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PARARTE

MIGUEL FONTANILLA ÍNGRID GORGORI AINA FARZÓN


“La calle donde viven juntas a la vez las cuatro estaciones del año, la única calle de la tierra que yo desearía no se acabara nunca, rica en sonidos, abundante en brisas, hermosa de encuentros, antigua de sangre: la Rambla de Barcelona” Federico García Lorca


ÍNDICE INTRODUCCIÓN4 PLANTEAMIENTO5 DESARROLLO 5 NARRATIVA 6 ESTUDIO DEL LUGAR 9 MARCO TEORICO 12 ESTRATEGIAS DE DISEÑO 14 PRIMERAS IDEAS 16 PARARTE18 ARTE AMBULANTE 18 PROPUESTA 19 EL CARRO 21 LA CARPA 25 ENERGÍA 30 MATERIALES 30 AUSENCIA - PRESENCIA 31 ALMACENAJE 31 PRESUPUESTO32 REFERENTES36 BIBLIOGRAFÍA73


INTRODUCCIÓN Cualquiera que haya paseado por el centro histórico de Barcelona ha sentido esa vibrante esencia que desprenden las calles, la piedra en la pared, la luz y sus reflejos y el despampanante ir y venir de la gente cuya vista analiza y recorre hasta el más recóndito elemento, para poder conocer y entender al municipio. Tras indagar un poco, y al girar la esquina, se llega a la plaza Sant Josep Oriol, donde uno se encuentra un mar de personalidades inmerso en la producción de arte, piezas que igual que la ciudad emiten y crean sensaciones, impactan y originan pensamientos que hacen crecer a todos los que quieran percibir. El arte que se produce ahí irradia percepciones, y sus creadores no cuentan de grandes medios, es más un sistema tradicional, humilde. Y es ahí donde debes PARARTE. Y es que el arte ambulante es una tipología de mercado muy abandonada por los grandes mercados y cualquier otro tipo de negocio, en realidad. Los artistas, con sus pocos recursos, tienen que buscarse la vida para poder realizar y vender sus obras, quedando así relegados a una categoría de segunda división menos aceptada como lo es el arte callejero, cuando en realidad llega a ser un arte muy valioso. Así lo demostró el artista anónimo inglés Banksy, cuando decidió vender obras suyas, valoradas en números de 5 cifras, expuestos en un simple stand al lado de Central Park con un hombre de edad avanzada al cargo. Y es que las importancias son, desafortunadamente, vitales. En esta sociedad se vende por el nombre, por el status, cuesta conseguir reconocimiento. Muy pocos colectivos, que normalmente están formados por los propios artistas intentan afrontar esta cruel realidad cada día. Por estas mismas razones, en nuestro proyecto queremos abordar las deficiencias y características de esta tipología de parada ambulante y centrarnos en sus posibilidades de mejoras, tanto estéticas como


DESARROLLO Las bases del proyecto Habitácola demandan un proyecto que sea sostenible y preferiblemente de bajo coste. Estos parámetros bases servirán de muros delimitadores para futuros diseños que tengamos, donde deberemos saber decidir elegir y prescindir de ideas, priorizar necesidades y optimizar el material ampliando los diferentes matices que componen el diseño y su capacidad social.

PLANTEAMIENTO Tras la visita de Xavier Trull (director del mercado de Sant Antoni) y Jordi Morros (arquitecto especialista en mercados) y gracias a su presentación, empezamos a trazar el planteamiento del ejercicio. Nos seducía la idea de trabajar con productos que tuvieran que ver con el diseño casero y la visión artística, por lo que nos centramos en la venta de arte ambulante, delimitando el área de estudio a la zona céntrica de Barcelona. Estas son las primeras necesidades que detectamos después de delimitar nuestro marco estratégico y tras la influencia por la charla con los expertos: - La necesidad de establecer un sistema que dé cobijo a los artistas y a los clientes, así como a los curiosos. - El hecho de que la pieza a crear sea transportable o se resuelva en el propio espacio de intercambio cuando no esté en uso. - Hacer uso de materiales ecológicos, apostando por los constructores y distribuidores de tipo local. - ¿Qué son los limites espaciales? Debemos tenerlos en cuenta para no delimitar, sino tratar de unir.


NARRATIVA Para este proyecto es clave entender el arte como punto intracomunal que une a las personas en un contexto mucho más lejano que cualquier tipo de palabra mediada. En un no lugar (término trabajado por el antropólogo francés Marc Augé) donde hay una afluencia de seres, agentes humanos y animales, se crean momentos, instantes, que perduran en la memoria de aquellos que los viven. El arte ahí expuesto puede crear un pensamiento, una sensación que puede tener más o menos impacto en aquellos que lo reciben. Por ende e no lugar de tráfico, se crea una parada, un oasis de creatividad. Es un espacio bañado de movimiento donde una simple mirada puede generar una serie de reflexiones que indaguen en la persona. No sabe cuán poderosos serán aquellas sensaciones que le han marcado hasta que poco a poco vaya desarrollando su personalidad (aunque todos sabemos que la personalidad varía según pasa el tiempo). Es un diminuto impacto que puede iniciar un gran efecto dominó. Es por eso que es tan importante exponer el arte de una forma óptima, asegurando el confort de todos los usuarios que intervienen en ese corto lapso de tiepo, esta pequeña inundación plagada de grandes evocaciones. Mediante este proyecto tratamos de optimizar esta conexión que, a veces inesperadamente, tienen el artista y el lugar.


ESTUDIO DEL LUGAR La Plaça de Sant Josep Oriol recibe el nombre del prevere Josep Oriol, nacido en el año 1650 en Barcelona y beneficiario de la contigua Parróquia de Santa Maria del Pi, que dedicó su vida a la atención de los enfermos con menos recursos. Originalmente, en el lugar que ahora ocupa, se encontraba uno de los cementerios de la iglésia que, a pesar de los esfuerzos del clero para evitar-lo, fue pavimentado para evitar problemas de salubridad que originaba. Por su céntrica ubicación existe una constante circulación de personas, aunque son pocos los que se detienen y pasean tranquilamente. Eso se debe en parte a que la fachada principal de la Basílica de Santa María del Pi da a la Plaza del Pi, restando importancia a la Plaza Sant Josep Oriol quedándose con la lateral. En esta plaza destaca la muestra de arte de de pintoresç, una muestra de la Asociació de Pintors de la Plaça Sant Josep Oriol que tiene lugar cada fin de semana desde hace 40 años. Cuando un grupo de artistas llevaron a cabo la idea de acercar el arte al público organizando una exposición al aire libre en la ciudad de Barcelona. Lo que empezaron unos pocos, con el tiempo se ha ido consolidando y en la actualidad ya son decenas de pintores los que exponen sus obras en la plaza, al lado de las Ramblas y muy cerca de la Catedral de Barcelona.


ESPACIOS ADYACENTES En los alrededores de la Plaça Sant Josep Oriol podemos destacar otras plazas importantes de la ciudad donde, ya sea por su uso, por los eventos que acoge o por su ubicación son destacables. En este caso, se han estudiado las plazas del Pi, Sant Jaume, Sant Josep Oriol y Nova. La Plaça del Pi acoge todos los fines de semana La Fira del Colectiu d’Artesans d’Alimentació. Cuya tipología de puesto ambulante es completamente distinta a la de su plaza contigua, Sant Josep Oriol. Mientras en la primera encontramos unos puestos más rígidos, en los que cuando no está activa la feria sigue estando la estructura y disponen de luz y electricidad. Que también usan para mantener los alimentos que almacenan y venden. En la Plaça Sant Josep Oriol se sirven únicamente de unos pocos elementos para generar una feria de arte, estos son: una sombrilla, un atril / carpeta para exhibir sus obras y una silla. En la Plaça Sant Jaume, encontramos las entradas al Ayuntamiento de Barcelona y a la Generalitat. Los edificios que alberga la dotan de gran importancia para la ciudad, pese a eso, es un espacio que siempre ha acogido más manifestaciones y quejas que eventos. Así pues, de forma habitual solo existe la celebración de los Pesebres de la Plaça Sant Jaume en época Navideña. Por último, en la Plaça Nova, justo enfrente de la Catedral de Barcelona, se celebra una de las ferias más importantes de la ciudad, la Fira de Santa Llúcia, donde se exponen y venden artículos relacionados con la Navidad y su tipología vuelve a ser distinta a las anteriores, ya que todos los puestos son iguales, contenedores de color verde que quedan cerrados por la noche y se quedan fijos unos meses al año.


MARCO TEÓRICO Del libro “La estética relacional” de N. Bourriaud en el cual nos plantea una comprensión de la diversidad de prácticas artísticas que tienen una estética común: la resistencia al formateo social. De este libro, podríamos aclarar que la actividad artística requiere de la participación del receptor para existir, ya que la obra se trata de una duración (el tiempo del encuentro con el receptor). Todo esto, tiene relación directa con el proyecto que hemos realizado puesto que, el arte ambulante es un arte que tiene una duración y no es fijo (los artistas por la noche duermen, por ejemplo, y el arte no está disponible), por lo tanto, es un arte que perdura en la memoria del receptor y que tiene la posibilidad de incidir de manera directa en él, ya sea reflejando su propia cara o pidiendo alguna obra exclusivamente personalizada. Además, el arte ambulante se resiste también al formateo social: a pesar de las adversidades perdura en el tiempo y forma parte de la memoria identitaria e histórica de los lugares en los que se encuentra. En el libro, Bourriaud atribuye a las relaciones de proximidad que la ciudad genera esta transformación en la actividad artística: “[...] una forma de arte donde la intersubjetividad forma el sustrato y que toma por tema central el estar-juntos, el ‘encuentro’ entre espectador y obra, la elaboración colectiva del sentido. El arte es un estado de encuentro.” Como bien Bourriaud, el encuentro entre espectador y obra es el sustrato de la misma, y como bien pasa en la plaza de Sant Josep Oriol, las relaciones de proximidad del barrio y el vecindario inciden en que la actividad artística cobre sentido y fluya entre el receptor y el arte en sí, ya que la propia gente atrae a más gente. Bourriaud afirma que “El problema ya no es desplazar los límites del arte, sino poner a prueba los límites de resistencia del arte dentro del campo social global. A partir de un mismo tipo de prácticas se plantean dos problemáticas radicalmente diferentes: ayer se insistía en las relaciones internas del mundo del arte, en el interior de una cultura modernista que privilegiaba lo ‘nuevo’ y que llamaba a la subversión a través del lenguaje: hoy el acento está puesto en las relaciones externas, en el marco de una cultura ecléctica donde la obra de arte resiste a la aplanadora de la ‘sociedad del espectáculo’. Las utopías sociales y la esperanza revolucionaria dejaron su lugar a micro-utopías de lo cotidiano y estrategias miméticas [...]” (Bourriaud, 2006: 34-35).


ESTRATEGIAS DE DISEÑO Nos hemos basamos en varias estrategias de diseño, que asentarán las bases de todo el conjunto de elementos: las 3 R (reciclar, reducir, reutilizar), la transportabilidad y plegabilidad de los elementos, la memoria identitaria de los lugares a cohabitar, la creación de una comunidad de artistas que se relacionan entre sí y la protección contra elementos que no podemos controlar (luz, aire, lluvia, temperatura…). En todas estas estrategias hay unos agentes que deben estar, y están organizados de manera aislada, diferenciándose entre directos, indirectos y no humanos. Los tres, conforman el espacio y lo modifican de una forma u otra, interactuando con la estructura y creando atmósferas distintas. Por lo tanto, todos los elementos son importantes puesto que en función de estos parámetros el espacio es percibido de una manera u otra. Para querer aclarar todo esto y cada punto por separado.


PRIMERA GENERADOR DE ELECTRICIDAD CORRIENTE (ENCHUFES), ENERGÍA SOLAR (PLACAS SOLARES), ... TENER PRESENTE EL FRÍO QUE HAY EN EL INVIERNO Y EL CALOR QUE HAY EN VERANO PARA ESTAR CONFORTABLE, PODER ESTAR AGUSTO, PODER TRABAJAR BIEN, ...

HEMOS PODIDO VER QU MUNDO, LA VENTA AMB EN LA CALLE RESPOND CARACTERISTICAS: ELE EXPOSICIÓN PARA LAS TOS DE PROTECCIÓN S TOS PARA PINTAR (CAB MUY PREÁRIOS..

QUIÉN INVERTIRÁ EN EL NUEVO DISEÑO? UNA EMPRES, UN COLECTIVO, DEL AYUNTAMIENTO, LAS ESCUELAS DE ARTE, ...?

QUÉ PRECIO TE LA CREATIVIDAD?

POR NORMA GENERAL TIENEN UNA ECONOMÍA BAJA

MERCADOS DE ARTE AMB

CONFORT HUMANO

CALEFACCIÓN / LUZ ARTIFICIAL / REFRIGERACIÓN

LUZ

PARA PODER TRABAJAR IN SITU

TENER PRESENTE LA ECONOMÍA DE LOS PROPIOS ARTISTAS

ENERGÍA

TENER PRESENTE LAS CONDICIONES ATMOSFÉRICAS (FRIO, CALOR, LLUVIA)

TENER PRESENTES EL TEMA DE LUCES Y SOMBRAS, PARA PODER TRABAJAR, VENDER Y SOBRE TODO A LA HORA DE LA VENTA. LOS DIFERENTES MATERIALES QUE NO PUEDEN ESTAR EXPUESTOS A PLENO SOL, O AL CONTRARIO.

TEMPERATURA

ART AMBULA

TRABAJAR CON TELAS

QUE SE HA

MATERIALES RECICLADOS

LA FORMA ESTARA PENSADA EN CUANTO A LA LUZ QUE ENTRA Y LA LUZ QUE SALE, LAS SOMBRAS, LOS ESPACIOS DE CARA A LA COLOCACIÓN DE LOS ESTANTDS, ...

PLAZA DE SANT J

VENTA DE ARTE MATERIAL GRÁFI

CARPAS

FORMA “ORGANICA” MUY PENSADA

REALIZACI ARTE EN V

POP UP CUANDO LA CARPA ESTA MONTADA: QUE PASA ?, COMO SE ?, QUE SE HARÁ?, ...

CUANDO LA CARPA NO ESTÉ MONTADA, QUE QUEDARÁ AHÍ FIJO? PARA QUE UTILIZARÁ? TENDRA ALGUNA FUNCIÓN?, ...

TRABAJAR CON LA AUSENCIA Y LA PRESENCIA

SI SE HACE ALGO ESTÁTICO


AS IDEAS

UE EN TODO EL BULANTE DE ARTE DE A LAS MISMAS EMENTOS DE OBRAS, ELEMENSOLAR Y ELEMENBALLETES) TODOS QUIÉN SE HARA CARGO?

DONDE IRÁN A PARAR?

QUÉ RESIDUOS SE GENERAN?

RESIDUOS

BULANTES DEL MUNDO

JOSEP ORIOL

“STAND” FORMATO POR UN PARASOL Y UN EXPOSITOR DE CARPETAS

PROPORCIONADO POR EL AYUNTAMIENTO ESCUELAS Y PARTICULARES

EL RESTOTIENEN QUE ESPAVILARSE Y LLEVARLO ELLOS

TE ANTE UTILIZACIÓN DE MARCO (TIPO CARPINTERIA DE VENTANAS) PARA LA EXPOSICIÓN DE LAS OBRAS

ACE

PROPIO / ICO

IÓN DE VIVO

MODULO DESTINADO A LA VENTA

MODULO DESTINADO A LA ELABORACIÓN / TALLER

ESPACIO RESERVADO PARA LOS ARTISTAS, PARA LA PROPIA REALIZACIÓN DE SU ARTE

EXPONER EN PANTALLA: EXPONER MATERIAL GRÁFICO, MATERIAL QUE NO SE TE IN SITU PERO QUE UN TE LA VENTA, VIDEOS DE COMO HA SIDO REALIZADA LA OBRA, ...

MODULOS CREADOS POR DIFERENTES MODULOS (A + B / A + A, / B + B) DEPENDIENDO DE LO QUE SE QUIERA HACER

ESPACIOS TALLER PARA NIÑOS Y ADULTOS, CLASES DE PINTURA, TALLERES ARTISTAS, ETC ...

VINCULAR-HO CON LA DOCENCIA Y APRENDIZAJE

UNA PANTALLA, UNA TELE, UN IPAD,...

INCORPORACIÓN AUDIOVISUAL

UTILIZAR LA PROPIA CARPA PARA PROYECTAR. UNA SOLA PROYECCIÓN PARA TODOS LOS STANDS Y Q DEBAJO TE INDIQUE DE QUIÉN ES QUIÉN


PARARTE ARTE AMBULANTE


PROPUESTA Este trabajo se centra en la construcción y viabilidad del espacio de exposición - venta de los artistas del colectivo “Pintors del Pi”. La idea de base es la de otorgar un nuevo mobiliario urbano que dé pie a la mejora de la vida laboral de los artistas en la plaza Sant Josep Oriol, apostando por su visión del arte y dotándoles de un lugar ajustado s sus necesidads, optimzando todas las funciones que tienen lugar en el intercambio económico y humano, tanto por parte de los agentes externos como del propio colectivo de artistas. Nuestro proyecto se enfoca en pasar del que nosotros denominamos “supermercado de arte” que se concibe actualmente, a un mercado regido por lo íntimo, un lugar mucho más personal y acogedor, a un nuevo modelos que permita generar una galería de arte, donde se pueda pintar y exponer de una forma más confortable resolviendo los inconvenientes técnicos que encontramos hoy en día (refugiar a los artistas del sol, frío y lluvia a la vez) y apostando por el uso de materiales duraderos originados en una zona cercana a la ciudad condal.


PARARTE Pararte se basa en el rediseño de la actual sombrilla y espacio de exposicion que tienen actualmente. Partiendo de la memoria histórica para no perder esa esencia tan característica, hemos decidido elevar estos elementos a dos módulos en concreto. Un carro y una carpa, estos estan pensados desde el punto de vista de mejorar el bienestar de los vendedores, apostando por el confort climático. Uno de los elementos clave de este proyecto, se basa en que estos módulos tienen que poder ser transportados desde su lugar de almacenaje al lugar de venta y por último y no menos importante, tienen que ser fáciles de montar, en un tiempo corto y sin ninguna complicación. El hecho de poder montar y desmontar estos módulos de forma rápida y sin dificultad implica poder dejarlo a cargo a los propios artistas del lugar, ofrecerles una variante de colocaciones totalmente libre, albergándoles y otorgándoles un espacio de trabajo más cercano al confort y la libertad de uso. Esto quiere decir que pueden colocarse individualmente o pueden organizarse en varios grupos y generar diferentes distribuciones, creando recorridos y un dinámico flujo humano.

LOS MÓDULOS Nuestra propuesta consta de dos módulos, por un lado el modulo CARRO y por otro, el modulo CARPA.

IMÁGENES DE 1980


EL CARRO Esta pieza es desde la qual se despliega el proyecto, con unas medidas de 70 centĂ­metros por un metro y de 70 centĂ­metros de altura, proporciona al artista un espacio de exposiciĂłn, almacenaje y trabajo.


DESCRIPCIÓN El carro dispone de un panel vertical extraíble y abatible para que el artista pueda exponer sus piezas, hecho con una rejilla metálica para facilitar su colocación. Una superfície plana de exposición alargable con la mesa abatible que a su vez, proporciona un espacio de trabajo. Se sirve de 3 cajones, el primer cajón tiene unas dimensiones más reducidas, ya que en su parte posterior es donde se almacena la batería y el transformador de las placas solares de la carpa para disponer de electricidad en su interior. Así como dos enchufes para que los artistas puedan conectar una luz de apoyo o algún aparato que usen para sus piezas. El siguiente es para almacenaje del artista, ya sea para sus materiales o algunas de sus piezas. Por último, el cajón inferior del carro, cuya altura es más alta, albergarà la carpa plegada de manera que pueda existir alguna ocasión en la que no se despliegue si las exposiciones se contemplan en otro escenario, ya sea por estar en un interior o en un espacio donde no sea necesario cubrirse del sol o la lluvia. Su capacidad, permite también que le artista pueda guardar ahí su silla. Finalmente, este carro esta pensado para ser transportado con dos manos con el funcionamiento igual al de una carretilla.


EADO CON UNA VERSIÓN PARA ESTUDIANTES DE AUTODESK

CREADO CON UNA VERSIÓN PARA ESTUDIANTES DE AUTODESK

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CREADO CON UNA VERSIÓN PARA ESTUDIANTES DE AUTODESK

CREADO CON UNA VERSIÓN PARA ESTUDIANTES DE AUTODESK

CREADO CON UNA VERSIÓN PARA ESTUDIANTES DE AUTODES

PLANOS TECNICOS

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CREADO CON UNA VERSIÓN PARA ESTUDIANTES DE AUTODESK

LA CARPA La carpa está pensada de forma que sea montable y desmontable en un tiempo màximo de 20 minutos. La estructura está hecha con tubos de aluminio en tramos de 70 cm que encajan entre ellos con un mecanismo simple, unidos por una goma elástica en su interior. Junto a esta, se encuentra el cableado de las placas solares que proporcionan energía a la parada. Este mecanismo se asemeja al que encontramos en un paraguas, al apretar los botones salientes hacia abajo la barra accede a salir de la que la bloquea, de forma que sea un elemento seguro a la par de facil de usar.

Además, en el interior de los tubos también encontamos el sistema de cableado para las placas solares. Éstas, irán colocadas en la parte superior de la carpa. Dicho cableado, se conectará a las placas y al carro dónde encontramos el transformador y acumulador.

CREADO CON UNA VERSIÓN PARA ESTUDIANTES DE AUTODESK

Una vez separados los tubos, se van doblando haciendo que queden uno al lado del otro, por esa misma razón llevan una goma elástica que los une, para que siempre esten en orden i el el lugar i dirección que les pertoca. De esta forma, La longitud màxima de la carpa, una vez desmontada y doblada, será de 70 cm, apta para caber en su cajón correspondiente del carro.


La carpa consta de dos tipos de tela, una permite la entrada de luz y la otra no, creando así, un juego de luces y sombras que invaden el espacio. Las telas están hechas de un material transpirable que ofrece protección del sol y permite la entrada de luz en su interior, bloqueando la entrada de agua. Esta tela está formada a base de triangulaciones para ofrecer una mayor facilidad a la hora de su desmontaje y plegado. La tela tiene que poder ser lavada, dado que la intención principal es la de empoderar a los artistas y dejarles modificar su propio espacio de trabajo, pintando la carpa a su gusto.


La forma de la carpa una vez montada genera la posibilidad de una disposiciรณn variable que permite adaptase tanto a lo que se quiere exponer en su interior, como a la forma de la plaza o calle en la que se encuentre. Por esta razรณn, existen una variante de cuatro piezas de uniรณn entre carpas, las cuales se colocan en el palo central. Estas piezas, permiten que se puedan encajar de 2 a 6 carpas en un mismo punto. Se utilizarian para crear las combinaciones de las carpas unidas, para que queden sujetas entre ellas en un mismo punto.

DETALLE UNIร“N


ENERGÍA La utilización de placas solares fotovoltaicas en la parte superior de la carpa ayudará al ahorro de energía y disminución de agentes contaminantes, siendo este método de captación de energía mucho más sostenible con el medio ambiente. Estas placas servirán tanto para la creación de luz artificial para las horas o días en las que no hay sol y para la generación de energía funcional para poder tener objetos eléctricos. ​ ara colaborar con el negocio local y mantener una recolección de materiales cercana a la ciudad de P Barcelona, dichas placas se abastecerán mediante la empresa Terrasolari, con sede en Barcelona y Girona.

MATERIALES Los materiales empleados en la construcción de la carpa, están pensados basándose en la regla de las tres R: reciclar, reducir y reutilizar. Por lo tanto, son materiales respetuosos con el medio ambiente y que su uso colabora para conseguir una producción más eficiente y sostenible ecológicamente.


AUSENCIA - PRESENCIA Como la carpa es desmontable y transportable, el espacio interactúa y cambia en función de la presencia/no presencia de ésta, creando dos ambientes muy diferenciados. La atmósfera varía mucho si la carpa está montada y los artistas en ella, o si no hay estructura en ese momento. La afluencia de gente, el sonido y el impacto visual también generan otra sensación y depende del día, se respira un ambiente más tranquilo o más movido y alegre.

ALMACENAJE El colectivo “pintors del pi”, cuenta actualmente con un almacen para dejar sus herramientas de venta ahí en los momentos en los que no estan siendo utilizados, este local es propiedad del colectivo, por lo tanto tienen pleno uso libre de el.


PRESUPUESTO El colectivo de artistas, no es un colectivo económicamente pudiente, se trata de personas de nivel socioeconómico medio, por lo tanto, no tienen un gran presupuesto para comprarse estos carros. Por eso mismo, como ya es actualmente, las nuevas instalaciones irían a cargo del ayuntamiento, que entendemos estaría dispuesto a contribuir en la mejoría de vida de un sector de trabajadores que actualmente sufren las consecuencias de un mal diseño y gestión del espacio. Además de siendo una buena forma de fomentar la cultura y el interés por el arte de sus ciudadanos. Partiendo de una de nuestras estrategias de diseño principales, todos los elementos serán sacados de empresas que trabajen con las 3R (reducir, reciclar y reutilizar), por una parte porque queremos unirnos a la causa de preservar al medio ambiente, y por la otra, en la faceta económica y la viabilidad de estos productos, que serían más rentables y fáciles de obtener. Otra de nuestras estrategias, es trabajar con el consumo de Km 0, para no solo ahorrar tiempo, dinero y bienes materiales, sino favorecer a la economía local y contribuir con la producción apostando por el menor impacto ecológico posible. Por lo tanto, todos los materiales se obtendrían de empresas y negocios cercanos.


descripción TELAS translúcidas, transpirables e impermeables para la confección de la carpa, estructurada a base de triángulos extraíbles.

unidades

precio u €

total €

16 m2

10€ m2

160€

22 tub

8€

176€

1

750€

750€

2

35€

70€

1

49,95€

49,95€

2

20,95€

20,95€

Vendedor: RIBES I CASALS Vendedor 2 (por cercanía): PLECOART afincados en BARCELONA CARRITO (carrito multiusos) * Vendedor: RODRIGUEZ FUSTERS (BCN) PLACA SOLAR más cableado y enchufes Vendedor: COL·LECTIU SOLAR SOBIRANIA ENERGÈTICA CONVERTIDOR DE ENERGIA SOLAR CONVERTIDOR XUNZEL ACDC 12A 12V Vendedor: LEROY MERLÍN BATERÍA para la acumulación de energía solar. Modelo: SOLARX 8AH-12V Vendedor: LEROY MERLÍN

PRESUPUESTO FINAL

bruto

1226,90€

IVA 21%

257,65€ 1484,55€


REFERENTES LA ESTÉTICA RELACIONAL DE N. BOURRIAUD El arte relacional distingue el arte de los años 90s de los decenios anteriores sobre el modo en que el sistema de las artes procesó tres coyunturas: el nuevo contexto socio-político tras la caída del muro de Berlín en 1989; la tecnología con el desarrollo de Internet y las computadoras personales, y la propia tradición de las artes visuales en el siglo XX. La conclusión de este concepto era el de hacer una comprensión de la diversidad de prácticas artísticas que tienen una estética común: la resistencia al formateo social. En su libro Estética relacional, Nicolas Bourriaud sostiene que “el arte es la organización de presencia compartida entre objetos, imágenes y gente”, pero también “un laboratorio de formas vivas que cualquiera se puede apropiar”. Por lo tanto, podríamos aclarar que la actividad artística requiere de la participación del receptor para existir, ya que la obra se trata de una duración (el tiempo del encuentro con el receptor). Este referente nos ha servido sobretodo de manera conceptual, ya que trata sobre nuestro tema en concreto, “el arte”, y de cómo este actúa entorno a nuestra sociedad y socialmente (las personas/ comunidades). También muy importante, habla sobre la parte económica que acompaña a todo este mundo, hecho que hemos tenido en cuenta.


BRUNO LATOU- EL PARLAMENTO DE LAS COSAS Latour reivindica que los objetos tienen derechos y capacidad de reacción, lo que se le denomina agency. En la modernidad actual y en el realismo social científico en el que vivimos, consideramos que ser “real” significa no ser construido, sino nacido. Por lo tanto, todos los objetos que conviven con nosotros, los cuales han sido creados, no son dignos de ser considerados “reales” y no se les da opciones ni la sociedad se plantea que puedan sentir y vivir, puesto que dichos objetos (denominados naturaleza dentro de las cuatro garantías de la Constitución moderna según Latour) solo duran un momento, el momento de su construcción. Defiende que las colectividades humanas deberían considerarse igual que los objetos o como Michel Serres llama “cuasi-objetos” porque también tienen una duración aunque sean largamente duraderas en el tiempo. Sin embargo, la sociedad es inmanente, lo que significa que es construida y continua y artificialmente por parte de los ciudadanos y los sujetos. Latour dice que la tecnología nunca ha tenido el estatus trascendental que la ciencia y los hechos científicos han tenido. Las tecnologías han sido siempre muy difíciles de reducir a objeto-sujeto como sí se pueden reducir los pertenecientes a dichos grupos. Las tecnologías se han vuelto híbridas: no son ni sujeto ni objeto, y perduran en el tiempo, se modifican y se actualizan constantemente. Este referente nos ha servido de manera conceptual, ya que nos dice que las cosas “no vivas”, los objetos, y los animales no humanos, también tienen una realidad, como una alma, un que los lleva a existir. Podemos entresacar de él, que el arte, como una persona, tiene su lugar en el mundo.


PETER ZUMTHOR- LAS ATMÓSFERAS Cada vez que entramos en un edificio o estancia, vemos y sentimos una atmósfera en décimas de segundo, recibimos una sensación. La atmósfera es una sensibilidad emocional que percibimos. Cada atmósfera también tiene un lado artesanal, tiene que existir un procedimiento, unos intereses, unos instrumentos, unas herramientas para ir en una dirección cuando se intenta generar una atmósfera en una obra. Para ello hay 9 puntos clave: 1.- El Cuerpo de la arquitectura – Reunir cosas y materiales del mundo para que creen este espacio. 2.- La consonancia de los materiales. – Los materiales no tienen límites y reaccionan e interactúan entre ellos, un mismo material tiene miles de posibilidades. 3.- El sonido del espacio.- Todo espacio funciona como un gran instrumento, mezcla los sonidos, los amplifica, los transmite por todas partes, tiene que ver con la forma y con la superficie de los materiales que contiene y cómo se han aplicado. Todo edificio emite un sonido, hay que imaginarse cómo “sonará” con las proporciones y materiales adecuados. (Acústica). 4.- La temperatura del espacio. Temperatura psíquica, sensación de frío o cálido producido por los materiales empleados, y también real, pues los materiales empleados contribuyen físicamente a esto. 5.- Las cosas a mí alrededor – aquellos objetos que ponemos nosotros intencionadamente en medio de los espacios - pocos o muchos. 6.- Entre el sonido y la seducción. Entre el sosiego y la seducción. Claridad y sencillez, lugares donde no haya nada que sirva de reclamo da sosiego.


7.- La tensión entre interior y exterior - En la arquitectura se crean lugares de tránsito entre interior y exterior y hay que plantearse: ¿Qué quiero ver cuando estoy dentro? ¿Qué quiero enseñar de mí? ¿Qué referencia muestro con mi edificio al exponerlo al público? 8.- Grados de Intimidad -Tiene que ver con la proximidad y la distancia, concierne a distintos aspectos: tamaño dimensión, proporción. El tamaño, la masa y el peso de las cosas. El entorno no tiene que amedrentar, sino que de algún modo me hace más grande o me deja respirar con mayor libertad 9.- La luz sobre las cosas. Como reflejan la luz los diferentes materiales y superficies y hacer que todo concuerde. Cuando es posible, la luz natural es 10.000 veces mejor que la artificial. Este referente teórico nos ha ayudado a entender e interpretar la atmósfera de un espacio. Sobretodo nos ha ayudado a visualizar mejor todo el tema atmosférico de la parada.


LA PLAZA DE LOS PINTORES DE MADRID Plaza Conde de Barajas, cada domingo unos 40 artistas exponen sus obras. Para participar se hace una presentaciรณn de las obras y entre todos deciden si pueden exponer en la plaza o no. Si estan cubiertas las plazas se hace una lista de espera. Este referentes no ha ayudado a entender como pasa este mismo factor pero en otras ciudades, y ver como abordan su problematica de espacio y trabajo.


MERCADO DE ROTTERDAM El Markthal de Roterdam consta de un enorme espacio cerrado a nivel de calle rodeado por un edificio de viviendas en forma de arco. Su forma, colorido interior y altura lo convierten en todo un espectáculo. Lo excepcional del diseño radica no solo en su forma y tamaño, sino sobre todo en la manera de integrar sus diferentes funciones. En ningún otro lugar del mundo se encuentran bajo el mismo techo un gran mercado cubierto, tiendas de comida, restauración, un supermercado, viviendas y un parking subterráneo. En este mercado, los artistas no entran dentro del sector que venden en este lugar, por esta misma razón, los artista se colocan fura, con sus stands y caballetes caseros, sin ningún permiso ni nada. Como hemos podido ver, los artistas se ven desplazados del mundo del mercado. Este referente lo hemos utilizado para ver como actúa está misma problemática en otras partes del mundo, también de cara a la resolución de formas y colores. También ‘por su metodología empleada en el diseño de ser un edificio ecológico.


LA CALLE DE LOS PINTORES DEL RATRO DE MADRID Popularmente conocida como la calle de los pintores, la calle San Cayetano de Madrid, se convierte cada domingo en un castizo Montmartre en miniatura, tomado por pintores y vendedores ambulantes. Este referente ha sido utilizado para la observación de cómo se organizan, con qué y cómo ocupan el espacio público.

FOTOS EN STOCK DE PINTORES CALLEJEROS EN TODO EL MUNDO:


ANTHONY HOLDSWORTH:EL PINTOR DE LAS CALLES DE LA MISIÓN Casi todas las mañanas, alrededor de las 11 de la mañana, reúne su equipo, lo mete en su tráiler y, en bicicleta por las calles de la Misión, se dirige a pintar el pulso latino de la comunidad. Es un pintor de arte, que se ha auto gestionado y auto fabricado su propio stand de trabajo y su propio carro de arte ambulante. Con un pequeño remolque ligado a una bicicleta, viaja por toda la ciudad dibujando sus calles y lugares más característicos. En este remolque lleva todo lo necesario, su caballete, su pequeña repisa, sus pinturas, sus pinceles, ... Conocer a este artista nos ha sido de muchísima ayuda para la realización de nuestro proyecto, tanto de manera práctica como teórica, como de observación de la realidad.


EL CASCO ANTIGUO SE CONVIERTE EN UN TALLER DE ARTE Con la realización del XIII Concurso de Pintura al Aire Libre ‘Ciudad de Badajoz’, las calles se llenaron de pintores. Podemos observar como estos pintores no disponen de un espacio de trabajo bien acomodado para ellos, siendo así que tienen todos sus productos y herramientas de trabajo repartidos por el suelo. Entre los 75 artistas que se repartieron por calles y rincones del casco histórico pacense para reflejar elementos únicos de Badajoz, su arquitectura y su paisaje urbano. Otros 74 sacaron caballetes y pinceles convirtiendo la ciudad en un gran estudio de pintura, y cuya presencia hizo las delicias de turistas y paseantes oriundos Como en los anteriores, este referente es de observación de poder ver en la realidad como se organiza, y hacen sus proyectos de una manera muy LOWCOST.


BOULEVARD DE PINTORES En la Calle 23 Vargas, a un costado del edificio del Rectorado de la Universidad de Los Andes, justo hacia la entrada del Teatro Cesar Rengifo, se reúnen pintores para exponer y vender sus obras. Sobre el 1987, en este boulevard existían de forma desorganizada artesanos y pintores, y ya fue sobre el 1987 cuando se organizaron en una asociación civil llamada César Rengifo, solo formada por pintores, aproximadamente unos 36. Con el paso del tiempo esta asociación se fue disolviendo por discusiones entre sus integrantes y personas ajenas a la asociación Este referente nos ha sido de gran utilidad para ver como funciona este mismo caso en otros lugares, decimos mismo caso, porque como en la plaza de Sant Josep Oriol también existe un colectivo similar en cuanto a cómo se organizan, cómo se colocan y con qué y cómo actúan.


RITMES - JUDIT JUAN DE PALMA La temática del proyecto en si no nos sirve para nada, pero su formalizaron si. El uso de la tela para crear sombras, el uso de la carpa con telas, etc, ... En eso nos hemos podido ilustrar muy bien. El eje central del Proyecto de Judit es el sol, es el epicentro de la luz natural y está en continuo movimiento. Durante el día, el sol experimenta una serie de cambios tanto de posición como de intensidad, nos da interrumpida mente diferentes tonos y colores que varían según diferentes factores, entre ellos, la interposición con las nubes y las estaciones del año. A consecuencia de estos cambios naturales, la percepción de los objetos y de los espacios debajo la iluminación del sol es cambiante. A demás, nos aporta un elemento fundamental en nuestra experiencia vital y también en nuestro sentido de orientación. Como detonante de la investigación, se diseñaron diversas estructuras que tienen como finalidad crear diferentes ambientes según el momento del día, la cualidad de la luz y la estación del año en la que se utilice.


REFUGIOS DE EMERGENCIA Los jóvenes diseñadores australianos Nic Gonsalves y Nic Martoo, han ganado recientemente un premio internacional por su innovador diseño de refugios de emergencia para las víctimas de desastres naturales y provocados por el hombre. A través de la facilidad de fabricación (sin herramientas mecánicas), el diseño proporciona un espacio con capacidad para dos ocupantes y sus pertenencias, entregándoles la posibilidad de controlar las relaciones con el mundo exterior a través de una piel flexible de tejas sólidas, translúcidas y transparentes. La ausencia de fijaciones mecánicas permite que el refugio pueda ser completamente desmontado y reconstruido con facilidad. Toda la vivienda utiliza menos de un metro cúbico de material y puede ser transportado fácilmente en un pequeño vehículo. La intención de diseño es la de devolver un sentido de control para el ocupante y facilitar el proceso de recuperación a través del acto de la estancia y permanencia en la zona previamente habitada. Nos ha ayudado en la parte de la formalización, un diseño rápido de montar, sin fijaciones, de poco espacio y transportadle.


SEGNI MOSSI Segni Mossi es un proyecto de investigación nacido en 2014 del artista visual Alessandro Luma y la coreógrafa Simona Lobefaro para investigar la interacción entre danza y el símbolo gráfico con niños y adultos. Los objetivos de Segni Mossi en el trabajo con niños y adultos: - valorar el símbolo y liberarlo de cualquier subordinación representativa - tener más confianza para utilizar nuestros cuerpos como herramienta comunicativa; - explorar la conexión entre las cualidades expresivas de los movimientos corporales y las actividades expresivas del símbolo; - considerar la experimentación como un método de trabajo; - persistir en el proceso creativo en vez de en el resultado; - desarrollar la capacidad de involucrarse en actividades grupales; - ganar confianza en ti mismo y en los demás; - valorar las diferencias; - estimular el pensamiento crítico y el sentimiento estético; Este referente nos servía muchísimo para la idea de exteriorizar los stands en talleres, en educación artística


ARNO STERN Al crear el Closlieu, Arno Stern llamó la actividad “Educación creativa”. Él quería decir que el proceso, diametralmente opuesto al acondicionamiento de la dependencia, consistía en una iniciación a la autonomía individual. Destacó el hecho de que el desarrollo personal está vinculado a la experiencia social. Por lo tanto, la actividad en el Closlieu permite que los individuos se cumplan entre otros, más que en contra de ellos. Si el Closlieu es la cuna de la Formulación, ya que la estimula y mejora, la experiencia conductual de aquellos que vienen a pintar allí, en un grupo diverso, trasciende significativamente en la vida cotidiana. El ser creativo es una persona equilibrada, al contrario de un individuo agresivo o desesperado. Así es como debe entenderse el término “Educación creativa”. Este referente nos servía muchísimo para la idea de exteriorizar los stands en talleres, en educación artística.


LIBRERÍA NÓMADA DE MILÁN Este proyecto pretende ser un manifiesto de la relevancia de los libros en el contexto de la expansión de lo digital. Está ubicado en el centro del distrito de diseño de Brera, en Milán, en la Plaza de San Marcos. La Liberia nómada presenta una selección de libros de Lars Müller sobre diseño, arquitectura, fotografía, arte y sociedad. Es una estructura urbana itinerante que proyecta hacia la ciudad los títulos provocativos de los libros de Lars Müller, siempre cambiantes. Esto es expuesto en una pantalla digital que va alrededor del pabellón. El interior, hecho de corcho fino en forma de pinta de diamante, permite exhibir los libros y proporciona un ambiente acústico templado dentro del ajetreo del contexto urbano de Milán.


GALERIA AMBULANTE se trata de una camioneta Wolskwagen reconvertida en una furgoneta de venta ambulante de arte y otros elementes de coleccionismo, sobretodo del mundo pop-up. Uno de los encantos de la tienda es que no se puede encontrar en un punto fijo, con una agenda siempre bien alternada. Afortunados pueden encontrarla en el Vaca Brava durante la semana, en el Parque Flamboyant durante el fin de semana y tambiĂŠn eventualmente en la Plaza de las Ares, en el Jardim GoiĂĄs.


TABURETE INSPIRADO EN EL ORIGAMI El diseñador Polaco Jakub Piotr Kalinowski ha creado un taburete inspirado en el origami. Le ha otorgado el nombre de ORI STO y está hecho de metal doblado y tiene la característica de que se pueden apilar. A partir de la técnica del origami ha surgido un taburete de forma muy ligera y sencilla. El uso de un método de doblado y corte, ha permitido satisfacer el objetivo del diseñador; simplicidad y costos de fabricación mínimos. Al ser tan sencillo de fabricar y tan barato, es ideal para su fabricación en masa. Es por esto que el taburete está especialmente dirigido a un cliente masivo. Puede usarse tanto en instituciones publicas como en casas privadas.


ESTRUCTURA TEMPORAL DE CREACIÓN DE SOMBRAS (USO DE TELAS Y ARQUITECTURA) En el contexto del Festival de Innovación Social fiiS 2014, en Santiago de Chile, se le encargó a Ciudad Emergente diseñar y construir una estructura temporal para generar sombra y descanso en el Parque Bicentenario, que esperaba recibir 20.000 personas en un día. El desafío fue construir una estructura medioambiental mente amigable, autosoportante, liviana, barata y capaz de ser montada en un día y desmontada en un par de horas. La estrategia fue la de proponer un sistema generado a partir de dos paraboloides hiperbólicos unidos entre sí por una arista a modo de espejo, permitiendo de esta manera que ambos módulos se estructuraran apoyándose entre ellos. Cada paraboloide se diseñó como una superficie reglada, conformada a partir de componentes de colihue unidos entre sí con elásticos, permitiendo su flexibilidad y facilitando el proceso de montaje y desmontaje. Ciudad Emergente plantea una estructura de colihue con el fin de visibilizar su potencial arquitectónico/estructural y su potencial uso en contextos urbanos. El colihue es un material flexible, resistente, liviano y barato. Además es recomendadle en términos medioambientales por la alta capacidad de capturar carbono.


TIENDA NANUSHKA Situado en el corazón de Budapest y creado para la temporada otoño / invierno 2011, el nuevo espacio para la Tienda Nanushka Betastore intenta enfatizar en los valores principales de la marca y contrastar con la a veces abrumadora experiencia urbana. Como fuente de inspiración para su diseño utilizaron el concepto de “lo salvaje” o no intervenido, y como elementos las clásicas carpas y graneros que se utilizan en las bodas. Entonces reunieron materiales puros y simples como el algodón, lino, madera para leña y acero oxidado. Primero crearon un sistema de manipulación de la tela de 250 m2 que cubriría el interior, tirando de los cables por debajo del techo. Avanzando desde el frente hacia atrás lograron levantar el lienzo en el aire y luego dejarlo caer y fluir de una manera que, básicamente, envuelve todo el espacio interior. Luego cortaron la leña en pequeñas laminas que se instalaron en el piso y otras se dejaron como troncos que nacen desde la tierra y sirven como soporte de exhibición.


CUBIERTA RETÁCTIL La fortaleza de Kufstein se construyó para la defensa de la ciudad durante la Edad Media; hoy en día atrae a una gran cantidad de turistas. En los años 90 y debido a la vegetación excesiva, varias partes de la estructura del edificio histórico estaban en muy mal estado. Por este motivo se fundó el Top City Kufstein, que buscaba reactivar el edificio a través de su restauración gradual y el establecimiento de restaurantes y eventos al aire libre. El clima imprevisible hizo que muchos de los eventos al aire libre fueran cancelados de forma frecuente, resultando en una gran pérdida económica. De esta forma surgió la idea de diseñar una cubierta móvil, que permitiera cubrir la mayor área posible del patio circular. Por otro lado se prohibió el uso de cualquier tipo de anclaje hacia el edificio existente ni tampoco interferirlo visualmente. Para cumplir con todo esto, los diseñadores crearon una estructura a modo de paraguas que puede llegar a cubrir un área de 2.000 m2 en cuatro minutos. Cuando el techo está abierto, la membrana se mantiene compacta y doblada en el centro de la estructura, protegida a través de placas de policarbonato transparente. La membrana textil se compone de una tela de PTFE (Politetrafluoroetileno) con alta resistencia al estrés. Este tejido se caracteriza por su alta calidad en comparación con materiales convencionales: dura más de 15 años, es flexible, resistente al pandeo y tiene un alto grado de transparencia (de alrededor del 40%). Además es resistente a los rayos ultravioleta y muy fácil de limpiar, ya que no permite la adherencia de partículas. de suciedad fácilmente.


La membrana se abre a través de carros de deslizamiento, suspendidos por cables en su parte inferior. Ésta se mueve por 15 motores que trabajan sincronizados y que son controlados automáticamente por una unidad central. La cubierta fue diseñada inicialmente como protección frente al clima, pero a medida que el proyecto se fue desarrollando, se incorporó el tema de la acústica y la iluminación, los que hicieron más atractivo su uso nocturno.


PAISAJE VERTICAL La última instalación del japonés Ryo Yamada, exhibida en el Museo de Arte Contemporáneo de Sapporo, Japón, nace a partir de una visión más amplia del típico Paisaje. Por lo general el término “paisaje” se entiende como una referencia a un paisaje horizontal, pero la palabra también incluye el aire y la luz del sol. Yamada quiso transmitir esta idea mediante la interactividad de los usuarios con la instalación, haciendo perceptibles estos elementos del paisaje que generalmente no se perciben visualmente al contemplar un paisaje. Un total de 29 columnas rectangulares hechas de malla sintética transparente, del tipo que se utiliza para proteger la vegetación, cuelgan de un techo de red que extendió el patio exterior del museo. En el frente del museo, otras 28 columnas que cuelgan de los paneles de malla se han dejado a cielo abierto. Estos livianos y delicados elementos se mueven con el viento, mientras que la luz del sol juega y se refleja en la malla, provocando un destello suave, un reflejo luminoso o incluso una mirada deslumbrante. “Hoy en día, nuestra comprensión de la naturaleza es fundamentalmente científica. Calculamos la velocidad del viento en metros por segundo y la temperatura en grados Celsius “, dice Yamada. “Pero, al igual que una mente budista, la naturaleza nunca tiene la misma figura o forma. Con este trabajo, me gustaría que la gente pueda darse cuenta de que el ambiente que nos rodea está cambiando cada segundo. ”


ARTESANIA, ARMONIZANDO CON EL ESPACIO Este proyecto fue diseñado por los arquitectos de la oficina Limtaehee Studio, para una exhibición de artesanía tradicional coreana. Se trata de tres intervenciones sutiles y escenográficas, que pueden ser percibidas de diferentes maneras, según el espectador. Las propuestas son casi inmateriales y se construyen con telas de diferentes texturas y transparencias. La idea principal era evitar la percepción del espacio de una sola vez, obligando al visitante a caminar y a darse el tiempo de experimentar cada habitación, para luego comprender el espacio en su conjunto. La intervención de la sala #1 queda aproximadamente a la altura de los ojos. El tema de la sala de exposiciones #2 es el peso y la masa de aire. La sala #3, en cambio, transmite una nueva perspectiva para mirar los objetos. En esta sala se exhiben artesanías pequeñas y variadas. El diseño, en consecuencia, busca abrazar los diferentes tipos de artesanías a la vez. La intervención es estática, pero al mismo tiempo tiene algo dinámico, y se compone de una serie de capas a modo de nubes, que se elevan de forma repetida y liviana. En primer lugar se llenó la habitación por completo y luego se limpió para despejar el espacio necesario para la exhibición. En este caso, la intervención es una especie de niebla que rodea al visitante hasta encontrarse con el objeto. Esta sala de exposiciones ofrece la experiencia de ver la artesanía dentro de un espacio completamente lleno. De la misma forma en que nuestros sentidos se vuelven más agudos y sensibles cuando está lloviendo o hay neblina, este lugar nos hace ver la exhibición como un “trozo de paisaje”.


CASAS DE CARTON El cartón ha sido visto como un material de desecho o material de embalaje. Estos estudiantes han experimentado con el cartón para hacer casas y los resultados son sorprendentes. Estructuras de cartón y clavos diseñadas y construidas por 19 equipos de estudiantes universitarios, un evento convocado por la Universidad de Chongqing en China.


BAJO TENSIÓN: PAVELLÓN EN INDIA Tensión e ingravidez al mismo tiempo: el Indianwood Underwood Pavilion revela un aspecto extraordinario e innovador. Por medio de una cubierta constructiva de módulos de Tensegrity que soportan carga, se podría realizar una construcción liviana y al mismo tiempo duradera. El pabellón obtiene su aspecto extraordinario a través de la interacción constructiva de barras de aluminio, cables de acero y una cubierta textil. Su materialidad lo convierte en una referencia a la antigua industria siderúrgica y textil específica de la región. La construcción consta de un total de 56 módulos, cada uno compuesto por tres barras de presión y sostenido en equilibrio por un cable de tracción. Debido a las diferentes variaciones geométricas de los módulos, así como a los diferentes radios de curvatura y tamaños de área, se creó la forma final del edificio. La estructura constructiva del pabellón está formada por los llamados “módulos de tensegridad”: el “sistema de tensegridad” desarrollado por Buckminster Fuller resulta de la interacción de las barras de presión sin contacto y los cables de tensión pretensados. Con la ayuda de los modernos programas de simulación digital, el principio de construcción, que hasta ahora rara vez se ha utilizado en arquitectura, se simuló por primera vez en tres dimensiones y posteriormente se prefabricó y se conectó. Durante la instalación final del pabellón, solo se tuvo que conectar y tensar un cable por módulo. El “Underwood Pavilion” de Indiana no solo es un enriquecimiento del parque público del paisaje en el sentido de “arte público”: su apariencia llamativa se convierte en un atractivo para la vista en medio de prados y bosques, y es un gran atractivo tanto para el experto como para otros. Visitantes interesados La composición tensa y, al mismo tiempo, sin peso de los módulos de Tensegrity establece nuevos estándares tanto en forma como en estética.


ARQUITECTURA TÉXTIL La arquitectura textil ha tomado gran acogida en el mundo de la moda, ¿Qué significa? Significa que hoy en día existe un lazo muy fuerte entre la arquitectura y la moda contemporánea, en donde arquitectos y diseñadores están uniendo sus conocimientos para crear diseños increíblemente innovadores influenciados por las herramientas, trucos, teorías y filosofías de cada uno de sus conceptos. De esta influencia podría decirse que el uso de la arquitectura en cuanto a la moda significa la experimentación con las formas geométricas y el uso textil para crear plegables, nuevos cortes, plisados, figuras, y nuevas innovaciones para así llegar a la idea central que es “la ropa como refugio”.


PUESTO PLEGABLE PARA LA VENTA DE MERCADO Carpa plegable parea negocios de venta ambulante, exposición de todo tipo de producto, caterinf, festivales, mercados rurales, etc. Puesto plegable, con mesa enrolladle, personalizable (amplia gama de colores) i modular. Su montaje es sencillo y rápido, no necesita herramientas. Su tejido es totalmente impermeable y fácil de transportar en cualquier vehículo, además cuenta con la posibilidad de ampliación modular para crear grandes puestos uniendo dos o varias tiendas entre sí. Sistema de cerramiento con velero confeccionado con tejido Poliéster 210gr/m2 impermeable.


SOPORTES PARA CUADROS Soporte de exhibición de elementos planos ideal para ferias de Artesanía El soporte consta de tres estantes, dos extremos y un soporte para la espalda, lo que lo hace muy compacto para el transporte y también es muy rápido y fácil de montar. Todo está ranurado con precisión, no se requiere pegamento, tornillos ni otras fijaciones. Todo el material es de MDF de 6 mm de espesor y es adecuado para pintar (asegúrese de que todas las ranuras estén protegidas de la pintura si decoran su soporte, de lo contrario, el montaje se verá afectado).


LA CARRETILLA- ARTE AMBULANTE Arte, comunidad y espacio público. La Carretilla: Arte Ambulante es un proyecto del colectivo transdisciplinario Casa de Locos, que busca incentivar el uso de espacios públicos en la ciudad, partiendo desde la idea de la democratización de estos espacios que son periféricos a la cultura debido a la mirada institucional de los circuitos artísticos, museos y galerías. Con este proyecto pretendemos dar a conocer el trabajo de artistas emergentes que se identifican con La Carretilla, sus procesos y la necesidad de des-divinizar al museo como único espacio de cultura, fomentando espacios de difusión y producción de arte independiente dentro de la esfera urbana de la ciudad.


SALA NÓMADA O EL ARTE A PIÑÓN Si creías que el arte solo se podía ver en los museos, tenemos que decirte que te equivocabas. Acabamos de conocer Sala Nómada, un “dispositivo ambulante” que impulsa las obras de los artistas locales. ¿Cómo? Recorren los espacios de Madrid en una bicicleta roja con una caja de madera que, podríamos decir, que es lo más parecido a una caja del tesoro pues contiene las obras de los artistas que se han apuntado a esta genial iniciativa sin ánimo de lucro.


DESPUÉS DE LAS CATRÁSTOFES Las denominadas arquitecturas de emergencia se construyen para albergar temporalmente a las victimas de estas catástrofes. Son soluciones de carácter provisional. Las catástrofes derivadas de fenómenos naturales como: terremotos, tormentas tropicales, huracanes, ciclones, nevadas, etc., son producidas por el impacto de las propias actividades del ser humano y de una deficiente organización urbana. Dar respuesta a estos fenómenos respecto a la cara arquitectónica ha sido uno de los desafíos más trabajados durante el siglo xxi. Para ello, la denominada arquitectura de emergencia jugará un papel fundamental. La arquitectura como auxiliar en las tareas de emergencia y de reconstrucción en zonas de desastre es reciente y nace de la forma de actuar en catástrofes naturales o sociales. La reconstrucción post-desastre establece un replanteamiento en los modelos de desarrollo urbano y arquitectónico, ya que uno de sus principales objetivos es la búsqueda de condiciones sustentables efectivas y la solidaridad humana. De lamentables situaciones de desastre y emergencia han surgido en muchos lugares del mundo interesantes proyectos realizados por especialistas que aportan sus conocimientos para la creación de estructuras, que si bien, plantean soluciones de carácter temporal, despliegan una serie de estrategias como: el uso de materiales naturales, la aplicación de los sistemas constructivos tradicionales y el uso inteligente de los desechos y recursos energéticos; tácticas que, indudablemente, ayudarán a la preservación de la vida en el planeta. Un ejemplo de arquitectura de emergencia que expone soluciones tan sencillas como inteligentes y que podrían incluso aplicarse para modelos de vivienda formal es el proyecto denominado como Plegables de Bambú (Folded Bamboo) diseñado por el arquitecto chino Ming Tang. Proyectos como este demuestran que el uso de materiales sencillos y cotidianos como el papel y el bambú, en manos de gente creativa pueden dar como resultado


ingeniosas técnicas constructivas que además de que permiten el desarrollo de estructuras eficientes y económicas, plantean soluciones que aplicadas en construcciones formales, podrían resolver de manera significativa el problema de vivienda en las regiones más pobres del planeta. Un ejemplo de arquitectura de emergencia que expone soluciones tan sencillas como inteligentes y que podrían incluso aplicarse para modelos de vivienda formal es el proyecto denominado como Plegables de Bambú (Folded Bamboo) diseñado por el arquitecto chino Ming Tang. Proyectos como este demuestran que el uso de materiales sencillos y cotidianos como el papel y el bambú, en manos de gente creativa pueden dar como resultado ingeniosas técnicas constructivas que además de que permiten el desarrollo de estructuras eficientes y económicas, plantean soluciones que aplicadas en construcciones formales, podrían resolver de manera significativa el problema de vivienda en las regiones más pobres del planeta.


DISEÑO DE VIVIENAS PARA CONDICIONES SUB-ÓPTIMAS

Del artista Hannah Imlach: “El refugio Origami es un espacio portátil y plegable, lo suficientemente grande como para que quepan dos adultos cómodamente en el interior. Está hecho de madera contrachapada de abedul y paneles de nylon ripstop y utiliza bisagras de tela en lugar de pliegues. Cuando se lanzó en el paisaje, las múltiples facetas del Refugio de Origami dejaron pasar la luz al interior, creando la sensación de estar dentro de un cristal o prisma de luz. Cada faceta se convierte en un tono sutilmente diferente con la calidad de la luz”.


ARQUITECTURA EFÍMERA CON MATERIALES RECICLADOS

La construcción de arquitectura efímera: el destino final del material utilizado, el limitado tiempo de montaje y desmontaje, el presupuesto y la estética arquitectónica. La envolvente de los pabellones se ha planteado haciendo uso de materiales productivos, sin sufrir alteraciones. Esto con la idea de devolver los materiales a su uso original una vez finalizada la feria, reduciendo así el impacto ambiental que conlleva el desechar o desperdiciar el material utilizado. Al mismo tiempo, esto reduce los costos finales de la obra, ya que se recupera el monto destinado al principal material de construcción.


GRI GRI PIXELS Grigri Pixel invita a cuatro makers africanos de Bamako (Mali), Dakar (Senegal), Lome (Togo) y Casablanca (Marruecos) a buscar propuestas innovadoras y creativas para el desarrollo de un prototipo que aporte soluciones a la falta de iluminación y autonomía energética de las urbes africanas. Con este taller se quiere conectar saberes y estrategias de los makers africanos y, de esta forma, pensar la fabricación digital y la producción de objetos cotidianos desde la perspectiva de otros territorios. El prototipo que se realizará durante Grigri Pixel dará pie a pensar cómo hacer más habitables nuestras ciudades a través de dispositivos tecnológicos capaces de generar alternativas que produzcan valores de autonomía y buen vivir para sus comunidades. Un prototipo, en forma de amuleto/grigri colectivo, para proteger e iluminar los espacios comunes de las ciudades. El taller se iniciará a partir de un cuestionamiento sobre las maneras de aportar soluciones más allá de la compra y ensamblado de materiales (por ejemplo, fabricar una placa solar siguiendo los pasos de un tutorial). Al compartir las experiencias de los makers africanos invitados al taller daremos énfasis a la obsolencia programada de los objetos y nos adentraremos en las implicaciones y posibilidades que tiene fabricar con bajos presupuestos, materiales reciclados y tecnologías desechadas, casi inservibles. Como objetivos, tiene los de dar a conocer practicas de diseño y fabricación digital colaborativa procedentes del continente africano, poniendo espacial énfasis en la utilización de materiales reciclados y tecnologías desechables para la producción de objetos. Divulgar prácticas críticas y contemporáneas de cultura libre y de fabricación digital procedentes del continente africano. Compartir modos de hacer de espacios verdes autogestionados por la ciudadanía entre la ciudad de Madrid y las ciudades africanas participantes de Grigri Pixel: Bamako, Dakar, Casablanca y Lome. Facilitar proyectos de cooperación de cultura libre entre los nodos africanos de Grigri Pixel y las comunidades de Medialab-Prado.


BASURAMA Basurama es un colectivo dedicado a la investigación, creación y producción cultural y medioambiental fundado en 2001 que ha centrado su área de estudio y actuación en los procesos productivos, la generación de desechos que estos implican y las posibilidades creativas que suscitan estas coyunturas contemporáneas. Nacido en la Escuela de Arquitectura de Madrid ha ido evolucionando y adoptando nuevas formas desde sus orígenes. Pretende estudiar fenómenos inherentes a la producción masiva de basura real y virtual en la sociedad de consumo aportando nuevas visiones que actúen como generadores de pensamiento y actitud. Detecta resquicios dentro de estos procesos de generación y consumo que no solo plantean interrogantes sobre nuestra forma de explotar los recursos, sino también sobre nuestra forma de pensar, de trabajar, de percibir la realidad. Basurama se ha propuesto encontrar los residuos allí donde no sería tan obvio hallarlos y estudiar la basura en todos sus formatos. Se ha convertido en un espacio pluridisciplinar en el que se desarrollan simultáneamente actividades dispares pero con un enfoque común. Tienen cabida, junto a las artes visuales en su más amplia acepción, todo tipo de talleres, ponencias, conciertos, proyecciones y publicaciones. También pretende establecer una plataforma para que entren en contacto y trabajen juntos personajes del entramado social que ocupan lugares muy diferentes y sin embargo no están muy alejados, considerándose también como un nodo creativo- espacio de encuentro. Ha realizado más de 100 proyectos en cuatro continentes, tiene su base en Madrid y una oficina permanente en Sao Paulo (Brasil) y Bilbao (España).


MAKEA MakeTuVida es un colectivo de personas cansadas y aburridas de espacios, equipamientos y objetos estandarizados de “usar y tirar”, producidos sobre la base de la estética, la plusvalía y la obsolescencia más que sobre funcionalidad, la sostenibilidad y las personas. El colectivo decide pasar a la acción, modificando los hábitos y participar en la construcción y re apropiación del entorno más cercano, aprovechando los recursos, otorgándoles descartados o en situaciones de abandono y compartiendo con otros los conocimientos generados de manera colectiva a través de la metodología de diseño abierto.


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“El aspecto de Barcelona resultaba sorprendente e irresistible. Por primera vez en mi vida , me encontraba en una ciudad en la que la clase trabajadora llevaba las riendas“. George Orwell


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PARARTE  

MEMORIA PARARTE HABITACOLA 2019 AUTORES: MIGUEL FONTANILLA ÍNGRID GORGORI AINA FARZÓN

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