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[Animación]

ANDREA ELENA SÁNCHEZ HINOJOSA

ANIMADORES

Historia y método | AESH


La historia de la animación y Flipbooks

Todas las cosas tienen un origen específico, y la animación comienza con lo más básico que es el diseño de imágenes fijas a las que se les da movimiento, como si transmitieran un ejemplo para darle vida a estos “objetos” inanimados.

Animación Las formas más tempranas de la animación se descubrieron, en más de cinco mil años atrás. Excepto durante este tiempo, la animación no era tan fuerte y que representa ya que reconocemos que es hoy en día. Por el contrario, se ha elaborado imágenes de animales y humanos por igual, que poseía numerosos conjuntos de piernas y brazos en el que fue un intento de producir ellas surgen para estar en contacto con estos. Durante este tiempo, no había formas precisas de equipos que en realidad, podría tomar lo que el artista había dibujado y situarla en "el movimiento. Así, el artista tuvo que quedarse con lo que dibujó. Sorprendentemente, Leonardo da Vinci tenía una parte que desempeñar en el fondo de la animación. Fue el responsable de la creación de dibujos de la mitad superior de aquel. El cuerpo humano que se muestra cómo se ve cuando se mueve y gira en ángulos fiables. 2


Con este método fue surgiendo una idea sobre que el arte podía crear tanto movimiento estético, para dar realismo a un personaje ficticio, así que con esto nace la representación que conocemos como flipbook.

El Flipbook Un flipbook es un pequeño libro que contiene varios dibujos, que varían gradualmente de una página a la siguiente, para que, cuando las páginas se pasen rápidamente, las imágenes parezcan animarse simulando un movimiento u otro. Desde Eadweard Muybridge y Thomas Alva Edison ya existían ciertos experimentos con el flip-book. Cracker Jack los hizo famosos a principios de 1900. En 1920 se enseñaban pasos de baile con éste medio. La aparición del flipbook dio pie a que en cierto tipo de animación como son caricaturas, y algunas películas animadas, fueran elaboradas, ya que por este medio se hacían muchos bocetos acerca del tema en cuestión, y varias cosas en este ámbito fueran inovando y mejorándose hasta llegar a la digitalización en sí, ahora lo vemos en muchas producciones artísticas y publicitarias.

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Persistencia Retiniana

Fenómeno visual descubierto por el científico belga Joseph Plateau, que demuestra como una imagen permanece en la retina humana, una décima de segundo antes de desaparecer completamente. Esto permite que veamos la realidad como una secuencia de imágenes ininterrumpida, y que podamos calcular fácilmente la velocidad y dirección de un objeto que se desplaza; si no existiese, veríamos pasar la realidad como una rápida sucesión de imágenes independientes y estáticas. Plateau descubrió que nuestro ojo ve con una cadencia de 10 imágenes por segundo, que nosotros no vemos como independientes gracias a la persistencia visual. En virtud de dicho fenómeno las imágenes se superponen en la retina y el cerebro las "enlaza" como una sola imagen visual móvil y continua. El cine aprovecha este efecto y provoca ese "enlace" proyectando más de diez imágenes por segundo (generalmente a 24), lo que genera en nuestro cerebro la ilusión de movimiento. 4


Y es por eso que nuestro ojo es víctima de una ilusión óptica, que concluye en una sola imagen en movimiento, como si tuviera vida.

Aparatos de inicios de animación Estroboscopio

El estroboscopio es un dispositivo que emite destellos luminosos a una frecuencia predeterminada. De esta forma se puede ver un objeto que gira a gran velocidad como si estuviera inmóvil o girando muy lentamente. Simon

von

Stampfer,

matemático

austriaco,

inventó

el

estroboscopio

en

1829.

El aparato tiene una lámpara similar a las empleadas en los flashes de fotografía, que, en lugar de un destello, emite varios consecutivos con una frecuencia regulable. Si se sincroniza la frecuencia del estroboscopio con la del objeto que gira, éste parece inmóvil, ya que se ilumina siempre en la misma posición. 5


Si la frecuencia del giro y del estroboscopio no coinciden, pero se aproximana, el objeto parece moverse lentamente hacia adelante o hacia atrás. El estroboscopio se utiliza para regular la velocidad de giro de diversas máquinas, como los antiguos tocadiscos de discos de vinilo.

Praxinoscopio

El praxinoscopio, inventado en el año 1877 por el francés Charles Émile Reynaud, es un juguete óptico que también aplica el principio de la persistencia retiniana. Para lograr el efecto, Reynaud modificó el diseño del Zootropo de manera que ya no había que ver las figuras a través de orificios en las paredes de un tambor, sino que colocó espejos en el centro y las figuras en la cara interna de este y al girarlo las figuras reflejadas cambian y generan la ilusión de movimiento, con esto logró una imagen más nítida y una mejor transición entre cuadros. Para verlo más claramente les muestro los siguientes videos.

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Eadweard Muybridge

Eadweard Muybridge fue un investigador y fotógrafo inglés que nació en abril de 1830. Su verdadero nombre es Edward James Muggeridge. Es mundialmente famoso y reconocido por sus trabajos en el estudio del movimiento humano y animal. Antes de eso trabajó como editor y como librero. Sus primeras imágenes fueron tomadas entre 1861 y 1866. En estudios realizados más tarde utilizó una serie de cámaras de gran formato que funcionaban con placas de vidrio colocadas en línea. Éstas se activaban a través de un hilo que el caballo iba tocando a su paso. El invento se fue perfeccionando con el paso del tiempo y se le incorporó un dispositivo de relojería. Para ver las imágenes se necesitaba un aparato llamado zoopraxiscopio, que fue uno de los artefactos que dio lugar al cine. Los años 80 fueron una época muy fructífera para el fotógrafo inglés. Realizó más de 100.000 imágenes y publicó más de 20.000 en una colección titulada "El movimiento Animal".

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Los últimos trabajos de Muybridge estuvieron muy influenciados por los de Jules Marey quien también estudiaba el movimiento.

Émile Reynaud

Émile Reynaud se inicia en el conocimiento de la mecánica de precisión en el taller de su padre, que

era relojero, y aprende a dibujar y a pintar con su madre, que era acuarelista. Desde 1832 se venían creando toda una serie de juguetes ópticos destinados a ofrecer la ilusión del movimiento mediante secuencias de imágenes que pasaban ante tipos distintos de obturador. Reynaud se aplicó a conseguir un medio que evitara la obstrucción del noventa por cien de la luz que produce la obturación. Lo consiguió sustituyéndolo por un tambor poligonal giratorio de espejos pintados con imágenes que, iluminadas en todo momento, eran vistas a través de una ventanita. En diciembre de 1877 patentó este sistema con el nombre de praxinoscopio. El ingenio tuvo un gran éxito comercial como juguete y obtuvo una mención especial en la Exposición Universal de París de 1878. En 1879 tenía lista una evolución del invento, que bautizó como «Praxinoscopio-Teatro». En él, las imágenes en movimiento se contemplaban reflejadas en una especie de proscenio teatral en miniatura y se superponían sobre decorados proyectados con el método de linterna mágica, que constituían un 8


fondo sobre el cual se movían las figuras. Se trata de un precursor del sistema de doble exposición o sobreimpresión, técnica que sería importante en el posterior desarrollo de la cinematografía. Pero el principal inconveniente era que el movimiento animado sobre un tambor debía ser necesariamente cíclico. Por tanto Reynaud concibió la idea de dibujar sus imágenes, no sobre espejos rígidos, sino sobre una cinta transparente y flexible que le permitiera pasarla de una bobina a otra. En 1892 patenta el Teatro óptico, que, además, permitía, mediante un sistema de lentes, su proyección para un público en una pantalla translúcida, utilizando otro proyector de imágenes fijas para los escenarios. El 28 de octubre de 1892 inicia, en el museo Grévin de París, la proyección de sus «Pantomimas Luminosas» (como anunciaba el cartel publicitario) en un programa que incluía tres películas: Pauvre pierrot, Clown et ses chiens y Un bon bock (1888). De este modo se convirtió en el creador de los dibujos animados.

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Émile Cohl

Es considerado como el padre de los dibujos animados. animados Cohl, seudónimo artístico que tomó Eugène Jean Louis Courtet, nacido en 1857, cuando decidió dedicarse al dibujo y la caricatura tras pasar a ser aprendiz del gran dibujante André Gill, abandonando de paso el taller de joyería en el que trabajaba, siempre estaba experimentando con nuevas técnicas. A lo largo de su carrera estrenó muchas películas de dibujos animados, con gran éxito, pero sin duda una de ellas es recordada especialmente. Fantasmagorie, la primera película de dibujos animados de la historia, estrenada el 17 de agosto de 1908 en París, fue todo un acontecimiento. No llega a los dos minutos de duración y, sin embargo, quienes asistieron por primera vez a su proyección, quedaron impresionados al ver los dibujos de Cohl moverse libremente en el espacio. Son 36 metros de película que cambiaron la historia y alumbraron el camino para muchos otros dibujantes que, a partir de entonces, soñaron con realizar grandes películas de dibujos animados.

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Stuart Blackton

James Stuart Blackton (1875-1941) es considerado unos de los padres de la animación. En realidad, Blackton se inició como caricaturista colaborando en espectáculos de vodevil. Más tarde consiguió un empleo como periodista y de este modo conoció a Thomas Edison, que le introdujo en los artilugios en torno a la ilusión de la imagen en movimiento. Blackton combinó estas novedosas técnicas, su talento y su experiencia en el teatro y, tras varios experimentos, dirigió “Humorous Phases of Funny Faces” en 1906. En este corto sin argumento se combinan el dibujo sucesivo de tiza sobre pizarra y el stop-motion de formas recortadas. Aunque este modo de animación resulta muy primitivo, sin duda tiene un encanto especial.

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Georges Melies

París, 1861 - id., 1938) Director y productor de cine francés. En 1895, fecha en que era director del Teatro Robert-Houdin e ilusionista profesional, asistió al estreno de las primeras películas de los hermanos Lumière, inventores del cinematógrafo. Convencido de las posibilidades de futuro del invento, adquirió una cámara cinematográfica, construyó unos estudios en los alrededores de París y se volcó en la producción y dirección de películas. Entre 1899 y 1912 realizó cerca de cuatrocientos filmes, en su mayoría comedias de tono burlesco y desenfadado, entre las que destacan Cleopatra (1899), Cristo andando sobre las aguas (1899), El hombre de la cabeza de goma (1901), la célebre Viaje a la Luna (1902), El viaje a través de lo imposible (1904) y Hamlet (1908). También grabó reconstrucciones de eventos o noticias reales y mensajes publicitarios. Inventor de numerosos trucos y técnicas cinematográficas, se retiró en 1913, ante la imposibilidad de competir comercialmente con las grandes productoras que habían nacido pocos años antes. A su muerte, acontecida en 1938, se encontraba en la más absoluta miseria.

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Richard Williams

19 de marzo de 1933 en Toronto, Ontario) es un animador, director y productor canadiense. Es conocido por haber trabajado como director de animación en la película ¿Quién engañó a Roger Rabbit? y El ladrón de Bagdad, la cual no fue terminada. Además animó algunos créditos de películas; sus trabajos más importantes son los créditos de What's New, Pussycat? (1965), The Charge of the Light Brigade (1968). También animó al personaje La pantera rosa para los créditos de dos de sus películas. Comenzó su trabajo como animador en Walt Disney Productions y luego en United Productions of America durante los años 40, donde aprendió de varios animadores como Chuck Jones, Ken Harris, Milt Kahl y Art Babbitt. Emigró a España y luego a Inglaterra en 1955. En 1958 produjo el trabajo que fomentó su carrera, The Little Island, el cual fue nominada a un BAFTA. Tras trabajar durante los años 60, dirigió el ganador del premio Oscar A Christmas Carol (1971), la película Raggedy Ann & Andy: A Musical Adventure (1977) y el ganador del Emmy Ziggy's Gift (1982). Además trabajó como director de animación en ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988) donde ganó dos premios Oscar por su trabajo. Escribió el libro, "The Animator's Survival Kit", publicado en 2000.

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WINSOR McCAY

Nacido en 1867 (aunque hay quienes afirman que en 1871), Winsor McCay fue uno de los historietistas más importantes de la historia, así como un pionero en la animación y en la comercialización de su obra a través de otros medios. Trabajó tanto la viñeta satírica (political cartoon, desde 1903) como la historieta cómica, especializándose en el slapstick o comedia alocada, de lo que ya daba lecciones en su obra temprana A Tale of the Jungle Imps by Felix Fiddle (1903), destinada a las páginas del diario Cincinnati Enquirer. Entre 1903 y 1911, trasladado a Nueva York, creó un buen montón de personajes y series, las tituladas: Dull Care, Poor Jake, The Man from Montclair, The Faithful Employee, Mr. Bosh, A Pilgrim’s Progress, Midsummer Daydreams y It’s Nice to be Married, para las páginas del entonces importante rotativo New York Herald, obras que supervisó el editor James Gordon Bennett.

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Quirino Cristiani

Fue un caricaturista y director de animación italiano radicado en Argentina responsable de los dos primeros largometrajes de animación y del primer largometraje de animación sonoro del mundo. En 1916, a los 19 años de edad, fue contratado por el italiano Federico Valle (que poseía un estudio cinematográfico en Buenos Aires) para dibujar caricaturas e incluirlas en sus películas informativas de cortometraje. Ante la indicación por parte de Valle que no admitiría imágenes fijas en sus filmaciones, Cristiani debió idear una manera de darle movimiento a sus dibujos. Con estas influencias fue que desarrolló las técnicas de la animación, que le permitieron realizar en 1917 el primer largometraje de dibujos animados de la historia, El apóstol. El largometraje fue producido por el propio Valle y financiado por el dueño de la cadena de cines (de apellido Franchini), donde se proyectaría la película. Para el film se utilizaron 58 mil dibujos2 en 35 mm (a razón de 14 cuadros por segundo), además de varias maquetas que representaban edificios públicos como el Congreso de la Nación Argentina, la Aduana de Buenos Aires y el edificio de Obras Sanitarias de la Nación, además de anegar las calles de la ciudad. 15


En 1918 realizó el segundo largometraje, Sin dejar rastros, que hacía referencia a un episodio ocurrido durante la Primera Guerra Mundial, que todavía continuaba, referido al hundimiento de la goleta Monte Protegido por parte de un submarino alemán que había provocado en el país manifestaciones de quienes propugnaban el abandono de la neutralidad y el apoyo a los Aliados, y que finalizó con las excusas del Imperio Alemán. El filme duró un solo día en cartelera, no tuvo una buena aceptación por la opinión pública, la prensa no mencionó su existencia y fue confiscado por el Ministerio de Relaciones Exteriores que no quería una confrontación contra Alemania.

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Tony Sargs

Anthony Frederick Sarg ( 21 abril 1880 a 17 febrero 1942 ) , conocida profesionalmente como Tony Sarg , era un alemán titiritero e ilustrador americano . Fue descrito como " Puppet Master de Estados Unidos", y en su biografía como el padre de la marioneta moderna en América del Norte. Se había criado en torno títeres , heredado la colección de su abuela de ellos , ellos se desarrolló como un pasatiempo que mejora la impresión que causó en otros artistas , y, finalmente, en 1917 los convirtió en una profesión. En 1920 , se convirtió en ciudadano naturalizado de los Estados Unidos. En 1921 Sarg animada de la película The First Circus, un dibujo de la invención para el productor Herbert M. Dawley , que fue acreditado como co - animador . En 1928 , diseñó , y su protegido Bil Baird construyó globos llenos de helio atados hasta 125 pies ( 40 m ) de largo , parecido a los animales , para la institución de Nueva York de la tienda por departamentos de Macy , que implica una serie de problemas familiares de los títeres , los cuales 17


participaron en el desfile del Día de Acción de Gracias de la tienda. En 1935 , emprendió la obra de títeres relacionados con el diseño de la pantalla de la ventana de animación elaborada de Macy entre Acción de Gracias y Navidad. El pináculo de la visibilidad de Sarg fue en la Feria Mundial de Chicago de 1933 , donde su audiencia acumulada fue de 3.000.000 ; Baird estaba muy involucrado en esta producción , al igual que Rufus y Margo Rose . Sarg no innovó tanto como estudios de títeres en competencia, y sus fortunas económicas se redujo como otros han ganado muchos seguidores , sino que a la vez se fue a la quiebra , y la montó en su última producción , en 1939.

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Lotte Reiniger

En 1923, se le presentó una oportunidad única. El banquero judío Louis Hagen, admirador de su obra, le ofreció financiarle un largometraje, que realizaría en un estudio construido encima de su garaje, cerca de su casa de Potsdam. El resultado fue Die Abenteuer des Prinzen Achmed ("Las aventuras del príncipe Achmed"), terminado en 1926, el más antiguo largometraje de animación que se conserva,2 con una trama que es un pastiche de varias historias relacionadas con Las mil y una noches. La película tuvo éxito tanto de crítica como de público, Reiniger se anticipó en una década tanto a Walt Disney como a Ub Iwerks en utilizar la cámara multi-plano para ciertos efectos. Además de contar con las siluetas de Reiniger como actores del film, la obra se beneficiaba de los oníricos decorados de Walter Ruttmann, que había colaborado con Reiniger en la secuencia antes citada de Die Nibelungen, y de la música de Wolfgang Zeller. Algunos efectos adicionales corrieron a cargo de Carl Koch y Berthold Bartosch. El éxito de Prinzen Achmed dio a Reiniger la oportunidad de realizar el mediometraje Doktor Dolittle und seine Tiere ("El doctor Dolittle y sus animales", 1928) basada en la primera de las novelas de la serie dedicada al personaje por el autor inglés de literatura infantil Hugh Lofting. La música fue compuesta en esta ocasión por Kurt Weill, Paul Hindemith y Paul Dessau. En 1949, Reiniger y Koch pudieron por fin trasladarse a Londres. Tras realizar algunos proyectos para la Oficina General de Correos, crearon la empresa Primrose Productions. Carl Koch murió en 1962, pero Lotte Reiniger siguió trabajando. Durante esta época, realizó veinte películas de siluetas, la mayoría de ellas para la BBC, y casi todas basadas en cuentos de hadas clásicos. En 1976 se desplazó a Canadá, donde realizó la película Aucassin et Nicolette para el National Film Board. 19


Max Fleischer

Max Fleischer (Cracovia, 19 de julio de 1883 – Los Ángeles, 11 de septiembre de 1972) fue uno de los pioneros en la creación de dibujos animados. Es el creador de Betty Boop y Koko el payaso, y quien llevara al cine a Popeye y al Superman animado. También se encargó de realizar unas cuantas innovaciones tecnológicas. Fleischer tuvo la idea de usar fotogramas de cine capturados de la realidad para usarlos como referencia al dibujar animación, y así patentó la rotoscopia en 1917. Usó esta técnica junto a su hermano Dave en su primer cartoon en 1915. En 1919 estableció los 'Fleischer Studios' para producir dibujos animados y cortometrajes. Inventó el rotógrafo para agregar dibujos animados en películas reales. En uno de sus films de Koko el payaso incorpora a un gatito real. Hizo los primeros dibujos animados con sonido de la historia en 1924 usando un proceso de sincronización de Lee De Forest. Aunque la compañía Disney se lo adjudica a su corto Steamboat Willie, que fue realizado años más tarde. Su hijo Richard Fleischer se dedicó al mundo de la dirección de cine.

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Walter Lantz

Nueva Rochelle, EE. UU., 27 de abril de 1899 – Burbank, EE. UU., 22 de marzo de 1994, fue un caricaturista y animador estadounidense, conocido por fundar Walter Lantz Productions y crear al Pájaro Loco. En 1928, Lantz es contratado por Charles B. Mintz para dirigir la serie animada Oswald the Lucky Rabbit de Universal. A principios de ese año, Mintz y su cuñado George Winkler habían arrebatado al personaje de su creador original, Walt Disney. El presidente de Universal, Carl Laemmle, no se sintió satisfecho por el producto de Mintz y Winkler, y los despide, Universal se dedicaría a hacer la serie por su cuenta. Mientras hablaba con Laemmle, Lantz apuesta que si le gana al productor en un juego de póker el personaje sería de él. Lantz gana y Oswald se convirtió en su personaje. Cuando Oswald perdió popularidad, Lantz decidió que necesitaba un nuevo personaje. Meany, Miny y Moe, Baby-Face Mouse y Snuffy Skunk eran algunos de los personajes creados por Lantz y sus empleados. Sin embargo, uno de sus personajes, Andy Panda, pudo sobresalir del resto y se convirtió en el protagonista de los dibujos animados de Lantz para la temporada 1939-1940. 21


En 1940 Lantz se casó con Grace Stafford. En su luna de miel, la pareja escuchaba un pájaro carpintero que golpeaba repetidamente el techo. Grace le sugirió a Walter utilizar el pájaro como inspiración para un nuevo personaje. Le hizo caso, pero dudoso sobre el resultado, Lantz hizo la primera aparición del Pájaro Loco en un episodio llamado “Knock Knock” protagonizado por Andy Panda. Mel Blanc hizo la voz del personaje durante los tres primeros episodios. Cuando Blanc aceptó un contrato de tiempo completo con Leon Schlesinger Productions/Warner Bros. y dejó el estudio de Lantz, el cómico Ben Hardaway, quien ayudó en la creación de Knock Knock, se dedicó a hacer la voz. Aun así, la voz de Blanc fue usada en otros dibujos animados del personaje. En 1950, Lantz hizo audiciones anónimas. Grace, esposa de Lantz, le ofreció hacer la voz del Pájaro Loco; sin embargo, Lantz no aceptó ya que era un personaje masculino. Sin rendirse, Grace secretamente hizo la audición y mandó su cinta anónima para que la oyeran. Sin saber que era la voz de su esposa, Lantz la eligió para hacer al personaje. Grace hizo la voz del Pájaro Loco hasta que Lantz dejó de crear dibujos animados de él. Al principio, Grace no quería aparecer en los créditos, ya que no quería que los niños supieran que la voz del Pájaro Loco era hecha por una mujer. Sin embargo, disfrutó ser conocida como la voz del personaje y su nombre apareció en pantalla.

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Walter Disney

Chicago, Illinois, 5 de diciembre de 1901 — Burbank, California, 15 de diciembre de 1966, fue un productor, director, guionista y animador estadounidense. Figura capital del cine de animación en los Estados Unidos y en todo el mundo, es considerado un icono internacional gracias a su influencia y sus importantes contribuciones a la industria del entretenimiento estadounidense durante gran parte del siglo XX. Fundó junto a su hermano Roy O. Disney la compañía Walt Disney Productions,1 que años después se convirtió en la más célebre productora del campo de la animación y en la actualidad es la mayor compañía de medios de comunicación y entretenimiento del mundo. Esta corporación, que se conoce hoy con el nombre de The Walt Disney Company, obtuvo solo en el año 2010 unos beneficios de 36.000 millones de dólares.2 En su faceta de animador y empresario, Disney adquirió renombre como productor de cine, como innovador en el campo de la animación y como diseñador de parques de atracciones. Junto a su equipo creó algunos de los personajes de animación más famosos, en especial Mickey Mouse, una caricatura de ratón a la que el propio Disney prestó su voz originalmente. Durante su extensa y exitosa carrera en el cine de animación fue galardonado con 22 premios Óscar de un total de 59 nominaciones y recibió cuatro premios de la Academia honoríficos, lo que lo convierte en la persona que más 23


premios de este tipo ha ganado en toda la historia.3 También ganó siete premios Emmy. Walt Disney murió el 15 de diciembre de 1966 a causa de un cáncer de pulmón.

Otto Messmer

Otto Messmer (16 de agosto de 1892 - 28 de octubre de 1983) fue un animador estadounidense, conocido por su trabajo en los dibujos animados y tiras cómicas de el gato Félix, producidos por el estudio de Pat Sullivan. El grado de participación de Messmer en la creación y popularidad de Félix es motivo de disputa, debido particularmente a que demandó su importancia luego de la muerte de Sullivan, quién había recibido hasta entonces el crédito. Messmer nació en West Hoboken, Nueva Jersey (ahora Union City). Asistió al colegio Holy Family Parochial. Se sintió atraído por el Vaudeville y la industria del entretenimiento, inculcados por sus padres y maestros a una temprana edad. Estudió en el Instituto de Arte Thomas en Nueva York entre 1911 y 1913, y participó en un programa de estudio y trabajo de la agencia Acme, donde hizo ilustraciones para catálogos de moda.

El gato Félix protagonizó cerca de 150 cortos hasta 1931, cuando los estudios de animación adoptaron el sonido. La popularidad de las tiras cómicas en periódicos comenzó a bajar a final de los años 1930, aunque el personaje volvió en los años 1940 en comic books. Messmer se unió a Douglas Leigh para crear varios anuncios que iluminaran el Times Square. Además produjo más tiras cómicas 24


de Félix en los años 1940 y 1950 para las compañías Dell Comics, Toby Press, y Harvey Comics. En los años 1960, Felix fue transmitido por televisión, y el asistente de Messmer, Joe Oriolo (creador de Casper) se aseguró que recibiera crédito por la creación del gato Félix. Messmer continuó trabajando en el personaje hasta su retiro en 1973. Messmer murió de un ataque al corazón el 28 de octubre de 1983. Hoy en día, su creación está presente en cerca de 250 periódicos a lo largo del mundo.

Pat Sullivan

Patrick Sullivan (1887 – 15 de febrero de 1933) fue un productor australiano, conocido por la producción de los primeros cortos mudos de el gato Félix. Es un tema de disputa quien creó al personaje, él o el animador Otto Messmer. Félix fue el personaje animado más popular hasta los años 1930, cuando los distribuidores de Sullivan cancelaron su contrato ya que se negó a trabajar en el cine sonoro. Sullivan lo pensó nuevamente y en 1933 anunció que el personaje regresaría con sonido, pero murió un año después del inicio de la producción. En 1917, Sullivan pasó 9 meses en prisión por ser encontrado culpable de la violación de una niña de 14 años de edad.1 2 Su esposa, Marjorie, murió en marzo de 1932.

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Berthold Bartosch

En 1930 Bartosch se trasladó a París y creó la película de 30 minutos titulado L'idee (la idea) a la que tiene más recordado por. La película es descrita como la primera poesía, trabajo serio y trágico en la animación. Caracteres y telones de fondo de la película fueron compuestas de varias capas de diferentes tipos de papel de semi-transparente para cartón grueso. Efectos especiales como halos, el humo y la niebla se hicieron con la extensión espuma en placas de vidrio y iluminado desde atrás. Bartosch basa la película en una novela sin palabras de grabados en madera por Frans Masereel, La Idea (1920). L'idee, cuando se lanzó en 1933, contó con una puntuación por el compositor Arthur Honegger, incluyendo un ondes Martenot, que se cree que es el primer uso de un instrumento musical electrónico de la historia del cine. Al año siguiente, la puntuación de Franz Waxman para Liliom (1934) utilizó un theremin. De 1935 a 1939, Bartosch trabajó en una película contra la guerra, San Francisco o pesadilla y los sueños. Cuando los nazis invadieron París, él depositó la película en la Cinemateca Francesa. La película fue destruida durante la ocupación nazi, y existen pocas imágenes fijas. En 1948, pasó un año trabajando para la UNESCO en París tutoría George Dunning, un animador 26


nacido en Londres, conocido por su participación en la película de animación de los Beatles, Yellow Submarine (1968).

William "Bill" "Bill" Nolan

Junio 10, 1894 - Diciembre 06, 1954 fue un escritor irlandés-estadounidense de dibujos animados, animador, director y artista. Él es mejor conocido por crear y perfeccionar el estilo de manguera de goma de la animación y de racionalizar Felix el Gato. De 1925 a 1927, trabajó en una adaptación animada suelta de George Herriman Krazy Kat de Margaret J. Winkler y 1929-34, trabajó como animador, storyman y director en el Walter Lantz Studio en el Oswald el conejo afortunado serie. Animación de mangueras de caucho fue el primer estilo de animación que se convirtió en estándar en la industria de la animación americana. La característica que define el estilo es "las extremidades de goma manguera" - brazos y piernas, a veces, que son por lo general, las curvas que fluyen simples, sin articulación (no hay muñecas articuladas o codos). La animación de Ruber hose se desvaneció poco a poco, cuando se introdujo aún más sofisticación de los dibujos animados, sobre todo por Walt Disney, que decidió que quería hacer sus dibujos más realistas y tienen que seguir la mayor parte de las mismas reglas que la acción en vivo, una dirección que más tarde sería nombre completo de animación. Él es citado haber dicho que en la 27


animación, que puede hacer todo lo que no se puede en la acción en vivo, lo que podría significar que, en cierta medida vio la animación como una posibilidad de que sea un sustituto potencial de acción en vivo donde poder hacer lo que era imposible en la acción en vivo, una vez que logró sus demandas de realismo. Este fue el sentido de que no permiten que los cuerpos fluidos ven en Ruber hose, y debido al éxito de Disney, esta tendencia se extendía al resto de los productores de dibujos animados en las demandas de sus distribuidores, la mayoría de ellos ubicados en Hollywood en este momento

Charles Martin "Chuck" Jones

Animador, caricaturista, guionista, productor y director estadounidense, siendo su trabajo más importante los cortometrajes de Looney Tunes y Merrie Melodies del estudio de animación de Warner Brothers. Entre los personajes que ayudó a crear en el estudio se encuentran El Coyote y el Correcaminos, Pepe Le Pew y Marvin el Marciano. Tras su salida de Warner Bros. en 1962, fundó el estudio de animación Sib Tower 12 Productions, con el que produjo cortometrajes para Metro-Goldwyn-Mayer, incluyendo una nueva serie de Tom y Jerry y el especial de televisión El Grinch: el Cuento Animado. Jones obtuvo un premio Óscar por su cortometraje The Dot and the Line (1965) y otro honorífico por su labor en la industria cinematográfica. 28


Jones se unió a Leon Schlesinger Productions en 1933, un estudio independiente que producía cortometrajes de Looney Tunes y Merrie Melodies para Warner Bros.. Durante los años 1930, trabajó junto a los directores Tex Avery y Bob Clampett, convirtiéndose en director (o "supervisor", nombre que recibían en el estudio) en 1938, cuando Frank Tashlin dejó el estudio.11 Fue Henry Binder, asistente de Schlesinger, quien le dio la oportunidad de ocupar dicho cargo.12 El primer dibujo animado dirigido por Jones fue The Night Watchman (1938), donde aparecía un gato antropomórfico llamado Sniffles.13 Al año siguiente dirigió Prest-O Change-O, un cortometraje donde aparece un conejo blanco anónimo, considerado como uno de los prototipos de Bugs Bunny.14 Muchos de sus primeros trabajos fueron criticados por seguir una línea similar a los de Walt Disney, anteponiendo la ternura al humor. Entre los años 1940 y 50 creó numerosos personajes, incluyendo al gato Claude, Marc Antony y Pussyfoot, Charlie Dog, Marvin el Marciano y Michigan J. Frog. Sus creaciones más populares, Pepé Le Pew y El Coyote y el Correcaminos, ideados junto al guionista Michael Maltese, aparecieron por primera vez en los cortometrajes Odor-Able Kitty (1945) y Fast and Furry-ous (1948) respectivamente.23 En 1950, su cortometraje For Scent-imental Reasons, protagonizado por Pepé Le Pew, recibió el Óscar al mejor cortometraje animado. Ese mismo año, su cinta So Much for So Little obtuvo el Óscar al mejor documental corto, empatando con A Chance to Live. A pesar de haber dirigido ambos cortometrajes, fue el productor Edward Selzer quien aceptó los premios.

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Friz Freleng

Isadore "Friz" Freleng (21 de agosto de 19061 –26 de mayo de 1995) fue un animador, caricaturista, director y productor estadounidense conocido por su trabajo en las series animadas de Warner Bros. como Looney Tunes y Merrie Melodies. Introdujo varias de las estrellas más importantes del estudio, como Porky Pig, Piolín, El gato Silvestre, Sam Bigotes y Speedy Gonzales. Fue el director del estudio Termite Terrace de Warner, incluso se convirtió en el más premiado de los directores, ganando cuatro premios Oscar. Luego que Warner cerrara su estudio de animación en 1963, Freleng y su compañero David DePatie fundaron DePatie-Freleng Enterprises, que producía dibujos animados, créditos de películas, y series animadas en los años 1980. Luego que el estudio Warner cerrara en 1964, Freleng rentó el lugar para crear dibujos animados con el productor David DePatie. DePatie-Freleng Enterprises estuvo encargado de crear la secuencia al comienzo de la película La pantera rosa, Freleng hizo un felino de personalidad relajada para esta secuencia. El personaje se volvió tan popular que Freleng lo trajo de vuelta en 1964 con un cortometraje para United Artists, el cual ganó un premio Oscar. Jack Warner estaba molesto ya que su edificio era usado para crear cortometrajes para sus antiguos competidores, así que DePatie y Freleng se mudaron al Valle de San Fernando. Freleng hizo una serie de la Pantera Rosa, y en 1969 el personaje fue transmitido por televisión. 30


Cuando Warner Bros. decidió abrir nuevamente su estudio de animación en 1964, lo hicieron solo en nombre; DePatie y Freleng produjeron los dibujos animados hasta 1967. Estos cortos carecían del antiguo espíritu, sin embargo, y con la excepción de la Pantera Rosa, los trabajos posteriores de Freleng no igualaron a los clásicos.

Oskar Fischinger

22 de junio de 1900 - † 31 de enero de 1967 fue un pintor, animador y realizador de cine alemán. Sus obras se caracterizan por ser abstractas, donde combina la geometría con la música. En la Alemania de Hitler se lo consideró a su arte degenerado, y así se exilió a Estados Unidos, llegando a Hollywood en febrero de 1936. Todo intento de Fischinger de filmar en Estados Unidos fue dificultoso. Compuso un Poema óptico para "La segunda rapsodia húngara" de Liszt (de MGM) pero no recibió beneficio alguno. Realizó una escena para la película de Disney Fantasía, pero fue eliminada del montaje final. Frustradas sus intenciones como animador (a pesar de que hizo más de 50 cortos) Fischinger se volvió cada vez más un pintor al óleo. A fines de 1940 Fischinger inventó el Lumigraph (patentado en 1955), que algunos han llamado erróneamente un tipo de órgano de color. Al igual que otros inventores de órganos de color, Fischinger esperaba hacer el Lumigraph un producto comercial, ampliamente disponible para cualquier persona, pero esto no sucedió. El instrumento produjo las imágenes presionando contra una pantalla de goma por lo que podría sobresalir en un haz estrecho de luz coloreada. Como instrumento visual, el tamaño de su pantalla se vio limitada por el alcance del intérprete. Dos personas fueron obligadas a operar el Lumigraph: una para manipular la pantalla para crear imágenes, y un segundo para cambiar los colores de las luces en el momento justo. El dispositivo en sí estaba en silencio, pero se realizó acompañando diversos conciertos. Fischinger dio varios conciertos en Los Angeles y uno en San Francisco a principios de 1950, la realización de diversas piezas de música 31


clásica y popular, y muchos quedaron impresionados por las imágenes espectaculares de la máquina. En 1964 se utilizó el Lumigraph en la película de ciencia ficción The Time Travelers, en la que se convirtió en un 'lumichord', aunque esto no era la intención de Fischinger, pero la decisión de los productores de la película. Hijo Conrado de Fischinger incluso construyó dos máquinas más en diferentes tamaños. Después de su muerte, su viuda y su hija Elfriede Barbara dieron actuaciones con el Lumigraph, junto con William Moritz, en Europa y los EE.UU.. Hoy en día uno de los instrumentos está en la colección del Deutsches Filmmuseum de Frankfurt, y los otros dos se encuentran en California. En febrero de 2007 Barbara Fischinger realiza en el Lumigraph original en Frankfurt. Documentación de Cine y Video de actuaciones Lumigraph de Elfriede están en el Centro de Música Visual en Los Angeles.

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Bob Clampett

Estuvo bajo el mando de Tex Avery ese mismo año, y los dos crearon un estilo de animación diferente, que destacaría a Warner Bros. de sus competidores. Trabajando en un edificio de madera aparte del resto de los animadores, Avery y Clampett descubrieron que no eran los únicos en el edificio. Compartían además el lugar junto a un gran número de termitas. Nombraron al edificio Termite Terrace, nombre utilizado por fanáticos e historiadores para referirse al estudio. Se unieron animadores como Chuck Jones, Virgil Ross y Sid Sutherland, y trabajaron prácticamente sin interferencias durante ese año en su nuevo estilo de humor. Clampett pidió a Leon Schlesinger una oportunidad para trabajar como director, Schlesinger le asignó una secuencia para la película de Joe E. Brown What's Your Birthday? (1937), animando los signos del zodiaco. Esto permitió que Clampett y Chuck Jones dirigieran en conjunto para Ub Iwerks, haciendo varios cortometrajes de Porky. En estos cortos apareció por primera vez Gabby Goat, compañero de Porky. A pesar de las contribuciones de Jones y Clampett, solo Iwerks fue acreditado como director. Clampett fue promovido a director en 1937, y entró en su propia era dorada. Sus dibujos animados se volvieron más violentos, irreverentes y surrealistas, sus personajes se convirtieron en los más alocados de los creados por directores de Warner. Clampett fue influenciado por el artista Salvador Dalí, esto es demostrado en el cortometraje Porky in Wackyland (1938), donde la historia toma lugar en un escenario basado en obras del pintor, con objetos derretidos y formas abstractas. 33


Durante los próximos nueve años, Clampett creó algunos de los dibujos animados más populares del estudio, como Porky in Wackyland (1938), Bugs Bunny Gets the Boid (1942), A Tale of Two Kitties (debut de Piolín), Coal Black and de Sebben Dwarfs (1943), Russian Rhapsody (1944), The Great Piggy Bank Robbery (1946) y The Big Snooze (1946), su último cortometraje para el estudio. La influencia de Clampett permitió que Warner se diferenciara de Disney y siguiera el camino que los ha distinguido desde entonces.

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James "Shamus" Culhane

(1908 - 1996) fue un animador, director y productor de cine estadounidense. Trabajó para numerosos estudios de animación, incluyendo Fleischer Studios, el de Ub Iwerks, Walt Disney Productions y Walter Lantz Studio. Mientras estaba en Disney, fue uno de los principales animadores de Blancanieves y los siete enanitos, trabajando en una de las escenas más famosas de la película: la animación de los enanos marchando al ritmo de la canción "Heigh-Ho". Culhane completó la escena tras seis meses de trabajo junto a sus asistentes. Tiempo después, Culhane trabajó como director para Lantz, donde hizo el clásico de 1994 del Pájaro Loco, The Barber of Seville. A finales de los años 40, fundó Shamus Culhane Productions, una de las primeras compañías que creaban comerciales animados para televisión. Shamus Culhane Productions fue cerrada en los años 60, en este tiempo Culhane se transformó en la cabeza del sucesor de Fleischer Studios, Famous Studios. Dejó el estudio en 1967. Culhane escribió dos libros sobre animación: el texto de guía Animation from Script to Screen, y su autobiografía Talking Animals and Other People. Debido a que Culhane trabajó para un gran número de estudios de animación, su autobiografía entrega una amplia descripción sobre la industria de la animación estadounidense.

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Ubbe Ert Iwwerks

conocido como Ub Iwerks (Kansas City, Misuri, 24 de marzo de 1901 – Burbank, California, 7 de julio de 1971) fue un animador estadounidense, famoso por su trabajo con Walt Disney Animó los primeros dibujos animados de Mickey Mouse (se discute si la idea del personaje fue suya o de Disney, a quien se le atribuye oficialmente), y dirigió las primeras entregas de la serie "Silly Symphonies". Sin embargo, rompió con Disney en 1930, cuando el productor Pat Powers le ofreció financiarle unos estudios propios. El Iwerks Studio abrió sus puertas en 1930. El primer personaje creado por él fue la rana Flip ("Flip the Frog"), personaje muy semejante a Mickey Mouse (aunque, por supuesto, tratándose de una rana, carecía de orejas y hocico). Flip protagonizó 36 cortometrajes, pero no consiguió el éxito previsto por Iwerks y por su patrocinador. Uno de los cortometrajes, Fiddlesticks, utilizó por primera vez la técnica de Technicolor. En 1933, Iwerks dio a luz a un nuevo personaje, "Willie Whopper", un niño travieso cuya vida cinematográfica no pasó del año. El estudio realizó también la serie "ComiColor Cartoons", al estilo de las "Silly Symphonies" de Disney, en la que se utilizaba la nueva técnica de CineColor. En 1936, sin embargo, ante el fracaso del estudio, incapaz de competir 36


con Disney y con los hermanos Fleischer, Powers le privó de su respaldo económico y el estudio tuvo que cerrar. Entre 1936 y 1940, Iwerks trabajó para otros estudios de animación, como el Charles Mintz Screen Gems, de Charles A. Mintz, antiguo socio comercial de Disney. En 1937 dirigió para éste Merry Mannequins, que algunos consideran su mejor trabajo. En 1940, sin embargo, volvió a trabajar para Disney. Se dedicó a investigar nuevas técnicas de animación (participó en los efectos especiales usados en Canción del sur) e incluso en la tecnología de los parques de atracciones de Disney, durante los años 60. Por sus inventos obtuvo dos premios Oscar, en 1959 y 1964.

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William Denby Hanna

(14 de julio de 1910 - 22 de marzo de 2001) fue un dibujante, director, animador y productor de cine y televisión estadounidense. Tras desempeñarse en varios trabajos esporádicos durante la crisis económica, se integró al estudio de animación Harman-Ising en 1930. Su participación en dibujos animados como Captain and the Kids le permitió obtener una mayor experiencia y notabilidad en la industria. En 1937, mientras trabajaba en Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), conoció a Joseph Barbera. Ambos comenzaron a colaborar conjuntamente, de lo que resultaron producciones como Tom y Jerry o algunas películas en imagen real. En 1957 fundaron Hanna-Barbera, que se convertiría en el estudio de animación televisiva más exitoso en esa época, al producir series como Los Picapiedra, The Huckleberry Hound Show, Los Supersónicos, Scooby-Doo, Los Pitufos, Don gato, Leoncio y Triston, Pepepotamo y Show del Oso Yogi. En 1967 Taft Broadcasting adquirió Hanna-Barbera por 12 millones USD, aunque sus creadores siguieron al frente de la compañía hasta 1991. En ese año Turner Broadcasting System compró la empresa, que se fusionó en 1996 con Time Warner, propietaria de Warner Bros.; Hanna y Barbera continuaron como asesores. El dúo ganó siete premios Óscar y ocho Emmy, y sus dibujos animados se convirtieron en íconos culturales: los protagonistas de estas series han aparecido en otros medios como películas, libros y juguetes.10 Los programas creados por Hanna-Barbera eran vistos por más de 300 millones de personas en la década de 1960, y han sido traducidos a más de 20 idiomas distintos

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Jules Engel

(9 de marzo de 1909, Budapest - † 6 de septiembre de 2003, Simi Valley, California) fue un dibujante y animador estadounidense de origen húngaro. Sus obras son en general abstractas, coreografías de figuras geométricas en movimiento. Con sus propias palabras: I have concentrated, with particular emphasis, upon the development of a visually inspired, dynamic language, demonstrating that pure graphic choreography is capable of non-verbal truth. I have chosen to convey ideas and fellings through movements, visually formed by lines, squares, spots, circles and varieties of colors. Compositores de música han visto un trabajo similar al musical en sus composiciones visuales. Diseñó la coreografía de danzas de hongos chinas y rusas en la película de Disney FANTASÍA, donde fue reprochado por usar el fondo negro, algo inadmisible en dicha compañía. En Disney conoció al animador Oskar Fischinger, quien adoraba sus pinturas. Engel fue uno de los animadores que abandonaron las grandes compañías y se unieron para formar la United Productions of America (UPA). Allí trabajó en cartoons como Gerald McBoing Boing. Luego de la UPA fundó Format Films. A finales de los años sesenta comienzó a realizar su propia animación experimental. Además hizo varios documentales sobre otros artistas.

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En paralelo a su obra de animación, Engel fue un pintor prolífico. Pintaba al óleo, hacía litografías, y además utilizaba otros medios. Vivió un tiempo en París, donde se llevaba bien con artistas como Man Ray. Fue el fundador del programa de animación experimental en el instituto de Arte de California Cal Arts. Allí tuvo como alumnos a importantes animadores de la actualidad.

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Norman McLaren

(Stirling, Escocia, 11 de abril de 1914 - Montreal, Canadá, 27 de enero de 1987) fue un animador y director de cine canadiense de origen escocés reconocido por sus trabajos en el National Film Board of Canada. Estudió diseño en la escuela de arte de Glasgow, donde comenzó a experimentar con el cine y la animación. Luego de terminar sus estudios realizó algunas películas en Londres. McLaren se mudó a Nueva York en 1939, al tiempo que comenzaba la Segunda Guerra Mundial. En 1941 fue invitado a Canadá a trabajar para el National Film Board, abrir un estudio de animación y enseñar a animadores canadienses. Fue allí donde McLaren creó su film más famoso, Neighbours (1952), el cual ganó innumerables premios en todo el mundo incluidos el Canadian Film Award y el Academy Award. Además de la brillante combinación de imágenes y sonidos, el film tiene un fuerte mensaje social y de crítica contra la violencia y la guerra. McLaren es famoso por sus experimentos con la imagen y el sonido, al dibujar directamente sobre la película, incluso la banda sonora.

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Peter Foldes

Budapest, (1924-1977) fue uno de una serie de artistas húngaros ( otro era el compositor de la película Mátyás Seiber ) que terminaron el trabajo con su compatriota John Halas en las películas de animación de este último después de que se trasladó a Gran Bretaña en 1946. Después de salir de Halas , Foldes hizo una serie de películas de animación en colaboración con su esposa Joan británico ( n. 1924 ) , comenzando por el Génesis alegórica Animated ( 1952 ) , un examen más detallado ( 1953 ) y una visión a corto plazo ( 1956 ) . Una visión corta se convirtió en una de las películas de animación británicos más influyentes que se han hecho , cuando se proyectó en la televisión de EE.UU. como parte del popular show de Ed Sullivan . Aunque se recomienda a los niños a salir de la habitación mientras jugaba , todavía causó indignación y alarma con la representación gráfica de los horrores de la guerra nuclear. En la película, las criaturas salvajes huyen despavoridos como un extraño misil vuela por encima . A su paso por la ciudad dormida , los líderes del mundo y los hombres sabios miran hacia arriba . El misil explota , destruyendo seres humanos, los animales salvajes y de la propia Tierra . Me llamó el estado de ánimo de los tiempos, desde mediados de los años 1950 era la altura tanto de la Guerra Fría y la paranoia nuclear.

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Foldes más tarde se trasladó a París, donde se convirtió en uno de los pioneros de la animación por ordenador . En la década de 1960, trabajó para el Servicio de Investigación de la ORTF . Es uno de los pioneros de la animación por ordenador con su hambre película, que recibió el Premio del Jurado en la categoría de " corto" en el Festival de Cine de Cannes y una nominación al Premio de la Academia.

Heinz Edelmann

( 20 junio 1934 hasta 21 julio 2009 ) fue un ilustrador y diseñador alemán . Él nació en la ciudad Ústí nad Labem , Checoslovaquia, en la familia checo- alemana de Wilhelm y Josefa ( née Kladivová ) Edelmann . Era muy conocido como ilustrador en Europa, pero es probablemente más famoso por su dirección de arte y diseño de los personajes de la película de 1968 de animación Yellow Submarine . Edelmann estudió grabado en la Academia de Arte de Düsseldorf (a Düsseldorf Arts Academy ) 19531958 . Comenzó su carrera como ilustrador freelance y diseñador de carteles de cine y publicidad en Alemania. Entre 1961-1969 fue un ilustrador regular y diseñador de la portada de la revista de renombre internacional Twen juventud. Durante 1967-1968 , trabajó en el Submarino Amarillo. Entre 1968-1970 fue socio en una pequeña empresa de animación en Londres, pero su deseo a la hora de trabajar en más películas no se realizó . En 1970 Edelmann se trasladó a Amsterdam y diseñado cubiertas de libros y carteles de obras de teatro y películas. Su último uso del estilo de Yellow 43


Submarine era para ilustrar un libro, Andromedar SR1 ( 1970 ) , acerca de un viaje a Marte. También diseñó la portada de la edición alemana de Tolkien El Señor de los Anillos , e ilustró el libro de Kenneth Grahame niños El viento en los sauces . Desde 1972-1976 , Heinz Edelmann enseña diseño gráfico industrial en Fachhochschule Düsseldorf ( Düsseldorf Universidad de Ciencias Aplicadas ) . Después de que él era profesor de Arte y Diseño en la Fachhochschule Köln ( Cologne University of Applied Sciences ) y en 1989 se convirtió en profesor de Ilustración en la Academia Estatal de Bellas Artes de Stuttgart. Él diseñó la mascota de la Exposición Universal de Sevilla 1992 , Curro .

Murió a causa de enfermedades del corazón y la insuficiencia renal en Stuttgart , de 75 años .

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Jiř Ji í Trnka

(Pilsen, 24 de febrero de 1912 - Praga, 30 de diciembre de 1969) fue un ilustrador, escenógrafo y director de películas de animación checo. Además de por su extensa carrera como ilustrador, especialmente de libros infantiles, es conocido sobre todo por su trabajo en la animación con marionetas, que inició en 1946: a lo largo de su carrera, dirigió más de 20 películas, entre ellas 6 largometrajes, que consagraron lo que luego se denominó “estilo checo” de animación. Su obra en este campo ejerció una innegable influencia sobre otros cineastas. La mayoría de sus películas estaban dirigidas al público adulto, y muchas de ellas eran adaptaciones de obras literarias, de autores checos o extranjeros. Por su singular relevancia dentro de la historia del cine de animación, fue llamado “el Walt Disney de la Europa del Este”, a pesar de las grandes diferencias existentes entre su trabajo y el del célebre animador estadounidense.

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Manuel García Ferré

(Almería, 8 de octubre de 1929 - Buenos Aires, 28 de marzo de 2013) fue un artista gráfico, historietista y animador hispano-argentino, radicado en Buenos Aires desde los 17 años. Su arte ha sido orientado plenamente a los niños, siendo el creador de famosos personajes infantiles, como Anteojito, Hijitus, Larguirucho, Profesor Neurus, Oaky, Petete y Calculín, entre muchos otros, así como de tiras animadas televisivas, largometrajes animados y la Revista Anteojito. En 1967 estrenó en televisión la serie de dibujos animados Hijitus, que se transmitió diariamente por Canal 13 hasta 1974. Fue la primera serie televisiva de dibujos animados de la Argentina, y la más exitosa de América Latina en toda su historia.1 García Ferré también creó una enciclopedia para niños y jóvenes (El libro gordo de Petete), publicada en España y Argentina, y lanzó otras publicaciones a través de su agencia Producciones García Ferré (PGF), como la edición argentina de Muy Interesante o Ser padres hoy. El muñeco de peluche, Petete, apareció en la televisión con una joven presentadora, la modelo y actriz Gachi Ferrari. El programa mostraba a Petete, un pequeño pingüino, en un corto de 1 o 2 minutos presentando información que ilustraba la enciclopedia El libro gordo de Petete. El programa se transmitió entre 1970 y 1980 en Argentina Uruguay, Perú, Bolivia, Brasil, Chile, Venezuela, Colombia, Ecuador, México, Puerto Rico y España, donde compitió con el famoso Topo Gigio. A principio del 2000, Telefé comenzó a transmitir nuevos cortos del Libro gordo de Petete, pero esta vez acompañado por la modelo Guillermina Valdés. 46


Con sus dibujos animados, Ferré marcó la infancia de varias generaciones en Argentina y otros países de habla hispana. Realizó exitosas películas de dibujos animados para niños como Trapito, Mil intentos y un invento, Ico, el caballito valiente, Corazón, las alegrías de Pantriste o Manuelita.

Osamu Tezuka

( Osaka 3 de noviembre de 1928 - 9 de febrero de 1989) fue un dibujante de historietas y animador japonés, al que a menudo se le llama el "padre del manga" o incluso el dios del manga (漫画の神様 manga no kamisama?), debido a la calidad de su prolífica producción y a la influencia de sus técnicas, con el abandono de las historietas que apenas ocupaban unas viñetas por los story manga (o mangas de larga duración con una trama mucho más elaborada) y el desarrollo del formato tankoubon, que actualmente triunfa en todo el mundo para la edición de manga. Tal fue el impacto de sus creaciones y de sus obras que a día de hoy la base de su estilo perdura en los nuevos autores japoneses y los personajes que él dio a luz con su pluma siguen viviendo en la cultura popular de Japón, donde se puede encontrar en las librerías la gran mayoría de sus obras. Además, sus historietas han sido traducidas a decenas de lenguas, entre ellas el español. La ternura 47


y el profundo y sincero humanismo que imprimió a sus personajes han dejado una huella indeleble, haciendo de él un autor universal capaz de traspasar culturas. Incluso los ojos desproporcionadamente grandes que son tan característicos de la animación y la historieta japonesa (sobre todo en el shoujo) constituyen un legado de Tezuka.

Ralph Bakshi

(n. Haifa, Mandato Británico de Palestina, el 29 de octubre de 1938) es un cineasta y animador estadounidense. A medida que la industria de la animación estadounidense declinaba durante las décadas de 1960 y 1970, Bakshi intentó innovar y fue pionero de la animación para adultos, como Fritz el gato basado en el personaje de Robert Crumb. En 1978 dirigió la primera adaptación cinematográfica de El Señor de los Anillos, la novela de fantasía heroica de J. R. R. Tolkien. Su último éxito ha sido Cool World (1992), que mezcla imagen real con dibujos animados. En 1967 la Paramount lo llamó para producir y dirigir largometrajes como Marvin Digs, Mini Squirts, Fritz el gato, etc. Este último fue escrito y dirigido por él en 1971. A partir de ahí Bakshi dirigió varios largometrajes como Heavy Traffic en 1973, Street Fight en 1975 y Wizards en 1977. En 1978 Ralph Bakshi dirigió El Señor de los Anillos, una historia adaptada del clásico de J. R. R. Tolkien, usando técnicas de rotoscopia, método usado por Disney para animar personajes ultrarealistas.

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En 1981 lanzó American Pop, donde aborda la evolución de un grupo de música americano donde incluye como banda sonora músicas de George Gershwin, Dave Brubeck, Herbie Hancock, Bob Dylan, The Doors, Velvet Underground y Jimi Hendrix, entre otros. Seguidamente Hey Good Lookin (1981) y Fire and Ice (1983), colaborando con Frank Frazetta, renombrado ilustrador de cómics fantásticos, que cuenta la historia de un héroe que salva a una princesa de las garras de un tirano que tiene el poder de dominar el hielo.

Terry Gilliam

Terence Vance " Terry " Gilliam ( / ɡɪliəm / , nacido el 22 de noviembre 1940 ) es un guionista británico nacido en Estados Unidos , director de cine , animador , actor y miembro de la compañía de comedia Monty Python . Gilliam ha dirigido varias películas, entre ellas Los héroes del tiempo ( 1981 ) , Brasil ( 1985 ) , Las aventuras del barón Munchausen ( 1988 ) , El rey pescador ( 1991 ) , 12 monos ( 1995 ) , Miedo y asco en Las Vegas ( 1998 ) y El imaginario del doctor Parnassus ( 2009 ) . El único " Python " no nació en Gran Bretaña, se convirtió en ciudadano británico naturalizado en 1968. En 2006, renunció formalmente a su ciudadanía estadounidense. Gilliam comenzó su carrera como animador e historietista . Una de sus primeras tiras fotográficas para Help! ofrecido futuro Python fundido miembro John Cleese . Cuando Ayuda! doblado, Gilliam fue a Europa , en tono de broma anunciar en el último tema que estaba " siendo transferido a la filial 49


europea " de la revista , que por supuesto no existía. Mudarse a Inglaterra, secuencias animadas para la serie infantil no ajusta su conjunto , que también contó con Eric Idle , Terry Jones y Michael Palin.

Donald Virgil Bluth

(nacido en El Paso, Texas, el 13 de septiembre de 1937) es un dibujante, animador y director de cine estadounidense, dueño de un estudio de animación independiente y conocido sobre todo por ser el creador de numerosas películas de dibujos animados, destacando entre ellas títulos como NIMH, el mundo secreto de la señora Brisby (1982), En busca del valle encantado (1988) o Anastasia (1997). Don Bluth fundó su estudio de animación, Don Bluth Productions, en 1979, pero anteriormente ya había trabajado para The Walt Disney Company. La primera película en la que había trabajado para esa compañía fue La bella durmiente (1959), como asistente de animación, aunque en ella no figura en los títulos de crédito. Después de ésta no volvió a trabajar en Disney hasta los años 1970, período en el que hizo parte de los equipos de animación de Robin Hood (1973), Los rescatadores (1977), y Pedro y el dragón Elliot (1977). En 1978 dejó Disney, llevando consigo a varios de sus compañeros para fundar un nuevo estudio que hiciera directamente la competencia a Disney en su propio mercado, el de los largometrajes de animación. El nuevo estudio demostró sus habilidades en su primera producción, titulada Banjo the Woodpile Cat, lo que le abrió las puertas para realizar una secuencia de la película Xanadu. El primer largometraje de Bluth como director, NIMH, el mundo secreto de la señora Brisby, a pesar de no haber sido un gran éxito de taquilla, está considerado por muchos como la obra maestra de Bluth.

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Bluth trabajó también en el ámbito de los videojuegos de arcade con el lanzamiento de Dragon's Lair en 1983, un videojuego con animaciones innovadoras para su época, que utilizaba vídeo pregrabado en un disco óptico Laserdisc, y en 1984 con Space Ace, videojuego de ciencia ficción basado en la misma tecnología que Dragon's Lair.

Carlos Carrera González

Su estreno mundial fue en el Festival Internacional de Cine de Berlín, en Alemania, en 1991, junto a otras cintas mexicanas para un ciclo nombrado "Panorámica del Cine Mexicano", mientras que el 29 de agosto se estrena en el circuito comercial mexicano, en salas de la capital del país. Su segundo trabajo, La vida conyugal, basado en la novela homónima de Sergio Pitol, pasó inadvertido para crítica y público pero, mientras realizaba este filme, Carrera trabajaba en un cortometraje de animación, el cual le pondría en los primeros planos: El héroe (1994), cinta donde un hombre trata de detener el suicidio de una joven en el metro, el cual fue enviado al Festival de Cannes donde obtuvo la Palma de Oro al mejor cortometraje del certamen, convirtiendo a Carrera en el primer director mexicano en obtener este premio, desde que se le otorgó a María Candelaria en 1946, año en el que todas las cintas presentadas fueron galardonadas.

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Su siguiente trabajo sería Sin remitente, proyecto al que fue invitado por Jean Pierre Leleu, quien se encontraba al frente de Televicine en el periodo en el que la empresa se enfocó a realizar tanto cintas comerciales como cintas de mucha calidad artística. A pesar de trabajar para la compañía productora de cine filial de Televisa, se nota la mano de Carrera con partes donde los personajes buscan afecto y son solitarios. Este filme resultó exitoso en 1995 y obtiene varios Arieles, incluidos mejor película y mejor director. En 1998 filma Un embrujo, a invitación de Bertha Navarro, coproductora de la película junto con Guillermo del Toro, una historia de época estelarizada por Blanca Guerra que obtiene reconocimiento de la crítica, haciéndolo acreedor a su segundo Ariel como mejor director . En 2002 es invitado por Alfredo Ripstein, con su compañía Alameda Films, para filmar El crimen del padre Amaro, adaptación de la novela de José María Eça de Queiroz con guion a cargo del dramaturgo Vicente Leñero, estelarizada por Gael García Bernal y Ana Claudia Talancón. Fue elegida por la academia mexicana de cine como la representante para competir por el Óscar, siendo nominada en la terna de las cinco películas que compitieron por la estatuilla a mejor película extranjera, premio que finalmente recayó en la cinta alemana En algún lugar de África. Se mantuvo como la cinta mexicana más taquillera y con mayor número de espectadores hasta 2013, año en el que fue desbancada por Nosotros los Nobles. Después de este filme, el director participó con un par de segmentos en largometrajes colectivos: Cero y van cuatro (el episodio Barbacoa de chivo) y Sexo, amor y otras perversiones (episodio María en el elevador) y realizó otro cortometraje de animación titulado De raíz, por el que obtuvo el Ariel en el año 2004.

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Ánima

Estudios Estudios

Es una compañía de animación mexicana creada en el 2002 por los empresarios Fernando de Fuentes, José Carlos García de Letona, Fernando Pérez Gavilán, Guillermo Cañedo White y Federico Unda. Se dedica a la realización de producciones animadas que se distribuyen principalmente en México y Latinoamérica. Entre las producciones más sobresalientes se encuentran "Magos y Gigantes", la cual fue distribuida en gran parte de Latinoamérica, además de la serie "El Chavo la serie animada", producción de Televisa y Roberto Gómez Bolaños basada en la serie mexicana del mismo nombre producida en los años 70's. Entre sus otros largometrajes se encuentran: "El agente 00P2", "Kung Fu Magoo", "Triple A, la película". La película "Don Gato y su pandilla" se estrenó en México el 16 de septiembre del 2011 y rompió el récord de recaudación de una película mexicana en el primer día y en el primer fin de semana de estreno. En octubre del 2011 se estrenó en cines "La leyenda de la llorona" la cuál tuvo muy buena recepción en taquilla y a finales del 2012 se estrenará en cines la película "El Santos contra la Tetona Mendoza" bajo el sello de *Átomo Films enfocado a animación para adolescentes y adultos.

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Jonathan Ostos Yaber

Nacido en la ciudad de México (1985) es director, escritor y animador de varios cortometrajes incluyendo el galardonado film "La nostalgia del Sr. Alambre" que se proyectó en más de 160 festivales diferentes en todo el mundo y ganó el Premio a la Mejor Simon Gesmundo Animación en 2009. En sus películas en las que se mezcla una gran variedad de técnicas de acción en vivo, CGI, 2D, recorta y detener el movimiento. Trabaja en co-producción con Se-ma-la producción cinematográfica a 2 veces al Oscar ganando parada estudio de animación de movimiento de Polonia. Ahora se encuentra en pre-producción de su primer largometraje "The Man morphable", en la producción de un nuevo corto interactivo "¿Quién mató a la imaginación" y la promoción de nuevos cortometrajes en festivales. También imparte talleres alrededor del mundo en el tema de la animación independiente y promueve cortometrajes en varios sitios y revistas. 54


René Castillo Rivera

Es un animador mexicano especializado en la técnica del stop-motion, con la que ha realizado cortometrajes como Sin Sostén y Hasta los huesos. Ha ganado más de 50 premios internacionales y una nominación a la Palma de Oro en Cannes. Nació en el Distrito Federal en 1969, pero se mudó a Guadalajara a los 19 años donde estudio comunicaciones en el Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Occidente. Fascinado con la animación en plastilina, realiza con Antonio Urrutia el cortometraje de animación en plastilina Sin sostén (1998) que se hace acreedor al Ariel al Mejor Cortometraje de Animación; para embarcarse después en la dirección, coproducción, coanimador y guion del corto Hasta los huesos (2001).

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Juan José Medina Dávalos,

Nace en Guadalajara, Jalisco, en 1974. Es egresado de la escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Guadalajara, (1989-1994) y de la escuela de Medios Audiovisuales de la misma Universidad (19941996). Como pintor y escultor ha participado en más de treinta exposiciones colectivas e individuales. Gracias a la codirección del cortometraje El octavo Día, la creación (2000) ha conseguido diversos reconocimientos en festivales dentro y fuera del país. Además ha participado en una docena de producciones como animador y director de arte.

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Luis Téllez y Karla Castañeda

Luis Tellez y Karla Castañeda son dos de los grandes exponentes de la animación stop-motion mejicana. Sus manos por los puppets de trabajos tan importantes como Hasta los Huesos, Jacinta o los cortos de la productora gallega OQO Films. Para Puppets & Clay es todo un lujo poder haber realizado esta entrevista que analiza su carrera y sus, más que atrayentes, proyectos futuros. Entre los premios con los que cuenta Jacinta destacan el Ariel al mejor cortometraje de animación (2009) o los galardones a Mejor Cortometraje en el XXIII Festival Internacional de Cine en Guadalajara o el Middle East International Film Festival de Abu Dhabi (ambos en 2008).

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Los 12 pasos de la animación .Estirar y encoger – Evidencia el ma material del que esta hecho .Timing – El tiempo que tarda el personaje l hacer una acci n .Anticipación – preparar para la acción acci n .Puesta en escena – Primera vista del protagonista .Acción continua y superpuesta – continua, terminar corrctamente; superpuesta, varios movimientos .Acción directa y pose a pose – cuadro cuadro a cuadro .Entradas y salidas – aceleraci n o deceleraci n gradual de la animación animaci n .Arcos – Realismo de movimiento y naturalidad .Exageración – Rasgos de emoción .Acción Secundaria – Juego de animaciones acompañadas por la principal .Encanto Encanto - Actitud .Personalidad – Que lo caracteriza

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Perfil del personaje 59


Frank -Vida Se suicido, porque estaba muy reprimido por su padrastro; No pudo atenerse a la perdída a su gran oportunidad de publicar sus poesías, para así ganar una beca para la escuela de literatura mas importante en esos tiempos, y salir a flote por su creatividad; entonces lo encerró en su cuarto prohibiéndole la salida, por cuestiones de "estereotipo machista" de que el arte no es para hombres. Como nadie hizo nada para ayudarlo, no puedo soportar perder su única oportunidad de vida fuera del contexto del encierro emocional y físico, se suicida ahorcándose en su habitación, escuchando su propia poesía grabada en un cassette. Vive en su misma casa, atrapado por su acto de muerte, junto con su tutor instituido por el mismo lugar, que es un anciano de unos 65 años quien murió unos 100 años antes que él, haciendo un estudio para revertir enfermedades, usando sustancias naturales, el cual saldría erróneo después de que de una mezcla saliera un gas de un somnífero. El anciano alienta su amor por que vuelva a escribir su poesía y su amor por ella.

-Carácter Psicológico Y formas de pensamiento Era un joven complicado, depresivo, solitario, incomprendido, independiente, reflexivo, sensible, Maduro pero demasiado frágil, con un pensamiento demasiado objetivo.

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-Ídolos Tiene una admiración muy particular por personajes como: John Lennon Charles Buckowski Sid Vicious Kurt Cobain Emile Durkeim Ian Curtis Sigmund Freud

-Características sticas generales Tiene 20 años Lleva muerto desde 1995 Es de Manchester, Reino Unido Es un poeta bohemio

-Características Físicas: Delgado Tiene la piel azul claro casi en transparencia y su cabello negro azulado Usa anteojos Viste muy a su gusto y cómodamente, algo de grunge casual 61


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Frank - Frente

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Perfil

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Espalda

Animos

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Animadores pdf  

Animadores Frank Andrea Sánchez

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