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doscerounotres septiembre


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doscerounotres - septiembre

sumario

Imágenes de un Madrid irreal 4 Los Ilusos de Jonás Trueba Una cinta de sorpresas

6 The Patience Stone de Atiq Rahimi Otro cine

8 Películas no distribuidas Profundidad, sutileza y elegancia 10 Dream River de Bill Callahan En la dirección incorrecta 12 AM de Arctic Monkeys Otra música

14 Críticas de discos Contar estrellas y echar la vista atrás 16 Au Revoir Simone Listas

19 Top cine y música 2013


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doscerounotres - septiembre

doscerounotres

septiembre

Au Revoir Simone aparecen en la portada de este número con su flagrante nuevo disco. Move in Spectrums suena directo y mucho más potente que el resto de su discografía, que analizamos en un artículo que revisa cuatro discos que se mueven entre el pop ingenuo y la tristeza más directa, con un tono siempre delicado y sutil. Por otro lado, análisis en profundidad de Bill Callahan y su Dream River, un nuevo álbum apoyado en la guitarra eléctrica, instrumento que destaca en una producción impactante, como siempre, de apoyo a la voz de Callahan, absolutamente tremenda. Arctic Monkeys abandonaron ya su estatus de rock fresco y físico que les aupó como salvadores del rock británico, para ir avanzando hacia un campo más comercial y poco valiente, de la mano de ese sonido pesado del que no parecen querer salir. AM es un nuevo disco en el que no muestran señales de variar esa senda. En la sección OTRA MÚSICA, destaca el nuevo trabajo de The Field, mucho menos bailable y con un enfoque más oscuro, como siempre, apoyado en loops intranquilos. Un nuevo gran trabajo, mucho más apesadumbrado en esta ocasión que en otros discos previos, tal vez con motivo del proyecto paralalo Loops of Your Heart. El nuevo EP de Ducktails, el proyecto en solitario de Matthew Mondanile ahora convertido en grupo al uso, recupera el nivel mostrado anteriormente con unas canciones acertadas. No tan bueno resulta el regreso de Babyshambles, un disco innecesario que no aporta nada. Darkside, el nuevo proyecto de Nicolas Jaar no llega a los logros de su disco en solitario pero incorpora paisajes interesantes. Por último Factory Floor no deslumbran con un largo que no alcanza la altura de canciones anteriores. En cuanto al cine, destaca la apuesta de The Patience Stone de Atiq Rahimi por ofrecer una crítica a la situación de la mujer en los países árabes. La interpretación de Golshifteh Farahani es motivo suficiente para justificar la película en sí, una especie de 5 horas con Mario. Asimismo, el Festival de Cine Europeo de Sevilla comienza a calentar motores con un ciclo de cine español al margen de la distribución tradicional “Ese otro cine”, por el que pasan algunas de las obras más atrevi-

Au Revoir Simone en portada

das del panorama nacional de la última temporada. El ciclo se estrenó con Los Ilusos de Jonás Trueba. Una película errática, sin guión, que documenta el propio proceso de grabar una película. Pese a que carece de coherencia, es una película libre en la que predomina la sensación final. Una gran obra. En cuanto a OTRO CINE, destaca por su complejidad y calidad la segunda película de Antonio Campos que regresa tras Afterschool con Simon Killer, una película que sigue a un turista en París y que cuenta con una banda sonora de auténtico lujo. También destaca Crystal Fairy de Sebastián Silva, la segunda película que estrena este año tras Magic, Magic. Es una comedia sorprendente y muy sólida, que deja algunos momentos únicos. También única es Gimme the Loot, otra comedia de Adam Leon, un plan absurdo para convertirse en los grafiteros más reconocidos de la ciudad y una búsqueda de dinero que se ve entorpecida por mil peripecias. Una gran cinta. The Kings of Summer de Jordan Vogt-Roberts es una de las películas más aclamadas del pasado Sundance y lo es por recordar constantemente a los grandes hitos del cine de aventuras. Como si de unos goonies se tratase, los tres chavales protagonistas deciden escaparse de casa para construir una cabaña en la que vivir sin padres. Completan la sección los nuevos trabajos de Michael Winterbottom, The Look of Love, el estoniano Ilmar Raag con Une Estonienne à Paris y interesantes aunque fallidas propuestas como Call Girl de Mikael Marcimain o A Teacher de Hannah Fidell y presentada en el pasado Sundance.


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CRÍTICA CINE

Los Ilusos Jonás Trueba

Imágenes de un Madrid irreal onás Trueba regresa tras su primer filme, Todas las canJ ciones hablan de mi, con un tra-

bajo sorprendente y despierto, en la ola de lo que se ha llamado “Ese otro cine” dentro de la cinematografía nacional. Los Ilusos es un complejo artefacto empeñado en escapar de cualquier atisbo realista y que dialoga directamente con las influencias cinematográficas de

de la nouvelle vague se tratase, o el cine francés más actual, en parte por el actor protagonista, Francesco Carril, que tiene un aire tanto físico como en el propio personaje a Louis Garrel. Pero no solo de influencias francesas se empapa Los Ilusos, sino que el recurrir a restaurantes asiáticos y la propia dinámica de ese tipo de cenas puede recordar al coreano Hong

Una película deconstruida que muestra una ciudad que no existe

Trueba. Unas influencias que a veces pueden parecer impostadas, como ese empeño —que ya existía en la irregular Todas las canciones hablan de mi— por hacer que Madrid no se vea como Madrid, sino como una urbe afrancesada entre librerías y cafés, como si de una película

Sangsoo, que también llega a ese “hablar por hablar” que alumbra la película entre toques de humor y escenas gratuitas que no pretenden narrar, sino únicamente mostrar. Las calles filmadas aparecen vacías, sin rastro de los urbanitas que pueblan el Madrid real,


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sino tan solo centrándose en mostrar un grupo de amigos que es, en definitiva, realmente lo que muestra la película, los propios amigos de Trueba mostrando su vida, algo que se extrae de la propia forma en que la película fue grabada, a partir de cinta sobrante de otras películas, en blanco y negro y en un largo periodo de tiempo, en los ratos libres en los que podía avanzar la historia, siempre sin guión y tratando de “captar una sensación” que la película logra transmitir. En este sentido, se trata de una película con un carácter abiertamente experimental, pero también algo impostado, como esa idea de mostrar las propias cámaras, los micrófonos, la voz del director exponiendo el tipo de plano que se está viendo... Los Ilusos, al final, es una película que recoge el propio proceso de hacer una película con amigos, incluso

CRÍTICA CINE

aparecen instrucciones del director a sus actores que, salvo Aura Garrido no habían aparecido previamente en ninguna película. Es precisamente cuando aparece Garrido en el momento en que la película decide caminar por un terreno más previsible, sin que por ello se pierda el concepto que la cinta trataba de mantener en todo momento. Resumiendo, Los Ilusos es una película despierta que se pierde en sí misma y en su búsqueda de llegar a todos los terrenos posibles —humor, tono más romántico, hallazgos visuales, recuerdo de cine clásico, apuesta por la modernidad...—como no queriendo dejar pasar la oportunidad de que Los Ilusos sea todo al mismo tiempo que nada. Una película sospechosa pero en la que finalmente acaba destacando esa muestra irreal, casi fantástica de una ciudad que no existe.

Los Ilusos

Director: Jonás Trueba Intérpretes: Francesco Carril, Aura Garrido, Mikele Urroz, Vito Sanz Año: 2013


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CRÍTICA CINE

The Patience Stone Atiq Rahimi

Una cinta de sorpresas orprendente resulta The Patience Stone, premiada en Gijón, la adaptación cinematográfica de la novela del director, Atiq Rahimi, una cinta compleja que aborda con valentía la situación de la mujer en un país en conflicto como Afganistán.

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guerra en la zona. La película está ambientada, prácticamente, en un único escenario del que no sale la acción. Algo que sirve también para ilustrar el campo en el que está recluida la mujer. Ya que, ante todo, The Patience Stone es una cuidada obra que denuncia la situación

Golshifteh Farahani llena toda la pantalla con una magnífica interpretación

Como una especie de Cinco horas con Mario, la historia que se nos cuenta es la de una mujer obligada a cuidar a un marido en estado vegetal por una pelea, justo cuando estalla la

de la mujer. Así, ella frente a él, que ahora calla, le obliga a escuchar cada detalle de la vida que el marido desconocía previamente, todo lo que no se había atrevido a relatar em-

pieza a surgir de la mujer, que atraviesa distintas fases, que incluso llega a pedir consejo al marido acerca de si huir de la casa o ir a visitar a su tía. Costumbres y ritos que la anulan y que al llegar a vivir completamente sola y darse cuenta de las posibilidades que había perdido, acaba cambiando de opinión hasta liberarse. Esto puede resultar, al menos en su primer parte, un argumento demasiado torpe y visto, pero el director sabe sacarle el rendimiento necesario y hacer que la historia avance hacía terrenos mucho más complejos en los que habla con fuerza de numerosas ideas. Si la película funciona es gracias, sin duda alguna, a Gols-


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CRÍTICA CINE

hifteh Farahani, brillante actriz que ofreció una interpretación sobrecogedora en la notable About Elly de Asghar Farhadi. Asume aquí un personaje imperfecto pero atrayente gracias al trabajo de Farahani. Podemos decir que ella hace la película por una interpretación arrolladora y convincente, llenando la pantalla y captando todas las miradas.

También sorprende el modo en el que la cinta trata abiertamente la sexualidad, pese al trato de la mujer que se muestra. Esto se deriva, de nuevo, del hecho de que el marido se encuentre en coma y el choque con la realidad le abra las puertas a algo tan básico como expresarse. El erotismo inunda la historia, sobre todo en su tramo final.

Como decíamos antes, la película choca por las duras críticas que el cineasta se atreve a hacer al trato que sufre la mujer, reducida a un burka cuando sale de casa, y siempre preocupada por colocarse el pañuelo sobre la cabeza, algo que en la actriz se muestra como algo natural, algo que no se cuestiona y que no dificulta la vida diaria, pero que supone un choque frente al espectador occidental.

Es una cinta valiente que se mueve entre leves toques de humor y un aspecto técnico lo suficientemente fuerte.

El erotismo y la sexualidad aparecen en una película que defiende el papel de la mujer

The Patience Stone

Director: Atiq Rahimi Intérpretes: Golshifteh Farahani, Hamid Djavadan, Massi Mrowat Año: 2012


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OTRO CINE

Simon Killer Antonio Campos

Antonio Campos es uno de los cineastas en alza más interesantes. Su Afterschool con un magnético Ezra Miller supuso todo un descubrimiento y con Simon Killer expande sus rasgos cinematográficos en una película mucho más ambiciosa ambientada en un París alejado de la visión tradicional para turistas. Una huida para superar una ruptura que dejará al protagonista, un correcto Brady Corbet, obsesionado con una prostituta de la que se enamora y a la que convence para que

grabe sus relaciones con el objetivo de chantajear a sus clientes. Un argumento que Campos explora lentamente, creando tensión y apoyándose de una banda sonora muy acertada. Temas de LCD Soundsystem o la genial “It Takes a Muscle to Fall In Love” de Spectral Display, que sirve para ilustrar los créditos. En general una selección de sonidos que introducen un ritmo que apoya una historia que se escapa a lo que muestra la pantalla. Campos sigue mostrando un interés las cáma-

ras, si en Afterschool se grababa un asesinato, de nuevo aquí, de nuevo el uso de cámaras es lo que impulsa la narración. Campos también se interesa especialmente por filmar los cuerpos, no ya por un tono muy explícito, sino el movimiento más que las caras de los actores, algo que sucede por esa forma de grabar quieta, sin que eso signifique que desaparezca la esencia en el modo de grabar que ya demostró en Afterschool, solo que aquí se vuelve más dinámica.

Call Girl Mikael Marcimain

Une Estonienne à Paris Ilmar Raag

The Look of Love Michael Winterbottom

Call Girl es una película ambientada en los años setenta en Suecia y recoge un servicio de prostitución que llega a las altas esferas del Gobierno sueco. En su primera parte, se centra en tratar el modo de funcionamiento de la actividad, con dos menores que son absorbidas por la organización y, prácticamente, obligadas a prostituirse. En la recta final el filme aborda las tareas policiales por esclarecer el caso. Una película correcta, con cierto interés y con una banda sonora muy acorde.

El director estonio Ilmar Raag regresa tras la impactante Klass con una película ambientada en París y con una protagonista de auténtico lujo, Jeanne Moreau interpreta de una forma muy potente a una anciana solitaria y borde. Aunque la película de Raag no deslumbra como hacía su película anterior, si que ofrece un interesante estudio de la soledad unida a la vejez, pero es cierto que podría ser una película cualquiera y que se esperaba algo más aunque la historia tenga poco que extraer.

Michael Winterbottom dirige este biopic sobre Paul Raymond, interpretado por Steve Coogan, que fue un importante empresario de Inglaterra y director de la revista erótica Man Only. La película aborda las relaciones familiares y algunos momentos punteros de la vida profesional de Raymond así como una importante presencia judicial y de escándalos. Winterbottom factura un biopic estandarizado y sin mucho interés puesto que incide demasiado en la familia.


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OTRO CINE

Gimme the Loot Adam Leon

Adam Leon entrega en su primera película una comedia desbordante de ingenuidad y frescura. Gimme the Loot sigue a dos loosers que pretenden boicotear a los Metz de Nueva York con sprays en su mascota y así conseguir el respeto del barrio. Entre medias se interpone la búsqueda de un botín con el que sobornar a un contacto que les deje entrar en el campo. Todo ello contado, al mismo tiempo, con un punto cómico y otro realista. Una excelente película.

Crystal Fairy Sebastián Silva

En el pasado número ya hablábamos de Magic Magic, película dirigida por Sebastián Silva y protagonizada por Michael Cera, pero ambos estrenaban este año también Crystal Fairy. Si Magic Magic se quedaba corta y no alcanzaba a mantener un nivel de interés constante, el caso de Crystal Fairy es muy diferente. Una comedia hilarante por momentos y todo lo contrario en otros por culpa del personaje de Cera, un poco insoportable. Es gracias al personaje de una impresionante

Gaby Hoffmann que esta historia de drogas en Chile merece especialmente la pena. Poco a poco, la road movie psicotrópica va a más a medida que la historia avanza. Los hermanos del director actúan como apoyo en una película que, al igual que Magic Magic, tiene el problema de la barrera del idioma, constantemente luchando entre el español y el inglés, pero en esta ocasión Silva consigue sacar el jugo, nunca mejor dicho, a una historia desternillante a la par que loca.

A Teacher Hannah Fidell

The Kings of Summer Jordan Vogt-Roberts Una profesora de instituto está liada con uno de sus alumnos, una relación que no llega a funcionar por la constante presión que cae sobre ella, preocupada de perder su trabajo si descubren la relación. La película de Hannah Fidell se centra en los encuentros secretos entre ambos, la constante sensación de inseguridad de la profesora y deja intuir un pasado oscuro que se refleja más claramente hacía el final de una cinta que, aunque interesante, no llega a mostrarse fuerte nunca.

The Kings of Summer es una comedia de aventuras sobre el paso de la niñez a la adolescencia, ese camino de maduración y lucha con los padres, que están retratados siempre desde la visión de los chicos, como unos seres tediosos e insoportables. El argumento parte de ese choque entre los adultos y los adolescentes que empiezan a anhelar una independencia que aún no les toca. Tres amigos deciden escapar y construir su propia casa en el bosque. Una historia simple que, sin em-

bargo, se desarrolla siempre de la mano del entretenimiento. La narración de Jordan VogtRoberts es correcta, sin llegar a sorprender, pero su película triunfa en ofrecer una continuación a esa serie de películas que tratan las huidas de adolescentes y su supervivencia en la naturaleza, aquí especialmente enfocada a los peligros y los obstáculos, pese a que acaben siempre recurriendo al pollo cocinado que se vende en la civilización, ya que al fin y al cabo, tampoco es Naufrago.


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CRÍTICA MÚSICA

Profundidad, sutileza y elegancia

iel a su cita de cada dos años, Bill Callahan entrega F el que es ya su cuarto trabajo

Dream River Bill Callahan

firmado con su propio nombre, la continuación de una discografía intachable con el alias de Smog. Woke on a Whaleheart, Sometimes I Wish We Were an Eagle, Apocalypse y, ahora, Dream River. Cuatro álbumes inmensos para una voz profunda y dolorosa. En cada uno de estos trabajos ha ido favoreciendo una faceta distinta, cada vez que se escucha uno de sus discos Callahan sorprende con un nuevo cambio, pese a que sus elementos básicos se mantienen intactos. Así, Woke on a Whaleheart era un álbum más pop con diferentes sonoridades y canciones que apuntaban en distintos caminos; Sometimes I Wish We Were an Eagle era un potenciamiento del sonido más folk, dejando claro que Callahan es uno de los mejores songwriters actuales; Apocalypse era un disco más crudo, abierto y muy personal, y este Dream River es un trabajo mucho más calmado y reflexivo, con un Callahan que apuesta por la guitarra eléctrica. Siempre inquieto y, sobre todo, siempre perfecto.


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Quien se acerca a un disco de Bill Callahan ya sabe que va a encontrar, por ello es uno de los mejores cantautores (entendido como songwriter) que podemos encontrar ahora. Ante todo, su música destaca en un primer momento por esa voz inmensa, siempre en un primer plano, que dirige cada canción, como ejerciendo un rol de guía que da sentido a cada álbum y alumbra las canciones, el resto no es más que un mero acompañamiento, un envoltorio que consigue que la voz se asiente, siempre fuerte y segura. Por otro lado, las letras de Callahan, al igual que su interesante novela Cartas a Emma Bowlcut, emplean un lenguaje parco, muy metafórico y cargado de imágenes de la naturaleza, que sirven para transportar un halo de tristeza y soledad que va unido a la música de Callahan. Pero, en general, sus letras son un tanto indescifrables y tienen en sí mismas un claro interés por ser complicadas. La particularidad más notable de este disco es el uso que hace de la guitarra eléctrica. Aunque siempre se mantiene en un segundo plano, aporta la nota

CRÍTICA MÚSICA

más especial que hace que este disco sea un nuevo camino abierto, dirigiendo desde lejos el aspecto imaginativo que tiene el álbum. Dream River es un disco callado en sus elemen-

recurre en diversas ocasiones y que enriquece los elementos básicos de su música. Es un disco muy arreglado y muy elegante, exactamente como Callahan, que hace que el sonido sea per-

Bill Callahan entrega su cuarta gran obra firmada con su propio nombre

tos instrumentales, no hay ninguna canción como “Drover” del álbum anterior por ejemplo, sino que es un trabajo mucho más sutil, que juega con los espacios y los silencios. Sin duda, es un disco bastante más delicado y suave que los anteriores, expandiendo la faceta más quieta de Callahan que, no deja

fecto gracias a una producción que, en todo momento, suena a acierto. Sus canciones crecen y se desatan con leves y sutiles cambios que las llevan hacia nuevas zonas, es lo que hace que Dream River sea un triunfo, desde su arranque con la viveza de “The Sing”, con un Callahan apostado en un bar, solo, y ayu-

La guitarra eléctrica toma un papel protagonista en el delicado Dream River

del todo claro cual es el camino que ahora busca, ya que apunta en direcciones muy diversas. Emplea instrumentación diferente, como vientos, especialmente una flauta a la que

dado únicamente por cerveza, a la que Callahan humorísticamente agradece. En definitiva, lo ha vuelto a hacer, y sin contar a Smog, ya van cuatro discos inmensos.


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CRÍTICA MÚSICA

AM Arctic Monkeys

En la dirección incorrecta rctic Monkeys regresan con un nuevo disco que reA toma la senda de Humbug, des-

pués de su acercamiento momentáneo a un pop más arreglado en Suck it and See. En AM se olvidan de aquellos logros de Suck it and See para lanzarse al sonido más denso y pesado de Humbug, momento crítico en el que optaron por ahondar en un rock que poco tenía que ver con lo que habían hecho previamente. Todo ello de la mano de Josh Homme. Es ahí donde hay que volver para comprender el sonido en el que andan inmersos. Una decisión valiente, puesto que abandonaba cualquier resquicio anterior, pero también controvertida ya que optaron por dirigirse por el camino

opuesto a lo que les había hecho ser un referente: la inmediatez. Porque sus dos primeros discos, Whatever People Say I Am, That's What I'm Not y, sobre todo, Favourite Worst Nightmare huían de cualquier atisbo de pesadez, eran exactamente una búsqueda por un sonido directo, con canciones

bargo, a partir de Humbug, Arctic Monkeys encarnan exactamente lo contrario, desarrollos lentos, un sonido oscuro que huye de lo directo. AM sigue por esa misma línea, incorporando alguna canción destacable, y dos singles especialmente potentes, pero con una coherencia en un sonido asfixiante que

Retoman el sonido pesado y oscuro que mostraron en Humbug

cortas agitadas por riffs que quedaban grabados en la mente del que lo oía al primer momento. En definitiva, se trataba de un espíritu casi punk, salvando las distancias. Sin em-

deja claro que están instalados de manera definitiva en su búsqueda por hacer algo más serio o maduro, pese a que el rol no les siente del todo bien y se eche de menos sus comienzos.


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Lo primero que destaca al escuchar AM es la voz de Alex Turner mucho más presente, y es que podemos decir que parte de ese cambio está en un máximo protagonismo de Turner, convertido en un rockstar, apoyado a los coros, especialmente desconectados de la propia esencia del grupo, a cargo de

CRÍTICA MÚSICA

rigen cada canción. Esta vez no tan inspirados como en otras ocasiones pero dejando algunos momentos para el recuerdo. El resultado es un tono que remite a décadas pasadas, como si quisieran adentrarse en un sonido ya perdido en lugar de potenciar sus propios genes. El problema está en que esta fórmula

Una fórmula que empieza a ser demasiado poco sorprendente

Matt Helders, que opta por un falsete muy forzado que atosiga en cada canción. Sigue presente otra de las señas de identidad más claras del grupo, el uso de riffs que di-

les funciona en muy pocas canciones, “Do I Wanna Know?” o “Why'd You Only Call Me When You're High?”, pero en la mayor parte del álbum suena demasiado pesado.

Mención especial merece “No. 1 Party Anthem”, un tema muy diferente que recuerda a uno de los mejores momentos de Favourite Worst Nightmare, “505”. Se trata de un cambio radical donde el piano toma una presencia muy importante, optan por algo más simple y no tan duro como el rock de la primera mitad del disco. Demuestran que cuando reducen la velocidad y escapan de la fórmula de riff más ritmo directo, consiguen firmar canciones mucho más interesantes. A pesar de ello, hay que aceptar que Arctic Monkeys se han quedado, aparentemente para siempre, anclados en un sonido que aunque no tenga nada que ver con sus inicios, está ahora unido al concepto del grupo.


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OTRA MÚSICA

Cupid’s Head The Field

Axel Willner consigue lo que muy pocos pueden, mantener el mismo nivel que sus tres álbumes anteriores firmados como The Field. Cuatro obras muy coherentes y compactas que sirven al objetivo de Willner, extender el tiempo mediante la repetición de loops en canciones largas. El gran logro de The Field es que, una vez que uno se adentra en una de sus repeticiones aletargadas y acompañadas de ritmo, el tiempo pasa sin darnos cuenta, una espiral que atrapa y de la

que es difícil salir. Obviamente hay diferencias, tal vez promovidas por el proyecto anterior a este Cupid’s Head, firmado como Loops of your Heart, un disco mucho más experimental que la música que Willner firma como The Field, en donde no había cabida para el ritmo y se potenciaba otra serie de elementos. Es por ello que Cupid’s Head es un trabajo mucho más oscuro, en ocasiones no es apto para la pista, puesto que el ritmo, que nunca llega a desaparecer, no tiene la potencia y

el gancho que tenía en obras previas y es que la portada advierte del contenido del álbum, esta vez rompiendo el tradicional fondo blanco por un negro mucho más melancólico. No faltan grandes canciones como la titular, con un sample vocal que engancha desde el primer momento hasta “No. No...”, misteriosa y resumiendo perfectamente el contenido de Cupid’s Head un disco que pretende ser más oscuro y que no falla en el camino de The Field. Otro gran álbum.

disco algo falto de ideas que tampoco recupera la trayectoria de la banda donde se quedó, sino que se entiende más como un disco de Doherty pero volviendo a la electricidad de las guitarras y dejando atrás el aire acústica de su muy recomendable Grace / Wastelands de 2009. Con un sonido claramente retro, un rock ameno apoyado definitivamente en la voz de Doherty, dispuesto a demostrar un registro muy distinto al que había expuesto en sus comienzos.

Una vuelta que no aporta nada al legado de Babyshambles, ni tampoco al del propio Doherty, algo perdido tras su álbum en solitario. Lo que necesita no es, desde luego, retomar lo que ya había quedado terminado con enormes logros no parece la mejor forma de volver a poner el foco sobre su figura. Tal vez debería continuar por la senda abierta con su disco en solitario, encontrando una voz más personal puesto que el sonido que Babyshambles defienden poco tiene que aportar.

Sequel to the Prequel Babyshambles Pete Doherty resucita a sus Babyshambles, el grupo que montó tras la ruptura de The Libertines, después de que entregara un disco en solitario y que su carrera estuviera apartada de las noticias musicales. Poco se sabía de él y la sorpresa de reunir al grupo que desde 2007, con el fantástico Shotter’s Nation, no había vuelto a entregar ningún álbum. Y lo que encontramos en Sequel to the Prequel no es precisamente lo mejor que ha publicado Doherty, es más, se trata de un


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OTRA MÚSICA

Psychic Darkside Wish Hotel Ducktails

Nicolas Jaar apareció y deslumbró con Space Is Only Noise, en 2011, un disco impactante por jugar con las texturas y los ambientes y recreando atmósferas temporales completamente dispersas entre sí. Lo que se ha ido conociendo de Jaar ha sido tan variado como poco lineal, desde singles puntuales hasta la creación de su propio sello —que ha publicado una tan inquieta y bella como la de Valentin Stip— y también, un nuevo proyecto en formato de grupo junto con Dave Harrington que es este oscuro —tal y como indica el nombre— Darkside. Se trata de un disco que tiene mucho que ver con el material publicado anteriormente por Jaar, aunque queda clara la complejidad que aporta Harrington. La música busca el componente orgánico, que se acompaña de sonidos electrónicos, pero siempre creando un ambient sofisticado que al igual que el disco en solitario de Jaar se mueve por distintas atmósferas. Lo mismo introducen guitarras eléctricas que voces que suenan lejanas y dolidas. Sin embargo, no llega a despegar en ningún momento, sino que se mantiene más o menos siempre en la misma línea y no alcanza a despuntar en el sentido de conseguir arrollar como sí hacía Space Is Only Noise. A pesar de todo, Psychic es un álbum interesante y que merece que se le preste atención, pero seguimos esperando una continuación a la altura de aquel debut de Nicolas Jaar, tan inesperado y especial como fue aquel gran álbum.

Ducktails, el proyecto individual al margen de Real Estate de Matthew Mondanile, continúa su andadura en formato banda con un nuevo lanzamiento que sigue el algo decepcionante The Flower Lane, en el que Mondanile se lanzaba hacía un sonido retro y ochentero en un álbum demasiado largo y sin resquicios de lo que previamente había supuesto una confirmación, su gran Arcade Dynamics, a partir, precisamente, de los elementos justos y con una producción deficita-

ria. Parece que esa etapa ha quedado del todo olvidada como demuestra este Wish Hotel, un EP que continua con el sonido de The Flower Lane pero que, gracias a su corta duración, parece llegar mucho más lejos que el álbum, demasiado largo y repetitivo. El tema titular es una auténtica joya, y el resto de canciones que acompañan muestran a un Mondanile convencido de avanzar en la dirección correcta. Y mientras, seguiremos esperando nuevo material de Real Estate.

Factory Floor

Finalmente, tras una serie de EPs y singles, el proyecto de electrónica industrial Factory Floor se lanzan a editar una largo en condiciones, del mismo nombre que el grupo, que se expande, exactamente como sus canciones a lo largo más allá de la propia conciencia del tiempo. Sin duda, se trata de lo que identifica al proyecto, para lo bueno y para lo malo, dependiendo de cada tema desearías estar metido en los flujos que proponen para siempre, o bien dejar de escucharlos.

En definitiva, podríamos decir que se trata de un álbum fallido, que no llega a hacer sombra a otros lanzamientos previos en los que el particular trío consiguió ejecutar una serie de canciones magníficas que prometían una actualización del sonido industrial desde el ahora. Incluso, la colaboración de Nic Void con Chris and Cosey en el fantástico Transverse hacía que tuviéramos esperanzas en que el proyecto llegar a un terreno que finalmente no alcanza.


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RETROSPECTIVA MÚSICA

Contar estrellas y echar la vista atrás asión por los teclados y las melodías melancólicas, así P son Au Revoir Simone, un trío

con una corta pero sólida trayectoria que demuestra con su reciente disco que tienen los elementos necesarios para ser tomadas muy en serio. Move in Spectrums es un nuevo avance hacia sonidos diferentes, con una mayor presencia de ritmos y elementos bailables pero en los que no pierden los toques iniciales del trío, Erika Forster, que ha sacado algunas referencias en solitario, Annie Hart y Heather D'Angelo. Una canción como “The Lucky One”, que abría su segundo trabajo, The Bird of

Music, clarifica una de las vertientes más identificativas del grupo: pop delicado y soñador, basado en los intercambios con las voces de las tres integrantes. Así, se van construyendo melodías que en un primer mo-

una clara apuesta por el pop por el pop, a partir de sonidos sintetizados y con una constante: la delicadeza y fragilidad de sus canciones. A partir de estos elementos han ido avanzando hacia un terreno más

“So let the sunshine let it come” — The Lucky One

mento pueden parecer ligeras, pero que acaban adentrándose en la mente de quien lo escucha hasta quedarse grabadas. En definitiva, se puede decir que Au Revoir Simone hacen

maduro. Una carrera de largo recorrido en el que destacan distintos momentos y, sobre todo, canciones perfectas que salpican con momentos escogidos dentro de unos álbumes


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que, en general, mantienen un nivel más que notable. A pesar de esa búsqueda del pop y el detallismo, es importante recalcar que no sól de ingenuidad viven las letras del grupo, sino que el grupo va

RETROSPECTIVA MÚSICA

con una producción de sonidos pequeños, teclados con elementos que no terminan de estallar y, a pesar de ello, una sensación final bastante notable. Canciones redondas como “The Disco Song” o “Stay Golden” que cie-

“I'm feeling better every day And emptiness still leaves a space” — Stay Golden

unido de forma irremediable a una sensación melancólica. Aunque está especialmente potenciada en el último álbum del grupo, es algo que se ha mantenido desde sus inicios, como un ejemplo de esa seriedad y ese poso que deja la escucha de cualquiera de sus álbumes. Así, pese a que su primer trabajo es realmente un EP largo, y fue autoeditado por el propio grupo, Verses of Comfort, Assurance, and Salvation, ya se muestra ese carácter tristón y delicado en una canción tan impresionante como “Through the Backyards of our Neighbors”. A pesar de ese sonido deficiente, supone un buen debut y un gran primer paso hacia ir estilizando exactamente lo que querían convertirse. Es un disco

rra el álbum, de nuevo en un tono más calmado y pausado y con frases tremendas como “I’m feeling better every day. And emptiness still leaves a space”. Pero no sería hasta The Bird of Music cuando Au Revoir Simone ofrecen toda una declara-

tretenerse a con el tono preciosista en una canción como “Stars”. Es un disco que ejemplifica a la perfección ese tono más ingenuo, más suave del trío. Un gran disco pop. En cuanto a Still Night, Still Light, supone la confirmación del trío, en un disco en el que ya se abría una puerta más clara hacia el componente melancólico de su música y evolucionaban notablemente, tanto en la mejora del sonido como en implementar la magia que ha mantenido siempre el grupo. Un trabajo mucho más ambicioso que adelantaba el camino tomado en el nuevo álbum, que coge las ideas que exponen en este Still Night, Still Light para llevarlas hacia un terreno más bailable.

“You know I’m a child I keep this alive” — Another Likely Story

ción de intenciones. Empiezan a demostrar cuales son sus armas y el modo en que saben utilizarlas para sorprender al mismo tiempo con un hit como “Sad Song”, animar a cualquiera con “Dark Halls” o en-

En definitiva, se trata de un grupo para perderse entre sus numerosas melodías delicadas y certeras, y sus frases a veces crípticas y otras tan sencillas y directas como “only you can make you happy”.


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RETROSPECTIVA MÚSICA

Move in Spectrums Au Revoir Simone

Giro hacia lo bailable riunfal regreso del trío cuatro años después de Still T Night, Still Light, con un giro

algo sorprendente hacía sonidos más bailables que promueven unos ritmos mucho más rotundos y una presencia mayor de los sonidos sintéticos frente a la delicadeza pop de sus discos previos. Sin duda, se trata de una buena noticia este giro que les sienta especialmente bien a medida que ahondan en un sonido mucho más profesional y compacto, sin resquicios amateur que pudieran entorpecer el desarrollo de estas once canciones que en su recta final si retoman la esencia de la banda mostrada previamente. Canciones como “Boiling Point”, “Hand over Hand” o “Let the Night Win” son el reverso sosegado y tranquilo del resto del disco, aunque no llegan a brillar como en otras ocasiones, ni nada tienen que hacer con respecto a los temas previos que muestran en Move in Spectrums, aunque “Love You Don’t Know Me”, dominada por el piano, sí que

hace honor a los mejores temas de otros discos anteriores del trío. Pero no es sino en los temas previos donde el disco se luce especialmente. Desde la hipnótica “More Than” que sirve para abrir el álbum. Es un comienzo muy diferente al que nos tienen habituados, por

En ese reverso más bailable sigue presente el componente de tristeza que suele acompañar al trío. Por ejemplo, el tema más quieto y profundo, “We Both Know” sorprende por una letra descarnada y dolida. Mantienen intacto el buen hacer mezclando elementos delicados, ensoñadores y melancólicos.

Destaca un componente de baile que hasta el momento había pasado desapercibido

ejemplo, el disco anterior se abría con “Anywhere You Looked”, una joya pop directa, mientras que aquí ya se muestra el claro interés del trío por hacer un trabajo más electrónico, como destacando un componente bailable que hasta el momento había pasado desapercibido. Ese desenfreno medido, pues al fin y al cabo, seguimos hablando de Au Revoir Simone, se entremezcla con las voces angelicales de Forster, Hart y D’Angelo.

En definitiva, canciones como “Crazy”, el potente single “Somebody Who”, que casi se podría calificar como himno para el grupo, o la emocionante “Gavitron”, el tema con más fuerza de los que ha llegado a ofrecer el grupo, sirven para asegurar que el grupo ha encontrado una nueva forma de expresarse y que consigue hacerlo con éxito. Una nueva puerta abierta que no podríamos haber imaginado y que, sin duda, llegan a ejecutar de manera acertada.


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LISTAS

música

1 Forest Swords - Engravings 2 Au Revoir Simone - Move in Spectrums 3 Bill Callahan - Dream River 4 The Field - Cupid’s Head 5 Ducktails - Wish Hotel 6 No Age - An Object 7 Arctic Monkeys - AM 8 Delorean - Apar 9 Darkside - Psychic 10 Factory Floor

10 9 8 8 8 7 7 6 6 5 Los Ilusos

cine

1 2 3 4 5

Stoker - Park Chan-wook Los Ilusos - Jonás Trueba The Patience Stone - Atiq Rahimi World War Z - Marc Forster Monsters University - Dan Scanlon

6 Inch'Allah - Anaïs Barbeau-Lavalette 7 The Trip - Michael Winterbottom 8 El Estudiante - Santiago Mitre 9 Hannah Arendt - Margarethe von Trotta 10 The Great Gatsby - Baz Luhrmann

8 7 7 7 7 6 6 5 5 3


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Doscerounotres - Septiembre