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analogía
Workshop de acompañamiento, investigación, composición y reflexión coreográfica
Es un espacio de acompañamiento, indagación, creación y reflexión coreográfica para trabajos unipersonales, que reúne a cinco bailarinas independientes creadoras de diversos lenguajes estéticos y búsquedas cinéticas que han enfocado su trabajo en desarrollar sus lenguajes en solitario. Las participantes tienen trayectoria como intérpretes pero apenas inician sus creaciones personales. Es importante resaltar que con independiente se refiere a realizar un trabajo de investigación propio como respuesta a la necesidad de desarrollar una búsqueda personal y lenguajes diversos de la línea estética mas oficial. Este es uno de tres fanzines que se publicarán dentro del proyecto.
Auspiciante:
Bailarinas Creadoras: Natalia Buñay Velasco Denise Neira Vieira Gabriela Paredes Pazmiño Tani Revelo Flor Anna Jácome Ilustración y diagramación: Alegría Mateljan Cepeda Registro fotográfico y audiovisual: David Navarro
“Este proyecto ha sido beneficiario de los Fondos Concursables para Proyectos Artísticos y Culturales 2016- 2017 del Ministerio de Cultura y Patrimonio del Ecuador” .
Colaboradores:
Agradecimientos: Laura Corral Johana Sánchez Textos de coreógrafos invitados: Xavier Delgado Camila Enríquez Fernando Cruz
Diario de trabajo
GABRIELA PAREDES PAZMIÑO
…creí que iba a ser complicado abordar las premisas propuestas por las chicas, es decir, como acercarme a inquietudes que no son mías?... pero ahora incluso mi propuesta es un misterio……por lo pronto trabajo entendiendo como es mi esqueleto y como se mueve…como soy y como me muevo….me toco, todo el ensayo… me toco los huesos y me muevo…me toco y trato de entender…. o recordar?... porque mi cuerpo es cómo es?... no me gusta esta distancia, sería mejor decir porque soy como soy.. me quedo mucho rato en las chuecuras… y hay más de las que cachaba… y recuerdo a mis abuelas y sus vidas antes de ser mis abuelas… y me sorprendo moviéndome con las manos tanteando mi pelvis en formas que asustarían a las monjitas si entran en la capilla…
Conversaciones con Joha*: En el espacio puedes jugar con los objetos mirándolos de lejos o cerca. Puedes incluso atravesar paredes, puertas, sillas porque son objetos. Cuando hay públicos que están observando, no puedes mirarlos como objetos, puedes mirar al que está lejos, al que está cerca, pero no deberías atravesarlos. *Johana Sánchez ofrece un taller de la técnica Iasparra No trabajo con la idea de crear un personaje. La que está en escena soy yo. La que está atravesando el espacio…la que está articulando un discurso…soy yo…y eso es lo difícil… estoy desnuda…
….opción a mi premisa… “sin inicio ni final…o varios momentos de inicio y fin” un movimiento continuo, un esquema, o varios que se repiten, deformándose.. ..la premisa de la Tani apareció en un encuentro fuera del ensayo... la del “miedo” y recuerdo el todo es muy simple de Idea Vilariño y decido trabajar el peso de la pelvis… las piedras en los bolsillos del abrigo…
DENISE NEIRA Preguntas de la partitura. ¿Una actitud performática que nunca termine?, ¿Un recorrido que nunca acabe?, ¿Qué nunca termine el movimiento?. ¿es la respiración un ciclo continuo y eterno? No, hay un pequeño espacio de vacío, anticipación a la muerte. ¿Reacciones hacia lo biológico de la mujer?, ¿existen acciones instintivas como mujer o es un constructo social?. ¿Mis experiencias instintivas que han sobrevivido? El PLACER. --Caminar es instinto. ¿què realmente hago cuando camino? --Me gusta tener algo entre las piernas, me gusta la inmovilidad/limitación que se crea. Necesito llegar al placer. No sè si use lo de caminar pero me gusta como idea de primigenio, anterior a todo. El vientre, la maternidad, la piel, la deformación del cuerpo (miedo!). El mar. Retornar al baile- fiesta- lo simple- la erotización- la AUTOEROTIZACIÓN. ¿Repetición de pasos? ¿Crear patrones? Dejar que se sedimente el material. --Cadera-hombros. Los estertores, la hiper tensión de todos los músculos. Recordar la relación central. ¿qué pasa con el abdomen? Lo que se construye como imagen. --Me quiero sacar a todos de la cabeza, del cuerpo no. En el cuerpo me sirven sus recuerdos y lo que he sentido. Les agradezco el placer. De esto más o menos se trata esto. El sexo es una improvisación y yo asumo el personaje. Ensayar desde ese poder; desde la furia que han dejado en mi pelvis. También desde la suavidad del placer, de la gotas chorreándose, desde la penetración imperceptible. --Repetir todo lo bailado hoy. A lo mejor en la repetición encuentro la estructura. Descubrir la manera de sistematizar estos movimientos; o, descubrir una estructura. Dibujar una estructura.
NATALIA BUÑAY Acercamiento a las premisas por separado, a partir del movimiento auténtico y ejercicios de preparación de Taichi Agua K’an lo abismal, el agua Trueno Chen lo suscitativo, la semilla La energía del brotar y la intuición PREMISA GABA ESPIRAL, UROBOROS Investigación del movimiento de la columna vertebral como generadora del movimiento Incorporación de cabeza, brazos, cadera y rodillas. (Cambio de dinámica y ritmo) Probar el ejercicio de la repetición de Trisha Brown (creo que no funcionó muy bien). Probarlo más adelante cuando esté más claro mi “sistema” de movimiento. PREMISA DEE Movimiento auténtico por seguir investigando. Qué es lo qué hace que algo sea propio de uno? Los tiempos de crecimiento están rodeados de dificultades. Semejante a un nacimiento, estas dificultades provienen de la riqueza de factores que luchan por adquirir una forma. (hex. 3, Chung) PREMISA TANI Me pregunto al ser una premisa complicada para mi, cómo la puedo abordar sin REPRESENTAR… Qué estrategias puedo usar para desarrollar esta premisa? Manejo de mi propio peso Acción de sacar, expulsar BROTAR PREMISA ANITA Permitirme ver y sentir las imágenes, recuerdos y sensaciones que han surgido con esta premisa. Tacto sutil y partes olvidadas del cuerpo. LOS HUESOS. (Fuerza y sostén del cuerpo)
ANNA JÁCOME En una pecera un pez, gravita en la infinita gestación de la vida Este cuerpo moja sus deseos, enrollada en un prohibido sueño erótico Ya con manos libres alcanza su transparencia, contempla su pez interior
Cuál es el gesto elaborado de las manos antes de nacer? Abriendo el camino de la Madre Bailando con lo que no está El trazo sedujo mi mover, ví una enredadera de respiración Atenta escucho el inicio de la sensación, la dejo resonar en mis movimientos, espero su fin. Contemplo la transición que es quietud y de pronto creo estar bailando, el misterio se me aclara.
Tani Revelo Flor “ ES EL CUERPO EL QUÉ MANTIENE LA IMAGEN” “ RECORDAR EL CUERPO”
“ TOMAR EL ENTRENAMIENTO COMO HERRAMIENTA PARA LA EXPRESIVIDAD DEL CUERPO EN LA ESCENA “
“ MIEDO A QUE? , a la incertidumbre, la muerte , a no saber que sigue, a estar solo, a uno mismo, a no saber donde ir, para que, a la…..
Reflexiones sobre la creaciรณn Coreografxs invitadxs:
De mi experiencia como joven creadora en la escena dancística. Camila Enriquez
El acto de crear puede ser leído desde la necesidad intrínseca de una persona de viajar por el mundo de lo desconocido, una necesidad de construir un lenguaje para develar su vacío, su grandeza, su conflicto interno, su bella sensibilidad, su posición política y social frente al mundo. El acto de creación para Gilles Deleuze se expresa a través de la más absoluta necesidad en la que el creador se encuentra. Afirma que resistir es crear y crear es resistir; pero ni la resistencia ni la creación son actos comunes y corrientes relacionados a sujetos predeterminados. En cuanto a la comunicación con el espectador Peter Brook menciona “no proponemos ideas fijas ni mensajes cerrados. Sólo procuramos que el espectador sienta.Y cuando alguien siente, comprende”. No hay necesidad de transmitir un mensaje, la que ocurre es la movilización vital del espectador. En el proceso de creación de una obra coreográfica, se atraviesa por diversos momentos. El momento de alimentación: Es donde se recoge y procesa información. Esto generalmente sucede en el ocio o en la investigación; es el contacto con la literatura, la cinematografía, conversaciones, textos filosóficos, políticos, obras de danza, de teatro, exposiciones fotográficas, plásticas, puestas en escena, música, así como vivencias personales. Aquí se conceptualiza y disciernen los contenidos, se re- elaboran para converjan en una sola y única lectura, mi unidad como ser humano. El momento de la manifestación de las ideas Es un suceso en el cual la mente hace “Click”, se engancha con una imagen, con una sensación, idea, o con una lectura que hacemos frente a una situación. Es decir, substrae de toda la información que se mantenía contenida, algo que nos resulta significante, que nos atrae o que resuena para condensarse y dispararse como una idea o imagen. Es el momento donde se engrana el rompecabezas de información que responde a una movilización interna El momento de la creación Es uno de los instantes más honestos y aparentemente veraces. Aquí estás por tu estado interior, es genuino, deforme, sin orden aparente, es como es. Aquí todavía el trabajo no está condicionado. Es el momento del hacer, de la experimentación. Puede ser el camino más hermoso, es el trabajo con barro, amasas toda la información para modelar una solución concreta a una pregunta, a una necesidad o a una movilización. Empieza a materializarse una línea estética que responde al proceso anterior. Se re- elabora la información. La danza se va formando como una explosión de vida, en la que cobran sentido los estados de la condición humana, las estaciones de la vida… A veces se crea en invierno otras veces en verano..
El tejido. La elaboración del hilo conductor. Figurativamente aquí se teje el material generado. Se teje con un sentido que a veces es claro y consciente. En otras ocasiones es borroso y pareciera que inconsciente. Se toma una dirección que derivará en un tema. También es un momento en el que las cosas posiblemente se transforman. Había una orientación pero ésta puede tomar otro camino. Es importante poder abandonar las primeras ideas o ilusiones para dar paso a nuevos conceptos y comprensiones que permiten que la obra se desarrolle, crezca, madure, se fortalezca. Se toman decisiones, se escoge el material más asertivo. En ciertas ocasiones son intuitivas, afirmativas, otras veces difusas, otras veces lógicas. El material toma una expresión estética concreta que comunica. Último momento la edición Una vez que está listo el material coreográfico, se observa nuevamente la obra. Qué no es importante? Me quedo con aquello que es necesario, lo imperativo y esencial. Un lenguaje estético que me permita establecer un diálogo sensitivo y conceptual con el espectador. Preguntas en relación a la creación: Qué significa entregar al espectador un trabajo en el que se vislumbran los estados humanos? Es un espacio donde se genera un diálogo con lo esencialmente íntimo del espectador, un contacto con su belleza humana en la que se vislumbran los estados de la humanidad, dejando de lado la locura de los medios visuales de la sociedad, la tan decodificada información que subraya en lo definido, lo pragmático, en la que la imaginación y la sensibilidad han sido poco a poco desplazadas para que tenga lugar lo exageradamente nombrado, sin un sentido de misterio, de magia. Significa entregar a la audiencia un lugar donde la imaginación y el silencio llenen el espacio. Qué símbolos y metáforas están en una obra coreográfica? Me surge la necesidad de entender el mundo inherente de los seres humanos de los símbolos y arquetipos. El símbolo es una de las herramientas más potentes de la construcción de la cultura y del arte. Es el medio por el cual se comunica un significado, es aquello que se encuentra ‘dentro de’, más allá de lo que vemos. El símbolo es el lenguaje subjetivo que permite comunicar la obra coreográfica. El proceso de elaboración coreográfica trata de encontrar y construir los símbolos precisos que albergan la comunicación entre la obra y el espectador, quien los decodificará según su bagaje personal. Qué significa un trabajo coreográfico que no quiere Ser, sino que Es? Es un trabajo que responde a la honestidad del creador, a sus preguntas más genuinas. No responde a las expectativas de un público cargado de estéticas, que muchas veces pueden ser caducas e inducidas, sino que responde a su propia necesidad estética, con un lenguaje atractivo para sí mismo; y no solo eso, sino que está cargado de significantes que develan su sentido más profundo, y en tanto es honesto se encuentra ligado a toda la humanidad. Una vez finalizado este texto sobre mi experiencia como joven creadora, me es imprescindible citar nuevamente a Peter Brook “El teatro es como el silencio. Cuando se habla de él desaparece.”
LA CREACIÓN: EL TERRENO DE LO INCIERTO Fernando Cruz
Hay tantas formas de abordar un proceso creativo como tantos creadores, por lo que no considero que haya una manera correcta o incorrecta, como si se hablara de una receta. Sin embargo, y después de un sinnúmero de experiencias en este camino, he llegado a una idea que no la reconozco como una posición definitiva; pero sí como un principio.Y esta consiste en reconocer que hay factores imperdibles y vitales a la hora de enfrentarme con la creación. Para mí, una obra es una idea que va madurando hasta el punto de convertirse en una necesidad urgente por transmitir, resaltar o transgredir algo; es decir con el cuerpo lo que no alcanza a decirse con palabras.Y todo esto, acompañado de las infinitas posibilidades de crear atmósferas, situaciones y condiciones, que el arte en general nos permite y que en el cotidiano serían muy complicadas de realizar. Luego, están las personas que me acompañarán en el viaje, los bailarines y bailarinas. Compañeros de camino con quienes se han establecido previamente conexiones que nos unen a un propósito particular. Un viaje en el que se respetarán las individualidades, tan necesarias para el proceso.Y en el que cada uno aportará desde sus propios conocimientos, inquietudes y experiencias el material que irá conformando la pieza coreográfica, para luego poder sistematizar esos elementos hasta que la obra vaya tomando cuerpo. Otro de los elementos que considero a la hora de crear, sin que sea un factor influyente en el proceso y el resultado, es la visión del público. Es decir, ponerme en el lugar de la gente a la que quiero llegar, pienso en lo que me gustaría ver como espectador, lo que me movería y sacudiría. No es una cuestión de querer agradar, buscar aceptación o aprobación; sino más bien de tratar de ponerme en esos zapatos y pensar en las posibilidades y recursos que podría utilizar para generar algo en las personas, para provocarles algo y afectarlos. Crear una coreografía es un trabajo lleno de incertidumbre. En mi caso nunca sé a dónde me llevará el proceso. En el camino te vas encontrando con elementos nuevos que hacen que te replantees una y otra vez el tema o la idea hasta que te das cuenta que la obra va construyéndose por sí misma, y tú eres solo un intermediario con cierta sensibilidad que va guiando el camino, que en muchas ocasiones la obra decidió tomar.
La creación como ejercicio político para la construcción de la colectividad Xavier Delgado Vallejo
Haciendo una retrospectiva de mi actividad coreográfica en estos últimos 10 años, considero que ha estado poblada de mis vivencias personales, de mi búsqueda sobre el cuerpo, de mi camino ligado en sus inicios al teatro, de las múltiples preguntas que tengo sobre el fenómeno escénico, de los autores de teatro, los maestros que me han acompañado y de las obras que he podido ver, de mi firme convicción sobre la danza de grupo y la necesidad de un arte colectivo, de mi punto de vista sobre la sociedad y el tiempo en el que vivo, de las respuestas alternativas que hemos tenido que desarrollar los artistas independientes a un medio en donde casi no existe ningún apoyo o incentivo a los procesos y a la creación. Cada una de las obras bajo mi dirección, al momento de abordarla, comenzó de una manera diferente; quizás, el punto de coincidencia entre todas han sido el iniciar la pieza a partir de las necesidades que requería cada temática: siempre he iniciado la creación a partir de un proceso de investigación conceptual y corporal. La búsqueda casi siempre se ha iniciado en solitario y en un salón de ensayos, donde a partir de la nada y del espacio ausente inicia la creación. El silencio y la soledad, sin duda, son otro punto de partida en todas mis obras, cada montaje ha provenido de la necesidad vital de contar una historia, transformando mis emociones en imágenes, palabras, diseños de espacio y personajes. En mis primeras obras siempre escribía un guión, preparaba de antemano las partituras físicas, la dramaturgia, la música, los personajes que imaginaba siempre inspirado en las personas con quien trabajaría, sus historias de vida, coincidiendo casi siempre en que todos en el grupo nos hallábamos en una búsqueda similar. Considero que mi forma de abordar las obra en ese entonces era sumamente metódica, como se me había enseñado a hacer, quizás repitiendo formas y estructuras que provenían de una escuela y método más cercano a la danza moderna, o la necesidad social de repetir estructuras diseñadas para gustar, divertir o llenar teatros. Obviamente, en este proceso, también aprendí mucho del oficio de coreógrafo; los mecanismos para que tanto intérpretes y espectadores pudieran detonar emociones concretas. Luego, en una mirada introspectiva que decanta en generar procesos de transgresión nace Colectivo Zeta Danza y posteriormente la fundación de Espacio Vazio Ispade, que me han permitido la oportunidad de trabajar durante siete años con un elenco estable, casi siempre con los mismos intérpretes, todos empoderados de la idea de trabajo en colectivo como una forma de resistencia política a las estructuras artístico-hegemónicas también denominadas “industrias culturales”; todos apuntando a la generación de espacios accesibles a todas las propuestas escénicas, la necesidad de crear desde nuestros cuerpos y nuestra diversidad de formación, desde nuestros puntos de vista ideológicos, pero creyendo y confiando siempre los unos en los otros. Así comenzó otra etapa en mi forma de abordar la composición.
Ahora prefiero comenzar a partir de un universo de incertidumbres, no sé a ciencia cierta en qué termina la obra, además no se trata solo de mi punto de vista, sino que cada intérprete es, también, un creador, dado que trabajamos mucho desde las improvisaciones. Se le plantea al elenco un compendio de juegos escénicos que provienen de investigaciones ya hechas antes en solitario. Las relaciones entre los personajes y muchos otros elementos, ahora, se derivan de lo que sucede en ese momento, ya no buscando que los bailarines se muevan idénticamente, sino más bien resaltando la necesidad de los cuerpos de hacer y decir, utilizando todos los recursos de otras artes que enriquezcan la propuesta, trabajando a partir de las múltiples destrezas, no solo dancísticas de los intérpretes sino desde nuestra diversidad, desde la pluralidad de nuestros cuerpos, edades… adoro ver en escena cuerpos diferentes.
¿Qué considero importante al momento de la composición? Definitivamente la sinceridad y el deseo de lanzarse a un abismo, la exploración de la singularidad y el discurso que nos otorga el cuerpo de cada intérprete, la urgencia social de la historia que contaremos, la escucha y la confianza en los artistas -dado que esto suma un sinnúmero de nuevas combinaciones y universos-, la rigurosidad en los procesos -trabajamos todos los días por lo menos cuatro horas diarias con el Colectivo Zeta y lo consideramos ya un ritual; es vital también la mística que requiere el estar en escena, la libertad de la que que gozamos los artistas independientes para hablar de lo que se nos dé la gana, inclusive del intocable Estado o los mecanismos de poder que también tienen sus objetos-producciones escénicas. Atrevernos es lo más importante para dar ese paso, olvidarnos un poco del resultado final y creer en la belleza del camino, independientemente de lo que opine la crítica “especializada”, los artistas de moda, las tendencias; tal vez ese sea el paso a la construcción de un arte y una escena propia y auténtica.
analogĂa Quito-2017
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