, en menor medida, en socializar criterios y conceptos que permitan una comprensión de ese evento (exposición, intervención, jornadas de encuentro entre artistas, etc.) en un contexto mayor, ya sea el campo artístico local o internacional. En dicho sentido, se advierte que la producción de mecanismos de difusión alojados en estos medios responde, necesariamente, a criterios editoriales con un marcado gusto específico por ciertos eventos artísticos, concordante con el objetivo de ser meras fuentes de información para grupos acotados o elites. Bajo este escenario, se advierte que la difusión alojada en distintos periódicos tiende a ser menor, rescatándose el caso paradojal de una sección especializada para las artes visuales en medios sensacionalistas como Las Últimas Noticias. En general, la promoción de estos contenidos se muestra mezclada por otro tipo de eventos, incluyéndose en secciones misceláneas bajo rúbricas culturales o de interés general. La situación en la circulación regional no necesariamente es diferente, aunque se advierte un menor hermetismo a la hora de modificar estructuras editoriales específicas. Lo último es observado como una posibilidad abierta para mejorar la manera en la cual las artes visuales ocupan distintas posiciones de promoción, en aras de poner en valor sus contenidos y socializarlos a un público mayor. Respecto a otros medios de comunicación, advertimos que el sector no ha incidido con la misma consistencia en televisión o radio. Comprendemos que ambos medios


cumplen un rol de masificación a gran escala, a pesar de que las artes visuales siguen ocupando un papel incipiente en la actualidad, perdiendo el mayor alcance que podrían generar. Hay una deuda gigantesca de estos medios, entre los cuales el proyecto de Canal Cultural (promesa del discurso de la Presidenta Michelle Bachelet el pasado 21 de mayo), podría significar un aporte sustantivo para progresar como herramienta educacional a gran escala. II Especialización: Medios con predominancia en el formato escrito Luego de estas primeras identificaciones generales, vale mencionar que hay gran distancia entre los medios escritos genéricos antes mencionados y la construcción de proyectos especializados o de nicho. A grandes rasgos, en este especial tipo de medio destacan actualmente: Artishock, Arte al Límite, Arte y Crítica (blog), Revista Tonic (mercado del arte), Revista Alpe (pensamiento estético latinoamericano), Revista Atlas (fotografía), Rotunda Rotunda (dossiers/entrevistas), Revista S/T (fotografía) y Revista Porvenir (cultura visual). A ello se agregan distintas revistas universitarias, el rol de Cuadernos de Arte (Pontificia Universidad Católica de Chile), Revista Punto de Fuga (Universidad de Chile) y Alzaprima (Universidad de Concepción), que cumplen un rol esencial como proyectos editoriales académicos, en su mayoría con tendencia a textos enmarcados en estética, teoría e historia del arte; y otros medios que incluyen en sus contenidos difusión de artes visuales sin especializarse en el sector necesariamente (El Ciudadano, el Mostrador, The Clinic, Le Monde Diplomatique y La Panera, entre otros). En el escenario antes indicado, Artishock se sitúa como el sitio con mayor impacto y visitas entre las plataformas de difusión nacionales, con amplia lectura en públicos hispanohablantes. No obstante lo anterior, la mayor presencia en ferias internacionales de arte contemporáneo está representada por Arte al Límite, revista que, al igual que Tonic, es una de las pocas que posee formatos impresos. A ello se agrega que Arte al Límite es la única que contempla ediciones bilingües y que alterna la producción de periódicos,


revista y libros. Cabe destacar que una buena cantidad de estos proyectos han tenido origen a lo largo del año 2015, siendo Tonic, Rotunda Rotunda, Revista Alpe, Revista S/T y Revista Porvenir medios que se lanzaron durante este período. Así, evidenciamos en igual medida que existe una cierta fragilidad en la duración de los proyectos de difusión de arte contemporáneo, caracterizándose el último período por una mayor proliferación de los mismos. Por otro lado y paralelamente a este escenario, existe Escáner Cultural, un medio con 17 años de existencia y que se ha destacado por una línea editorial inclusiva; creado por artistas para respaldar el trabajo de sus pares, ha puesto énfasis en la difusión del trabajo de artistas alternativos, experimentales y estrategias de producción que se desarrollan intencionalmente al margen de la escena artística institucionalizada. Sobre lo anterior, la mesa de discusión advierte que los aspectos relativos a estrategias de financiamiento y sustentabilidad de los proyectos artísticos en general (materia de otra de las mesas de CONVITE), son también materias que impactan fuertemente a los proyectos de difusión. Muchas de las gestiones cuentan con fondos del Estado, factor que permite cierta autonomía en los contenidos, pero que no garantiza una continuidad en los proyectos dada la incertidumbre que implica para los postulantes los procesos adjudicación y cierres de éstos. Si bien la existencia de subsidios estatales para la generación de proyectos a través de Fondart podría operar como un beneficio para todo el sector, es a su vez un factor que determina cómo se están desarrollando estos proyectos en cuanto a su propia difusión. En concreto, el modelo de subsidios para el arte no mide el rendimiento de sus proyectos en audiencia alcanzada, lo que no deja de ser positivo, pero sus exigencias van más por dar cierre a los proyectos en los tiempos previstos, por lo que sus recursos obtenidos tienden a invertir prioritariamente los objetivos en producir, más que en difundir y distribuir.


III Espacios y autodifusión: Otras formas de promoción Así como se ha enunciado un acercamiento al papel de diferentes medios de comunicación, se hace necesario realizar mención a la labor desarrollada por otras estrategias de difusión, constituidas desde las prácticas de promoción que los mismos creadores o espacios desarrollan. Estas prácticas son las que, en gran medida, determinan la extensa variedad de contenidos sobre las artes visuales. El rol que cumplen las instituciones oficiales o independientes como museos, galerías, centros culturales, espacios de residencia, talleres organizados de artistas, etc., se caracteriza por la organización de diferentes actividades. Más allá de la sola creación de comunicados de prensa, estos espacios articulan otro tipo de metodologías para acercar sus contenidos al público; haciendo posible charlas, coloquios, visitas guiadas y otras prácticas de mediación. Es en este ámbito de acción donde se concentran distintas particularidades que, desde las artes visuales, perfilan un mayor desarrollo de reales estrategias de difusión del sector, distintas a las que se homogenizan con modos de producción generales de la parrilla cultural. Asimismo, el sector de las artes visuales ha incrementado notoriamente su interés y búsqueda de financiamiento para editar y publicar catálogos (monográficos, expositivos o de escena), que buscan dar cuenta de un proceso de investigación y de ciertas reflexiones en torno a una muestra o proyecto artístico. A ello se añade que estas prácticas de editorialidad van cimentando posibilidades para aumentar un acervo de archivos históricos sobre artes visuales, utilizando al catálogo no sólo como un registro de sucesos expositivos, sino también como objetos de patrimonio material. Pero su distribución sigue siendo incipiente e insuficiente. Centrada principalmente en la autodistribución, las distintas publicaciones evidencian la inexistencia de un sistema profesional de circulación (como ocurre, por ejemplo, en la industria editorial), situación que afecta directamente su efectividad y alcances. El problema de esa configuración


de cosas es la ausencia de una política comunicacional que difunda, sistemáticamente, la labor realizada en espacios públicos, por lo que esos esfuerzos productivos tienden a desaparecer inclusive en lo que respecta a las instancias más institucionales (como museos, centros culturales o galerías). IV Falencias y desafíos: Desarrollar el sector desde la difusión La relación del arte contemporáneo con el público en algunos contextos sufre una escisión que se ha acentuado en el último tiempo, asunto que constituye el mayor de los desafíos que, como sector, observamos. Aquello se podría explicar por el contexto neoliberal de nuestro país, falta de educación o analfabetismo de las nuevas prácticas artísticas que generan brechas en su comprensión y conocimiento. Al respecto, vemos una escena altamente academizada que reflexiona fuertemente su contexto, pero que no alcanza a generar un efecto de impacto dado el hermetismo de las producciones que, finalmente, son leídas por la misma escena. A su vez, el mismo hermetismo del medio ha deformado estrategias de difusión ensimismadas, las cuales reproducen conocimientos que se albergan circularmente y no superan estas barreras. La ponderación de estas prácticas -dirigidas en el fomento o desarrollo del sector, pero al mismo tiempo ampliando sus públicos-, es una de las tensiones más relevantes de la contingencia actual. Si bien se pueden identificar variadas instancias de encuentro que pretenden reunir al sector (siendo CONVITE y el reciente “Encuentro de Iniciativas Colectivas de Arte” algunos de sus ejemplos), pareciera que en la actualidad no hay una disposición continua del medio para romper sus comportamientos atomizantes. No obstante, hay excepciones interesantes que podrían estar marcando el pulso de las nuevas formas de autonomía y de difusión, las que tienen más que ver con economías a escalas alejadas de los modelos de industria y más cercanos a la colaboración, a la interdisciplinariedad y la regionalización.


Responder la pregunta de “a quién difundir” tiene su complejidad en cuanto a que cada medio de arte contemporáneo tiene sus exigencias de audiencia específicas que no responden a los mismos criterios editoriales ni a públicos objetivos concretos. Así, es sencillo suponer que no hay un único modo de hacer difusión en arte contemporáneo, desde hacer circular sentidos en lo público a hacer circular obras como bienes de mercado. En ese sentido, se hace necesario para cualquier proyecto que considere la difusión de arte el identificar un público objetivo y generar metodologías confiables para la medición de su impacto, construyendo una administración coherente con la relevancia de la información que se difunde. Que la densidad escritural del mensaje tenga relación con el público al que va dirigido es algo esencial, vale decir, reevaluar y reenfocar las estrategias de difusión y especificar a quién se quiere llegar y desde ese fin revisar el lenguaje a utilizar. En síntesis de lo anterior, reconocemos algunas falencias en la difusión de artes visuales que nos imponen un desafío para el desarrollo del área, las cuales podrían ser resumidas en la siguiente lista tentativa. Dificultades: 1. Falta de un sentido de responsabilidad por parte de las entidades que sostienen los espacios institucionales tales como museos, centros y galerías, en resguardar un buen funcionamiento en todas sus áreas. Esto significa en el caso de la difusión, que se comprometan los recursos necesarios para resguardar el funcionamiento de buenos equipos de comunicación. 2. El número de periodistas especializados en cultura, así como de críticos de arte, es bajo. Esto deriva a que sean muy pocos aquellos textos que realmente generan un nivel de contenidos de calidad, bien escritos, innovadores y propositivos en sus ideas. 3. En el contexto de los espacios o proyectos independientes, hay una deficiencia en cómo trabajan sus comunicados de prensa, a quiénes y cómo los dirigen.


4. Subvaloración en la percepción sobre el nivel de activación y calidad de la agenda de artes visuales en Chile, siendo mal percibida debido a su baja cobertura y poca producción de contenidos de parte de la difusión. 5. Baja estrategia de distribución de catálogos o publicaciones en el campo de las artes visuales, centrándose principalmente en la autodistribución por la inexistencia de un sistema profesionalizado. 6. Existencia de pocos centros y/o archivos especializados en arte contemporáneo, ubicados principalmente en Santiago y enfocados casi exclusivamente a investigadores. 7. Falta de modelos alternativos de financiamiento que respeten la particularidad de los proyectos y aseguren una sustentabilidad en el tiempo. 8. Necesidad de una administración coherente de información relacionada con el público objetivo, con especial énfasis en la manipulación de redes sociales. En este contexto, se necesita capacitar a quienes administran la información a través de estas plataformas. 9. Falta de estudios sistemáticos de caracterización de las prácticas de difusión del sector. Dada la ausencia de investigaciones especializadas en la materia, la elaboración de políticas públicas no posee, necesariamente, racionabilidad al respecto. Desafíos: 10. Mayor innovación y creatividad en los formatos que sirven de soportes de difusión, y no sólo concentrarse en publicaciones tradicionales o comunicados de prensa estándar. 11. Mayor cuidado y resguardo en la elaboración de textos de difusión o mensajes, considerando tanto la calidad de los contenidos como la relación con el público al que se quiere llegar.


12. Necesidad de levantar programas de difusión sobre artes visuales en otros soportes (radio, tv y radio y tv digital), con énfasis en las posibilidades a nivel regional, gracias a la mayor libertad de contenidos en estos medios sin regulación actual. 13. Trabajar en la especialización de los agentes y profesionales encargados de la difusión en artes visuales para una mayor calidad de contenidos y enfoques diversos respecto al mismo evento, obra, etc. 14. Construir modelos de gestión y financiamiento que humanicen las relaciones entre los distintos agentes, intentando no construir mera competencia. 15. Evaluar y ampliar el público al cual se dirigen los contenidos difundidos, sin por ello descuidar el desarrollo sectorial asociado. 16. Mejorar el uso de herramientas que sirvan para la auto-medición de nuestros medios de comunicación, lo que resulta esencial para la comprensión de flujos de visitas y perfiles de lectores. 17. Fomentar estrategias de interrelación con lectores y público variado, desafío esencial acorde con el uso de redes sociales y cultura digital. 18. Contemplar en la difusión herramientas de educación o mediación, o bien contextualizar las estrategias de difusión desde ese compromiso.



JUVENAL BARRIA



FRANCISCO VILLAROEL Es estudiante de Derecho de la Universidad de Chile (tesista). Crítico de arte de la Revista de Arte Contemporáneo Artishock, asesor gremial de los funcionarios y funcionarias de la DIBAM, miembro del comité de evaluadores de Artes Visuales del FONDART Nacional, Asesor de la Fundación Amandla y actual integrante de la Comisión de Cultura de Revolución Democrática

XIMENA MORENO Licenciada en Artes Visuales, Universidad Finis Terrae y Master in Global Arts, Goldsmiths, University of London. Su trabajo se centra principalmente en la producción de contenidos ya sea con fines curatoriales y/o de difusión. Actualmente es colaboradora estable de Artishock y La Panera, encargada de comunicaciones y la programación de encuentros de galería Sala de Carga, docente universitaria, cofundadora y editora de Revista Porvenir.


ELISA MASSARDO

CAROLINA LARA Es periodista, crítica de arte del diario La Tercera, corresponsal de revista ArtNexus, y Encargada del Punto de Cultura y Sala de Exposiciones Federico Ramírez de la Municipalidad de Concepción. Residente en Tomé, integra el Consejo Comunal para el Patrimonio de esa ciudad y Mesa8, agrupación que involucra arte contemporáneo y comunidad. Vestidos para la Acción Intervención performática, Mesa8 Fotografía de Oscar Concha. Tomé, 2013.


CAMPO CULTURAL LOCAL Y FENÓMENOS DE INTERNACIONALIZACIÓN

LOCALIZACIÓN

MESA

Esta mesa de conversación versa sobre las ventajas y desventajas de la internacionalización en el campo cultural local. En efecto, este proceso conlleva, por un lado, una ampliación de las posibilidades de trabajo, participación, inscripción y consagración cultural. Por otro lado, sin embargo, introduce nuevos agentes, instancias y parámetros de legitimación que tienden a imponerse sobre los locales, desconfigurándolos. Se plantea la necesidad de mirar críticamente estos fenómenos, de manera de pensar una integración global más equilibrada.

Ma 13 - Mie 14 Octubre Moderador: Mauricio Bravo Felipe Cura Dagmara Wyskel Antonio Becerro Sebastian Emilio Riffo & Pilar Quinteros Nancy Mansilla Daniel Reyes León Cristian Tejo Curihuentro



Campo cultural local y fenómenos de internacionalización Breve definición de los conceptos propuestos al debate

-Escena local / lo local. Por escena local o lo local se haría referencia al conjunto de domesticidades que traman lo más íntimo o propio de un campo particular de producción, es decir, específicamente, al conjunto de articulaciones que determinan, en un momento dado, la singularidad de dicho campo. Esto incluye las características que, en cierta medida, podrían no ser visibles para una mirada ejercida según o determinada por parámetros globales.


-Internacionalización. En el ámbito artístico, designa dos aspectos: el primero tiene que ver con la posible inscripción de las producciones culturales nacionales en el ámbito o el mercado global; el segundo, que cabría denominar paradigma internacional, supone la imposición e incorporación de un conjunto de normas, patrones regulatorios de los temas o contenidos y de los modos de producción, gestión y difusión de las obras con el objetivo de inscribirlas a nivel global. Se trata de una imposición porque no es el fruto de una iniciativa independiente o autónoma, sino que constituye un proceso histórico que nos toca vivir. Lo conversado en la mesa surge de una inquietud puntual, la necesidad de pensar o analizar en qué medida los mencionados procesos de internacionalización afectan o inciden en contextos locales que no poseen una institucionalidad cultural consistente. En particular, se plantea el interés de saber hasta qué punto el ingreso de agentes foráneos de legitimación y consagración, pudiendo generar apertura e integración hacia el mundo, también pueden ser un motivo de debilitamiento o fragilización considerable de las escenas locales.


En efecto, si bien la internacionalización se manifiesta como una ampliación de las posibilidades de trabajo, participación, inscripción, sustentabilidad y profesionalización, puede asimismo implicar la aparición de agentes, instancias y parámetros de legitimación que, por su mayor centralidad o protagonismo global, tiendan a imponerse por sobre los criterios e instituciones locales, haciéndoles perder progresivamente su consistencia. Si bien tanto la apertura internacional como la defensa de lo local comportan dimensiones y factores positivos y negativos, la ambivalencia señalada nos indica que, detrás de la promesa de integración subyacente al paradigma internacional, existen riesgos que exigen un enfoque reflexivo y crítico de parte de los actores del campo artístico. Desarrollo de la mesa La problemática de la relación entre escenas locales e internacionalización fue abordada principalmente desde las experiencias particulares de los integrantes de la mesa. En su gran mayoría actores artísticos independientes, pero que comparten labores ligadas a la enseñanza universitaria o a la administración en instituciones culturales oficiales. En la primera sesión, la discusión se centró en los relatos testimoniales acerca de cómo cada uno de los actores


convocados había enfrentado, pensado o vivenciado, a través de sus proyectos, el proceso de la internacionalización o sus efectos. En la segunda sesión, se conversaron estos puntos y muchos otros que sería demasiado extenso comentar. Sin embargo, la discusión avanzó progresivamente hacia la necesidad de pensar lo local y lo internacional desde una perspectiva reflexiva que no disocie ambos fenómenos, sino que visualice la forma de conjugarlos o potenciarlos mutuamente. Esta mirada decantó en la formulación preliminar de cuatro actividades: 1. Realización de un diagrama o cartografía conceptual que permita visualizar la complejidad política del problema en la relación entre lo local y lo internacional. 2. Gestión de un “Evento Internacional de Artes Visuales Permanente”, de carácter anual, que proponga un enfoque crítico sobre los procesos de internacionalización. 3. Creación de la “Editorial Nacional de Artes Visuales”. 4. Desarrollo de una red o página digital donde se centralice la información relacionada con proyectos de residencia, fondos, bienales, etc. Mauricio Bravo




PROPUESTAS MESA LOCALIZACIร“N ideas para el problema DE la relaciรณn entre lo local y lo internacional


1 EVENTO INTERNACIONAL VISUALES PERMANENTE

DE

ARTES

Desarrollar desde las iniciativas autónomas y agentes culturales independientes un proyecto de nivel internacional que logre visualizar la real producción chilena en artes visuales y que hoy se encuentra sesgada de la mirada del mundo del arte contemporáneo por la irrupción de eventos de corte comercial como las ferias de arte, entregando al público dentro y fuera de Chile una única visión. El proyecto contemplaría distintas etapas de trabajo dirigidas a la reflexión artística del contexto país, apoyado por un financiamiento universitario proveniente de las diversas escuelas de arte hoy existentes, involucrándolas en un trabajo de mediación consistente dirigido al público no especializado en artes visuales a nivel nacional. Las etapas y actividades a realizar incluirían procesos de investigación y trabajo de campo a través de residencias temporales que logren integrar la producción y exhibición de las obras finales con el contexto local donde estas se desarrollen. El foco principal del proyecto se enuncia en dos objetivos concretos: uno, la creación de un modelo de proyecto que lleve el trabajo artístico desde lo local a un nivel nacional e internacional; y dos, el potenciar la producción nacional independiente invisible hoy fuera del medio mismo.


Ante el fracaso de un proyecto de bienal a nivel nacional impulsada por el aparato estatal, y el surgimiento del modelo ferial como unica instancia organizativa capaz de reunir a la escena del arte bajo la premisa de mercado, la propuesta se centra en catalizar dos de los elementos que actualmente constituyen el acervo más visible de la escena nacional: la gestión autónoma y la institución universitaria. Dando un apoyo estratégico a la gestión autónoma y la organización de esta bajo un proyecto móvil y de carácter nacional, se impulsaría una coyuntura específica en torno a la movilización creativa que es propia de las artes visuales, generando un puente entre los actuales proyectos del CNCA tendientes a la movilidad de los agentes culturales en modo de residencia y las iniciativas autogestionadas e independientes que se están dando en diferentes lugares del país. El modelo del evento estaría conformado por tres nodos: investigación, editorialidad y trabajo de campo. La investigación se conformaría levantando intereses multidisciplinarios en torno a un lugar específico, convocando a sociólogos, literatos, etnólogos, antropoólogos, artistas, filósofos, curadores, poetas, etc., siempre que estén vinculados a una institución universitaria, de manera de hacer confluir proyectos de investigación en un lugar específico de Chile, lugar donde posteriormente se realizaría el evento. La editorialidad estaría conformada por trés ámbitos: internacional, nacional y local. -Internacional: invitando a cinco personajes de relevancia internacional en la escena de la investigación, la teoría y la curatoría artística que den eco y garanticen la recepción de la instancia. -Otro nacional: convocando a un comité editorial de carácter nacional que releve los datos y establezca una relación más cercana a la crónica, y a su vez, asimile y edite la labor de investigación realizada por el equipo de investigadores que se articule.


-Otro local: que de cuenta, en el mismo pueblo o lugar específico donde se realice el evento, de las dinámicas y flujos de creación, así como también establezca una relación comunicacional con la localidad. El trabajo de campo se descompone Investigación, territorio y creación.

en:

-En el primer nodo, podrían participar las diferentes universidades, configurando un campo de conocimientos que serían traspasados al proyecto como un insumo editorial, y como experiencias de campo para artistas, curadores, productores y gestores. -El segundo nodo, acotaría el trabajo a un territorio específico: un pueblo y sus alrededores. Este podría verse estimulado por el ingreso de un grupo de investigadores, curadores, productores y artistas, los cuales, previo diálogo local e investigación, entrarían a trabajar bajo las mismas lógicas de los espacios autónomos, es decir, arrendando espacios, utilizando lugares abandonados, solicitando espacios municipales o estatales, agenciando los espacios públicos, etc. -El tercer nodo, estaría confiigurado por un modelo de creación que implica una residencia, es decir, una estancia para la creación de una obra, una acción o un objeto funcional o disfuncional, pero siempre con implicancias simbólicas, sean estas de autor o no. 2 EDITORIAL NACIONAL EN ARTES VISUALES Se propone desarrollar una editorial que se centre en la creación, edición, diseño, impresión y distribución comercial de publicaciones de artes visuales, dando visibilidad en el campo editorial a la producción local de artes visuales. Esta editorial podría estar centrada en los proyectos que los mecanismos estatales financian en sus diferentes programas, generando material bibliográfico y de divulgación. La idea es que esta editorial pueda abrirse campo hacia otras áreas de las artes, ya sea teatro, cine, danza e incluso literatura, proponiendo un sistema de distribución que permita posicionar el nombre de las artes chilenas en una escena


internacional y, a su vez, dinamizando el acceso a la producción nacional de artes visuales en los diferentes territorios que configuran el país. 3 FORTALECIMIENTO DE LA CIRCULACIÓN DE LIBROS EN AAVV

EDICIÓN

Y

Si bien la propuesta anterior se centra en la creación de una infraestructura de funcionamiento orgánico para la producción editorial en torno a las artes visuales, se hace imperioso que, previamente, se impulse la circulación y promoción de las publicaciones de artes visuales, ya sean libros, catálogos, monográficos, etc. Para esto se requiere la creación de instrumentos que perfeccionen y promocionen el desarrollo de infraestructuras humanas y colectivas para la creación de libros de arte. Si bien hay una incipiente creación de libros de arte y catálogos, muchas veces estos quedan atrapados en bodegas o limitados a una circulación de mano en mano, ya que estas iniciativas carecen de instrumentos para su posterior circulación y promoción tanto nacional como internacional. Es cosa de revisar los mismos fondos concursables, lo cuales, en el área de artes visuales carecen de un área editorial, mientras que por el lado del fondo del libro, carecen de un área de artes visuales. Esta situación deja al libro de arte, al catálogo o a los monográficos, fuera de la posibilidad de ser subvencionados con fondos estatales, pero más clara es la situación cuando este tipo de publicaciones se realizan y carecen de instrumentos para su circulación comercial o de exhibición. En este sentido, la propuesta se centra específicamente en generar un archivo móvil de catálogos, monográficos y libros de arte creados en Chile, y, en paralelo, un incentivo a la distribución y creación de instancias para la circulación del libro de arte en librerías nacionales, eventos de corte artístico, así como en ferias internacionales del libro, en ferias de arte y otros eventos que permitan la circulación de las publicaciones, siendo éste un elemento de visibilización de bajo coste y comprobada efectividad.


4 PLATAFORMA EN RED DE RESIDENCIAS ARTISTICAS DE CHLE Creación, administración y actualización permanente de una plataforma on line bilingüe que recoja la información completa de las residencias y espacios de trabajo para producción de obra a nivel nacional. La plataforma debiera tener además una red de conexión internacional para generar el intercambio de los agentes y acceso a otras plataformas similares en el extranjero. Es de vital importancia el trabajo previo de investigación para la creación de una base de datos nacional e internacional para lograr informar oportunamente de las publicaciones de convocatorias, noticias, y otros. (Esta falencia se advierte como un punto débil crónico dentro del medio nacional donde se publica on line pero no se informa de las publicaciones quedando el trabajo de información muerto y sesgado).


CRISTIAN TEJO

DAGMARA WYSKEL


NANCY MANSILLA / LA PAN

FELIPE CURA


SEBASTIAN RIFFO & PILAR QUINTEROS Somos el colectivo MICH, el Museo Internacional de Chile, un grupo de amigos que trabaja bajo los principios de la aventura, asumiendo todos los peligros y costos que dicha actitud trae consigo. Sin miedo al fracaso, vamos en busca de lo desconocido, recogiendo experiencias que nos ayuden a comprender de mejor forma los diferentes contextos en los que nos involucramos. De ese modo, hemos logrado llevar a cabo un amplio abanico de actividades artísticas y culturales, así como exposiciones de artes visuales, tanto en gestiones institucionales como autónomas, talleres de prácticas artísticas, curatorías nacionales e internacionales, e intervenciones artísticas en el espacio público. Todas nuestras acciones son producto del diálogo, reflexión y práctica constante.

DANIEL REYES

no somos dueños de nuestra propia ausencia


MAURICIO BRAVO (1967) Licenciado en Artes Plásticas, Universidad de Chile. Artista visual y teórico del arte con una amplia participación en exposiciones y escritura crítica de arte contemporáneo chileno. Integrante del colectivo Caja Negra Artes Visuales y docente de la U. de Chile, entre otras. mauriciobravo-artistavisual.blogspot.com

ANTONIO BECERRO

HAY DOS FORMAS DE CONSERVAR LA ESPECIE: UNA ES CON LA REPETICION DE LA COSA COMO UN RECURSO DE RETENCION DE LA IMAGEN Y LA OTRA ES CON TAXIDERMIA DOS MIL


FINANCIAMIENTO

MESA

iNDEPENDIENTES, ALTERNATIVOS, AUTÓNOMOS ¿POR QUÉ? ¿DE QUIÉN? ¿PARA QUÉ?

¿Por qué (un artista o espacio) apuesta por la independencia o autonomía? ¿Es necesario construir un modelo de gestión para el levantamiento de recursos? ¿Independiente o dependiente de las fuentes de financiamiento? ¿Alternativo para modificar solamente el sistema del arte o alternativo que apunta a una transformación social?

Jue 15 - Vie 16 Octubre Moderan: Luis Alarcón & Ana María Saavedra Pablo Castro Ricardo Pizzarro Nicolas Azócar Gabriel Tagle Catalina Bauer Andrés Grillo Catalina Tuca Varinia Brodsky



RECUPERAR SENTIDO DE PÚBLICO

EL LO

la delgada línea entre lo privado y lo público


Así como en educación, en cultura también existe hoy una delgada línea entre lo privado y lo público, una sutil frontera que se disfraza en la articulación de alianzas que permitirían generar nuevas acciones sociales pero que, sin embargo, hace peligrar el origen republicano de la institucionalidad cultural, homogeneizando la particularidad de cada uno, arriesgando el rol del Estado como responsable en la generación o, en su defecto, en velar por los contenidos de carácter pluralista en su compromiso social a la hora de construir culturalmente una sociedad inclusiva. Tal como es su esencia, lo privado se ocupa del cuidado de intereses particulares, inclusive en ocasiones personales, de distinto orden, a diferencia de su antagónico. Lo público, lo que resguarda el bien común, entendido ‘común’ por el sentido político de una comunidad de seres libres e iguales que no responden a intereses dados por caprichos de inclinación política, religiosa o económica, entre otras. ¿Qué significa, entonces, hoy día ser una institución cultural pública en un medio donde pareciera mercantilizarse cada vez más el arte y la cultura? Donde los indicadores respecto del número de audiencias y retorno económico, -retorno que no necesariamente llega a los productores de tales contenidos- son imperativos cuando se trata de decidir qué es lo que se financia, por tanto qué es lo que se entrega a la comunidad; las instituciones públicas culturales parecen perder terreno.


La falta de políticas culturales que permitan apoyar instituciones o dirigir programas con cierta continuidad, sitúa a nuestras instituciones culturales al borde permanente de la desaparición, las que dependen para subsistir en gran medida de las voluntades y capacidades de gestión de sus equipos, con bajos sueldos y poca estabilidad laboral. Tenemos, por otra parte, el permanente déficit presupuestario que aqueja a los distintos actores del ámbito cultural; artistas, gestores, investigadores y productores, que incide de manera directa en los contenidos de la programación, siendo los fondos concursables el motor fundamental de los proyectos nacionales realizables, por una parte, y por la otra, la Ley de Donaciones Culturales que tiene por objeto fomentar la participación del sector privado. En este sentido, hay una doble tarea. La primera, la del Estado de responsabilizarse por los contenidos culturales que tienen este carácter a todo nivel generando las instancias y posibilidades para que las instituciones, organismos y personas puedan trabajar en esos contenidos; generar confianza en la comunidad, valorizando la tarea que realiza y compete a los distintos actores. Asimismo, el Estado debe asumir un rol mediador entre las instituciones públicas y el sector privado. La empresa privada, por su lado, debe hacer un aporte a la cultura como un deber, no como un acto de beneficencia, sino como una retribución, sin apropiarse de los contenidos y la forma en que estos se presentan.


Podríamos hacer una comparación. Lo primero dice relación con la necesidad de valorar la trayectoria de nuestros artistas. Realizar, por ejemplo, una exposición como la de Guillermo Núñez en el MAC a sus 85 años es un deber que no puede depender de la empresa privada, es ahí donde el museo debiera contar con los recursos propios para homenajear su obra y generar un trabajo en consideración a su aporte y trayectoria, así como el fomento a artistas jóvenes, sin importar su eventual proyección en el mercado, sino garantizando las condiciones para difundir su trabajo. Una muestra internacional, por otra parte, evidentemente contempla costos altísimos y un posicionamiento de otro tipo, donde si se hace imprescindible el aporte de la empresa privada o fondos internacionales. Sin embargo, las instituciones culturales que cumplen una función de carácter nacional, son exigidos en su oferta programática, coherencia editorial, y estándares sin hacer un análisis responsable. El rol de los museos hoy, es mermado por la inexistencia de presupuesto, falta de políticas de adquisición de obras y resguardo de sus colecciones, e infraestructuras deficientes. Otros espacios se levantan para solapar una deuda regional, pero quedan en muchos casos en manos de los municipios sin financiación ni equipos capacitados que puedan generar programas de calidad que perduren. La búsqueda obligada de estrategias de financiamiento y profesionalización evidencian una crisis que pone en riesgo su misión fundamental, la de garantizar el pluralismo y la libertad de pensamiento, asumiendo un condicionante que implica la precarización versus la “privatización”.


El sector privado -además con el 50% de aporte fiscal a través de la Ley de Donaciones- determina en buena medida los contenidos culturales de las instituciones e iniciativas públicas, a través del auspicio a determinados eventos o inclusive a través del co-financiamiento para la postulación de proyectos a fondos públicos como FONDART. Sin embargo, ésta se realiza sin educación mediante, categorizando en igualdad de condiciones el organismo o institución que genera los contenidos a la que financia. Pero, ¿qué interés real tiene la empresa privada en torno a la cultura? ¿Cuántas empresas realmente ven la cultura como una necesidad, un derecho y entienden su inversión como un deber en beneficio de la comunidad? ¿Cuántas, por otro lado, crean sus propias fundaciones donde finalmente realizan “auto donaciones” a través de la Ley de Donaciones Culturales? O bien, ¿cuánto poder le estamos dando, o cuánto contribuimos al jerarquizar todo evento cultural en calidad de “espectáculo”, otorgando el poder a los indicadores de audiencias, validando de manera cuantitativa pero no cualitativa? En este contexto, es prudente preguntarnos ¿cuál es entonces el rol del Estado? ¿qué iniciativas son las que debiera financiar? Y, derivado de lo anterior ¿quién o quiénes son los que están decidiendo los contenidos culturales hoy en Chile? Varinia Brodsky


MAPA CONCEPTUAL PARA FINANCIAMIENTO EN LAS ARTES VISUALES

EL

El listado que se presenta a continuación sintetiza la propuesta elaborada por los/las participantes de esta mesa de trabajo, que se acordó desde una visión común respecto de la débil (o incluso nula) incidencia de las artes visuales en el contexto cultural nacional. La presentación de esta propuesta colectiva se inició con el registro en video de la transmisión de la final de la Copa América, en la que el relator de fútbol Claudio Palma celebra el resultado del partido en que Chile resultó ganador, proclamando su preferencia irrestricta por el fútbol en desmedro del arte, la música u otra manifestación cultural. Se acordó destacar el lugar fundamental que ocupan los artistas (en el sistema del arte) y el papel estratégico de los espacios alternativos en la proyección del desarrollo de nuevas propuestas y de pensamiento crítico. Se revisó críticamente el débil papel del Estado en la proyección de las artes visuales hacia otros ámbitos de la sociedad, haciéndose muchas veces favorecedor de los intereses representados por las instituciones de carácter privado, las que se han posicionado notoriamente en los últimos años. Se propone: - Crear un fondo para las Artes Visuales autónomo dentro de la estructura de fondos del CNCA. - Dotar de autonomía, mayor presupuesto y aumento en el porcentaje de recursos para artes visuales. - Recuperar la creación (y la experimentación) como propósito central. - Priorizar la calidad y pertinencia de los especialistas que evalúan proyectos de artes visuales. - Considerar segmentadamente las trayectorias y/o currículum de los postulantes a los fondos concursables. - Dejar sin posibilidad de postulación a las “mega estructuras” culturales (ya sean estatales o privadas). - Considerar la asignación de honorarios dentro de todas


las líneas de fondos concursables y en cualquier trabajo de consultoría, evaluación, jurado, etc. en que el Estado convoque a distintos agentes de la escena. - Entregar subvenciones directas a espacios ligados a la difusión y promoción del arte contemporáneo. - Entregar apoyo directo, sin representación chilena en Bienales.

concurso, a

toda

- Fortalecer el Área de Artes Visuales constituyendo equipos altamente especializados. - Transparentar a través de una plataforma web pública y de fácil acceso los montos, fechas y proyectos que desarrolla el Área de Artes Visuales mes a mes. - Considerar, dentro de las estrategias para el diseño de políticas culturales en Artes Visuales, la habilitación de un consejo asesor representativo y amplio. - Mantener (o comprar) el Pabellón de Chile en Venecia y mantener el concurso de proyectos curatoriales para definir representación nacional a la Bienal. - Fortalecer el trabajo de Galería Gabriela Mistral y su colección, mediante concurso público de dirección y curatoría. - Fortalecer el trabajo de las escenas regionales de Artes Visuales, nombrado encargados de Área en cada región. - Apoyar el trabajo de los espacios o colectivos independientes ligados al arte contemporáneo. - Apoyar y fomentar el trabajo de investigación teórica y curatorial. - Promover la circulación interregional e internacional de artistas y curadores locales. - Habilitar sistema de concurso público estricto para ocupar cargos de dirección pública ligados a las Artes Visuales: agregados culturales, directores de espacios institucionales, etc.


- Fomentar instancias de validación masiva (Bienales o Encuentros) que visibilicen la real producción en Artes Visuales (tanto teórica como práctica) del país (alternativa al mercado duro: ferias de arte) - Establecer una alianza formal entre el Ministerio de Cultura y el Ministerio de Educación que signifiquen políticas conjuntas con recursos específicos para un fortalecimiento de la educación artística desde la base, además de la creación de un banco laboral para artistas a lo largo de todo el país. - Incluir la participación de artistas en la creación y diseño de programas educativos. - Fortalecer la presencia de las artes y la literatura en la educación a todo nivel. - Conectar, activar y productivizar el trabajo de las distintas escuelas de arte en Chile. - Fortalecer el desarrollo de un canal cultural y público, accediendo a una cuota de pantalla para las Artes Visuales. - Fortalecer y/o fomentar el diseño de programas educativos tanto en museos como en espacios alternativos. - Fortalecer y proyectar el Museo Arte Contemporáneo, el Museo de la Memoria y los DDHH y el Museo de la Solidaridad. EL MUSEO ES UNA ESCUELA: EL ARTISTA APRENDE A COMUNICARSE EL PÚBLICO APRENDE A HACER RELACIONES Luis Camnitzer


CATALINA TUCA

VARINIA BRODSKY


PABLO CASTRO

GABRIEL TAGLE


ANDRÉS GRILLO Magister © en Artes con Mención en Teoría e Historia del Arte de la Universidad de Chile, ha realizado investigación sobre el modernismo y las vanguardias en Chile y realiza textos para curatorías y catálogos de exposiciones individuales y colectivas, participando en su gestión, realización y difusión desde 2004. Ha realizado estudios en el extranjero sobre Artes Visuales tanto modernas como contemporáneas, así como en el área de Documentación y Archivos.

LUIS ALARCÓN & ANA MARÍA SAAVEDRA www.galeriametropolitana.org 1998-2015 Foto: Mariella Sola, Esculturas Efímeras Habitables (EEH), 2013


CATA BAUER Taller BLOC es un espacio creado por un grupo de amigos artistas a fines de 2009. En él se desarrolla un Programa Anual de Tutorías y, paralelamente, se realizan exposiciones, charlas, residencias y otras actividades. Ser parte del proyecto Taller Bloc ha sido una experiencia muy significativa, que me ha ayudado a crecer personal y profesionalmente. Ser artista puede ser una ocupación muy individualista y, por lo mismo, difícil. Trabajar colectivamente, en cambio, tiene muchos beneficios, no sólo hace más llevadera dicha ocupación, sino que efectivamente potencia y multiplica las posibilidades para desarrollarse. No quiero decir que sea algo sencillo, requiere de mucha organización, compromiso, voluntad y suerte también. De las cosas importantes que he aprendido en BLOC está reconocer que la capacidad creativa que tenemos es un recurso productivo y económico, así como lo es la disposición a colaborar entre pares. www.tallerbloc.cl

RICARDO PIZARRO NICOLÁS AZOCAR (1984) Vive y trabaja en Santiago, Chile. Licenciado en Artes Visuales, Mención en Pintura, Universidad Finis Terrae y Técnico de Administración de Empresas, Mención en Finanzas, INACAP, Santiago, Chile. Ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales, entre ellas: Plan de obra, Galería Artespacio, Santiago, 2010; Informe, Galería Moto, Santiago, 2008; BLAH BLAH BLAH, Galería Moto, 2008; Citando a Zurbaran, Sala estación Quinta Normal, Santiago, 2007; Examen, Centro de artes visuales de Santiago, 2006; Mecánica on fire, Elena Blanco 973, Santiago, 2006; Destellos Negros, Galería Centro, Talca, 2011. Paralelamente se desempeña como gestor y director de la Galería Tajamar.


COLOQUIO Jornada de cuatro ponencias abiertas al público de conclusión de las mesas de debate realizadas Mesa Financiamiento: Rodrigo Vergara y Marisol Frugone Mesa Difusión: Carolina Lara y Francisco Villarroel Mesa Localización: Mauricio Bravo y Daniel Reyes Mesa Financiamiento: Varinia Brodsky y Ana María Saavedra

Jueves 12 de Noviembre – 10 a 20 hr Sala de conferencias 1 / GAM





ETC




Tijerales edificio UNCTAD III, 1971 Imagen cortesĂ­a Documental Escape de Gas / Trampa Films


ANGIE SAIZ / Dirección y Editorial Artista visual con producción de obra en pintura, fotografía, intervención pública, videoinstalación y arte sonoro. Su trabajo desarrolla problemáticas estéticas a partir del imaginario biográfico y el cruce y crisis entre las nuevas tecnologías y los conceptos de tiempo, limbo y ruina. Ha expuesto en importantes espacios dentro de Chile, como el Museo de Arte Contemporáneo, el Museo de Artes Visuales MAVI y Galería Metropolitana. También ha participado en muestras fuera del país en espacios como YAKU Museo del Agua en Quito, Galería Marta Traba de Sao Paulo y Human Resources Gallery en Los Ángeles C.A. en Estados Unidos. Además, es curadora, directora y productora en proyectos de artes visuales y realiza labor editorial en publicaciones afines. Actualmente desarrolla proyectos expositivos y de gestión dentro y fuera del país.

ALEJANDRA HERRERA / Producción y Gestión Egresada de la Universidad de Chile, con estudios en Valencia, España y Belfast, Irlanda. Co-fundadora de PERFOPUERTO (Organización Independiente de arte de performance, 20022007) con variados reconocimientos en FONDART (Fondo Nacional de la Cultura y las Artes) y DIRAC (Dirección de Asuntos Culturales Ministerio de Relaciones Exteriores). Su obra se basa en performance e instalación, y las exploraciones sobre su propio cuerpo (género) hacen constante referencia a las inevitables implicaciones biológicas que éste gravita como ser social y político. Desde hace unos años, viene trabajando además el tema de la maternidad y lo domestico. Ha presentado su trabajo en el Festival de performance Trouble en Bélgica, Festival de performance Anti en Finlandia, Festival de performance Staglinec en Croacia, Festival de performance 7A11D en Canadá; además de otros países como Alemania, Polonia, Japón, México, Venezuela, Argentina, Estados Unidos e Irlanda del Norte.


Edición y corrección de prueba Angie Saiz Producción ejecutiva Alejandra Herrera Asistente producción y contenidos editoriales Carmé Berenguer Diseño Daniel Cerda Wegener Imágenes y registros fotográficos Alejandro González Angie Saiz Diseño Web Hernán Ariel Francisco Belarmino Impresión Andros Impresores


AGRADECIMIENTOS Rodrigo Vergara Francisco Huichaqueo Adolfo Torres Sebastián Salas Carlos Oviedas Varinia Brodsky Valentina Montaldo Len Hurtado Familia Saldias Merino Pablo Castex Bruno Salas Gonzalo Latoja Carolina Saiz María Angélica González Alejandra Lahr Ignacio Alegría Casio Proximo Elizabeth Romero Andrés Morera MAC Museo de Arte Contemporáneo


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