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Director Steven Spielber Producción Steven Spielberg, Ian Bryce, Mark Gordon, Gary Levinsohn Guión Robert Rodat Fotografía Janusz Kaminski Montaje Michael Kahn Reparto Tom Hanks, Edaward Burns, Matt Damon, Vin Diesel Titulo Original Saving Private Ryan País Estados Unidos Año 1998 Duración 170 Minutos Idiomas Ingles, Españos, Portugués, Alemán, Frances

Sinopsis Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Tras el desembarco de los Aliados en Normandía, a un grupo de soldados americanos se le encomienda una peligrosa misión: poner a salvo al soldado James Ryan. Los hombres de la patrulla del capitán John Miller deben arriesgar sus vidas para encontrar a este soldado, cuyos tres hermanos han muerto en la guerra. Lo único que se sabe del soldado Ryan es que se lanzó con su escuadrón de paracaidistas detrás de las líneas enemigas. (Sinopsis por FilmAffinity).


Rescatando al soldado Ryan ha sido nominada a once premios Óscar, ganando cinco de estos, dentro de los cuales se encuentra premio al Mejor Director para Steven Spielberg. También fue distinguida en los premios Globos de Oro a mejor película dramática y también al mejor director. Esta película también desfilo en los premios BAFTA, ganando premios a mejores efectos visuales y mejor sonido, además de conseguir buenos puestos en diferentes ranking de revista de cine, obteniendo desde primeros lugares hasta octavos lugares dentro de la mejores películas de la historia del cine. Este film da mucho que hablar, partiendo por la situación histórica en la que se presenta y la cruda forma de mostrar la guerra. Empezando por el desembarco en Normandía, ya podemos interpretar que la película entera será muy impactante y agresiva, obviamente sin perder el eje central del film, rescatar a Ryan. Podemos apreciar también la calidad de efectos que presentara la película y que no desilusionan nunca, el debido montaje entre los disparos de las metralletas y los soldados cayendo muertos, las bombas explosando en la playa, todo es espectacularmente grandioso. Pero no debemos quedarnos solo en el desembarco de Normandía, porque la película esta llena de buenas escenas, muy buenas puestas en escenas debido a una correcta ambientación que lograron hace que todo sea muy real y que nos sintamos participe de la guerra y parte del escuadrón de rescate. Lo que es importante destacar, es que en este film no se ve ese cliché de los productores estadounidenses de mostrar que Estados Unidos es el mejor de todos y que al final siempre son triunfadores de la guerra, si no mas bien dieron una clase de humanización, en la cual se ve que producto de la guerra hay familias que simplemente se pueden desvanecer, como es el ejemplo de la Madre de Ryan, la cual hubiera quedado sola, si es que Ryan no hubiese sido rescatado, ya que sus cuatro hijos estaban al servicio del país en la Segunda Guerra Mundial. En fin, la película merece ser catalogada de muy buena manera, ya que cumple su objetivo de muy buena manera y por el esfuerzo de sus técnicos para lograr tan buen film. Steven logro cumplir su sueño, el cual era crear una película basada en soldados, guerra, armas etc., y logro esta obra basada en la Segunda Guerra Mundial.


Dirección Ridley Scott Ayudante de dirección Newton Arnold, Peter Cornberg Dirección artística David Snyder Producción Michael Deeley, Charles de Lauzirika (Final Cut version) Hampton Fancher, Brian Kelly, Jerry Perenchio, Ivor Powell, Run Run Shaw, Bud Yorkin Diseño de producción Lawrence G. Paull, Peter J. Hampton (escenas adicionales) Guión Hampton Fancher, David Peoples y Roland Kibbee (sin créditos) Música Vangelis Sonido Bud Alper (sound mixer), Peter Pennell (editor de sonido) Fotografía Jordan Cronenweth. Montaje Les Healey (Director’s cut), Marsha Nakashima Vestuario Michael Kaplan, Charles Knode, Jean Giraud (sin créditos) Efectos especiales William Curtis

A principios del siglo XXI, la poderosa Tyrell Corporation creó, gracias a los avances de la ingeniería genética, un robot llamado Nexus 6, un ser virtualmente idéntico al hombre pero superior a él en fuerza y agilidad, al que se dio el nombre de Replicante. Estos robots trabajaban como esclavos en las colonias exteriores de la Tierra. Después de la sangrienta rebelión de un equipo de Nexus-6, los Replicantes fueron desterrados de la Tierra. Brigadas especiales de policía, los Blade Runners, tenían órdenes de matar a todos los que no hubieran acatado la condena. Pero a esto no se le llamaba ejecución, se le llamaba “retiro”.


A pesar de no haber tenido un gran estreno (con un balance negativo el primer mes y unas duras críticas iniciales) la obra Blade Runner se ha posicionado como cinta de culto dentro del género de la ciencia ficción, con un argumento simple, pero tan intrigante e incluso perturbador, nos presenta un escenario futurista distópico, donde la basura abunda en las calles y la industrialización llego a un punto de evolución invasivo, los “replicantes” (androides) comienzan a ser más conscientes, a rebelarse, a sentir, a tener recuerdos y cada vez son más perfeccionados para ser lo más parecidos posibles a nuestra raza, por esta razón cuando un grupo de ellos van de rebeldes se considera que estos son un peligro y se exilian de la tierra. Cuando 4 modelos de replicantes Nexus-6 se infiltran en la ciudad de Los Ángeles Rick Deckard es llamado del retiro para perseguirlos y retirarlos del servicio. Probablemente dentro de ese argumento podemos encontrar muchas historias al ver la película de diferentes puntos de vista, ¿son los replicantes más humanos que nosotros mismos incluso?, ¿se merecían ese destino al ser tratados de esclavos?, ¿es Rick Deckard un replicante? En fin, tantas interrogantes y tanto se ha dicho de esta obra que con seguridad podemos decir que es una buena película “de culto” tanto así que a pesar del mal comienzo antes nombrado, impresionantemente repuntó en las salas de cine y provocó que muchos críticos cambiasen su parecer y sus primeras críticas sobre ella sabiendo esto no se observa con extrañeza que a lo largo de la historia se haya dividido la comunidad de críticos entre los que piensan que solo la sustentan sus efectos y los que observan su gran complejidad. Blade Runner ha sido premiada por revistas y por los receptores de esta por la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles como mejor película, los Premios BAFTA por Mejor fotografía, Mejor diseño de vestuarios y Mejor diseño de producción también consiguió el Premio Hugo por Mejor representación dramática y Premio del círculo londinense de críticos de cine (Premio especial Por conceptos visuales). Ridley Scott (Hannibal, Legend, Gladiator) comentó a los medios que el rodaje de la película fue bastante complejo, con diferentes encontrones con Harrison Ford (Rick Deckard) y la falta de claridad que yace en el guión original convirtieron la atmósfera de Blade runner en algo desconcertante, pero no menos brillante, todas las personas dentro del proyecto reconocían la visión del director y el potencial que yacía en él. Dentro del equipo podemos considerar la participación del guionista de la película Unforgiven con la que alcanzo un premio Óscar, En fotografía Jordan Cronenweth participó temporalmente en “Alien” e hizo la fotografía del largometraje de horror Sci-Fi “Estados Alterados”.


Título original Cidade de Deus Año 2002 Duración 130 min. País Brasil Director Fernando Meirelles Guión Braulio Mantovani (Novela: Paulo Lins) Música Antonio Pinto, Ed Cortes Fotografía César Charlone

Basada en hechos reales, este es relato del incremento del crimen organizado en Cidade de Deus, un suburbio de Río de Janeiro, desde finales de los años sesenta hasta el comienzo de los ochenta, cuando el tráfico de drogas y la violencia impusieron su ley en las favelas. Todo comienza a finales de los sesenta, cuando Buscapé tiene 11 años y es sólo un niño más en Cidade de Deus. Tímido y delicado, observa a los niños duros de su barrio, sus robos, sus peleas, sus enfrentamientos diarios con la policía. Ya sabe lo que quiere ser si consigue sobrevivir: fotógrafo. Dadinho, un niño de su misma edad, se traslada al barrio. Sueña con ser el criminal más peligroso de Río de Janeiro y empieza su aprendizaje haciendo recados para los delincuentes locales. Admira a Cabeleira y su pandilla, que se dedica a atracar los camiones del gas y hacen otros pequeños robos armados. Un día Cabeleira da a Dadinho la oportunidad de cometer su primer asesinato.


Este film recorrió varios festivales de cine, Los Oscar, Globos de Oro, Festival de Toronto, Premios BAFTA, siendo premiadas en los dos últimos como Mejor Película Extranjera y Mejor Montaje respectivamente. Además de tener buenas criticas dentro del circulo de críticos de Nueva York y de Chicago, catalogándola como mejor película extranjera. Y no es menos que esta película haya obtenido tanta buenas criticas, ya que es una película realmente realista en su historia, en la cual refleja increíblemente la violencia, las organizaciones en pandillas, el poder de las drogas, las pocas oportunidades de los jóvenes y el miedo existente en cada favela Ciudad de Dios de Rio de Janeiro, pero no es necesario situarse solo en esta locación, ya que este problema esta presente en cada barrio desamparado de Latinoamérica. Luego de una introducción en tiempo actual que esboza la presencia de algunos personajes, Meirelles se embarca en un largo flashback, que retoma vivencias pasadas de los años 60`s, 70`s y terminando su secuencia en los años 80`s, donde ocurre el desenlace de la obra. Allí, en el flashback, une las historias de tres generaciones de ladrones y narcotraficantes con el nacimiento, crecimiento y decadencia de la favela en cuestión. El film es muy atractivo en si, por sus posiciones de cámara las cuales nos involucra fielmente en los sucesos de la historia, además de el cambio de color que existe en el film el cual va acorde con la historia que nos narra, un color cálido en los momentos mas agresivo, el color verde en el momento de drogas y por ultimo colores en todo azul cuando la historia encuentra un desenlace tranquilo. No hay que dejar atrás que para realizar esta película Meirelles tuvo que pedir permiso a los lideres de la favela, ya que si no lo hacían corrían el riesgo de ser asaltados y/o asesinados. Esta película marco un gran hito, ya que se presta y se presto para crear nuevas formas de vigilancia en todos los barrios desprotegidos de Latinoamérica. Esto se vio muy fuerte en Brasil en donde después de su estreno, el gobierno en turno, decidió reestructurar sus estrategias de vigilancia en las zonas desprotegidas.


Titulo Original: Das Cabinet des Dr. Caligari Año: 1920 Duración: 71 minutos País: Alemania Idiomas: Aleman Director: Robert Wiene Producción: Rudolf Meinert, Erich Pommer Guión: Carl Mayer, Hans Janowitz Música: Giuseppe Becce Fotografía: Willy Hameister Reparto: Werner Krauss, Conrad Veidt, Friedrich Feher, Lil Dagover.

Sentado en un banco de un parque, Francis anima a su compañero Alan para que vayan a Holstenwall a ver el espectáculo del doctor Caligari. Un empleado municipal que le niega al doctor el permiso para actuar, aparece asesinado al día siguiente. Francis y Alan acuden a ver al doctor Caligari y a Cesare, su ayudante sonámbulo, que le anuncia a Alan su porvenir: vivirá hasta el amanecer.


La producción de esta película se llevo a cabo en 1920, la cual nos interioriza en un universo divertido simbolizado por la feria de atracciones pero a la vez dramático y terrorífico por parte de los planes malévolos del Doctor Caligari. La película en de un gran agrada, a pesar de ser película muda, llama mucho la atención el gran esfuerzo actoral para que el espectador pueda entender la historia, además de que los Teletextos ayudan a conectar las ideas. En cuanto a la ambientación, puesta en escena, específicamente todo lo que se refiere a Dirección de Arte, tiene un gran valor, ya que en los tiempos cuando se filmó esta película, la tecnología audiovisual era nula, a excepción de las cámaras obviamente, pero no existía lo digital, el cual hoy en día ayuda a crear universos con mas rapidez, por el contrario para este film se utilizaron grandes paredes de cartón, relieves hechos con viñetas de cartón y yeso, además de crear hermosas pinturas en los muros para así ambientar la película, es decir, que en los cartones pintaron grandes calles, parte de la feria de atracciones, hasta alguna que otra lámpara era dibujada. Este film por su año de procedencia no pudo asistir a grandes festivales de cine, ya que no existían en ese tiempo, pero sin duda hoy en día es muy reconocida a nivel mundial, utilizándola a modo de ejemplo para películas de terror, drama y como ambientar un buen estudio de grabación, además expertos trabajan en la cinta para poder transformar su formato de cinta de celuloide y un formato digital, con el cual se podrá exhibir en grandes pantallas, todo esto para que los espectadores reconozcan esta película como uno de los mejores film de terror de la historia del cine. Lo particular de esta película es el mensaje oculto dentro de ella, el cual tiene un propósito político por parte de los guionistas, los cuales querían denunciar como el Estado Alemán inducia a su pueblo a cometer asesinatos, puesto que la película fue filmada post Primera Guerra Mundial, Alemania seguía con ambiente de guerra. Esto se refleja del mismo modo en como el Doctor Caligari inducia a Cesare a cometer crimines y trataba de esconder toda prueba que lo vinculara.


Dirección Peter Jackson Producción Peter Jackson, Barrie M. Osborne, Fr ances Walsh Guión Fr ances Walsh, Philippa Boyens, Peter Jackson Música Howard Shore Fotogr afía Andrew Lesnie Mon taje Michael J. Hortzn, Jabez Olssen

La saga de libros que entregó a la fama al escritor J.R.R. Tolkien transformada a la pantalla grande por el director Peter Jackson (“Criaturas celestiales”, “King Kong”, “District 9”, “El Hobbit”) al nivel de una obra maestra, siendo reconocida como la mejor adaptación del libro al cine y consiguiendo 7 premios Óscar con 3 películas la trilogía de “El Señor de Los Anillos” alcanzó la fama mundial y la segunda de ellas (Las dos Torres) fue reconocida por los guionistas del equipo como el guión más difícil de hacer, debido a la ramificación argumental dentro del libro, llegando a contar tres historias de manera paralela, Philippa Boyens (usual colaboradora del director, “King Kong”, “Desde mi Cielo”, “El Hobbit”) y la Pareja de Peter Jackson, Frances Walsh (“Criaturas Celestiales”, “El Hobbit”, “Criaturas Celestiales”) junto al mismo fueron los principales encargados de llevar el guión por el buen camino. En general las críticas fueron solo elogios gracias a “… lo bien que logra unir la historia con la anterior película…”


“… la semejanza con la historia del libro…” “… la maestría para contar las tres historias de forma continua…” y la obra llego a ser la película más taquillera en el año de su estreno recaudando 924 millones de dólares en tan solo en su primer día de exhibición, un total éxito para la que en su momento fue la más ambiciosa producción en la historia del cine, el mismo Jackson admitió “Empecé con un objetivo: introducir a los espectadores en el fantástico mundo de la Tierra Media de una forma que fuera creíble e impactante me propuse recopilar todos los grandes momentos de los libros y utilizar la tecnología moderna para ofrecerle al público algo nunca visto en el cine” dejando en claro que no quería transformar la historia en la fantasía convencional, sino conectarlo a lago más real, bajo ese ideal trabajo durante 7 años en cada detalle para que todo fuese perfecto. El equipo que lo acompaño también fue crucial en la creación de la obra maestra, con un ambicioso, extenso y “perfecto” reparto, un equipo especialista donde destacaron cada uno de ellos, pero podemos recalcar la participación de los ya nombrados guionistas, la producción de Barrie Osborne (“Matrix”, “The Great Gatsby”, la fotografía de Andrew Lesnie (“Babe”, “King Kong”, “Happy Feet”, “Soy leyenda”). A modo personal la película (y también la saga) me parece una obra maestra, retrata casi calcada la historia y atmósfera del libro, logra entregar ese mundo fantástico creado en el papel al llevarlo a la pantalla y consigue generar el sentimiento de desesperanza por el fatídico desenlace en la guerra y al mismo tiempo esa euforia irracional con la historia de los héroes en esta. La segunda en especial logra narrar con una maestría destacable las tres historias que se desarrollan paralelamente y llegando a unirlas para el mismo fin sin perder jamás el hilo de la historia, manejando el ritmo y los diálogos a modo de conectar todo el tiempo al espectador con la imagen, sin dejar de lado el sonido destacable, inmersivo, completo y una postproducción destacable con creaciones digitales y cortes placenteros, unos paisajes hermosos que dan la idea de haber sido creados para la historia, al fin y al cabo, el señor de los anillos se destaca y será recordada en la historia del cine como una obra maestra y una adaptación excelente.


Año 1990 País Chile Dirección y Guión Gonzalo Justiniano Producción Arturo Peraldi, Paulo Vera, José Rojas Dirección de Fotografía Gastón Roca Dirección de Arte Francisco Cañete Montaje Claudio Martínez Idioma Español


Caluga o menta nos presenta la realidad marginal del Chile post dictadura, un país quebrado, con la cicatriz del pasado en el transcurso de la democracia, donde los jóvenes ven el tráfico, el robo, la prostitución como la única manera de sobrepasar la precaria calidad de vida que predominaba en los sectores más pobres, debido a la decisión del gobierno de impulsar el crecimiento empresarial, económico e incluso político del país dejando de lado la calidad de vida. Niki es un joven atrapado en esta realidad, rodeado por las peleas de su hermana con su pareja, los problemas de su madre y su propia cesantía y desesperación. Lamentablemente la película no alcanzó la participación de algún festival y no tiene mayor reconocimiento que el de los espectadores y los seguidores del cine chileno. Este fue el primer largometraje de cine de ficción de Gonzalo Justiniano (Amnesia, Tuve un sueño contigo), en él podemos ver con claridad su recurrente interés por el tema sociológico y la perfección en la que se retrata la realidad del contexto. Una obra de culto nacional, de un ritmo lento pero compensado con un desarrollo de personajes muy elaborado, el enfoque social y crítico de la película realza el sentimiento de abandono, que sentía el sector más bajo, por el gobierno y (como dijimos antes) con un retrato a la perfección de la realidad del momento desde el punto de vista de la clase baja.


El Séptimo Arte  
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