Page 1

N o . 5 3 | O c T U B r E 2 013 | L a r E v i S T a . M x

p.66

Ellas al frente,

las mujeres se hacen cargo de la arquitectura

p. 6 0 El NuEvo (y dEsEablE) rostro dE lladró

53

p.40

Dupuis,

diseño de colección

Corteza cerebral: lo que hacen otros arquitectos, diseñadores y artistas se integra aquí y se vuelve algo nuevo

EL MUNDO DEL BUEN GUSTO lóbulo parietal: lo que se mira, se transforma aquí en ideas y asociaciones visuales y sensoriales lóbulo frontal: la mirada, la planeación y los bocetos están aquí

lóbulo occipital: la memoria visual está en este sitio: todo lo que el creador vio en su vida se encuentra aquí ¡EurEka! Celebramos nuestro quinto aniversario

p.82

Octubre 2013 MX $87 / 7USD

Joya s dE daNiEla NoriNdEr

Imaginar espacios

p.54 todo sobrE dEsigN WEEk 2 013


la Carta editorial No. 53 | Espacios imaginados | Octubre 2013

ocas frases son tan apropiadas y vigentes como la que Sir Alec Issigonis dijo en 1950: “Un camello es un caballo diseñado por un comité.” Y es que el eterno debate sobre qué es buen diseño continua: ¿es más importante que sea funcional o hermoso? Los materiales, ¿qué papel juegan?, ¿es fundamental que resista el paso del tiempo o es meramente ornamental? Podríamos contestar sí a todo, pues no hay forma sin función; aunque lo opuesto, tristemente es mucho más común. Lo que bien es cierto es que todo objeto es diseño: bueno, malo, funcional o no. Ésa es otra historia. Todo lo que tocamos, vemos y sentimos tiene diseño. La naturaleza ha inspirado al hombre desde que se dio a la tarea de imitarla y, después, de mejorarla. En nuestra civilización hay tantos diseños como mentes creativas. Y entonces, ¿qué es un buen diseño? ¿Acaso se puede evaluar? Para mí, un buen diseño es el que te hace feliz, sea por lo que evoca en ti –en un aspecto emocional–, o bien porque hace cualquier aspecto de tu vida más fácil. Hoy podemos hablar de “buen diseño” en campos como la medicina, la construcción sustentable e incluso la agricultura biológica. Como dijo el ilustrador y artista norteamericano Roi James: “El diseño es la inteligencia hecha visible.” En este número, dedicado al diseño, tuvimos la oportunidad de platicar con uno de los grandes, Michael Renner, quien estuvo de paso por nuestro país para dar una conferencia sobre la profesión que a él lo ha puesto en el Olimpo de los grandes: el diseño. Renner es director del programa de comunicación visual de la Basel School of Design, en Suiza y, en una cálida entrevista con Andrea Villanueva, se expresó así de su oficio: “El diseño es algo que existe entre la propaganda y el arte; la comunicación visual exitosa es aquella que sorprende a la gente, que hace que una persona se

detenga a pensar, y que sea diferente a todos los estímulos que nos rodean.” En la joyería hay diseños atemporales, pero cuando el diseñador es contemporáneo, el resultado es siempre afortunado, pues donde se pudiera creer que no hay mucho campo de innovación, el resultado es sorprendente. Daniela Norinder es un claro ejemplo de que la inspiración está en todos lados, solamente hay que saber observar. Brasileña de nacimiento, pero creativamente internacional, Daniela ha llevado el mundo de la alta joyería a otra dimensión y sus creaciones son el secreto mejor guardado de los amantes del lujo máximo. Y hablando de reinventarse, creo que no hay mejor ejemplo que la casa Lladró, una firma española tradicional y legendaria, que hoy regresa al mundo del diseño contemporáneo de la mano de nombres como Jaime Hayon y el estudio japonés Devilrobots, quienes han tomado esta meticulosa factura de trabajar la cerámica a mano, llevándola al siglo XXI con diseños contemporáneos. Así nació Atelier Lladró, mismo que hoy llega a México a la mejor embajada del diseño nacional: el estudio de Héctor Esrawe y donde tuvimos una interesante plática con Stefano Basile, quien estuvo de paso en la Ciudad de México para presentar la línea y demostrar que hoy somos una capital muy importante dentro del circuito del diseño mundial. Y cerramos con broche de oro, celebrando los cuarenta años de una firma nacional que ha sido un estandarte dentro del mundo de interiorismo en nuestro país: Dupuis. Más que una tienda, esta casa ha representado, literalmente, la evolución de un carácter tan mexicano como sofisticado. Hoy, el museo Franz Mayer les rinde homenaje con un recorrido por cuarenta años de un estilo que ha encarnado nuestra historia, raíces y artesanía: diseño mexicano que es un orgullo compartir. ¡Que lo disfruten!

@marcelamaya


el Contenido No. 53 | Espacios imaginados | Octubre 2013

p.40

C Centrales 40 La Plática con Jana y Cecilia Prieto por Marcela Aguilar y Maya Las fundadoras de Dupuis nos cuentan su historia.

46 Michael Renner, un estudioso del diseño

por Andrea Villanueva El diseñador suizo visitó la Ciudad de México y nos contó sobre la importancia de los procesos.

54 Design Week

por Daniela Cuevas Guerrero La semana del diseño en México vuelve para celebrar su quinto aniversario.

60 Atelier Lladró, invitado de honor de Héctor Esrawe por Andrea Villanueva La casa española entra al siglo xxi con diseños del futuro.

66 Se hace arquitectura: la cara femenina por Ximena Orozco La joven arquitecta hace una reflexión sobre lo que significa ser mujer y arquitecta en México.

74 Crate & Barrel: la narrativa del diseño Fe de erratas: En la edición 52 de La Revista, por un error de la redacción, omitimos el crédito de la fotografía de la página 77 de la sección El Coleccionista. La imagen proviene de un periódico propiedad de Rodrigo Rivero Lake, quien generosamente nos otorgó los derechos.

por Inés Marrón La tienda de diseño surgida en Chicago tiene una gran historia digna de conocerse.


el Contenido No. 53 | Espacios imaginados | Octubre 2013

A aBrIDOres

p.18

18 El Blog

Desde la nueva bolsa Louis Vuitton hasta los mejores muebles para exteriores. Nuestras recomendaciones para este mes.

32 De la A a la Z

El diseño es parte de todas las facetas de nuestra vida cotidiana. Aquí, una muestra.

p.82

F FInales 78 El Reloj

Omega y la Good Planet Foundation se unen en favor de los océanos del mundo.

82 La Joya

Las joyas de Daniela Norinder son la delicia de las amantes de las piedras preciosas.

88 El Objeto

The Rug Company recupera técnicas ancestrales para crear tapetes contemporáneos.

92 El Coleccionista

La curiosidad nos lleva a encontrar relaciones que no sabíamos que estaban ahí.

94 Periferias

Vivir en el momento es una tarea difícil que debemos enfrentar a diario.

96 El Libro

Roger Vivier es uno de los grandes del diseño de zapatos. Descubra su historia.

p.78


el Directorio No. 53 | Espacios imaginados | Octubre 2013

Dirección

Eduardo Sanmiguel Director general Marcela Aguilar y Maya Directora asociada Mariana Castro Directora de proyectos especiales Leonardo Kourchenko Director ejecutivo

Editorial

Julieta García Directora editorial

julieta@aeditores.com Andrea Villanueva Coordinadora editorial

andrea@aeditores.com Susana Paz Corrección de estilo

Suscríbase por un año

al (55) 5281 0568 y reciba mensualmente, en su domicilio, La Revista.

Arte

Colaboradores

cynthia@aeditores.com

Benjamín Alcántara |Michel Bellego | Daniela Cuevas Guerrero | Ignacio Galar Hermés Galvão | Yurex Omazkin | Ximena Orozco | Rodrigo Rivero Lake | Ana Terán | Cristián Zarabozo

Cynthia Márquez Directora de arte Yair Orozco Diseño gráfico

yair@aeditores.com Elia Córdova Directora de producción

elia@aeditores.com

Consejo Editorial Ausbert de Arce | Carmen Cordera | Allan Fis | Bruno Newman | Mónica Patiño Ricardo Salas | Gonzalo Tassier | Ignacio Urquiza

Fernanda Carrasco Edición fotográfica

fernanda@aeditores.com

Comercial Eva Feldman Ejecutiva de cuenta

eva@aeditores.com

Juan Carlos Sierra Ejecutivo de cuenta

jcarlos@aeditores.com

@_l are vIsta

l are vIsta .mx

l a re vIsta , El Mundo del Buen Gusto

Información para anunciantes: ventas@aeditores.com La revista el mundo del buen gusto es una publicación de a editores, Shakespeare 21-802, Col. Anzures C.P.11590, México, D.F. Teléfonos: 5281 1778 La Revista el mundo del buen gusto es una publicación de estilo de

Las opiniones de los autores no necesariamente representan el punto de vista de los editores o la editorial.

Circulación certificada por el Instituto Verificador de Medios Registro No. 489/ 001

vida de A Editores. Revista mensual. número 53, octubre 2013. Editor responsable: Marcela Aguilar y Maya. El contenido de los artículos es responsabilidad de los autores. Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción parcial o total incluyendo cualquier medio electrónico o magnético para fines comerciales. La información contenida se ha obtenido de fuentes que se consideran fidedignas. Número de reserva al Instituto Nacional de Derechos de Autor 04-208-092913333400-102. Número de certificado de licitud de contenido No. 11997. Número de certificado de licitud de título No. 14424. Distribuida por: Mentor, Playa Caletilla No. 61 PB, Col. Reforma Iztaccíhuatl, CP 08810, México, DF. Impresa por Preprensa Digital, S.A. de C.V. Caravaggio 30. Col. Mixcoac. CP 03910 T. 5611.7349 Mexico, D.F.


A

ABRIDORES

el Blog por: La Redacción fotos: Cortesía

W de Louis Vuitton Tradición e innovación en un solo objeto Masaryk 460, Polanco, México, D.F. | louisvuitton.com Louis Vuitton

Con líneas definidas que sugieren la caligrafía de una W, un cuerpo de tres partes en varios materiales compone el nuevo bolso —lleno de sorpresas— de la casa francesa. Se trata de una bolsa geométrica y generosa, suave pero no muy blanda, con un tallado perfecto que unifica la comodidad de una cartera grande con el porte de un accesorio sofisticado. Será un clásico instantáneo, sí, pero también proporciona a las mujeres el vigor de una apariencia juvenil. Esto se da gracias a una perfecta combinación de tradición e innovación, una que solamente podría haber sido creada por Louis Vuitton. Por fuera, la W combina la superficie suave y sedosa de cueros exóticos con el emblemático lienzo de monograma o con el efecto aterciopelado, con bordado en cuero inspirado en el arte de la tapicería. Por dentro no es menos ingeniosa, ya que el espacio está inteligentemente diseñado con diversos bolsillos, que ofrecen un lugar lógico para todos los objetos que puede necesitar la mujer de hoy. La calidad impecable de cada uno de los elementos representa la enorme tradición de la casa Vuitton y es así como la última incorporación a la familia Louis Vuitton tiene todo tipo de encanto.

18 | la revista

pág. 018 El otoño llega con un nuevo bolso Vuitton, el agua tónica más elegante y todo sobre el diseño en nuestras vidas.

Prefall 2013 La silueta de la colección Prefall 2013 evoca la década de los 60 de forma notable y pura. Una de las inspiraciones de Marc Jacobs fue la sencilla elegancia de Jeanne Moreau en la película de Truffaut The Bride Wore Black. Las prendas tienen lujosos pero austeros detalles masculinos contrastados con encaje. Repetido en los estampados trompe l’oeil, jacquard o tejido de lana, el encaje imita

el efecto de un pequeño velo creando un toque de misterio. Algunas de las chaquetas reflejan detalles de sastrería que se asemejan a aquellos empleados por Louis Vuitton mismo. Pero el toque de Marc Jacobs está claramente presente con un lujo festivo que juega con las tensiones contradictorias pero complementarias entre la New Wave y la edad de la inocencia.


A

ABRIDORES

popular en el paraíso → Arte La tienda del MAP llega a Baja California tiendamap.com |

Tienda Map |

@TiendaMAP

Las Ventanas al Paraíso, A Rosewood Resort, abrió dentro de sus instalaciones una tienda del Museo de Arte Popular (tienda MAP). Así, la boutique de La Galería de Las Ventanas ofrece a los huéspedes del resort un viaje cultural a través de sus textiles, joyas, cerámicas, artesanías en hierro, madera, cestería, piezas de vidrio soplado, juguetes y máscaras. Con cada compra, los huéspedes

se llevan a casa una parte de la cultura de nuestro país y apoyan la magnífica labor de la tienda del MAP. “Estamos felices de contar con la gran oportunidad de ofrecer a nuestros huéspedes lo mejor y más auténtico del arte popular mexicano, proveniente de diferentes regiones del país”, comentó Martein van Wagenberg, Director General de Las Ventanas al Paraí-

Sapphire → Bombay Un líquido encantador bombaysapphire.com |

@BombayMx

La cultura de la ginebra en México sigue creciendo y para los que gustan de tomar solamente lo mejor, Bombay Sapphire es la opción. La creación de Bombay Sapphire es realmente única, se fabrica en Cheshire, Inglaterra, desde 1987, con una receta de 1761. Mientras que la mayoría de las ginebras hierven sus ingredientes botánicos directamente en el alcohol para darle sabor, Bombay Sapphire lo obtiene a través del proceso de infusión de vapor. Los diez botánicos utilizados para crear esta ginebra se separan del alcohol en una cesta de cobre perforada y cuando el vapor la atraviesa, el distintivo sabor se libera extrayendo los aromas y aceites de los botánicos. El resultado: un líquido complejo y aromático, nítido, de aroma a enebro y especias, con predominio de cítricos. Es suave, ligera, fresca y, sobre todo, muy equilibrada, ligeramente dulce y con final picante. —DCG

20 | la revista

so. “El compromiso de la tienda del MAP en promover el tradicional trabajo artesanal mexicano es extremadamente admirable y tener sus productos aquí enriquece la experiencia de nuestros huéspedes”. La tienda del MAP ofrece una exquisita selección de artesanías y productos que encantarán hasta al cliente más exigente.

Los bartenders más imaginativos compiten Tales of the Cocktail es una semana cada año en la que los mejores barmans del mundo se juntan en Nueva Orleans para competir y deleitar a los asistentes. Bombay Sapphire presentó su concurso Most Imaginative Bartender ALL-STAR Competition, el cual se llevó a cabo en la Casa del Blues. Seis barmans concursaron por el título en cocteles cuyo ingrediente principal fue el nuevo Bombay Sapphire East. Por primera vez la ganadora fue una mujer: Cricket Nelson. ¿Su coctel del triunfo? El Sapphire East Love Game con té Earl Grey con infusión de rosas, jarabe de capullo de rosa, jugo de lima, albahaca tailandesa fresca y, por supuesto, Bombay Sapphire East Gin.


A

ABRIDORES

b’ui lanza b’ui tonic → Bebidas El mezclador ideal buiwater.com |

buiwater |

@buiwater

b’ui tonic desafía la receta tradicional del agua tónica y crea una bebida para los paladares más exigentes. La línea de bebidas b’ui lanza su agua tónica b’ui tonic, la cual seguramente se convertirá en la favorita de muchos para acompañar destilados como la ginebra o el vodka. b’ui tonic incorpora lima a su receta para equilibrar la amargura de la quinina. Además, se han incluido distintas especias pensadas para acentuar los botánicos de la ginebra y/o potenciar los sabores del vodka. El balance de la lima y las especias con la quinina, hacen de b’ui tonic una bebida que también puede disfrutarse sola. Bebidas b’ui continúa su proyecto de ofrecer productos naturales, de mucha calidad, para así fomentar un modo de vida sano: b’ui tonic está endulzado con stevia, una planta que sirve de edulcorante natural y la vuelve una bebida ligera y de muy bajas calorías. b’ui tonic es el resultado de una profunda investigación en torno a la creciente demanda de mezcladores que estén a la altura de bebidas espirituosas sofisticadas.

La botella Para verse aún mejor, los productos b’ui vienen en una botella de vidrio transparente. El material es comple completamente inerte, por lo que no altera el sabor del agua y resiste los cambios bruscos de temperatura. El envase es reciclable y las tintas usadas para la serigrafía no contienen metales ni dañan el ambiente.

→ Exteriores a la moda

Tropicana de Moda in Casa 01 (800) 008 6632 | modaincasa.com | @modaincasa

Moda in Casa |

La decoración y el diseño de interiores no tienen por qué quedarse únicamente dentro de la casa. Es por esto que en Moda in Casa se creó la línea Tropicana, para que los exteriores de su hogar sean tan elegantes como los interiores. Todo surgió a partir de hacer de los exteriores una composición ideal para casas de campo, terrazas, bares y hoteles que hacen de la naturaleza su principal escenario. Esta línea es el resultado de travesías e intercambios culturales y el equipo de diseño de Moda in Casa se apoyó en la experiencia italiana de Mario Terraneo, un hombre dedicado a la traducción entre el diseño y el objeto. La creación de Tropicana fue un proceso de investigación y selección de materiales que cumplieran con el reto de convivir a “cielo abierto” y resistir la intemperie. Por eso se utilizan materiales como madera tropical Bojomah y telas especiales como Sunbrella, con pigmentos resistentes a rayos UV. Con esta línea, deseará pasar el mayor tiempo posible en los exteriores de su hogar.

22 | la revista

Artesanos y artistas Algunas piezas de la línea son tejidas por una maravillosa comunidad de artesanos situada en el Valle del Mezquital. Moda in Casa lleva a cabo un proyecto de desarrollo sustentable al activar una región inhóspita en un centro no sólo de trabajo,

sino también de aprendizaje. Y como es innegable la importancia del intercambio cultural, el maestro tejedor viajó con el equipo de diseño de Moda in Casa a Oriente para aprender nuevas técnicas y trasmitirlas a tejedores mexicanos.


A

ABRIDORES

→ BINDI De Berger Joyeros Masaryk 428, Polanco, México, D.F. |

(55) 5281 4122 | berger.com.mx

La India tiene una historia en joyería de cinco mil años. Ahí, los diamantes eran utilizados como íconos religiosos. Los hindúes pensaban que el color de diamante reflejaba la casta del portador, y por eso los más valiosos eran los diamantes puros incoloros. Muchos de los diamantes hindúes más famosos y antiguos son rose cut, un corte antiguo de facetas irregulares. Debido al estatus divino de la gema, el interés principal de los antiguos lapidarios era conservar el peso del diamante, por lo que su pulido era muy limitado e impreciso. Este corte ha renacido y Berger Joyeros trae a nuestro país esta importante tendencia mundial con piezas dignas de cualquier maharani. Pendientes, anillo, brazalete y pendantiff de diamantes rose cut, briolette y brillantes montados sobre oro blanco componen la mística colección Bindi de Berger Joyeros. ¿Qué es el bindi? Las piezas con destellos circulares y siluetas punteadas han sido inspiradas en el bindi, que en sánscrito significa “pequeña partícula” y es un elemento decorativo –un punto de color rojo o una joya en la parte central de la frente– utilizado en Asia meridional y el sudeste asiático. La tradición esotérica del tantra considera al área que está entre las cejas, donde se coloca el bindi, el sexto chacra conocido también como “el tercer ojo”. Es ahí donde se aloja la sabiduría oculta y el bindi retiene esta energía y fortalece la intuición y la concentración.

24 | la revista

y UNICEF → Montblanc En apoyo a la educación signatureforgood.montblanc.com |

Montblanc |

@montblanc_world

La cultura de la palabra escrita es uno de los logros más antiguos de la humanidad y es una parte intrínseca de Montblanc. El emblemático artículo de escritura Meisterstück de la marca encarna la palabra escrita, representando un estilo de vida de éxito, cultura y educación. El compromiso con la cultura es también parte de la marca y por esta razón, Montblanc lanzó el programa Signature for Good en apoyo a los proyectos educativos de UNICEF. Con este objetivo, UNICEF y Montblanc lanzan la nueva colección “Signature for Good”. Hasta la fecha, gracias a importantes iniciativas mundiales, han logrado recaudar más de cinco millones de dólares. Cada instrumento de escritura, artículo de piel y pieza de joyería cuenta con una serie individual, este número está asociado a un “ladrillo”, una referencia a la construcción y funcionamiento de las escuelas: lo que indica que el propietario del producto tiene una cuota simbólica en el programa y está contribuyendo a la construcción de un futuro mejor y más próspero, un ladrillo a la vez.

Registre su producto Al registrar el número de producto en montblanc. com/signatureforgood, usted podrá monitorear el progreso de la iniciativa y descubrir las diferentes formas en que UNICEF está mejorando las oportunidades educativas para los niños, no sólo con la construcción de escuelas, sino también transformándolas en espacios seguros donde los niños pueden aprender y jugar.


A

ABRIDORES

piezas de conversación → 50 Elegidas por el Palacio de Hierro casapalacio.com.mx, vivetotalmentepalacio.com.mx |

Casa Palacio |

Desde su fundación, Casa Palacio ha sido más que una tienda y ahora da una paso adelante con el primer libro editado por Casa Palacio, 50 piezas de conversación, con imágenes del fotógrafo mexicano Pablo Morales. Este libro es una pequeña muestra de la enorme colección de objetos extraordinarios que viven en Casa Palacio, objetos alrededor de los cuales se desarrollan proyectos que acaban por convertirse en ese ideal que buscamos todos y al que llamamos hogar. Casa Palacio edita por primera vez un libro que resume artísticamente el impacto que los objetos decorativos tienen en la vida diaria. El director de Casa Palacio, Ignacio Reynoso, menciona que más allá de simples productos, lo importante es lo que significan en nuestras vidas: “No existe un mejor medio que la fotografía para transmitir lo que hacemos y cómo lograr que un espacio sea armónico y adecuado, un espacio que hable de las personas que lo habitan.

26 | la revista

@Casa_Palacio

En Casa Palacio nos parece un tema fundamental y deseábamos expresarlo más allá de lo comercial, buscamos hacerlo artísticamente”. Lo cual lograron gracias a las imágenes del fotógrafo mexicano Pablo Morales y Lorenza Caraza, que ilustran el libro de manera atrevida, provocadora y sensual. Por medio de texturas y colores da vida a piezas de diseño que saca de su hábitat natural para transformarlos en personajes que cuentan una historia y emiten emociones. “Sé que los objetos algunas veces pasan a segundo término. Es difícil vestir un producto que se vende como una obra de arte. A pesar de eso, ha sido el proyecto más emocionante que he hecho en mi vida”, comenta Pablo Morales sobre su proyecto con Casa Palacio. “Nuestro quehacer, es convertir la vida de las personas en una experiencia más funcional, más sana, más bella”, puntualizó el director de Casa Palacio, quien dejó entrever que habrá mucho más por venir. —DCG

Pablo Morales Por más de 15 años el fotógrafo Pablo Morales y Lorenza Caraza han trabajado en equipo y son la mancuerna perfecta que se refleja en cada una de las fotografías del libro. Pablo aporta su sensibilidad, profundo conocimiento de la fotografía y la técnica para un manejo muy personal de luz y sombras. Mientras que Lorenza tiene una creatividad única que brota del alma con una seguridad y refinamiento asombrosos. El resultado: imágenes ricas y elocuentes que nos invitan a soñar, desear y a conversar.


A

ABRIDORES

Océan Saphir de Peyrelongue → Colección Olas de lujo y seducción Masaryk 431, Polanco, México, D.F. |

(55) 5264 3843

Peyrelongue Chronos nos tiene acostumbrados a joyas exquisitas decoradas con piedras sin igual. Por supuesto, su nueva colección, Océan Saphir, no podía ser la excepción. Esta nueva entrega está compuesta por joyas de zafiros y diamantes. Se cree que estas piedras son símbolo de sinceridad, fidelidad y verdad, por esta razón son ideales para celebrar un aniversario o acontecimiento importante. Además, algunos otros creen que el zafiro —piedra predilecta de la corona inglesa— es fuente de paz, sabiduría

y alegría. La colección está compuesta por una gargantilla con 38.03 quilates de zafiros en corte corazón y gota, además de 29.97 quilates de diamantes con cortes brillante, gota y marquís; un anillo con un zafiro de 12.69 quilates en corte cushion y 1.31 quilates de diamantes, y un par de aretes de 21.5 quilates de zafiros y 22.48 quilates de diamantes. Todo montado en oro de 18 quilates. Sin duda, un regalo que además de lujo le traerá la buena suerte que suelen venir con el zafiro.

France → Air El lujo de La Première entre México y Europa airfrance.com.mx |

@AirFranceMX

Viajar entre México y Europa no tiene por qué ser una experiencia agotadora y con La Première de Air France, no solamente no será cansado sino que se convertirá en una experiencia única, exclusiva y personalizada. Al viajar con un boleto de La Première usted puede disfrutar en el Aeropuerto París- Charles de Gaulle 2 de beneficios que van desde acceso exclusivo al salón VIP hasta servicio especializado para estacionamiento de estancia temporal. Además, tendrá asignado un acompañante para realizar los trámites de migración y aduanas. En el salón VIP podrá disfrutar de un desayuno, almuerzo o cena de una selección de platillos elaborada por Alain Ducasse para Air France. Ya en el vuelo tendrá disponible un menú nuevo cada mes, con una entrada y dos platos fuertes exclusivos diseñados por el estudio culinario Servair, de Joël Robuchon, Guy Martin y Jacques Le Divellec. Lujo en todo el mundo La Première de Air France está disponible en 25 destinos, entre los que se encuentran Boston, Nueva York, Sao Paulo, Hong Kong, Shanghai y Johannesburgo.

28 | la revista

¿Un rubí azul? El zafiro es la piedra hermana del rubí, simplemente en otro color. Estas dos piedras provienen del mismo material: el corindón mineral, que es la segunda piedra preciosa más dura después del diamante. Aunque azul es el color clásico del zafiro, éste se puede encontrar en una amplia gama de colores, incluyendo amarillo, rosado y verde.


A

ABRIDORES

Lustrous → Super De Revlon revlon.mx |

RevlonMx |

@REVLONMexico

Revlon presentó cinco tonos nuevos de su inigualable Super Lustrous. Formulado para proporcionar un brillo máximo y un color superior al de cualquier otro. Todos los nuevos tonos —Pink Cognito, Rich Girl Red, Plum Velour, Kissable Pink, Fuchsia Shock— son perfectos para la temporada de otoño, pero nuestro favorito es sin duda el Rich Girl Red. Viene adicionado, además, con vitamina E y aceite de aguacate para acondicionar los labios. Un toque moderno para uno de los lipsticks más clásicos.

3 0 | la revista

Amour, → Kenzo La versión más romántica de Kenzo kenzoparfums.com |

Tips de aplicación Para una mejor aplicación es mejor comenzar con un poco de delineador de labios, sobre su forma natural, para conseguir una mejor definición. Para aumentar la duración del lipstick, hay que aplicarlo en toda la superficie de los labios, limpiar el exceso con un pañuelo y repetir. Con este método quedará prácticamente perfecto.

KENZO Parfums |

@kenzoMX

Los perfumistas Daphné Bugey y Olivier Cresp se unieron para crear Kenzo Amour. La fragancia es un perfume sensual, suave y feliz, que evoca viajes a Asia y trae consigo recuerdos de países como la India, Indonesia, Japón, Birmania, Tailandia. Todos lugares de vibrantes colores y reconocibles perfumes. Entre los aromas que conforman la fragancia se encuentran flor de frangipani de Bali, flor de cerezo del Japón, madera de Tanaka e incienso. Así como sabores de arroz, vainilla y té blanco de China. El frasco —diseñado por el egipcio Karim Rashid— representa a un pájaro abstracto, imaginario y colorido: blanco, naranja, fucsia. Es un frasco de curvas sensuales y puras, inspirado —tal como la fragancia— en viajes a tierras exóticas. Como todas las fragancias Kenzo, Amour es un respiro.


aBRIDORES

en

De la A a la Z

lí n e a

e• en

A

lí n e a

El diseño y la vida (cotidiana) Blogs que lo dejarán picado Si le gusta enterarse de lo último en diseño y conocer las tendencias actuales, estos blogs lo mantendrán al tanto y se convertirá en casi un experto.

Ilustraciones: Yair Orozco

El buen diseño va mucho más allá de un simple objeto bonito: necesita transformar e impactar al mismo tiempo que cumple su propósito. El lado estético es solamente una pequeña parte, se trata de cómo funcionan las cosas, de descubrir nuevas formas para hacer nuestras vidas un poco más sencillas y divertidas. Son conceptos sobre la vida ideal traducidos en una forma tangible. Algunas veces llaman nuestra atención por ser innovadoras y diferentes y otras son simplemente funcionales. Sea como sea, estamos rodeados de diseño: desde los cubiertos con los que comemos hasta los espacios en donde vivimos y la forma en la que nos transportamos de un lugar a otro. Y como todo en esta vida, el diseño ha evolucionado y cambiado con el tiempo, transformando al mismo tiempo todo lo que nos rodea.

por: Daniela Cuevas Guerrero

32 | la revista

dezeen.com Muestra los mejores proyectos de arquitectura y diseño de interiores de todo el mundo, es uno de los blogs de diseño más reconocidos e influyentes.

selectism.com Uno de los blogs de Title Media que cubre las últimas noticias, nuevas tendencias y productos del mundo de la moda, el arte y el diseño.

designsponge.com La creadora de este blog, Grace Bonney, tiene un visión única de la industria y en su blog da a conocer tendencias, espacios, productos y hasta proyectos de diseño que puede hacer cualquier persona en su casa.

coolhuntermx.com Presentan y promueven el trabajo de mexicanos que están un paso adelante en temas de diseño, arte, moda, arquitectura, así como los últimos proyectos que se han comenzado a desarrollar en el país.


aBRIDORES

er

h• H

Ta

r a Mie n

Ta

r a Mie n

Ha pasado mucho tiempo desde aquellas cenas de la edad Media en que los tenedores lastimaban a quienes intentaban utilizarlos. Hoy, la gran tragedia se da cuando al sentarse a la mesa, las opciones de cubiertos son tantas que confunden. no haga el ridículo con esta pequeña guía de cubiertos que tenemos

H

Guía de cubiertos (para no quedar en ridículo)

er

A

para usted.

1. Tenedor para ensalada

2. Tenedor principal

3. Cuchillo principal

4. Cuchara para sopa

5. Cuchara para té

6. Cuchillo para mantequilla

7. Tenedor para pescado

8. Cuchillo para pescado

9. Tenedor para postre

El cuchillo, la cuchara y la triste historia del tenedor Porque no siempre fueron parte de una mesa bien puesta, los cubiertos han cambiado con el paso del tiempo. La cuchara (del latín cochleare) fue el primer utensilio para comer, pero en lugar de ser tal como la conocemos hoy, la gente de antaño usaba conchas o trozos de madera. Fueron los romanos en el siglo I quienes le pusieron el mango a la cuchara. Durante la Edad Media, los anfitriones proveían a sus invitados de cucharas hechas de madera o cornamentas, mientras que la realeza comía con cucharas de oro y la gente de clase alta de plata. El cuchillo ha sido usado como arma y herramienta desde la prehistoria, pero no fue diseñado para su uso en la mesa hasta tiempos relativamente recientes. Durante la Edad Media en Europa, los anfitriones no proveían cuchillería para sus invitados, así que todos cargaban sus propios cuchillos (generalmente colgados del cinturón). Como también eran armas, su uso en la mesa era peligroso. Una vez que se empezaron a usar tenedores, su punta afilada ya no era necesaria en la mesa, por lo que el rey Luis XVI de Francia decretó que se redondearan las puntas de todos los cuchillos, resolviendo tanto los problemas de violencia como los de malos modales. El tenedor ha tenido muy mala fama y hasta se le tachó de instrumento diabólico que ofendía a Dios. Pero el rechazo que tuvo durante siglos fue más por la falta de habilidad de los comensales que por cualquier otra cosa. Se lastimaban pinchándose los labios, las encías y la lengua, ya que en ese entonces eran planos, con dos puntas y mucho más difíciles de manejar. Así, el tenedor desapareció de Europa por más de 300 años hasta que Catalina de Medici lo puso de moda en su boda en 1533. En el siglo XVII se generalizó la tercera punta, en Italia se añadió la cuarta para comer spaguetti y finalmente, a comienzos del siglo XVIII, el tenedor que conocemos actualmente fue desarrollado en Alemania.

34 | la revista

Cubiertos inventados Por si esos no fueran suficiente, ahora tenemos cubiertos extraños como los famosos sporks (cuchara y tenedor en uno), spife (cuchara y cuchillo en uno) y los knorks (cuchillo y tenedor en uno). ¿Un dato curioso del retraso de occidente? Los palillos de madera para comer fueron desarrollados en China hace 5 mil años.


A

aBRIDORES

libr o s

l•

libr o s

Para aprender de diseño Happy Home Charlotte Hedeman Gueniau Rizzoli, 2013 Una colección de ideas prácticas y proyectos de hágalo-usted-mismo para transformar cualquier espacio con buen diseño, comodidad y diversión. Se trata de un libro para quien quiere dar un poco de color a su vida con accesorios y texturas.

Guzzini: Infinite Italian Design Moreno Gentili Rizzoli, 2013 Este libro describe el desarrollo de la compañía Guzzini, 100 años de historia en fascinantes detalles. Un amplio catálogo con todo tipo de artículos para cocina y hogar con un diseño espectacular pero a la vez prácticos y reciclables.

The Big Book of Chic Miles Redd Assouline Publishing, 2012 El aclamado diseñador de interiores, Miles Redd es conocido por su visión única, la cual ha resultado en espacios audaces y sofisticados, llenos de fantasía. Este libro —lujosamente ilustrado— presenta una diversa selección de sus interiores únicos para los amantes del diseño ecléctico.

Domestic Art: Curated Interiors Molly Moore, Robert Brinkley y Laurann Claridge Assouline Publishing, 2008 Los editores de este libro buscaron tanto lo extraño como lo común. Llámelo como quiera: lujo, locura, conjuntos excéntricos, modernismo temperamental, un libro que muestra un increíble vistazo a un género de diseño que resulta inspirador.

Raymond Loewy: Never Leave Well Enough Alone! Philippe Tretiack Assouline Publishing, 2005 Raymond Loewy fue un ingeniero y visionario que decidió integrar el movimiento a sus diseños. Sus dibujos del camión Coca Cola y el paquete de Lucky Strike moldearon la visión del siglo XX. Con fotografías de diseños de Loewy, el libro es un tributo al diseñador.

ra

ns p orT

La evolución del transporte que nació de un juguete Las primeras referencias halladas están en jeroglíficos egipcios donde se describe a un hombre montado sobre un aparato formado por dos ruedas unidas a un potro. En China se describe uno similar pero con ruedas de bambú.

36 | la revista

T

e

t• ra

ns p orT

e

Del celífero a la bicicleta:

T

Los libros, además de ser objetos de diseño, pueden contener aún mucho más diseño en su interior. Para aquellos que respiran diseño —ya sea de moda, interiores, gráfico— estos cinco libros son esenciales. Y, bueno, también para aquellos que lo que quieren es adornar su sala.

1690 El Conde Mede de Sivrac inventó el celífero, un juguete que se propulsaba y dirigía impulsando los pies contra el suelo.

1816 Karl Von Drais diseñó el primer vehículo de dos ruedas con dirección: la draisiana. Este vehículo sin pedales se dirigía con una vara de madera unida a la rueda delantera.


de la a a la z

Del tintero al papel

plU M a

Loud. Siguiendo con las mejoras en el flujo de tinta, George Parker patentó en 1894 un nuevo alimentador que evitó las molestas manchas en los dedos. En 1950 fue introducido el cartucho de tinta desechable, de plástico o vidrio, y fácil de reemplazar, con un éxito inmediato. La introducción del bolígrafo o pluma atómica opacó la invención del cartucho y acabó con el negocio de las plumas fuente, que hasta la fecha son instrumentos de escritura clásicos y de colección.

p• plU M a

Gracias a los celulares, tabletas y computadoras, escribir a mano es cada vez menos común, no obstante, nadie puede negar que la escritura a mano tiene sus ventajas, además de una cierta magia. La palabra pluma se deriva del latín penna (pluma o penacho) y eso es lo que los primeros bolígrafos eran: plumas o cañas talladas. La pluma de ave surgió hace 2 mil 700 años y fue el instrumento de escritura que dominó por más de mil años. Las más comunes eran de ganso y las caras y bonitas, de cisne. Para hacer líneas finas, las de cuervo eran ideales, pero se usaban también las de águila, búho, halcón y pavo. Su uso se desvaneció con la llegada de puntas de acero producidas en masa en el siglo XIX. Nicolás Bion diseñó la primer pluma fuente en 1702. Mientras que el origen de la pluma moderna se dio a fines del siglo XIX cuando, Lewis Waterman perdió una gran suma de dinero al derramar la tinta de su pluma sobre el contrato de seguros que estaba a punto de firmar con un cliente millonario. Así nació la primer pluma estilográfica moderna, la pluma fuente ideal de Waterman. La punta con una bolita fue inventada en 1888 por John

A

Las mejores plumas fuente Hay quienes prefieren escribir en su iphone y también los fanáticos de los sharpies, pero no hay nada como sentir la tinta caer sobre el papel cuando se utiliza una pluma fuente. Éstas son nuestras favoritas.

1. pilot Vanishing point. la más sencilla de nuestra lista pero también una de las más confiables.

1839 Se introducen los pedales con el velocípedo de Kirkpatrick McMillan.

2. Montblanc Meisterstück solitaire Doué Geometric Dimension. no es necesario describir la calidad y elegancia de una Montblanc, ¿o sí?

3. TWsbi 540. la más moderna y actual de todas. Uno puede elegir el color de la tinta no solamente por cómo se verá sobre el papel, sino también a través de su envase. transparente.

1861 Ernest Michaux pone pedales en la rueda delantera de una vieja draisiana, la “Michaulina” se empezó a producir en serie.

4. louis Vuitton Cabinet d’ecriture. la casa francesa creó recientemente una línea de escritura que incluye algunas de las plumas más hermosas del mundo.

5. Waterman Charleston. Con sus líneas estilo art déco, no habrá quien se resista a este elegante producto.

1873 James Starley produjo la primera bici con casi todas las características de la famosa bicicleta de rueda alta. La rueda delantera era tres veces más grande que la de atrás.

larevista.mx | 37


A

aBRIDORES

Los maestros del diseño

e s T ilo

e• e s T ilo

Porque con materiales comunes transforman espacios y objetos en formas inesperadas, estos cuatro personajes –locos por las formas y los colores– han hecho historia en el mundo del diseño. Conozca un poco más sobre los creadores de aquellos objetos que seguramente ya conoce a la perfección. Philippe Stark Diseñador industrial francés reconocido mundialmente por la funcionalidad y estética de sus diseños. Su humor, conciencia por las implicaciones ecológicas, así como su determinación para defender la inteligencia de lo útil y la utilidad de la inteligencia, ha resultado en creaciones icónicas. Desde productos para la vida diaria como un exprimidor hasta yates y hoteles que siempre van más allá de los límites del diseño contemporáneo.

Verner Panton Este diseñador industrial danés es considerado uno de los más influyentes del diseño de mobiliario del siglo XX. Conocido por sus diseños innovadores y futuristas –construidos en plástico con colores brillantes– se hizo famoso con sus muebles basados en formas geométricas, en especial la famosa silla Panton. Sus creaciones son reconocidas por fusionar suelos, paredes y techos con muebles, lámparas, etc., para formar una unidad tan perfecta como indivisible.

Ettore Sottsass Arquitecto y diseñador austriaco que se mudo a Italia para estudiar y trabajar a partir de la segunda mitad del siglo XX. Fue fundador del Grupo de Diseño Memphis y consultor de diseño para Olivetti, donde trabajó durante más de 20 años. Hizo muchas cosas nuevas y diferentes, diseñó la máquina de escribir Valentine, que sigue expuesta desde el año de su creación en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

1884 Aparece la primera bicicleta con transmisión a cadena y las dos ruedas iguales, de John Kemp Starley tenía el nombre de Rover Safety Bicycle y se le conocía como la bicicleta segura porque incluía frenos.

1941 El italiano Ghiggini añade el cambio de marchas a la bicicleta, fue un gran cambio para quienes buscaban mayor control.

38 | la revista

Patricia Urquiola Destaca por sus originales diseños de objetos y mobiliario. Autora de algunas de las piezas más emblemáticas del panorama actual, creó la colección Maia para Kettal, una de sus obras más representativas. Ha colaborado con grandes maestros del diseño y trabaja con las firmas punteras del panorama internacional del mueble. Es la autora del sofá Lowland y el contenedor One, piezas que la han convertido en una de las estrellas del diseño italiano.

1970 Se crea la bicicleta de montaña.


I

Di

le

spensab

in

Di

le

in

de la a a la z

A

Los indispensables Porque el diseño, además de hacer nuestras vidas más fáciles, les da un poco de estilo y color, estos artículos darán un toque especial a cualquier lugar de la casa.

spensab

AAKKOSET de KAYIWA Esta repisa puede usarse por atrás y por delante para sostener libros, CD, revistas, etc., o dejarlo vacío y usarlo como separador de ambientes. kayiwa.fi/english

Mesa Burvros de Clorofilia La mesa perfecta para darle un poco de vida y estilo a cualquier espacio. facebook.com/clorofila

Lino de Notwaste Design Lino puede detener tus fotografías o lo puede desarmar para usarlo como portavasos. notwastedesign.com

OVNI, Objeto Vernacular No Identificado por Paula Silva-Ruvalcaba para Le porc shop Piezas multifuncionales que usan procesos de manufactura simples, que ofrecen a quien lo compra la capacidad de ser creador. cargocollective.com

500XL bocinas de Fred & Friends

Ñom Ñom Ñom de Emiliano Godoy

Estos audífonos son 500 veces más grandes que los normales, porque cuando se trata de sonido mientras más grande mejor. fredandfriends.com

Imagine que su bowl favorito se ha adaptado a sus manos con el paso del tiempo para que acomode sus dedos a la perfección y disfrute mejor de una sopa calientita. emilianogodoy.com

2006 Sir Clive Sincalir inventó la bicicleta plegable de nombre A-bike. Obtiene dimensiones minúsculas una vez plegada.

Escritorio Stilleven por Valentín Garal para Peca Lleva lo privado a lo público con su exhibidor de lana, un pequeño escritorio en madera de nogal y un espejo. peca.com.mx

2011 FLIZ es una bicicleta poco convencional, es como correr y andar en bici al mismo tiempo.

2013 Los diseñadores Skyrill y Marin Myftiu lanzan la bicicleta eléctrica del año. Aunque la primera salió al mercado en el siglo XIX, no se habían visto cambios significativos hasta ahora.

larevista.mx | 39


40 | la revista


CENTRALES

pág.

La p ática pL con:

041

Dupuis, la creación de un estilo Jana y Cecilia Prieto por: Marcela Aguilar y Maya fotos: Ignacio Galar

Una cosa es decorar un espacio y otra muy diferente es crear un estilo, trascender modas y tendencias hasta llegar a consolidar un espíritu que, a pesar de ser vigente, sea atemporal. Jana y Cecilia Prieto han llevado la batuta dentro del más refinado estilo mexicano durante cuatro décadas. Y no piensan detenerse ahí… larevista.mx | 41


C

CENTRALES

Dentro del Museo Franz Mayer de la Ciudad de México se lleva a cabo la muestra “Dupuis: la creación de un estilo”. En ésta se reúnen piezas de diseño representativas de una de las más importantes marcas mexicanas dedicadas al interiorismo, la alta decoración y el diseño integral. Más que una marca de muebles, Dupuis es un estilo de vida que nace en el año de 1973 con Roberto y Georgina Dupuis y Alejandra y Cecilia Prieto. Sus diseños han marcado un antes y un después dentro del diseño en México, con inspiraciones tan fuertes como el arquitecto Luis Barragán y los pintores Chucho Reyes y Mathias Goeritz. Cuarenta años después, Dupuis sigue tan fresco e innovador como el primer día. Aquí, una plática con “el alma” detrás de cada espacio, Ceci y Jana Prieto. 42 | la revista

◆◉◆ MAM: Dupuis comienza como una tienda de objetos de decora-

ción, pero después deviene todo un estilo, un pilar dentro del estilo mexicano… CP: Así es. El “estilo Dupuis” es un modo de vida muy integral,

pues empezamos a hacer cosas aisladas que después tuvieron sentido cuando se volvieron una unidad: nacieron los espacios homogéneos, donde cada objeto interactuaba con el otro. JP: El primer espacio Dupuis nace en una casa, la de mi hermana Coca, en el Pedregal. Así que nunca te sentías en una tienda y la gente disfrutaba del ambiente, del espacio en su totalidad, y les daban ganas ¡de mudarse ahí! Al mismo tiempo, era un estilo bastante ecléctico, con antigüedades, cosas modernas, artesanías y el gran hilo conductor, que era la tradición mexicana y nuestra enorme herencia cultural. Un estilo bastante sencillo pero a la vez muy sofisticado, que es el arte decorativo mexicano, puesto hoy, en tu casa. Fue darle un nuevo sentido a lo que entonces se usaba.


DUPUIS, LA CREACIÓN DE UN ESTILO

a p r e n dimos a a p r eci a r todo lo mexicano, pues convivíamos con chucho re yes, quien era un gran e s t e ta . –Jana Prieto

C

MAM: ¿Cómo ha evolucionado? CP: La

cosa es que a nosotras nos empezó a llamar el diseño. Y al diseñar, vas con los artesanos mexicanos y los diriges en sus diseños para hacerlo más contemporáneo, más sencillo y más moderno, más sobrio, con dirección. Y fue entonces cuando se detonó un estilo diferente, pues eran ya diseños propios, que evolucionaban con las épocas, pero siempre estaban ligados a nuestras raíces. MAM: Una de las grandes aportaciones de Dupuis es que se le dio un gran valor decorativo a lo mexicano, que en esa época no era común. Llega entonces esta marca hecha en México que le da diseño a lo mexicano, lo revalora y nos sorprende. CP: Esto

Dup ui S S AN ÁNgEL

fue lo básico. En los años 50, cuando mis padres se hicieron la casa con Luis Barragán, resultó que todos sus amigos les decían: “Está mono su ranchito…” (risas), porque el estilo de la época era lo francés, con tapetes persas, cómodas de Boulle, candiles… Y llega Luis Barragán y les pone un petate y muebles muy sencillos, de madera. Fue un shock que regalaran sus cosas tan “finas” para poner cosas simples. Incluso, Barragán llegó al extremo de ¡rasparle la pintura al piano de mi mamá! Ahora lo ves y está espectacular, pues era de una madera buenísima, pero en ese momento fue un shock. Después fundieron toda su plata de estilo europeo para hacer cazuelas estilo mexicano en plata. Mis padres se fueron al extremo para romper con el malinchismo.

Altavista 115, San Ángel Inn, T. (55)5550 6169 / 5550 6398 dupuis.com.mx

Contacto general: T. (55) 5595 6564 info@dupuis.com.mx Además Dupuis tiene presencia en Santa Fe, Interlomas, Lomas y San Ángel, donde está la tienda más añeja de la marca.

MAM: Me imagino el cambio de pensamiento que debió haber sido “mutar” al minimalismo al construir su casa con Barragán…. JP: Barragán

le dijo a mi mamá que podía llevar solamente una cosa a la casa nueva y mi mamá se llevó su tapete persa, que claro, en ese contexto simple, sobrio, lucía increíble, pero tuvo que dejar todos sus muebles. Y es que el primer gran minimalista fue Luis Barragán. Al grado de que en casa de mis papás había dos ventanas, una que veía al Popocatépetl y al Iztaccíhuatl, y la otra que veía al Ajusco; mi papá había heredado de su padre un José María Velasco, pero Barragán no se lo dejó colgar, pues decía que para qué querían poner esa “estampita” ¡teniendo esas vistas! Aprendimos a apreciar todo lo mexicano pues convivíamos con Chucho Reyes quien, además de ser el gran consejero de Barragán, era un gran esteta. Además, adoraba todas las “chácharas”, y nos lo transmitía: las esferas, los tibores, las ollas, los santitos… Lo estético en mi casa importaba mucho: era importante la comida, sus colores, dónde te sentabas para ver la luz que entraba de las ventanas. larevista.mx | 43


C

CENTRALES

CP: Era

una manera de vivir, todo tenía que ser estético. Y así crecimos. El ambiente siempre fue vital. Pero la mayor importancia fue la que le dieron los clientes, pues se enamoraban del ambiente, de los espacios completos, del aire que se respiraba. Más que decorar, era el crear eso, un ambiente. MAM: ¿Fue difícil que los clientes adoptaran este“nuevo” estilo? CP: El gran reto fue educar a la gente, pues pensaban

que una talavera era “chafa”, y no sabían las horas de trabajo que había atrás, lo difícil y laborioso que resultaba. Había que revalorizar lo mexicano. Al principio, la mayoría de nuestros clientes compraban [nuestros objetos] para sus casas de campo. Pero poco a poco la gente comenzó a adoptar nuestro estilo para sus casas en la Ciudad de México, dejando atrás la idea de que decorábamos “ranchitos”; sobre todo los jóvenes. Costó trabajo introducir muchas cosas; por ejemplo, el vidrio soplado. La gente pensaba erróneamente que estaba defectuoso, pero luego llegaban los extranjeros y era justamente lo que buscaban, lo hecho a mano. MAM: El espíritu Dupuis realza lo cotidiano, pues valo-

rar lo cotidiano es valorar tu vida. CP: Eso

llega cuando empiezas a diseñar tus cosas, puesto que al principio escoges de entre lo que hay. Nosotras luego comenzamos a crear y a darle diseño contemporáneo a los objetos hechos a mano y resulta una mezcla muy afortunada, sobre todo con la extraordinaria mano de obra que hay en México. Logramos consolidar una gran red de artesanos, de proveedores, y también a elegir los mejores materiales posibles para que los buenos diseños fueran muy duraderos. MAM: ¿Creen que a la hora de rediseñar o reinterpretar los estilos típicos artesanales se pierda la esencia de los estilos típicos mexicanos? CP: Más bien se rescata. Todo, si no evoluciona, se muere. JP: Es importante que sobrevivan los métodos de hacer las cosas, pero hay que ayudar a nuestros artesanos a que vendan. Todo lo fino debe de conservarse, como el rebozo tradicional, por ejemplo. Y al mismo tiempo, hay que usar ese trabajo para objetos modernos. Yo creo que una cosa no se pelea con la otra. MAM: Dupuis cambia la mirada, la manera de relacio-

narnos con lo mexicano, refinándolo, y dándole grandeza al objeto cotidiano mexicano, desde la cazuela hasta el molcajete. Hay un antes y un después de Dupuis. CP: También

el usar los objetos y que sea práctico. Antes todo era en plata, pero luego las nuevas generaciones ya no querían estar limpiando, entonces surgió el pewter como una opción en platones

4 4 | la revista

l a p rini c pa l m e ta de d u p ui s e s of r ec e r p roduc tos de c a lida d y da r traba jo a artesanos y creadores, p or e s ta r a zón e n d u p ui s im p orta n s ol a m e n t e u n a mínim a pa rt e de los p roduc tos qu e v e n de n.


DUPUIS, LA CREACIÓN DE UN ESTILO

y juegos de servicio que podrías utilizar sin tanta ceremonia. MAM: ¿Cómo nace el despacho de diseño Dupuis? JP: Dentro

del despacho de proyectos hacemos las casas como un traje a la medida. Entendemos cómo quiere vivir la persona, y cómo va a ser utilizado el espacio. Cada proyecto es un reto en sí mismo, a la vez muy divertido. Y siempre hay un estilo, un hilo conductor que es esta herencia de lo mexicano, de lo artesanal, pero contemporáneo. Y es el estilo personal del cliente, pero con nuestro contexto o estética, y quedan cosas muy padres, siempre únicas. MAM: ¿Cuál es hoy el gran reto que enfrenta Dupuis?

Hay mucha competencia con todo lo hecho en China y con la producción en masa, [porque ya te copian todo], por lo que el resto está en seguir ofreciendo cosas buenas que, aunque son más costosas, tienen el factor de lo hecho a mano. Además, es importante gustar a los jóvenes que buscan gran diseño y materiales. Así que el gran reto está en hacer que lo mexicano sea competitivo en este sentido. CP:

C

Piezas de museo las piezas de decoración y diseño de dupuis son, auténticamente, piezas de museo. tan es así que ahora están exhibidas en el museo franz mayer. “dupuis. la creación de un estilo. 1973-2013” es una exposición que se inauguró el 23 de agosto y durará hasta el 20 de octubre de este año. en ella, es posible visitar ese estilo confortable que ha sido la bandera de la marca desde sus orígenes. eduardo prieto lópez le pidió a luis barragán que le construyera su casa. el arquitecto accedió, pero a cambio solicitó que todo llevara su estilo. chucho reyes, quien era un colaborador cercano de barragán y un pintor único, con una sensibilidad muy particular, se unió a barragán para diseñar los interiores de la casa prieto. recurrieron a muebles de madera sólida, telas artesanales y eliminaron todo lo que parecía adorno superficial. la posterior búsqueda y desarrollo de dupuis tuvo eso como punto de partida, de tal forma que avanzó con paso firme hacia lo sencillo y elegante, siempre usando materiales y trabajo de artesanos mexicanos.

MAM: ¿Todo lo que ofrece Dupuis está hecho en México? JP: Realmente

importamos muy poco, y cuando lo hacemos es porque va con nuestro estilo y complementa nuestros espacios. Pero nuestra principal consigna es dar trabajo en México y que los artesanos produzcan, con el fin de seguir rescatando tradiciones artesanales. Y esto nos ayuda a hacer cosas más interesantes. MAM: ¿Dónde está hoy en día la inspiración? JP: Sobre

todo en la naturaleza. Todo lo que sea reciclar, conservar, volver a usar y reinterpretar al objeto ya “usado”. La mezcla de materiales: un fierro con un espejo viejo, maderas naturales poco trabajadas, llantas de coche, piedras… También estamos innovando con nuevos materiales como la piedra mezclada con resina, o telas con resinas. Hay que buscar ser diferentes, y hoy la clave está en explorar nuevos materiales. Hay que salirse de lo que todo mundo tiene, y en la naturaleza está la inspiración. MAM: ¿Cómo definirían el estilo mexicano contemporáneo? JP: Es

una mezcla de todas nuestras tradiciones, de forma simplificada, y sofisticada. CP: Un estilo sobrio, acogedor y cálido. Con historia, tradición. JP: Y es un estilo muy atemporal, vigente, que no envejece, no pasa de moda.

M uSEo FRA Nz M AyER Museo Franz Mayer Hidalgo 45, Centro Histórico, México, D.F. T. (55) 5518 2266 franzmayer.org.mx Sala Logia Martes a viernes de 10:00 a 17:00 hrs. Sábado y domingo de 10 a 19:00 horas.

larevista.mx | 45


CENTRALES

pág.

046

Michael Renner Un estudioso del diseño

por: Andrea Villanueva fotos: Cortesía de CENTRO y Michael Renner

Michael Renner es un estudioso del diseño. Sí, es diseñador, pero va mucho más allá de dedicarse únicamente a crear. El director del programa de Comunicación Visual de Basel School of Design en Suiza, busca analizar la imagen tal como se ha analizado el lenguaje y, a su manera, lo está logrando. Nos contó cómo lo hace en su más reciente visita a la Ciudad de México. 46 | la revista


Michael Renner dirige el programa de Comunicaci贸n Visual de Basel School of Design y fue invitado por CENTRO para dar una conferencia y un taller a sus alumnos. Agradecemos la invitaci贸n de la universidad, as铆 como todas sus atenciones.

larevista.mx | 47


C

CENTRALES

48 | la revista


Michael RenneR: un estudioso del diseño

C

La prestigiosa escuela Basel School of Design ha influenciado de gran manera el diseño gráfico del mundo desde los años 60. Bajo la dirección de Armin Hofmann y Emil Ruder se crearon cursos —como diseño gráfico y tipografía— que se convirtieron en modelo para la educación visual. Hoy es conocida oficialmente como el Instituto de Comunicación Visual/Escuela de Diseño de Basel y es parte de la Universidad de Ciencias Aplicadas del Noroeste de Suiza (FHNW por sus siglas en inglés). Se trata de un programa con toda la tradición del diseño suizo pero con la innovación necesaria para el mundo actual.

Sí, el diseño ofrece “una experiencia estética, lujo e innovación”, pero también es una disciplina que muchos otros —como ingenieros y científicos— utilizan como inspiración para crear objetos y herramientas que hacen la vida más fácil y no solamente más hermosa.

La primera vez que Renner “diseñó” algo fue en su primer día de clases de kinder. La maestra pidió al pequeño Michael y sus compañeros crear un árbol de cerezas. El diseñador creó, con un poco de papel y unas tijeras, un árbol color café con varias cerezas rojas. Y una negra. Esto causó un gran revuelo entre sus padres y su maestra. Todos querían saber qué había detrás de la misteriosa cereza negra. ¿Y qué había? En realidad, nada. Pero fue en ese momento que se dio cuenta del impacto que puede tener en las personas una imagen. Desde entonces no ha parado. Tras estudiar diseño gráfico con las personas que prácticamente definieron lo que sería esa carrera en el siglo xx, su enorme curiosidad lo llevó a buscar suerte en Estados Unidos. Con solamente esa curiosidad y su portafolio bajo el brazo, llegó en 1987

a Silicon Valley e inmediatamente obtuvo un empleo en Apple. En Apple, Michael Renner tuvo su primer encuentro con la tecnología, lo cual fue para él una “oportunidad fantástica, el poder usar la computadora como una herramienta en una etapa tan temprana”. Ahí también pudo conocer lo que se convertiría algún día en Illustrator, como cuenta, fue la primera vez que uno podía dibujar algo en una pantalla y verlo impreso como se había creado, sin alteraciones. Que todo esto fuera antes del internet, significó una experiencia completamente nueva al trabajar en una compañía como Apple. Renner estudió diseño gráfico en la prestigiada Basel School of Design, aunque en los años 80, cuando iba a la escuela, ésta tenía otro nombre. Tras regresar en 1999 a

The Basel School of Design

Suiza —y a su alma mater ahora como profesor— comenzó a enseñar dibujo, diseño de la información, diseño interactivo y métodos del diseño. Hoy es director del programa de Comunicación Visual, en el que se conjuntan distintas áreas del diseño: nuevos medios, tipografía y creación de imágenes. La pregunta en este caso podría ser, ¿qué es realmente la comunicación visual? Michael Renner lo define como algo que existe entre la propaganda y el arte, y la comunicación visual exitosa es aquella que sorprende a la gente, que hace que una persona se detenga a pensar y que es diferente a todos los estímulos que nos rodean. Es en la escuela Basel donde —a pesar de tener su propio despacho— Michael Renner trabaja, crea e investiga. Entre los proyectos que ha creado con su despacho, larevista.mx | 49


C

CENTRALES

Para lograr esto, asegura que lo más importante en el diseño es el proceso, mucho más que el resultado: “Tener muchos bocetos es más importante que tener un resultado brillante al final”. se encuentra uno muy relacionado al diseño clásico mexicano pero visto desde una perspectiva completamente moderna. En el año 2000 Renner trabajó en una exposición sobre el trabajo de Luis Barragán, Luis Barragán, the quiet revolution que comenzó en el Vitra Design Museum, en Weil am Rhein, Alemania. Para esta muestra, que fue una especie de tributo al arquitecto mexicano, Renner creó terminales interactivas en las que en una pantalla los visitantes podían hacer clic en diferentes partes de la construcción así como ver de forma animada planos, bocetos y modelos. En cuanto a sus proyectos de investigación —realizados con la universidad— se encuentran estudios que comparan la relación entre nuestra mente y las letras con la relación que llevamos con las imágenes. Uno 50 | la revista

de éstos fue un estudio con manchas y dibujos abstractos en el que los participantes hacían conexiones. El diseñador quisiera que la imagen en algún momento llegue a ser estudiada de la forma en que las palabras y el lenguaje lo han sido a través de los años. Una especie de semiótica de la imagen.

Diseño para toDos

Para Michael Renner, como para tantos profesionales del diseño, la disciplina en la que se desenvuelve es vital para el desarrollo de la humanidad. Sí, el diseño ofrece “una experiencia estética, lujo e innovación”, pero también es una disciplina que muchas otras —como ingenieros y científicos— utilizan como inspiración para crear objetos y herramientas que hacen la vida más fácil y no solamente más hermosa.

Para lograr esto, asegura que lo más importante en el diseño es el proceso, mucho más que el resultado: “Tener muchos bocetos es más importante que tener un resultado brillante al final”. Al referirse a ello, se nota claramente que se está hablando con alguien que proviene del diseño europeo. A diferencia del diseño americano, en Basel todo —absolutamente todo— está enfocado al proceso. Michael Renner ha diseñado alrededor de 30 libros y ha escrito artículos sobre el proceso del diseño, es además experto en comunicación visual y en el arte de diseñar la información. Sobre todo, se trata de un visionario, un estudioso y un soñador. Alguien que puede hacer con el diseño —y su proceso— un mundo un poco mejor.


Michael RenneR: un estudioso del diseño

C

La moneda, tarjeta de presentación de un país En el año 2005 Michael Renner participó en un concurso creado por el Banco Nacional de Suiza en el que desde hace más de 100 años se diseñan nuevos billetes. Diez diseñadores fueron invitados para crear la moneda que representara mejor al país. Suiza es un país prolífero en áreas como la ciencia y la música, además de ser conocido por su banca. Para Renner, la moneda es la tarjeta de presentación de un país y diseñó unos billetes que presentan a Suiza como un lugar abierto al mundo. Por supuesto, los bocetos fueron para él la parte más importante del proceso y esto está presente en el resultado: son billetes que representan las facetas de Suiza de una forma no tan literal. Renner no fue el ganador, pero de cualquier forma logró representar lo que es para él la relación entre la imagen y la economía, las imágenes y el mercado. Estableciendo así la importancia de las representaciones gráficas en nuestra vida. larevista.mx | 51


TĂ­tulo central


Génesis creativa arquitectura y diseño

Los espacios imaginados

La filosofía popular atribuye al lado izquierdo del cerebro la geometría, el orden, el concierto y al derecho la creatividad, las emociones y la fantasía. Para que la arquitectura y el diseño se den, es necesaria la integración de ambos hemisferios. La creatividad de los diseñadores y arquitectos se da en una frontera que suele rehuir a la mayoría. Este cerebro y el que aparece en la portada señalan las distintas partes que se “iluminan” en este grupo selecto de creadores con orden.

p.p. 54-58

Design Week se ha forjado un nombre en México gracias a una labor cuidadosa que hoy cumple cinco años. Si quiere conocer lo que los ojos entrenados han elegido como lo mejor del diseño, debe darse una vuelta a todo los eventos que DW propone.

p.p. 60-64

Las nuevas generaciones tienen en común algo con sus abuelos: el deseo de tener un Lladró. Gracias a una renovación de imagen, diseño y discurso, la marca española está a la vanguardia de nuevo. Y en México es posible adquirir alguna de sus piezas.

p.p. 66-73

La arquitectura en México goza de gran tradición, pero hay un escaso registro de mujeres destacadas en la materia. Afortunadamente, esto ha cambiado en los últimos años. Aquí, exploramos sus aportaciones, propuestas y visión.

larevista.mx | 53


CENTRALES

pág.

054

Design Week México por: Daniela Cuevas Guerrero fotos: Cortesía de Design Week México

Octubre se ha convertido en el mes de diseño por excelencia con todo tipo de eventos que giran en torno a hacer nuestra vida más sencilla y estética. En éste, su quinto año, Design Week México tiene a Brasil como país invitado.

dE S igN w EEk mé x iC o 2013

16 a 24 de octubre Twitter: @MxDesignWeek designweekmexico.com


C

CENTRALES

Arquitectura, interiorismo y todo lo relacionado con el mundo del diseño se reúnen durante el mes de octubre para ser parte de Design Week México. La iniciativa celebra este año su quinto aniversario y este mes estará lleno de eventos, conferencias, documentales, exhibiciones y recorridos que contribuyen al fortalecimiento cultural de nuestro país. Con nuevas alianzas internacionales, Design Week México es una plataforma que une a arquitectos, diseñadores, estudiantes y amantes del diseño para proyectar e impulsar la creatividad y el desarrollo de la industria en México.

CinCo años Se dice fácil, pero a lo largo de estos años Design Week México ha sido testigo de la evolución del diseño nacional. Éste conserva la calidad y funcionalidad pero se transforma de manera constante. La creatividad del diseño mexicano cada vez crece más, incluso en comparación con el año 2009, cuando nace Design Week México gracias a un grupo de profesionales y, sobre todo, apasionados por el diseño. ¿El único objetivo de la iniciativa? Posicionar a México a escala mundial como un protagonista del diseño, buscando siempre apoyar el diseño genuino. En este quinto año, Design Week celebra a la mujer y hace un reconocimiento a la riqueza de su práctica profesional así como a su impacto y creciente visibilidad en el mundo del diseño. Su búsqueda y contribución han dado paso a nuevas visiones y formas de expresión de gran relevancia.

56 | la revista

Lugares y fechas design House 17-28 octubre Rubén Dario 157, Polanco Estructuras efímeras 4+4 19 octubre Parque Polanco diseño contenido 19 octubre Parque Lincoln gastronomía + diseño 19 y 20 de octubre Calle Virgilio en Polanco Ruta del diseño 22 octubre Diferentes galerías y showrooms


C

CENTRALES

Los eventos Design Week México lleva a cabo distintos eventos como Design House: la decoración de una casa por distintos diseñadores y arquitectos. Este evento se ha convertido en uno de los íconos de DWM. Por otro lado se encuentra la nueva iniciativa Estructuras efímeras 4+4, en la que estudiantes y profesionales buscan un acercamiento entre el espacio, el público y la arquitectura. Otra nueva iniciativa, en el corazón del parque Lincoln, creará un espacio temporal en donde contenedores de carga se convierten en galerías y áreas de exhibición con el fin de acercar a la comunidad con el trabajo de artistas y diseñadores emergentes. La relación entre el diseño y la gastronomía nacional tomará de manera temporal la calle Virgilio, en pleno Polanco, para convertirse en un espacio peatonal con mesas, música y comida. Por último, usted puede ser parte de la Ruta del Diseño. Conozca lo último en colecciones y lanzamientos en una serie de aperturas y cocteles en cada uno de los showrooms participantes de esta inusual ruta.

Design Week MéxiCo y el TaMayo

El Museo Tamayo es parte fundamental de las actividades que se llevan a cabo durante Design Week. A partir del 16 octubre y hasta enero del 2014 habrá dos muestras relacionadas con esta iniciativa. La primera es parte de Pabellón Design Week y presenta el trabajo de Tatiana Bilbao en un ejercicio que combina el arte, el diseño y la arquitectura para crear un espacio temporal en el exterior del Museo Tamayo. La joven arquitecta realizará una composición tridimensional de comunicación espacial y visual que se relacione con su privilegiado entorno: el Bosque de Chapultepec y sus usuarios. La segunda es la muestra escultórica de Julio Le Parc, G.R.A.V. Ésta contiene obra interactiva de Julio Le Parc con interesantes propiedades geométricas que experimentan en relación con el público y el espacio para que el espectador se involucre de manera total con la obra.

MéxiCo, Brasil y el fuTuro

El país invitado para el 2013 es Brasil y junto con el Brazilian Furniture Organization, Design Week México presentará lo mejor del diseño brasileño. A través de la exposición Meet in Brazil y la Ruta del Diseño 2013 podrá conocer el trabajo de la escuela de diseño brasileño, sus exponentes, industria y propuestas. Así, con la participación de un país tan lleno de creatividad como el nuestro, Design Week México celebra cinco años y espera cumplir muchos, muchos más.

58 | la revista

En esta quinta edición, Design Week México celebra a la mujer y hace un reconocimiento a la riqueza de su práctica profesional así como a su impacto y creciente visibilidad en el mundo del diseño.

El trabajo del brasileño Gandia Blasco se presentará como parte de la muestra del país invitado.


Stefano Basile, director de desarrollo internacional de Lladr贸 en el showroom de H茅ctor Esrawe.

6 0 | la revista


CENTRALES

pág.

Una historia En 1953 los hermanos Juan, José y Vicente Lladró decidieron experimentar con porcelana y un horno moruno en su natal Almàssera (Valencia). Cinco años después tuvieron que mudar su taller a la población vecina de Tavernes Blanques debido a la demanda inesperada de sus productos. Fue tal el crecimiento, que en 1962 decidieron crear una Escuela de Formación Profesional y cinco años después se inició la construcción de La Ciudad de la Porcelana: un área de fábricas, oficinas e instalaciones deportivas para los trabajadores. Los años 70 estuvieron marcados por éxito en el mercado norteamericano y se cambió el logotipo. Ya en los 80, los hermanos dieron la entrada de tres de sus hijos al Consejo de Administración y son ellos quienes hoy dirigen la empresa familiar. En 1986 se inaugura el Museo Lladró de Nueva York en un edificio que conserva el encanto urbanístico de los años 20. En 2005 surge el proyecto Re-Cyclos, en el que importantes diseñadores crean nuevos objetos a partir de piezas clásicas de la marca y, un año después, la empresa comienza a colaborar con Jaime Hayon, quien ha ayudado a afianzar Lladró Atelier. Bajo su dirección artística se engloban las colecciones The Parrot Party, Metropolis y The Guest, entre otras. Además, la empresa ha recibido reconocimientos como los Premios Príncipe Felipe a la Internacionalización, a la Competitividad y a la Gestión de Marca Renombrada que el mismo Príncipe de Asturias entregó a los hermanos.

061

Atelier Lladró, invitado de honor de Héctor Esrawe

por: Andrea Villanueva fotos: Ignacio Galar y cortesía de Lladró

Hasta hace no mucho, pensar en Lladró era pensar en figurines clásicos, con formas y motivos más pertinentes para una residencia antigua que para una casa de diseño contemporáneo. Eso ha cambiado radicalmente. Hoy, de la mano de Jaime Hayón –y a pesar de que se siguen fabricando las figuras tradicionales– la casa española ha dado un paso hacia la modernidad con Atelier Lladró. Stefano Basile, director de desarrollo internacional, visitó la Ciudad de México para la presentación en el showroom de Héctor Esrawe y nos platicó todo sobre este gran paso. larevista.mx | 61


C

CENTRALES

The Family Portrait de Jaime Hayon Uno de los temas principales en las piezas tradicionales de Lladró es la familia y Jaime Hayon actualizó la idea con un retrato de una familia completamente contemporánea. Entre otras cosas, la imagen incluye los zapatos que Hayon diseñó para la marca de zapatos Camper, así como la famosa lámpara Josephine que hizo para Metalarte.

Mencionar a la casa española Lladró genera casi siempre una reacción prácticamente instantánea. Ésta puede ser solamente el recuerdo de una figura en casa de los abuelos, pero las imágenes de una campesina o un guerrero chino le han hecho espacio a formas completamente nuevas e innovadoras. Hace algunos años, los jóvenes artesanos —aunque uno pensaría que los escultores y decoradores que trabajan en las figuras son tan legendarios como las piezas, el mayor de ellos no llega aún a los 50 años— comenzaron a crear piezas innovadoras para ellos mismos, experimentando simplemente con su tiempo libre y todos los materiales a su disposición. Tras descubrir esta inquietud y todas las figuras que habían creado, la familia decidió dar un espacio a las nuevas ideas y creó Lladró Atelier. Ahora, Atelier Lladró llega a México como invitado especial en el showroom del diseñador mexicano Héctor Esrawe. Lladró, a través de Stefano Basile, conoció a Héctor en la feria de diseño Habitat Valencia hace tres años. Siendo su ciudad de origen, la casa española organizaba paneles y el diseñador mexicano fue uno de los invitados. Héctor Esrawe abrió las puertas de su impecable espacio en Polanco para presentar en México la línea Lladró Atelier que, dicho sea de paso, no está para 62 | la revista

nada fuera de lugar dentro de la decoración del showroom. ¿Y, entonces, qué es Lladró Atelier? Se trata de un espacio concebido para potenciar la creatividad de los diseñadores internos de la marca así como dar cabida a nuevos proyectos externos todos producidos, por supuesto, en porcelana. Para lograr su cometido, Lladró enlistó al reconocido diseñador español Jaime Hayon (pronúnciese Hayón, con acento), quien a su vez se ha encargado de crear colaboraciones que han resultado en colecciones como The Parrot Party, Metropolis y The Guest, entre otras, de las cuales habrá piezas en el estudio de Esrawe como cuenta Basile.

Líneas ateLier

The Guest, concebido por Jaime Hayon, es un extraño personaje creado inicialmente en blanco y negro como un lienzo para que artistas contemporáneas crearan su propia versión. Hasta hoy, además de la primera versión diseñada por el mismo Hayon, el artista americano Tim Biskup y el estudio japonés Devilrobots

tienen sus dos versiones del “invitado”, cada tamaño con su propio diseño. Por supuesto, las piezas se han convertido en un bestseller, incluso la base en blanco o negro. Otras de las líneas con presencia en el espacio con una selección de piezas de las colecciones The Parrot Party, The Fantasy Collection, Naturofantastic y Metropolis. Naturofantastic es una innovadora opción de jarrones, saleros y demás objetos que se usan, principalmente, en un comedor; es decir l’Art de la Table. Por su parte, The Parrot Party es una colección de objetos funcionales —como espejos y lámparas— de líneas completamente depuradas, pero adornados con pájaros de vistoso plumaje, que van desde loros hasta cacatúas, periquitos y agapornis de colores. Metropolis deja de lado la naturaleza y se inspira en una imaginaria ciudad futurista representada en jarrones, lámparas, espejos y cajas, todos ellos con forma de edificio. Y por último, aunque no menos importante, The Fantasy Collection —diseñada por el mismo Hayon— es una reinterpretación mágica y fantástica de los temas habituales de Lladró, como una escena familiar. Como el propio artista lo describe, “es de una contaminación positiva de mi mundo al de Lladró”. La mancuerna entre Lladró y Jaime Hayon ha creado un universo alternativo para los amantes del diseño contemporáneo. Porque al final, como dice Stefano, una casa no es un hogar sin unas cuantas figuras curiosas qué admirar.


LL adró ateLier, invitado de honor de héctor esrawe

C

Su nuevo hogar en Madison Avenue A finales de 2012 Lladró inauguró una tienda en el corazón de Manhattan con un estilo completamente innovador. El local fue diseñado por Jaime Hayon y tiene un diseño minimalista en colores neutrales para evitar que el fondo compita con las piezas. Definitivamente un paso más de la casa hacia el futuro.

larevista.mx | 63


C

CENTRALES

S ho wR ooM h é C ToR E S RAwE

The Guest The Guest es una de las colecciones favoritas de Lladró Atelier. Cada uno es diseñado por un artista diferente; estas piezas fueron creadas (de arriba a abajo) por Tim Biskup, Jaime Hayon y Devilrobots.

Alejandro Dumas 124, Polanco, México, D.F. T. (55) 5553 9611 Twitter: @hesrawe esrawe.com

Héctor Esrawe es un diseñador en toda la extensión de la palabra y se ha dedicado principalmente al diseño de interiores y mobiliario. Vive y trabaja en la Ciudad de México y espera en los próximos años internacionalizar el nombre de su estudio.

Cocinando con Lladró: tiradito vegetal La casa reclutó a importantes chefs españoles para crear recetas en torno a las piezas Lladró Atelier. María José San Román –de La terraza del Gourmet en Alicante– eligió la colección The Parrot Party. Aquí, una de sus creaciones: tiradito vegetal.

64 | la revista

Ingredientes

Preparación

Montaje

250 g de las siguientes verduras en partes iguales: tomate, pepino, rábano, nabo, brócoli, zanahoria, hongo, calabaza y espárrago verde. 20 g de almendra tierna. 50 g de caviar de esturión. 50 ml de aceite de oliva variedad cornicabra. 200 g de almendra tierna para la leche. 200 ml de agua.

Hacer la leche de almendra en una licuadora, mezclar el caviar con el aceite con cuidado de no romper las huevas y cortar en mandolina o fiambrera todas las verduras a 3 mm.

Pintar la base del plato con la leche de almendras, colocar encima las verduras repitiendo secuencias de manera que haya de todas en cualquier bocado. Por último, dejar caer con cuidado el caviar y el aceite.

Nota: servir las verduras frescas y el caviar a temperatura ambiente.


CENTRALES

pág.

074

Crate & Barrel: la narrativa del diseño por: Inés Marrón fotos: Cortesía de Crate & Barrel

La emblemática tienda Crate & Barrel llega a México. Su nueva presidenta, Marta Calle, aporta una visión lúdica e imaginativa a las colecciones que ofrece este almacén de diseño.

La inspiración llegó en el lugar menos romántico de todos: el fregadero. Mientras lavaba los platos, Gordon Segal, uno de los fundadores de Crate & Barrel, encontró el futuro.

“Tiene que haber otras parejas como nosotros”, le dijo a su esposa, Carole, “con buen gusto y nada de dinero. ¿Por qué no abrimos una tienda?” La pareja volvía apenas de su viaje de luna de miel al Caribe, a las Islas Vírgenes, para ser más precisos. En ese lugar, según contó Gordon más tarde, encontraron tiendas con diseños escandinavos muy atractivos, pero con precios accesibles. Ahí compraron esos platos inspiradores. Esto sucedía en Estados Unidos, en 1961, en Chicago. La pareja compuesta por Gordon y Carole Segal comenzó entonces un trayecto hacia el buen gusto accesible. Se habían casado apenas y sabían, por experiencia propia, que poner una mesa de regalos en las tiendas locales (en su caso, Marshall Field’s, la añeja tienda departamental de Chicago) implicaba aceptar que no recibirían prácticamente nada de lo que realmente les gustaba o que pondrían en aprietos a


Crate & BarreL : L a narrativa deL diSeño

sus amigos, jóvenes como ellos, que estaban haciéndose camino por la vida. Los platos escandinavos eran la solución. Carole le siguió la corriente a su marido y entraron en comunicación con importadores de Chicago y algunos vendedores que iban por el mundo cargando una maleta con muestras. “Había tomado clases de contabilidad y finanzas, pero siempre había trabajado en el restaurante de mi papá. Carole disfrutaba mucho recibiendo gente y tenía un gran sentido del diseño. Así que pensé que necesitábamos 20 mil dólares para poder arrancar. De nuestros ahorros y de los regalos de boda teníamos ya los primeros 10 mil. Así que fui por todos lados tratando de convencer gente con la idea de que, por 10 mil dólares, podían tener la mitad de esta gran idea”, explicó Gordon en 2012. Finalmente, con 7 mil dólares prestados por sus padres, abrieron su primera tienda en diciembre de 1962. Era un año tumultuoso: el conflicto entre Estados Unidos y Cuba fue in crescendo a partir del embargo que el presidente Kennedy impuso a Fidel Castro, en febrero. El conflicto de Bahía de Cochinos sucedió justo entonces y el mundo parecía estar en una crisis sin solución. A pesar de eso —o tal vez con el conflicto como aliento— la vida cultural era efervescente. En Inglaterra, los Beatles sacaban su primer sencillo, mientras que se comenzaba en

C

El nombre de la tienda surgió de los cajones de pino de Suecia y barriles de Francia en los que llegaban los objetos que venderían: “barriles y cajones”, o invertido, Crate & Barrel. Francia la construcción del Concorde y se realizaba la primera transmisión televisada trasatlántica. El mundo estaba por cambiar, así que la propuesta de los jóvenes Segal tenía pertinencia. Su tienda estaba ubicada en un lugar viejo del centro de Chicago y los recién casados no tenían dinero para arreglar el espacio. Así que decidieron cubrir las paredes con madera y poner clavos en ellas —ahí colgarían los objetos en venta. Les llegaron cajones de pino desde Suecia con los artículos que ofertarían. Y de Francia, barriles con más objetos. La tienda no tenía nombre, pero el acomodo que logró Carole era muy llamativo y entraron personas casi de inmediato. Una de ellas sugirió que le pusieran “barriles y cajones” pero Carole prefirió invertir los nombres: así surgió Crate & Barrel.

La pareja hacía viajes a los lugares en los que podía obtener productos artesanales de muy buena calidad que pudieran vender a precio razonable una vez de vuelta en Estados Unidos. Como tenían una sola tienda y debían viajar, contrataron a una vendedora para que atendiera el local. Cuando salían a uno de sus viajes de selección de productos, la vendedora decía: “Los niños no están”, porque eran más jóvenes que ella —y que casi toda la clientela que los frecuentaba. Crate & Barrel fue en ascenso de una forma casi astronómica; para 1998 era tan grande y tan buen negocio, que la alemana Otto Group compró casi todas sus acciones, aunque los Segal siguieron teniendo bajo su tutela algo así como la dirección artística de la tienda.

larevista.mx | 75


C

CENTRALES

Tiendas en México Próximamente abrirán en Antara y en otros lugares del país. Por lo pronto, puede satisfacer sus deseos de buen diseño en: Paseo Interlomas Vialidad de la Barranca 9, Estado de México T. (55) 5291 2921/ 5291 3335 Arcos Bosques Paseo de Tamarindos 90, Bosques de las Lomas, México, D.F. T. (55) 9135 0378 / 9135 0379 crateandbarrel.com.mx @CrateBarrelMX FB: Crate and Barrel México

76 | la revista


Crate & BarreL : L a narrativa deL diSeño

C

Los invitados de Marta otra iniciativa de Marta Calle ha sido asociar a la marca con diseñadores reconocidos, invitándolos a crear objetos en exclusiva para Crate & Barrel. Una de las invitadas más sonadas fue la diseñadora italiana Paola navone, una de las primeras personas en convertirse en un ícono del diseño (una especie de “rock star” del diseño) en los años 80, cuando se presentó en la Feria del Mueble de Milán. Para Crate & Barrel, navone ha diseñado platos, lámparas, una banca y hasta cubiertos, usando una amplia gama de materiales y texturas.

Con el nombramiento de Marta Calle como Presidenta de la marca, Crate & Barrel ha regresado a sus orígenes, a algo más natural y sencillo. Simplemente buen diseño. La narrativa como visión

Marta Calle es la nueva Presidenta de Crate & Barrel internacional y la entrevistamos recientemente. Su nombramiento en 2012 ha sido recibido con entusiasmo en muy distintos grupos. Con ella al frente, la marca ha regresado a sus orígenes, a algo más natural y sencillo: buen diseño a precios espectaculares. Calle, colombiana, nació en una familia interesada por el diseño. (Marta, quien ha viajado por todo el mundo y suele codearse con CEOs de varias empresas, describe a su madre como “la mujer más elegante que conozco”). Ese interés fue fundamental para ella y le ayudó a descubrir su pasión por el diseño desde muy joven. Cuando entró a Crate & Barrel tomó como punto de partida las palabras que eran fundamentales para Gordon y Carole (precisamente la sencillez, una forma más pura de diseño y materiales cálidos) para hacer un filtro. Ella y sus compradores pasaron por ese tamiz todas las

compras que harían, a fin de recuperar el aliento de los primeros años. Pero Marta no sólo ha hecho eso para Crate & Barrel, sino algo mucho más notable: ha creado la idea de una narrativa para trabajar sobre lo que cada una de las tiendas vende. Calle imagina un escenario específico y piensa en todo lo que debería estar incluido ahí. “En mi cabeza yo tengo una cabaña hermosa —que algún día compraré— y la arreglo. Veo Remodelista o Pinterest y me digo a mí misma: ‘Esto quedaría genial en mi cabaña en el bosque’. Estoy construyéndola en mi cabeza…” Así es como piensa las compras de la marca. Hay “escenas” en su imaginación: una comida familiar, una cena con los amigos, una celebración íntima, un fin de semana dedicado al descanso, una casa en la playa. ¿Cómo hacer de todo eso algo chic, bien diseñado, cuidado y elegante? A ello se enfocan Marta y su equipo. “Todo lo que ves aquí”, dice Calle señalando es-

tantes, muebles y los artículos que la rodean en una de sus tiendas, “parece elegido por un solo par de ojos, aunque no sea así”. Son distintas miradas que confluyen en una misma idea. Esto no quiere decir que los objetos que pueden adquirirse sean monótonos; más bien, es un gusto ecléctico con una misma intención porque, parafraseando a Calle, uno quiere tener en su casa cosas que indiquen que uno ha viajado, ha conocido lugares y ha tenido la oportunidad de adquirir todas esas cosas. En 2012 Crate & Barrel cumplió 50 años de existir. Los Segal no están más a cargo de la operación (Gordon renunció a su cargo como CEO en 2008), pero siguen emocionándose cuando ven que alguien cruza el aeropuerto con una bolsa de la marca que crearon. “Ha sido un viaje divertido”, dijo Gordon de sus años frente a una marca que revolucionó la decoración de interiores.

larevista.mx | 77


F

FINALES

el Reloj por: Lucía Mesa fotos: Cortesía de Omega

pág. 078 Un reloj para ayudar a los mares y una diseñadora de joyas sin igual acompañan a las alfombras más fashion del mundo.

OMEGA

Seamaster Planet Ocean 600M Good Planet y su cruzada por el medio ambiente OMEGA presenta el Seamaster Planet Ocean 600M Good Planet, un reloj novedoso pero ligado profundamente a los orígenes de la marca. Conozca el único reloj que ayuda a los océanos con su venta.

78 | la revista


omega y los mares

F

La casa relojera OMEGA

tiene un fuerte vínculo con los mares y todo lo relacionado con ellos. Esto se ve hoy representado en su más novedoso reloj, el Seamaster Planet Ocean 600M Good Planet. Este nuevo reloj de pulsera rinde un homenaje a la reconocida organización ambientalista Good Planet Foundation y al trabajo que ésta realiza a favor del medio ambiente y, sobre todo, de los ecosistemas submarinos. OMEGA desarrolló su primer reloj de submarinismo verdadero en 1932 y desde entonces su relación con el mar solamente ha ido en crecimiento. Este nuevo reloj no podía ser la excepción, y al estar inspirado en la Good Planet Foundation —la cual recibe un porcentaje de las ganancias— los colores del océano están presentes en cada una de las piezas. El Seamaster Planet Ocean 600M Good Planet luce tan bien como el bien que le hace a los ecosistemas marinos, ya que su diseño está inspirado en los colores del océano. Este guardatiempo se ofrece con brazalete en acero noble o con una pulsera estilo deportivo en caucho azul. Y al igual que todos los OMEGA Seamaster Planet Ocean, fue diseñado teniendo en cuenta que sus fanáticos aman la aventura extrema, por lo tanto es hermético hasta 60 bar (600m/2000 pies). El reloj se presenta con una esfera lacada en azul con índices aplicados. Las agujas de las horas y el segundero son pulidas, facetadas y rodiadas, así como la aguja GMT de aluminio están revestidas con Super-LumiNova, que emite una luz azul claro. Además, el revestimiento de Super-LumiNova de la aguja de los minutos rodiada emite una luz verde.

larevista.mx | 79


F

FINALES

OMEGA y Yann Arthus-Bertrand producirán una película sobre los océanos de la Tierra OMEGA ha encargado al activista del medio ambiente, fotógrafo y realizador cinematográfico Yann Arthus-Bertrand producir y dirigir una película sobre los océanos terrestres. Su película Home fue el primer largometraje realizado sólo con tomas aéreas, totalmente filmado desde helicópteros, en vuelo sobre más de 50 países. Se centra en el efecto que 200 mil años de presencia humana en la Tierra ha producido en 4 mil

8 0 | la revista

millones de años de evolución natural. El director la ha planteado como una llamada urgente a la acción. Stephen Urquhart, presidente de OMEGA, habla del cineasta: “Nadie podría realizarla mejor. Yann Arthus-Bertrand es a la vez un ecologista y el máximo especialista del mundo en fotografía aérea; una combinación única de cualidades que le permitió comunicar cinema-

tográficamente la majestad y la belleza de los océanos”. Arthus-Bertrand comentó acerca de su colaboración con la compañía: “OMEGA y yo trabajamos juntos, para crear una película que refleje de modo significativo la belleza de los océanos y nos recuerde a todos que tenemos que proteger esas asombrosas fuentes de vida”. La película está disponible desde principios de este año.


omega y los mares

F

OMEGA y GoodPlanet anuncian la colaboración Planet Ocean OMEGA y GoodPlanet son los encargados de una iniciativa que intentará aumentar la conciencia en cuanto a la necesidad de proteger los océanos, al mostrar su belleza y explicar los retos a que la humanidad y las aguas oceánicas han de enfrentarse juntas. El proyecto busca colaborar en la producción de libros y materiales centrados no sólo en el majestuoso esplendor de los océanos sino, además, en educar a la gente sobre lo que hay que hacer para preservarlos.

La Good Planet Foundation, incita a llevar un estilo de vida respetuoso con el medio ambiente

OMEGA y yO trAbAjArEMOS juntOS PArA crEAr unA PELícuLA quE rEfLEjE LA bELLEzA dE LOS OcéAnOS y nOS rEcuErdE A tOdOS quE tEnEMOS quE PrOtEGEr ESAS ASOMbrOSAS fuEntES dE vIdA. –Yann Arthus-Bertrand

La ventana de la fecha está situada a las tres. El cristal de zafiro, convexo, resistente a las ralladuras y con tratamiento antirreflejante en ambas caras, protege la esfera, por debajo y sobre la superficie del agua. El reloj es ideal para viajeros frecuentes, ya que la escala GMT naranja brillante sobre el bisel y la aguja GMT central permiten visualizar la hora en dos husos horarios. La escala de 24 horas, lacada en naranja, destaca sobre el bisel bidireccional pulido azul, es el complemento perfecto para la válvula de escape de helio situada a las 10 en la caja de acero cepillado y pulido de 43.5 mm. El fondo lleva grabada la inscripción “Good Planet Foundation” y está dotado de un cristal de zafiro resistente a las ralladuras que permite apreciar la revolucionaria tecnología OMEGA.

InnOvAcIón y cOnSErvAcIón fuSIOnAdOS

El exclusivo calibre OMEGA 8605 Co-Axial, un movimiento automático con rueda de escape Co-Axial en tres niveles y espiral de silicio Si14, late sin parar en el interior del Seamaster Planet Ocean 600M Good Planet. Este extraordinario reloj ofrece un enorme grado de confiabilidad y estabilidad de cronometraje, además de que es entregado en un exclusivo

estuche de auténtica madera de bambú. Un verdadero tributo a la fructífera asociación entre OMEGA y la Good Planet Foundation y a los logros de la organización en la conservación del medio ambiente.

OMEGA y LA GOOd PLAnEt fOundAtIOn: PrESErvAr dE LA MAnO LOS OcéAnOS

La Good Planet Foundation, fundada en 2005, incita a los habitantes de la Tierra a llevar un estilo de vida respetuoso con el medio ambiente. Además, plantea soluciones optimistas pero también realistas para el desarrollo sostenible. La asociación entre OMEGA y Good Planet nació en 2011; su objetivo común es desarrollar la conciencia sobre la majestuosidad y la belleza de los océanos, los peligros que enfrentan y la importancia de preservar y apreciar esos recursos naturales. OMEGA dedica una parte de las ventas del Seamaster Planet Ocean 600M Good Planet al patrocinio de un proyecto para preservar los manglares y algas marinas en el Sudeste de Asia y educar a la población local sobre la conservación de estos importantes recursos naturales, esenciales para el equilibrio del ecosistema. ¿Qué mejor que un reloj estético y funcional que además ayuda a conservar nuestro planeta?

larevista.mx | 81


F

FINALES

la Joya

por: Hermés Galvão fotos: Almir Pastore con retratos de Benjamín Alcántara traducción: Fátima Raateb

Daniela Norinder Joyas con espíritu latino

Daniela Norinder diseña joyas que más que ornamentos deberían ser considerados sueños. Se trata de piezas de cientos de colores, inspiradas en Brasil, en el arte, en el cine. Y sí, resultan tan únicas como la misma creadora. Aquí le presentamos un adelanto de Daniela Norinder. Jewels, libro de A Editores que se publica este mes. Daniela Norinder irradia un brillo que ofusca los ojos y, al mismo tiempo, atrae de inmediato. La primera vez que la vi, no sé si fueron las esmeraldas de sus aretes (enormes, magníficas, verdes como el mar de Tulum) o los recuerdos de viajes y espejismos que contaba en la mesa lo que más me llamó la atención de ella, con un estilo único y, claro, la novedad hipnótica que exhibía discretamente en la fiesta. Eran joyas muy diferentes a las que lucían las otras invitadas, y yo todavía no sabía por qué, pero algo me decía que no se trataba apenas de un conjunto de piedras preciosas presas en metal, lapidadas, raras, caras. Fue en la primavera de 2009 y acababa de regresar de México, donde vivió diez años y al que convirtió en su país de adoración. De regreso a Brasil, lo único que quería era redescubrir su tierra natal —y todo lo que quería Sao Paulo, a partir de entonces, fue descubrirla. No fue de la noche a la mañana, ni por el entusiasmo del momento o por ser el hit de la temporada, que su nombre se difundió y que sus creaciones pasaron a alegrar los salones de la ciudad. No tardó, digamos que fue el momento propicio para mostrar, sin pretensión al-

guna, su preciosa revelación. Ahora veo sus exuberantes rubíes en las alfombras rojas y las turmalinas paraíba que buscan como si fueran secreto de estado (y que sólo ella tiene en cantidad e intensidad), poblando los sueños de las mujeres. Y me doy cuenta que su historia, de vida y obra, por más mundana e internacional que sea, tiene sangre latina en las venas: es un Brasil puro y profundo, colorido de piedras y con formas variadas. Existe una generosidad en el talento intuitivo de Daniela que me hace ver un país más reluciente; un gigante generoso por la propia naturaleza que creó aquí dentro artistas con la mirada hacia todos los lados, inclusive hacia afuera. Pues tenemos y queremos demostrar que somos más y no apenas uno más; y viene de la joyería de Daniela —y de toda la generación que la acompaña— uno de nuestros mayores diferenciales que ahora, más que nunca, el mundo aprendió a valorar y a adorar: también hacemos música con las piedras preciosas que brotan de nuestra tierra como en casi ningún otro lugar. Y Daniela compone, mezcla y elabora la materia bruta, o lo que viene de la raíz. Con ella todo se transforma, se lapida.

Nunca se dilapida; es poesía concreta con todos los quilates. La joyera que supo mezclar el pasado con el presente se convirtió en algo precioso, referencias de antaño y design de hoy; todo lo que sale de sus manos es moderno pero tiene un aire de joya de familia, herencia de la abuela y recuerdos de viajes lejanos, culturas exuberantes y realidades distantes. Tiene un toque de la Rusia zarina de los huevos de Fabergé, un baño de oro del Londres de la realeza y una bohemia burguesa de París; mezcla de Belle Époque, art déco, modernismo y avant-garde. Está en su adn, en la memoria. De ahí, Daniela se convirtió en uno de los grandes exponentes de la nueva generación de diseñadores que sorprenden por presentar colecciones audaces, que salen de lo ordinario, perfectas para mujeres decididas y que no tienen miedo de eliminar a sus rivales. Su producción se alínea con los ideales de los que circulan por el planeta buscando novedades. Daniela también busca inspiración en las artes, en lo pictórico y en lo abstracto; en las exposiciones e instalaciones, en la mutación constante de lo cotidiano, en lo efímero del presente


Daniel a norinDer: joyas con espíritu l atino

F

y en lo eterno del pasado, hoy resguardado en los museos de Nueva York a Shanghái, Mumbai y así sucesivamente. También veo el futuro delineado en su obra, que flirtea con la vibración de las galerías de Berlín y Estambul, con los artistas contemporáneos quienes, como ella, empiezan ahora a hacer historia para ser recordados para siempre. Hay un diálogo constante, y a veces inconsciente, con el trabajo de artistas contemporáneos como Anselm Reyle y Beatriz Milhazes, Tracey Emin y Francesco Vizzoli. Es neo pop con barroco, un juego de geometrías y movimientos inusitados que proponen formas imprevisibles, diseños sorprendentes y, al mismo tiempo dotados de una simplicidad única. Se nota más cuando se examina profundamente los prototipos de Daniela; pasa por el cubismo de Picasso y también por su periodo azul; por los jardines impresionistas de Monet y las luces impresionantes de Renoir. Y se inspira también en el film noir, en sueños con Lauren Bacall y Veronica Lake, y en “respiraciones” de tinta caliente. De cerca, mezcla siluetas de Frida Kahlo y Di Cavalcanti, Barragán y Niemeyer… ¡Es Bossa Nova con pimienta, red carpet con green chilli! “No pienso en colecciones: son el resultado de un proceso que no tiene fórmula”, explica. “Creo todos los días, incluso cuando estoy triste. Las cosas nacen después de una exposición que vi, de una situación del día a día, de una película; en fin, de algo que me conmueve. ¡Lo importante es siempre estar conectada!”. Siento que sus ideas y proyectos mezclan ocio, trabajo y placer con una alquimia fina. Tal vez sea el secreto del éxito, o por lo menos la respuesta para entender cómo y por qué Daniela vive en un proceso constante de creación y pensamiento, cuestionamiento. Causan conmoción sus anillos, aretes y pulseras con piedras raras, de lapidaciones sorprendentes, trabajadas minuciosamente en forma exclusiva. El proceso es artesanal, pues las piedras, aún en su estado bruto, son su mayor fuente de inspiración. La creación empieza con ellas. Las examina con una mirada precisa, busca la faceta que más la atrae y después proyecta la estructura. El resultado son deseos de consumo inmediato, diferenciados por la belleza de los tonos,

larevista.mx | 83


F

FINALES

Las joyas tienen una esencia realmente brasileña que muestra los orígenes de Daniela.

la proporción armoniosa y por el diseño vanguardista. Inspirada por las formas de la naturaleza, la diseñadora entiende la joya como un testimonio social de su época y elabora cada pieza como si fuese la única, desde la posición del metal y de las piedras, al tipo de engaste y la calidad de las gemas. “No me dan miedo los colores, las texturas o los materiales; todo es válido en la creación”, cuenta Daniela. “Y el contacto diario con los proveedores de piedras, en mi taller, con mis orfebres y visitando las ferias de joyería en Brasil y en el extranjero, al igual que participando en cursos de actualización en gemología y diseño, con temas sobre nuevos descubrimientos y nuevos procesos de confección, son parte de un proceso de evolución que nunca puede detenerse”. La pasión de la artista por la joyería viene de su infancia, cuando quedó deslumbrada por el brillo y por las formas de las piedras. Estudió y aprendió con los grandes maestros el arte de la orfebrería y lapidación. “Uno adquiere los conocimientos, la práctica y la experiencia, pero la creatividad, uno nace con ella”. Sus piezas son puro reflejo de su personalidad: sencillas, contemporáneas y llenas de actitud. Existe una audacia en atreverse a y en saber mezclar diferentes precio-

84 | la revista

sidades, ya sea en las colecciones pret-à-porter o de alta joyería. En cada una de ellas, es transparente el extremo cuidado en todos los detalles y el alto grado de exigencia en términos de calidad. “Mis joyas tienen una historia y cada una de ellas es diseñada de forma individual. Las piedras que selecciono están llenas de personalidad y magnetismo que enganchan la mirada. Como las piedras no siempre presentan la misma forma, al crear una joya, difícilmente habrá otra igual. Y ahí reside su belleza, en su singularidad”, comenta. “Al transportar mi esencia al objeto, transformo mis joyas en pequeñas y delicadas obras de arte”. De hecho, sus piezas sorprenden por su osadía, obteniendo el estatus de obra de arte. “Todas las piezas deben ser atemporales y capaces de captar y reflejar la personalidad de quien las vaya a usar”, dice. Sus epifanías también surgen de las expediciones que ha hecho por todo el mundo, de los buceos en Rio de Janeiro, de los safaris y desiertos africanos y de las culturas milenarias del Lejano Oriente. Juega con texturas de flora y fauna, ojos de tigre y raíces de la sabana; agua y tierra; Amazonia y Sahara, todo al mismo tiempo. Tiene el azul Majorelle y el pigmento exacto de las Dunas

de Merzouga, del sol de la Toscana y del profundo azul marino del mar Egeo. De la India vienen sus pigmentos y los elementos que aportan un aura transcendental a sus creaciones, todas divinas. Su Shangri-La envuelve yapa malas y otros talismanes boho que son colocados sobre la mesa —y los ojos verdes jade de Daniela brillan cuando hablan de sus creaciones: ¡es Jaipur con Brick Lane! Collares y aretes, anillos y pulseras de oro resplandeciente y piedras encantadoras, la esmeralda omnipresente —su pasión incondicional— dan forma a todo lo que ella vio y lo que le gustó en la vida, desde las últimas andanzas hasta los primeros recuerdos. “Lo que hago tiene un toque de rock y de espíritu bohemio”, afirma. Con personalidad y estilo propio, la diseñadora conquistó a clientas que buscan, al igual que ella, ideas que escapen de lo obvio y que se alejen de lo aburrido. Adora trabajar con varios tipos de piedra, especialmente las piedras brasileñas por su color intenso, que en sus manos se transforman en novedades impactantes. “Es la energía que tienen, con sus diferentes lapidaciones, que guía todo lo que hago”, explica. “Me gusta combinar la alta joyería con la posibilidad de conectar a mis clientas con


Daniel a norinDer: joyas con espĂ­ritu l atino

F

larevista.mx | 85


F

FINALES

Inspiración Daniela toma casi cualquier cosa como fuente de inspiración, pero hay algunos aspectos de la vida que ocupan un lugar importante en su lista. Todo lo relacionado con el cabaret, el film noir y hasta el drama de Fritz Lang, pueden ser encontrados entre sus piezas. De este mismo género cinematográfico surgen mujeres como Lauren Bacall o Jane Birkin, algunas de las mujeres que mayor influencia han tenido sobre la diseñadora. Las estructuras de Oscar Niemeyer en Brasilia son otras de las enormes influencias en el trabajo de Daniela. La geometría de los edificios creados por Niemeyer para esta ciudad que no existió sino hasta la segunda mitad del siglo XX está presente en las piezas. Como la incansable viajera que es, Daniela toma, por ejemplo, el art déco del edificio Chrysler de Nueva York, pero sin dejar nunca de lado su sabor latino y sus orígenes. Algunas piezas surgen de aquellas joyas antiguas con las que recuerda a su abuela, pero mucho más grandes, brillantes y atrevidas. Así, Daniela Norinder usa toda la inspiración que la rodea para dar a las mujeres el toque que necesitan para realzar su belleza.

8 6 | la revista


Daniel a norinDer: joyas con espíritu l atino

la naturaleza, pues creo que cada joya puede tener el poder de traer beneficios físicos, emocionales y mentales”. Para ello, cuenta con una poderosa colección de diamantes, aguamarinas, berilos, morganitas, zafiros de todos los colores, rubíes, turmalinas y tantas otras, para crear joyas sofisticadas con líneas clásicas, pero que se distinguen por la osadía de movimientos, formas y mix armonioso de gemas de muchos colores y metales. Teoría combinada con práctica, lanzó colecciones que equilibran lo emocional y lo comercial, piezas atrevidas, pero que no pierden la esencia tradicional. En sus manos, nada pasa desapercibido y todo cuidado es poco cuando se trata de aprovechar al máximo el brillo de cada gema. Daniela descubrió la joyería cuando todavía era una niña, a los nueve años, al mirar con admiración a su abuela materna, su mayor referencia de la verdadera adoración al mundo de los quilates. De los recuerdos de infancia nació su primera pieza, un corazón de esmeraldas que hoy ayuda a contar su historia en el ofi-

cio. Sus colecciones palpitan de energía y referencias que van desde los momentos idílicos del film noir, pasando por tendencias de la temporada e incursiones a las creaciones más comerciales que ni por eso pierden su carácter original. Sus joyas nacen de una unión de experiencias personales, fascinación por los materiales, perfeccionismo innato, lo mejor del espíritu brasileño y un altísimo nivel de orfebrería, con complejidad técnica y simplicidad de formas que sorprenden y apasionan. Adaptó el savoir-faire aprendido en el Viejo Mundo a la realidad latinoamericana, menos clásica y mucho más relajada. Jugó con colores y formas, exploró el movimiento de las flores y plantas tropicales y mostró en las ferias internacionales que, yes, tenemos ideas. Verdaderos objetos de contemplación, reliquias eternas. La preciosidad de Daniela está en su capacidad de hacer concretas las abstracciones que pueblan su imaginario, sensaciones y deseos reflejados en piezas de un rompecabezas que, una vez reunidas, traducen su

F

espíritu inquieto y curioso. De las experiencias de vida nacen las creaciones que ayudan a contar la historia de una joyera en busca de experimentaciones y de nuevos significados para su trabajo. En sus manos, las reliquias llegan a dimensiones sorprendentes y sensibles, se convierten en obras de un arte que trasciende el espíritu comercial. Su don es hacer de la joya un bien, que protege y refleja el brillo personal de quien la usa. Desde la energía de quien la crea, a una sinergia con quien la compra, éste es el gran intercambio, éste es el gran estímulo. Más que colecciones, nos presenta historias contadas en capítulos por una mente brillante, de fuerte personalidad y extremadamente romántica. De principio a fin, piedras raras y maravillas engarzadas; la libertad y la tradición van de la mano en un equilibrio vibrante en invenciones que viajan por el inconsciente y se convierten en un sueño posible, ideales para quien coquetea con lo lúdico, perfectas para quien ve el mundo por el ojo mágico.

larevista.mx | 87


F

FINALES

el Objeto

por: Andrea Villanueva fotos: Cortesía de The Rug Company

The Rug Company y el arte de hacer alfombras

A 10 mil metros de altura, en lo más alto de los Himalaya, comienza el camino de cada una de las alfombras de The Rug Company. Conozca la historia de la compañía y el largo camino que hay entre la lana y una alfombra terminada.

88 | la revista


THe Rug CompAny y el ARTe de HACeR AlfombRAs

F

Las alfombras son

uno de esos productos de casa que no gozan de una gran popularidad, recuerdan a casas antiguas y sin personalidad. Por esta razón, Christopher Sharp y su esposa Suzanne decidieron fundar en Londres en 1997 su compañía, The Rug Company, con el objetivo de fusionar el ancestral oficio artesanal de tejer tapetes con diseño contemporáneo. En ese entonces, la industria de las alfombras estaba en una especie de espiral descendente, reproduciendo diseños de los siglos xviii y xix —considerados la época de gloria de los tapetes— y sin ofrecer nada a las siguientes generaciones. Su rápido éxito en Londres llevó a trc a abrir su primera sala de exhibición internacional en Soho, Nueva York, en el 2002, seguida por otras en México (2007), Miami (2008) y Chicago (2010). Hoy, The Rug Company ha consolidado su reputación como el líder de tapetes contemporáneos hechos a mano y cuenta con 19 salas de exhibición entre las que se encuentran Londres, Madrid, Bruselas, Copenhague, Moscú, Nueva York, Hong Kong, Los Ángeles, Beirut, Miami y, por supuesto, la Ciudad de México.

EL artE dE hacEr aLfombras

Los tapetes de The Rug Company son creados artesanalmente como una obra de arte. Cada uno es hecho por completo a mano y requiere de cuatro a seis meses de elaboración y el trabajo de alrededor de 20 personas. El proceso sigue técnicas ancestrales y se realiza con las más lujosas materias primas: lana tibetana, mohair, cashmere e hilos de seda naturales. Pero todo comienza en la meseta tibetana donde, gracias a las condiciones climáticas extremas, los borregos de la región tienen una lana que crece de forma lenta y de gran grosor para que no sientan el intenso frío. Gracias a eso, la lana de los borregos tibetanos suele ser más larga, elástica, fuerte y brillante que la de otros borregos. Pero eso es sólo el principio, tras trasquilar a los borregos en los meses de verano, su lana viaja hacia Nepal, donde se somete a una variedad de tratamientos tradicionales para convertirla en hilos que retienen las fortalezas de la lana original. Además, al ser rica en lanolina —una cera natural que protege al animal de los elementos— la lana es más durable y resistente al agua. Un trabajo industrial eliminaría la lanolina, por lo tanto el trabajo debe ser manual y en este proceso los ásperos y enmarañados mechones de lana son cardados hasta que se vuelven sedosos y pueden hilarse en largas hebras. Posteriormente, estas hebras se sumergen en hirvientes tinajas de color y se forman las madejas. Las alfombras The Rug Company son tan especiales porque el cardado se lleva a cabo de forma manual. Esta es la única forma de garantizar que las fibras de la lana permanezcan fuertes, largas e intactas.

La lana de los borregos tibetanos es más larga, elástica, fuerte y brillante que la de otros borregos

cristophEr y suzannE sharp han viajado por distintas partEs dEL mundo comprando aLfombras y tapEtEs. tiEnEn una coLEcción quE Está En constantE EvoLución, rEaLmEntE Es una coLEcción dE coLEccionEs.

larevista.mx | 89


F

FINALES

Producción ética Para The Rug Company es esencial que sus tapetes sean elaborados de forma ética y ambientalmente responsable. La compañía es el principal patrocinador de la organización internacional sin fines de lucro Goodweave. Ésta trabaja para erradicar el trabajo infantil en la industria de los tapetes, y para ofrecer oportunidades de educación a los niños del sureste de Asia. Para obtener la certificación de Goodweave es necesario: • Demostrar que los tapetes son elaborados sin trabajo infantil. • Aceptar inspecciones sin previo aviso. • Pagar salarios justos a los trabajadores. Por lo tanto, la etiqueta de Goodweave que acompaña a todos nuestros tapetes garantiza que no han participado niños en la elaboración. Además, un porcentaje de las ganancias de cada uno se destina al apoyo de escuelas en India, Pakistán y Nepal.

90 | la revista


THe Rug CompAny y el ARTe de HACeR AlfombRAs

F

Las diferentes líneas • Colección Contemporánea Diseñada en casa por la directora creativa, Suzanne Sharp, y su experto equipo de diseñadores crean una selección de clásicos modernos. • Colección de Diseñadores Inició en el año 2000 con la colaboración de 10 diseñadores de interiores líderes en Gran Bretaña, como Nina Campbell y Nicky Haslam. Ha ido creciendo hasta incluir alrededor de 40 de los más respetados diseñadores internacionales de moda, textiles, arquitectura, interiores y de producto. • Clásicos Tejidos Esta colección está conformada por diseños tradicionales y piezas vintage. • Colección Boutique The Rug Company decidió expandirse más allá del rug de su nombre y lanzó en 2009, una exquisita colección de cojines y cuadros, también hechos a mano como los tapetes. Los tintes de anilina para asegurar la consistencia del color y evitar que se destiñan con el paso del tiempo. El tratamiento manual es, inevitablemente, más tardado, laborioso y caro, pero los beneficios para la lana y las alfombras que se crean a partir de ella son mayores: además de producir tapetes de la mejor calidad posible, se apoya a artesanos locales en Nepal.

disEño contEmporánEo

Pero en el mundo del diseño de interiores actual, la calidad y un proceso artesanal no son suficientes. The Rug Company ofrece

un servicio de diseño personalizado además de su enorme catálogo. Uno puede crear una alfombra única a partir de cualquier idea, hay muchas combinaciones de colores para los patrones ya existentes, pero también se puede crear una opción completamente nueva: una foto, una combinación de colores, una obra de arte o hasta una imagen que usted soñó, cualquiera que sea el punto de partida, puede ser creado un tapete. Pero si a usted lo que le gusta son los productos de diseñador, éste es el lugar ideal. Con diseños de las casas de moda más importantes —piense en los grandes como

Alexander McQueen, Paul Smith, Vivienne Westwood, Diane von Fusternberg y Marni, entre otros— hay algo para todos. Así, ya sea que escoja una alfombra tradicional, una de las más sencillas o una basada en el sueño más psicodélico, The Rug Company puede crear un producto de la más alta calidad que seguirá —incluso en 100 años— lleno de colores brillantes y con un diseño vigente. Para la compañía, cada uno de sus tapetes cuenta una historia, ¿cuál será la suya?

larevista.mx | 91


F

FINALES

el Coleccionista por Rodrigo Rivero Lake

Del objeto a la anécdota

Un o bjet o, d e c ualquier lug ar y tie mp o, pued e llevarn o s a d e s c ubri r h i st o ria s que jam á s im a ginamo s. N ue str o C o le c cio ni sta n o s c uen ta s o bre un o d e e st o s ep i s o d io s.

n este curioso trabajo de anticuario uno es llevado por constantes hallazgos y sorpresas que hacen descubrir y conocer tanto objetos que abren un panorama maravilloso del paso del hombre a través del tiempo, como conocer y descubrir a grandes personajes: importantes pensadores o gente que en cierta forma creó y trascendió por algo importante que la hizo sui generis en su momento y que, por ello, tuvieron, crearon o coleccionaron objetos curiosos. Algunos de ellos afortunadamente aún se conservan y gracias a esta profesión, nos es posible verlos. Así, gracias a un queridísimo amigo, tuve la oportunidad de visitar una casa que se encuentra en pleno centro de la Ciudad de México, que tenía cerca de 100 años sin ser tocada. ❡ Al entrar por el inmenso portón con bellos herrajes y chapetones en bronce que nos transporta al momento de su construcción, durante el siglo xviii, con una señorial presencia por la bella y austera fachada de piedra volcánica de tezontle color rojizo con un diseño en la misma piedra negrezco quemado, con rejas forjadas y magistralmente batidas en fierro, me envolvió extraño sentimiento al entrar a esta casona que también fungiera como institución de beneficencia. ❡ Mi primera impresión fue el patio: con recias columnas y amplias arcadas que sostienen un pasillo superior cuyo acceso es a través de una escalera de piedra. Fue aquí donde se me informó el nombre de ésta: la Institución Liceaga. Entonces pasé inmediatamente y con ese deseo de descubrir qué era ese llamado de nostalgia que se sentía flotando en el aire como emanado de las paredes. Caminé por enormes salones que contenían una extraña maquinaria desconocida para mí y que, fui descubriendo, servía para la fabricación de vacunas y medicamentos. Pasé a un próximo salón que me llamó profundamente la atención, ya que solamente conservaba un escritorio al centro y, para darle una forma oval al cuarto rectangular, se tenía una gruesa tela sobre bastidores de madera pintada al óleo en color mostaza con diseños de influencia pompeyana. Ésta le daba un aire de gran señorío y posteriormente, otro anticuario y yo lo mandamos desarmar y conservamos para su pos-

92 | la revista

terior venta. Tuve también la oportunidad y fortuna de comprar algunos muebles, entre ellos este salón entero, sin tener en ese momento conocimiento de los personajes que habitaran parte del edificio donde se elaboraron cientos de miles de vacunas de todo tipo. ❡ Pasé así de salón en salón con el tema repetitivo de esta extraña maquinaria —en estado de desuso pero que demostraba haber tenido una vida intensa de trabajo— que me hacía sentir en un estado de paz al imaginar esa producción de tantísimas vacunas que allí se produjeron. La casa tenía una extraña vibración de paz, un sentimiento de victoria sobre los males que combatió y me quedó grabado en la mente un tibor balaustrado con bellas flores pintado al fresco en azules y rojos sobre la pared, que junto a esos largos ventanales de hermosos herrajes salvaguardan todavía, al día de hoy, la privacidad del aposento. Así, estas flores pintadas sobre la pared me transmitieron un enorme sentimiento de nostalgia y, como a cualquier romántico —grupo al cual afortunadamente pertenezco— empecé en mi fantasía a crear un sinnúmero de historias, algunas de ellas probablemente impregnadas en esa pared. ❡ Aquí, como en varias ocasiones, se terminó la relación tras algunas visitas, la compra y el pago. Tiempo más tarde gracias a otro estimado amigo —el gran tocayo Rodrigo Reina Liceaga, cuyo apellido descubrí asociado a los personajes de esta casa— me sentí motivado. Como en diversas ocasiones, en las que un objeto o un personaje te llevan por una casual curiosidad a descubrir un campo diverso de otros mundos, me encontré hilando descubrimientos y con lo ya guardado en mi memoria lo fui haciendo familiar. ❡ Fue esa sensación que tenemos cuando un conocido resulta ser el autor de algo que admiramos y surge entonces una cascada de pensamientos casuales que se unen en la mente, identificándolos como a uno solo. Así, la curiosidad, alma de todo descubrimiento, me llevó a buscar la identidad de este personaje de apellido Liceaga que sentía casi conocido y que describo a continuación: ❡ El doctor Casimiro Liceaga fundó el llamado Establecimiento de Ciencias Médicas, antecedente de la Escuela Nacional de Medicina. Liceaga colaboró con los investigadores de su tiempo que encontraron medidas para erradicar la fiebre amarilla, el gérmen del tifo y muchos otros


el coleccionista

F

al centro, dos piezas estofadas que pertenecieron al doctor liceaga. Propiedad de Rodrigo Rivero lake.

de los descubrimientos que pusieron a México a la cabeza en materia de salud a nivel mundial, culminando en 1896 con la creación del Hospital General. Viajó a Francia para estudiar los métodos más adelantados sobre la desinfección, sus efectos y logros en el mejoramiento social de la salud. Fue el año que se fundó en Francia el Instituto Pasteur, de donde Liceaga trajo a México el cerebro de una liebre inoculada de rabia para producir —en la casa descrita anteriormente— la primera vacuna antirrábica, aplicándola en 1888 en nuestra ciudad y llevándola a todos los confines de nuestro país, dando con ello un paso agigantado a la solución a este mal. ❡ Incursionó Liceaga, con el espíritu de un verdadero hombre del

renacimiento, en los más destacados descubrimientos como la naciente fotografía, con la cual dejó importantes testimonios médicos, llegando inclusive a ser profesor de esta materia. Además de que su amor por la música lo llevó a ser el Secretario de la Sociedad Filarmónica de México. Fue creador de la conocida colonia Doctores en la Ciudad de México, urbanización donde aplicó sus conocimientos sobre salud pública y donde las calles llevarían el nombre de todo doctor importante en la historia de la medicina en México. ❡ Y así, una vez más completamos el conocimiento que descubrimos desde un objeto, el cual nos hará descubrir a personajes protagonistas de momentos importantes de la historia.

larevista.mx | 93


F

FINALES

Periferias

por Ana Terán

ilustración: Yurex Omazkin

Si vAS A lAvAr loS PlAToS, lAvA loS PlAToS Vivir en el presente parece ser algo sumamente sencillo, algo que no necesitaría siquiera ser dicho. Pero no es así, se requiere de un acuerdo entre la mente, el cuerpo y todos lo demás elementos que nos componen. ¿Lo lograremos algún día?

No logro quitarme de la cabeza esa sencilla norma que recién leí en un libro del monje budista vietnamita Tich Nhat Hanh, sobre introducción a la meditación. The Miracle of Mindfulness, título intraducible porque no hay término equivalente a “mindfulness” en español, pero sería como El milagro de… la confluencia simultánea de todo eso que somos: mente, cuerpo, atención, sentimientos, percepción, conciencia. Se dice fácil. Lo cierto es que me interesó porque me urge acallar el barullo de afuera, dejar de ensordecerme con los altos decibeles de la vida actual. Pero a medida que avanzaba en la lectura me daba cuenta de que la aparentemente sencilla fórmula arrojaba luz sobre algunos conceptos que creí haber aprehendido hace un montón de años. Intuido, debería mejor decir. Ciertas corrientes filosóficas occidentales —entre ellas la de Henri Bergson— contraponen la intuición a la razón, ven en la primera una facultad que expande la posibilidad de la segunda para conocer la realidad. Pero

94 | la revista

la intuición, a diferencia de su sesuda compañera, no se explica, se experimenta repentinamente. Sólo en el instante. Ni ayer ni mañana ni hace un segundo. En el meritito presente, ese que en cuanto llega se va. Y llega otro. La frase, en todo caso, me hizo cobrar conciencia de que apenas si atisbo —como por una fina rendija— la verdad de tal postulado que, para colmo de males, he izado como bandera personal: yo existo, y luego pienso… si acaso. De modo que mi cabeza proyectaba dos franchutes en el ring: en la lona, la razón de Descartes, y con el puño alzado, la intuición y duración de Bergson quien, por cierto y quizá no por azar, se casó con la hermana de quien dedicó su obra a la búsqueda del tiempo perdido: Marcel Proust. Pero se trataba tan sólo de una imagen. En cambio, “Si lavas lo platos, lava los platos” nos inserta de facto en el presente, aunque, a la vez, a mí me remite a la falsa creencia de que el cerebro femenino incluye un chip que nos facilita realizar varias faenas a la

vez. Dudo que seamos más o menos aptas que los hombres en cualquier terreno, como no se trate de la constitución corporal y sus derivados. Las diferencias, de haberlas, cabrían en la esfera del condicionamiento cultural, que endosaría la culpa de esa supuesta capacidad de las mujeres a las conquistas del género, a la esquizofrénica voluntad de alternar roles desde que el sol se levanta hasta que se acuesta… antes que nosotras, por supuesto, porque quedan aún los platos de la cena por lavar. Y ahora, lavándolos y preguntándome si quedan naranjas para el desayuno mientras escucho por el altavoz del celular los chismes de una colega, descubro que mi mente rebota sin cesar del futuro al pasado y, ¡oh, paradoja!, que en vez de ganar tiempo… lo pierdo. Malgasto la posibilidad que surge de lavar los platos poniendo en ello cuanto soy: la de gozarme en la tarea, la de entrar en ese oasis codiciado. Me pierdo de mí. Y, al hacerlo, rompo contacto conmigo misma, por ende con el mundo, con la única riqueza verdadera que tenemos: la vida.


PERIFERIAS

F

larevista.mx | 95


F

FINALES

el Libro

por: La Redacción

Casa palacio p

Centro Comercial Antara México, D.F. T. (55) 9138 3750

casapalacio.com.mx vivetotalmentepalacio.com casa_palacio casa_palacio

librería Rizzoli Newton 35, Col. Polanco México, D.F. T. (55) 5281 0568

Roger Vivier

Creador de zapatos y sueños Cuando finalmente aCeptamos que los zapatos son mucho más que una simple herramienta para caminar de forma cómoda, nos damos cuenta de la gran obra de arte que pueden llegar a ser. Uno de los grandes artistas del calzado es, sin duda, Roger Vivier, quien comenzó su carrera de la mano de Yves Saint Laurent creando zapatos para la casa Christian Dior. Tras fundar su propia compañía creo los zapatos que acompañarían al famoso vestido Mondrian de Saint Laurent y que Catherine Deneuve hizo famosos en Belle du Jour de Luis Buñuel. El diseñador cerró su negocio poco antes de morir en 1998, pero su visión fue recuperada por TOD’s que contrató a Bruno Frisoni para revivir la marca en 2003. Y sí que lo ha logrado. Este libro es una representación de la tradición y evolución de la casa Vivier, acompañada de conversaciones entre el diseñador e Inès de la Fressange y Catherine Deneuve, así como una plática entre Bruno Frisoni y Cate Blanchet. Definitivamente, un regalo perfecto para esa fanática de los zapatos de quien no sabe la talla. 9 6 | la revista


La Revista 53  
La Revista 53  

Especial de diseño, quinto aniversario.

Advertisement