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No. 15 may.-jun. 2015 Edición Bimestral

Edición especial de aniversario -Festival del Nuevo Cine Mexicano de Durango -Homenaje a Luis Buñuel -57 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca -Encuentro Iberoamericano de Escritores Cinematográficos Reseñas: -Perdidos en Tokio -Boyhood Eventos: -Cine en los Gurza -Ensayo fílmico de Juan Antonio de la Riva -El salón de la superstición Entrevistas: -Ricardo Benet -Luis Martín Gerardo Especial: -El Batman de Nolan

Además: La afección de la música - La butaca del cácaro - El regreso de Blur


Editorial

Cinéfagos ¿hasta cuándo?

Alimentándonos del séptimo arte

DIRECTORIO En alguna ocasión Arturo Perales, amigo del Cineclub Korova junto a Erik Camarillo y el coordinador editorial de esta revista Eric Villa, me preguntó al aire en su hoy tristemente extinto programa de televisión on line: “¿hasta cuándo Cinéfagos?, ¿hasta dónde quieren llegar?”. En esa ocasión he de confesar que la pregunta me cayó de sorpresa y aún hoy me sorprende lo que le respondí: “hasta que alguien haga una mejor revista, hasta cuando ya no seamos necesarios”. Y sí, en efecto, esa es todavía hoy la perdurabilidad de Cinéfagos. Porque créanme cuando les digo que no hay ningún otro objetivo para nosotros más que compartir el cine que nos gusta y darle un espacio a todas las actividades relacionadas con el cine en nuestra ciudad. Por lo que el día en que alguien haga eso de mejor manera que nosotros y los lectores ya no necesiten de nuestro servicio, entonces, ese día, con gusto nos haremos a un lado. Pero hasta que no llegue ese día esta revista, contra viento y marea, seguirá en pie. Seguirá dando lo mejor de sí con la firme convicción de contribuir con un granito de arena en la consolidación de Durango como la “tierra del cine”. Lo sabemos: no somos los únicos y mucho menos los mejores, y lo que hacemos no es nada del otro mundo. Sin embargo siempre nos vamos a dormir con la satisfacción de que, por ese día,

hicimos cuanto estuvo en nuestras manos. Porque el cine es, primordialmente, un arte escrito. Es en la palabra gráfica el que las ideas que vuelan en nuestras mentes aterrizan en el suelo firme del papel en forma de guión y ahí, solamente ahí, inicia en verdad el arte de relatar historias por medio de imágenes en movimiento. Por eso nos sentimos orgullosos de cumplir otro año más, vigentes en todos ustedes ¿mejor, peor que el primer aniversario? No lo sabemos, júzguennos. Por lo pronto no nos queda más que agradecer a cada uno de los colaboradores que han hecho posible estos dos años, quien escribió, quien nos compartió sus fotografías, los que nos recomendaron, los que leyeron y compartieron. Los que nos dedicaron palabras y a quienes puntualmente nos hicieron ver nuestros errores. De verdad no alcanza –irónicamentepalabras para agradecerles toda la alegría que nos da sabernos leídos por sus ojos.

Director General Andrei Maldonado Coordinador Editorial Eric Eduarte Villa Colaboradores Seth Álvarez Juan José Antuna Ismael Campos Itzel Maldonado Fotografía Andrei Maldonado Eric Eduarte Villa Fotografía externa Jorge Sandoval Fabrizio Cadena IMAC ICED Cortesía Diseño Andrei Maldonado

www.revistacinefagos.blogspot.mx

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Andrei Maldonado

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Contenido

Festival del Nuevo Cine Mexicano...

3 Homenaje a Buñuel...10

ADEMÁS Cine en Los Gurza... 9 El salón de la superstición... 15 Leviathan... 17 Fuerza Mayor...19 Güeros...21 Iván Delhumeau... 25 Luis Martín Gerardo... 29 Encuentro de Escritores Cinematográficos... 35 Entrevista a Ricardo Benet... 39 El Batman de Nolan... 45 Perdidos en Tokio... 51 Boyhood... 55 El regreso de Blur... 57 La afección de la música.. 63


Rumbo al

FESTIVAL DEL NUEVO CINE MEXICANO DE DURANGO por ERIC EDUARTE VILLA

3


Una vez más la ciudad de Durango

Durango”,

correrá a 24 cuadros por segundo. La

preparándose y no tardaron en enviar

espera de una año a finalizado para

sus solicitudes a los diversos talleres

los miles de cinéfilos de esta ciudad,

que se convocaron, así como ser

quienes se quedaron con un grato

parte del Jurado Joven. Muchos

sabor de boca en el Festival de Cine

estudiantes se animaron a participar y

Mexicano

Las

vivir una experiencia única que desde

nostalgias empezaron después de la

hace siete años podemos presumir el

clausura, prometiéndose estar en

tener un festival de cine.

2015

del

de

año

pasado.

nuevo

admirando,

La fama tiene un precio, siempre lo apreciando, disfrutando y ha tenido. Y no, lanoexperiencia solo son las compartiendo del apuestas, el alcohol o las drogas. No séptimo arte con compañeros, es solo los sacrificios personales o amigos y con todos los visitantes de emocionales. El mayor precio que se directores, tieneotros que estados; pagar poractores, la fama es que esta fiesta del cine al que se vive esta etc, es aefímera, conlleva olvido y, al año porcolectivo, cuatro largos días.o parauna el vez imaginario nada poco tiene que ver con el arte. A muy poco tiempo de iniciar la séptima

edición

del

Festival

del

En

otros

entrevista

coordinador

buscan

para

del

seguir

Cinéfagos

festival

de

el

cine

mexicano, Christian Sida-Valenzuela, nos habló de lo que se aproxima a este festival, que en este año hará un homenaje

al

cineasta

aragonés

nacionalizado mexicano Luis Buñuel. ¿Qué podemos esperar de esta nueva edición del FCM?

la

El festival tiene una estructura que ya

efervescencia cinematográfica no se

es muy sólida y que no nos hemos

hizo

salido de ella, que son primeros y

Nuevo

Cine

esperar

Mexicano,

desde

que

se

de las primeras convocatorias para el

segundos largometrajes de directores MALDONADO mexicanos porenANDREI competencia, fotografía CORTESÍA cortometrajes nacionales,

festival la participación de los jóvenes

cortometrajes

se hizo notar inmediatamente. Sus

charlas. Y es una estructura que ya

ganas de formar parte de este

maneja el festival, para que ante todo

certamen

sea

anunciaron las fechas para esta nueva edición. Desde el lanzamiento

los

llevó

a

producir

cortometrajes para integrarse a la

un

locales,

festival

sólido

talleres

que

y

se

mantenga.

competencia oficial de “Hecho en

44


¿Qué habrá de novedad en este festival? El festival este año se dedica al cineasta aragonés Luis Buñuel, quien filmó la gran mayoría de su cine aquí en México, habrá charlas magistrales sobre la obra de él, funciones de su cine, se dedicará mucho a la obra del cineasta hispano-mexicano. ¿Por qué se decidió hacer el homenaje a Luis Buñuel? Viene de la idea de que el año pasado se cumplió un centenario del natalicio del escritor duranguense y también guionista José Revueltas. Él fue co-guionista junto a Buñuel en la cinta: “La ilusión viaja en tranvía”, entonces de ahí nació la idea de presentar esa película como una función de gala, lo cual vamos hacer. Y con una relación que yo tengo con el director de la casa Buñuel de España hubo el vínculo con él para que pudiera venir por medio de la embajada España-México, así que creamos diferentes aspectos entorno a Luis Buñuel y a José Revueltas, y es por eso que lo llevamos a cabo.

5


¿Cómo va la participación de los

en la programación, que no siempre

jóvenes en este festival?

se puede cumplir porque no hay

El festival se ha caracterizado por ser un festival de muchos jóvenes, hay un Jurado joven que lo integran 25 estudiantes de la ciudad de Durango, también hay talleres de formación. La

tantas películas mexicanas que más que todo reúnan la calidad que creemos que es necesaria para que estén en el festival, pero es una programación pequeña.

participación de los jóvenes es muy

Son

importante, el festival está abierto

competencia,

para toda la audiencia pero lo han

documentales, como “Matria”, que

ganado los jóvenes, así que para

ganó el Festival de Cine de Morelia a

nosotros esa interacción que haya

mejor documental, el documental “La

mediante talleres y los diálogos con

danza del Hipocampo”, que ha estado

los directores es muy importante.

seleccionado

¿Qué películas vienen al festival? Tenemos

siete

siete

largometrajes tres

en

de

en ellos

Guadalajara

y

Morelia, y el documental “Made in Bangkok”, que ganó el premio de la

largometrajes

prensa en el Festival de Guadalajara.

mexicanos en competencia, el festival

En los otros cuatro que respecta a la

no

decir

ficción viene la película “Me quedo

presentamos cine documental y cine

contigo” y “Los muertos”, ambas

de ficción en la misma sección, son

ganaron en el pasado Festival de

siete

que

Cine de la Rivera Maya, “Filosofía

tratamos de presentar es que sea un

natural del amor” y la “Asteroide”,

cine innovador, no muy personal que

todas son un poco diferentes del cine

sólo sea para un nicho de cinéfilos,

mexicano

que sea un cine más abierto pero que

acostumbrados a ver.

distingue

películas

géneros,

distintas.

es

Lo

que

estamos

sea un cine descubridor, arriesgado, un cine mexicano contemporáneo que rompa los clichés de lo que estamos acostumbrados a ver. Esa es más o menos la base que tenemos

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Christian añadió que en esta nueva edición del FCM la participación de los cortometrajes inscritos fue mayor con relación al año pasado tanto en la categoría de cortometrajes nacionales así como en la sección “Hecho en Durango”. Los cortometrajes nacionales que vienen a competir son: 400 Maletas, Zimbo, Tome la pistola y comience a despachar, Nunca Regreses, La tierra vacía, Huellas y Trémulo. Y en la selección “Hecho en Durango” se incrementó a nuelosve cortos participantes a diferencia de los seis del certamen anterior, los que estarán en competición son: Dur Labour, S/N° Sin Número, Zänä, El Bunker, Come and See, Ni aquí ni allá, Eve, Ceremonia y 1:100. Christian comentó que la calidad de los trabajos recibidos es mucho mejor que la de los proyectados hace un año, esto nos habla que cada vez los jóvenes duranguenses buscan exprimirle lo más que se pueda a la buena calidad de sus proyectos. En cuanto a los a las actividades externas a la exhibición en competencia se contará con cuatro talleres de capacitación en la áreas de crítica cinematográfica, que se realizará por segundo año consecutivo y que nuevamente lo impartirá el crítico y fundador de la página CineGarage Erik Estrada, el taller de guión para cine impartido por Sofía Gómez quien es co-guionista

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de la película Somos Mari Pepa, cinta que ganó el premio del público el anterior festival de cine mexicano; el taller de acercamiento a la actuación cinematográfica que será impartido por Mónica Del Carmen, actriz ganadora del Ariel por la cinta Año Bisiesto; y el taller de ¿Cómo hacer cine con bajo presupuesto? impartido por Julio Hernández Cordón, quien lleva un pequeña pero bastante premiada filmografía en diversos festivales y que actualmente da la cátedra de dirección en el Taller Cinematográfico de la productora Mantarraya de México. Añadiéndose a estas actividades se ofrecerán las charlas magistrales entorno a la obra fílmica de Luis Buñuel, que serán dadas por Javier Espada, quien es el director de la Casa Buñuel en España


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CINE EN BREVE EN EL PALACIO DE LOS GURZA

́Durango es conocida como la tierra del cine, cada vez mas jovenes de la entidad se dan a la tarea de experimentar y realizar sus propias producciones, tal es el caso de Itzel ́Anahı Gonzalez y Fabiola Vargas, estudiantes del 6° semestre de la Carrera de ciencias ́y tecnicas de la comunicacion de la Universidad Autonoma de Durango (UAD); quienes como parte del programa Cultural las artes en el Palacio de los Gurza ́presentaron en la proyeccion “Cine en breve”, — ćoordinada por el tambien estudiante de comunicácion Joseph Gonzalez—, una serie de cortometrajes de su ́creacion. ́Con los cortometrajes Sionismo, Ghaffar, Reflejo, Sentı que lo ame, quedate en mı y No ́̃estoy bien y esta bien. Itzel y Fabiola, y sus companeros de la carrera, demostraron ́que existe talento para la produccion cinematografica en los estudiantes locales, ilustrando historias que iban desde conflicto de palestina, romances terminados en ́tragedia, adaptaciones a la obra de Edgar Allan Poe, suspenso psicologico y trastornos ́emocionales. Durante esta actividad los jovenes creadores compartieron experiencias, difícultades y el proceso de creacion de sus trabajos fılmicos; recibiendo elogios y ́felicitaciones por parte del numeroso publico presente durante el espacio de comentarios y preguntas. cortesía ICED


HOMENAJE A

LUIS BUÑUEL por ANDREI MALDONADO y ERIC EDUARTE VILLA

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El ángel exterminador

¿Qué nos retiene? por ANDREI MALDONADO

Charlando en una ocasión con el gran maestro Juan Antonio de la Riva comentábamos acerca del aporte de cineastas extranjeros a la filmografía nacional. Salieron a relucir personajes como Arcady Boytler o Sergei Eisenstein y, obviamente, el trabajo de Luis Buñuel. Afirmaba Juan Antonio que fue el español el que mejor entendió el cine mexicano, y lejos de querer implementar forzadamente el surrealismo que Bretón buscaba con ahínco en la pintura de Frida Kahlo, Buñuel consiguió tomar los elementos que tenía a la mano –actores, recursos, escenarios- y entregar a México y al mundo una filmografía llena de metáforas, pero también de realidades. Y, sin temor a errar, puedo asegurar que es El ángel exterminador (1962) la obra que mayor resalta este hecho. En primer lugar porque, a pesar de evidenciar claramente a una sociedad burguesa, la historia podría ocurrir por igual en la Condesa o en la Roma como en los barrios más acaudalados de Londres o Nueva York. En segundo término su desarrollo como obra coral, donde cada personaje es tanto incidental como protagónico, permite llevar un ritmo constante no lineal del absurdo –más no incoherente- hecho de no poder abandonar una mansión por más que se desee, y sin que nadie pueda entrar en ella, sin razón aparente.

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Buñuel plasma con un sentido narrativo más que crítico los extremos de una humanidad al borde de la animalidad, del caos siempre presente en el orden y de lo innecesario de las etiquetas que la sociedad ha implantado cuando se trata de salvar la vida. No sin cierta malicia el aragonés brinda un contexto de un grupo de acaudalados y pretenciosos burgueses que quedan atrapados en su propia trampa, de la cual oportunamente la clase baja ha escapado y, sobre el cierre, gira la cabeza hacia otro sector que ha basado su poderío también en la explotación de los marginados: la Iglesia. El discurso de Buñuel en esta obra es, en síntesis, la dualidad extrema entre lo que abruma y lo que se desconoce ¿qué retiene a los huéspedes de los Nóbile? ¿Será su miedo, su humanidad, su fragilidad? ¿O es acaso el paso divino del ángel de la muerte? El ángel exterminador es de ese tipo de películas cuya seña particular es su capacidad de dejarnos en la inopia intelectual, en la brusquedad del abandono de las respuestas, naufragando entre lo ignoto y lo que leve, pero conciso, parece ser cine mexicano. Y en efecto, lo es. Afortunadamente lo es.

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Los olvidados

El arte de la agresividad por ERIC EDUARTE VILLA

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La tragedia y la cruda realidad nunca

nada desconocida le daba el enfoque

supieron

las

natural de donde se vivía en aquellas

mayores obras cinematográficas de la

lugares y años, y que para nada nos

historia nos da ese deleite. Ya se

sigue siendo una situación ajena.

tan

bien.

Una

de

habían hecho dramas trágicos que enriquecieron la industria nacional, pero Buñuel vino a dejar un legado no sólo para disfrutar, sino también para reflexionar sobre las causas sociales de nuestro país. Y es la conjunción de

los

elementos

técnicos

y

contextuales de la película que le dan ese gran mérito que perdurará.

Los olvidados que recordaremos con una de las historias más denigrantes, tal vez la obra de Buñuel sea un diamante negro que resplandece con otro brillo que sigue gustando y sobre todo enseñándonos. Todo esto no sería posible sin el sello en la cámara de uno de los mejores fotógrafos que ha dado México, Gabriel Figueroa,

El encanto del Distrito Federal de los

que supo captar la transgresión del

años

y

director Aragonés. Puede que lo que

alterado por la realidad exhibida de

hace tan importante a esta cinta es lo

algunos de los barrios más pobres y

que nos genera al ver esta indigencia

denigrantes en la cinta de Buñuel. La

que se volvió artística. Si habría que

lucha de un pueblo, de unos cuantos

clasificarla en algún género sería

por sobresalir, era lanzado de la

inapropiado etiquetarla como drama,

forma más cruel pero verdadera.

pues va más allá. Si se creará el

Dentro de su estética Luis no deja

género

fuera ese encanto de la ciudad sólo

término indicado para la película que

por

luego

forma parte del patrimonio cultural de

regresando a la humildad y miseria,

la humanidad. Una marginalidad que

mostrándonos de esa manera las dos

es y será por siempre memoria del

caras de esa mítica capital mexicana.

mundo.

cuarenta

ciertos

fue

modificado

momentos,

de

la tragedia

sería

un

Usando matices naturales de su gente, ni uno de los personajes denota cierta ficción en su forma de ser, calles aterradas, una suciedad

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premier de

cortesĂ­a IMAC

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Durango, “La tierra del cine” vuelve

Minutos después, se proyectó este

a

corto

brillar

por

su

talento

que

cautivó

a

los

cinematográfico dentro del marco

espectadores. Éste

del Festival de las Artes “Ricardo

historia de Tom Scott, uno de los

Castro”, la noche del miércoles 1 de

hombres más buscados en el viejo

abril

público

oeste, quien vuelve a su antiguo

duranguense el cortometraje “El

hogar después de pasar varios

salón de la superstición”.

meses

se

presentó

al

Este cortometraje, fue realizado por el licenciado en Ciencias y Técnicas de la Comunicación Elías Ramos, es un filme de la casa productora “Visual

Film”,

hecho

en

tierra

duranguense y creado por cineastas del mismo Estado. La Cineteca Municipal “Silvestre Revueltas”, fue el recinto donde se estrenó esta obra fílmica, en punto de las 21:00 hrs. Se realizó una ceremonia, donde el Ing. Miguel Ángel Orona, expresó la importancia de apoyar los proyectos locales, así mismo, los creadores y actores agradecieron el apoyo del público presente.

en

las

nos relata la

montañas

de

Dutchman buscando oro, pero al volver

encuentra

el

pueblo

abandonado, salvo la presencia de una peculiar mujer que lo espera en la cantina, ella lo hace revivir sus errores y pasado, a través de un poder que parece sobrenatural. “Es una pequeña historia de una serie de 4 o 5 cortometrajes, por lo que quisimos empezar por ésta para dar un poco de pauta a la otra historia que queremos hacer un tiempo después” expresó el director del

cortometraje,

así

mismo,

enfatizó la importancia de realizar cine hecho en Durango y de que el público se acerque a ver el trabajo hecho por artistas locales.

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Leviathan Cine que devora y gusta por ERIC EDUARTE VILLA

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Definitivamente habrá que establecer

De la corrupción dentro de la trama

el género de la tragedia dentro de la

no es nada nuevo pero resulta

cinematografía

clasificar

impresionante saber que en todos

muchas películas, entre ellas el más

los lugares que se pueda pensar

reciente film de Andrei Zvyagintsev,

sucede, aunque en el sistema ruso y

quien ya ha demostrado plasmar

de la desparecida unión soviética

excelentes historias de este nuevo

existen

muchos

capítulos

cine

incómodos

y

de

ruso

para

que

comienza

a

llenos

esa

desplazarse a gran ritmo, con sus

corrupción. “Todos somos culpables

anteriores cintas Elena y su ópera

de algo” se dice en la película y es

prima El regreso.

una verdad que no se puede negar, dejando a más de un espectador en

Leviathan nos introduce en una atmósfera

oscura

dentro

de

reflexión sobre la cinta.

la

política y la Iglesia. Ambientada en la ciudad costera Pribrezhny, Andrei muestra una metáfora de libro de Job y de la criatura mítica Leviathan, donde ambos elementos se mezclan entre sí.

También toma la vertiente de la forma de la estructura del guión y de su deleite visual que no hace en ningún momento cansado a pesar de su lentitud que viene más a agradar que a desesperar, eso habla del excelente trabajo desde la

El director ha sabido utilizar uno de los pasajes del libro bíblico y lo representativo de esta serpiente de los océanos para crear una de las cintas de mayor polémica y llena de

escritura del mismo guión hasta la edición, demostrando que el cine ruso sigue dando frutos, enseñando y gustando como la ha sido desde hace tiempo.

una imagen artística enmarcada por una fotografía grisácea y un azul melancólico que imprime la esencia trágica y dramática que viven los personajes.

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Fuerza Mayor

Avalanchas y emociones adversas Las historias sobre algĂşn percance empiezan a contarse despuĂŠs de la tragedia, a partir del momento que hay que empezar a mover escombros o, en este caso, a quitar la nieve. por ERIC EDUARTE VILLA

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Fuerza Mayor es la nueva apuesta

cinta, donde habrá que salir del

del director sueco Ruben Östlund,

entierro blanco en el que se han

quien centra su trama en una familia

sumergido

que decide vacacionar en los Alpes

familiares

Suizos. Desde el comienzo Ruben

protagonistas (la madre y el padre de

nos advierte la forma de la película

familia) que se han inmerso en

con planos de cámara fijos y largos,

decisiones

usando musicalización clásica y con

pueden considerarse erróneas para

la sinfonía de los paisajes blancos de

quien las toma, pero que se hacen

las

un

como parte de una reacción de

ensamble lento pero que no deja de

supervivencia, en este caso por la

gustar

montañas

por

acciones

la

frías

produce

sencillez

y personajes

en e

las

dificultades

individuales

que

en

el

de

los

momento

de

sus

avalancha que aterrorizó a la familia

más

que

mientras tomaban el desayuno en

comunes.

uno de los restaurants del lugar.

Si bien la escena de la avalancha es

Esa desesperación de ambos padres

impresionante

las

es acompañada por la fotografía

medidas adecuadas de seguridad

grisácea y tonos cafés junto con los

para no representar riesgo tanto para

juegos

el elenco como para el crew, aunque

llegarían a resultar cansados no

en aquellos lugares turísticos de los

dejan de ser atractivos en todo el film,

Alpes es común ver explosiones

demostrando que para diálogos no

deliberadas para evitar acumulación

siempre es necesario pasar al plano

de nieve y así no poner en riesgo la

de cada actor.

se

contó

con

de

cámara,

que

aunque

vida tanto de los deportistas como de visitantes que gustan admirar del paisaje. Ya dentro de la película la historia trasciende a partir de dicha avalancha donde ese suceso se vuelve una metáfora para los personajes de la

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G Ăœ E R O S la realidad capitalina por DANIELA DEL PALACIO 22


La historia lineal de dos hermanos buscando a un músico que les recuerda a su padre y la historia, de alguna forma, perdida en el tiempo de dos estudiantes que se quedan estancados, mientras que una larga huelga estudiantil transcurre. Un guion demasiado sencillo pero que encaja muy bien con los personajes, una cuidada composición, buena fotografía, actuaciones aceptables — en especial la de Tomás (Sebastián Aguirre)- y pequeños detalles que le dan algo de profundidad a los personajes —como los ataques de pánico de Sombra (Tenoch Huerta) o la discriminación y misoginia de que es víctima Ana (Ilse Salas), quien no termina de encajar ni con los huelguistas ni con los “fresas”. Algo de eso es Güeros.

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La película podrá resultarle a muchos divertida, por ese humor simplón de los protagonistas que estaban “en huelga de la huelga” y puede también resultar interesante, principalmente, porque aunque con claras referencias a la huelga del 99 en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) la trama estudiantil puede suponerse antigua o presente. Incluso podría decirse que la primera parte de la película da la impresión de desarrollarse en el pasado, hasta que de pronto los celulares y las construcciones actuales trasladan la historia a estos días. Un momento también muy particular es cuando se le pregunta a uno de los personajes qué opina del guión de la película y éste dice que “es malo, muy malo”. Ello, sumado con los comentarios de los personajes que critican la forma en que los cineastas mexicanos muestran a México en los festivales internacionales de cine genera un tono de humor simplón y autocritico. Pese a que técnicamente la película es bastante aceptable y la historia tiene detalles sobresalientes, es difícil recomendar Güeros. El problema es de contenido. Las declaraciones de Alonso Ruizpalacios referentes a su primer largometraje no ayudan a pasar por alto las deficiencias de guión, contenido e incluso referentes al mensaje que envía este filme. Un ejemplo de las grandes deficiencias de contenido es el

desnudo innecesario e injustificado que se ve en los primeros minutos de la cinta, mismo que resulta algo burdo, incluso vulgar. Lo anterior no es porque se haga un juicio moral al respecto sino porque parece metido a la fuerza, no encaja, no luce, no ofrece nada. Pareciera más bien estar sobre puesto en la historia como un acto de “rebeldía” que suelen tener muchos directores mexicanos que creen que por poner un desnudo están emancipándose de todas las ataduras moralinas de su sociedad conservadora. Respecto a la postura del director con la huelga del 99, Ruizpalacios no se ayudó en nada cuando fue cuestionado recientemente en el Festival de Tribeca sobre si su película era una burla a la huelga al responder: “Mira: el actor formaba parte del movimiento de huelguistas. La primera vez que leyó el guión me dijo: ‘Esto es una basura. Te estás burlando de los huelguistas’. Pero varios días después me llamó y me preguntó: ‘¿Cuánto pagan?’”. No se sabe si su postura y su intención de ridiculizar o no a los huelguistas tenga que ver con que el director no pudo estudiar en la UNAM debido al paro por la huelga, pero de lo que sí hay certeza es que los temas relacionados con la lucha estudiantil por la gratuidad de la educación pública son temas que hoy, al igual que en otras épocas, resultan bastante polémicos.

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Iván Delhumeau

UNA ESCRITURA DE HOMENAJE por ANDREI MALDONADO foto CORTESÍA IMAC

Menciona Iván Delhumeau en su ensayo sobre la obra fílmica del cineasta duranguense Juan Antonio de la Riva que las películas de éste son un claro homenaje a la cultura duranguense, a su pasado en San Miguel de Cruces, a su familia y al cine en general. Si es así la de Iván es una escritura de homenaje a la herencia que el maestro de la Riva ha dejado a la historia de la cinematografía nacional, pero muy especialmente a la cinematografía del estado.

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Y es que con certeza el autor de “De lo personal a lo universal” afirma que lo más importante en los 60 años de historia cinematográfica industrial en la entidad son las películas filmadas en la “tierra del cine” por el cineasta serrano. Y en efecto, lo son, pues como dijera el mismísimo Felipe Cazals en su última visita a Durango “puede haber cine mexicano filmado en Durango, pero el cine duranguense es solo el que hacen los duranguenses”.

Cine comercial contra cine de autor, es una de las premisas manejadas durante el discurso del ensayo ¿qué convierte a un cine “cine de autor”? el público, sin duda. Pero esto siempre será después de que el director, en su papel de dios todopoderoso en la obra, haya logrado plasmar en su película todo lo que para él representa el cine. De ahí la atrevida comparación que hace Iván entre los objetivos que persiguen Cuarón y De la Riva, cada uno por su lado.

El año pasado, durante el desarrollo de la sexta edición del Festival de Cine Mexicano de Durango, tuve la oportunidad de comer en la misma mesa junto a Juan Antonio y, precisamente, charlábamos sobre filmar lo personal y proyectarlo para generar impacto en lo universal. De ahí a que la forma en que Iván titula su ensayo sea no solo acertada sino también justa, directa y sintetiza lo que en realidad significa filmar para De la Riva.

Partir de lo personal hacia lo universal. Iván nos acerca por medio de su digerible manera de escribir a los motivos familiares que llevaron a Juan Antonio a decidirse por cada uno de sus proyectos. Desde Polvo vencedor del sol hasta El Gavilán de la Sierra, el cineasta consigue filmar el terruño, retratar su realidad y la de los suyos y, al mismo tiempo, generar un discurso que tenga incluso un mayor impacto más allá de nuestras fronteras que en nuestro país.

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Después de leer el libro de Iván no nos queda duda de que nos sobreviven pocos grandes cineastas. Sin duda alguna debemos valorar y agradecer el trabajo de cada hombre que consigue construir de nuevo el cine tras cada película, pues en el cine nada es ficción. De la Riva consigue, como lo hiciera Giuseppe Tornattore, crear un idilio de romance con la nostalgia de otras épocas, de un cine concebido no solo como medio sino también como espacio.

Y en el caso del autor que hoy nos concierne, el gran mérito de Iván es recordarnos que ante todo el cine es un arte escrito. El cine comienza como idea que se proyecta sobre el papel y encuentra su gran culminación no cuando se ve en pantalla el último de los créditos, sino cuando se lee la última línea de una crítica. Pues de la cotidianidad fílmica de Juan Antonio pasamos a la documentación de lo propio de parte de Iván. Lejos de un afán proteccionista y cursi de carácter localista, el autor busca demostrar, en base al análisis de expertos en la materia, que es el cine escrito y dirigido por Juan Antonio de la Riva lo realmente valioso de seis décadas de industria fílmica en Durango, y puedo asegurar que con éxito lo consigue. El discurso del cineasta en sus películas es honesto, sin máscaras, tal y como es la reflexión y conclusión del escritor en su ensayo. Libros como este son los que deberían ser de cabecera para todos los jóvenes realizadores del país, en especial de Durango. No se puede soñar con ser alguien de reconocimiento mundial si no se conoce lo propio y si no se empieza por saber qué se ha hecho antes de lo que nosotros podamos hacer. En otras palabras todo aquel que pretenda hacer cine debe antes ver cine, sentir el cine.

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Alimentándonos del séptimo arte

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¿Sabías qué...?

Luis Martín Gerardo

c n

e n i

e v jo

c n

e a

t s a

e i m

i c re

fotografía por ANDREI MALDONADO

o t n

por ERIC EDUARTE VILLA foto FABRIZIO CADENA/// JORGE SANDOVAL

El cine de Durango también reside fuera de la ciudad. El duranguense Luis Martin Gerardo Gurrola estuvo de visita en la capital, su ciudad natal, para

grabar

un

corto-documental

como parte de su formación dentro del séptimo arte. 29


de

Lo que me trae aquí a mi tierra es

Capacitación Cinematográfica (CCC)

este proyecto del curso precisamente

en la ciudad de México, Luis siente

de

una gran necesidad de filmar en la

Capacitación Cinematográfica, que es

ciudad que le vio nacer y crecer para

un

enriquecer la cinematografía de su

básicamente desde inicios de este

estado, pero más allá de proyectar a

año. Han sido varias clases las que

Estudiante

del

Centro

LA CASA DE DOLORES DEL RÍO

documental

curso

del

que

Centro

hemos

de

tenido

tuvimos por ahí, muchos ejercicios, la llamada tierra fotografía del cine, es laMALDONADO por ANDREI búsqueda de darle luz a sus propias

muchos maestros. Sin embargo el

historias como la que es ya su más

final

reciente producción, una historia muy

culminación de estos conocimientos.

allegada a él, ya que retrata y documenta la vida de sus abuelos. Historias humildes y personales son las que terminan tocando el corazón a más de uno, ya que son parte de los recuerdos de alguien y que de alguna manera llegan a relacionarse con historias de uno mismo.

de

este

ejercicio

es

la

Acá en Durango vine porque se trata de un proyecto personal, que es sobre mis abuelos. Porque con ellos viví toda mi infancia, incluso hoy que vengo de vacaciones siempre voy a esa casa a visitarlos, es un lugar al que

siempre

cuando

se

regreso. me

Entonces

presentó

la

A pocas horas de haber concluido

oportunidad de hacer el ejercicio pues

grabaciones Luis accedió a

una

pensé en mis abuelos, pensé en la

entrevista para la revista Cinéfagos,

relación cotidiana que ellos tienen.

en donde nos compartió su visión del

Tengo muchos recuerdos, buenos y

cine y lo que espera lograr. Al igual

malos. Y es confrontarlos, es una

nos

confrontación

habló

de

este

pequeño

a

la

cotidianidad

pronto

conflictiva que tienen ellos, entonces,

compartir con la gente de cinéfila de

¿de qué forma voy a incomodarlos?

Durango.

Mediante sus recuerdos, y esa es la

documental

que

espera

¿Qué te trae a venir a filmar a Durango?

forma en que yo como realizador me incluyo.

30


¿Cómo surge la idea de este cortodocumental? Surgió

porque

yo

tenía

un

documental inicial que iba a realizar en la ciudad de México, sobre una señora que vive en la central de abastos del DF. Sin embargo al final no se pudo hacer ya que esta señora me canceló. Puesto que yo tenía que presentar un proyecto documental para la escuela, en diciembre pasado que

vine

Durango,

a

vacacionar

básicamente

aquí fue

a

para

pasear por el estado para sacar ideas, al final yo quería contar algo de mi tierra y como tenía el tiempo encima tenía que hacer algo personal para

saltarme

investigación.

31

el

paso

de

la


Y después de 15 años regreso a la

entran muchas dudas morales. Sabes

casa de mis abuelos a intervenir de

que tienes que preguntarles cosas

otra forma, ya con una película. Y es

dolorosas y sabes que se van a

así como di con este proyecto, y es

quebrar pero sabes también que es

algo que siempre he querido contar.

bueno para la película. Es complejo y

En la escuela en una de las clases un

yo tuve muchos momentos de duda, y

maestro nos comentó que hay un

a veces yo mismo me decía ¿seguiré

ejercicio que se llama ‘La huella del

con esto, indagando en los recuerdos

dolor’,

de ellos? es difícil.

él

nos

decía,

nos

recomendaba que para hacer un documental escribiéramos sobre una Huella

de

Dolor,

algo

que

nos

¿Cómo reaccionaron tus abuelos ante un equipo de producción?

afectara o que nos afectó en algún

Al principio si estaban un poco

momento de nuestra vida y ese

cohibidos,

podría ser un buen momento para

producción que éramos básicamente

elaborar un documental, y al final

yo como director, mi sonidista Raúl

también esto urge como una Huella

Galindo,

de Dolor.

Cadena, eran personas extrañas a

¿Qué es lo más difícil en este tipo de proyectos? Lo más difícil es hacerpor unANDREI documental fotografía MALDONADO de personas cercanas a ti. Es difícil porque en el camino, en el trayecto de ir preguntando, te das cuenta de cosas que tú no sabías, porque son dolorosas para ellos, pero si es doloroso para tu abuelo, también es doloroso para ti. Y si vez que tu

porque

y

mi

mi

equipo

fotógrafo

de

Fabricio

mis abuelos, e incluso era la primera vez que ellos dos venían a Durango. En los primeros días de grabación surgió mucho material grabado que al final en la edición no va a quedar, porque

mis

abuelos

se

sentían

incómodos con la cámara, y lo que tuve

que

ir

haciendo

fue

una

estrategia para crear una empatía entre ellos y el crew.

abuelo tiene un quiebre, también te está doliendo como director y te

32


Para eso en lo que fuimos entrevistando a mi abuelo y mi abuela, en los tiempos muertos en que teníamos que comer, en lugar de ir a una tiendita a una fondita a comer y a platicar lo hecho del día lo que yo hice fue comer con mis abuelos para que mis compañeros, mi equipo de producción, les contarán también sus vidas y de esa forma dejarán de ser unos extraños. Y se fue creando un clima donde se creó empatía y poco a poco mis abuelos iban reaccionando frente a la cámara con naturalidad, y esa fue la estrategia que se siguió para obtener las imágenes, las situaciones y los recuerdos que yo quería que se generarán entre ellos.

33


la butaca del cácaro

consume

Alimentándonos del séptimo arte


por SETH ALVAREZ

Con Motivo del 3er Encuentro Iberoamericano de Escritores Cinematográficos sostuve una pequeña charla con Antonella Samaniego; guionista, directora y miembro activo de Escritores Cinematográficos El Garfio A.C.

35


¿Cómo llegaste a esto del cine? Pues desde niña siempre me gustó escribir y dibujaba muchos cómics e historietas, así que ya más grande me sentí atraída por esta cuestión de la imagen y la escritura, que quedaban muy bien unidas en el cine. Aunque en realidad me sigo inclinando más hacia la escritura. Estudiaste en el CCC. Sí, en Guión Cinematográfico, de la generación "Aserejés". ¿Y eso? Es que cada generación del CCC tiene un nombre diferente, y bueno, esa era la canción de moda en el 2002, así que fue el nombre que eligieron para nosotros. Entonces, estudié del 2002 al 2004 en guión. Bien ¿Y como pasaste a ser miembro de El Garfio? En el 2006 El Garfio convocó a un concurso de guiones de cortos para un evento llamado "Maratón de guiones", así que mi guión "Corazón robado" quedó como finalista y se realizó una lectura dramatizada en el Maratón de Guiones. De ahí me invitaron a participar en el taller de El Garfio, que en aquel entonces era todos los miércoles y como yo estaba trabajando un guión de largo para mi tesis del CCC, pues me latió la idea, y de ahí me gusto mucho el trabajo del taller, y aquí sigo. Háblame un poco más de El Garfio. El Garfio es una asociación civil que reúne a varios guionistas con la finalidad de mejorar la calidad de las historias de cine. Nos reunimos cada semana para tallererar nuestros guiones, ya sean de largo, corto o serie de TV. Y otro de los objetivos de

El Garfio es el generar espacios de intercambio y encuentro en torno a la escritura de cine, dar difusión, reflexionar y resaltar el trabajo del guionista. Excelente ¿Y como nació la idea de los encuentros iberoamericanos de escritores, que en esta ocasión será el tercero? La idea de un encuentro siempre estuvo presente en El Garfio desde hace ya bastante tiempo, pues había una necesidad de intercambiar reflexiones y experiencias con otros guionistas; estar unidos, pues es el guión el inicio del proceso cinematográfico. Era importante una reunión donde se reflejara la situación actual de cine mexicano e iberoamericano, las diferencias y similitudes que hay. Generar más interés en el guión y la profesionalización del escritor de cine. Más que excelente. En esta ocasión el tema son los géneros cinematográficos Sí, este año decidimos hablar sobre los géneros porque hay muchas polémicas al respecto, que si hay géneros puros, que si ya no existen los géneros, que si ahora se fusionan o se rompen, que si unos venden más que otros, que si no son indispensables, y bueno, todo eso lo vamos a discutir en esta tercera edición.

36


¿Quiénes serán los invitados? Estarán con nosotros Alicia Luna y Carlos López de España, Guillermo Arriaga, Jacaranda Correa, Michael Rowe, Víctor Ugalde, Julián Hernández, Guillermo Ríos y Marco Julio Linares de México, Eduardo Sacheri de Argentina. De Cuba viene Xenia Ryvery. Ignacio Agüero de Chile. Este año Ecuador es el país invitado, así que estamos a la espera de que nos confirmen quiénes vendrán y otros tantos que nos irán confirmando a lo largo de estos meses. Existen algunas convocatorias dentro del Encuentro, ¿Cuales son? Tenemos dos concursos de guión. El primero es el Concurso Iberoamericano de Guión Cinematográfico que es sólo para los asistentes al 3er EnIbEsCine, por lo que hay que completar la inscripción para poder participar. El premio consiste en que 8 guiones serán seleccionados para presentarse en un pitching ante productores, además de que habrá un único premio de $30,000.00 para el mejor guión. El segundo concurso es para obtener una beca y poder asistir al Encuentro, y este está abierto para todos los escritores nóveles de Iberoamérica. Se elegirán hasta 8 becarios. La beca consiste en transporte, hospedaje y la inscripción al encuentro.

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En los encuentros pasados han participado escritores cinematográficos de la talla del Sr. Leñero, el Sr. Arraiga y la Sra. Novaro por nombrar algunos. ¿Tienes alguna anécdota que compartir? Pues en cuanto a Leñero fue curioso porque ya no le entusiasmaba mucho dar conferencias, ya se sentía cansado, pero cuando le propusimos las actividades en las que iba a participar le gustó mucho la idea. En el caso del primer encuentro, la charla con Arriaga, y en el segundo, disfrutó mucho la actividad "Del guión a la pantalla" donde se habló sobre El Crimen del Padre Amaro. Buenísimas por cierto, con la presencia de Don Carlos Carrera. Por último ¿Dónde se puede obtener más información del Encuentro? La información se puede obtener a través de la página http://enibescine.com, ahí vienen todas las convocatorias y el formulario de registro para inscribirse al encuentro. La sede, el programa de actividades. Los invitados que se irán actualizado conforme vayan confirmando. También a través de nuestras redes sociales escritores El Garfio AC y en twitter @elgarfioac


cinéfagos +RADIO con ANDREI MALDONADO

TODOS LOS JUEVES A PARTIR DE LAS 2:40PM EN


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Conociendo a

RICARDO BENET por SETH ALVAREZ

Conocí al director Ricardo Benet en el Festival Colima de Cine 2014, cuando presentaba su segundo Largometraje Nómadas. Hace poco, me puse en contacto con él para charlar un poco sobre sus inicios, su trabajo y sus futuros proyectos.

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Mi estimado Benet, platícame un poquito cómo llegaste al cine. Pues por contagio. Mi padre, ingeniero civil, se iba de avanzada con su maquinaria adonde había chamba. Para mi madre era más promisorio quedarnos con los abuelos en mi natal Cardel, Veracruz, y ya una vez establecido, lo alcanzáramos. A ella le encantaba el cine. Desde niña se escapaba a la carpa de los húngaros que llevaban unos inverosímiles programas dobles a los pueblos. Por ejemplo, una ranchera se complementaba con otra de Bergman. Mi madre y yo, desde que tenía los 3 años, esperábamos a mi padre en el Distrito Federal. Entonces, ahí, cargaba conmigo al cine París o al Paseo a ver películas europeas. Yo desde luego me dormía a los 10 minutos, pero aquellas primeras imágenes me contaminaron. El daño estaba hecho. ¿Y cómo fue que decidiste estudiar cine? Pues fui un estudiante de cine tardío. Salí joven de prepa. A los diecisiete. Como la carrera de cine implicaba tiempo completo y yo tenía que trabajar, me decidí por el plan B: Arquitectura. Esta carrera las estudié en la UNAM. La ejercí bastante tiempo y cuando tenía ya veintiocho recuperé el viejo sueño del cine. Tras una temporada en Europa, regresé, hice el examen en el CCC y me quedé.

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Aparte del CCC ¿estudiaste en otras escuelas? Pues antes yo había comenzado como muchos cineastas, con la fotografía fija. En París había tomado algún curso. Desde niño era un gran cinéfilo y lector de todo asunto cinematográfico. Pero formalmente hasta la carrera en el CCC. Donde por cierto comencé como cinefotógrafo y luego me decidí por la dirección. Tu opera prima, “Noticias Lejanas”, ganó muchísimos premios a nivel internacional. Platícame un poco de ese proyecto. Pues estaba en una etapa muy frágil en mi vida. La carrera de cine se había alargado por razones presupuestales. Agrégale la construcción del nuevo Centro de las Artes y otras cosas. Entonces un día fui a ver un par de malas películas mexicanas. Entre la indignación y la ansiedad veo la nueva convocatoria 2003- para el proyecto Ópera Prima. Esta es una convocatoria para egresados del CCC que aspiran por un largometraje. Me senté y apuré de entre muchos apuntes y correcciones que ya tenía- a escribir sin parar por tres semanas un guión que resultó en Noticias Lejanas.


Tras casi un año agotador de decisiones y de entre más o menos diecinueve proyectos, finalmente fue el ganador. Ya estábamos en octubre y se nos pedía, por cosas presupuestales, tener listo todo el rodaje antes de fin de año. Entonces nos apuramos. Filmamos tres semanas de noviembre en las altas llanuras de Puebla-Veracruz y una semana de diciembre en el Distrito Federal. Después, a esperar el 2004 para los dineros de post-producción. La película estuvo lista para estrenarse en marzo del 2005, en el Festival de Guadalajara. Vaya que le fue muy bien, ya que recibió muchos premios, entre ellos 3 Arieles. Sí. En Guadalajara comenzamos con 3 premios e invitaciones a una decena de festivales. Finalmente se fue a más de sesenta. Se vio y ganó más premios en el extranjero que acá. Fantástico. Ahora, ¿Cómo es tu proceso para escribir una película? Usualmente la imaginación y las ganas de filmar se me destapan con la literatura. Un buen libro me emociona y entro en un periodo de ansiedad creativa. Entonces recuerdo lugares, recorro paisajes y ciudades. Luego me viene una preocupación de vida: el desplazamiento, el encierro, la fragilidad del individuo. Entonces trato de armar una historia lo más aterrizada y lo más simple posible en anécdota. Pero sin soltar la preocupación filosófica. Un crítico apuntaba, a propósito de Noticias Lejanas, que "era una película potencialmente plagada de lugares comunes, que sin embargo inauguraba otra mirada".

¿Guión o dirección? Ambos. Me gusta mucho la posibilidad de transformar mis preocupaciones éticas y filosóficas en historias e imágenes. Claro, si hay un texto o historia que coincida con mis obsesiones, también. Como en el caso de mi próximo guión y película la tercera- que estará basada en un hecho real de los años ochenta. Por otro lado, la dirección me da la oportunidad de decirlo de la manera gráfica y estética que yo deseé. Me gusta ver la pantalla como un lienzo donde se puede explorar más allá de la anécdota; con paisajes, rostros, texturas, movimientos de cámara. Bien. Háblame de Nómadas, tu segundo largometraje. Fíjate que todo fue armándose de manera extraña. La historia surgió en 2005 cuando, invitado con Noticias Lejanas a Tribeca, vagaba en una tarde de domingo por una parte solitaria y abandonada de Nueva York. De pronto vi a un par de obvios inmigrantes ilegales. Deambulaban en su día libre en una ciudad que no era la suya, tratando de ser invisibles. Esa idea destapó la historia. Interesante. Y ¿Cómo fue trabajar con Tenoch Huerta y Lucy Lui? Inicialmente pensé en la relación de un treintañero con una mujer madura que evitara un encuentro convencional. Siempre quise a Susan Sarandon -de hecho el personaje conservó el nombre de Susan- pero fue imposible contactarla; llegar a ella. Con los dineros ya conseguidos y el tiempo encima, nuestros coproductores en California, que se encargaban de casting gringo, le pasaron el guión a Lucy Liu y la atrapó.

42


A la mañana siguiente pidió un encuentro y a los dos días estaba yo en Beverli Hills almorzando con ella. Claro, había que variar algunos mecanismos en el guión, ya que era mucho más joven que lo que el personaje suponía. Mientras, en D.F., seguía en la búsqueda del actor de treinta años. No tenía a nadie en mente. Mi idea era alguien con carácter; muy mexicano, de clase media, con personalidad. Una especie de Salvador Sánchez o Gómez Cruz a los treinta. Vi algunos de los actores más solicitados y alguien me habló de Tenoch, vi Sin Nombre y llegó al casting. Atrapaba la cámara, tenía esa intuición y carisma necesarios para el personaje. Y se quedó. ¿Cómo fue rodar en el extranjero? Más arduo de lo que nos dicen o uno supone. A pesar de sus calcomanía de "I Love Filming in NY" al final todo te cuesta. Tienes que pedir permisos para todo. Ir al Actor's guild porque tu película, aunque sea barata y underground, tiene una estrella de Hollywood. Así que nos "robamos" muchas tomas. No teníamos recursos para cerrar la 5th Avenue (Risas), pero fue una experiencia maravillosa para todo el crew -todos mexicanos en los puestos principales-. En esos momentos había la huelga de guionistas en EU y nosotros, muy desfachatados, estábamos filmando por allá. Que fantástica experiencia. ¿Y cómo le ha ido a la peli? Bien. Se vendió a Cinépolis, que en 2013 le dio su circuito de arte. Se presentó en más o menos quince ciudades del país. Dos semanas al menos, en cada plaza y siete

43

semanas en Cineteca Nacional. No es un blockbuster, vamos, pero ha encontrado su nicho. Le falta aún más promoción y venta internacional; luego la TV, donde en los canales adecuados capta muy buen público. Muy bien. Hay que ver cine mexicano. ¿Y qué haces actualmente? Primordialmente, estoy en la tarea de encontrar recursos para "Buscando a Rita" que será la nueva película que te comentaba. Es sobre una tarahumara que, en los años ochenta, anda en busca de su hijo. La mujer camina desde las Barrancas del Cobre hasta la frontera. No se sabe por meses de ella. De pronto aparece en Kansas City hurgando en la basura y al no entenderla -solo habla rarámuri- la dictaminan loca. La encierran en un psiquiátrico por trece años. Cuando un cambio de custodios trae a alguien cuyo abuelo era tarahumara, logra comunicarse con ella y convence a las autoridades que la mujer no está loca, sino pérdida. Bueno, también ando en mi chamba cotidiana al frente del Departamento de Cine de la Universidad Veracruzana. Y por supuesto, en mi entrañable actividad que llevo algún tiempo desarrollando: llevar los talleres de cortometraje a el Totonacapan -al norte del estado- de donde han resultado ya veintiún cortos, algunos en lengua totonaca, con buenos resultados y varios premios.


28 44


BATMAN y la casi perfecta trilogía de Nolan por ISMAEL CAMPOS ADAME

Después de que el director Tim Burton entregara dos magníficas y oscuras películas del hombre murciélago, “Batman” (1989) y “Batman Regresa” (1992), este le pasó la estafeta a Joel Schumacher para que continuara dirigiendo una franquicia que destruyó totalmente con dos filmes demasiado caricaturizados e infantiles del icónico héroe de Cuidad Gótica, “Batman Eternamente” (1995) y “Batman y Robin” (1997), esta considerada una de las peores producciones de la historia.

45


Tuvieron que pasar muchos años

convenció a los ejecutivos de la

para que se reiniciara la franquicia

Warner Brothers para narrar, con la

con una nueva trilogía que por fin le

ayuda del guionista David S. Goyer,

hiciera justicia a uno de los héroes

una historia realista de los orígenes

predilectos

de

del

mundo

de

las

Batman,

el

enmascarado

historietas y para esta tarea se tomó

justiciero atormentado por la muerte

en cuenta al ahora consagrado

de sus padres y némesis de los

director británico Christopher Nolan,

delincuentes que hacen de las

quien en ese entonces contaba

suyas en una ciudad ficticia hundida

solamente con dos largometrajes, la

en la corrupción.

obra maestra “Memento” (2000) y la regular “Insomnia” (2002).

Esta joya, que se convirtió en una importante influencia para todos

A continuación un breve análisis

aquellos

crítico de las tres entregas de esta

reinventar

peculiar

del

historietas en los siguientes años,

caballero oscuro, producto del gran

se basa en el cómic de culto de

ingenio de uno de los mejores

Frank Miller “Batman Año Uno” y es

cineastas de la actualidad.

hasta ahora la mejor película que

y

original

trilogía

filmes

que

pretendían

superhéroes

de

cuenta los orígenes de un héroe de Batman Inicia (2005)

las viñetas, por contar con un guión muy directo y nada complejo que

En este filme se cuenta de una forma realmente magistral el por qué Bruce Wayne, personificado increíblemente por Christian Bale, toma la decisión de transformarse en

esa

pesadilla

de

cualquier

criminal de Ciudad Gótica.

nos

presenta

excelentemente

una

construida,

personajes

cuyas

están

bien

muy

historia con

motivaciones planteadas

y

aspectos justificados que no dejan dudas

ni

al

más

exigente

espectador, fórmula única de Nolan.

Fascinado Christopher Nolan por la psicología de Bruce Wayne, el hombre detrás de esa máscara negra que intimida a todo criminal,

46


El director, respetando la esencia de

encuentran su clímax en un final

los

muy emotivo e inolvidable.

personajes

del

reconstruye

a

volviéndolos

más

cómic,

su

los

manera, y

Christopher Nolan repite la misma

desenvolviéndolos en una historia

fórmula que aplicó en la primera

llena

y

entrega, y la diferencia radica en

situaciones inesperadas que hacen

que en esta secuela nos presenta

de esta gran película un verdadero

escenas cargadas de tensión, las

festín

se

cuales no hubieran sido las mismas

maestra

sin esa genial música compuesta

de

realismo,

que

convirtió

creíbles

emoción

instantáneamente

en

una

obra

dentro del cine de superhéroes.

por Hans Zimmer, quien después de hacer un buen trabajo con la banda

El Caballero de la Noche (2008)

sonora de “Batman Inicia”, inyecta a esta

Para

esta

película,

Christopher

Nolan escribió junto con su hermano Jonathan

Nolan

un

guión

más

segunda

parte

de

composiciones cargadas con dosis melancólicas y pizcas de terror psicológico.

maduro y complejo en el que optaron por incluir al villano número uno

de

Batman,

El

Guasón,

espléndidamente interpretado por Heath

Ledger,

quien

falleció

posteriormente y recibió un Oscar póstumo

por

esta

antológica

actuación en una cinta en la que el resto del reparto da también lo mejor de sí.

Tomando la esencia de El Guasón de las páginas de cómics clásicos, los Nolan lo reconstruyen para adaptarlo al cine de la manera más realista posible, dotándolo de una filosofía que lo hace un interesante personaje dentro de la galería de los mejores villanos de la historia del séptimo arte, aquellos que después de

Los Nolan dotaron al guión de un ritmo visceral lleno de suspenso y que logra mantener tenso al público durante más de dos horas que se pasan

47

rápidamente

y

que

ser

apreciados

haciendo

maldades en la pantalla grande, se quedan para siempre en nuestra mente.


El

Caballero

de

la

Noche

Se puede decir que el argumento en

Asciende (2012)

general de esta tercera parte es

Ansiosos estaban los seguidores de

mejor que el de las primeras dos

la franquicia por ver la última

entregas, pero lo explicado en el

entrega que supuestamente cerraría

párrafo anterior fue lo que afectó

con broche de oro esta trilogía, y el

mucho a la cinta que cuenta con la

resultado

poco

participación del brillante actor Tom

un

Hardy, quien interpretó al villano

largometraje que hasta la mitad es

Bane, famoso y temible personaje

de aplaudir, y de ahí en adelante

del universo de Batman que ya

cae de manera desconsiderada por

había sido tratado injustamente en

no seguir esa metodología que

la odiada “Batman y Robin”, y que

Nolan había aplicado en las dos

en esta ocasión sí se respetó su

entregas

la

psicología pero no esa monstruosa

justificación de pequeños detalles

apariencia física que refleja en los

que

cómics, teniendo además en la

fue

decepcionante

un por

anteriores,

traen

dudas

ser

que

es

y afectan

coherencia de la historia.

la

trama un desarrollo que concluye ridículamente.

48


Un verdadero y apreciable acierto de esta última entrega es la madurez técnica de Nolan, es decir, los movimientos de cámara en las secuencias de acción, espectacularmente fenomenales, y qué decir de la fotografía a cargo del brutalmente talentoso Wally Pfister, simplemente asombrosa.

En la cinta, escrita nuevamente por Christopher Nolan y su hermano Jonathan, se cuenta además con la presencia de otros nuevos personajes que logran aportar sentido a la trilogía, pero que no tienen un atractivo desarrollo y desenlace dentro de la trama, lo que se convierte en una de las debilidades principales del cierre de esta saga cinematográfica casi perfecta.

49


50


Perdidos en Tokio

El arte de perderse y encontrarse por JUAN JOSÉ ANTUNA

51


"¿En realidad es necesario viajar

Entonces una noche en el bar del

hasta el otro lado del mundo, donde

hotel, ambos siendo victimas de un

no se habla nuestro idioma y donde

terrible insomnio, se conocen y

no

para

empiezan una relación de amistad

encontrarnos con nosotros mismos

con fecha de caducidad (algo muy

y sentirnos realmente conectados

similar

con alguien más?" Esta es sólo una

Speechless). Es entonces que con

de las miles de interrogantes que

la ausencia de su esposo Charlotte

abordarán tu cabeza después de

empieza a salir con Bob que sufre

mirar esta maravillosa película.

una crisis en la relación con su

entendemos

nada,

a

lo

que

pasa

con

esposa a la cual no le puede decir Lost in Traslation (o Perdidos en Tokio como fue llamada en américa latina) lleva como trama la vida de un

par

Charlotte

de y

estadounidenses, Bob.

La

primera

(interpretada por una jovencísima y encantadora una

joven

Scarlett

Johansson)

veinteañera

que

acompaña a su esposo fotógrafo y que suele pasar la mayor parte de

lo que él quisiera. Entre carreras, pláticas y desvelos compartidos la relación

entre

los

dos

se

va

haciendo muy dependiente y a la vez no, pues necesitan la compañía del otro para ser quien en verdad son y no lo que involucra la reclusión casi involuntaria del ser al estar en un entorno que sabes y reconoces como no tuyo.

su tiempo a solas recorriendo todo Tokio tratando de encontrar algo

Y es que si la película algo nos

con qué conectarse, encontrar qué

muestra

será de su vida y el significado de

aislamiento al que todos en su

esta. Y Bob, un actor de cuarenta

determinado

años con una carrera en descenso

sometemos, que es más evidente

que llega a Tokio para promocionar

ahora que en aquellos años, o quizá

un whisky japonés ("Tenga un

sea igual, al final de cuentas uno

momento Santory" es una de las

siempre busca la soledad como

grandes frases y escenas de la

busca la compañía ("nos gusta el

película).

frío, pero nos abrigamos en el

es

esa

reclusión

momento

y

nos

calor").

52


Pero,

¿qué

aislamiento

pasa no

cuando

lo

ese

Esta

es

una

de

esas

tantas

controlamos?

películas que hay, que si bien no

¿Qué tal si la barrera va más allá de

puedes considerar dentro de tu lista

lo cultural o lo verbal? Y es que

de películas favoritas definitiva de

siempre

de

todos los tiempos, si se puede llegar

comunicación cuando lo que se

a sentir por ella un gran amor (algo

quiere

es

así como lo que te puede llegar a

importante y valioso, pero cuando

pasar por Eterno Resplandor de una

no nos podemos comunicar con

Mente Sin Recuerdos de Michel

alguien más, y de repente llega

Gondry). Además cabe señalar que

alguien y nos saca de ese canal de

esta película consagra y hace entrar

incomunicación y entre más sea el

a las grandes ligas como directora a

contacto, más podemos creer que

Sofia Coppola, quien escribe el

es algo más especial de lo que

guión de esta cinta basándose en

quizá en este caso era.

un amorío que tuvo con el aquel

hay

decir

formas

en

verdad

entonces La película trata y narra muy bien este suceso y este evento cuando Charlotte va entre las maquinas de

también

muy

joven

cineasta Spike Jonze, historia que le valió su primer y único Oscar hasta el momento.

juegos, y al mismo momento que ve a los jugadores tan absorbidos en

Sofia es hija del gran director

un mundo de mentira y fantasía ella

Francis Ford Coppola, quien la hace

se

siente

no

poder

debutar a muy temprana edad -

nadie.

Pero

cuando aún era una bebé- en El

cuando conoce a Bob en vez de

Padrino Parte I, y años más tarde

llenar el vacío de su transición con

aparece en El Padrino Parte III,

sexo o sólo una aventura más como

pero ahora como hija de Michael

cualquiera, en verdad se conectan,

Corleone y nos regala una de esas

y crean un lazo indestructible, ese

escenas en la cinematografía difícil

lazo que todos deberíamos de crear

de olvidar junto con Al Pacino

con nosotros mismos antes de

cuando le dan el balazo en frente de

querer estar con alguien en verdad.

él casi al final de la película.

comunicarse

53

igual con

al


54


Cine Recomienda

por JUAN JOSÉ ANTUNA

"Si amas las charlas sin descubrir el amarás las Linklater."

largas caminatas, y las sentido tratando de significado de la vida; películas de Richard

Si nos hubiéramos preguntado qué director podría imaginar, escribir e idear una película que nos narrara la vida de un niño que creía que las avispas venían de aventar agua al cielo hasta convertirse en un joven universitario antisocial que busca algo más que atención y saber qué sentido tiene la vida, sin duda alguna todos habríamos pensado en Richard Linklater.

55

El director del "tiempo real" como a mí me gusta llamarlo, y creador de la trilogía “Before”, nos regaló una de las películas más maravillosas y emotivas del año pasado; multiganadora en varias entregas de premios y una labor titánica del director para filmar durante doce años para entregarnos esta historia. La película narra la vida y los cambios de Mason, un pequeño niño que vive con su madre soltera y su hermana mientras su padre no está por completo en su vida.


Y es que desde el inicio es imposible

se sienta. La película termina como

no engancharte con la película, la

nos

banda sonora prácticamente es la

director, como terminan todas las

música con la que todo chico de esa

películas

generación creció y vivió su juventud.

empieza la verdadera historia.

Coldplay, Blink 182, Kings of Lion, Foo

Fighters,

Arcade

Fire,

The

Beatles, son sólo algunas bandas que podemos escuchar. Pero sin duda con lo que más se identifica uno en esta película que es una clase de documental ficticio, es que es una película prácticamente real, no hay ninguna sorpresa y en momentos te puedes llegar a fastidiar que no pase nada extraordinario, pero es la vida misma.

Con

tiene

unas

acostumbrados

de

Linklater,

maravillosas

este

cuando

y

reales

actuaciones, Boyhood o Momentos de una vida es una película que no te puedes perder por el simple hecho de que Linklater nos hace participes de una película única. Quizá recuerdes algo que olvidaste de tu infancia como a muchos ya nos ha pasado: un paseo en bicicleta con tu mejor amigo de la infancia, la colección de rocas que tenías y presumías a tus primos, aquella noche especial en la que ya

Una madre que lucha todos los días

eras grande, o cuando eras niño y

por

creías que las avispas venían de

pagar

después

las

de

matrimonios

cuentas

pasar y

varias

por

cuando malos

aventar agua al cielo.

mudanzas

decide criar a sus hijos sola. Esas pláticas con tu padre al que casi no ves sobre sexo, chicas o tú futuro. Incluso si nunca las tuviste te puedes sentir cobijado por esta película al sentir que esas son las pláticas que te hubiera gustado tener con tu padre. La vida tiene varios cambios, varias etapas y "cada momento nos vive", por muy diferente que se viva y

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Blur y el látigo mágico

LA ESPERA TERMINA AHORA The Magic Whip, es el octavo álbum de estudio de la banda británica Blur, liderada por el vocalista Damon Albarn. Después de 12 años de espera, los fanáticos de Blur abren nuevamente sus corazones y están listos para recibir con los brazos abiertos a este cuarteto que nos trae buenas nuevas este 2015. Desde Think Tank (séptimo álbum de la banda) no se había hecho ningún nuevo material, tan solo se había contado con algunos conciertos (como el de Hyde Park en 2010, Quilmes Rock en el 2013 y Glastonbury en 2009). Think Tank estuvo conformado solamente por el ya mencionado líder de la banda, Damon, el bajista Alex James y el baterista Dave Rowntree, dando por sentado así la salida del guitarrista Graham Coxon. Muchos fans estuvieron en descontento de que el amado guitarrista de la banda se fuera, pero por problemas como su alcoholismo hicieron que los demás integrantes decidieran expulsarlo de Blur. Esto provocó la ira de Graham, el cual se desquitó burlándose, insultando y degradando a sus ex compañeros de banda. Con Think Tank terminado, y con el sabor de boca amargo, los tres últimos integrantes decidieron hacer sus propios proyectos. Un nuevo comienzo para cada uno de ellos. Un descanso permanente… hasta ahora.

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por ITZEL MALDONADO


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involucrado en una marca de lácteos ingleses que harían a este hombre aún más rico. Ambos se dedicaron a cuidar a sus familias.

Damon Albarn es reconocido por ser un hombre de mundo, una persona con proyectos que rebasan los límites de la imaginación. Él fue el primero en sacar a flote su creatividad y nos trajo la más famosa banda virtual que existe y obtuvo existo al instante: Gorillaz. Con Jamie Hewlett como colaborador (creador del comic Tank Girl) Después surge The Good, The Bad And The Queen (colaborando con Paul Simonon de The Clash, Tony Alen de African Express y Simon Tong de The Verve) a mediados de 2007. Y no olvidemos su reciente álbum solista ‘’Everyday Robots’’ sacado el 25 de Abril de 2014. Sin duda él es el más influyente de la banda (por algo es el líder) Luego están Dave y Alex, los cuales no tuvieron proyectos musicales ni álbumes solistas. Hicieron algo más adecuado a sus gustos. Rowntree encontró amor en la política y se hizo un importante abogado en Inglaterra. Por otra parte James sacó a flote su amor desde joven: los quesos. Estuvo

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Del lado del amargado ex guitarrista él hizo varios álbumes solistas y también se dedicó a su amor desde que era un adolescente: la pintura (igualmente cuidando de su hija y esposa). Sin importar cuánto fuese el coraje de este hombre, su remordimiento fue más fuerte. Decidió ponerle fin a su actitud inmadura e ir con su mejor amigo desde los trece años (Damon) y pedirle sinceras disculpas. Hecho esto se presentaron en diferentes lugares (como se mencionó al principio) y uno de esos fue Hong Kong. Ahí tuvieron 5 días para empezar a realizar The Magic Whip (sin que los fans ni sus propias familias supieran nada). Este álbum contó con la producción de Stephen Street (quien en los ochenta trabajó con The Smiths y The Cranberries). En este álbum se nota un fuerte sello musical en Damon, dando a demostrar que cada proyecto suyo lo ha llevado a tener más sabiduría en cada una de sus canciones.


Cuando escuchas por primera vez The Magic Whip, te das cuenta que no suena al tipo Blur de los 90’s, tiene un toque más moderno, pero sin dejar de lado la forma anterior de sus discos. La banda nos trae de entrada ‘’Lonesome Street’’ un track en donde se escucha de inmediato la guitarra de Graham, luego de algunos canticos de Damon escuchamos a Coxon cantar. Este tema es de alguna manera algo cercano al anterior Blur. Después pasamos a ‘’New Word Towers’’, un track en que se nota la tranquilidad del lugar en donde fue grabado, y dando una vista del nuevo, mejorado y maduro Blur. Como siguiente tenemos ‘’Go Out’’, el primer track que se dio a conocer. Sin duda esta es la canción más pegajosa y alegre del álbum la cual no dejamos de escuchar. Podríamos repetirla una y otra vez ¡y no nos cansaremos de ella! Entrando con una línea de bajo, muy característica de Alex James, luego, la voz alegre de Albarn, la forma de tocar la guitarra de Graham y grandes ritmos en la batería del señor Rowntree hacen que esta sea la favorita de muchos.

El siguiente en la lista es ‘’Ice Cream Man’’, que siguiendo con la típica ‘’tradición’’ de la banda, que hace referencia a personajes, pero en esta melodía es algo más acústico y tranquilo sin los coros que se encuentran en canciones como ‘’Charmless Man’’ y ‘’Top Man’’. En ‘’Thought I Was A Spaceman’’ encontramos muchos cambios de ritmo. Por ejemplo, esta pieza comienza muy tranquila y algo relajante, después, Dave hace su aparición con su batería, para luego el señor Coxon hacer una entrada con su guitarra. Este es el track de más larga duración comparada con otras canciones del disco. ‘’I Broadcast’’, con una duración de 2:51, demuestra ser una canción con mucha energía, además de que es bastante pegajosa. Y claro, lo que la hace más atractiva es esa gran forma de tocar la guitarra por parte de Graham Coxon, nombrado uno de los mejores guitarristas de su generación.

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Después tenemos ‘’My Terracota Heart’’, una melodía algo melancólica, que demuestra esos tiempos de un Damon serio, melancólico y algo introspectivo, como en Everyday Robots (su trabajo en solitario). Además de eso está canción habla sobre aquella amistad entre Damon y Graham, una amistad tan fuerte, casi como una hermandad. Esta canción es realmente muy bella. Una de las favoritas de los fans que gustan de este tipo de canciones. Como siguiente tenemos ‘’There Are Too Many Of Us’’, esta canción demuestra tanto trabajo y esfuerzo, jamás nos imaginamos que Blur pudiera traer algo de esta magnitud. Esta, personalmente, la recomiendo mucho, sin duda, otra de las favoritas de los fans. Además de que fue el segundo track en darse a conocer. Con un vídeo sencillo, muy a la Blur, con esa forma tan bella y original del señor Albarn para cantar, esta es, la mejor de todas. ‘’Ghost Ship’’ la hemos escuchado varias veces en vivo, y a la mayoría del público le ha parecido fantástica. Es una melodía bastante relajante, se puede imaginar tantos lugares bellos, vale la pena escucharla. Luego, tenemos ‘’Pyongyang’’, un track muy a los últimos estilos de 13 (sexto álbum antes de Think Tank). La favorita de Dave. ‘’Ong Ong’’ es algo muy cercano a Blur, más bien la más parecida al viejo y genial Blur de los 90’s. Este

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track es parecido a Modern Life Is Rubish (otro álbum de la banda, muy bueno y jamás olvidado). Es divertida y algo sencilla, pero muy buena. Y por último ‘’Mirrorball’’, el track que finaliza este álbum. Esta canción es parecida al trabajo solista de Graham, como la mayor parte del disco suena más a Coxon, pero eso no lo hace menos bueno que otros álbumes. The Magic Whip, como octavo álbum, ha tenido un reconocimiento musical enorme. A pesar de que lleva poco tiempo de ser lanzado, la banda ha dejado claro que se han vuelto más maduros en su forma de hacer música. Aquellos tiempos en los que un Blur despreocupado podía lograr muchas cosas verdaderamente buenas, pero el de ahora suena tan diferente, aunque eso no lo hace menos bueno. The Magic Whip es un álbum que hay que escuchar una y otra y otra vez para darse cuenta de los sentimientos de cada melodía, disfrutar al máximo cada sonido, cada forma de hacerse, es, única. Los invito a que lo escuchen y se den cuenta del cambio drástico que han hecho estos músicos a lo largo de su carrera musical. Gracias al querido e ingenioso Damon, al divertido y controversial Alex, el serio y maduro Dave y el profundo y sentimentalista Graham. Esperamos mucho trabajo para el futuro.


No todo es cine

La afección de la música por ILSE AGUILAR Es un suceso que al escuchar música

En la Grecia Antigua el estudio de la

nos agrade la sensación que provoca

música alentó dos mil años de

en nosotros por alguna cosa en

exploración en su relación con las

particular, sea el ritmo, la letra, la

matemáticas

armonía,

inclusive

astronomía, como lo dice Diógenes

llevarnos a algún recuerdo en la

Laercio al narrar sobre Pitágoras. En

memoria, despertar algún sentimiento

Platón,

o propiciarnos algún estado mental.

apreciar que en La República le

La música tiene la cualidad de activar

dedica un espacio considerable a la

la vida mental así como también la de

influencia de la música sobre la

comunicar emociones más profunda y

formación

eficazmente.

ciudadanos y la armonía de la Polis.

etc.

Puede

por

y

también

ejemplo,

del

con

se

carácter

la

puede

de

los

En efecto, se puede discutir acerca de una relación directa con la actividad psicológica de una persona porque estimula la memoria, afecta

La música nos llama de una manera tan arrebatadora porque ella misma es

y

revela

nuestra

propia

naturaleza, ella misma es nosotros

la imaginación y, en el más amplio

ya que no hay un medio alterno o

sentido, nos evoca pensamientos.

representativo más que uno mismo cuando escuchamos una pieza.

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Para Platón y los presocráticos era

psicología y por lo tanto a la política y

de gran importancia tener la música

moral

presente

en

básicas. Figura como una excelente

enseñanza

y

conocimiento

cuestiones

de

a

su

educación

en

el

herramienta

metafísico

y

el

educación,

epistemológico

por

vez,

para

en

cuestiones

propósitos

como

lo

de

era

la

sus

transmisión de los cantos homéricos

características positivas, entre ellas,

de generación en generación sobre

la de moderar el temperamento. La

los dioses del Olimpo y el terrible

música junto con las demás artes es

destino del que eran víctimas. La

indispensable para generar hombres

filosofía

libres,

mencionar,

ciudadanos

de

la

polis

de

la era

música, una

cabe

importante

ateniense; el cuidado del alma, la

preocupación para la mayoría de los

mesura y la armonía que debe de

grandes

haber en el carácter para ser un

"moderna" que se extiende desde la

hombre virtuoso está a cargo, en

revolución científica hasta principios

buena parte, de las bellas artes.

del siglo XX. No es exagerado decir

Sin embargo hay que remarcar que no toda la música es aceptable para

filósofos

de

la

época

que la música fue tema central en los debates estéticos en el siglo XIX.

la educación del ateniense: Platón

¿Cómo es posible que algo tan

prohíbe

que

intangible como invisible nos afecte

despierta un exceso de emoción en

de tan profunda e inmediatamente?

la audiencia ya que demasiada

¿Qué relación hay entre la música y

excitación desata en los mesurados

nuestra

atenienses lo más íntimo y horroroso

entenderla como tal? ¿Por qué ésta

de su propia naturaleza.

comunica mejor que el lenguaje? En

aquella

música

La música en Platón y en general en toda Grecia, podemos decir, ocupa una

posición

forjamiento

del

importante carácter

en de

el los

subjetividad

para

poder

la obra de Friedrich Nietzsche, El origen

de

la tragedia, se trata

precisamente el tema del fenómeno musical.

helenos, ella, por sus nexos a la

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Como es bien sabido el término

bárbaros celebraban, pero desde lo

“dionisiaco”

más

es

introducido

por

de

lo

helénico

Nietzsche en la obra mencionada,

comenzaron a sentirse esos instintos

para desarrollar una teoría estética

y ese fue -escribe Nietzsche- “el

desde

las

momento más importante del culto

particularidades de la tragedia ática y

griego”: la reconciliación de Apolo y

que se sostiene en base a la relación

Dionisio, o bien, el nacimiento de la

entre dos principios o “instintos”: lo

tragedia.

la

apolíneo

y

potencias

que

lo

interpreta

dionisiaco.

son

Estas

antagónicas,

representantes cada una de un aspecto estético opuesto al otro pero que

al

mismo

tiempo

se

complementan, y al converger en lo que sería una obra de arte, dan a luz a la tragedia ática.

La música

tiene su manifiesto

principal en la excitación y el olvido de sí en las fiestas dionisiacas, recordando que en el instinto griego existen

dos

figuras

estéticas,

también cada una tiene su música: la música

apolínea

dionisiaca,

y

la

música

respectivamente.

música

arte escultor y

por otro lado, el

Nietzsche: “la música como tal”, es la

dionisiaco es el arte no

intensificadora máxima de todas las

representativo: la música. El dios

capacidades simbólicas del humano,

Apolo es el dios de todas las fuerzas

en donde tiene lugar la aniquilación

figurativas, es el representante de la

del velo de Maya y la unificación con

apariencia bella, de la luz, de todo lo

la naturaleza por medio del olvido.

que tiene límite. Dionisio, por otro lado, es el dios representante de la desmesura,

del

éxtasis

y

del

descontrol, del ímpetu subyacente en todas las cosas vivientes. En el mundo helénico Apolo protegía a los griegos de los instintos dionisiacos atroces que sólo los despreciables

dionisiaca

como

La

El instinto o principio apolíneo es el

instinto

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profundo

dice


musicales en las cuales la expresión de la solemnidad de las pasiones del hombre y los aspectos grandiosos de la

naturaleza

sensación de

conllevan

a

la

la subyugación del

ánimo y arrebato que envuelve la Esa música es la vida, es decir, la

experiencia de su música. Baudelaire

máxima representación de la vida

concluye la carta dirigiendo unas

misma. Aquí es donde se ve la

palabras de agradecimiento profundo

influencia de Schopenhauer, quien

a Wagner, primero por el acto de leer

consideraba

su

la música como

la

carta

y

también

por

sus

expresión de la voluntad misma y no

creaciones musicales: “Usted me ha

algo que la representase, como

restituido a mí mismo y a la grandeza

ocurre con otras artes. De hecho

y, además, en momentos bajos".

Schopenhauer jerarquizó las bellas artes

de

acuerdo

al

grado

de

manifestación de la voluntad, siendo la música la más suprema.

La

manera

en

que

Baudelaire

describe el carácter

majestuoso y

arrebatador

la

wagneriana,

de

sensaciones

música que

le

En una carta dirigida a Wagner

llevan a percibir “una vida más

Baudelaire confiesa ser un gran

amplia que la nuestra”, el modo en

admirador de su música, y cuenta

que ésta música respira tanto ímpetu

que en su país, Francia, no le habían

y orgullo por la vida, la pasión y

hecho mucha justicia las críticas y

exceso del espíritu, bien puede

artículos que escribieron sobre él y

recordarnos a lo que Nietzsche

en consecuencia querría distinguirse

expresa con la noción de música

“de todos esos imbéciles”. Lo que

dionisiaca,

enseguida

escribe

una

concepciones hacen de la música la

descripción

detallada

la

expresión por antonomasia de la

experiencia a la que conduce la

vida, que lleva al arrebato de las

música wagneriana. Reflexionando

emociones y colman el espíritu de

sobre la fastuosidad de las piezas

una voluptuosidad realmente intensa.

es de

pues

ambas

66


Cinéfagos - Número 15  

Mayo-Junio 2015

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