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EL COLOR EN LA HISTORIA DEL ARTE ANA VERóNIcA GuERRERO GALVáN

œ EDIcIONES

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cOLOR

El color es el elemento m谩s expresivo del arte y es visto mediante la luz reflejada en una superficie. El color es utilizado para crear la ilusi贸n de profundidad, mientras los colores rojos parecen acercarse, los azules parecen retroceder en la distancia.

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Análisis visual L

a composición artística constituye una unidad orgánica que permite ordenar los elementos conceptuales, visuales y técnicos, necesarios para el acto creador de acuerdo a ciertos principios del diseño. La composición se adecua a las necesidades de cada tema, y a veces exige que la respuesta sea emocional ante la obra terminada. De estos componentes el color ha tenido un papel destacado a lo largo de la historia.

Elementos del arte

Principios del arte

Color

Balance

Valor

Contraste/Énfasis

Punto

Variedad

Línea

Armonía/Ritmo

Espacio

Movimiento

Figura y forma

Proporción

Textura

Unidad 3


G贸tico

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El color, producto de pigmentos como el bermellón, es un elemento clave, se utiliza en gamas ternarias, con un colorido irreal lleno de contenido simbólico.

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l arte de la Edad Media cubre un periodo entre la tardía era romana y el siglo xv. Se divide en Alta Edad Media (siglos v al x) y Baja Edad Media (siglos xi al xv). El estilo gótico, identificado como Primer Estilo Internacional Europeo, es propio de la Baja Edad Media. El gótico, desarrollado entre los siglos xii y xiii se caracteriza por la edificación de catedrales de cada vez mayor altura, en las que los muros se transformaron en redes de ventanales de vidrio coloreado, el uso de arcos puntiagudos, estructuras acanaladas y arbotantes exteriores de gran altura. En la pintura su mejor expresión fue la miniatura, con principios como la simplificación, la estilización y la renuncia a la perspectiva.

Colores al temple En la pintura al temple el disolvente es el agua y el aglutinante grasa animal. La forma más común de la pintura clásica al temple es el temple de huevo, que sólo utiliza el contenido de la yema del huevo. Se seca rápido y se aplica en capas finas, semi-opacas o transparentes. Una vez seco, el temple produce un acabado fino y mate. Como no puede ser aplicada en capas gruesas como el óleo, la témpera rara vez tiene la profundidad de color y la saturación del óleo. Como ventaja, los colores de la pintura al temple no cambian a lo largo del tiempo.

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Renacimiento

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Durante El Renacimiento se prefieren los colores claros y frescos, se rechaza la aplicación de oro y se forma la noción de las sombras azules en lugar de negras.

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l movimiento artístico que llamamos “Renacimiento” nació en Italia, en Florencia, en los primeros decenios del siglo xv. Sus bases principales fueron la reutilización de las formas características del arte clásico, es decir, griego y romano, y la aplicación del hallazgo de la perspectiva, que permitía reproducir con exactitud “científica” el aspecto de la realidad. Algunas ideas que resultaron de este periodo fueron la subdivisión del arte en artes mayores (arquitectura, escultura y pintura), artes menores y artes aplicadas; la convicción de que un cuadro o una estatua deben “reproducir” algo; y la idea de que existe una regla para distinguir matemáticamente lo “bello” de lo “feo”.

El fresco Algunas de las obras más importantes de este periodo, como la Capilla Sixtina comisionada a Miguel Ángel, fueron realizadas con esta técnica realizada sobre una superficie cubierta con dos capas de mortero de cal. La primera (arricio) de mayor espesor, con cal apagada, arena de río y agua, y la segunda (intonaco) más fina, formada por polvo de mármol, cal apagada y agua, sobre la que se van aplicando los pigmentos, cuando todavía esta última capa está húmeda, y por jornadas (giornatas). Debido a esto la gama de colores se reduce a los de origen mineral, que al secarse quedan integrados químicamente en la propia pared. 7


Barroco

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Los colores del Barroco son ricos e intensos, con fuertes luces y sombras que explotan la técnica del ciaroscuro y la tecnología de la pintura al óleo.

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omo respuesta al Renacimiento y a la pregunta ¿qué relación debe haber entre el arte y el ideal? surge el Barroco. Algunos de sus postulados esenciales son el naturalismo o gusto por el realismo que exhibe aspectos crudos o desagradables; la ampliación temática, de temas religiosos y mitológicos, al retrato, la pintura de paisaje (gracias a la influencia de los flamencos y de las investigaciones espaciales y atmosféricas de Leonardo Da Vinci) y la exaltación de lo cotidiano en bodegones y naturalezas muertas; y la predilección del dramatismo, la pasión y la emoción, en oposición al arte renacentista, que mostraba el momento anterior a ocurrir cualquier acontecimiento.

El dramatismo del color Mientras las teorías del Renacimiento privilegiaban la línea, para los artistas del Barroco el color predomina sobre el dibujo y se impone en la definición de la forma. Una clave para este nuevo papel del color se atribuye a la importancia que adquiere la pintura al óleo, gracias al trabajo de los maestro flamencos. Con su base aceitosa, permitía una pincelada fluída y empastada, pero también colores en veladuras o la aplicación de capas muy delgadas de pintura que permiten transparentar los colores colocados debajo, y conseguir efectos como el sfumatto o gradación suave de la luz. 9


Neoclรกsico

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Tratando de volver al Renacimiento, la línea determina la forma, no la mancha de color, y el color debe ser moderado, sin contrastes.

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l Neoclasicismo puede verse como una reacción moderadora y adversa a los excesos del Barroco y el Rococó. Con las ideas de filósofos como David Hume, Immanuel Kant, John Locke y René Descartes. La gran disputa filosófica de ese tiempo se establece entre el empirismo (identificado con el sensualismo, y por tanto, con los ideales barrocos) y el racionalismo (identificado con los ideales neoclásicos). La postura era la de un ateismo racionalista, o de un cristianismo reformado. En cambio, la nueva fe se deposita en la ciencia, la perfección técnica y sobriedad. La preparación artística, institucionalizada por las Academias,

explica la obsesión por dominar con maestría la forma. También es importante la moderación en el uso de los artificios técnicos, como el escorzo, las ilusiones visuales y el dramatismo compositivo, que caracterizaron al barroco. Si el pintor desea despertar la admiración en otros espíritus aun cuando no trate un tema capaz de despertarla por sí mismo, no debe introducir nada nuevo, extraño e irracional, sino que debe forzar su talento de tal manera que su obra resulte maravillosa por la excelencia de su manera. Nicolás Poussin 11


Rococ贸

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Ya que los temas del Rococó eran intrascendentes, el aspecto cromático adquiere mayor valor, con tonos pasteles y aplicaciones esfumadas.

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l Rococó es una proyección exagerada de la estética barroca, con una temática más mundana (la aristocracia educada o “ilustrada” rehuye de las escenas religiosas o de las escenas dramáticas, oscuras o angustiosas) y superficial. Si lo Barroco estaba al servicio del poder absolutista, el Rococó está al servicio de la aristocracia y la burguesía. El erotismo, censurado o disfrazado hasta entonces debido a las exigencias del arte religioso, adquiere para los nuevos patrones del arte (una aristocracia entregada a los placeres sensoriales e intelectuales y a la microdinámica social de la corte, desenten-

dida de las circunstancias de las masas) un nuevo interés. Predominan las escenas de coquetería, y se toca el tema de la libertad sexual de hombres y mujeres, y la educación mundana de los jóvenes se vuelve un importante. Ya se disipan nuestros prejuicios, ya el pueblo abjura los absurdos católicos; ha suprimido los templos, está decidido a que el matrimonio sea solo un acto civil; los pretendidos fieles, al desertar del banquete católico, dejan los dioses de harina a los ratones. Marqués de Sade La filosofía del tocador 13


Romanticismo

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Mientras algunos artistas vuelven a la paleta del arte Gótico medieval, otros buscan vincular las emociones con la representación de la naturaleza.

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l arte Romántico se presenta como un fenómeno inspirado por la voluntad de romper completamente tanto con el clasicismo como con el Rococó. Este hombre nuevo aspira a formas plásticas tan liberadas de las formas antiguas como podían serlo, por su parte, las estructuras de la sociedad. Reacciona en contra del racionalismo extremo, que desea explicarlo todo con la razón. En cambio, pugna por una vuelta de la fe, por la permanencia de verdades ocultas, el poder de la magia y las facultades de la imaginación. El romántico desea hacer de la sensibilidad el núcleo de la existencia humana. Concibe en sí un alma

que experimenta intensamente el amor por la naturaleza, que se consume en sus emociones. Lo sublime El sentimiento de lo sublime es un sentimiento mixto. Está compuesto por un sentimiento de pena, que en su más alto grado se expresa como un escalofrío, y por un sentimiento de alegría, que puede llegar hasta el entusiasmo y, si bien no es precisamente placer, las almas refinadas lo prefieren con mucho a cualquier placer. Friederich Schiller 15


Impresionismo

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Son parte del modelo oculista impresionista la hiperestesia o exageración de la coloración, y el desplazamiento de la gama cromática hacia el azul y el violeta.

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l Impresionismo es un movimiento pictórico francés que surge a finales del siglo XIX, como reacción contra el arte académico y como una evolución del Realismo y de la Escuela paisajística francesa. El preludio se encuentra en 1863, con la creación del Salon des Refusés, a modo de contestación de los Salones Oficiales de Otoño. El Impresionismo responde a transformaciones como el florecimiento de la burguesía; la noción del campo como lugar de ocio y no de trabajo, mientras la ciudad, por el contrario, se convierte en el espacio para la nueva clase social; y la aparición del entretenimiento nocturno en conciertos, boulevards y los jardines de París.

También hay una transformación perceptible en las opiniones de críticos profesionales como Edmund Duranty y Lafogue, para quienes el impresionista es un pintor que olvida los cuadros el museo y la formación académica hasta llegar a “rehacerse un ojo natural” y prescinde de las muletas del arte académico, como el dibujo del contorno y la perspectiva lineal, que no son sensaciones Ópticas, sino táctiles. Nadie pinta un paisaje o una figura por el mismo proceso, con el mismo conocimiento. Cada obra es una nueva creación de la mente. El ojo debe abstraerse de la memoria, viendo solo aquello que mira como si fuera la primera vez. Edmund Duranty La nueva pintura

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Vanguardia rusa

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Para el ruso Wassily Kandisnky los instrumentos de la pintura son el color y la forma, cuya relación crean una “fragancia espiritual específica”.

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n los años previos a la Primera Guerra Mundial creció en Rusia una comunidad de coleccionistas gracias al auge de la burguesía ferrocarrilera. Fue esta burguesía la que llevó a Matisse y a Picasso a Rusia, así como a gran parte del arte francés de vanguardia, a los que integraron con el estilo de los grabados populares rusos. La vanguardia es una fase más avanzada del modernismo que se distingue por sus inclinaciones políticas que le separan del carácter formal, y más puristamente estético del modernismo tradicional. Moscú se convirtió en el centro del arte moderno con artistas como Pavel Kusnetsov (1878-1968), Natalia Goncharova (1881-1962) y Mijail Larionov (1881-1962).

El arte nuevo, por lo visto, no es para todo el mundo, como el romántico, sino que va, desde luego, dirigido a una minoría especialmente dotada. [...] se llegará a un punto en el que el contenido humano de la obra sea tan escaso que casi no se le vea. Entonces tendremos un objeto que sólo puede ser percibido por quien posea ese don peculiar de la sensibilidad artística. Será un arte para artistas, y no para la masa de los hombres José Ortega y Gasset.

La deshumanización del arte

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Pop Art

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En el Pop Art son fundamentales el color puro, chillón y provocador, la línea clara y una temática simple y directa, propios del diseño publicitario.

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l capitalismo que empezó a desarrollarse con fuerza a mediados de los años treinta, especialmente en Estados Unidos, supuso un cambio radical en la sociedad de la época. Bajo este nuevo clima, a mediados de los años cincuenta nace el denominado Pop Art (abreviación de Popular Art), nuevo arte que suponía la interacción entre los objetos reales y pintados. En este nuevo movimiento artístico, las obras dejan de ser un elemento único y pasan a ser pensadas como productos en serie: la cultura de masa se impone. El propósito del artista radica más bien en ofrecer un testimonio del mundo moderno y actual que está viviendo.

Impulsado por la sociedad de consumo, el Pop Art miraba y utilizaba los objetos cotidianos con ojos artísticos para ensalzarlos, sacarlos fuera de contexto y añadirles un valor estético. Los artífices del Pop Art vapulean las imágenes, las invierten, las corrigen, las transfieren con un sentido muy crítico y ácido. Fue un movimiento muy fresco, dirigido a un gran público, pero no por ello menos serio. Fue fabuloso: una exhibición de arte sin arte. Nosotros éramos la exhibición. A nadie le hubiera importado si no hubiera pinturas. Andy Warhol, 1965 21


Créditos Cubiertas Portada: Johann Wolfgang von Goethe’s, Theory of Colours, 1810 Contracubierta: Vincent Van Gogh, La noche estrellada, 1889 Ilustraciones Man Ray, Torso masculino, fotografía plata sobre gelatina (1930) Georges Seurat, La Parade (detalle), pintura al óleo, (1889) Jean Auguste Dominique Ingres, Princesse Albert de Broglie, née Joséphine-Eléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn, pintura al óleo (1853) Piero della Francesca, La flagelación de Cristo, pintura al temple (1444-1469) Pablo Picasso, Mandolina, bol de fruta y brazo de yeso Jean Auguste Dominique Ingres, Las hermanas Kaunitz, boceto Wassily Kandisnky, Composición 8, óleo sobre lienzo (1923) Gian Lorenzo Bernini, El rapto de Proserpina, escultura sobre mármol (1621-1622) Leonardo Da Vinci, El hombre de Vitrubio, boceto (1487) Caravaggio, Judit y Holofernes, pintura al óleo (1599) Limbourg brothers, Très Riches Heures du Duc de Berry, pintura al temple (1412-1416) Rafael, El Parnaso, fresco (1509) Caravaggio, Jugadores de cartas, pintura al óleo (1595) Jacques-Louis David, El rapto de las sabinas, pintura al óleo Johann Georg Platzer, Escena de fuente frente a un palacio, óleo sobre cobre (1730) Caspar David Friedrich, El caminante sobre un mar de nubes, pintura al óleo Claude Monet, Paisaje cercano a Monte Carlo, pintura al óleo (1883) László Moholy-Nagy, Large Railway Painting, pintura al óleo (1920) Roy Lichtenstein, Crack, pintura al óleo (1968)

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COLORES PRIMARIOS

Los colores primarios son el rojo, el amarillo y el azul, se les llama primarios porque se mezclan para obtener todos los demás colores, pero no pueden ser obtenidos por medio de una mezcla.

COLORES SECUNDARIOS

Cuando los colores primarios se mezclan se crean los colores secundarios: verde, violeta y naranja.

CÁLIDOS / FRÍOS cáLIDOS FRíOS

cONTRASTANTES

Rojo, anaranjado amarillo y todas las tonalidades comprendidas entre ellos son los denominados colores cálidos. Los colores fríos, comprendidos en la otra mitad del círculo cromático, son los verdes y azules.

ARmóNIcOS

cOmpLEmENTARIOS


cuADERNILLOS

INTRODuccIóN A LA HISTORIA DEL ARTE

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El color en la Historia del arte  

Material diseñado como proyecto en la Maestría en Diseño Editorial y utilizado como recurso didáctico en el curso Introducción a la Historia...

El color en la Historia del arte  

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