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FOTOGRAFIA DE

TIM WALKER ILUSTRACION DE

MARCOS CHIN

ANIMACION DE LA NUEVA PELICULA DE DISNEY

ENREDADOS

EL DISEテ前 EN EL CINE

SUPER MARIO GALAXY

$7.500

ISBN 1234-0987

099878654368000

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Diciembre 1 a diciembre 7 de 2010

NUEVO VIDEOJUEGO PARA CONSOLA WII


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SUMARIO

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FOTOGRAFIA TIM WALKER

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ILUSTRACION MARCO CHIN

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ENREDADOS NUEVA PELICULA DISNEY

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MARIO GALAXY NUEVO VIDEO JUEGO WII

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EL DISEテ前 EN LA ANIMACION

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EL DISEテ前 GRAFICO EN EL CINE

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GRID Milagros Duran Palacio Directora Editorial miladu2211@hotmail.com Rene Morelo Villa Director general editorial Milagros Duran Palacio Directora Ejecutiva CONSEJO EDITORIAL Daniel Casta単o Contreras - William Behaine Herrera Esperanza Cuevas, Natalia Qui単ones, Stephanie Mercado,Juan Martinez, Leidy Ortega John Montes Gutierrez Jefe de Redaccion johncarlos204@hotmail.com Wendy Ortega Coordinadora Editorial wendyortega@hotmail.com Virginia arango-Josefina Rangel Redactoras TELEVISA PUBLISHING & INTERACTIVE MEDIA Hawi Lemus CEO ET PUBLISHING INTERNATIONAL Ricardo Jimenez Director general/vicepresidente Laura Martinleyes Vicepresidente Editorial SUSCRIPCIONES servicio al cliente suscripciones@hotmail.com.co

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Residente en Londres, Tim Walker es uno de los fotógrafos más personales, atípicos y sorprendentes del panorama fotográfico actual. Él se inspira en su infancia para construir conjuntos de imágenes que son ingeniosas y atrevidos, pero lo suficientemente sofisticados para realizarlas a sus clientes de la moda. Tim crea imágenes evocadoras llena de matices de textura y detalle intrigante y su fotografía es uno de los innovadores de hoy más imaginativos y exuberante que se produce Sus fotografías, siempre teatrales y con una cuidada puesta en escena, a cargo, la mayoría de veces, de la directora de arte Shona Heath, retratan paisajes surrealistas y fantasiosos con modelos que se

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convierten en mágicas ninfas o simpáticas protagonistas de una telenovela. En cada editorial, Tim Walter nos transporta a otro mundo, relatándonos una pequeña fábula.

con producciones de cuidadísima factura en revistas como Vogue, W o Harper’s Bazaar y ha disparado para marcas como Barney’s, Neiman Marcus, Kate Spade, Comme des Garçons o Gap

Todo empezó cuando, un poco por casualidad, Tim Walker hizo sus prácticas de arte en Condenast, donde se encargó del archivo del memorable Cecile Beaton. Fue entonces cuando descubrió el mágico mundo de la fotografía de mano de uno de los grandes maestros.

Tanto el Victoria & Albert Museum y la National Portrait Gallery de Londres han mantenido fotografías de Tim Walker en sus colecciones permanentes. Walker ha rodado dos portadas para British Vogue - Lily Cole en portada de julio de 2005 y el Inquilino Stella en el número de noviembre 2005.

Luego llegó su trabajo como asistente de Sir Richard Avedon, y su carrera despegó, definitivamente, cuando quedó en tercer lugar del Independent Young Photographer of the Year Award. Desde entonces colabora habitualmente, siempre


Después de graduarse en 1994, Walker trabajó como asistente de fotografía independiente en Londres antes de mudarse a Nueva York para trabajar a tiempo completo como asistente de Richard Avedon. Cuando regresó a Inglaterra, su atencion se centro inicialmente en el retrato y el trabajo documental para los periódicos del Reino Unido En 2008, su primer gran show se realizó en el Design Museum de Londres y coincidió con la publicación de su primer libro, titulado Imágenes. Walker recibió el Isabella Blow premio en Moda Creador en los British Fashion Awards en 2008. En mayo de 2009, recibió un premio infinito desde el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York por su trabajo como fotógrafo de moda. La exposición sitúa algunos de estos objetos de gran tamaño en medio de impresiones de gran tamaño de sus fotos y también se presentan algunos de su proceso artístico, desde la inspiración a la ejecución, a través de las páginas de dibujo y bloc de notas

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MARCO Se graduó en el Ontario College of Art and Design, en Toronto, Canadá. Desde entonces, su obra ha aparecido en portadas de libros, anuncios, catálogos de moda, revistas, y las cubiertas del CD. Ha recibido la medalla de oro de la Sociedad de Ilustradores de Los Angeles, y ha tenido su obra publicada en numerosos premios anuales, tales como Artes de la Comunicación y la Ilustración americana. Quizás la obra más reconocible en medio de su cartera son las ilustraciones que ha realizado para la campaña de publicidad internacional Lavalife de que se publiquen en el metro, carteles, impresos y en línea. Marcos ha impartido confe rencias en todos los EE.UU. y Canadá, y actualmente vive en Nueva York, donde enseña de moda Ilustra-

CHIN

ción en la Escuela de Artes Visuales. es visto como uno de los ilustradores más conocidos de Norteamérica. Sus ilustraciones han aparecido en anuncios, catálogos de moda, y diversos magazines incluyendo Time, Rolling Stone y Sports Illustrated Actualmente trabaja en Nueva York la enseñanza de Ilustración de Moda en la Escuela de Artes Visuales, Marcos Chin es un ilustrador reconocido y ha sido publicado en numerosas publicaciones anuales ilustración incluida Artes de la Comunicación y Artes Aplicadas. Su trabajo se pule aún lúdica y sin esfuerzo puede crear ya sea más realista o más obras estilizadas, mientras que todavía mantiene su visión propia y única Nativo de Toronto y graduado de Ontario College of Art en 1999 es ahora profesor de Fashion Illustration en New York’s School of Visual Arts. El dice: “Siempre esta este miedo como freelancer que nunca sabes cuándo el próximo trabajo siguiente va a venir, o si tu teléfono puede dejar de sonar. No obstante, es necesario tomar un descanso de tu trabajo “, refiriéndose a la negativa que puede dar asus clientes, por muy buenas ofertas que se le propongan. cuenta como fueron sus comienzos en la ilustracion dice:

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La forma en que me inicié era a través de un instructor en la escuela donde asistí (Ontario College of Art and Design, en Toronto), quien enseñó un “Director de Arte Taller” durante mi tercer o cuarto año, su nombre era James Irlanda. James fue un director de arte que poseía su propia empresa, con el mismo nombre, y ha trabajado con muchas publicaciones de la industria canadiense. Una de sus tareas consistía en dar a los estudiantes un “verdadero” el artículo en una de sus revistas para ilustrar, el que fue elegido como el más exitoso sería publicado. Por desgracia, ya que no estaba registrado en su clase, no se le permitió participar, pero vi esto como una oportunidad para mostrar al menos en mi cartera para él, para recibir una crítica de un director “real” del arte. Afortunadamente, todo ha ido bien, y James me dio algunos consejos sobre cómo podría mejorar mi libro. Unas dos semanas después, recibí mi primera llamada de un diseñador en su empresa para crear una ilustración sobre la explotación de la América del Sur Bean Farmer. Ese fue mi primer trabajo de ilustración profesional. Después de que yo seguía trabajando de vez en cuando, sobre todo para diferentes publicaciones a través de la firma Santiago de Irlanda, sin embargo, el trabajo no es realmente estable hasta alrededor de un año y medio después me gradué de la escuela de arte y firmado con mi primera repetición, que fue fundamental en poner en marcha mi carrera.


Para mi “Estilo” es una de esas palabras de moda que sin cesar se llena de aulas en la escuela de arte. Recuerdo que el último año de escuela de arte y tratando muy duro para encontrar un estilo que me llevaría más trabajo, lo que no me di cuenta en ese momento, era que mi estilo me encontraría Mientras estaba en la escuela y luego, poco después de la graduación, el trabajo que he creado en su mayoría pinturas con acrílicos y alquídicos a bordo de la ilustración. Sin embargo, estas imágenes fueron frustrantes para producir, a veces porque el proceso con el que creó fueron muy influenciado por mis instructores, así como otros ilustradores que he venerado. Así, el resultado fue que tenía una cartera que era una amalgama de obras de ilustradores de otros - no había realmente nada acerca de esas imágenes que eran míos, aparte del hecho de que los pintó. Mi tiempo y el esfuerzo no fue en vano porque me hizo aprender algo. Que necesitaba para conseguir mis ideas en la página de algún modo, ya pesar de que puede haber saltado algunos pasos en la planificación, era necesario para mí para iniciar de inmediato de lo contrario creo que me hubiera congelado y perdió el impulso para trabajar en esta pieza. Me paso mucho tiempo de planificación mis piezas comerciales que cuando se trata de mi trabajo personal, que a menudo tienen el reflejo para crear de forma automática, sin ningún tipo de proyecto de ensayo o en bruto. Se siente bien al hacerlo de esta manera.

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La nueva pelicula de Disney

ENREDADOS

Walt Disney Pictures presenta ENREDADOS, una comedia musical llena de acción - y pelo, mucho pelo - sobre una chica con una melena de 21 metros de largo.

Rapunzel es una princesa que fue robada a sus padres cuando era un bebé y encerrada en una torre. Ahora es ya una adolescente muy imaginativa y decidida que consigue escapar de su encierro con la ayuda de un bandido encantador. Este improbable dúo se verá embarcado en una divertida huida llena de aventura, emoción, humor y montones de pelo. Con música de Alan Menken, este cómico giro de la clásica historia de los hermanos Grimm John Lasseter es el director creativo de Walt Disney y Pixar Animation Studios, y el principal asesor creativo de Walt Disney Imagineering. Un dos veces director de la Academia ®, ganador Premio, Lasseter supervisa todas las películas y los proyectos asociados de Walt Disney y Pixar Animation Studios. Dirigió la palada inicial y películas ganadoras de premios de "Toy Story", A Bug's Life "," Toy Story 2 "y" Cars. "Además, sus créditos como productor ejecutivo incluyen" Monsters, Inc. "," Buscando a Nemo "," El Increíbles "," Ratatouille "," WALL • E "," Bolt "y 2009 de la aclamada" Up ", que cuenta con el honor de abrir el 2009 Cannes Film Festival y fue galardonado con dos Premios de la Academia a la Mejor Película Animada y Mejor Banda Sonora Original . Lasseter también sirvió como productor ejecutivo de Disney, nominado al Oscar ® "La princesa y la rana", una comedia musical situado en la gran ciudad de Nueva Orleans, así como más reciente de Disney • Pixar éxito de crítica y taquilla, "Toy Story 3 ", que se basa en una historia de Lasseter, Andrew Stanton y Lee Unkrich. Lasseter es el productor ejecutivo de "Tangled". En esta nueva aventura de Walt Disney Animation Studios, donde el gángster más quería en el reino y encantador, Flynn Rider, se esconde en una torre misteriosa, se convierte en un rehén de Rapunzel, una adolescente hermosa y vivaz con un cabelão de oro de 21 metros longitud, que se encuentra atrapada en la torre. A partir de entonces, Rapunzel comienza a buscar el pasaporte para deshacerse de este lugar que es de 18 años, y decide hacer un trato con el ladrón. Y así comienza la aventura de este doble, lleno de acción, con un caballo de la policía, un camaleón sobreprotector y una banda de pesados.Según el sitio

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web de El Capitán, la película de animación tendrá 95 minutos.

Los directores Byron Howard (“Bolt: Superdog”) y Nathan Greno informó en una entrevista que algunos cambios había que hacer en el guión de “torcido”(enredado), en comparación con la historia original. Una idea era eliminar el embarazo de la protagonista, porque no estaba trabajando.Ceguera Flynn, nada ha sido revisado por ellos. Acerca de la modificación del título de la animada, animado Greno explicó que no sólo es la historia de un solo carácter, porque contar la historia de dos personajes. Así que necesitaba un título que refleja que, hasta el cambio. Termina diciendo que llamar a la animación de Rapunzel es el mismo como “Toy Story”a” Buzz Lightyear “. El sitio Latino Review también informó de que los directores han preparado algunos huevos de Pascua en toda la película, como ocultos de Mickey e incluso una parte del clásico personaje de Pinocho, que se puede ver en la escena de taberna. En el elenco animado de doblaje se confirmaron su participación Zachary Levi (Flynn Ryder), Mandy Moore (Rapunzel), Donna Murphy (Madre Gothel la bruja), Ron Perlman (Stabbington Hermano), MC Gainey (capitán de la guardia) Jeffrey Tambor (Thug nariz grande), Brad Garrett (Thug Hookhand) y Paul F. Tompkins (Short Thug), además de canciones de Alan Menken(ganador de ocho premios de la Academia, el creador de varias canciones clásicas de magia animada de Walt Disney Pictures, como “La Sirenita”,”La Bella y la Bestia”,”Aladdin”,”Pocahontas”,”Hechizad a”, entre otros) y Glenn Slater. En los EE.UU., el estreno de “torcido”(ramificados) se llevará a cabo el 24 de noviembre de 2010, vale la pena recordar que el estreno en América del Norte iba a pasar en Nueva York y Los Ángeles fueron cancelados. El estreno mundial de la gran animación suceder en Francia, 17-30 de noviembre, la razón del cambio no fue revelado, pero se cree que el éxito que debe ser el clásico “La Princesa y el Sapo”, realizado en el país europeo. El estreno nacional de “torcido”(enredados) está prevista para el 7 de enero de 2011, también en Disney Digital 3D especialista en cine.


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Zachary Levi Entrevista sobre ENREDADOS: ¿Cómo te involucraste con Enredado? Zachary Levi: Acabo de recibir una llamada de mi pueblo diciendo que había una audición para el nuevo Disney de animación musical y yo ... fue vendido. Soy un gran tuerca de Disney. He estado desde que era un niño pequeño.Siempre he soñado hacer voces de animación de Disney, sobre todo musicales porque me gusta cantar también. Así que la idea era ganar, ganar, ganar, ganar. Así que entré y audición y lectura, y luego cantó una canción.[Byron Howard y Nathan Greno] decían, “Eso es genial, volver y cantarnuestra canción. “que es básicamente la que terminó cantando en la película con Mandy Moore [] y una vez que hice que me consiguió el trabajo. Así que ha sido como un año ... supongo. Cada seis semanas o lo que sea voy a ir y hacer un día de grabación de voz y acaba de ser reconstruido en el último año y es increíble ver que todos vienen juntos. Es una locura. ¿Cuál fue su influencia para Flynn Rider? Levi: Bueno, la voz era en realidad sólo una ligera variación de la mía. Me daba la gana porque no es en el tiempo presente y aunque se trata de un mundo ficticio es todavía tipo de sistema en un mundo medieval renacentista y yo quería sentir un poco más adecuado para ello. Así, acaba de limpiar mi dicción propia e hizo las cosas un poco más pulido en ese sentido. Porque mientras Flynn Rider es realmente Fitz Herbert Eugene a los modestos y humildes orígenes, se pone Flynn Rider que es siempre muy agradable. Así que me sentí como su dicción se limpia y que estaría más a ese tipo. Pero sigue siendo para mí la mayor parte. A continuación, por lo que el propio carácter, que es realmente en la escritura y las páginas de un lote, e incluso en el nivel de la animación (señala una foto de Flynn con una sonrisa enorme en su cara); eso es Flynn Rider. Tú lo sabes. Él tiene un montón de otras poses heroicas, pero que ... sonrisa. Está un poco petulante a veces, y petulante va un largo camino. Él es definitivamente engreído y arrogante, pero también tiene que, pegajosa base suave que Rapunzel es capaz de filtrarse fuera de él, y él está mejor por ello.

Levi: De vez en cuando, de vez en cuando. Algunos de mis favoritos pasado ... Aladdin es probablemente, si tuviera que elegir una película que fue mi película favorita de Disney, sería Aladdin. Pero eso es sólo por el lugar donde yo estaba como un niño en ese momento. Aladdin fue alrededor de 1993, por lo que todavía era joven y todavía realmente con él. La animación era grande y Robin Williams fue increíble como el Genio, y la música, Alan Menken, era tan bueno. Fue una aventura increíble que llegue a seguir y que finalmente fue un héroe para los chicos. La princesa no era o una niña que golpea a las probabilidades, era esta calle-rata, no me creo que ... me encantó. Pero mira, tengo dos hermanas, así que vio poco sirena, La Bella y la Bestia, he visto casi todos ellos y tengo mucho amor para todos ellos. Pero Aladdin fue definitivamente mi favorito. Y después de eso, puede goRobin Hood y Libro de la Selva ... Peter Pan ... Los equipos de rescate. Quiero decir, muchas películas así. Disney ha sido una parte increíble de hacer muchas películas así, y tantos que formaron parte de la configuración de lo que soy como una persona, e incluso más allá de eso, hay un montón de cortos de Disney que fueron increíblemente bien hecho. Pecos Bill y juanete Pablo, y Johnny Appleseed ... cosas likeFerdinand del Toro y Lambert el León apenado ... Johnnie Fedora y Bluebonnet Alice, y las cuentas grandes, gran composición, gran animación. Si se les mira y se obtiene un gran vida de ella. Incluso ahora, que voy a ir en YouTube y verlos, aunque la calidad no es muy grande. Quiero decir, tengo un montón de ellos. Usted puede comprar realmente coleccionista aire frío para fijar éstos de la bóveda de Disney.Tienen una multitud de ellos, y yo podría ir a través de ellos una y otra vez.Simplemente creo que son tan bien hecho y me gustó Warner Bros. también, pero siempre me sentí como el de animación de Disney era más excelente.WB resultó tener más de un giro de adultos en sus cosas, mientras que Disney tenía más corazón. Cuando era niño, eso es lo que está buscando y eso es lo que quieres. Así que, sí, yo soy definitivamente un fan de Disney.

¿Se le acercó cuando su personaje era todavía un príncipe o ya había sido cambiado por un ladrón? Levi: ¡Oh, Dios, no, él ya era un ladrón cuando tuve por primera vez leer.Nunca fue un príncipe, él siempre fue un ladrón, y me encantaba porque resulta que ese arquetipo en su cabeza. Ya no es un príncipe y la princesa, es una mujer joven, que ha estado atrapado en una torre de toda su vida sin que ninguno de los atavíos reales, y luego un tipo que es la cosa más lejana de eso. Quiero decir, él es sólo en el reino a robar algo. Así que pensé que era genial. Usted es un auto-proclamado enferma de Disney, así que lo que son algunos de sus favoritos y ¿todavía van día de la inauguración?

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es un videojuego de plataformas en 3D desarrollado por Nintendo EAD Tokyo para Wii. Fue lanzado en Norte América el 23 de mayo de 2010,4 en Japón el 27 de mayo de 2010, en Europa el 11 de junio de 2010, y en Australia el 1 de julio de 2010.5 Es la secuela de Super Mario Galaxy. Super Mario Galaxy 2 ha sido anunciando en la edición 2009 del E3 y fue lanzado el 23 de Mayo de 2010.6 Los niveles del juego consisten en galaxias junto con Planeta menores y mundos. Si bien el formato del juego se basa en el de su predecesor, el juego se ha actualizado con nuevos efectos de la gravedad e ítems. Es el cuatro juego 3D de plataformas de la saga Mario, después de Super Mario 64, Super Mario Sunshine, y Super Mario Galaxy. En esta segunda parte el sistema de navegación será distinto al del primer juego, puesto que ahora se parecerá un poco a los juegos de Mario clásicos, por mundos, en vez del planetario de la pasada entrega. El juego fue planeado originalmente como una simple repetición de Super Mario Galaxy con unas pequeñas modificaciones y un tiempo de desarrollo de 12 GRID

un año (esa versión sería llamada More Super Mario Galaxy). Sin embargo se decidió que el juego fuera una secuela completa cuando el equipo de desarrollo continuó construyendo el juego con nuevas ideas, así que el tiempo de desarrollo se extendió hasta los dos años y medio. Entre las nuevas características están la capacidad de montar a Yoshi y los nuevos ítems. Tras su lanzamiento, Super Mario Galaxy 2 recibió críticas positivas, y ha sido calificado como uno de los mejores juegos según sitios como Metacritic y GameRankings. El juego es uno de los más vendidos de la consola con 4,09 millones de copias mundiales. En un sentido amplio, el Diseño de Videojuegos se refiere a la idea detrás del juego. Pero también se puede interpretar de muchas otras formas además de esa. En grandes juegos inmersivos, el diseño de videojuegos se refiere


al tema o punto central, así como la historia y trama y el trasfondo de los personajes. En juegos más pequeños y en juegos en donde no hay un personaje o trama significativa (por ejemplo, en un juego de carreras), el diseño de videojuegos se refiere al cómo se juega el juego. ¿Cuáles son las reglas?, ¿cómo es el puntaje del juego?, ¿cómo es que cambia el nivel de dificultad durante el juego?, ¿Qué hace al juego divertido o retador?.

financiamiento que son de gran importancia, para ello es necesario tener en cuenta que la realización de videojuegos se asemeja con la realización de Cine, entonces se necesita de un gran equipo de trabajo y planear todo para lograr llegar a una audiencia enorme...

En nuestro país y en general en America Latina, el desarrollo de videojuegos es muy escaso, muy posiblemente se deba a la falta de mano de obra altamente especializada en informática, y aun así en estos tiempos modernos es cada vez más sencillo acceder a herramientas que facilitan el desarrollo de un videojuego, y entre estas herramientas se encuentra Flash y otras que de hecho son de código abierto, que ya se habían mencionado anteriormente en otro articulo, este es el caso de Blender 3D, o la posibilidad de crear Mods, y pues la Internet facilita el acceso a información que sea necesaria, ya lo más importante es la producción y el GRID

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El Diseño en la

Animación

La animación, algunos datos curiosos y arte conceptual de “Tangled” de Disney Glen Keane, uno de los veteranos animadores en Disney de tan solo 35 años, y considerado uno de los verdaderos maestros modernos de la animación fue supervisor de animación en “Tangled” (Enredados). Durante su carrera, Keane ha creado y supervisado la animación de personajes y películas como The Little Mermaid, The Rescuers Down Under, Aladdin, Pocahontas, Treasure Planet entre otras.

Uno de los puntos claves en la planeación de la película, fue encontrar la forma de animar el cabello de Rapuncell haciendolo ver natural y orgánico de forma creíble y que hiciera todo lo que los animadores y ralizadores quisieran. Pero cuando de animar el cabello de un personaje se trata, Keane es posiblemente uno de los mejores animadores que existen acutalmente. Viendo los personajes en los que ha trabajado Keane, notamos que muchos de sus rasgos característicos y personalidad son definidos por el cabello (como la Bestia de la Bella y la Bestia, Arial de The Little Mermaid, Pocahontas y Tarzan). En el caso de Rapuncell, su cabello recuerda constantemente el increible potencial que tiene, su característica de fuerza y nobleza a la vez. Con respecto a los aspectos técnicos para lograr la animación del cabello, los supervisores de efectos visuales Steve Goldberg y Jesus Canal así como un equipo técnico especializado en cabello y pelo fueron los encargados de dar vida al cabello de Rapuncell. Desarrollaron para esto un nuevo software llamado Dynamic Wires así

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como nuevas técnicas para hacer realidad las ideas para animar tan ambiciosas y poco convencionales de Keane. Keane daba instrucciones específicas de como debía moverse y apreciarse el cabello, de una forma natural y que nunca se viera de manera aburrida. Necesitaba tener volumen y gracia. Para cada toma tuvieron que presentar y simular el cabello con cada una de esas especificaciones, y así fue necesario animar 147 diferentes tubos que representaban la estructura del cabello con un total de más de 100,000 mechones de cabello. Algunos datos curiosos: • Rapunzell tiene 70 pies (2.13m) de cabello y más de 100,000 cabellos individuales. • Software especial tuvo que ser creado para simular el movimiento del cabello, nadie hasta ahora había animado tanto y tan largo cabello anteriormente. • Diez personas de la producción se dejaron crecer el cabello para ayudar como referencia en los movimientos de la animación de Rapunzell • El ingeniero en software de cabello Kelly Ward tiene un doctorado en ciencias de la computación en el estudio del cabello y ha pasado los últimos 10 años especializandose en esta area. Es considerado uno de los expertos en el mundo en este campo. • Las cascadas y el arrollo en las torres del valle fueron animadas para que fueran identicas a las que se encuentran en Yosemite California, por lo que el supervi-


sor de efectos efectuó un viaje de 2 dias para tomar más de 150 videos de referencia de las cascadas y arrollos, así los directores de arte pudieron elegir las características que mas les gustaron. • Mas de 2,000 carrers de MarioKart fueron jugadas por el equipo de producción para mantenerse sanos y salvo durante los largos días de trabajo. Estos son algunos tipos de animacion utilizados en la realizacion de la nueva pelicula de disney Dibujos animados se crean dibujando cada fotograma. Al principio se pintaba cada fotograma y luego era filmado, proceso que se aceleró al aparecer la animación por celdas o pape Animación de objetos, muñecos, marionetas, figuras de plastilina u otros materiales así como maquetas de modelos a escala. Se utiliza la grabación “fotograma a fotograma” o “cuadro a cuadro” (frame a frame). El stop-motion es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos capturando fotografías. En general se denomina animaciones de stop-motion a las que no entran en la categoría de dibujo animado, esto es, que no fueron dibujadas ni pintadas, sino que fueron creadas tomando imágenes de la realidad. Hay dos grandes grupos de animaciones stop-motion: la animación de plastilina (o cualquier material maleable), en inglés claymation, y las animaciones de objetos (más rígidos). La animación con plastilina puede hacerse al “estilo libre”, cuando no hay una figura definida, sino que las figuras se van transformando en el progreso de la animación; o puede orientarse a personajes, que mantienen una figura consistente en el transcurso del film. El go-motion es una variante de la animación de “stop motion” por el que aplicando un siste-

ma de control a los muñecos (animatronic) se les induce a realizar movimientos mientras se registra la animación fotograma a fotograma. Como resultado se produce un “efecto de blur” sobre las partes en movimiento que aumenta la sensación de realismo. l de acetato inventada por Bray y Hurd en la década de 1910. Pixilacion Es una variante del stop-motion, en la que los objetos animados son auténticos objetos comunes (no modelos ni maquetas), e incluso personas. Al igual que en cualquier otra forma de animación, estos objetos son fotografiados repetidas veces, y desplazados ligeramente entre cada fotografía. Norman McLaren fue pionero de esta técnica, empleada en su famoso corto animado A Chairy Tale, donde gracias a ésta da vida a una silla común y corriente. Es ampliamente utilizada en los video-clips. Rotoscopia Se basa en dibujar directamente sobre la referencia, que pueden ser los cuadros de la filmación de una persona real. Así se animó en Disney algunas escenas de Blancanieves, protagonista del primer largometraje animado de Disney. Su análoga infográfica puede considerarse la captura de movimiento (motion capture). Existe cierto grado de controversia sobre si el rotoscope es auténtica animación, y sobre su valor artístico como tal. Animacion de recortes Se basa en dibujar directamente sobre la referencia, que pueden ser los cuadros de la filmación de una persona real. Así se animó en Disney algunas escenas de Blancanieves, protagonista del primer largometraje animado de Disney. bre su valor artístico como tal. Virtualmente cualquier forma de producir imágenes, cualquier materia que pueda ser fotografiada, puede utilizarse para animar. Existen muchas técnicas de animación que sólo han sido

utilizadas por unos y que han sido desconcidas por elpúblico. Entre éstas se

incluyen: pintura sobre cristal, animación de arena, pantalla de agujas, pintura sobre celuloide, tweening. Pero también es posible reproducirlo por ordenador. En la animación, sin embargo, las imágenes no se toman sino que se producen individualmente, y por ello no tienen que cumplir necesariamente con el estándar del cine. Una película de animación tiene siempre 24 fotogramas por segundo, pero no necesariamente todos esos fotogramas muestran imágenes diferentes: en la animación, las imágenes suelen repetirse en

varios fotogramas.

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El diseño gr Un aspecto que se cuida cada vez más, pero aún no lo suficiente, en el mundo del cine es el del diseño gráfico. Tanto en el mundo del cortometraje como en el del largometraje pensamos muchas veces que los créditos o el cartel son una especie de impreso rutinario que hay que cumplimentar para “ser profesional” pero que se descuida completamente, o al menos no se le da la debida importancia.

Hay que tener en cuenta que un cartel, por ejemplo, es lo primero que ve un espectador medio cuando llega a unos multicines. Numerosas películas se publicitan mediante ellos en la fachada y en el interior del templo cinematográfico y, sin embargo, parece que muchas veces distribuidores y/o productores no entienden que hay que tratar de destacar sobre el resto y a la vez vender el concepto de la película. Ellos piensan que el reclamo son los actores, concretamente sus caretos a gran escala, por eso en la mayoría de carteles nos encontramos versiones poco imaginativas de emplastes de caras.

Según nos cuenta Cristóbal Garrido, guionista de cine y televisión, y diseñador gráfico finalista en el concurso de carteles de Cinemad y Fotogramas “el principal error es creer que una cara por sí misma es suficiente reclamo. Pero a las productoras y distribuidoras se les olvidan que la mayoría de los espectadores que van cada fin de semana a los multicines van sin saber qué van a ver y lo deciden casi en la misma cola y ante la cartelera. Es en ese momento cuando tu cartel debe de destacar por encima de todos los demás. Tiene que ser un pelotazo que llame la atención. Si te la juegas a la cara de Óscar Jaenada o Kira Miró estás muerto porque al lado siempre tendrás la de Johnny Depp o Angelina Jolie. Que está más buenos, son más conocidos y encima son mejores actores.”

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Poco a poco esta mentalidad va cambiando en nuestro cine: “Nuestra industria, aunque a paso de tortuga, cada vez es más industria y como tal empieza a mimarse tanto la parte artística como la comercial, que era la gran asignatura pendiente del cine motivado por el inevitable (y esperado) relevo generacional de los productores.

Jovenes que buscan en su producto desde el mismo origen del proyecto y que saben que conseguir un buen escaparate de su peli es casi tan importante como llegar a tiempo para pedir las subvenciones correspondientes” según Garrido. Una empresa que en los últimos años ha destacado mucho en el panorama cinematográfico nacional es User T38.


rafico en el Cine Que nos dice Cristobal Garrido

Han diseñado carteles, logos y créditos para muchos de los títulos más sonados del último lustro, algunos puede que parezcan flojos, pero son el resultado de mezclar sus propuestas con las decisiones finales de los clientes (productoras/distribuidoras) o del mismo equipo de diseño, que amenudo se decantan por carteles más conservadores y estereotipados por miedo a que un buen diseño (o uno demasiado innovador) espante al espectador porque pueda dar la sensación de que la pelicula en cuestión es una culturetada o bien porque creen que se aleja del concepto de la misma. Suyos son los diseños de películas como Verbo, Alatriste, Agnosia, Celda 211 (el teaser poster), Amador, Los Girasoles Ciegos, La Herencia Valdemar, El Camino de los Ingleses, Ágora, Gordos y muchos más. Al margen de los carteles y quizás más importantes que éstos, tenemos los títulos de crédito. Lo habitual es que se

los ventilen superponiendo el texto en una secuencia introductoria. Si se opta por esto lo ideal es que esa secuencia contenga buena parte del concepto de la película. En esa línea creo que unos muy clásicos y sutiles son los de La Red Social. En la secuencia de créditos Mark Zuckerberg corre desde el bar donde acaban de darle puerta hasta su residencia en el campus. Parece una tontería pero resume perfectamente la película: un tipo que corre solo mientras los demás caminan acompañados. Algo similar vemos en Lolita de Kubrick, donde todos los títulos se superpone a la imagen de los pies de Sue Lion, la joven protagonista que hará caer en la miseria humana más absoluta a James Mason. Son sencillos, aparentemente vacuos pero en realidad contienen gran cantidad de información, aunque sea sutil, de lo que la película va a contarnos. La otra opción son créditos más gráficos en los que también se puede contar mucho. Recordar por ejemplo los créditos (y el cartel) de Saul Bass para Vértigo, donde numerosas espirales simulaban tanto el miedo a las alturas del protagonista como la obsesión infinita en la que se hundía, igual que un pozo sin fondo. En el cine se cuida cada vez más, hay ejemplos bastante notables, y es que ya bastante es aguantar los logos tradicional (entidades públicas, canales de televisión, productoras…) como para encima alargar la cosa con unos créditos insulsos. Ejemplos de buenos créditos pueden encontrarse en el excelente blog Art of the Title donde pueden ver el análisis de títulos de crédito como Buried, Atrápame si Puedes o El Club de la Lucha entre muchas otras.

Garrido concluye: “Profesionales del diseño gráfico tenemos muchos y muy buenos, así que lo que queda es concienciar a los productores. Hacerles entender que su sobrino de 15 años, por mucho photoshop que controle, lo mismo no es la persona más indicada para hacer un trabajo de tanta responsabilidad como el cartel de una película. Porque ese cartel es el primer contacto que tiene tu cliente, el futuro espectador, con tu producto y si eso no seduce desde el primer momento estás perdido. En definitiva, la asignatura pendiente pasa por extender una mentalidad más comercial a este y a todos los terrenos de nuestro cine. Evidentemente, al productor que hace una pelicula por cuatro euros para cobrar la subvención de turno no le puedes contar historias sobre lo importante que es un buen envoltorio porque lo que menos le importa es que su pelicula se venda. Todos los demás, deben de pensar en el diseño gráfico de su pelicula desde el mismo día en el que al leer el guión o al encargar la historia a un guionista, decide producirla. Pensar en el diseño tres meses antes de estrenarla es una cagada. No habrá materiales de calidad y posiblemente los créditos y el cartel no tendrán absolutamente nada que ver. Resultará un producto sin identidad y sin una personalidad compacta.” Estos aspectos, aunque parezcan una cosa menor, no lo son. Es lo primero que un espectador ve de una película: cartel y créditos, y ambos deben ser atractivos, coherentes con la película y lo que cuenta e incluir de forma sutil el concepto base de la misma.

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Libros

Recomendados Este libro cubre la brecha que separa el software del pensamiento visual. Aporta con ello un enfoque imprescindible en el aprendizaje y ejercicio del diseño gráfico y que hasta ahora no ha sido adecuadamente tratado. Ellen Lupton y Jennifer Cole Phillips han desarrollado un manual actualizado e informado por los nuevos medios, teorías y sistemas de software contemporáneos, que se dirige a todos aquellos que quieran comprender el diseño gráfico de forma crítica y rigurosa El libro analiza los elementos y las estructuras que subyacen a todo proyecto de diseño (ya sea un logotipo, un cartel o un sitio web) como son el punto, la línea, el plano, la escala, la jerarquía, las capas y la transparencia. De esta forma, enseña a crear construcciones ricas y complejas a partir de relaciones simples. Se sirve para ello de comentarios precisos y ejemplos visuales en los que el trabajo de maestros como Marian Bantjes, Peter Cho, Rick Valicenti y Jan Van Toorn, entre otros, convive con proyectos realizados por alumnos en cursos universitarios y de posgrado..

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Incluye: Cómo trabajar y colaborar con los clientes. Elementos del portafolio de un creativo. Cómo crear diseños de logotipos y folletos que marquen la diferencia y cómo se consigue dar fuerza a una identidad o imagen corporativa. Una concisa perspectiva general del mundo del diseño gráfico comercial que explora los temas con los que los diseñadores profesionales se encuentran a diario. Ofrece consejos sobre principios del diseño y estrategias de comunicación para ayudar a los diseñadores a alcanzar los objetivos propuestos en su trabajo.. Esta obra empieza con una revisión de los conceptos básicos del diseño, incluyendo la composición de la página, el color, la tipografía y la teoría de la comunicación A partir de estas ideas fundamentales, se presentan los objetivos comunes que subyacen a los proyectos de diseño: la creación de logotipos y el diseño de correspondencia, sobres, folletos, invitaciones, publicaciones, informes anuales, catálogos, imágenes corporativas y marcas. Al comprender . el ´qué´ y el ´con quién´ se trata de comunicar un elemento concreto, los diseñadores serán capaces de enfrentar con seguridad cualquier desafío que se les plantee, por arduo que pueda parecer.

Este libro descubre los secretos de los ilustradores de mayor éxito, ofrece una recopilación de sus mejores trabajos con una exposición didáctica de todas las técnicas y destrezas necesarias, con ejemplos reales. Estos trabajos pertenecen a renombrados profesionales de todo el mundo tales como, Ian Wright, Jasper Goodall, Laurie Rosenwald, entre otros. Este libro muestra una combinación de las técnicas y los medios tradicionales de dibujo con las técnicas más modernas, utilizando los mejores programas de diseño, ilustración y fotografía para crear una estética fresca, innovadora y de gran creatividad.


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Andrea Cuevas  

Final diseño grafico grupo B1D

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