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FIDET


FESTIVAL INTERNACIONAL DE ARTES ESCÉNICAS Y TRANSDISCIPLINA 2012 IBERESCENA. SANTIAGO DE CHILE

FIDET, Festival Internacional de Artes Escénicas y Transdisciplina, es un festival de asociatividad entre creadores, participantes e instituciones académicas y culturales, que pretende poner en acción el encuentro entre artistas, investigadores y audiencias Iberoamericanas, para plantear una estructura de pensamiento y reflexión sobre el futuro de las artes escénicas en nuestro medio local. Tanto en el panorama de las artes escénicas contemporáneas, como en los distintos campos de acción del individuo y su práctica cotidiana, se ha experimentado un proceso de acumulación e integración de información y recursos, propiciada por los avances tecnológicos y los medios masivos de comunicación. Esto ha provocado en parte, que las categorías y límites tradicionales de la experiencia cotidiana ya no sean suficientes para describirla. La emergencia de la transdisciplina en el arte escénico, da cuenta de este cambio en la experiencia del ser humano en su contexto actual. Las expresiones escénicas viven, hoy en día, un proceso de reformulación de sus bases prácticas y teóricas, en donde ciertos artistas ponen en juego sus propias competencias, evadiendo el logro formal de su disciplina para dar pie a creaciones que trascienden su propia definición, volviéndose difíciles de clasificar y deviniendo en lo híbrido. Por otra parte, la crítica especializada de las artes escénicas tiende a mantenerse en lugares reconocibles de análisis, abarcando las creaciones según un marco disciplinario reducido y evitando el cuestionamiento de las bases que las definen. ¿Qué pasa entonces con las creaciones que se alejan de aquellos criterios de análisis? ¿Quién las considera? ¿Cómo se entera y apropia el público de dichas piezas que se alejan o desplazan dichas definiciones? Sin duda que esto obstaculiza una apropiación efectiva de las prácticas escénicas transdisciplinarias por parte del público, perpetuando el estancamiento y la poca comprensión de éste frente a lo que el artista quiere comunicar. Este Festival se plantea entonces como una oportunidad para ampliar los criterios de comprensión y absorción de espectáculos, que indudablemente provocan un gran impacto cultural producto a su vinculación directa con las condiciones de nuestros contextos sociales contemporáneos, transformándose por lo tanto, en un espacio ideal para generar y desarrollar nuevas audiencias. Por otra parte, la convocatoria e invitación a participar de manera gratuita a la totalidad de las actividades de la primera versión de este Festival, puede ser considerada como una estrategia para activar un motor que sea capaz de producir un nuevo lente de

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observación y de reflexión eficaz para repensar nuestro entorno y cultura. FIDET, Festival Internacional de Artes Escénicas y Transdisciplina, se instala como un espacio de diálogo generando asociatividad entre artistas e investigadores escénicos de Brasil, Chile, España y Uruguay, que presentan una reconocible trayectoria en torno al desarrollo y estudio de producciones escénicas contemporáneas que ya han traspasado categorías disciplinares y que están acorde con un cambio de paradigma en relación con los sistemas de comunicación, los espacios de simultaneidad y la virtualización de la presencia humana en su comportamiento social y cultural. Así FIDET se propone como una instancia altamente favorable para reconocer este hilo conductor, tocar esa fibra social e instalar en nuestra sociedad cultural, la conciencia de que este tipo de creaciones son desarrolladas y estudiadas de modo profundo en el medio de las artes escénicas Iberoamericanas, aumentando y diversificando el capital cultural de nuestro público a través de una instancia reflexiva transversal y abierta, provocando un evidente enriquecimiento de la experiencia escénica tanto del artista, como del espectador. Para FIDET es completamente necesario reconocer y hacerse cargo de la diversidad de escenarios culturales y educacionales desde los cuales emergen las estrategias de creación, investigación y generación de audiencias para las artes escénicas que incursionan en la transdisciplina. De este modo, se pretende generar una estrategia de asociatividad entre artistas nacionales e internacionales, investigadores y docentes, instituciones y audiencias, que sea capaz de fortalecer una red transversal de comunicación, competencia cultural y enlace entre artistas, audiencias y espacios de difusión de la obra iberoamericana que incursiona en la transdisciplina escénica. RESULTADOS ESPERADOS FIDET pretende lograr dos resultados principales, los cuales sentarán las bases para medir el éxito del proyecto: 1) Generar una instancia de intercambio, discusión y difusión de la producción escénica Iberoamericana, proveniente del teatro, la danza y la performance, donde se detecte, promocione e incorpore la noción de Transdisciplina Escénica en el vocabulario del medio cultural nacional, dando cuenta de un pensamiento sobre el futuro de las artes escénicas en nuestro medio local. 2) Abrir un espacio dirigido a la generación, integración y captación de nuevas audiencias locales, que sea capaz de ofrecer productos culturales y herramientas de reflexión necesarias para ampliar la lectura, comprensión y valoración de las creaciones propuestas por el Festival FIDET. La factibilidad del logro de estos resultados dice relación con el nivel de excelencia de los artistas y expositores invitados. También es necesario destacar la asociatividad generada en el momento de integrar en un mismo Festival a artistas y teóricos que provenientes de diversas disciplinas y de diversos países, y por otro, el hecho de que la totalidad de las creaciones (teóricas o prácticas) ponen en duda las nomenclaturas, procesos, medios y resultados tradicionales de sus disciplinas.

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CIENCIA Y FICCIÓN

POR SERGIO VALENZUELA VALDÉS

La realidad virtual y el desarrollo de software interactivos, como sistemas incorporados en el arte escénico contemporáneo, presuponen nuevas experiencias participativas, confirmando el sentido circular de la comunicación, en el sentido en que el diálogo entre obra y espectador se establecen de manera práctica y en la medida que se estimula la propia acción del público en el propio contexto de la obra como experiencia. Este enfoque es el que permite abrir nuevos análisis del fenómeno comunicacional y estético en las actuales prácticas vinculadas al cuerpo escénico en su cruce con las acciones de arte, poniendo en cuestión las bases disciplinares, que sólo pueden ser analizadas con tiempo y experiencia. Tiempo en el que se establece una relación profunda entre las diferentes teorías científicas y filosóficas. Para esto es fundamental la exploración de modelos que analicen los resultados conceptuales y propuestas creativas, que al parecer, es donde aparece la transdisciplina en nuestro contexto. Dar sentido al vínculo entre el arte, la ciencia y la tecnología. En el panorama de las artes contemporáneas locales, la investigación y la precaria teoría, defienden lugares reconocibles para sus propios pares, el sujeto receptor o mediador y la crítica, hacen un esfuerzo por intentar abarcar de manera correcta cada disciplina, teniendo en cuenta su formación moderna y estructuralista. Es así que proyectos interdisciplinarios quedan dentro de la misma línea anterior. Ya que no somete a cuestionamientos sus bases y son abordados por el análisis teórico desde descripciones sobre los factores técnicos o teóricos de manera superficial. El contexto sociocultural contemporáneo está marcado por la utilización masificada de tecnologías del ocio, la comunicación y la información, que dan forma a un proceso de condicionamiento global extremo. Los artistas escénicos actuales se reapropian de la tecnología para producir nuevas formas de percepción (no de representación), y con ello nuevos tipos de reflexión estética, que desafían las categorías disciplinares convencionales, que ofrecen modelos de realidades basados en un consenso de cooperación entre dos individuos, y que se constituyen a partir de formas de comunicación e interacción. El arte escénico contemporáneo convive con diferentes tendencias como el “media art”, “web art” o el “net art”, que se refiere a la reproducción de ese modelo interactivo e interconectado, que expande su propio concepto de arte para un sistema basado en la comunicación. Es aquí donde se constituyen los cambios de paradigmas estéticos marcados por el uso de nuevas tecnologías que lleva a preguntarse en cómo se manifiestan estas prácticas escénicas actuales. Conscientes de que los materiales están en constante transformación y por eso se hace imposible formular conceptos definitivos, mas bien examinar en profundidad los principales aspectos y desarrollos de éstas 5


prácticas, transformándose en un fenómeno con enfoque transdisciplinario. Para que la teoría y la investigación pueda analizar los cambios reales del contexto artístico, debería conocer los cruces disciplinarios reales. Si se nombra “bases disciplinares”, se entiende en el desplazamiento y apertura de las artes a otras áreas de conocimiento, pero de manera activa, no sólo con el aporte de reflexiones a partir de un tema. Para enmarcar estas ideas se deben tener en cuenta algunos conceptos o definiciones sobre lo que se comprende por artes escénicas, transdisciplina, estética y tecnología. Cabe mencionar que no existe una metodología científica comprobada de investigación en la creación que sirva como manual que indique cómo accionar hoy en la relación entre arte y tecnología, sólo se pueden proponer diferentes planos de pensamiento y exhibirlos como posibles preguntas sobre aquellos procedimientos. En el marco de las artes escénicas, se refiere a las disciplinas relacionadas a la experiencia compartida en “tiempo real”, en el “aquí y ahora” con una audiencia. Hace referencia a un diálogo entre distintas disciplinas del arte, como lo son la danza contemporánea, el teatro contemporáneo y sus desplazamientos posibles, como por ejemplo, el arte del acción y sus entregas como acciones de arte. Para enmarcar los elementos característicos de estas prácticas escénicas contemporáneas el aporte en “Dramaturgias de la Imagen” del investigador español José Sánchez, es bastante sintético, a pesar de que justamente los elementos tecnológicos son parte fundamental de este estudio: “la indiferenciación entre actor –personaje o ejecutor – bailarín y de la presencia física del intérprete, la identificación del tiempo escénico con el tiempo de la presentación y no con la representación, el desdibujamiento de los límites de la realidad y la ficción, el abandono de una relación instrumental con los objetos y con el espacio, la valoración del detalle aislado, ciertos modos de estructuración y composición asociativa, que surgen de la superposición de diversos lenguajes, la aplicación de procedimientos transdisciplinares en la creación de espectáculos multimedia, sean o no tecnológicos”1. A partir de estos elementos se puede dilucidar que a las Artes Escénicas pertenecen también los que conocemos como laboratorios de creación o “work in progress”, donde este tipo de producciones son mas conceptuales o de utilización de estrategias de creación, que representacionales o temáticas, donde figuras como autor y obra han sido desplazados por colaborativos y procesos, acciones o experiencias. Ahora el análisis o documentación de estas propuestas son observadas a través de diferentes lentes o enfoques a cargo de diversas áreas o incluso de los propios artistas como lo dice Naugrette desde la estética teatral: “los trastornos de la época contemporánea, las novedades tecnológicas, la aparición cada vez mayor de nuevas técnicas-la fotografía, el cine y el video- los medios de transporte y comunicación, las computadoras o los satélites, transformaron todas la maneras del ser, de percibir o de crear. Hoy en día la estética se ramifica no solamente en la filosofía del arte, sino también en la sociología del arte, en psicología del arte, en fenomenología de la experiencia estética, en estética analítica, 1. SÁNCHEZ, José. “Dramaturgias de la imagen”. Ediciones de la Universidad de Castilla-La Mancha, España 1999. Pag. 184. En el capítulo IX “Dramaturgias de la complejidad: estrategias contaminantes” en donde expone cuales son algunos de los artistas y tendencias mundiales a partir de la transformación en las prácticas artísticas escénicas dando luces sobre temas como la “performatividad” y “expereriencia” en danza, teatro, artes visuales, performance e hibridaciones o inclasificados contemporáneos, como por ejemplo, “La Ribot”.

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en sociología de la cultura, en estética de la recepción […] tantas disciplinas específicas surgen de hombres provenientes de distintos horizontes, y además una de las características de nuestro siglo es que los artistas se hacen cargo ellos mismos del discurso estético”2. Incluso existen diferentes tipos de este mismo lugar de análisis por ejemplo, André Veinstein distingue “intuicionismo, teorías de la interpretación, teorías sociológicas. Una oportunidad de pruebas de orden metodológico concernientes a la utilización de análisis, auto observaciones, investigaciones y por último, un ejemplo privilegiado, para el arte y par a la ciencia, de la cooperación entre artistas y hombre de ciencia, en el interés común de la ciencia y del arte”3. Si bien se habla constantemente de creación como parte de la práctica, se comprende como “creación en artes escénicas” por los procesos de creación y metodologías utilizadas en la escenificación de las ideas. Al relacionarse procesos, virtualidad y modelos de comunicación, Giannetti nos explica, “en Física, el concepto de virtual empezó a ser desarrollado a comienzos de nuestro siglo y estaba relacionado con las tres grandes revoluciones en esta disciplina: la Teoría de la Relatividad, que además de plantear una nueva dimensión de espacio, tiempo y materia, replanteó la posición del observador; la segunda, la teoría Cuántica, que significó un paso más en la relativización de los objetos físicos y una potenciación del papel del observador; y la tercera revolución, la dinámica no-lineal. El observador desempeña entonces un papel indispensable, dejando de ser un observador abstracto para ser un sujeto participante de los procesos”4. Es entonces que ese sujeto activo en los procesos (observadorespectador) ya participa del accionar de este tipo de prácticas artísticas alejándose de el modelo convencional. Al parecer el modelo de comunicación entre un resultado artístico y un sujeto se ve modificado al momento de experienciar un resultado escénico vinculado a la tecnología desde un enfoque transdisciplinar. Los nuevos formatos exigen infraestructuras flexibles, adaptables y para esto, se hace necesario generar este tipo de instancias (FIDET), posicionando una visión dentro de la academia en torno a la importancia del cruce disciplinario, para que las instituciones culturales puedan hacerse cargo de este tipo de transformaciones. Habrían innumerables 2. NAUGRETTE, Catherine. “Estética Teatral”. Ediciones Artes del Sur. 2004. P. 13-14. En el capítulo II, en “Problemática general de la estética teatral” se refiere en el punto 7, a los territorios de la estética moderna, donde pone énfasis en que la estética contemporánea se esfuerza por ir más allá de los discursos estéticos y “deberá ocuparse no sólo de las condiciones de aparición de la obra, su naturaleza o de sus significaciones, sino también de la experiencia del creador así como del receptor”. 3. NAUGRETTE, Catherine. Ibid. P. 23 y ss. En el capitulo III “Cómo definir la estética teatral”, la teórica cita “La mise en scène et sa condition esthétique” de André Veinstein, para lograr discutir referecialmente sobre la definición de estética teatral o escénica. Revisa y compara también las definiciones y las diferencias entre Louis Becq de Fouquières con su definición en “Essai d’ésthetique théâtrale”, Henri Gouhier en “L’essence du théâtre, Patrice Pavis en su “Dictionnaire du théâtre”, Jacques Sherer en el “Dictionnaire encyclopédique du théâtre”. Naugrette termina definiendo estética teatral así: “Por ultimo la estética del teatro se ocupa de la relación del teatro con las otras artes: música, pintura y cine” 4. GIANNETTI, Claudia. “Estética de la simulación”. Publicado en C.Giannetti (ed.). Arte en la era electrónica - Perspectivas de una nueva estética. Barcelona, ACC L’Angelot/Goethe Institut de Barcelona, 1997.Pag. 8-9. Donde expone que la estética se va transformado de acuerdo a nuestra concepción sobre lo que es “realidad”. La teórica y docente de la Universidad de Valencia es una de las invitadas al encuentro que se realiza dentro de las actividades de este proyecto de investigación.

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maneras de enfocar las problemáticas desencadenadas por la virtualidad, la desmaterialización de la obra, y como nos menciona Giannetti, sobre “el consecuente paso del espacio expositivo físico al digital”5. El cruce con la tecnología, es el punto de partida para dar con una transdisciplinariedad en las artes. Al hablar de tecnología aplicada en las artes escénicas se trata de todos los medios digitales, aplicación de softwares, de electrónica vinculada al video y el sonido de sensores interactivos, utilización de la web o Internet como herramientas para su utilización en tiempo real, que permiten dialogar con un espectador o entre los propios implicados, presentando modelos de comunicación no tradicionales. Resultados que van más allá y que pueden volverse en sí mismo como proyectos, como desarrollo de un objeto auto - sustentable o auto - proyectable, fuera del modelo del objeto artístico de consumo: obra. Conflicto que lo expone Giannetti en su texto “Metaformance – el sujeto-proyecto” sobre las prácticas artísticas, en donde el artista se transforma en un “sujeto-proyecto”6. Es necesario reforzar que la transdisciplina no es una nueva disciplina, sino que funciona como un enfoque. “La transdisciplinariedad, es un proceso para incrementar el conocimiento mediante la integración y transformación de perspectivas gnoseológicas distintas”7. Desde otro punto de vista Cecilia Sinay Millonschik dice: “la Transdisciplina se ocupa de lo que está entre y a través de las disciplinas. Es decir, en el pensamiento clásico, no se ocupa de nada, de un vacío. O bien, se ocupa de lo que sucede, de la Realidad. Pero se ocupa de nada con el aporte de todo lo que puedan aportar las disciplinas, el arte, el mito, la religión, la intuición, el cuerpo, el conocimiento interior, la ética […] La Transdisciplina aparece, además, relacionada con un momento de crisis en las Ciencias; cuando la física cuántica, la teoría de la relatividad, el psicoanálisis, el estructuralismo (para mencionar sólo algunos hitos en el pensamiento) fisuran algunas de las certezas del 5. GIANNETTI, Claudia. “Estética digital. Sintopia da arte, a ciência e a tecnologia” Publicado por C/Arte. Belo Horizonte, 2006. Pag. 3. El libro comienza con una Sinopsis, que sintetiza muy bien el propósito de la teórica, “Giannetti analiza estos cambios y desvela tanto los antecedentes (las teorías más relevantes y pioneras, que ya en los años cincuenta reflexionaron sobre la relación entre arte y tecnología), como las nociones emergentes, que permiten la comprensión de los nuevos lenguajes y sus estéticas. Por un lado, el cada vez más estrecho vínculo entre arte y ciencia y, por otro, el arte interactivo como punto de partida para el planteamiento de un Nuevo discurso estético, teniendo en cuenta la relación de interdependencia y complementariedad entre creador, obra y espectador partícipe, son dos temascentrales de Estética Digital”. 6. GIANNETTI, Claudia. “Metaformance – el sujeto-proyecto” Texto publicado en: Luces, cámara, acción (...) ¡Corten! Videoacción: el cuerpo y sus fronteras”. IVAM Centre Julio Gonzalez, Valencia, 1997. En el texto refiere a su concepto Metaformance como: “En 1994, cuando propuse agrupar las diversas manifestaciones performáticas que utilizan las nuevas tecnologías audiovisuales y sistemas interactivos o telemáticos bajo el término de Metaformance, señalé la tendencia general del Media Art a potenciar el desarrollo de la interfaz entre la obra y el espectador/usuario. Por un lado, el proceso de interacción entre máquina y performer, o de la aplicación de las nuevas tecnologías, pasa a ser un elemento inherente a la obra, Por otro, el propio empleo de la técnica permite al artista/performer prescindir de su presencia física en el espacio de la acción, muchas veces sustituida por la de la imagen electrónica.” las nociones emergentes, que permiten la comprensión de los nuevos lenguajes y sus estéticas. Por un lado, el cada vez más estrecho vínculo entre arte y ciencia y, por otro, el arte interactivo como punto de partida para el planteamiento de un Nuevo discurso estético, teniendo en cuenta la relación de interdependencia y complementariedad entre creador, obra y espectador partícipe, son dos temascentrales de Estética Digital”. 7. PÉREZ MATOS NE, JA, Setién Quesada E. Op. cit. Para efectos de esta investigación es precisa la definición de McDonell, ya que sería, incoherente nombrar a la transdisciplina como una nueva disciplina

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positivismo, del principio de no contradicción aristotélico, de la objetividad del observador (también para mencionar sólo algunos). La Transdisciplina implica, además, un cambio en la cosmovisión, en la manera de pensar las Ciencias”8. Por otra parte Giannetti propone agrupar diversas manifestaciones que utilizan nuevas tecnologías audiovisuales y sistemas interactivos o telemáticos bajo el término de Metaformance. Además señala que “la tendencia general del Media Art es potenciar el desarrollo de la interfaz entre la obra y el espectador/usuario… Pero también hace posible invitar al espectador a asumir su lugar en la consumación de la (inter)acción. El resultado es una especie de hibridación, como las utilizadas en las microcirugías o en las implantaciones biotécnicas”9. Este proceso de hibridación justamente es el enfoque transdisciplinario donde se distingue un desarrollo en las artes escénicas locales, que a un nivel teórico no ha sido desarrollado y analizado de manera profunda. El filósofo e investigador chileno Andrés Grumann, creador de estudiosteatrales.cl lo advierte en el prólogo del libro “Mutaciones escénicas” donde indica al respecto, “la paradójica situación en que vive el contexto chileno: por un lado emergen nuevas generaciones de artistas que llevan a cabo nuevas formas teatrales y que requieren de la discusión teórica, histórica y crítica de sus propuestas y, por otro lado, no existe un corpus teórico sistemático y consistente (al menos en nuestro medio) que sostenga y fundamente la emergencia de nuevos lenguajes escénicos, ni menos la formanción en ellos”10. Por otro lado en el mismo texto “Mutaciones escénicas. Mediamorfosis, transmedialidad y posproducción en el teatro chileno contemporáneo” de Marco Espinoza y Raúl Miranda (2009), se entrega un sistema de análisis de creaciones que integran lo multimedia en el teatro, que sirve de punto de referencia como discusión bibliográfica donde plantea un “modelo de análisis de mutaciones escénicas”, en donde concluye dentro de los módulos de contenido que “el análisis de la transmedialidad escénica ha de ser transdisciplinario, evidenciando los orígenes de los elementos que conforman el espectáculo en relación con otras disciplinas auxiliares, ajenas al mundo del teatro en particular”11, pero en donde no se hace alusión al desplazamiento que genera la relación o cruce del arte y la tecnología hacia una reconcepción del fenómeno comunicacional, donde queda expuesto una concepción de un nuevo sujeto. En este sentido, el texto Mutaciones apunta a una transdisciplina que acude a disciplinas auxiliares, pero de manera opuesta la transdisciplina busca ir más allá de las propias disciplinas implicadas. Como lo vemos en el 8. SINAY MILLONSCHIK, Cecilia “Transdisciplina”. Revista PSICOANÁLISIS Año 1999 - Vol. XXI N º 3 de la Asociación Psicoanálitica de Buenos Aires. Pag. 584. Que en su ensayo pretende abordar este tipo de enfoque desde el psiconálisis aplicado y se desprende que no sólo implica un cambio en la manera de pensar las ciencias, sino también las artes. 9. GIANNETTI, Claudia. Op. Cit. Pág. 8 10. ESPINOZA, M, MIRANDA, R. “Mutaciones Escénicas. Mediamorfosis, transmedialidad y posproducción en el teatro chileno contemporáneo” RIL Editores. Santiago de Chile, 2009. Pag 9-10. El comentario Grumann corresponde a que en Stgo. de Chile, existen muy pocas publicaciones teóricas de donde echar mano para lograr armarse un panorama concreto en torno a las nuevas prácticas en las artes escénicas locales. 11. ESPINOZA, M, Miranda, R. Ibid. P. 50.

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análisis de estas manifestaciones en el Media Art, Giannetti, aporta al análisis diciendo que: “las tecnologías de realidad virtual y de redes telemáticas posibilitan la exploración, por parte de los artistas, de otras dimensiones de ubicuidad, como por ejemplo la telepresencia. Por un lado, los actuales sistemas informáticos permiten al artista crear un doble virtual, cambiar su forma o dar vida a diferentes personajes, con los cuales puede actuar en el ciberespacio. Asimismo puede teletransportar sus clones virtuales, controlarlos a distancia y animarlos en tiempo real, de manera que realicen sus ‘ciberperformances’. Los temas del desdoblamiento de personalidad y la relación sujeto-cuerpo ganan una perspectiva inusitada con la posibilidad del clonado virtual”12. Es desde este tipo de reflexiones donde se puede analizar el cruce de tecnología y artes escénicas desde un enfoque transdisicplinar, y su desarrollo es el fiel reflejo de un cambio en las estructuras de pensamiento de una sociedad, que se acerca a un lugar mas integrado, pero también que propicia su reencuentro con la ciencia.

12. GIANNETTI. Claudia. Op.cit. P. 13.

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INVENTARIO Y LOS ECOS DEL CUERPO

CURATORÍA DE OBRA “INVENTARIO” DE MINIMALE/ RAÚL MIRANDA POR VALERIA RADRIGÁN/ TRANSLAB La propuesta INVENTARIO de Raúl Miranda, es definida por su autor como una “instalación escénica”, nomenclatura que nos habla de su devenir entre una experiencia plásticaexpositiva hacia lo performativo-dramático. Hibridada desde este lugar, la obra propone un tránsito del espectador a través de 4 escenas simultáneas e independientes que, dialogando entre el cuerpo físico, cuerpo fílmico y cuerpo virtual, nos permiten acercarnos hacia el tránsito de un personaje anónimo y nómade. Es el eco de Luis Gormaz, chileno muerto en Frankfurt en 1934, el que se devela a través de un inventario de sus objetos personales. Este archivo realizado por Alfredo Viel, Cónsul General de Chile en Francia en 1936, se percibe como “un ejercicio reduccionista, donde la lectura del contenido define y cosifica una ausencia.” ¿Quién fue Luis Gormaz? ¿Por qué un chileno aparentemente suicidado en Alemania es inventariado por un cónsul en Francia? Al parecer a este fantasma sólo nos podemos acercar a través de su nomadismo: de sus pertenencias percibimos que son utensilios de viaje, de paso, de tránsito… tal vez este personaje sólo fue devenir y es en ese devenir que se define. La cosificación de lo humano a través de sus reductos, cobra así otra lectura, ya que sólo podemos acceder el cuerpo humano de Gormaz a través de cuerpos- objeto. Su rastro, su huella, su viaje, está absorbido por el contenido de cada uno de los baúles inventariados, los cuales mutan aquí en objetos de culto. Surge con ello la imagen de la última vestimenta de un muerto, y la belleza del luto que esto demanda. Si pensamos además que estos objetos en sí mismos también son reducidos y abstraídos a través de su archivo, numeración y clasificación, nos encontramos con que de ellos se extrae también sólo la poética de un nombre ausente, ya que como cuerpos también fueron destruidos por el olvido. Es entonces un potente ejercicio de ecos esta propuesta: el fantasma de Luis Gormaz, que ronda a través de objetos, que son inventariados, cobra vida a través de la misma fría reducción que parece alejarnos de su humanidad. Desde una perspectiva estética, este juego de ausencias- presencias tiene directa relación con los formatos que cruza la puesta: el cuerpo físico del performer, su huella fílmica y su desmaterialización virtual. Aquí recordamos a Brea y sus “Tres eras de la imagen” (¿Tres Ecos de la imagen, podríamos parafrasear?): imagen- materia, film y e-image, tipologías que bien hablan de los tres niveles de representación de esta puesta. Lo trans funciona aquí en todo nivel: tránsito del viaje de Luis, de su cuerpo a los objetos, del devenir de estos en palabra fría, y mutación del dispositivo teatral desde lo físico, corpóreo hacia lo plástico a través de su mediatización y virtualización total. Así, el giro o negación que se propone aquí para la escena se devela como fundamental para hablar de los ecos del cuerpo; cuestión que pareciera ser sólo factible de representar a

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través de una propuesta llena de hibridez, característica de la producción de MINIMALE y continuación directa de trabajos como “Imperfecto” (2011) y “Un actor” (2011- documental en proceso).

NARCISACIÓN O EL DEVENIR MÍTICO CONTEMPORÁNEO CURATORÍA OBRA NARCISACIÓN/ ISABEL CROXATTO POR VALERIA RADRIGÁN/ TRANSLAB

En Narcisación, es la mirada sobre el propio cuerpo lo que está en juego. El acto íntimo y lleno de perplejidad de un Narciso que se contempla sobre el agua, se multiplica a través de los tiempos cada vez que un humano se observa frente al espejo. Hay una confrontación ineludible aquí con la percepción de la belleza: la propia, la heredada y la que surge por sorpresa. ¿Y si al mirarme apareciera quizás un nuevo lunar, un cambio de color? ¿O algo quizás más perturbador que afectara mi total definición? Estas secretas preguntas se replican al infinito, en una dulce hipnosis. La acción mítica atraviesa desde los tiempos primordiales como profecía transcultural al mundo contemporáneo. Ya Octavio Paz señalaba que “todo es espejo”, pero difícilmente se imaginaba hasta que punto ese todo se volvía una realidad ineludible, en la que cada una de nuestras acciones íntimas es factible de replicarse, reproducirse, digitalizarse y visualizarse en una obscenidad incontrolable. El escenario aparece entonces como un espacio demasiado pequeño para significar lo anterior. Necesidad de desbordarlo, de generarle grietas, de destrozarlo, de amplificarlo, de transformarlo en estructura infinita. Nos cruzamos aquí con otro de los referentes arquetípicos de esta propuesta: el laberinto, que aparece como partitura, como territorio para la exploración de los performers. Nuevamente, figura que simboliza la búsqueda y la pérdida, la incertidumbre y la posibilidad. Interesante que desde la mitología griega, el “fin” propuesto para el laberinto se encuentre justamente en el centro, en el eje, donde paradójicamente aparece un cuerpo híbrido (el Minotauro) que es imposible de definir desde categorías rígidas. Te pierdes, te encuentras, llegas al centro y el resultado es algo monstruoso, aquello que la sociedad relega y que se resiste a semantizar. Vuelve entonces esta puesta a conectar con lo contemporáneo, actualizando la imagen mítica y superponiendo realidades como laberinto/internet y minotauro/cyborg. Para amplificar la metáfora más al extremo, en esta ocasión la propuesta curatorial ha sugerido enfrentar a los performers con la presencia de un público hipermediatizado y preseleccionado vía “casting”. Este espectador, será capaz de multiplicar a través del mundo y en tiempo real, los símbolos del espejo, el laberinto y la mirada a través de dispositivos móviles, cámaras y redes de conexión virtual, proyectando la experiencia a esferas insospechadas.

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El Predicador Jaime Del Val (España)

EXHIBICIONES INTERNACIONALES

12 y 13 de Abril a las 20.30 horas. Factoría Italia Entre los documentos del Departamento de Estado Norteamericano revelados por Wikileaks el más sorprendente consiste en una transmisión extraterrestre interceptada por la CIA y clasificada de alto secreto que ha sido transcrita y publicada aquí: http:// version.org/textuals/show/21. En ella se revela la existencia de un agente-cyborg extraterrestre, con el nombre DelVal XX7, que se encuentra en la Tierra en una misión de diseminación de afectos alienígenas. A través de avanzadas técnicas como los microsexos y los acoplamientos alienígenas el agente se ocupa de inducir desórdenes afectivos entre los humanos como inicio de dos nuevos tipos de huelga: la Huelga de Género y la Huelga de Especie, con las que se renuncia al género binario y a la categoría de humano en dos sesiones de encuentros post-íntimos con personas del público de forma individual. Sesión 1: Desvisualizar - Huelga de Género (Encuentros post-íntimos de 5 minutos) Sesión 2: Amorfogénesis - Huelga de Especie (Encuentros post-íntimos de 5 minutos)

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Señal

Tempostepegoquedelícia

Santiago Turenne y Miguel Jaime (Uruguay)

Eduardo Severino & Luciano Tavares (Brasil)

19 y 20 de Abril a las 20.30 horas. Factoría Italia.

21 y 22 de Abril a las 20.30 horas. Factoría Italia.

Son seres físicos y no psicológicos los que habitan “Señal”. Cuerpos que no esperan resultados. La acción es incompleta, se fragmenta y autocancela en la forma, abriéndose al mismo tiempo a múltiples o ningún significado. Forma que piensa una forma que piensa.

Es una investigación que toma prestado algunos códigos de la danza y del performance sin querer asumir un rol en ellos. En una época donde los mecanismos del imperialismo en el imaginario popular son parte de la contingencia. Desde un lugar sarcástico y con humor, la exhibición se basa por un lado, en la diva de la música brasileña Carmen Miranda que marcó una época a través de su originalidad y de otro emergente Michel Teló, que de un modo ha sido el suceso del verano, exporta la música fuera de Brasil. Son dos personas discutiendo sobre sus relaciones en donde el lenguaje corporal desafía su estado momentáneo.

Intérpretes/Creadores: Santiago Turenne y Miguel Jaime

Concepción: Eduardo Severino & Luciano Tavares Intérpretes: Luciano Tavares y Mónica Dantas

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Canvas

Macarena Campbell

EXHIBICIONES NACIONALES

14 de Abril a las 20.30 horas. Factoría Italia. Canvas es un encuentro escénico multidisciplinario que construye y desarrolla en vivo imagenes y paisajes inspirados en las instalaciones del artista Zimoun y los experimentos sonoros de Hans Jenny. Canvas no posee una estructura dramática fija que guíe hacia una linealidad o progresión climática si no mas bien busca que los artistas mismos desarrollen la temporalidad y dramaturgia en base a su experiencia en ese presente, teniendo como base, una serie de elementos predeterminados con los cuales componer diversas nomenclaturas en vivo junto al equipo. Dirección: Macarena Campbell Audiovisual: Andy Dockett Sonido: Sebastián Jatz Iluminación: Raúl Donoso Intérpretes: Carolina Contreras, Ariel Oyarzún, Javiera Peón-Veiga, Luis Acevedo y Aische Schwarz Realización Vestuario: Paula Díaz

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Helen Brown

Inventario

15 de Abril a las 20.30 horas. Factoría Italia.

17 de Abril a las 20.30 horas. Factoría Italia.

Trinidad Piriz, 6 de Abril, 2011: de 29 años, hija de una familia acomodada, destacada en belleza y sensibilidad artística viaja a Berlín en busca de nuevas oportunidades laborales. En la capital alemana es víctima de un fraude millonario en el intento de arrendar un departamento. La investigación no descarta que la señorita Piriz haya sido una de las miles de víctimas de una mafia operada desde Nigeria, experta en arriendo de falsos departamentos a larga distancia. La particularidad de esta mafia, según la policía alemana, es que crea a través de una corto periodo de tiempo una relación personal con sus víctimas, generando así, un lazo de dependencia y obsesión entre víctima y victimario. Como podemos ver en este extracto de cartas enviadas por la víctima: “I miss the way you say my name”... “She says we doesn’t need you any more in our life, because we are oak inside me”… ”Help me please”. Días después del fraude la señorita Piriz se obsesiona por conocer el paradero y la identidad de su victimaria. A pesar de ser persuadida por la policía de no tomar la justicia por sus manos, decide ir en búsqueda de Helen Brown. Esta performance relata y revive un hecho verídico. El viaje de su protagonista, una búsqueda desesperada y su sorprendente descubrimiento.

Instalación escénica resultante de la lectura del manuscrito de Alfredo Viel, Cónsul General de Chile en Francia en 1936, del contenido inventariado de 2 baúles pertenecientes al ciudadano chileno Luis Gormaz, muerto en Frankfurt en 1934. En este espacio se evidenciara el archivo histórico como ejercicio reduccionista, donde la lectura del contenido define y cosifica una ausencia...La performance del “Diplomático” es on-line via Skype; la performance del “Hombre” es un registro fílmico editado, mediante tres proyecciones simultaneas.

Trinidad Piriz & Daniel Marabolí

Minimale

Dirección: Raúl Miranda Cinematografía: Rocio Jadue Performer Cortometraje: Eduardo Paxeco Performer Skype: Carlos Concha Performer en vivo: Iñigo Urrutia Curatoría: Valeria Radrigán Mapping: Vertx Música: Inda Venda Técnico: Rafael Rivas Produce: MINIMALE www.minimale.cl

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CLÍNICA FIDET Metaformance, curatoría y performatividad Claudia Giannetti UNIACC. FACULTAD DE ARTES VISUALES. LOS JESUITAS 559. PROVIDENCIA. 18 de Abril: de 15.00 a 17.00 hrs. 2 horas. 19 de Abril: de 15.00 a 19.00 hrs. 3 horas. 20 de Abril: de 15.00 a 18.00 hrs. 3 horas. Las cuestiones que la clínica abordará están divididas en dos bloques temáticos complementarios: Metamedia: el nuevo perfil del creador y del espectador Nuevas nociones, como las de metamedia y metaformance, interactor y sintopía, ponen en evidencia la necesidad de cuestionar el papel del sujeto en el contexto artístico, así como su relación con los dispositivos y la imagen técnica. Ejemplos prácticos y análisis teóricos permitirán abordar las transiciones fundamentales, que tienen influencia en la nueva definición de la función del espectador, del artista y del objeto de arte. Arte, acción, participación e interacción: diálogos transdisciplinares Las nuevas tecnologías han transformado no sólo las formas de producción, los materiales y la estética de las artes, sino también la relación entre obra y público. Acción, retroacción, participación e interacción, como estrategias transgresoras y dialógicas transdisciplinares, señalan el paso de la estética contemplativa a la endoestética.

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CLAUDIA GIANETTI. (ESPAÑA) Especialista en media art, teórica y escritora, comisaria (curadora) de exposiciones y de eventos culturales, Doctora en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona en la especialidad de Estética Digital. Desde septiembre de 2009 es Profesora Catedrática invitada de la Universidad de Évora (Portugal), Facultad de Artes Visuales. Entre 1993-1999, ha sido directora de la Associación de Cultura Contemporània L’Angelot, Barcelona, el primer espacio en España especializado en Arte Electrónico; y entre 1998 y 2007, directora del MECAD\Media Centre d’Art i Disseny, Barcelona. Entre 2006-2008, ha sido directora del Canariasmediafest, Festival Internacional de Artes y Culturas Digitales de Gran Canaria. En el ámbito académico, ha sido profesora en la Universidad de Barcelona y la Universidad Pompeu Fabra, y ha impartido varias clases y seminarios, así como más de un centenar de conferencias en universidades, museos y congresos de varios países de Europa y América Latina, así como en los EE.UU., Canadá, India y China. Ha concebido y dirigido los másters de la Universidad Ramón Llull/Esdi, en los que también ha sido profesora: Máster en Comisariado y Prácticas Culturales en Arte y Nuevos Medios (2003-2006); Máster Internacional en Sistemas Interactivos (2002-2006); Máster en Creación y comunicación audiovisual para medios interactivos (2003/04). Ha sido directora y profesora del Master en Producción y Creación en artes digitales de la Universidad Lusófona de Lisboa, Portugal (2007-2009). Ha concebido y dirigido los cursos de especialización: “Media art perspectivas” (UNESCO y MECAD, desde 2003/04) “Conservación del Patrimonio Artístico y el Uso de las Nuevas Tecnologías” (MECAD/ESDi y Ministerio de Cultura, 2006); “Video y nuevas tecnologías online y offline” (Universidad de Chile, Universidad Nacional de Córdoba, Universidad de Manizales, UNESCO, ESDi/MECAD, 2006). Ha elaborado, dirigido y desarrollado más de 20 proyectos propios de investigación en la última década. Ha sido tutora de más de 90 proyectos de producción e investigación en arte y tecnología.


Charlas y Ponencias

11 de Abril a las 20:00 horas.

CCE. CENTRO CULTURAL DE ESPAÑA. AV. PROVIDENCIA 927. METRO SALVADOR. PROVIDENCIA

Diálogo transdisciplinario: “Artes Escénicas, Performance y Transdisciplina”, Modera Rodrigo Tisi. Invitados: Macarena Campbell, Trinidad Piriz y Jaime del Val.

El Centro Cultural de España se suma a la iniciativa del festival FIDET siendo un espacio donde concurrirán distintas actividades. FIDET Festival Internacional de Artes Escénicas y Transdisciplina es una instancia de reunión, discusión y difusión de la producción escénica Iberoamericana - proveniente del teatro, la danza y la performance - que pretende detectar, incorporar y promocionar la transdisciplina escénica en el vocabulario cultural nacional financiado por el fondo Iberescena.

11 de Abril a las 19:00 horas. Ponencia Internacional: “De la huelga de género a la huelga de especie. Estéticas y políticas metamedia en la era del Afectocapital” Jaime Del Val (España). Modera: Mauricio Barría. Las categorías binarias de género, de sujetoobjeto y de humano racional son clasificaciones arbitrarias a las que cualquier persona puede renunciar de forma legítima como elementos fundacionales de un sistema imperialista de control, que actualmente opera dando forma a nuestros afectos y deseos. Redefinir el cuerpo como proceso relacional es parte esencial de una nueva política en la que forma y fondo son interdependientes, en la que los límites disciplinares entre artes, pensamiento y activismo se difuminan a la hora de redefinir la percepción y de inventar nuevos afectos no categorizables, antivirus de los sistemas globales de control y dominación.

18 de Abril a las 19:00 horas. Ponencia Internacional: “Artes, tecnologías y estrategias de creación: de la reproducción a la producción” Claudia Giannetti (España). Modera: Mauricio Barría. Las tecnologías digitales y telemáticas significan para el arte no sólo medios y herramientas de producción, sino también de transformación y plasmación del imaginario en el proceso de creación y en la definición estética. Ya no vivemos hoy exclusivamente “en” el mundo o “en” el lenguaje, pero sobre todo en las imágenes. Y no en cualquier tipo de imágenes, sino en las imágenes técnicas, que instauran la dinámica de la reproducción. En la conferencia serán analizados los procesos de control del imaginario y las estrategias artísticas de transgresión.

18 de Abril a las 20:00 horas. Diálogo transdisciplinario: “Artes Visuales, Danza y Transdisciplina”, Modera María José Cifuentes. Invitados: Raúl Miranda, Santiago Turenne y Miguel Jaime (Uruguay).

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OFF FIDET FESTIVAL OFF- FIDET FACTORÍA ITALIA. AV. ITALIA 850. PROVIDENCIA.

Narcisación Isabel Croxatto

23 de Abril a las 18.00 horas. Narcisación es una superposición simultánea de acciones performativas y unipersonales en contaminación, donde artistas y pensadores de las artes son invitados a apropiarse e intervenir, resignificar, reutilizar, reautorizar el proceso creativo Narciso el Extasiado (2009-2011) de Isabel Croxatto y Abundanza, a través de un blog que reúne todo el material registrado durante el proceso de investigación, creación y performance en estos tres años. Narciso el Extasiado se inspira y cruza libremente los mitos griegos: Narciso, Eco, Penélope y Ulises, Ariadna y el Minotauro. De este modo explora las relaciones entre cuerpo, tiempo y espacio en el nuevo paradigma de las artes escénicas frente a la hibridación hombre/ máquina, la ubicuidad y obscenidad de la escena y la pérdida de presencia y contacto físico del cuerpo. La propuesta de Narcisación involucra además como performers a un público previamente seleccionado vía casting. Esta particular “audición” obedece a la necesidad de tener un tipo de observador específico para la experiencia, capaz de permeabilizar el dispositivo escénico al máximo, contaminándolo con sus dispositivos móviles, cámaras fotográficas, de video, etc.

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Idea Original: Isabel Croxatto Creadores: Andy Dockett, Isabel Croxatto, Antonia Peón– Veiga, Carla Lobos, Carlos Gallardo, Carolina Cifras, Francisco López, Guillermo Ganga, José Olavarría, Lobsang Palacios, Luciano Taulis, Mabel Diana, Macarena Arrigorriaga, Nury Gutes, Paulina Villacura, Ricardo Loebell, Sebastián Jatz, Vicente Ruíz Y Simone Caiafa. Curadoria De Obra: Valeria Radrigan Curadoria Creadores Y Performers: Isabel Croxatto Productor General: Manuel Rojas Produce: Abundanza Y Manuel Rojas

Creación e Interpretación: María José Parga Asistencia: Susanne Bentley Creado en el marco del programa de estudios realizado con Susanne Bentley, Octubre-Diciembre 2011. Bruselas, Bélgica

Heroína

Constanza Piña

Eso Que Vive Conmigo María José Parga

24 de Abril a las 20.30 horas.

23 de Abril a las 20.30 horas. Eso que vive conmigo es un solo, difícil de clasificar. Es -y seguirá siendo- un trabajo en proceso, que expone abierta y sencillamente tanto el deseo de explorar una relación particular entre el teatro y la danza, como el tema que le dio forma: los impulsos (de toda naturaleza) y su devenir movimiento, su manifestación física. El devenir de un impulso es personal e intransferible. Está determinado por factores tan variados como el lugar en el que un cuerpo se encuentra, su historial físico, sus límites socioculturales, sus referencias, su sentido del pudor, etc. ¿Cuál es la secreta relación entre impulso y acción? ¿Cuál es la influencia del ambiente en la generación de un impulso? ¿Cuál es la influencia del ambiente en el bloqueo o la desaparición de un impulso?

Heroína es una obra que consiste en el diseño e implementación de una serie de interfaces realizadas a partir de materiales textiles y electrónica que utilizarán como soporte el cuerpo humano. Esta obra es de carácter perfomático y será interpretada por un bailarina que utilizará estas interfaces, las cuales funcionarán como prótesis tecnológicas, siendo reactivas tanto al movimiento de su cuerpo como a estímulos recibidos del entorno. Esta obra utiliza el cuerpo femenino para desarrollar un prototipo de cuerpo aumentado a través de capas artificiales que conformarán una segunda piel. Dirección & Concepto: Constanza Piña Perfomance: Isabel Croxatto Programación: Mirko Petrovich Diseño y desarrollo electrónico: Constanza Piña

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Cualquiera / acción afectiva

Q.ueeR.ivas code Felipe Rivas y Sergio Valenzuela

25 de Abril a las 20.30 horas. Acciones afectivas tiene como pauta amplificar los encuentros a partir de proponer pequeños acontecimientos (acciones), desde diversas intimidades. Dejar que suceda lo que el intercambio -sin duda inestrable, incontrolable, vulnerable y político- propone. Un proyecto en contínua construcción y transformación. Estas acciones pueden ser promovidas por cualquier persona o personas, sin importar nacionalidad, raza, género, edad o religión. Deben adaptarse a la situación y al contexto, perder el sentido de objetualidad y proponer una experiencia, un encuentro a partir del afecto. Creación y participación de esta ACCION Josie Caceres , Ecuador / Federica Folco, Uruguay / Aische Schwarz , Chile

Jueves 26. 20.30 horas. Se constituye como una relación de desplazamiento e interferencia entre la pintura (representación pictórica), el video-performace y la mediación tecnológica. Consiste en la instalación de una pintura de código QR (imagen bidimensional que codifica información) enlazados a un canal de streaming que transmitirá en tiempo real lo que sucede en otros espacios diferentes de la sala de exhibición y que podrá visualizarse a través de los smartphones de los asistentes a Factoría Italia. La propuesta es parte de un proceso de investigación donde se han venido produciendo pinturas de códigos QR que enlazan a otras obras del mismo autor en el formato de video. En este caso, se trabajará a partir de la coincidencia (día y hora) de dos invitaciones simultáneas: el encuentro CONTACTO organizado por PSI (Performance Studies International) y UNIACC, junto con OFF-FIDET (Festival Internacional de Artes Escénicas y Transdisciplina) el día jueves 26 de abril de 2012. La transmisión on line corresponderá a una acción llevada acabo en forma de colaboración performática entre Felipe Rivas y Sergio Valenzuela, realizada en la cabina privada de un cibercafé de Santiago y que será parte de otra intervención en la Biblioteca del GAM. Performers: Felipe Rivas y Sergio Valenzuela Asistencia técnica: Andy Dockett Transmisión vía streaming

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Péndulo

Nico Oyarce.

26 de Abril a las 20.30 horas. Es una performance que trabaja el tema de la hipnosis y la sugestión generando actitudes grupales a través del procedimiento llamado inducción hipnótica. Se compone de una serie de instrucciones y sugerencias preliminares. Dichas sugestiones son generadas por un hipnotizador real.

noso-tres actuamos en potencia no sotres no somos anfitriones estables de nuestros cuerpos nosotres descentralizamos las zonas erógenas dominantes no so tres sometemos la pelvis a una serie de reorganizaciones nosotr(e)s transitamos por cuerpos desgenerizados n oso tres tenemos límites osmóticos noso3 reivindicamos los orificios del cuerpo nosotres somos desgenerados Concepción y dirección: Javiera Peón-Veiga Creación e interpretación: Macarena Campbell, Aische Schwarz, Johnatan Inostroza Diseño integral: Claudia Yolín y Antonia Peón-Veiga Diseño sonoro: Angélica Vial Documentación y acompañamiento teórico: Natalia Ramírez Püschel Producción general: Anne Reungoat Comunicación y prensa: Verónica Correa

Durante la actuación, todos los asistentes obedecen las órdenes del hipnotizador, llevando incluso a cabo comportamientos que normalmente no realizarían.

NOSOTRES

Rock

Muestra de proceso

Katalina Mella Araneda

28 de Abril a las 20.30 horas.

29 de Abril a las 20.30 horas.

n o s o t r e s = paisajes de acciones pélvicas nosotres somos indeterminados

Nociones del espacio cósmico en relación a los fenómenos del mundo humano. 23


ACTIVIDADES ASOCIADAS ESPACIO OFF

CCE. CENTRO CULTURAL DE ESPAÑA. AV. PROVIDENCIA 927. METRO SALVADOR. PROVIDENCIA. El Espacio OFF es un proyecto creado por el CCE que propone cada mes, en función de la temática elegida, experiencias artísticas de pequeño formato en espacios no convencionales. Entre junio y diciembre de 2011 hemos tenido experiencias de múltiples formatos (teatro, conferencia, música, instalaciones) con la idea que el público que asiste al Espacio Off, lo haga pensando que va a vivir una experiencia nueva e imprevisible. Para este primer Espacio Off de la temporada 2012 hemos pensado estrechar nuestra colaboración con el Festival FIDET y encargarles la curatoría para dos momentos antes de las ponencias y diálogos de FIDET, que tendrán lugar en el teatro del CCE, podremos vivir dos experiencias artísticas:

Bienvenidos al Fondo de Ideas para la Realización Escénica. He aquí una breve colección de ideas para llevar, piezas inacabadas y proyectos de creación escénica nunca realizados, acumulados con el fin de estar a disposición de cualquier creador voluntarioso y virtuosamente ejecutivo que las quiera materializar, o mejor dicho corporalizar, o poner en escena, o producir, o citar, o usar o plagiar, o robar... En caso de requerir más información o asesoría para llevar a cabo estas ideas, no deje de asistir ni dude en participar.

Bolichi / Fase I: Chile Isabel Torres y Nicolás Grum

Suvenir

María Betania González

18 de Abril a las 18.00 horas. Hall de entrada de CCE. Consiste en un estudio que contempla diversas etapas, relacionado a la cultura y sus fronteras. Durante la performance se instalara un stand en el cual se entregara información sobre el proyecto así como se buscara la recopilación de ideas y puntos de vista de parte de los asistentes.

11 de Abril a las 18.00 horas. Cafetería de CCE y alrededores

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CELEBRACIÓN DEL DÍA DE LA DANZA CCE. CENTRO CULTURAL DE ESPAÑA. AV. PROVIDENCIA 927. METRO SALVADOR. PROVIDENCIA. Viernes 27 de Abril a las 19:30 horas. En abril, la programación escénica del CCE decide enmarcarse en “prácticas artísticas”. Aprovechando las temáticas establecidas por el festival FIDET y desarrolladas también a través de la curatoría del Espacio Off, nos pareció relevante e interesante dedicar el día internacional de la danza de este año a “Acciones artísticas”. Para ello, hemos invitado a distintos artistas nacio¬nales a presentar piezas cortas en diferentes espacios del CCE cuyo trabajo refleja cierto riesgo, investigación del cuerpo y puesta en escena en espacio no convencional. Queremos apostar por ofrecer un día de experiencias tanto para los artistas como para el público. El día internacional de la danza ha sido declarado por la Unesco el 29 de abril de 1982. Curatoría hecha en colaboración con Sergio Valenzuela y María José Cifuentes.

Fiebre André Chuliani Fiebre es un proyecto de estudio de carácter y de los límites de la realidad escénica. Se desarrolla a través de la experimentación coherente de la experiencia interna del intérprete entorno a las frustraciones emocionales celopáticas. El estrato presentado es el work in progress del dúo “I Hate You”, que es uno de los 4 dúos que conforman el proyecto. El objetivo principal es que a través del desarrollo y potenciación de los rasgos estructurales propios de cada intérprete, se logren establecer sujetos reales en la escena como un soporte de identificación atractivo para el público.

Transirena

Natalia García El subtexto de Transirena, hace referente al conflicto fálico que vive una persona Transgénero. Frente a la problemática sexual y de identidad de género de este sujeto, la obra alude al concepto de la transfigura propiamente tal, que refleja al transgénero, de manera metafórica, abstracta y poética, instalando la rareza desde el cuerpo […] El proceso creativo es la investigación del cuerpo basado en diferentes transfiguras o especímenes, a través de una manguera y un paño. Con estos materiales, el intérprete expresa a través de diferentes acciones, el juego de lo femenino y lo masculino, o ambas al mismo tiempo, desarrollando la dualidad. La atmósfera va cambiando en el transcurso de la obra, existe el humor, la ironía, la densidad, lo dramático, el suspenso, etc. Intérprete: Sebastián Ruiz Coreógrafa: Natalia García

Toilet

Pablo Cortés Pastiche de la performance “Room Service (Help me make it through the night)” del grupo inglés “Gob Squad”. La performance se basa en la intervención en tiempo real de un material audiovisual. Éste surge en la filmación de un auto-encierro realizado por el perfomer por 2 horas en un baño, en este caso el de su propia madre. El objetivo del auto-encierro fue vivenciar cómo desde el aburrimiento y las posibilidades del espacio y sus elementos comienzan a suscitar acciones y situaciones en el mismo performer, lo cual culmina con el fin de problematizarse a sí mismo proyectado en el futuro, surgiendo así la intervención del mismo video en el presente.

Intérpretes: Paco Lopez, Javier Muñoz Dirección: André Chuliani

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Mi Nombre es Gema Nataly Escena Doméstica Contreras Armijo RUT: Jorge Tieffenberg.

Gema entra consecuente con su propia naturaleza. (La acción se relaciona con la personalidad proyectada sin ninguna tipología sino la esencia de su forma de relación con el espacio) una presentación neutral de esta imagen. A partir de aquí se relaciona con el espacio de manera libre y convoca su propia vida en el ambiente doméstico, relacionándose con su técnico y DJ emocional sentado en la mesa de sonido, que está dentro del escenario, quién la acompaña en su viaje como un intérprete traductor y acompañante, este que soy yo mismo dirige en la escena, pinchando temas musicales aleatorios de distinta índole, que sirven de apoyo y continuidad a su emotividad. Dirección, idea original y Coreografía: Jorge Tieffenberg Intérpretes: Gema Contreras y Jorge Tieffenberg

Thirty-One-Point-Ten (Prototipo 3) Colectivo Mccoll-Misme

Mccoll-Misme, en colaboración con el artista en sonido Sandy Finlayson (UK), presenta su instalación thirty-one-point-ten (prototipo 3). thirty-one-point-ten es un video-instalación de 14 minutos que presenta una composición de imágenes basada en una temporalidad autobiográfica. Un cuerpo quieto, casi desnudo, de-caracterizado aparece dentro de una composición fragmentada, donde la estructura, los encuadres de cámara y el texto en off ofrecen al espectador diversos ángulos de percepción, reforzando el concepto de fragmentación, presentando un cuerpo que se vuelve objeto de la percepción. Thirty-one-point-ten fue presentada en el Artaud Centre, Brunel University, y en el C4CC financiada por Beyond Text, AHRC en asociación con Royal Holloway, University of London, UK en el año 2011. Colectivo Mccoll-Misme son Jennifer Mc Coll y Anne Laure Misme.

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Escena Doméstica es un festival en espacios caseros organizado por un grupo de artistas, investigadores, programadores, teóricos, dramaturgos y coreógrafos que validan el lugar de “La Casa” como espacio escénico. Las personas que colaboran o integran el colectivo actualmente de este festival están en él porque buscan crear nuevos contextos. Con el fin de entregar al espectador una experiencia fuera de los espacios convencionales, incentivando un receptor activo, emancipado y participativo que se integra a la acción escénica caseramente. Su existencia es un intento por abrir nuevos espacios de autogestión y mantener viva la creación sin depender de los grandes presupuestos. Programación por equipo escena doméstica.

Participación internacional: Eduardo Severino y Luciano Tavares, Brasil. No Na cozinha com IN/compatível? Assessoria gastronómica - Chef Carlos Kristensen / Hashi Art Cuisine Santiago Turenne y Miguel Jaime, Uruguay. Programación detallada en la pagina de Escena Doméstica http://escenadomestica.wordpress.com/


EQUIPO FIDET - CENTRA

CENTRO DE PROYECTOS, ESTUDIOS E INVESTIGACIÓN TRANSDISCIPLINARIA CENTRA tiene como objetivo desarrollar, documentar e impulsar proyectos artísticos que posean índole transdisciplinaria, acercando pensamientos humanistas y científicos en estudios e investigaciones dentro de diversas áreas de aplicación. Centra funciona como un núcleo irradiador de contenidos y articulador de actividades que tienen como eje la investigación y el cruce disciplinar artístico. Su interés está en formular proyectos de intercambio nacional e internacional de pensadores y artistas, para la generación de audiencias, profesionales y público general a través de Encuentros, Festivales, Coloquios, Seminarios, y Cursos, y por otro elaborar proyectos que instalen la investigación científica en el ámbito de las artes. Centra desarrollará un plan de asociatividad con instituciones educativas, sociales y culturales nacionales e internacionales con el fin de dar visibilidad a ciertos proyectos de índole cultural donde exista un cruce transversal de conocimiento. EQUIPO CENTRA: Sergio Valenzuela Valdés - Director General Paula Aros Gho - Asistencia Curatorial Carolina Araya Bravo - Producción General / Producción en Terreno Cce Eyal Meyer Shevat - Administración Y Finanzas / Logística Artistas Internacionales Daniela Jofré Jofré - Asistente De Producción General / Factoría Italia. EQUIPO FIDET: Consuelo Walker - Asistente De Producción En Terreno Uniacc Veronica Correa - Comunicaciones Andy Dockett - Diseño Fidet Y Campaña Marketing Martin Montaner - Director Técnico Miguel Stuardo - Apoyo Y Gestión Coordinación Técnica Margarita Valdés - Apoyo Y Gestión Habilitación Espacio Factoría Carolina Medalla - Apoyo Producción En Terreno

Financiamiento

Organiza y produce:

Instituciones y centros:

Apoyo y convenios:

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