Nº 14 - 20/02/15
FUNDAMENTOS
DEL COLOR CREA UNA OBRA CON PERSONALIDAD
PICTURE-TOONS PICTURE-TOONS UN EQUIPO CREATIVO CON GANAS DE ILUSTRAR
EXPOSICIÓN EXPOSICIÓN LOS LÍMITES DE LA LÍNEA
2.60€
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PICTURE-TOONS UN EQUIPO CREATIVO CON GANAS DE ILUSTRAR Alex Mathers y André da Loba nos hablan de los secretos de sus carismáticas ilustraciones infantiles.
EN PORTADA
2. FUNDAMENTOS DEL COLOR Los principios básicos de la utilización de color para conseguir una obra con personalidad.
14.
LOS LÍMITES DE LA LÍNEA La serie fotográfica Línea Discontínua nos muestra una manera diferente de ver los límites de la ciudad partiendo de la unión de lo urbano y lo rural.
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Fundamentos
del color
Los principios básicos de la utilización del color para conseguir una obra con personalidad
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artiendo de los tres colores primarios podemos establecer una serie de mezclas que nos llevarán a la obtención de una extensa gama de posibilidades. De hecho las teorías de la luz y el color demuestran que se pueden pintar todos los colores de la naturaleza con solo los tres colores primarios.
El color materia es el compuesto por pigmentos artificiales, tales como pinturas.
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Hay que distinguir entre dos tipos de color: el color luz y el color materia. El color luz es inmaterial proveniente del sol o proyectores artificiales: bombillas, llamas, etc. aunque se toma como referencia el proveniente del sol al mediodía. Se entiende por color materia el compuesto por pigmentos artificiales, tales como pinturas en sus diferentes modalidades: acrílicos, óleos, esmaltes, etc. Nosotros en nuestro hobby utilizamos evidentemente los colores materia (también llamados colores pigmento), pero es la luz inmaterial la que
incide sobre las cosas que vemos, también sobre nuestras figuras. El color, independientemente de si es luz o materia, se compone de tres colores primarios (se denominan así por ser únicos, se encuentran en la naturaleza y no provienen de ninguna mezcla). Partiendo de todos estos colores divididos en estas tres categorías se pueden obtener infinidad de mezclas. Por supuesto los resultados comentados atienden a combinaciones homogéneas. Alterando las proporciones se conseguirán variaciones. La utilización de los colores complementarios incrementa considerablemente las posibilidades de nuestra paleta. Dos colores, uno primario y uno secundario, son complementarios entre sí siempre que el primario no haya intervenido en la mezcla del secundario. Así el amarillo es complementario.
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En el círculo cromático se establecen los colores complementarios. Como se ve en el círculo cromático los colores complementarios entre sí se sitúan por pares, uno frente al otro. De acuerdo con este principio se pueden establecer los pares complementarios para los colores terciarios, por ejemplo: naranja-azul ultramar, carmín-verde esmeralda, verde claro-violeta. Es fácilmente comprobable que los colores complementarios son los que proporcionan mayores contrastes y en el gráfico siguiente se puede observar con claridad. Entrando en el aspecto práctico diremos que, generalmente, para oscurecer un color siempre podemos acudir a su complementario. Nos podemos ayudar con el negro, pero administrándolo bien. Con la cantidad de referencias de colores que hay en el mercado puede que nos resulte difícil saber cual es el complementario del que estamos utilizando, pero con un poco de observación podremos llegar a tener resultados bastante aproximados. También podemos recurrir a los distintos tonos con colores claros se pueden abordar
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desde una capa base más oscura. De esta forma las subidas que realicemos serán añadiendo principalmente el color claro que queremos reflejar. Por ejemplo, para tratar el blanco si partimos de un gris podemos ir incorporando pequeñas cantidades de color blanco (o un color hueso, marfil, etc.) a las subidas hasta llegar a las luces máximas que deseemos.
capa base más clara aplicaremos las sombras hasta el punto deseado. Las luces han de ser muy controladas, siendo mejor quedarse corto que pasarse.
Por supuesto podemos jugar con otros tonos como ocres y amarillos para dar una mayor riqueza cromática al resultado. Trabajar estos colores desde abajo nos resultará laborioso por la cantidad de subidas que tendremos que dar, pero nos permitirá controlar mejor la gradación. Para los colores oscuros el proceso de sombreado es el mismo pero a la inversa. Partiendo de una
Si partimos del gris podemos ir incorporando pequeñas cantidades de blanco.
Es fácilmente comprobable que los colores complementarios son los que proporcionan mayores contrastes y en el gráfico siguiente se puede observar con claridad.
Podemos jugar con otros tonos nomo ocres y amarillos para dar una mayot riqueza cromática al resultado.
La elección del soporte
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eneralmente los soportes para pintar al óleo se elaboran a partir de materiales orgánicos, como telas, cartones, madera, etc. Algunos han utilizado también pieles, láminas de metal, paredes, piedras, mármol, y otros. En el arte nada nos puede limitar la creatividad, simplemente tendremos que seguir algunas pautas que nos ayuden a que nuestra obra se agarre lo mejor posible a la superficie. En este
artículo nos referiremos a los tres soportes más usados: cartón, madera y lienzo. Cualquiera que sea el soporte que usemos, debe ser previamente preparado para que la pintura se adhiera adecuadamente, y para obtener la textura que deseamos.Por ejemplo, para trabajos muy detallados, con capas muy delgadas de pintura, arte realista o retratos, necesitaremos superficies más lisas.
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Es un color que nos transmite equilibrio, armonía y se simboliza con la juventud, la esperanza y la alegría.
omo la trigonometría, la paleta de color es probablemente una de esas cosas que aprendiste cuando eras niño y nunca volviste a usar. Aun así, para realmente entender el color, debes desempolvar un poco de ese conocimiento.
imágenes siguientes, convertidas a un solo tono, podemos ver cuatro colores diferentes. A modo genérico, en la segunda imagen, el rojo expresa la pasión, el peligro, la sangre, en definitiva es uno de los colores que más estimula los sentidos.
Si bien el color es en esencia subjetivo y no hay reglas básicas para definir las emociones que nos produce, sí tiene sin duda un gran efecto emocional sobre las personas. Hay que tener en cuenta, que los cambios de intensidad en un mismo color, cambian la emoción de su significado: un color vivo sugiere una emoción intensa y un color apagado lo contrario.
El color es en esencia subjetivo y no hay reglas básicas para definirlo.
En el ejemplo de mas arriba, una de mis obras variada en su tono con Photoshop, podéis ver los efectos que produce una misma imagen en diferentes colores. La primera imagen contiene su color original, una composición de varios colores. En las cuatro
En cuanto al verde, complementario de rojo, es un color que nos transmite equilibrio, armonía y se simboliza con la juventud, la esperanza y la alegría. Es un color que se relaciona también con la naturaleza y por tanto con el entorno ecológico, pero también tiene su parte negativa que lo asocia con la enfermedad, la envidia o los celos.
Primarios Colores primarios tradicionales: Rojo, amarillo y azul. Este modelo es el precursor del modelo CMY. Está considerado obsoleto por la ciencia e industria, sin embargo, pero aún se enseña su principios en las artes visuales.
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Colores primarios pigmento CMYK: Cian, magenta y amarillo.
El cuidado de tus pinceles Como herramienta de trabajo los pinceles bien cuidados pueden durar mucho tiempo y ser reutilizados muchas veces. Si no los cuidas tendrás que comprar nuevos cada vez que necesites algunos para un proyecto, lo cual además de caro es molesto.
Usa un pincel diferente para cada tipo de pintura. Los pinceles nuevos traen en las cerdas un recubrimiento que las protege del polvo, para quitarlo sumérgelos en agua y rótalos con suavidad hasta que el recubrimiento se elimine, no dobles las cerdas cuando tiene el recubrimiento ya que las romperás y dañaras el pincel. Usa unos pinceles para cada tipo de pintura. Si usas pinceles para un tipo de pintura y no los mezcles, es decir: si utilizas tus pinceles para pintar con pinturas de aceite (óleos) no los mezcles con los pinceles que utilizas para pintar con pinturas que tienen base de agua como acuarelas, ni para pintar con pinturas acrílicas. En superficies no lisas y suaves las cerdas durarán menos.
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ICTURE-TOONS
UN EQUIPO CREATIVO CON GANAS DE ILUSTRAR
ALEX MATHERS Y ANDRÉ DA LOBA NOS HABLAN DE LOS SECRETOS DE SUS CARISMÁTICAS ILUSTRACIONES INFANTILES
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ivir de ser ilustrador freelance a tiempo completo nos puede costar unos años, ya que como todos sabéis, es un trabajo un poco inestable porque un mes te pueden entrar cinco súper proyectos y durante los tres meses siguientes nada de nada. Además al empezar tenemos el handicap de que no tenemos ninguna entrada de dinero, así que es muy común que la mayoría de los ilustradores hayan empezado compaginando la ilustración con otros trabajos, preferentemente que fueran de fin de semana, a media jornada o con horario flexible. Es verdad que el mundo nos vende que los mejores ilustradores han triunfado súper rápido, consiguen encargos súper bien pagados y tienen sus agendas a tope de trabajo, pero eso es la excepción de
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la regla, no lo habitual, por eso, no debemos obsesionarnos ni compararnos. Debemos crear nuestro propio camino para llegar a donde queremos y no se nos van a caer los anillos por trabajar de camareros, profesores particulares o cualquier otra cosa para pagar las facturas. Además, esto nos permitirá no aceptar cualquier encargado mal pagado y con condiciones de trabajo nefastas por la desesperación de no tener dinero para pagar el alquiler. Vivir de ser ilustrador freelance a tiempo completo nos puede costar unos años, ya que como todos sabéis, es un trabajo un poco inestable porque un mes te pueden entrar cinco súper proyectos y durante los tres meses
siguientes nada de nada. Además al empezar tenemos el handicap de que no tenemos ninguna entrada de dinero, así que es muy común que la mayoría de los ilustradores hayan empezado compaginando la ilustración con otros trabajos, preferentemente que fueran de fin de semana, a media jornada.
El mundo nos vende que los mejores ilustradores han triundado super rápido. Es verdad que el mundo nos vende que los mejores ilustradores han triunfado súper rápido, consiguen encargos súper bien pagados y tienen sus agendas a tope de trabajo, pero eso es la excepción de la regla, no lo habitual, por eso, no debemos obsesionarnos ni compararnos. Debemos crear nuestro propio camino para llegar a donde queremos y no se nos van a caer los anillos por trabajar de camareros, profesores particulares o cualquier otra cosa para pagar las facturas. Además, esto nos permitirá no aceptar cualquier encargado mal pagado y con condiciones de trabajo nefastas por la desesperación de no tener dinero para pagar el alquiler. Además al empezar tenemos el handicap de que no tenemos ninguna entrada de dinero, así que es muy común que la mayoría de los ilustradores hayan empezado.
Pequeño capitán Nemo. Ilustración realizada por Picture-toons .
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Me gustaría comenzar hablando de tu formación y tus inicios en el ámbito del cómic y la ilustración. ¿Cómo recuerdas tus primeros pasos profesionales? Creo que soy ilustrador porque siempre me ha interesado la palabra y el dibujo, y en la ilustración y en el cómic es donde puedo jugar con las dos cosas. Como dices, el asunto profesional empezó para mí con el Injuve, un concurso muy bien montado y que realmente era muy interesante para los que empezábamos en los años 90, cuando a ningún editor se le ocurriría editar nada de un novel. El concurso contaba con la colaboración de editores que publicaban la obra ganadora, Desde tus inicios ya has realizado más de treinta libros, tanto textos propios, como literatura contemporánea y textos clásicos. ¿Varía mucho tu forma de abordar cada encargo? Yo clasificaría mis trabajos entre los de encargo y los de la voluntad. Los de la voluntad son proyectos que nacen únicamente de mi voluntad de hacerlos, y esos suelen ser más de cómic, en ese caso sí que hago en ocasiones los guiones.
ANDRÉ DA LOBA De todos los proyectos que vas publicando hasta ahora, ¿qué proyectos han sido para ti los más importantes? Seguramente hay dos o tres que serían un poco los mojones en el camino. La torre blanca, porque me permitió entrar en el cómic y tener más presencia en ese mundo. Era un proyecto que arrastraba desde hace mucho tiempo y lo conseguí llevar adelante, de hecho fue la primera de mis obras que se publicó en Francia. En libros ilustrados, estoy satisfecho también con La feria abandonada, un álbum en el que incluso tengo textos y que veo de alguna manera como un colofón a todos los estilos y las cosas que he ido probando en los últimos 6-7 años. ¿Qué destacarías de tu trabajo para La puerta de los pájaros? Este tipo de encargos es peligroso en el sentido de que, cuando me encargan una novela, no me gusta ilustrarlo demasiado referencialmente. Estos trabajos los abordo de manera que realmente tenga sentido que estén ilustrados, porque pienso que no todo tiene porqué llevar ilustraciones, aunque parece que ahora hay una moda en ese aspecto. Realmente un libro tiene que tener sentido con sus ilustraciones ¿Cuáles son tus próximos proyectos y exposiciones? Ahora estoy con un par de álbumes infantiles; hacía tiempo que no trabajaba en una obra para público infantil porque los últimos libros que he hecho son o para todos los públicos o para uno decididamente adulto.
El porqué los dragones no puedes soplar las velas. Ilustración realizada por Picture-toons .
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André da Loba el más joven del equipo a sus 20 años tiene toda una carrera ilustradora
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ALEX MATHERS
nacen únicamente de mi voluntad de hacerlos, y esos suelen ser más de cómic, en ese caso sí que hago en ocasiones los guiones. De todos los proyectos que vas publicando hasta ahora, ¿qué proyectos han sido para ti los más importantes?
Me gustaría comenzar hablando de tu formación y tus inicios en el ámbito del cómic y la ilustración. ¿Cómo recuerdas tus primeros pasos profesionales? Creo que soy ilustrador porque siempre me ha interesado la palabra y el dibujo, y en la ilustración y en el cómic es donde puedo jugar con las dos cosas. Como dices, el asunto profesional empezó para mí con el Injuve, un concurso muy bien montado y que realmente era muy interesante para los que empezábamos en los años 90, cuando a ningún editor se le ocurriría editar nada de un novel. El concurso contaba con la colaboración de editores que publicaban la obra ganadora, Desde tus inicios ya has realizado más de treinta libros, tanto textos propios, como literatura contemporánea y textos clásicos. ¿Varía mucho tu forma de abordar cada encargo? Yo clasificaría mis trabajos entre los de encargo y los de la voluntad. Los de la voluntad son proyectos que
Seguramente hay dos o tres que serían un poco los mojones en el camino. La torre blanca, porque me permitió entrar en el cómic y tener más presencia en ese mundo. Era un proyecto que arrastraba desde hace mucho tiempo y lo conseguí llevar adelante, de hecho fue la primera de mis obras que se publicó en Francia. En libros ilustrados, estoy satisfecho también con La feria abandonada, un álbum en el que incluso tengo textos y que veo de alguna manera como un colofón a todos los estilos y las cosas que he ido probando en los últimos 6-7 años. ¿Qué destacarías de tu trabajo para La puerta de los pájaros? Este tipo de encargos es peligroso en el sentido de que, cuando me encargan una novela, no me gusta ilustrarlo demasiado referencialmente. Estos trabajos los abordo de manera que realmente tenga sentido que estén ilustrados, porque pienso que no todo tiene porqué llevar ilustraciones, aunque parece que ahora hay una moda en ese aspecto. Realmente un libro tiene que tener sentido con sus ilustraciones.
Caperu y el lobo . Ilustración realizada por Picture-toons . Alex Mathers el pionero del equipo, a sus 24 años fomenta la iniciativa creativa.
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L Í MITES
L Í NEA LA SERIE FOTOGRÁFICA LÍNEA DISCONTINUA NOS MUESTRA UNA MANERA DIFERENTE DE VER LOS LÍMITES DE LA CIUDAD PARTIENDO DE LA UNIÓN DE LO URBANO Y LO RURAL.
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uy cerca de nosotros, más de lo que pensamos, en la ciudad, nuestro lugar de residencia, también las estaciones se muestran con toda su intensidad ofreciendo un montón de oportunidades y ocasiones para practicar la fotografía y en concreto la primavera es una de las más agradecidas. En las ciudades, son los parques y jardines los que al llegar esta época, al estar provistos de diferentes especies de plantas, arbustos, flores y árboles, nos muestran entre otras cosas, la belleza de los pétalos o estambres, las caprichosas formas de las hojas, o los intensos colores de texturas que nunca acaban pareciendo lo que queremos conseguir. Por otro lado en cualquier maceta en nuestra casa, con simples plantas de geranios, pensamientos, o margaritas, puede ser igualmente un estupendo escenario para practicar la macro-fotografía, aproximando cualquier flor que nos llame la atención, a nuestro objetivo. Descubrir esas texturas y ver en “grande” la composición de la naturaleza desapercibida es una recompensa magnífica que bien merece la pena acometer. Pero, ¿Qué parámetros, objetivo o utensilios usar?. Ese tema se trata en profundidad en otro artículo de esta revista,
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DE LA
La Vega de Granada nos presenta un escenario lícito para mostrar la mezcla de elementos urbanos con la naturaleza.
“El límite de la línea se hace difuso en sus fronteras, es la batalla por el espaio fonterizo” de la mano de Manuel Bernal, “Robando el alma de las hadas“, el cual es muy recomendable leer si quieres saber más de la técnica de Macro-fotografía, pero a nivel indicativo e introductorio en este artículo, únicamente indicar que cualquier objetivo para macro a poder ser fijo (60mm, 90mm, 105mm, 150mm, 180mm) o un sencillo y económico 50mm, nos puede dar unos resultados excelentes. Para ello sólo necesitaremos un trípode y la ayuda si queremos de unos anillos de extensión (tubos huecos de poco coste) que separan algunos milímetros la distancia focal.
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E
n nuestras salidas al campo durante estos meses, abril y mayo, que coinciden normalmente con abundantes lluvias, el agua ejerce un efecto importante en la vida vegetal, dando fuerza y crecimiento rápido a la naturaleza que nos rodea y dotándola de un esplendor que el resto del año no volverá a condensar. Los paisajes se llenan de colores intensos y horizontes que nos salpican entre flores y texturas con un escenario multicolor. Acercarnos a ello con curiosidad y detenimiento nos recompensará la jornada. Aunque no muy alejados de la fotografía Macro, la primavera nos ofrece igualmente poder levantar la cabeza y capturar tanto detalles (Macro) como las extensiones de terreno (Paisaje) que están cerca de nosotros. Elegir lo que queremos es a veces la tarea más compleja, pero una vez que empezamos se convertirá en nuestro siguiente reto. Si miramos bien, nos daremos cuenta que ubicándonos en diferentes puntos o alturas (un metro a la derecha, dos metros a la izquierda o a
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ras de suelo), nos dará una perspectiva diferentes, nuestras composiciones serán completamente distintas y si es posible el trípode, nos ayuda mucho en esta labor de composición que será con él.
El tiempo pasa por los elementos artificiales difuminando la linea que separa ambos entornos. Para poder disfrutar de lo que es capaz la fotografía en combinación estrecha con nuestra mirada, aquí aplicaremos tanto diafragmas abiertos (f/2.8 a f/5.6) si
deseamos destacar algo en primer plano y desenfocar el fondo, como diafragmas cerrados (f/11 a f/16) para conseguir el máximo detalle y nitidez en la mayoría del plano de la composición que queremos. Al igual que en la fotografía macro en la urbe, los ISOs bajos (100 o 200) nos permitirán tener una sensibilidad idónea para nuestra toma de colores primaverales. Cuantos más colores existen en nuestra escena, mejor los captaremos con un ISO bajo (50-100-200) .
Las inclemencias del tiempo afectan a los buzones de correos oxidandose e integrandose en la naturaleza con el paso de los años.
Una puerta hacia ninguna parte. El abandono de elementos artificiales se hace presente en los límites de La Vega.
La luz es un condicionante importante, por no decir elemental, por ello y aunque se puede realizar fotografías a cualquier hora del día (incluso cuando el sol está más arriba, usando filtros que reducen la intensidad) no es lo más recomendable, ya que los colores tienden a desvanecerse con la alta radiación solar ante nuestro objetivo, perdiendo intensidad de los colores. Las primeras y últimas horas del día son las idóneas. El resto podemos utilizarlo para buscar las localizaciones de las que parten nuestras fotografías.
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Aviso grúa. Está prohibido aparcar en medio de la nada, una señal perdida entre los límites de La Vega de Granada.
La naturaleza rompe la línea que limita la ciduad de Granada con la riqueza de La Vega difuminando los límites de la linea.
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a fotografía urbana es un estilo de vida, un cambio de sentido en la forma que tenemos de experimentar la ciudad y, por si fuera poco, en el preciso momento en el comienzas a observarla tras el visor, estás perdido. Hoy os invito a perderos a través del objetivo de Jose Conceptes: 35 años, de Vinarós, trabaja como diseñador gráfico y publicista lo que le ha llevado a crear una constante en su obra llena de pura geometría: “Mi afición a la fotografía empezó en mi primer viaje a la ciudad de los rascacielos (Nueva York en 2005), donde el novio de mi prima llevaba una réflex EOS 20D, acompañado con todo el equipo. Él fue digamos el que hizo que mi curiosidad fuera en aumento, veía sus fotos luego en el portátil y alucinaba con la calidad de éstas, tanto por su talento como de calidad de imagen. Yo iba con una compacta que me habían dejado super-cutre, pero que me vino muy bien para empezar a experimentar y sobre todo “mirar”. Hasta antes de esto mi desconocimiento por la fotografía era total” La ciudad supone una fuente inagotable para el desarrollo de nuestra expresión artística en casi cualquier disciplina. Existen tantas formas de “ver” a través de ella como personas que empuñan una cámara de fotos, un pincel o un instrumento musical. “Me intereso por lo que se ve”.
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Invernaderos. Elementos integrados a la fuerza para el interés humano.
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La Vega de Granada aporta una visión ámplia del denominado límite discontinuo.
Ya hemos comentado la predilección de Jose por la geometría urbana, sin embargo, también utiliza la figura humana con la intención de buscar un punto dimensionable en el paisaje. “Integro en el tiempo y en un espacio concreto, ya sea urbano o rural, unas personas anónimas integradas en los volúmenes geométricos de su entorno, de manera anónima y “efímera”. A fin de cuentas, lo que muestro es lo pequeño del ser individual frente al gigante e inquietante mundo de nuestro entorno, representado a través de una imagen fija y congelada. Son instantáneas llenas de contenido en que la soledad aparece de la mano de una figura humana, remarcando el sentido individualista tanto del entorno como del fotógrafo que se enfrenta en soledad a esta realidad” La abstracción resulta una forma de comunicar que, quizá, nos proporcione mayores posibilidades que la propia fotografía documental donde mostramos la ciudad tal y como es o, mejor dicho, tal y como la vemos el resto de los mortales. De una sola “realidad” podríamos elaborar multitud de abstracciones pero, ¿cómo conseguimos desarrollar el ojo fotográfico en éste sentido? ¿Cómo aprendemos a “ver” lo que habitualmente no vemos?. Realizando un estudio concienzudo sobre la visión.
“El entorno rural gana peso en el extraradio urbano, esta es una interesante escapada para hacer camara en mano” LOS LÍMITES DE LA LÍNEA 25
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