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Una familia... Un silencio... Un secreto... Un grito...


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EN EL CINE TEATRO ESPAÑOL DE COMODORO RIVADAVIA , FERNANDO PEÑA PRESENTARÁ SU NUEVA OBRA TEATRAL:

La oscuridad es Música Una familia... Un silencio... Un secreto... Un grito...

“E

sta obra cuenta la historia de una familia desconectada, incomunicada, intoxicada en la sociedad de la costa este de los Estados Unidos, que como todas las familias no pueden enfrentar con palabras el eje de su conflicto. Emma y León son los padres de Ayleen. Son judíos; Ayleen desesperada recurre al doctor Krandall, católico apostólico romano…” Nos encontramos en las afueras de Nueva York, en Brooklyn. Los diarios acusan el año 1975. Un departamento repleto de co-

sas se erige ante nosotros. A su espalda, una cantidad de edificios, con algunos indicadores de tiempo y lugar (una fecha escrita sobre el costado derecho, el nombre de un hotel). Una mujer entra en la escena. Nos cuenta o se cuenta. Reflexiona sobre la relación con su padre. Pone a prueba el erotismo del vínculo. Alguien interrumpe. Pocos minutos después identificamos a este personaje como el Dr. Krandall (José de Nevares), psiquiatra de Ayleen (la mujer en cuestión). El desea examinarla en su transcurrir

Conociendo a Peña

cotidiano para así poder curarla. Le pide que traiga a su madre a las sesiones, que les de vida en su cuerpo para poder entender y conocer un poco más como funciona esta familia. La vemos transitar, la conocemos, descubrimos sus secretos junto al Dr. Krandall, en la piel del mismo cuerpo, el de Ayleen, el de Peña. Música de suspenso acompaña cada revelación. La trama se vuelve cada vez más espesa, mas llena de motivos a descifrar. Creemos estar acompañando a Ayleen en su recuperación, en

su terapia, pero junto a sus progresos a nivel emocional, que son celebrados con el psiquiatra con el que mantiene una relación profesional cada vez mas desdibujada, asistimos a la revelación de un secreto. ¿La vida de Ayleen corre peligro? ¿Cuándo? ¿Dónde? ¿Por qué? ” Inspirado y homenajeando a George Gershwin y Woody Allen, les devuelve a estos dos artistas lo que ellos le enseñaron del amor, la muerte y la pasión. Del misterio y de lo que es vivir sin ser quienes somos. Es una pieza romántica, sutil y

grosera. Un Thriller psicológico que demuestra que el mundo entero tiene una pizca de esa locura y neurosis de la sociedad Americana. Fernando Peña se desdobla en 3 personajes, el de la madre, la hija y el padre que se enfrentan con el Dr. Krandall (interpretado por el actor Javier de Nevares). Una obra que se desarrolla en un clima sórdido y aterrador. Peña la describe como una devolución de lo que la película Mahattan le dejó en el alma. Esta pieza, juega con el dis-

tanciamiento de la familia en épocas en las cuales desde los medios desesperadamente aconsejan y casi imponen La familia ante todo. Textos, actuación y dirección: Fernando Peña Vestuario: María Mauricio Maquillaje: Román Bongioanni Puesta y operación de luces: Horacio Piñeyro Puesta y operación de sonido: Ezequiel “Japo” Nakasone Stage Manager: Matías Luciani

Hijo del periodista Pepe Peña y nieto de la bella mujer cuyo retrato domina su casa, cuenta que de pequeño “jugaba a esto que soy ahora: agarraba la guía del teléfono, llamaba al azar, hacía diferentes voces y establecía relaciones con la gente. Llegué a pasarme seis horas haciendo eso”. “A mí siempre me divirtió no ser yo”, dice el hombre que detesta “los besos con ruido... odio el muá. De chico me daban un beso y me limpiaba con la manga “. “En el colegio contaba que el autor de Platero y yo era muy, muy, muy, pero muy amigo de mi abuela. Y los maestros me decían deje de hablar pavadas, Peña. Yo siempre fui condenado y descreído por decir la verdad. Y digo tanto la verdad, tan de frente y sin filtro, que la gente piensa que miento Nacido en Uruguay hace 44 años y criado en la Argentina desde los 9, reconoce: “gracias a Dios ya me siento viejo. No soy más ese chico que en el 99 dijo en un programa de tele que era puto... Y durante tres años fui considerado únicamente como el transgresor, el polémico. Ya puedo descansar, siento que soy un señor actor: demostré que tengo un contenido, que no me quedé en un Guido Süller o en un Jacobo Winograd. No especulo ni busco provocar... Yo no creo en el pecado, no está en mí. Soy mucho más ingenuo de lo que la mayoría cree”. Ya ha corrido un caudal importante de agua bajo el puente y este artista reconocido en las primeras filas de la vanguardia artística de nuestro país, concentra sus energías en su talento y demuestra una vez mas que sus aptitudes creativas siguen brindando al publico un espectro diverso de miradas, personajes y situaciones, animando a descubrir espacios y limites de la cultura, in abordados muchas veces por los miedos y los preconceptos. Continuando así con los desafíos “A veces, cuando suena el despertador a las seis menos cuarto para ir a la radio, me miro al espejo y me digo No podes estar cansado, es lo que siempre soñaste. O me digo: Saliste elegido hombre de radio (en los Premios Clarín Espectáculos 2006) cuando tenías todas en contra: sos puto, loco, adicto, borracho, inestable afectivamente... Agradece, vestite y anda. Y de golpe recupero el deseo primario”, se sincera el conductor de El parquímetro (a las 7, La Metro) y El otro (el ciclo de entrevistas que hará por Canal á) y de La Oscuridad es música, la obra que presentara hoy 21:30 hs en nuestra ciudad”


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comodorenses por el mundo... sebastian diaz morales C+ ¿Dónde naciste? ¿Dónde estudiaste? SDM: Nací en Comodoro Rivadavia el 13 de Abril de 1975. Estudie Dirección Cinematográfica por 4 años en la Universidad de Cine de Antin, en Buenos Aires. C+ ¿Cuándo te fuiste? SDM: Entre idas y vueltas me fui de Comodoro en el momento en que comencé mi carrera universitaria en 1991. Aunque siempre estoy de vuelta por vacaciones o por proyectos desde aquel entonces. C+ ¿Desde dónde estas escribiendo y qué estas haciendo ahí? SDM: Ahora escribo desde Amsterdam, Holanda. Lugar de base desde donde trabajo un par de proyectos a realizarse en parte o por partes en Argentina. Uno es un largometraje que comienzo a rodar en Enero del año que viene en Comodoro conjuntamente con Panorámica Producciones y coproducido por el Hubert Fonds del Festival de Rotterdam y otro es la producción audiovisual de una Opera contemporánea que comienza a delinearse por estas fechas. C+ ¿Cómo llegaste a ese medio? SDM: El medio llego a mí como algo natural. Observo y trabajo

con el video desde los 12 años. C+ ¿Cómo es ser un comodorense en el exterior? Pros y contras. No es una pregunta fácil, habría que preguntarse primero que es ser Comodorense o cual es la identidad Comodorense, y vivo en Holanda en donde la cultura es muy particular. Pero hablando en términos generales, creo que nuestra ciudad nos enseño a saber adaptarnos a medios distintos, a convivir con distintas realidades en lo cotidiano y a aprender a sortear obstáculos. Ese paquete de herramientas es de mucha utilidad cuando uno deja atrás la frontera. C+: Siempre volvés a Comodoro a grabar tus videos. Podrías responder que siempre se vuelve a los orígenes, al punto de partida, pero siempre en tus trabajos hay dos importantes elementos, el viento y el desierto Patagónico. ¿Es la Patagonia el lugar ideal para tus historias y tus personajes? SDM: Es el lugar que mejor sé desarmar y armar nuevamente sin perderme en el intento. Lo reconozco como parte de lo que soy por lo que lo de las raíces u orígenes es siempre cierto. Los desiertos son siempre espacios

abiertos a múltiples interpretaciones. Por ser lugares en donde la nada como signo de interrogación se hace presente de manera muy fuerte. El desierto Patagónico es un lugar que necesita ser conquistado permanentemente: por su naturaleza inhóspita, por su lejanía y magnitud, y por su historia de fracasos de conquista y mitos imposibles. Los personajes de mis películas y situaciones recreadas en los alrededores de la ciudad en donde me crié (Comodoro Rivadavia) son siempre personajes que intentan reforzar o establecer un nuevo mito. El mito según se ha dicho no es un instrumento para poetizar sino para interpretar la realidad. Y la realidad de las ciudades Patagónicas es muy cruda y plana. Los mamíferos de la Patagonia de Discovery Chanel son de una naturaleza muy distinta a la de los individuos de estas ciudades industriales, jóvenes, con poca cultura, hechas a fuerza de lucha permanente. Las situaciones ficcionadas que recreo en estos desiertos de viento continuo intentan hablar de la realidad. Lo hacia Paralelo 46 (Feature movie, 56min, 1998) con una critica a través de una cuasi ciencia ficción futurista a la polución ambiental de esta área de la Patagonia y haciendo referencia

a la misma situación en términos globales y el intento fallido del hombre en sus ansias por controlar la naturaleza. Un futuro apocalíptico también en IN A NOT SO DISTANT FUTURE en donde el hombre aparece solo como en el principio de sus tiempos ante las inclemencias del ambiente, solo con su cuerpo como único refugio. Una guerra química se propone como causa a tal destino en la conversación de El Visitante Enigmático. O El Hombre con la Bolsa perdido con su carga a cuestas, en busca de un destino que se le repite como una misma piedra que una y otra vez lo hace tropezar y darse cuenta de su lesa humanidad. C+: Pareces sentirte muy cómodo mezclando diferentes géneros fílmicos: documental, épico y experimental. Los trabajos parecen ser bastantes complejos desde el punto de vista técnico, pero si los analizas cuidadosamente, te das cuenta que se ven como películas caseras sofisticadas. ¿Usas filtros y efectos especiales para crear una clara distinción entre documental y ficción? SDM: Según se ha dicho con las nuevas tecnologías podemos inventar un discurso narrativo que no simplemente ilustre la realidad.

Que es lo que hace el cine y que hoy por hoy a mi no me interesa. Otro, que me parece fue Picasso, dijo que pintaba lo que pensaba y no lo que veía. Mas o menos la misma cosa. Me interesa desteñir la realidad para poder verla en su parte más absurda y cruda. Esa decoloración me ayuda a transformar un sentido en forma, es decir, la forma de una idea pero también su energía y fuerza. C+: En tus videos siempre hay alguien que camina, corre, escapa. ¿Qué es lo que buscan tus personajes? ¿Qué persiguen? ¿A dónde van? ¿Están buscando redención? SDM: La misma pregunta me hago yo, o te hago a vos. A dónde? Porqué? Son las preguntas más simples y más difíciles de contestar quizás las que también intrigan a mis personajes. No tengo la respuesta o cada uno la tiene a su modo. Estos vagabundos existenciales que son los personajes de algunas de mis películas en forma ficticia o en forma real como en “N O W H E R E” andan libres deambulando por la tierra haciéndose la misma pregunta, ¿Porqué y a dónde voy? Son personajes de ficción a los que se les da poca carga de historia personal. Saben poco y por eso sienten de forma básica y se hacen esa pregunta tan

esencial que nunca llegan a contestar por lo cual están también siempre destinados a no llegar a destino o a repetirse una y otra vez. Son seres humanos que le preguntan al espectador “Este soy yo y esto es lo que siento. De esta manera percibo el mundo. ¿Tenemos algo en común? C+: Finalmente ¿Qué es lo que más extrañas de Comodoro? ¿Pensas volver? Por un lado uno extraña aquello que todos extrañan cuando se sabe haber dejado atrás lo suyo. Los lazos familiares, el paisaje de lo conocido. A mi particularmente me falta aquí la convivencia con la naturaleza la cual muchas veces te pone los pies sobre la tierra... Por eso, Vuelvo, lo mas que puedo…

NDR: Algunos extractos fueron tomados de la entrevista original publicada en Italia, en la revista Tema Celeste 117, por Danielle Perra.


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abc cultural john cage Imagínate que llegas a un concierto de piano, te sentas cómodamente para disfrutar un buen momento musical, entra el concertista y se sienta frente al piano. Estas a punto de escuchar una obra titulada 4´33”. El pianista acomoda las partituras frente a sí, cierra el piano y se queda sentado… y no sucede nada.. da vuelta la hoja de la partitura y continúa inmóvil. Sólo silencio, durante 4 minutos y 33 segundos. Al cabo de ese período de tiempo, el pianista se levanta y saluda al público.

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sta obra la compuso John Cage en 1952, un compositor e instrumentista estadounidense del siglo 20 que reinventó la manera de hacer música. Para Cage, lo que nosotros consideramos silencio en realidad no lo es, porque cuando la orquesta deja de tocar siguen oyéndose eventos sonoros, tales como la tos del público, susurros, pasos, roces con las butacas. Por ello este compositor afirmaba que el público debía considerarse como parte de los músicos ejecutantes, dado que 4´33´´ se creaba a partir de los ruidos que hacían los mismos, del sonido del ambiente. De esta manera el público se convertía en autor y el autor no era dueño único del contenido. Cualquier cosa que el público del músico interpretara, era correcta, era

válida en la estética musical de Cage. A su vez la obra era diferente cada vez que se ejecutaba, en función del lugar y del público. Cage usaba el término “música no-intencional” para este tipo de obras. Y planteaba la música como un proceso, donde el compositor no debe intentar interferir con los sonidos. John Cage afirmaba: “Los sonidos existen, y yo estoy interesado en que ellos estan ahí, y no en la voluntad del compositor. En un proceso musical no existe un “entendimiento correcto” y consecuentemente no puede haber ningún malentendido con respecto a la comprensión de este proceso. Entonces, un objeto musical (es decir una obra musical) por si mismo es un mal entendido, y los sonidos

no controlados por el compositor en cambio, no se preocupan si hacen sentido o si van en la dirección correcta. Ellos no necesitan esa dirección o no dirección para “ser” ellos mismos. Ellos simplemente “son”, y eso es suficientemente bueno para ellos y para mi también”. A partir de esto, Cage justifica la utilización de métodos de azar que determinan absolutamente todas las notas, los silencios, los ritmos, y la instrumentación de sus obras. Por ejemplo, llegó a usar un método según el cual se perforaba una hoja de papel en los lugares en los que se encontraba alguna imperfección, para luego mediante un papel transparente ir calcando estas marcas sobre un pentagrama. Cage además inventó un instrumento denominado piano pre-

parado, el cual consistía en un piano de cola al cual le había insertado entre las cuerdas una serie de tornillos, tuercas y trozos de goma y madera que dotaban al instrumento de una variedad

nueva de posibilidades sonoras. Uno de los fines más importantes que este compositor persigue con sus obras, es lograr que abramos nuestros oídos a todos los sonidos existentes.

John Cage espera que el oyente haga a un lado su ego, para volverse más perceptivo hacia todo lo que sucede a su alrededor. ¿Qué obra musical estás escuchando vos ahora?


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