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MARTE

contemporáneo

MOVIMIENTO

DE

JÓVENES,

A R T I S TA S ,

C O L E C C I O N I S TA S

Y

E N T U S I A S TA S

C O N L A F I N A L I D A D D E S E R U N V E H Í C U L O PA R A A P O YA R A L O S P R O Y E C T O S RELACIONADOS AL ARTE CONTEMPORÁNEO DEL MUSEO MARTE QUE ABONEN A

LA

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C U LT U R A

NACIONAL

MARTE

CONTEMPORÁNEO

IS

A

MOVEMENT

OF

YOUNG ENTHUSIASTS, ARTISTS, AND COLLECTORS AIMING TO SUPPORT THE


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MARTE contemporáneo

MARTE contempoáneo

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MARTE CONTEMPORÁNEO IS A MOVEMENT OF YOUNG ENTHUSIASTS, ARTISTS, AND COLLECTORS AIMING TO SUPPORT THE CONTEMPORARY ARTS PROGRAM AT THE ART MUSEUM OF EL SALVADOR (MARTE).

The Museum program (interventions, lectures, collection, cultural exchanges, internships, etc.) are set forth by the Programs Director of the Museum.

MARTE Contemporáneo’s board of directors is composed of a group of six volunteers that include 4 young business persons and 2 artists with the goal of unifying and directing members of this movement with the following objectives:

MARTE Contemporáneo will attempt to challenge existing barriers that contemporary art faces in the traditional Salvadoran culture. It will introduce new proposals which will benefit primarily the artists and at the same time encourage a young and middle age public to contribute to this artistic sector through sponsorships, donations, exchanging ideas and collecting.

• •

Obtain feedback from MARTE Contemporáneo’s audience to make recommendations to the Museum Programs Director Spearhead fundraising events Find and present new ideas and proposals to the Programs Director Help grow the Museum’s Contemporary Art Collection Support independent proposals

MARTE CONTEMPORÁNEO ES UN MOVIMIENTO DE JÓVENES, ARTISTAS, COLECCIONISTAS Y ENTUSIASTAS CON LA FINALIDAD DE SER UN VEHÍCULO PARA APOYAR A LOS PROYECTOS RELACIONADOS AL ARTE CONTEMPORÁNEO DEL MUSEO MARTE QUE ABONEN A LA CULTURA NACIONAL.

Los proyectos del Museo MARTE (intervenciones, charlas, colecciónes, intercambios, pasantillas, subvención de proyectos alternativos etc.) son decididos por el Director de Programación del Museo. MARTE Contemporáneo se constituye con una junta directiva conformada por seis voluntarios: 4 jóvenes empresarios y 2 artistas con el fin de unir a todos los socios de este movimiento con los siguientes objetivos:

• • • •

Obtener retroalimentación de las necesidades de la audiencia de MARTE Contemporáneo para presentarlas al Director de Programación del Museo. Liderar eventos benéficos Presentar propuestas novedosas al Director de Programación del Museo Colaborar a crecer la colección de arte contemporáneo del Museo. Apoyar propuestas independientes al Museo MARTE.

Marte Contemporáneo no pretende ser la solución para todos los desafíos que el arte contemporáneo tiene en El Salvador. Es sencillamente una pieza del rompecabezas que tiene las mejores intenciones llevando propuestas interesantes que beneficien primordialmente a los artistas; y a la vez impulsar a sus amigos a que se conviertan en patrocinadores de este gremio haciendo donaciones, patrocinios y eventualmente convirtiéndose en coleccionistas.

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AGRADECIMIENTOS ACKNOWLEDGEMENTS Board

Maria Elena de Altamirano Matia Borgonovo Alfred Atanacio Cáder-Frech Carlos Calleja Ronald Morán Adriana Serpas

Advisory Board

Rafael Alas Mario Cáder-Frech Claudia Cristiani Roberto Galicia Kevin Kelsick Mauricio Giammattei Luis Ibarra Eli de Lindo Rodolfo Molina Carla Orellana Jorge Palomo Alexandra Regalado Lucia de Sola Ana Urquia

Sponsors

Mario Cáder-Frech Claudia Cristiani Correos de El Salvador Cre8tiv Juice Group/Brand Design DecoRent El Diario de Hoy Diprisa Galleria 1-2-3 Mauricio Giammattei Kevin Kelsick Negocios Internationales Olins & Co.

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Pepsi Super Selectors TACA La Tarjeta LatinLaundry.com Teatro Presidente Sr. Tenedor Vinos Santa Rita

MARTE Conpemporaneo Gifts to the Collection

Emilio Chapela Perez Christian Curiel Jason Ferguson Jason Middlebrook Gean Moreno Steven Vitiello Annie Wharton

Special Thanks to:

The Cre8tiv Juice Team: Sean Dougherty Barbarita Ramos Carlos Rodriguez La Fabri K/Colectivo de Artistas Visuales Clic.org.sv

Text Editing & Proofing

Lucia De Sola Alexandra Lytton Regalado Kalina Press

Book Design and Branding Design © Cre8tiv Juice Group, 2008 cre8tivjuice.com

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EL TÚNEL TRANSPARENTE TRANSPARENT TUNEL Cristina Gozzini 8

EL TÚNEL TRANSPARENTE, es una estructura de 3 metros de

alto, 2 metros de ancho y 4 metros de profundidad, construida con 3,262 hilos de nylon de los cuales penden igual número de bolas. Gozzini desencadena un diálogo con el espacio arquitectónico, haciendo una fusión sutil con su obra donde se redefine el espacio humano para sorprender al espectador. La artista crea en el visitante un deseo de involucrarse en una experiencia física e intelectual que pretende sobrepasar el puro deleite visual. Un aspecto sobresaliente en las obras de Gozzini es el impulso anti-narrativo con que ella trabaja. Esto la sitúa en una contracorriente a las tendencias dominantes en el país y en Centroamérica.

sobrepasar el puro deleite visual surpass mere visual delight TRANSPARENT TUNEL is a structure measuring 3 meters high,

2 meters wide and 4 meters deep, and made of 3,262 nylon strings from which lead balls hang. Gozzini dialogue with the architectural space, making a subtle fusion with her work of art, where human space is redefined to surprise the visitor. The artist creates the desire in the visitor to get involved in a physical and intellectual experience that intends to surpass mere visual delight. An outstanding aspect in Gozzini’s work is her anti-narrative impulse. A fact that situates her in a current opposite to the dominating tendencies in the country and in Central America, at least at the time of her participation two years ago.

Curated by Jorge Palomo, Rodolfo Molina, Mario Cáder-Frech

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De acuerdo con la artista, la obra toca el tema de cómo la creación artística es entendida y percibida por el visitante, además de cómo pensar en cuanto a la vida cotidiana y el arte.

la creación artística es entendida y percibida perceives and understands artistic creation

THE WORK OF PETROPOULOS breaks from the selection of Latin-American paintings

within the socio-historical genre which covers a time period from 1529 to 1998 and meets linguistic and pictorial criteria for its selection. The selection process began with paintings made in El Salvador and was extended to work made throughout Latin America. Every work selected was represented by the artist at MARTE in their minimal form of expression based on color or geometrical shapes. The physical representation of the work was reproduced in vinyl, chalk, and painting on the walls and glass existing in the space of the intervention. Visitors found themselves between walls that showed the representations of the artists, which where situated one in front of the other; a bench was strategically situated in the middle to force the viewer to have a direct appreciation of the work. To complement the work, a sound installation of musical recordings from public places continuously played in the background. Both components, the visual and the sound, were important for the walk-through inside the intervened space, as well as the activity and the corporal movement of the visitor while contemplating the work of art. According to the artist, the work of art makes reference to how the visitor perceives and understands artistic creation, and reflects on what one thinks about daily life and art.

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Curated by Jorge Palomo, Rodolfo Molina, Mario Cáder-Frech

ReneÉ Petropoulos

El visitante se encontraba entre las paredes que mostraban las representaciones de la artista, las cuales estaban una frente a otra, con una banca para el público colocada en el centro, para facilitar la observación puntual de la obra. Como complemento, una banda sonora con grabaciones musicales en espacios públicos se escuchaba en el fondo; ambos componentes, lo visual y el sonido, son importantes dentro de la experiencia del recorrido del espacio intervenido, así como la actividad y el movimiento corporal mientras el visitante contempla la obra.

(2) PROTOTYPE FOR THE HISTORIES OF PAINTING: (EINGROUPING); SOCIAL HISTORICAL LATIN AMERICA

LA OBRA DE PETROPOULOS parte de la selección de pinturas latinoamericanas dentro del género “socio-histórico”, las cuales abarcan un lapso de tiempo de 1529 a 1998 y tienen que cumplir con criterios lingüísticos y pictóricos para su selección; este proceso comenzó con pinturas hechas en El Salvador y se extendió toda Latinoamérica. Estas obras fueron representadas en MARTE en su mínima expresión, a través de formas geométricas y de color, utilizando vinilos, yeso y pintura sobre las paredes y las vidrieras del espacio de la intervención.

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HABITACIÓN INFANTIL CHILDRENS ROOM

LA IDEA DE HABITACIÓN INFANTIL es ironizar la violencia que se genera dentro del hogar forrando las paredes, el suelo, y los objetos de una habitación infantil con un material que simula el algodón o peluche blanco para provocar un aspecto de juego, inofensivo y dulce, donde un niño puede descansar y sentirse cómodo. Es ese el entorno donde los padres de familia en su afán de proteger a sus hijos de un mundo exterior, hostil, violento e inseguro como es la calle, proporcionan un ambiente necesario para generar algún tipo de distracción. Sustituyen el aire puro por 4 paredes donde se puede estar “protegido” y distraído por medio de juguetes, equipos electrónicos conectados a la TV o videos juegos, donde la característica más notable es el mercadeo de la violencia. Estos juegos para muchos padres son aceptados como una ayuda para la diversión, la distracción y la liberación del estrés con que se mantienen sus hijos, pero no se percatan de las consecuencias: desequilibrios emocionales, insensibilidad y alejamiento del dolor y la compasión por los demás, al asimilar fácilmente conductas agresivas aprendidas por lo que ven en sus súper héroes, que son capaces de aniquilar en segundos con armas parecidas a las que se encuentran en sus casas.

inofensivo y dulce harmless and sweet

Ronald Morán

THE IDEA BEHIND CHILDREN’S ROOM is to ironically represent domestic violence

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by covering the walls, the floor and the objects found in a child’s bedroom with a material that simulates cotton or the white stuffing in stuffed-animals in order to give the appearance of playfulness, a place harmless and sweet where a child may rest and feel comfortable. It is within this environment, created by parents in their effort to protect their children from the hostility, violence and insecurity in streets and the outside world, where one finds a chance for distraction. These types of spaces, provide for a substitution of fresh air in exchange of 4 walls where there is “protection” and distraction through toys, electronic equipment connected to TVs or video games where violence stands out. For many parents, these games are accepted as entertainment, distraction and release of stress for their children without realizing the direct consequences for their children, such as the possibility of developing of emotional disorders, insensibility and distance from pain and compassion for others, while easily absorbing aggressive behaviors from super heroes who are able to kill in seconds with weapons similar to the ones found at their houses.

Curated by Jorge Palomo, Rodolfo Molina, Mario Cáder-Frech

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La historia del sistema Internet puede apreciarse como un intrincado proceso de gestación social, en el cual en un acelerado espacio de treinta años se ha creado el futuro de nuestra interacción. Con la popularización masiva de la red nos hemos encontrado con una serie de posibilidades comunicativas: el correo electrónico, mensajes instantáneos y hasta los periódicos electrónicos o blogs. CHAT ROOM surge de la serie ME SIENTO TAN SOLO CUANDO ESTÁS OFFLINE, una serie de retratos en donde buscó las relaciones de dos elementos de las nuevas comunicaciones online: lo cálido inherente a las necesidades de las que surgen, y lo frío del formato en que éstas se desenvuelven.

CHAT ROOM CHAT ROOM

Nuestras formas de comunicación se han modificando radicalmente en las ultimas décadas; en este proceso se han popularizado las más nuevas tecnologías para la interacción digital y se han establecido los nuevos procesos mediante los cuales nos comunicamos y nos relacionamos.

A escasos dos metros de separación dos usuarios se conectan. Un cubículo les impide verse cara a cara, tocarse. Su único medio de comunicación es un manojo de cables y una interfaz gris para charlar en la computadora siempre encendida.

cálido inherente a las necesidades de las que surgen inherent warmth of the communication’s necessities frio del formato en que éstas se desenvuelven coldness of the format in which these develop

With the massive spreading of the Internet, we have access to a series of communication possibilities: e-mail, instant messages, electronic newspapers or blogs; all these possibilities have been exploited. CHAT ROOM is part of I FEEL SO LONELY WHEN YOU ARE OFFLINE, a series of

portraits in which I seek the relationship between two aspects of the new online communication: the inherent warmth of the communication’s necessities, and the coldness of the format in which these develop. Two people are connected to the Internet, at the short distance of two meters. A cubicle interferes between them, not letting them see or touch each other. The only form of communication is a bunch of wires and a gray interface that allows chatting through the computer which is always on.

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Curated by Jorge Palomo, Rodolfo Molina, Mario Cáder-Frech

Eduardo Chang

Communication has radically changed in the last few decades. New technologies for digital interaction have become more popular and new processes of communication and interaction have been established. We can see the history of the Internet as a complicated process of social gestation, through which the future of our interaction has been created in a period of thirty years.

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Tejido que por su calidad y cualidad se adecua a la construcción de la red, por su elasticidad adquiere la forma de su soporte (por ejemplo palmeras, y piedras).

CANCÁN PETTICOAT

CANCÁN: panty, pantimedia, media adherente que cubre la pierna entera hasta la cintura, su uso más frecuente está dado por mujeres; se elabora por lo general con lycra, muselina o filamento y viene en diversos colores.

Estos cancanes contienen vestigios de las personas que los han usado, en este caso mujeres. Es un objeto cultural que permite entrever o imaginar historias únicas e irrepetibles; lugares transitados y recorridos son impregnados en los cancanes recorridos. La colección de los cancanes se formó a través de una convocatoria. A cambio del cancán entregado, Isabel les pintaba las uñas a las donantes.

historias únicas e irrepetibles unique and unrepeatable stories PETTICOAT: pantyhose, stockings; a one-piece female undergarment

A fabric that adapts to the web’s construction due to its quality; its elasticity allows it to take the shape of its support (for example, palm trees and rocks). These pantyhose have traces of the people who have worn them, in this particular case, women. It is a cultural object that allows one to see through or imagine unique and unrepeatable stories; the places traveled are impregnated in the pantyhose. In order to form this collection, women were asked to donate their pantyhose and in exchange, Isabel painted their fingernails.

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Curated by Jorge Palomo, Rodolfo Molina, Mario Cáder-Frech

Isabel Caccia

that consists of hosiery made with a panty -—commonly used by women; usually made of lycra, muslin, or filament that comes in different colors.

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MANDALA MANDALA

MANDALA (LIBERACIÓN INTERIOR) es una intervención utilizando aproximadamente

15,000 etiquetas autoadhesivas redondas de diferentes tamaños y colores sobre un vidrio transparente de 11.22 x 4.16 metros. Las mandalas son diseños comúnmente ejecutadas por monjes tibetanos como un ritual en busca de la paz interna, realizados con arena por ser un medio efímero. Esta obra luminosa logra desprenderse de los diseños originales tibetanos y convertirse en un diseño único después de un trabajo meticuloso pegando cada etiqueta a mano, convirtiendo el proceso de elaboración en una herramienta de meditación. Las pinturas de mandalas de Camila Sol mezclan la abstracción fría y geométrica con la carga emotiva de sus meditaciones. Adicionalmente, estas pinturas rompen con la tradición en el arte de “no tocar,” ya que son obras dirigidas tanto al público vidente y al no vidente como parte de su proyecto Punto Ciego. Según Mario Cáder-Frech, “Camila incorpora la idea de trascender identidades y fronteras nacionales a través de su obra, pero, a través de detalles, uno también puede reconocer la presencia de sus raíces nacionales.”

meditacion meditation

CAMILA SOL

MANDALA (INTERIOR LIBERATION) is an intervention using 15,000 self-adhesive round labels of different sizes and colors placed on a clear glass that measures 11.22 x 4.16 meters. Mandalas are commonly designed by Tibetan monks as a ritual in search of internal peace. They are made on sand due to their ephemeral characteristic.

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This particularly luminous work of art manages to stand out from the original Tibetan designs in the way that it becomes a unique design after the meticulous sticking of the labels, thus making this process of elaboration a form of meditation. The mandala paintings made by Camila Sol combine the geometric and cold abstraction with the emotional component of her meditations. In addition, these paintings break away from the prohibition of “do not touch” since they can be enjoyed by a blind public as much as the public that is able to see; this aspect is part of her project Blind Spot. According to Mario Cáder-Frech, “Camila incorporated the idea of crossing national borders and identities with her work, however there are details that let us recognize her national roots.”

Curated by Jorge Palomo, Rodolfo Molina, Mario Cáder-Frech

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BORDADO DE PARED EMBROIDERY ON THE WALL Verónica Vides 20

El trabajo que Verónica viene desarrollando desde hace un tiempo es realizado con materiales de residuo que producimos los humanos, residuos de la industria y la construcción. En cuanto a las formas tridimensionales que hace, hay una clara referencia a formas de la naturaleza, patrones que se encuentran en ella y se repiten constantemente. La más repetida por la artista ha sido inspirada en las raíces de los árboles de mangle, en raíces de soporte, curveadas y fuertes, que el árbol desarrolla para poder crecer en tierra inestable y movediza como la de las costas y además con poco oxígeno, así como hemos crecido nosotros en Centro América, en un suelo movedizo e inestable, literal y metafóricamente. En la instalación BORDADO DE PARED, 2007 Verónica usa la síntesis de esta forma; el arco, un solo movimiento, de volver, de abrazarse a sí mismo, de encorvarse para protegerse, de hacer caparazón, de tomar postura de bebé; en un intento circular, el abrazo. Este “bordado”, creado libremente utilizando el “patrón” de hierro chatarra, se convierte en un dibujo que por su tridimensional cobra vida con las sombras que genera y termina de dibujarse según la luz que recibe. Un bordado es más bien anárquico y orgánico antes que racional o simétrico.

con poco oxígeno with little oxygen Verónica developed her ideas over time through the use of industrial and construction scrap material, materials produced by humans. There is a clear reference to nature in the three dimensional forms that she creates: patterns found in nature that constantly repeat themselves. The form most often repeated by the artist was inspired by the roots of mangrove trees; their supporting roots, curved and strong, grow on shifting and unstable land such as the Land near the coast. These trees also have the characteristic of being able to grow with little oxygen, similar to the way we have grown up in Central America: on a shifting and unsteady land, literally and metaphorically. In the installation EMBROIDERY ON THE WALL, 2007, Veronica uses the synthesis of this form - the arc, a movement, a turn, embracing oneself, a curve of protection, making a shell, to take up the posture of a baby —in a circular movement, an embrace. This freely created “embroidery”, using the patterns of scrap iron, becomes a drawing and comes alive through its three-dimensionality and the shadows it generates; the drawing process is completed by the different kinds of light it receives. This is an anarchic and organic embroidery, rather than rational or symmetric.

Curated by Janet Phelps, Rosina Cazali Escobar, Mariangela Capuzzo

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Como respuesta al interés de Verónica Vides y lo efímero, y lo que se descarta como desperdicio, el artista optó por utilizar aparatos de sonido de segunda mano, aprovechando la diversidad que pueda presentar al disponer sólo de lo que se encuentra en las tiendas de artículos usados.

crear un puente entre el tiempo y espacio create a bridge between time and space For the last few years Stephen has been particularly interested in field recordings. The experience of listening to an environment through the heightened sensory world of the microphone, recorder and headphones is like a fantastic magnifying glass for the ears. At best, it is like an aural zoom lens for the imagination. The goal, of course, is to hear something in a new way in each recording. In TEN SOUNDS I’LL BRING, TEN SOUNDS I’LL TAKE HOME Stephen presents a “soundscape” with ten recordings from Virginia and ten recordings from El Salvador. With this work he seeks to create a bridge between time and space combining the place of his home and that of the immediate findings in San Salvador. This is a layered sound work that at times may distort the distinction between the two places, while also allowing for “solos” in which the similarities and differences are clear. In response to Verónica Vides’ interest in the ephemeral, and that which is often thrown away or cast out, the artist chose to use speaker sets bought at a thrift store upon his arrival in San Salvador, looking for the diversity this opportunity would offer to his installation at MARTE.

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Curated by Janet Phelps, Rosina Cazali Escobar, Mariangela Capuzzo

Stephen Vitiello

En TRAJE DIEZ, DIEZ LLEVARÉ A CASA, Stephen presenta un “paisaje de sonido” con 10 grabaciones hechas en Virginia y 10 hechas en San Salvador. Con la pieza de sonido hecha en San Salvador, Stephen busca crear un puente entre el tiempo y espacio de la pieza que él trae de Virginia y lo que encuentra en San Salvador. Este es un trabajo con sonidos sobrepuestos, donde se perderá la distinción de proveniencia de los sonidos, pero también habrá momentos para disfrutar los sonidos por separado, que servirán para comparar similitudes y diferencias.

TRAJE DIEZ, DIEZ LLEVARÉ A CASA TEN SOUNDS I’LL BRING, TEN SOUNDS I’LL TAKE HOME

En los últimos años, a Stephen le ha interesado trabajar con grabaciones de campo, las cuales transforma en experiencias auditivas magnificadas del ambiente. El micrófono, la grabadora y los audífonos, ayudan al acercamiento de estos sonidos, de la misma forma que una lupa lo haría para un texto o una imagen. La idea es descubrir, captar y escuchar sonidos en diferente forma en cada grabación, y al escuchar estas grabaciones propiciar un zoom en la imaginación del visitante.

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SIN TÍTULO UNTITLED

Jason trabaja con el concepto de la convivencia de los seres humanos y el medio ambiente dentro del espacio conocido como “ciudad”. Esta ciudad se convierte en un lugar de tensión para la naturaleza y el ser humano, donde ambos presionan para estar presentes. SIN TÍTULO (sólo San Salvador puede inspirar el camino), es producto de la experiencia del artista en la ciudad de San Salvador, en la cual a través de la práctica del salvar y reciclar, ha construido algo de la “nada”. Ha hecho una transformación de elementos y materiales descartados a un objeto de utilidad, proceso donde, según él, ocurre el quehacer artístico.

La intención del artista al construir esta banca, es crear un puente entre la comunidad y la institución (MARTE), para que, una vez instalada permanentemente dentro del museo, sirva como recordatorio de la importancia de la sostenibilidad dentro de las cambiantes economías globales que se forman en nuestras ciudades.

ambos presionan para estar presentes both fight to remain present

Jason Middlebrook

Jason works with the concept of the interaction between human beings and the environment within that space we know as the “city”. The city becomes a place of tension for nature and human beings because they both fight to remain present.

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UNTITLED (only San Salvador can inspire the way) is the outcome of the artist’s experience in San Salvador. During this time, Jason, through saving and recycling, has built something out of “nothing”. He has transformed discarded elements and materials into a useful object; this process, according to the artist, is where art happens.

By building the bench, the artist’s intention is to create a bridge between the community and the institution (Museo de Arte de El Salvador – MARTE) and once the bench is installed inside the museum, it will be a reminder to the importance of sustainability within our ever changing global economies, economies that are formed in our cities.

Curated by Janet Phelps, Rosina Cazali Escobar, Mariangela Capuzzo

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La participación de voluntarios y de donantes en el proceso de la “creación” de la obra, hace que este grupo de personas esté directamente involucrado en la exhibición, esperando de cierta forma que se sientan obligados a atender el evento de inauguración o visitar el museo mientras dure la obra expuesta, ya que tendría que existir algún interés en ver cómo se utilizaron sus donaciones. Además, es una intención del artista, al presentar La Bondad de los Desconocidos, presenciar una multitud de personas, que normalmente no visitan los museos, presentes el día de la apertura, solucionando de esta forma un problema con el cual el arte y los museos luchan constantemente:

The second part of this intervention occurs inside the museum, and it consists on displaying the “work of art” conceived with the funding collected. The object (work of art) has not been altered and its purchase depends completely on the amount of the money collected. Only until his arrival in San Salvador did the artist think about the object to be exhibited in accordance with the amount of money collected – it was an on-the-spot purchase. The object chosen for everyday use, within the traditional parameters used to identify a “work of art”, would not be considered as such. The artist also wanted the object to be something useful for the public who initially donated the money for the purchase of the work of art, now in exhibit at the MARTE. In having donors and volunteers participate in the process of “creating” the work of art, the artist directly involves them in the exhibit, hoping in a certain way that they will be feel obliged to attend the inauguration event or visit the museum out of curiosity to know what was acquired with their donations. Also, in presenting La bondad de los Desconocidos (The Kindness of Strangers), it is the intention of the artist to present, on the day of the opening, a multitude of people who usually do not attend museums, this way solving a problem that art and museums fight against: THE INTEREST OF THE PUBLIC.

EL INTERÉS PÚBLICO.

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Curated by Janet Phelps, Rosina Cazali Escobar, Mariangela Capuzzo

obra de arte work of art

EL INTERÉS DEL PUBLICO THE INTEREST OF THE PUBLIC

La segunda parte de la intervención es dentro del museo, y consiste en la exhibición del objeto que ha sido comprado con las donaciones recaudadas. Este objeto no ha sido alterado y su compra depende completamente del monto de las donaciones. La idea del objeto exhibido no fue pensada hasta que el artista llegó a El Salvador y conoció la cantidad de las donaciones – fue una compra del momento. El objeto pensado para uso diario, dentro de los parámetros conocidos para identificar una “obra de arte”, no sería considerado como tal. El artista también pensó que fuera de uso para el público, quien inicialmente dio los fondos para obtener la obra de arte hoy en exhibición en MARTE.

The first part of Bert’s intervention consists in a group of volunteers doing a fundraiser in the streets of San Salvador. They carry a t-shirt and a container identified with a logo that represents the Bert Rodriguez Foundation, which validates their act of asking for money. These volunteers situated themselves in diverse intersections of the city and some malls and asked for donations to create a work of art at the Museo de Arte de El Salvador (Art Museum of El Salvador) MARTE.

Bert Rodriguez

La primera parte de esta intervención consiste en que un grupo de voluntarios recorren las calles de San Salvador para recaudar fondos. Ellos llevan una camiseta y una alcancía identificados con un diseño que representa la Fundación Bert Rodríguez que los valida para recolectar las donaciones del público. Estos voluntarios se ubicaron en las esquinas de intersecciones activas y centros comerciales pidiendo donaciones para la creación de una obra de arte en el Museo de Arte de El Salvador (MARTE).

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SE BUSCA WANTED

En SE BUSCA, Danny trata el tema de los comerciantes del sector informal que a diario se observan en las calles de San Salvador. Ellos se nos presentan con evidente exceso de malicia, que como personajes de una película “holywoodense”, resultan ser los malos necesarios de la “película”, en este caso, dentro de la sociedad salvadoreña. Ellos serán siempre los outsiders de la economía, que si bien la dinamizan con su esfuerzo, serán siempre observados con recelo y desconfianza por su supuesto estado indigno y profesión de reputación dudosa. Aunque su medio de trabajo —el comercio informal— sea un recurso de subsistencia y una fuente de trabajo dentro de un sistema que no logra eliminar ciertos círculos viciosos, obligando a los menos afortunados a ingeniar formas de supervivencia. El interés del artista al abordar este tema, es el de provocar reflexión ante los fenómenos actuales de la sociedad salvadoreña. Danny Zavaleta y Bert Rodríguez se complementan en Intervenciones 2007. Aunque los dos se refieren al mismo tema, cada uno lo aborda desde una perspectiva diferente, dándole al público una visión amplia del comercio pirata y su mecanismo.

outsiders de la economia outsiders of the economy

Danny Zavaleta

In WANTED the artist deals with the merchants of the informal sector daily seen in the streets of San Salvador. They come to us with an evident excess of malevolence, and just like a Hollywood movie, they become the necessary bad guys of the film, in this particular case, within the Salvadoran society.

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They will always be the outsiders of economy, even though they do contribute with their effort. They will always be seen with mistrust due to their assumed despicable state and profession of a doubtful reputation; despite the fact that their occupation —the informal sector— is their means of subsistence and a source of income within a system that has not been able to eliminate certain vicious circles, making the less fortunate seek creative ways to survive. By dealing with this topic, it is the interest of the artist to initiate a reflection among the viewers regarding current issues in Salvadoran society. Danny Zavaleta and Bert Rodriguez complement each other in Intervenciones 2007. They both touch upon the same topic but from different perspectives, allowing the public a complete understanding of pirate merchandise and its mechanics.

Curated by Janet Phelps, Rosina Cazali Escobar, Mariangela Capuzzo

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I DREAM OF THE STANS reunió los trabajos de siete de los artistas (y de los equipos) más importantes del área: Vyacheslav Akhunov (1948), Rahraw Omarzad (1964), Almagul Menlibayeva (1969), Jamshed Khalilov (1962), Gulnara Kasmalieva (1960) y Muratbek Djumaliev (1965), Said Atabekov (1965), Julia Tikhonova (1978) y Rustam Khalfin (1949).

ignorada por el resto del mundo overlooked region of the world

I DREAM OF THE STANS I DREAM OF THE STANS

La exhibición fue realizada por la curadora independiente Leeza Ahmady, Murat Orozobekov y Edward Winkleman. En ella se examina un conjunto de trabajos nuevos que emergen con fuerza en esta región, a menudo ignorada por el resto del mundo. Desde la increíble aclamación de los críticos para el primer Pabellón de Asia Central en la Bienal de Venecia 2005, compuesto por artistas contemporáneos de Afganistán y de las ex repúblicas soviéticas de Tajikistán, de Uzbekistán, de Kazakhstán y de Kyrgyzstán, se ha incrementado la atención de los curadores, museos y galerías occidentales hacia los artistas contemporáneos de esta región. La mayor parte de la reciente atención se centra en los extraordinarios trabajos de videos monocanales y multicanales producidos en esta área, hecho que es a menudo atribuido a la persistencia de la antigua tradición local de narración de cuentos, teatro callejero y elaboración de tejidos.

Co-curated by independent curator Leeza Ahmady, Murat Orozobekov, and Edward Winkleman, the exhibition surveys the range of powerful new works emerging from this often overlooked region of the world. Since the incredible critical acclaim that greeted the first Central Asian Pavilion at the Venice Biennale in 2005, contemporary artists from Afghanistan and the former Soviet Republics of Tajikistan, Uzbekistan, Kazakhstan, and Kyrgyzstan have drawn an increasing amount of attention from Western curators, museums and galleries. Most of the newfound attention centers on the remarkably strong single- and multi-channel video works produced in the region, a fact often attributed to the region’s centuries-old traditions of storytelling, street theater, and weaving. I DREAM OF THE STANS brings together works by seven of the area’s most important artists (and teams) including Vyacheslav Akhunov, Rahraw Omarzad, Almagul Menlibayeva, Jamshed Khalilov, Gulnara Kasmalieva & Muratbek Djumaliev, Said Atabekov, and Julia Tikhonova & Rustam Khalfin.

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In collaboration with: Janet Phelps and Winkleman Gallery, NY

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Para la muestra en MARTE, “The Suz” presenta un escenario que consiste de una cocina (falsa) construida específicamente para presentar un show de cocina con la anfitriona Suz frente a una audiencia en vivo. El estreno del show consiste en una demostración de cómo prepara una receta “falsa real” oriental.

For the exhibition at MARTE, The Suz will be presenting a fabricated set that will consist of a custom designed (faux) kitchen, specifically constructed to accommodate a cooking show hosted by Sue in front of a live audience. This premiere episode and demo will feature the making of a special ³faux real² Asian dish.

Extracto del Show:

An excerpt about the cooking show: Sue, raised in the southern region of the United States, will colorfully detail how to create an “authentic” Asian dish. Her travels to all over the United States of America has taught her what it takes to make the quintessential Asian dish, just like the ones you have at your local Chinese restaurant. She may even share an ancient Chinese secret- a special ingredient only produced by The Suz.

“Sue” creció en la región sureste de los Estados Unidos y nos demostrara meticulosamente como crear un “autentico” plato oriental. Sus viajes através de todo el país la han expuesto ha obtener el conocimiento de cómo hacer el mas excelente plato oriental, así como se encuentran en los restaurantes de comida China. Posiblemente “The Suz” compartirá un secreto antiguo Chino de cocina que solamente ella lo sabe.

percepciones sobre autenticidad e identidad authenticity, identity, and perceptions 32

Curated by Silvia Karman Cubiñá

THE SUZ IN DA’ HOUSE THE SUZ IN DA’ HOUSE

The merging of all three “Suz” into a single entity is to fuse art and artist to form a brand or new authentic identity. As a real brand and “corporate mission”, “The Suz” is about bringing more to the table than the typical experience, it’s ³faux real authentic². Intrigued by the economy of the experience, The Suz will organize activities catered and devised to render an “authentic” experience incorporating installation, video, and performance. These multimedia projects are produced to challenge the boundaries between art, artist, and audience. Also, their symbolic presence as an authentically fake/real company, in the work is the catalyst to the development of a new series of experiencebased projects devised to address the notions of authenticity, identity, and perceptions.

Susan Lee-Chun

El objetivo de la fusión de las tres “Suz” en un solo personaje es para unir el arte y la artista para formar una marca o una nueva identidad autentica. Como una marca verdadera con misión corporativa, “THE SUZ” apunta a traer una experiencia única: falsa real autentica. “The Suz” organizará actividades meticulosamente diseñadas a prestar una experiencia autentica incorporando la instalación, video arte, y performance. Estos proyectos multimedia son producidos para retar las dinámicas entre arte, artista y espectador. También su presencia simbólica como una compañía auténticamente falsa/real cataliza el desarrollo de una nueva serie de proyectos experimentales haciéndonos preguntar en las percepciones sobre autenticidad e identidad.

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Marte Contemporaneo Booklet 2004_2008