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TEORIA DA IMAGEM Portfolio de Ejercicios


Índice 1. Analisis de "Imagens do Mundo e Inscrições de Guerra" de Harun Farocki 2.Relga de los Tercios 3."Eu Sou Um Dispositivo Visual" 4.Pop’lar 5.La Jetée 6.Gregory Crewdson: Brief Encounters 7.The Passenger 8.La Imagen como representación de Valores 9.The Refugee Nation


HARUN FAROCKI

Imagens do Mundo e Inscrições de Guerra

Harum Farocki nacido en Nový Ji ín, Checoslovaquia, 9 de enero de 1944 y fallecido el 30 de julio de 2014 fue un cineasta alemán perteneciente a la escuela del llamado “Nuevo cine alemán”. Estudión el a Academia de televisión y cine de Berlín hasta que fue expulsado por motivos políticos, concretamente por pertenecer a un grupo llamado Agitrop y producir films de propaganda revolucionaria. Trabajó como redactor y profesor primero en Alemania, más tarde en California y finalmente la Academia de Bellas Artes de Viena. Su estilo se atribuye al “Nuevo cine alemán”, surgido después de la Segunda Guerra Mundial, junto con otros cieneastas de la época declaran que el cine estaba perdido y deciden hacer un nuevo cine. Inspirados en la “Nueva Ola” del cine francés se crearon muchos estilos y bastante distintos entre sí dentro de este “Nuevo cine alemán”. Farocki derivó a un cine más experimental marcado por el director francés Jean-Luc Godard.

Fotografía de Harun Farocki


FotografĂ­a de Harun Farocki


Imagens do Mundo e Inscrições de Guerra Análisisde imagenes (infra rojos

Fotografia como elemento documental

Imagen como Contemplación contra Percepción

Repetición de planos

Identidad cultural

Instrumento de guerra

Cartografia y Medición

Herramienta Interpretativa y Pedagógica


REGLA DE LOS TERCIOS ¿Qué es?

¿Cómo aplicarla?

Se puede aplicar cualquier género fotográfico, aunque normalmente es más utilizada en fotografía de paisaje y/o naturaleza, aunque también en una disciplina muy distinta como es el retrato. Utilizarla suele ser una buena idea para dar mayor dinamismo a la composición al tiempo que (si lo hacemos bien) la mantenemos perfectamente equilibrada.

La regla de los tercios es una de las técnicas compositivas más útiles en fotografía. Esto se debe a que puede aplicarse a cualquier tipo de foto para producir imágenes bien equilibradas y que atraigan la atención, dividiendo mentalmente la imagen en 3 partes iguale colocandos en ese cuadro dos líneas imaginarias equidistantes. Tanto verticales como horizontales


LA SUCESIÓN DE

FIBONACCI

La espiral de Fibonacci, también conocida como proporción áurea, o proporción divina, es una ley que fue aportada al gran público por Leonardo Fibonacci allá por el siglo XI. Según esta ley, existe una proporción (1:1.618) que puede encontrarse en una gran cantidad de elementos de la naturaleza, y que, además, resulta especialmente atractiva para el ojo humano.


"Eu Sou Um Dispositivo Visual"


“O PÉ DO MUNDO”

Mediante esta actividad camos a realizar un ejercicio de expresión creativa con el que tenemos que representar con nuestro cuerpo, atuendo y actitud alguna idea. Mediante esta disposición de ropa y la actitud que muestro en la foto pretendo representar mi cuerpo como el mundo, es decir el planeta tierra. Todo el cuerpo está abrigado con tal de no pasar frio, en cambio mi pie esta al desnudo. Mi actitud es la despreocupación ya que estoy pendiente

de mi teléfono móvil. Lo que trato de representar es como mi pie representa aquellos países o personas desfavorecidas, mientras el resto del mundo se abriga para no sufrir ellos están al desnudo luchando por sobrevivir en situaciones adversas. El hecho de estar pendiente del móvil y no del pie es un reflejo de la sociedad actual, ignorando a los desfavorecidos y más pendiente de relacionarse por redes sociales que por preocuparse por su entorno.


POP’LAR

Pop´lar es un proyecto artístico llevado a cabo por la diseñadora portuguesa Joana Carneiro. Mediante este trabajo la creadora realiza un estudio sobre la antología de la música popular portuguesa mediante la utilización de un estilo Pop y recayendo en la importancia del diseño en esa música. Desde caratulas de casete a la moda de los propios artistas

Esta caratula de cassete pertenece al disco Triptic de La Coral Cósmica lanzado en 1979. La composición de la caratula está formada por un planeta en la que aparece el título del disco “Triptic”. De esta esfera se desprende otra mediante una especie de osmosis. Sobre estas esferas se alza un arcoiris y el espacio. En la parte inferior de la caratula está representada la tierra mediante un campo de flores y unos helechos a la derecha. Esta composición representa

el universo visto desde la Tierra, en especial este planeta que representa el disco. Esta analogía de representar a la perfección el nombre del grupo La Coral Cósmica, un grupo de origen catalán. Fue su primer disco por lo que la caratula representa que están entre el espacio y la tierra. Esto es una representación de su estilo musical, entre folk, rock progresivo además de cantar en catalán, por lo que ellos también se encuentran flotando entre difertentes estilos.


La Jetée

La Jetée (1962), de Chris Marker, es una película francesa de ciencia ficción de 28 minutos filmada en blanco y negro. En ella, se relata la historia de un experimento de viaje en el tiempo llevado a cabo tras una guerra atómica. Si bien es una película, el director la define como una fotonovela, pues se realizó filmando una serie de fotografías que dan contexto a la narración que las acompaña y apenas cuenta con una breve secuencia de imágenes en movimiento. Fotograma de la película “La Jetée”, 1962


Fotograma de la película “La Jetée”, 1962

Fotograma de la película “La Jetée”, 1962

La obra de Marker juega con el espacio y con el tiempo constantemente, pasa del presente al permanente pasado pese a que se intente revivir en el futuro. Se hace más evidente que estamos frente a una obra maestra cuando esta película de 28 minutos tiene una bibliografía de análisis tan extensa y con grandes autores que han escrito sobre ella, entre ellos Maya Deren, Jonas Mekas, Rouch, Vigo o Eustache, cada uno en su estilo y en su propósito. Marker afronta su película con “micromaterias” para formar un “photoroman” de 28 minutos que conjuga la fábula futurista, el miedo de aquel momento a la tercera guerra mundial, la trama filosófica y la inevitable historia de amor, haciendo una película sin movi-

miento, pero absolutamente dinámica. En la película los vencedores intentan generar recursos para salvar el planeta experimentando con los prisioneros para poder viajar en el tiempo, primero al pasado y si se tiene éxito al futuro para conseguir un remedio con el que salvar la humanidad. Aquí podemos ver un paralelismo con lo que ocurrió con los vencedores en otras guerras. Como el holocausto, donde también se experimentaba con los prisioneros distintos experimentos científicos. Marker califica esta ansia por viajar al futuro como “llamar al pasado y al futuro para llegar al presente”. Se pretende de esta manera subsanar errores del pasado viajando al futuro para salvar el presente.

En “La Jetée” el tiempo tiene un doble papel; en la historia y en el lenguaje fílmico. Especialmente en el montaje, elemento fundamental en esa película que da un giro radical a la concepción del tiempo. Marker no concibe el montaje como una sucesión de planos, sino que reconstruye el propio plano mediante el montaje, no hay un choque de planos sino entre los fragmentos de estos. Esta manera de montar la película contrasta con la corriente de la “nouvelle vague” que huía del montaje ya que decía que este alejaba al cine de la realidad. Bien, pues aquí vemos como el director huye con una reelaboración radical del montaje. El tiempo fílmico se subvierte en la obra y de ahí que el tiempo sea esencial en la historia, por eso el pasado pasa a ser el tiempo fundamental, el pasado es el catalizador necesario para el futuro, el pasado, nuevamente, como determinante del futuro del individuo, en esta ocasión incluso para el futuro de la humanidad.

Es por eso por lo que aquel que tenga un gran poder para recordar el pasado será un buen candidato para los experimentos, y ese es el hombre candidato a realizar estos experimentos es ideal por que supera las primeras fases donde otros han ido muriendo viendo imágenes del pasado cada vez de una forma más nítida y real. Al trigésimo día del experimento se produce el encuentro con la mujer, la misma mujer que había visto en el muelle cuando era pequeño en su único recuerdo. Es la mujer del pasado, con lo que pasado y futuro empiezan a coincidir. La mujer representa en esta película ese nexo entre pasado, presente y futuro. Y en consecuencia la belleza es la que hace que este recuerdo sea tan fuerte para el hombre convirtiéndolo en un amor platónico. Pero este amor pasa a ser real en el experimento y vive el que podría haber sido su romance con esta mujer. Un enamoramiento mutuo que concluye con un parpadeo y una última cita en un museo, la cual el no sabe que es la última.


Fotograma de la película “La Jetée”, 1962

Cuando empieza a ver el futuro ya ve un París reconstruido y ve unos seres más próximos a entes que a humanos. El planeta está a salvo en el futuro y estos entes le entregan una fuente de energía con la que abastecer el planeta en el presente. Pero lo interesante ocurre cuando el futuro, es decir los seres, cierran las puertas al presente pero antes le ofrecen la posibilidad al hombre de quedarse en el futuro antes de que el presente lo aniquile. Este se niega, pese a no recordar nada del pasado más que un recuerdo y estar prisionero. Aquí podemos observar la fuerza de ese recuerdo de la mujer, la fuerza del amor; el quiere volver a encontrarse con la mujer. Pide volver a su infancia y lo consigue. Despierta en el muelle y la ve a ella al otro lado, cuando

empieza a correr hacia ella se escucha un disparo, el mismo sonido de su recuerdo de infancia, pero ahora si lo identifica. Es uno de los representantes del presente enviado para eliminarlo. Ya se lo había avisado el futuro crípticamente “abandona el presente antes de que te aniquile”. En ese momento es consciente de que es imposible eludir el tiempo. El momento que se le había dado para recordar de niño era el de su propia muerte. De niño sólo sabía que había visto una muerte, pues sólo el tiempo le permitiría descubrir que era la suya. Termina así la película Marker con una estructura circular y una reflexión “el tiempo es inexorable, pero el pasado no se borra, sino que permanece a la espera”.

Una imgen representativa

El plano que he decidido analizar de toda la película es este. Este plano pese a ser fijo tiene una gran carga de movimiento y dramatismo. Con esta imagen la película cobra sentido para el espectador que durante todo el film observa atónito sin saber del todo bien que está ocurriendo. En este fotograma convergen presente, pasado y futuro. Pasado porque es el único recuerdo que tenía el hombre de pequeño, una muerte en el muelle, presente porque en ese preciso momento está muriendo y futuro porque se cumple

Fotograma de la película “La Jetée”, 1962

el misterioso mensaje que los seres del futuro le habían anunciado “abandona el presente antes de que te aniquile”. Y ese es el mismo presente representado por el científico enviado para eliminarle el que lo mata. Pero sobretodo lo más fascinante de esta imagen es la figura de la mujer al fondo junto a la valla. La mujer es el hilo conductor de esta historia y la razón por la cual el hombre decide renunciar al futuro y volver al pasado a verla.


GREGORY CREWDSON Brief Encounters

Analizamos una de sus fotografías más destacadas de su útilma série fotográfica


He decidido analizar esta imagen de todas las que forman la serie ya que creo que es una de las que mejor representa la sociedad de hoy en día. Gregory Crewdson es capaz de hacer cine tan sólo con un fotograma, en este caso con tan sólo una fotografía nos está contando una historia y a su vez deja a la interpretación del observador que puede percibir distintas emociones a través de las instantáneas y imaginar a partir de estas historias diferentes. En esto caso la imagen anterior representa lo que es la sociedad patriarcal en la que vivimos. Forman la composición dos figuras, un hombre sentado en un sillón y una mujer al fondo de la imagen trabajando en la cocina de una casa modesta. El hombre se encuentra viendo la TV aparentemente y con una mirada perdida, parece más bien que el televisor le está succionando la vida lentamente. Su piel es de un tono muy pálido y su atuendo una bata de estar por casa la cual lleva de una manera despreocupada. La segunda figura en cuestión, la

mujer, aparece de espaldas ni siquiera podemos ver su rostro. El fotógrafo representa de esta manera como el trabajo de las amas de casa es invisibilizado por la sociedad, además cabe destacar que ocupa el segundo plano de la imagen. Mientras el hombre está frente a la pantalla totalmente despreocupado, ella trabaja en la cocina. En cuanto a la iluminación hay tres puntos directos, en primer lugar y el más potente es el producido por la tv, esta proyecta una luz pálida que enfatiza la expresión del hombre, a continuación, vemos una lampara sobre una mesita de luz anaranjada que sirve para dar contraposición a la primera luz. Y finalmente la luz de la cocina de un tono amarillo crudo que sirve para diferenciarse de las dos primeras y presentar a la mujer. Todas las imágenes del autor están marcadas por un tono fílmico. La esencia de los colores o la luz provocan que las instantáneas del fotógrafo realmente parezcan frames sacados directamente de un largometraje.


THE PASSENGER

Fotograma de la película “The Passenger”, 1975

Fotografía durante el rodaje de “The Passenger”, 1975

La película cuenta la historia de un reportero de TV que desea entrar en contacto con los rebeldes de un país africano para grabar imágenes y entrevistas. Tras quedar solo y sin apoyos en una zona desértica, cae en un estado de desánimo que le lleva a tomar la identidad de su compañero de hotel, Robertson, fallecido por causas naturales, con el que guarda gran parecido. Provisto de nueva identidad, emprende un largo viaje para gozar de una vida exenta de los dramas de su vida anterior.

Locke huye de su pasado (mujer, hijo adoptivo, profesión, puesto de trabajo), de sí mismo y de su desesperación. Sobre todo, huye de una soledad asfixiante, como la del desierto que muestra la cámara con deleite y parsimonia. Su huida se convierte en interminable, porque no se puede huir de uno mismo y del propio pasado. Cuando se acelera el ritmo de la huida, ésta se convierte en persecución implacable, tensa y opresiva. Por una parte según el realizador, la vida es suma de soledades, prueba de incomunicación,

de choque de egoísmos, combinación de persecuciones y huidas, que no aminoran el dolor y que causan frustración. El amor no ofrece lo que no puede dar y decepciona porque es superficial, efímero, insuficiente. Por otra parte, la muerte juega un papel de fondo durante la obra, ya que la historia da comienzo con una muerte y termina con otra. Los símbolos de la muerte (cruces encaladas, ancianos ociosos, ejecuciones trasmitidas por TV) se ven por doquier. La muerte quita sentido a la vida, le aporta un dramatismo lacerante y la hace insoportable. A la vez, sólo la muerte puede poner fin a la huida, la persecución, la soledad, la asfixia y la desolación. Es sorprendente la definición de la muerte que, sin palabras, expone el realizador hacia el final de la cinta. Para él, ésta es el olvido de Raquel Locke, la

indiferencia de la muchacha (Maria Schneider), la incomprensión del recepcionista (José María Caffarel), la frialdad del policía y la irrelevancia que tiene el hecho para los demás: nada cambia, todo sigue igual. Para finalizar debemos darle valor a la fotografía que construye una narración pletórica de belleza, construida con fashbacks sugerentes, travellings vibrantes, encuadres precisos, planos emocionantes y composiciones de harmonías inusuales. Es memorable la toma de 6 minutos que desde el interior de una habitación del Hostal de la Gloria sale entre las rejas del ventanal, explora lo que sucede fuera y regresa para enfocar el interior del lugar de partida, en un sorprendente movimiento de ida y vuelta.


la imagen como representaciĂłn de valores Valor Representativo


Valor SĂ­mbolico


Valor SĂ­gno


Imagem Nua


Imagem Ostentiva


Imagem Metamรณrfica


THE REFUGEE NATION The Refugee Nation ha creado una bandera para el equipo olĂ­mpico para que puedan ser representados con una identidad propia, se refleje su condiciĂłn de refugiados y se genere conciencia de lo que significa. Para crear la bandera se inspiraron en los chalecos salvavidas que tantos refugiados han utilizado, manteniendo el color anaranjado con una franja horizontal de tono negro. El diseĂąo es de Yara Said artista de Siria refugiada en Amsterdam desde el 2014.


Dossier Teoría da Imagem Alvaro Gutiérrez  
Dossier Teoría da Imagem Alvaro Gutiérrez  
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