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Abril-Juny 2012 núm. 001

15 €

Disseny de moda · Disseny producte · Disseny interior · Disseny gràfic


Daniel

Ting Chong Daniel Ting Chong is an illustrator, designer, artist and VJ/DJ based in Cape Town, South Africa. Daniel was born in 1987 in Cape Town. Studied graphic design at Vega. He is emerging as one of Cape Town’s top creative talents following a series of art exhibitions, talks, commissions from clients and design collaborations with leading international brands including Levi Strauss, New York Times and the Discovery Channel. I have been featured in Computer Arts Projects, Photoshop Advanced, NotCot, Grafik Magazine Blog and One Small Seed. New York Times Key Cover I was asked to illustrate a cover for the New York Times Key Real Estate Issue. The story was about São Paulo becoming the new Boomtown. The art director wanted something very colourful to make it celebratory. The three buildings are indicative to São Paulo.


Laura Meseguer Claret Serrahima

Disseny gràfic

Ivan Cotado Restaurante Valde

Disseny interior

Karim Rashid Gemma Bernal

Disseny producte

Javier Nuñez Mimorica Micola

Disseny moda

Redacció, publicitat y administració: AMB, C/Riera local 245 08923 Barcelona Tel. 93 456 87 78. Editora/Directora: Aida Morilla. Directora de redació: Beatriz Salte. Redactor Jefe: Emili Res. Redacció: Rene Guila, Gemma Honest, Javier Jimenez, Diego ortiz. Publicitat: Carlos Donosti. Maquetació: Katy Genes. Coordinació: Carlos Ceda. Edita: Blur Ediciones, SL. Imprimes: AGA.


Disseny

moda


Javier Núñez


Disseny moda

“Un espacio de juego, un ámbito de reflexión y aprendizaje, un modo de resolver problemas, una expresión de crecimiento creativo.”

El próximo 15 de junio se celebrará en Madrid la 2ª edición del Fashion As Wave, una iniciativa que pretende convertirse en plataforma de lanzamiento de nuevos diseñadores de moda españoles. 5 talentos han sido los elegidos para desfilar con sus colecciones. El diseñador Javier Núñez es uno de ellos. Y Artydisseny quiere que lo conozcáis un poquito más porque muy pronto va a dar mucho que hablar. Artydisseny.¿Cómo surge tú colaboración con el FashionAsWave? Javier Núñez.Lo primero decir que los responsables de esta pasarela son Ana Lapi y Nando Gordillo, a los que les quiero dar las gracias por darme esta oportunidad. Esta iniciativa es una plataforma para el diseñador español que no cuenta con medios para generar industria con sus creaciones, los diseñadores tienen que ser españoles y que nunca hayan desfilado en un circuito importante de moda. Apuestan por el talento y el inconformismo.

AD. ¿Qué esperas de este evento? JN. Principalmente que se vea lo que hago, que llegue a mucha gente y a ver si después de este evento van saliendo cosillas. AD. ¿Con qué nos vas a sorprender? JN. Con O´hara, es una colección a la que he dedicado un año , un proyecto muy personal que está inspirada en una escena de “ Lo que el viento se llevó”, justo cuando Scarlett O´hara vuelve a Tara y se hace un espectacular vestido con las cortinas del salón, por eso los materiales que he utilizado son tejidos que están pensados para la decoración de interiores, cortinas, visillos, telas de tapizar,etc…y utilizando como nexo de unión de todos los conjuntos el punto de algodón, haciendo referencia a la plantación de algodón que la familia de Scarlett poseía. He dedicado tanto tiempo porque quería hacer sólo toda la producción, desde el diseño y los patrones hasta la confección, consiguiendo así esa fuerza de superación del personaje del film, eso si, todo trasladado a una época actual.

Han tenido un trabajo duro para elegir a los 5 jóvenes diseñadores que formamos parte de esta primera edición, Julio Albiñana, Mon Herranz, Paco Varela , Ana Paradelo y por último yo.

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AD.Cuéntanos un poco de tu trayectoria profesional. JN. Estudié Bellas Artes en Salamanca a la vez que lo compaginaba con la escuela “Catania” de diseño de moda, ya en cuarto de carrera me venía a trabajar a Madrid como estilista de cine, televisión y publicidad. Una vez terminada la carrera me trasladé a Madrid y empecé a estudiar otra vez diseño de moda en el IED. En todos estos años he seguido con mi trabajo de estilista y presentando colecciones, la primera fue en BEC, en Bilbao, después viví en Edimburgo dónde junto con María Ramiro hicimos una colección de complementos que se vendió muy bien, al año siguiente presentamos la colección F53 en Ámsterdam, y después ya me metí de lleno en el proyecto O´hara y con el programa “Customiza tu ropa” del canal Decasa. Ahora he empezado con la siguiente colección pero no te adelantaré nada, SORPRESA!!!! AD.Háblanos un poco de tu trabajo en TV. ¿Qué experiencia has sacado del programa? JN. En el programa enseño a customizar, personalizar y reciclar ropa o cualquier tejido para transformarlo en algo especial, empleo todos los conocimientos que he adquirido al cabo de los años y los pongo en práctica e intento hacer cosas diferentes, divertidas y fáciles, para

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que los espectadores lo puedan hacer en sus casas. Al principio eso de ponerte delante de las cámaras cuando siempre has estado detrás es difícil pero te acostumbras, sobre todo porque quieres explicarlo todo muy bien para que la gente que te esté viendo lo sepa hacer, y al final no te das cuenta ni de las cámaras ni de nada, con el programa me he dado cuenta que me gusta enseñar y que la gente aprenda y reconozca tu trabajo. AD.¿Tienes algún otro proyecto en TV? JN. Con este programa hemos rodado 22 capítulos, y si xfunciona bien que está funcionando, pues seguiremos, si no , ya buscaré otras posibilidades. Aunque hay alguna cosa por ahí, pero como no es seguro no puedo decir nada. AD.Hace poco comentábamos que colaboraste en los títulos de crédito del MadinSpain ¿Cómo surgió? ¿Puedes adelantarnos algo? JN. Surgió porque conozco a Tavo Ponce y a Juanma Mota que son los responsables de este proyecto, me dijeron que si quería colaborar diseñando el vestido de la musa y no me lo pensé, directamente dije que si porque es un proyecto muy bueno, me gusta colaborar en todo lo que pueda y sea interesante, justo ahora también he diseñado un vestido para el stand de Marisa Gutiérrez en Casadecor.


En cuanto a adelantarte algo, pues no te puedo decir nada porque no se nada, simplemente decir que seguro que va a quedar espectacular, como todo lo que hacen. AD.¿Qué te inspira a ti? ¿Algún diseñador al que haya que seguirle la pista? JN. Todo, me inspira todo, es bueno coger ideas de todas partes. Luego esas ideas las vas transformando. Yo concibo el diseño como el modo de expresión de mi individualidad, mi manera de ser, y una vía de comunicación de mi vida interior y mis pensamientos más íntimos. Personalmente yo sigo la pista a los diseñadores japoneses, destacaría a Motonari Ono, Takumi Hatekeyama o a Aguri Sagimori…..entre otros. LF.¿Qué consejos le darías a un diseñador que esté comenzando? JN. Si realmente es su sueño que no lo dejen pasar y que luchen por sus ilusiones, porque realmente es muy difícil este mundo, que aprendan de sus profesores, de sus propios compañeros, de todo lo que esté relacionado con este fantástico universo de la moda, yo mismo lo sigo haciendo todos los días porque realmente es mi vida.

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Disseny moda

“Yo concibo el diseño como el modo de expresión de mi individualidad, mi manera de ser, y mis pensamientos más íntimos.”


Raquel Micola siempre fue una niña muy, pero que muy tozuda. El tipo de niña que elige qué zapatos se va a poner cada mañana, y no acepta otros. Cuando creció, Raquel buscaba y buscaba bolsos que le gustaran. Como no encontraba ninguno, decidió hacerlos ella misma. Raquel, licenciada en Traducción e Interpretación, había aprendido a coser de niña, en largas tardes comiendo chuches en el sofá de su abuela. Raquel heredó ese gusto por el cuidado de los detalles. Años más tarde, Raquel conoció a Oscar, un ingeniero informático tan tozudo como ella. Enseguida se entendieron bien. Juntos, tras muchas aventuras, dieron la forma definitiva.

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Disseny moda Ésa es la historia de una idea que nació en el salón de una casa y que se convirtió en una firma con distribución en 12 países, más de 400 puntos de venta y que incorporó en el 2008, una línea de calzado. En Mimótica Micola nos gusta que las chicas sean muy chicas. Queremos que vayas cómoda en todo momento, pero que no debas renunciar a estar guapa. Cuidamos cada detalle y usamos las pieles más suaves, los colores más bonitos y las suelas más cómodas. Tul, algodón y satén para el veranito y lana, terciopelo y piel para no pasar frío en invierno. Queremos que cuando una clienta compre un bolso o unos zapatos Mimótica Micola no se los quiera quitar nunca, nunca, nunca! Por eso hemos acuñado el término “mimótica” como la ciencia de hacer las cosas con mimo.

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Disseny

Producte


Rashid

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“Karim Rashid es uno de los diseñadores mas exitosos del momento, tiene mas del 3000 productos en producción, numerosos premios y reconocimientos que se suman a una lista creciente de colaboraciones en: exhibiciones, restaurantes, hospitales, bancos financieros, compañías automotrices y electrónicas solo por nombrar algunas. Karim Rashid se ha vuelto un diseñador icono y es difícil que alguna persona que este involucrada en el mundo del diseño no conozca algo de su trabajo.” AD. ¿Tienes algún apodo, que puedas compartir con nosotros y como lo obtuviste? KR. Me conocen como el “Príncipe del Plástico”. Uso el plástico en muchos de mis diseños porque es un material que tiene propiedades maravillosas, es duradero, maleable y puede ser bastante cómodo. Con la nuevas tecnologías como el rotomoldeo, puedo crear formas sensuales y orgánicas que nunca antes han existido. Además que al usar plástico hago que mis diseños sean mas accesibles en el mercado. AD. Has tomado muchas disciplinas que van desde el diseño de productos hasta la identidad corporativa. ¿Cual de ellas te gusta mas? KR. No favorezco a una sobre la otra. Me encanta el impacto inmediato que un diseño de interiores puede

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¡El rosado es el nuevo negro!

tener en la vida de las personas. Sé que mucha gente tiene acceso a mis diseños y ellos no están simplemente observándolos, están físicamente inmersos dentro del diseño. AD. ¿De donde proviene tu creatividad? KR. Nací en un contexto creativo. Mi padre fue muy inspirador pues diseño cualquier cosa posible, desde escenografías de películas hasta mobiliario, incluso indumentaria. Él fue un artista y un diseñador de escenografía de películas y de televisión. Me enseñó la perspectiva a una edad muy joven y me enseñó que yo podría diseñar cualquier cosa y que podía tocar todos los aspectos físicos de nuestro paisaje. AD. ¿Como encuentras la inspiración? KR. Yo veo mas allá del diseño y la arquitectura. La inspiración es acumulativa. Todo puede ser inspirador, lo importante es como tú ves al mundo. Me siento inspirado por mi infancia, mi educación, por todos mis profesores, por cada proyecto en el que he trabajado, por cada ciudad a la que he viajado, por cada libro que he leído, por cada espectáculo de arte al que he asistido, por cada canción que he escuchado, por cada olor, cada sabor, vista, sonido o sensación.

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AD. Tienes una larga lista de productos y premios. ¿Cual de tus trabajos te enorgullece más? ¿Cual es o cual fue tu momento más importante? KR. No ha habido un momento en particular, es mas una aventura en crecimiento. Puedo recordar la satisfacción que sentí al diseñar la Garbo y la Oh Chair para Umbra en los años 90. Me encanta cuando mis ideas se materializan en la forma de productos que son accesibles, de alto diseño y usables en la vida cotidiana. Cuando finalicé el Semiramis en Atenas, ese fue mi primero hotel y sentí un sentimiento grandioso de logro. También recientemente gané 37 premios este año y fui introducido al Salón de la Fama del Diseño de Interior. Pero mas que cualquier cosa estoy esperando por lo que este año siguiente pueda traer. Hace poco hicimos la revelación del Nhow hotel en Berlín y pronto completaremos una Estación de Metro en Nápoles. AD. Tienes una serie de símbolos que casi se han convertido en un dialecto de diseño fácilmente reconocible como “Karim Rashid”. Están en tus diseños, los tienes tatuados. ¿Que significan? KR. Son mis jeroglíficos. Desarrolle 55 símbolos durante los últimos 13 años, cada uno tiene un significado. Los llamo Karimagologos. Mi libro EVOLUTION explica los significados, nunca intente utilizarlos intencionalmente pero aparecieron subconscientemente en mi trabajo en los momentos mas imprevistos. Tengo 12 tatuajes, uno diferente por cada ciudad en el mundo desde Tokio a San Francisco, hasta Nueva York, Londres, Chicago, etc. AD. Vienes de unos antecedentes diversos, ricos en historia es por eso que encuentro algo de nostalgia en tu trabajo. ¿De donde proviene esa estética? KR. En este nuevo siglo somos testigos de una excavación exhaustiva de las bóvedas del pasado, mas que todo en los ochentas post-modernos. Seguimos investigando sobre el pasado develando cualquier cosa, sea buena o mala. Aunque no debemos olvidar el futuro para el cambio y la innovación. AD. ¿Como cambias el mundo? KR. Pienso que cada artista, diseñador, siempre quiere contribuir con algo a la cultura, siempre he estado obsesionado con hacer cosas, con crear un impacto real en la vida de la gente. Incluso a los 4 años solía dibujar edificios con mi padre, pero siempre quería cambiar algo: las ventanas, la entrada, etc. En ese entonces supe que quería ser un diseñador. Por otra parte siempre me considere mas un artista que un diseñador industrial neto, porque tengo este sentimiento interno en hacer algo original en el mundo. También reconozco que vivimos en un mundo muy complejo y no puede ser una vision utópica única, no me gustaría imponer mi vision a nadie, por eso contribuyo con mucha sensibilidad.

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AD. Cuando pones en ejercicio tu energía creativa, ¿Prefieres desarrollar tus ideas en privado o prefieres recibir colaboración y consejos? KR. Desarrollo primero mis ideas, luego se las llevo a mi equipo y hacemos variaciones usado renders en 3D. Conceptualizo efusivamente, por lo general cuando estoy en mi casa o viajando en avión. Me gusta estar solo inicialmente, escuchar algo de música, pero luego el diseño se vuelve todo un proceso. Necesito asegurarme que mis diseños van acordes a las necesidades de mis clientes y a las necesidades de los consumidores. AD. Finalmente ¿Cual es tu color favorito y por que? KR. Rosado. El rosado es mi blanco superoptimista. Es enérgico, fulgente, atrapante y es una mueca al mundo masculino que domina el paisaje. Hay tantas variaciones de rosado para cada humor, cada persona. ¡El rosado es el nuevo negro!


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Gemma Bernal

Diseñamos cada producto, para una empresa, de acuerdo con unos condicionantes e informaciones que recopilamos del propio cliente y del mercado. Hacemos una definición del producto junto con el cliente y establecemos los límites que hacen posible el proyecto hasta llegar a una propuesta argumentada que sirve de punto de partida para dialogar. El proceso proyectual es siempre a medida. En él participan los miembros responsables de la empresa y los departamentos implicados en el desarrollo de producto, las decisiones son conjuntas. Nuestro equipo


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dirije y controla cada una de las fases del desarrollo del proyecto hasta su término. La forma de mostrar el estado del proyecto para evaluarlo conjuntamente y pasar a la siguien-te fase, es variada, utilizando distintos soportes de comunicación. Bocetos, renders o imágenes virtuales en 3D, maquetas de trabajo, prototipos parciales o definitivos. Con muchos años de experiencia en nuestra profesión, nos adaptamos a las necesidades de cada empresa , diseñando productos, es decir dibujando y concretándo poco a poco , lo que en un principio está por definir.

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Disseny

Interior


Ivan Cotado

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“El trabajo hecho con gusto y con amor siempre es una creación original y única” Roberto Sapriza. Con esta cita bien podríamos definir la filosofía y día a día de nuestro estudio, formado por un equipo joven, homogéneo, multidisciplinar, ampliamente experimentado y coordinado por el diseñador de interiores Iván Cotado, que tras una amplia experiencia profesional en el mundo del diseño funda su propio estudio en verano del 2005.

AD. ¿Qué actividad tiene el estudio de Diseño Ivan Cotado ? ¿qué hacéis y cómo lo hacéis? IC: El estudio está ubicado en A Coruña ciudad, pero realizamos proyectos por todo el territorio nacional. Recientemente hemos terminado obra en Madrid, y estamos trabajando en Orense, Santiago, Valladolid… Nos gusta movernos. En cuanto a qué es lo que hacemos, Realizamos toda clase de proyectos de interiorismo o diseño de interiores en los que el diseño como tal tenga un papel protagonista. El cómo lo hacemos , te diría que intentamos resolver todas las necesidades de nuestros clientes de una manera eficiente y estética. Me explico, si hablamos de interiorismo comercial, las necesidades del cliente no sólo pasan por “obtener” el diseño de un local, intentamos ayudar en la elección de un local óptimo, en la gestión del diseño y funcionalidad para la optimización de las ventas, imagen corporativa, pasando por obra llave en mano, incluyendo la gestión de licencias administrativas, implantación de marca en redes sociales, etc. Es

decir, intentamos, en la medida de lo posible, entregar a nuestros clientes un negocio con las puertas abiertas, evitándoles cualquier preocupación, y consiguiendo optimizar resultados, tiempo y por tanto costes económicos. AD. A lo largo de su trayectoria cada encargo o trabajo habrá sido y es, todo un reto, ¿Destacaría alguno en particular? IC. Ninguno por encima del resto, me resultaría imposible. Sería como para una madre elegir a uno de sus hijos. Si tuviera que destacar alguno, sería el que todavía está por hacer. La búsqueda del proyecto ideal o el resultado óptimo es lo que nos motiva día a día. Es por ello que cada nuevo proyecto supone un reto en el cual buscamos superarnos a nosotros mismos con respecto al anterior trabajo. Ese y solo ese debe ser el camino en el día a día de un diseñador de interiores.


Por un lado nos debemos a nuestros clientes y nuestro fin será cumplir sus sueños devolviéndoles la confianza depositada en nosotros en forma de proyecto arquitectónico. Por otro lado están nuestras metas y aspiraciones personales, y cumplir con el paso del tiempo todas y cada una de ellas es lo que nos permite evolucionar y acercarnos un poquito más cada día a la utopía del “proyecto definitivo”. AD. Veo que habéis realizado diseños de hostelería, ópticas, tiendas de complementos, farmacias, viviendas rústicas y modernistas, etc ¿hay algún “territorio” preferido o que os gustaría explorar? IC. Hemos disfrutado con todos y cada uno de nuestros proyectos. Viendo nuestra web parece que nos hemos especializado en interiorismo comercial, y es cierto, nos atrae especialmente el arte de conjugar los aspectos estéticos del diseño de interiores con la funcionalidad y la habilidad para hacer que un negocio sea rentable. Pero nunca dejaremos de lado el interiorismo residencial y sus grandes desafíos. Recientemente hemos terminado un proyecto que supuso todo un reto: acondicionar un apartamento de sólo 28 m2 y convertirlo en un hogar.

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AD. ¿Sobre qué ambientes nos gustaría explorar? Pues muchos la verdad. Sobre todo aquellos que por poco comunes supongan una verdadera y obligada innovación, por ejemplo una iglesia, algún ambiente comercial innovador en si mismo… AD. ¿Qué preferencia de estilos os mueven a la hora de decorar? ¿Qué no debe faltar, o que no debe haber en toda decoración? IC. Nos gustan los diseños no demasiado ornamentados, aunque no nos encasillarnos en ninguna escuela, tendencia o similar. Buscamos espacios en los que el producto (en el caso de proyectos comerciales) adquiera el papel protagonista y nuestro contenedor o espacio proyectado cumpla el papel de escenario ideal para resaltar las cualidades del mismo. En el supuesto de proyectos residenciales, nos atraen los espacios relajados en los que impere una atmósfera un tanto espiritual, mística…teatral si cabe. Todo ello siempre con los pies en la tierra en cuanto todo proyecto se realiza para vivirlo y disfrutarlo, de ahí que los aspectos funcionales también cobren un protagonismo importante a la hora de diseñar y crear. Una de las armas empleadas y vitales a la hora de con-


AD. Hoy en día, parece que el que no esté ligado a Internet, no es empresa, ¿como os podemos encontrar? IC. Totalmente. Aprovecho para resaltar unas palabras de Alex de la Iglesia en su discurso en la entrega de los premios Goya´11. “Muchos piensan que Internet es el

futuro y se equivocan, internet es el presente.” Nosotros lo tenemos muy claro y dedicamos muchas horas al mundo 2.0 y digital. Para muestra un botón. Tenemos presencia en las siguientes redes sociales, para reflejar no solo nuestros proyectos, sino la actualidad del interiorismo, nos resulta especialmente útil y nos brinda un contacto muy directo: www.facebook.com/ivancotado twitter.com/ivancotado www.flickr.com/photos/ivancotado/ http://www.youtube.com/ivancotado www.ivancotado.es

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seguir estos objetivos es la iluminación, artificial y natural, de ahí que en todos nuestros trabajos dediquemos muchas horas y esfuerzos definiendo estos aspectos. La “arquitectura de la luz” ha estropeado muy buenos proyectos que a priori eran espectaculares, así mismo y observando como profesional del mundo del diseño, es uno de los puntos que denota falta de profesionalidad o experiencia técnica en la materia.

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Restaurante

Valde

Un ambiente dotado de un gran atractivo espacial y presidido por restos arqueológicos de la arquitectura gótica civil de la ciudad de Valencia, protagoniza este brillante proyecto de restaurante que habrá de compartir funciones con el futuro Hotel Palacio Marqués de Caro. El restaurante, con casi 400 metros cuadrados, forma parte del, todavía en construcción, Hotel Palacio Marqués de Caro, si bien puede funcionar de forma independiente. El proyecto, de gran dificultad técnica, debía conservar tres elementos importantes: la muralla del siglo XVI, AD · 26

el aljibe y un arco gótico del siglo XVII. La excavación permitió recuperar gran parte de estos tres elementos propios de la arquitectura gótica civil de la ciudad de Valencia, con el objetivo de fusionarlos en el conjunto de los nuevos espacios, tanto en el ámbito de los espacios dedicados a vestíbulo y comedor, como en la cocina. El resto del programa funcional se ha resuelto de forma neutra, utilizando vidrios reflectantes del tipo “fumé” para revestir las superficies verticales y horizontales. De esta manera, se ha otorgado mayor protagonismo a los tres elementos anteriormente citados. Un anexo cúbico acristalado acaba de configurar la totalidad del área de sala, resultando también este espacio como una futura


Disseny interior zona prevista para los desayunos del hotel. La zona principal de sala está emplazada por debajo de la terraza/lobby del hotel, lo cual ha permitido crear una claraboya longitudinal que permite iluminar mediante la entrada de la luz natural esta zona semienterrada durante todo el día. Diferentes texturas como los pavimentos de resina brillante, la moqueta y los revestimientos textiles parciales resumen este espacio de una inteligente sencillez arquitectónica. El elemento aljibe ha sido excavado con el objetivo de acoger en su interior los aseos propios del restaurante y, en su exterior, aparece revestido por una piel vidriada

que integra en su interior una gran bodega, actuando a su vez como elemento separador entre la zona de acceso y aperitivos y la zona destinada a comedor. Esta zona de acceso y aperitivos constituye también la recepción de clientes, toda vez que, enfrentada a la muralla, actúa como rótula entre la conexión interna del hotel, el acceso al restaurante y el propio elemento acristalado. De esta manera, se ha otorgado mayor protagonismo a los tres elementos anteriormente citados. Un anexo cúbico acristalado acaba de configurar la totalidad del área de sala, resultando también este espacio como una futura. AD · 27


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Disseny

grĂ fic


Laura Meseguer AD 路 30


La tipografía que diseñó en Type and Media, Rumba, le dió muchas satisfacciones, e incluso, una vez finalizada y publicada, en 2005, el prestigioso premio en diseño de tipos, el TDC Certificate of Typographic Excellence del Type Directors Club y recientemente el letter.2 de la ATypi. Al mismo tiempo colaboró con Ken Barber de House Industries en el proceso de dibujo y digitalización de los tipos Holiday Sans y Girard Sansusie. Sus tipos más recientes son Guapa una tipografía display de un solo peso, que nació como lettering y se convirtió en tipografía y Multi, una familia sanserif

compuesta de diez tipos y diseñada a medida para el rediseño de los periódicos regionales holandeses del grupo HDC Media. Es autora del libro “TypoMag. Tipografía en las revistas” para IndexBook y en colaboración con la Fundació Comunicació Grafica formó parte del equipo que creó la exposición “Helvetica. ¿Una nueva tipografía?” y que tuvo lugar en el DHUB. Actualmente está preparando un nuevo libro sobre tipografías a medida para el diseño editorial. AD. ¿De que “fuente” beben tus recursos tipográficos? ¿Algún diseño o diseñador que hayan marcado tu trabajo, tu disposición a diseñar tipografías? LM. En realidad no puedo señalar un solo recurso o tipo o diseñador, mis referencias son múltiples pero tengo especial debilidad por el trabajo de rotulistas y diseñadores que diseñaron cubiertas de libros desde los años 30 hasta los 60 del siglo pasado, tanto en España como en otros países: los norteamericanos Oswald Cooper, George Salter y Paul Rand; los británicos Hans Tisdall (que aunque de origen alemán vivió y trabajó en Londres desde los 21 años) y Michael Harvey; y los holandeses Boudewijn Ietswaart, Bertram Weihs, Hermanus Berserik, Jan Kuiper, Helmut Salden y Gerrit Noordzij. Y

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Laura Meseguer es diseñadora gráfica y de tipografías. En 1992 se diplomó en diseño gráfico en la entonces llamada “Escola d’Arts i Oficis Llotja”, en Barcelona, formación que compaginó con la práctica en estudios y agencias de publicidad. En 1992 descubrió la tipografía digital de la mano de José Manuel Urós, miembro del colectivo de diseñadores de tipos Type-Ø-Tones, junto a Enric Jardí y Joan Barjau, al que Laura se unió ese mismo año con su tipo Cortada. Con la tipografía Frankie obtuvo un Laus de Plata. En 2003 cursó el Postgraduate Type and Media en la KABK, la Real Academia de Bellas Artes de La Haya, obteniendo el título de Master en Diseño de tipografía.


por todos aquellos que supieron transmitir emociones a través de la tipografía de entre los que destacaría a Imre Reiner, Ricard Giralt Miracle. De entre los diseñadores de tipos contemporáneos admiro especialmente a todos los que fueron mis profesores en KABK. AD. Hay que pasar por Reading o La Haya para crear buenas tipografías? LM. No necesariamente, y de hecho ya no son las únicas escuelas en las que se puede recibir esta formación tan especializada. También en la ESAD de Amiens en Francia, o en la UBA de Buenos Aires en Argentina, o en la ECAL de Laussane en Suiza, o en la Cooper Union de Nueva York y seguramente en otras que desconozco, se están ofreciendo cursos excelentes. El referente más cercano a nivel local lo tenemos en el Máster de tipografía Avanzada en Eina, del que soy profesora, aunque no son comparables, pues dentro de este máster solo se dedican tres meses al diseño de tipografía, abarcando desde caligrafía hasta el diseño digital. Yo me inicié en el diseño de tipos de una manera autodidacta, en ese momento no había tantos cursos a nuestro alcance como ahora y todo lo que sabíamos lo aprendíamos a través de libros, analizando tipos y a veces asistiendo a congresos internacionales…). Yo empecé de una manera muy inocente y puramente emocional. Después de unos años decidí estudiar diseño de tipos en La Haya, experiencia que sin duda marcó un antes y un después en mi trayectoria profesional, aunque las dos etapas son muy importantes para mí. La profesión de diseñar tipos es algo que no se aprende solo por el mero hecho de pasar por una escuela, pues es una especialidad muy compleja. La escuela te abre el camino hacia esa especialización, y te hace descubrir tus capacidades y limitaciones, al tiempo que pone a tu disposición unas herramientas y la posibilidad de usarlas con la ayuda de profesionales. AD. Existe una clara diferencia entre diseñar unos glifos y entre convertirlos en fuente digital? ¿Dónde crees que te encuentras tú, más cerca del diseño de formas o de la programación? LM. Diseñar glifos no tiene por qué estar ligado al diseño de un alfabeto completo, una fuente digital si, por lo tanto son diferentes. En cuanto al diseño de formas y Rumba es una familia tipográfica formada por tres tipos, Rumba Small para textos, Rumba Large para titulares y Rumba Extra para palabras a las que se les quiera dar un toque de rotulista.

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programación, las diferentes fases están diferenciadas pero van ligadas, de hecho no conozco a nadie que dibuje sus tipos y no los digitalice o genere las fuentes por si mismo. El que en un proyecto haya más de un lado o del otro dependerá de varios factores, pero, en cualquier caso, no hay que olvidar que en la fase digital se toman muchas decisiones de diseño. Yo abarco la fase de diseño y digitalización y con la programación solo llego a las Open Type features, Disfruto más de la parte creativa y del dibujo, tanto manual como digital, pero no me desentiendo del espaciado y kerning, porque también forman parte del diseño, aunque a veces hecho mano de ayuda técnica y de producción si el proyecto y el timming lo requiere. La experiencia te enseña a ser más ágil, a automatizar tareas, a planificar más y mejor… y eso te ayuda a equilibrar las partes.

AD. ¿Tienes un “ideario tipográfico” irrenunciable? ¿Hasta que punto te adaptas a lo que te pide el encargo? LM. Soy de la opinión de que si te seleccionan para un encargo es porque el cliente sabe que le vas a aportar un valor a esa tipografía, diferente al que le daría otro diseñador. Mi experiencia siempre ha sido positiva, el cliente deja en tus manos las decisiones de diseño y confía en ti, iempre y cuando se adecuen a un briefing, que se puede perfilar cuando sea necesario. Frankie, diseñado con Juan Dávila en 1992.

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Disseny gràfic

Girard Sansusie , consta de dos sets estilísticos y múltiples caracteres alternativos, para así preservar la cualidad original de lettering.

AD. Utilizas las peculiaridades que cada tecnología ha aportado a las formas de los caracteres como elemento de diseño? LM. Hoy no hay tantas limitaciones como antaño cuando si que las técnicas de reproducción limitaban y condicionaban los diseños, algunos aspectos formales de tipos como Bell Centennial de Matthew Carter, Swift de Gerard Unger o Matrix de Zuzanna Licko, por decir algunos, son consecuencia de esas limitaciones. La máxima limitación que existe hoy es la legibilidad en pantalla a cuerpos pequeños, para su uso en la web, y algunos métodos de impresión como el huecograbado en rotativa. El proyecto más reciente que he realizado, la familia tipográfica sanserif Multi, es precisamente para diarios que presentan ambas, y son aspectos que han influído en las medidas, el tipo de contraste, la “sobriedad” y el tratamiento del hinting ,de los tipos de la familia diseñados específicamente para este propósito.


Claret Serrahima

Hacer un retrato es como intentar construir un rompecabezas sin tener todas las piezas. Es difícil conocer la totalidad del personaje, incluso para él mismo. Es por ello que todos los retratos son una aproximación subjetiva, incompleta y con más intuiciones que certezas. Por tanto, quien intente encontrar a Claret Serrahima en esta exposición, lo que encontrará son trazos de su trayectoria profesional, trabajos, obsesiones y hallazgos. La mirada será la de un creador gráfico, un activista de la ciudad y de la cultura y, por tanto, tendrá la imagen gráfica como línea narrativa que nos dibuja, nunca mejor dicho, al diseñador, al comunicador, al cronista visual, al artista vocacional, al fotógrafo dibujante, al activista cultural, en definitiva, al narrador. La exposición Claret Serrahima se define tanto por lo que es como por lo que no es. Es una aproximación subjetiva, incompleta y con más intuiciones que certezas. Son más de 100 piezas hechas a lo largo de más de 25 años, un compendio dividido en cuatro capítulos (Cabeza, Barriga, Mano y Pies) que se centran en diferentes aspectos de su trayectoria: desde el diseño más conceptual y estratégico a los trabajos más libres e irreverentes. No es una retrospectiva de un autor retirado, no es la photofinish de su carrera. Es una ojeada a un hiperacti-

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_rts S_nt_ Mònic_ vo creador en pleno periodo activo con su estudio Clase bcn, tal como él mismo dijo cuando recibió el Premio Nacional de Cultura en el año 2010.

Disseny gràfic

Es un conjunto de recortes de su trayectoria profesional, de trabajos, de obsesiones y de hallazgos. Lo que veremos serán fragmentos, pies, cabeza, barriga, mano, que conforman una imagen –si no completa, sí aproximada– de un creador gráfico, de un protagonista de la ciudad y de la cultura y, por lo tanto, tendremos la imagen gráfica como línea narrativa que nos dibuja, nunca mejor dicho, el diseñador, el comunicador, el cronista visual, el artista vocacional, el fotógrafo dibujante, el activista cultural, en definitiva, el narrador. Porque, al final, veremos que la exposición no es otra cosa que una narración, en la que hemos intentado hacer de traductores, lo más literalmente posible, de su capacidad creativa. Cabeza, pies y barriga son proyectos realizados con el personal del estudio de Claret Serrahima, con aportaciones de diseñadores y de amigos. Todos los proyectos que ahora se exponen no habrían sido posibles sin su colaboración y complicidad. Treballem totes les àrees del disseny amb una particular defensa de la tipografia i de l’element sorpresa. En assumir un projecte, ens ocupem de totes les fases del procés estratègic i creatiu.

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Dissenyart