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el mundo del espectáculo teatral

Editorial

Albanta al revés

el mundo del espectáculo teatral www.elespectaculoteatral.es Edita: Publicaciones Teatrales S.L.

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n nuestro número 69 publiqué una página editorial titulada “¿A taquilla? Pues a taquilla” que ha provocado bastantes reacciones entre la profesión escénica. Se me dice, y con razón, que hay determinadas manifestaciones culturales –escénicas, se sobreentiende– que no pueden funcionar a taquilla, que el sector en pleno no puede renunciar a reclamar el papel activo de las administraciones públicas en la defensa de la cultura como valor en sí. Y digo que sí, que estoy de acuerdo, que la cultura es algo demasiado serio para renunciar a defenderla por encima de lo puramente comercial y/o mercantil. Que hay expresiones culturales (artísticas, coreográficas, teatrales, literarias, cinematográficas, etc.) que jamás podrán lograr una viabilidad económica sin la buena voluntad de los mecenas o, sobre todo, de las administraciones públicas. Entramos en el resbaladizo terreno de “quién decide qué es lo que tiene un valor cultural”. Pero ahora ya no toca entrar en esta discusión bizantina, porque en las actuales circunstancias de penuria económica el derecho a recibir una cultura de calidad, con toda su importancia, nunca será tan importante como el derecho a la vivienda, a una educación y una sanidad pública gratuitas, a las prestaciones sociales en caso de desempleo… Y todos estos derechos aún más importantes son, precisamente, los que nos están destruyendo a velocidad de AVE en nuestras propias narices. Querámoslo o no, todos quienes en nuestro sector no dependen de la taquilla dependen de las administraciones públicas. A los ejemplos más recientes me remito: a Teresa Almar, de la Fira Mediterrània de Manresa, ya la han cesado y a Mario Gas, según se rumorea mientras escribo estas líneas, se lo van a “cepillar” de la dirección del Teatro Español, dentro de la cascada de cambios que se ha producido en el ayuntamiento de Madrid y el Área de las Artes desde la llegada de Ana Botella. Por no hablar de todos las sustituciones de personas y proyectos –en ayuntamientos, diputaciones provinciales, comunidades autónomas o instituciones dependientes del propio Gobierno de España que hemos ido conociendo en los últimos meses. Y en casi todos los casos son políticos los que sustituyen a técnicos. Puedo imaginar la angustia de quien depende de la taquilla para un proyecto de índole artística. Pero pienso que es más angustiosa la sensación de que ni un buen trabajo garantiza la continuidad de un proyecto dejado al albur de los políticos. Me gustaría centrarme en nuestro sector, en situaciones sobre las que tuviéramos cierta capacidad de decisión. Pero cada vez lo veo peor. Ni siquiera lo que –dicen– quieren organizar rápido, aprovechando su mayoría absoluta, terminan haciéndolo con esa urgencia que se demanda. Me refiero al pago urgente de las deudas de los ayuntamientos. Primero hablan de créditos ICO, luego de pagar primero a quienes hagan quitas sobre la deuda y a los que hubieran presentado denuncias; luego que no, que por orden de antigüedad. Pero, al final, nada de nada hasta el 1 de mayo. Y hasta entonces, ¿cuántos más cambios de estrategia veremos? Una vez más: yo no querría que todas las artes escénicas tuvieran que ir a taquilla. Querría una sociedad bien distinta, en la que las propuestas culturalmente más enriquecedoras pudieran desarrollarse sin estrecheces. Pero aquí, como decía Aute, “es Albanta al revés”. Jesús Rodríguez Lenin Editor 4

c/ Julián Camarillo 47 port. D of. 104 28037 MADRID Tel.: 91 304 04 88 Director: JESÚS RODRÍGUEZ FERNÁNDEZ lenin@dosdimensiones.es Director de arte: ENRIQUE PÉREZ eperez@dosdimensiones.es Redactor Jefe: SANTI GARCÍA santigarcia@dosdimensiones.es Redacción: JAVIER MORA, CLARENCE J. BODDICKER. Autoedición: LAURA R. DIONIS, FRANCISCO CACENAVES Publicidad: ABEL VALERO SALINAS abel@elespectaculoteatral.es Publicidad Equipamiento: SANTI GARCÍA santigarcia@dosdimensiones.es Fotocomposición: Dos Dimensiones, S.L. Depósito Legal: M-46213-2005 Imprime: Villena Artes Gráficas. Distribuye: National Post.

SUMARIO: 6 ASOCIACIONES - 6: La Red y COFAE 8 FERIAS Y EVENTOS - 8: FETEN - 10: deFeria y AGETEC 14 RECINTOS - 14: Trui Teatre 16 COMPAÑÍAS - 16: Teatro de texto - 24: Humor - 28: Danza - 29: Musicales - 30: Infantil 31 EQUIPAMIENTO ESCÉNICO OPINIÓN - 12: Heteatrodoxias, de Xavier Marcé - 26: El Hereje, de Eduardo Galán - 33: La Técnica, de Jordi Planas - 34: La reflexión, de Robert Muro

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asociaciones

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La Red José Luis Rivero es

su nuevo presidente

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a Red La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de titularidad pública, celebró el pasado 1 de marzo en El Centro de Cultura Antiguo Instituto de Gijón y en el marco de FETEN, su asamblea anual, que en esta ocasión sirvió de para la renovación de algunos cargos de su junta directiva, como es el de presidente, que ha recaído en el director artístico del Auditorio de Tenerife, José Luis Rivero. El acto, que reunió a alrededor de sesenta responsables de los teatros públicos de todo el país, también servía para analizar los proyectos impulsados por La Red durante 2011 y repasar las líneas de acción que marcarán el futuro de la entidad el presente año. Las votaciones sirvieron además para renovar otros dos cargos de la junta directiva, un órgano al que se suman los nombres de Ana López, directora del Área de Cultura del Ayuntamiento de Leioa, en Vizcaya, y Cristina Estrada, coordinadora del Mercat de Música Viva de Vic. Durante la asamblea, también se presentó el nuevo XXVII Cuaderno de Espectáculos Recomendados de Teatro y Circo, y se confirmó la incorporación a La Red de un nuevo espacio escénico, el Patio de Comedias, del Ayuntamiento de Torralba de Calatrava, en Ciudad Real.

COFAE Eligió su nueva junta directiva en FETEN

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El gerente de Fira Tàrrega, Pau Llacuna, es el nuevo presidente de COFAE.

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l pasado 29 de febrero en Gijón, dentro del marco de FETEN, la Coordinadora de Ferias del Estado Español (COFAE) celebró su asamblea anual que, entre otros asuntos, sirvió para celebrar las elecciones a su nueva Junta Directiva, la cual ha quedado finalmente compuesta por Pau Llacuna i Ortinez (FiraTàrrega) como presidente, Salvador Sanz (MADferia) en el puesto de secretario, Jordi Bertrán (Fira Mediterrània de Manresa) como tesorero, y los vocales Marián Osácar (FETEN), Anabel Salcedo (Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca) y Miquel Santamaría (Mostra de Teatre d’Alcoi). Por otro lado, desde la coordinadora han informado de la adhesión a la misma de la Fira de Teatre infantil i juvenil de les Illes Balears (FIET). Con esta incorporación son ya dieciséis las ferias estatales asociadas a COFAE. www.elespectaculoteatral.es


ferias y eventos

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FETEN

Continúan creciendo sus cifras de participación

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a crisis sigue sin hacer mella en FETEN, que continúa manteniendo e incluso incrementando sus excelentes cifras de participación. El número de profesionales acreditados ha sido, según la coordinadora de la feria, Marián Osácar, “muy similar al del año pasado, unos 450. Era una de las dudas a la hora de abrir el periodo de inscripción, pero finalmente hemos visto que no se ha producido en absoluto una disminución en la participación”. Sí parece que ha sido más numeroso el público asistente a los espectáculos, “todavía no hemos hecho el cierre de todos los datos, pero hemos tenido la gran suerte de que la climatología ha acompañado, hizo muy buen tiempo toda la semana y toda la ciudad de Gijón participó; creo que la cifra ronda los 29.000 espectadores”, afirma Osácar, “por lo tanto, podemos decir que FETEN, como lugar de encuentro profesional, que sirve para el análisis y para conocer las últimas novedades creativas, ha funcionado, otra cosa es la capacidad de compra que puedan tener los programadores una vez llegan a sus distintos espacios y puntos de trabajo. Esa es la gran incógnita ante la situación actual y era una de las preocupaciones que más se ha expresado en la feria. Lo más importante es que hemos percibido que la opinión general apunta a que este es un momento en el que es necesario sumar esfuerzos, cada uno desde su situación y su responsabilidad, ya sean compañías, distribuidores, programadores, instituciones… es decir, es un momento

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esfuerzos conjuntos para poder hacer viable la actividad escénica en este país”. Dejando a un lado el aspecto más frío de las cifras, Osácar quiere destacar sobre todo su satisfacción con los resultados de la feria “a nivel de creatividad; ha sido muy difícil la selección de los espectáculos participantes y así lo ha corroborado el jurado de los premios, que ha tenido grandes dificultades para destacar a los

ganadores, debido al buen nivel que ha habido. Y creo que era el sentir general de todos los asistentes a la feria”. La vigésimo primera edición de FETEN ha acogido unas 140 representaciones de 67 compañías, ocho de ellas internacionales, procedentes de Austria, Bélgica, Bulgaria, Cuba, Dinamarca, Francia y Portugal; mientras que las nacionales venían de doce comunidades autónomas. Se ha

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ferias y eventos hecho un encomiable esfuerzo para que los recortes presupuestarios no afectasen a la programación. “Ha habido una reducción de presupuesto, pero ha sido totalmente asumible, de tal manera que hemos mantenido el mismo nivel de programación. Hemos intentado eliminar todo aquello que es factible de ajuste para que no se viese afectada la estructura de la feria, consiguiendo tener un número similar de compañías, de invitados, de espectáculos y de pases. En estos momentos es más necesario que nunca que FETEN sea un escaparate para el mayor número de compañías posible”. La edición del año pasado, cuando la feria cumplió su 20º aniversario, supuso un punto de inflexión en el sentido de abordar una programación más multidisciplinar, la feria dejó de llamarse “de teatro” para ser una convocatoria abierta a las artes escénicas en general. “Los cambios en la programación se están notando en que hay representación de todas las técnicas. Cada vez es más visible la suma de creatividades y disciplinas. Este año han podido verse muchos espectáculos en los que, por ejemplo, había música en directo combinada con otras técnicas, donde el bailarín convive con el actor y el músico. Se trata también de reivindicar, por un lado, el valor añadido que tienen las artes escénicas, que es lo presencial, el aquí y ahora, y por otro, que es una opción cultural que satisface a la familia al completo, al espectador adulto y al niño al que acompaña. Ya nadie se plantea dejar al niño en la puerta del teatro, sino que se entra y se disfruta junto a él. En ese sentido, independientemente de lo bien o mal que lo hagamos en FETEN, creo que tenemos una gran ventaja que es la especialización, somos un buen instrumento de trabajo para programadores y compañías y esa es la idea que nos trasladan”.

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Listado completo de ganadores de FETEN 2012 Mejor Espectáculo

- “Querida hija”, de la compañía Marie de Jongh

Mejor Espectáculo de Primera Infancia

- “Minimón”, de Nats Nus Dansa

Mejor Espectáculo de Títeres, Objetos y Sombras

- “Omelette”, de Clair de Lune Théatre

Mejor Espectáculo de Danza

- “Charlie”, de Compañía Fernando Hurtado

Mejor Dirección

- Ramón Molins por “La Camisa del Hombre Feliz”, de Zum-Zum Teatre

Mejor Interpretación Femenina

- Begonya Ferrer por “La Camisa del Hombre Feliz”, de Zum-Zum Teatre

Mejor Interpretación Masculina

- Pere Casanova y Pere Romagosa por “Tortuga, la isla de Teodoro”, de La Pera Limonera

Mejor Adaptación Teatral - “El Príncipe Feliz, de Óscar Wilde”, de La Baldufa

Mejor Vestuario y Caracterización - Myriam Hick, Dominique Brevers y Ana Fernández por “Vuela si puedes”, de Teatro Paraíso

Mejor Espacio Escénico e Iluminación - Montse Amenós y Xabier Lozano por “Kafka y la muñeca viajera”, de Eme2-Albena-Tantakka

Mención Especial - Luna Teatro por su original adaptación de un cuento tradicional en “Cenicienta y las zapatillas de cristal”

Mención Especial - Maduixa Teatre por su calidad en la aplicación de la tecnología en “Consonant”

“Querida hija”, de la compañía Marie de Jongh, obtuvo el premio al mejor espectáculo

El Premio al Mejor Espectáculo en FETEN 2012 ha recaído este año en “Querida hija”, de la compañía vasca Marie de Jongh. El jurado de estos premios concede un total de diez galardones y dos menciones especiales y está integrado por Julia Rodríguez Franco (Centro Cultural Los Canapés, Ayto. de Avilés); Jorge Riobóo Bujones (de ASSITEJ, España), Roberto Corte Martínez (director y editor) y Juan Pablo Soler Fuster (de la Red Nacional de Teatros y Auditorios de Titularidad Pública). No es la primera vez que Marie de Jongh es galardonada en esta feria; en anteriores ediciones fue merecedora del Premio a la Mejor Interpretación Femenina por “Humanos” o al Mejor Espectáculo por “¿Por qué lloras Marie?”, entre otros.

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ferias y eventos

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dFeria

Programa 22 espectáculos en San Sebastián entre el 12 y el 15 de marzo

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espués del éxito de la pasado edición, en la que se introdujeron dos importantes novedades, como es el cambio de fechas de celebración y la apertura de su programación a propuestas internacionales y de fuera del País Vasco, la feria de las artes escénicas de San Sebastián prepara, sin variar estos ingredientes que tan buenos resultados le han dado, su nueva convocatoria, que tendrá lugar entre el 12 y el 15 de marzo. Seis recintos de la ciudad acogerán la programación, que cuenta con un total de veintidós espectáculos. Entre las propuestas internacionales estará “Rosmersholm”, obra del autor noruego Henrik Ibsen puesta en escena en esta ocasión por el actor y director portugués Gonçalo Waddington. Por otro lado, Emilio Pellisari Studio traerá desde Italia “Cántica II”, un espectáculo basado en el segundo episodio de la trilogía sobre la “Divina Comedia” de Dante en el que la iluminación, la música y los efectos especiales se conjugan con la acrobacia, la danza y el juego. Por último, en lo que se refiere a ofertas procedentes del extranjero, la compañía argentina de danza La Instalacción Yamila

AGETEC

La compañía italiana Emilio Pellisari Studio presenta “Cántica II” en dFeria

Uzorskis presentará dos montajes: “Materia viva” e “Instrumento de cuerdas”. Entre los estrenos que tendrán lugar en dFeria se podrá ver “Itzulera”, de Factoría de Fuegos; un ejemplo del nuevo teatro europeo en el que la música en vivo, la danza, los audiovisuales y la interpretación en tres idiomas (castellano, inglés y euskera) se mezclan para contar un cuento moderno que lleva a su protagonista al Londres punk de los ochenta. El público también podrá disfrutar de otras

propuestas en las que convergen los lenguajes del teatro y la danza como “Privolva”, de Olatz de Andrés, y “Tempus, -i”, de Anakrusa; además del último trabajo de Tanttaka, “Contra el viento del norte” y, en cuanto a trabajos de compañías del resto de España, se presentará la última producción de Studio Teatro estrenada en enero en el Teatro Español de Madrid, “José K. Torturado”; “Agosto, cuadros de amor y humor fresco”, de Metamorfosis, o “Tío Vania”, de L’om Imprebís”.

Organiza el I Encuentro de Artes Escénicas, centrado en el desarrollo de un marco de cooperación público-privada

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l Centro Cultural Puerta de Toledo de Madrid acogerá el próximo 21 de marzo el I Encuentro de Artes Escénicas organizado por la Asociación de Gestores y Técnicos Culturales de la Comunidad de Madrid (AGETEC), con la colaboración del Instituto Complutense de Ciencias Musicales de la Universidad Complutense de Madrid y el programa de Gestión Cultural de la Universitat de Barcelona, y con la participación de FAETEDA, LA RED, COFAE y la Red de TA. Se trata de crear un espacio de reflexión y debate cuyos principales ejes se definen a través de varios interrogantes que vienen planteados por la actual situación de crisis económica y la forma en que afecta al sector de las artes escénicas. Estos interrogantes son: ¿Qué debilidades en el sistema de exhibición escénica ha puesto de manifiesto la crisis económica y en qué aspectos puede ser mejorado?; ¿cómo se puede fomentar la interacción de los espacios escénicos con sus públicos potenciales?; ¿cómo pueden y deben intervenir los poderes públicos en las artes escénicas para desarrollar el mandato constitucional de garantizar los derechos de creación y acceso a la cultura?; y ¿qué niveles de cooperación público-privada, a nivel estratégico y operativo, se pueden establecer para promover el desarrollo satisfactorio de las artes escénicas?

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La participación en el encuentro podrá realizarse de dos formas: un foro presencial, no superior a cien personas, formado por representantes de entidades colaboradoras y personas inscritas, que permitirá la interacción y el debate; y un foro virtual que hará posible seguir el foro presencial e interactuar con él. www.elespectaculoteatral.es


heteatrodoxias

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En defensa de los centros culturales públicos Quien lo iba a decir. El Liceu de Barcelona realiza un ERE temporal para afrontar sus problemas económicos y en el paquete completo de las medidas de ajuste se incluyen reducciones drásticas de actividad, incluso cierres parciales durante los próximos meses. Son medidas habituales en las empresas privadas pero inimaginables en los centros públicos de producción cultural apenas hace un par de años.

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n el futuro inmediato podremos ver concursos de acreedores de empresas públicas, externalizaciones salvajes –es decir desprovistas de toda dotación económica– y por supuesto ajustes de plantilla de todo tipo. La cultura pública ha dejado de ser aquel territorio protegido con escasos criterios de evaluación, armado de razones históricas y a salvo de toda mirada crítica. En la mayor parte de las Comunidades los ajustes son brutales y la pasividad con la que la sociedad observa los recortes absoluta. Cada día que pasa hay teatros que cierran o disimuladamente transforman sus programaciones acogiendo propuestas teatrales no profesionales que abaratan costes sin excesiva alarma social. No hay razones para estar contentos, ni para ser optimistas. Que la crisis es un hecho no vamos a discutirlo, que la cultura demuestra poca cintura colectiva para afrontarla tampoco. La situación es la siguiente: menos recursos, prioridad en los gastos fijos y sociales y recortes en todo aquello que tenga componentes graciosos (subvenciones) y poco productivos. Esta realidad afecta a una gran parte de la vida pública: investigación, deportes, asociaciones, cultura, etc. El problema, sin embargo, no es tanto que se reduzcan los presupuestos, sino la escasa voluntad pública para pactar con los sectores culturales una hoja de ruta que deje clara la importancia estructural de la cultura toda vez que se administran los recursos escasos. Se trata de una cuestión de vital importancia que pone de manifiesto la escasa consolidación que las políticas culturales han conseguido en el entramado social español. En Francia o Alemania, por ejemplo, la simpatía de la derecha por la cultura es menor que la que tradicionalmente ha demostrado la izquierda pero su peso específico en el imaginario social es tan determinan-

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te que los cambios electorales apenas disminuyen las aportaciones públicas. En periodos de crisis ocurre algo similar: se reducen los presupuestos procurando que la arquitectura del sector quede sin daños estructurales. En España no es habitual este proceder. Hay Comunidades, por supuesto, donde la fortaleza del sector y la tradición política tienen un peso estimable, pero no es una actitud generalizada. Las políticas culturales democráticas españolas se han construido bajo un modelo mixto: equipamientos públicos y producción de contenidos privada. El peso de los centros de producción pública es relativamente pequeño si lo comparamos con los países europeos. Aún así su función es muy relevante porque han contribuido a evitar una clara separación entre la producción cultural de calidad y la estrictamente comercial, y porque han puesto en valor ciertos ámbitos del arte y la cultura que, por razones obvias, prácticamente habían desaparecido durante la dictadura. Este papel hay que reconocérselo a los grandes centros de ópera, a los teatros nacionales y a una destacada lista de equipamientos en todo tipo de ámbito artístico. Probablemente la mayoría de estos centros no tienen una trayectoria bien definida. Algunos de ellos funcionan con criterios autónomos, más cercanos a las dinámicas de autor que los correspondientes a un contrato programa que defina adecuadamente sus objetivos sociales e incluso artísticos. En muchos casos las estructuras laborales son arbitrarias y han crecido ajenas a todo control público, pero aún así su función cultural ha sido muy importante. Ahora se están realizando ajustes económicos de una magnitud inusual con rebajas que, en un par de ejercicios, pueden perfectamente llegar al 50% de los fondos públicos. Y en no pocos

casos observamos que tal ajuste se realiza en términos puramente cuantitativos. Los responsables públicos tienen la obligación de pensar a largo plazo. Probablemente desde economía o industria, el problema de la cultura es un asunto menor, incluso podría pensarse que el mercado proveerá de ofertas la demanda existente, pero se trata de un razonamiento empobrecedor. La polémica entre el sector público y privado de la cultura no se ha centrado en el debate sobre quien abastece “las tiendas de la cultura” porque en realidad se trata de un ámbito económico con un factor de negocio limitado (ese es un problema que afecta si cabe a la sanidad o a la escuela privada); se trata de una compleja dialéctica de legitimidad que persigue acompasar el papel que cada uno juega en la producción de contenidos y el soporte que recibe para realizarlos. Al contrario; el sector privado sabe muy bien que analizar las unidades públicas de producción cultural en términos puramente económicos poniendo excesivo énfasis en su rentabilidad, las aboca a una competencia desleal que poco contribuirá a mantener su valor ejemplificador y en mucho perjudicará la libre competencia del sector. Las grandes crisis tienen efectos muy diversos. Evidentemente limitan el crecimiento global del país, pero también ponen de manifiesto los problemas estructurales que lo aquejan. En nuestro caso una limitadísima definición de cuáles son los compromisos irrenunciables del sector público con la cultura. Si estuvieran claros, reduciríamos el presupuesto, periodificaríamos los objetivos, generaríamos complicidades; pero en ningún caso pondríamos en duda su centralidad social. Xavier Marcé www.elespectaculoteatral.es


recintos

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Trui Teatre

Ha cumplido con éxito un año de andadura aplicando su máxima: “Colaborar para competir”

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uchos pondrían en duda la rentabilidad de un proyecto que comenzaba con una fuerte inversión que transformaría el antiguo teatro del Colegio La Salle de Palma de Mallorca en lo que es hoy, el Trui Teatre, una sala con un aforo de 1.380 localidades, dotada con las últimas tecnologías y todo tipo de servicios. Pero la fórmula de gestión aplicada por los responsables del Grup Trui parece que funciona y este espacio, que empezó su andadura hace ya más de un año, se ha convertido en una referencia en las Islas Baleares. En Grupo Trui no son ajenos a las difíciles circunstancias que rodean hoy en día a toda actividad cultural. Las compañías y productores se plantean el dilema de ir o no a taquilla. Para los teatros la disyuntiva es ir o no a caché. Para ambos el problema es el mismo: ¿qué riesgo se puede asumir? La incertidumbre puede llevar a la parálisis y procede de la dificultad, a partir de unos costes dados, de poder asegurar un determinado porcentaje de ocupación que permita alcanzar unos determinados beneficios.

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Cualquier empresa, cuando quiere lanzar un nuevo producto, establece una serie de estrategias y tácticas de marketing que, aunque no garanticen el 100% de acierto, tratan de reducir el intervalo de error, minimizando el riesgo e intentando asegurar un determinado umbral de rentabilidad. Desde Grupo Trui consideran que

“para conseguirlo es fundamental la colaboración y cooperación de todas las partes que intervienen en el proceso: fabricante, distribuidor, consumidor. En este caso habría que hablar de compañía, teatro y espectador. Las tres pueden aportar valor al proceso y las tres pueden beneficiarse de las sinergias que se generan. El objewww.elespectaculoteatral.es


recintos

tivo es común: maximizar el beneficio, y en el caso del espectador su satisfacción. Los resultados no son inmediatos. Pero los proyectos empresariales han de contemplarse a largo plazo. Así es como hemos enfocado nuestra política de actuación. Hemos apostado por la innovación y la creatividad a la hora de buscar fórmulas de colaboración con las compañías y de participación con los espectadores. Ya que pensamos que a mayor calidad de respuesta, menor riesgo”. De esta manera, el departamento de marketing de Trui Teatre cuenta con los mewww.elespectaculoteatral.es

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dios necesarios para ofrecer un servicio integral a compañías y distribuidores en aras de conseguir esos objetivos. Las compañías pueden disponer de una serie de servicios y beneficiarse de la capacidad de compra, acuerdos y network de Grup Trui, para conseguir los mejores precios y condiciones en todo lo referente a viajes, alojamientos, transportes, comunicación, promoción, publicidad, etc. Asimismo, tienen a su disposición todos los medios y equipos técnicos necesarios para asegurar el éxito de su puesta en escena. Por su parte, el espectador tiene la posibi-

lidad de beneficiarse de las facilidades que ofrece del club “Amigos de Trui Teatre”, como por ejemplo contar con la comodidad del parking privado gratuito y toda una serie de atenciones personalizadas. En definitiva, y tal y como afirman sus gestores, en Trui Teatre “se trabaja a medida de las necesidades que requiere cada caso. Colaborando unos con otros; compartiendo el esfuerzo; optimizando los recursos; minimizando el riesgo; para asegurar la satisfacción; para obtener los mejores resultados posibles para todos. Colaboramos para competir”.

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el mundo del espectáculo teatral teatro de texto

El coloquio de los perros

compañías

Continúan en gira los montajes más recientes de Morfeo Teatro Clásico

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espués de su reciente paso por Peñaranda de Bracamonte, la adaptación teatral de la novela de Cervantes “El coloquio de los perros”, llevada a escena por Morfeo Teatro Clásico, continuará su gira en Huelva, Miranda de Ebro y Ciudad Rodrigo; mientras que otro de los nuevos montajes de la compañía, “El sombrero de tres picos”, acaba de finalizar su recorrido por el País Vasco, pasando por Irún, Barakaldo y San Sebastián, y próximamente podrá verse en poblaciones como Salamanca, Coslada, Palencia, León, Murcia y Pozoblanco. “El coloquio de los perros” es la última de las novelas ejemplares de Cervantes. Escenifica la conversación entre dos perros, llamados Cipión y Berganza, que al comprobar que han adquirido la facultad de hablar deciden contar sus experiencias con distintos amos en la España de la época, y a esperas de que una profecía les convierta en hombres, el enigma se resuelve sorpresivamente tras una fantasmal aparición. Mediante el contrapunto de los comentarios de los perros –en esta adaptación teatral de Morfeo ya convertidos en personas– un viejo y taciturno Cervantes reflexiona sobre las relaciones entre la verosimilitud y la realidad, sobre la corrupción y egoísmo de la sociedad, y lo más importante, sobre la fraternidad del ser humano.

Imagen de “El coloquio de los Perros”, de Morfeo Teatro Clásico.

En cuanto a “El sombrero de tres picos”, la versión de Morfeo es fiel al estilismo de la novela escrita por Pedro Antonio de Alarcón en 1874, que legó a la posteridad una singular semblanza costumbrista de la vida en la España rural del siglo XIX. El grotesco

personaje del Corregidor se nos aparece como una sombra de un pasado no tan lejano y su escarmiento es una invitación a la risa franca, con una puesta en escena en la que destacan vestuarios y decorados de puro corte clásico y de estética goyesca.

La Celestina

La versión juglaresca de Teatro Di Commedia vuelve a Madrid

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l teatro Espada de Madera de Madrid acoge desde el 29 de febrero hasta el 18 de marzo las funciones de la versión juglaresca de “La Celestina” creada por la compañía internacional itinerante Teatro Di Commedia. Se trata de un montaje que cuenta con la única interpretación de Carolina Calema, quien, en el papel de Celestina, narra al público la “Tragicomedia de Calisto y Melibea” representando a los diferentes personajes mediante títeres y máscaras, utilizando las técnicas del teatro popular como la commedia dell’arte, el clown o el bufón. Esta versión de la inmortal obra de Fernando de Rojas ha sido realizada por Darío Galo, quien también se encarga de la dirección. Renato di Prinzio ha compuesto la música original, interpretada en directo por Di Prinzio Consort, mientras que el vestuario, los títeres y la escenografía son obra de Elena Colmenar. El montaje ha pasado ya por diferentes festivales, habiendo obtenido el segundo premio al Mejor Espectáculo y Mención Especial del Jurado a la Adaptación y a la Escenografía en el TEA Escena Abierta de Toledo. Participó en el festival Clásicos en Alcalá en 2009, en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro en 2010, en el Clásicos al Abierto de la Comarca Hoya de Huesca o en las Jornadas del Siglo de Oro de Almería, también en 2010. Durante el año pasado abrió la Convocatoria Unipersonales Adán Buenosayres en Buenos Aires y pasó por el XIV Festival Internacional de Teatro de La Habana.

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compañías

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El perro del hortelano

Eduardo Vasco dirige por última vez para la Compañía Nacional de Teatro Clásico

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l perro del hortelano” es el último montaje que el director de escena Eduardo Vasco dirige para la Compañía Nacional de Teatro Clásico, en una versión escrita también por él mismo y que se estrenó el pasado 7 de marzo en el teatro sevillano que lleva el mismo nombre que el

inmortal autor del siglo XVII. Eduardo Vasco afirma que ha elegido esta pieza porque “contiene lo mejor de Lope: su mirada optimista sobre la vida, el inconformismo descarado ante la adversidad, la natural elegancia que embellece cada situación, y la lírica, sobre todo, señalan-

do con su huella sublime e imperecedera como el amor reina sobre todo. El poeta nos da una lección sobre lo imprevisible que debe ser una comedia, sobre las ventajas de la mezcla de géneros y la audacia necesaria para enfrentarse a los límites; un magnífico legado para la posteridad”.

Continúa su exitosa gira y en mayo llegará al teatro Flumen de Valencia

Foto: Luis Castilla

La escuela de la desobediencia D

esde de su estreno en junio del año pasado, en el Festival de Teatro Clásico de Cáceres, “La escuela de la desobediencia”, de Producciones Andrea D’Odorico y Teatro Portátil, ha recorrido más de ocho comunidades autónomas, haciendo parada en los festivales de Almagro, Alcalá de Henares y San Javier. Durante este mes y en abril regresará a Andalucía, País Vasco, la Comunidad de Madrid, Castilla y León y Galicia para, más tarde, permanecer durante la segunda quincena de mayo en el teatro Flumen de Valencia. Paco Bezerra, Premio Nacional de Literatura Dramática 2009 y Premio Nacional de Teatro Calderón de la Barca 2007, es el responsable de la dramaturgia de este montaje, protagonizado por las actrices María Adánez y Cristina Marcos, que se inspira principalmente en dos textos. El primero es “Ragionamenti”, firmado por el italiano Pietro Aretino, toda una celebridad para los lectores del siglo XVI, que es una novela dialogada en la que se reflexiona sobre los tres únicos estados a los que la mujer de aquella época podía aspirar: esposa, monja o www.elespectaculoteatral.es

prostituta. El segundo es una obra escrita un siglo más tarde en París por la que un hombre llamado Michel Millot fue detenido y posteriormente condenado a la horca junto a la quema de todos los ejemplares. Era “L’Ecole des filles ou la Philosophie des dames”, un libro “contrario a las buenas costumbres” que se inspira en el anterior y que sigue hablando del perverso concepto de la educación femenina y de la necesaria libertad sexual y espiritual de las mujeres.

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compañías

el mundo del espectáculo teatral teatro de texto

Eva’s Show El público decide el destino de

los personajes en esta comedia de Bramant Teatre

Desaparecer

Juan Echanove escenifica los relatos de Poe acompañado por la música de Maika Makovski 7 de marzo se estrenaba Eenpasado el Teatro La Latina de Madrid, l

donde permanecerá hasta el día 25 de este mes, “Desaparecer”, una coproducción de Focus con el Teatro Romea y Grec 2011 Festival de Barcelona, en la que a partir de textos de Edgar Allan Poe con traducción de Julio Cortázar y la dramaturgia realizada por Calixto Bieito, quien también ejerce como director de escena, se ha creado un espectáculo protagonizado por Juan Echanove y Maika Makovski, quien ademásdede interpretación aporta que además la la interpretación aporta la la música original. música original. El eje central de la obra se fundamenta en el talento de uno de los grandes maestros del relato corto, aproximando de esta forma la escena a cuentos como “El cuervo” o “El gato negro”, entre otros muchos, y dotándoles de vida tanto interpretativa como musical por parte de Echanove y Makovski.

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a sala Russafa de Valencia acogió el pasado mes de febrero el estreno de “Eva’s Show”, espectáculo de la compañía Bramant Teatre escrito y dirigido por Jerónimo Cornelles que tiene la particularidad de que son los propios espectadores quienes deciden el desenlace de las aventuras de tres mujeres, cuyos personajes se inspiran en otros tan contemporáneos como las protagonistas de la serie televisiva “Sexo en Nueva York”. El público empieza tomando pequeñas decisiones que van alterando el discurrir de la historia, haciendo que cada función sea diferente. María Minaya, Ana Conca y Arantxa González encarnan a María, Laura y Eva, tres amigas que deciden evitar la boda del ex de la última, Adán, al día siguiente. En su disparatado empeño les acompañan dos ángeles interpretados por Ernesto Pastor y Juli Disla, que encarnarán a los diferentes personajes que irán apareciendo conforme avance la noche. Con catorce años de trayectoria, Bramant Teatre ha conseguido caracterizarse por su labor de investigación en nuevas maneras de contar historias dentro de las artes escénicas, como ocurría con “Construyendo a Verónica”, candidata al premio Max al Mejor Espectáculo Nacional de Teatro en 2007. “Eva’s show” es una obra cargada de situaciones límite, acción y humor, bebiendo en su estructura de referentes como los libros “Elige tu propia aventura”, el propio Cornelles define a este nuevo proyecto como “teatro de aventuras”.

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La Regenta Marina Bollaín, Vanesa Montfort y Albert Boadella presentaron la nueva versión del clásico de Clarín

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a nueva versión de “La Regenta”, escrita por Vanesa Montfort y Marina Bollaín y coproducida por Teatros del Canal y Come y Calla, se presentó el pasado 22 de febrero en un almuerzo para la prensa en el que ambas dramaturgas estuvieron acompañadas por el director artístico del recinto escénico madrileño, Albert Boadella. La obra, cuya distribución corre a cargo de Manuel Álvarez Producciones, se estrenará en Asturias, el 23 de marzo en el Palacio Valdés de Avilés y al día siguiente en el teatro Jovellanos de Gijón; posteriormente, los Teatros del Canal acogerán las funciones entre el 29 de marzo y el 15 de abril. Bolláin (quien además ejerce como directora escénica) y Montfort han desplazado a algunos de los personajes del clásico de Leopoldo Alas Clarín desde el Oviedo del siglo XIX a los platós de televisión contemporáneos. Al igual que en la obra original, la protagonista, Ana Ozores, interpretada por Mariona Ribas, se ve sometida al juicio popular y los cotilleos, pero en la época actual y en horario prime time. Boadella afirmaba ayer que “sabía que con ‘La Regenta’ en las manos de Marina Bolláin y Vanessa Montfort podía salir algo muy especial” y que en esta versión no se pierde la “esencia” del texto creado por Clarín. Por su parte, Montfort alega que la cuestión de fondo en ambos textos, www.elespectaculoteatral.es


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En la otra habitación

Foto: Ignacio Evangelista

Regresa al teatro Conde Duque de Madrid en el Día Mundial del Teatro

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De izda. a dcha: Vanessa Montfort, Albert Boadella y Marina Bollaín, durante el almuerzo ofrecido a la prensa para presentar la obra.

original y la nueva versión, sigue siendo la misma: poner de manifiesto una “moral tradicional sumergida” que estaba presente en el siglo XIX y sigue existiendo en la actualidad. Bollaín reconoce que han hecho una adaptación “muy libre. Me sugirió que lo hiciera un amigo dramaturgo y cuando se lo propuse a Boadella entre tres alternativas eligió esta. El siglo XIX no está tan lejos y me pareció un reto traerlo a la actualidad”. www.elespectaculoteatral.es

espués de ser la obra con mayor éxito de público entre las compañías residentes durante la pasada temporada en el Teatro Conde Duque y contar con una excelente acogida a su paso por el Teatro Guindalera, “En la otra habitación”, escrita y dirigida por Paloma Pedrero, regresará al escenario que la vio nacer el próximo 27 de marzo, Día Mundial del Teatro, motivo por el que se está preparando un evento especial en el que, con la presencia de destacadas personalidades, previamente a la presentación se leerá un manifiesto de apoyo al teatro y al final de la función se hará un brindis. Puesta en escena por la compañía Teatro del Alma, la obra permanecerá en el cartel del teatro Conde Duque hasta el 15 de abril y también se sumará a las celebraciones de La Noche de los Teatros de la Comunidad de Madrid el 29 de marzo. Ese día, tras la representación, el público tendrá la oportunidad de entablar un debate con Paloma Pedrero y las actrices participantes. En la obra Paula es una mujer que no renuncia ni ha renunciado a vivir. Y esto tiene un precio. Su hija, Amanda, se lo quiere hacer pagar. Porque tener una madre, o un padre, con un fuerte carácter hace mella en los hijos. Son las famosas “sombras” con las que hay que convivir. Amanda tiene sus buenas razones para enfrentarse a una madre egocéntrica que, además, osa meterse en su propio terreno, en su habitación.

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Combate de negro y de perros

Réplika Teatro celebra el “Ciclo Koltès. Escenas de un combate”

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a sala madrileña Réplika Teatro celebra durante todo el mes de marzo un ciclo dedicado al dramaturgo francés Bernard-Marie Koltès que comenzó con el reestreno, por parte de la Compañía Joven de dicho teatro, de “Combate de negro y de perros” el pasado 2 de marzo y que continuará hasta el 1 de abril además de con las funciones de esta producción, con una serie de conferencias, coloquios, recitales, talleres y otras actividades académicas y artísticas sobre la obra y figura de este autor fundamental en el teatro contemporáneo aunque, por desgracia, poco conocido en nuestro país. Desde Réplika Teatro consideran a Koltès “un autor indispensable por su capacidad para revelar a través de sus textos gran parte de la barbarie en la que se halla envuelto el mundo contemporáneo; creemos que, ahora más que nunca, es absolutamente necesario representar sus textos y repensar su obra”. Para este ciclo cuentan con la participación de grandes personalidades del mundo artístico y académico, entre ellas, los directores de escena Guillermo Heras y Vicente León, Polo Vallejo (compositor y musicólogo), Montserrat Galcerán (Catedrática en la Facultad de

Filosofía de la UCM), Cristina Vinuesa (Profesora en el Departamento de Filología Francesa de la Universidad Complutense), Manuel García Martínez (Profesor de Filología Francesa en la Universidad de Santiago de Compostela y uno de los ma-

yores expertos españoles en Koltés), Mbuyi Kabunda (Director del Observatorio de Estudios sobre la Realidad Social del África Subsahariana) o Agustín Velloso (escritor y Profesor en la Universidad Nacional de Educación a Distancia-UNED).

El ruido de los huesos que crujen Una cruda historia de niños soldado apta para todos los públicos

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El ruido de los Huesos que crujen” es la nueva propuesta de la compañía Almaradas, presentada por la distribuidora de nueva creación iCultur y que narra la historia de Elikia, una niña de 12 años que ha vivido la mayor parte de su infancia en las guerrillas de los rebeldes junto a su inseparable Kalashnikov. La historia de Elikia cobra fuerza cuando esta se encuentra con Joseph, un pequeño de ocho años que acaba de ser obligado a alistarse. Ambos vivirán aventuras buscando la salvación e intentando mantenerse lejos de las armas. Este montaje de Almaradas es el nuevo reto del director Quique Culebras, que en esta ocasión adapta la obra homónima de la escritora Suzanne Lebeau añadiéndole una puesta en escena contemporánea, simbólica y atrayente que hace que la dureza de la historia quede, de algún modo, diluida en el espejo del teatro, hecho que la hace interesante para todo tipo de públicos. Almaradas es una compañía especialmente comprometida con los problemas de la infancia y está altamente ligada a proyectos

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que difundan mensajes tan importantes como el de “El ruido de los Huesos que crujen”, que cuenta en la interpretación con las actrices Sonia Espinosa, Adeline Flaun y Montse Ibáñez, con Carmen Flores como ayudante de dirección, con la música original de Santi Palau y Núria Nia en la producción y el audiovisual. www.elespectaculoteatral.es


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Los últimos días de Judas Iscariote

Theatre for the People representa en el Matadero el texto de Stephen Aldy Guirgis, adaptado y dirigido por Adán Black

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esde el 21 de marzo, y hasta el 8 de abril, la Sala 1 del Matadero de Madrid acoge las representaciones de “Los últimos días de Judas Iscariote”, montaje de la compañía Theatre for the People a partir del texto del autor norteamericano Stephen Aldy Guirgis, que ha sido traducido, adaptado y dirigido por Adán Black. Estrenada en Nueva York en 2005 con el actor Philip Seymour Hoffman como director, la acción se sitúa en un lugar llamado Esperanza, un juzgado a medio camino entre el cielo y el infierno. A lo largo del proceso irán compareciendo personajes como Teresa de Calcuta, Satán, Jesús o Freud. El texto se sirve tanto del drama como de la comedia para plantear, con un lenguaje directo y sin concesiones a lo políticamente correcto, cuestiones como la culpa, la libertad, el amor, la espiritualidad o la responsabilidad de cada uno con sus propios actos. Es una reflexión que trata de dinamitar las bases de nuestra cultura, proponiendo a Judas como símbolo que cuestiona las ideas establecidas y, supuestamente, inamovibles.

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Juan Mayorga y Ernesto Caballero estrenan en Nueva York Patricia Rodríguez ha puesto en pie “Solo para Paquita ” y Puy Navarro “Animales nocturnos”

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os de nuestros autores actuales más importantes, Ernesto Caballero y Juan Mayorga han sido representados en el off off Broadway de Nueva York en las últimas semanas. Del 21 al 26 de febrero, “Pakita: stimulating, bitter and necessary”, la versión inglesa de “Solo para Paquita”, un texto del actual director del Centro Dramático Nacional, se estrenó en el teatro Latea del Lower East Side de Manhattan, coproducida por la actriz asturiana Patricia Rodríguez y el Greenwich Theatre de Londres. Por su parte, Puy Navarro y Francisco Reyes, dos actores y productores teatrales españoles residentes en Nueva York, estrenan este mes de marzo “Nocturnal creatures”, la versión en inglés del texto de Juan Mayorga “Animales nocturnos”. El texto, dirigido por Jerry Ruiz, se repre-

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A la izquierda, Susan Winter, Project Manager & Resident Producer del Greenwich Theatre, organización que ha co-producido la versión de “Pakita, stimulating, bitter and necessary” y cuya gestión ha sido fundamental para el estreno en Nueva York de la obra. En el centro, Patricia Rodríguez, la actriz y productora, y el autor, Ernesto Caballero, actual director del Centro Dramático Nacional.

Puy Navarro y Juan Mayorga, en una imagen de 2010, cuando se produjo el estreno en Nueva York de “Way to heaven (Himmelweg)”.

senta del 9 al 17 de marzo en The Directors’ Company, un espacio de microteatro situado en pleno centro de Manhattan, en la calle 43, junto a Times Square. La obra ha sido producida por primera vez en colaboración con la organización LaMicro Theater, de la que forman parte los actores Pietro González y Berioska Ipinza, que son

quienes interpretan el texto de Mayorga junto con los citados Puy Navarro y Francisco Reyes. Este es el segundo montaje que realiza Puy Navarro sobre texto de Juan Mayorga, de quien estrenó en septiembre de 2010, en colaboración con Equilicuá Producciones, “Way to heaven (Himmelweg)”.

El Desván Teatro recurre, con éxito, al crowdfunding para llevar a cabo esta producción

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os actores y productores Domingo Cruz y Diego Ramos han demostrado que realizar un nuevo proyecto en estos duros tiempos de recortes no es un imposible. Su compañía, El Desván Teatro, presentó el pasado 25 de febrero en el teatro Buero Vallejo de Alcorcón (Madrid), “Jekyll”, una producción que ha podido llevarse a cabo gracias a la financiación mediante crowdfunding, de manera que mecenas o colaboradores privados han hecho una parte de las aportaciones económicas necesarias, aunque finalmente, para sorpresa de los productores, estos inversores hayan renunciado a los intereses que se les ofrecían a cambio. La dramaturgia de esta nueva versión del clásico de Stevenson es de Fernando Sansegundo (finalista en los premios Max de este año por la adaptación teatral de “La Avería”), quien ha logrado crear una historia y unos personajes independientes de la obra original, que arranca donde el autor escocés creyó poner su “punto final”.

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La dirección escénica de la obra corre a cargo Carlos Martinez-Abarca, la escenografía es de Diego Ramos y el diseño de iluminación de Fran Cordero. Cuenta con las interpretaciones de los propios Domingo Cruz y Diego Ramos, además de las actrices Pepa Gracia y Noelia Benítez.

La obra ha conseguido también un fuerte apoyo de los programadores, consiguiendo cerrar doce funciones en sus cinco primeros meses de andadura; inmediatamente después de su paso por Madrid atenderá sus compromisos en Extremadura hasta junio. www.elespectaculoteatral.es


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La diva al dente Producciones Candilejas estrenó esta comedia de Antonio Onetti L

a compañía toledana Producciones Candilejas estrenó el pasado 3 de marzo en la Casa de Cultura de Carranque (Toledo) la comedia “La diva al dente”, una obra del prolífico autor Antonio Onetti, conocido por sus guiones para series de televisión y cine como “Amar en tiempos revueltos”, “Padre coraje”, “Lola, la película” o “Diario de un skin”. Con dirección escénica de Nuria de Luna, la obra cuenta con las interpretaciones de cuatro de los actores pertenecientes al elenco de esta compañía estable, con la primera actriz, María Ángela Torres, junto a Oliver Romero, Isabel Cayuela y Adrián Delgado. La música, a cargo de Marcel Garbi, ejerce también un papel fundamental en el hilo argumental; el propio Onetti definía su texto como “comedia cantábile”. La compañía Candilejas cuenta con una larga trayectoria en la provincia de Toledo y en la red de teatros de Castilla-La Mancha habiendo cosechado éxitos con obras como “La tía de Carlos”, “Loco montaje de un clásico”, “La casa Quirós” o “La Chismosa”.

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el mundo del espectáculo teatral humor

Time al tiempo

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Ron Lalá regresa al Alfil con su último gran éxito

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asi un año después de su estreno en el teatro Alfil, “Time al tiempo”, el espectáculo más reciente de Ron Lalá, regresa a su “escenario del crimen” favorito para ofrecer dos meses de representaciones hasta el 29 de abril. La cartelera madrileña, que bulle de musicales de todo tipo, necesitaba también un musical tan atípico como “Time al tiempo”, un espectáculo que algún crítico ha definido como “el musical para aquellos a quienes no gustan los musicales”. Llevado a un ritmo trepidante que no da respiro ni a los actores ni al espectador, el espectáculo, en palabras del director de la compañía, Yayo Cáceres, “está concebido como una unidad. El nuestro es un musical en el que la música tiene rigor dramático y siempre está puesto en función de la escena. No aparece como en la comedia musical al uso”. Después de la experiencia de “Mundo y final”, con la publicación de un libro-disco que incluye el libreto de la obra y un cd con todas las canciones del espectáculo, Ron Lalá prepara para los próximos meses el lanzamiento del libro-disco de “Time al tiempo”.

Mayordomo para todo La obra cumple 35 años desde su estreno y más de 4.000 representaciones

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s la comedia más emblemática de La Compañía Popular de Teatro Cómico Español Julio Tejela y sigue representándola año tras año desde que se estrenó en Bilbao en 1977. “Mayordomo para todo”, escrita y dirigida por el propio Tejela, es el clásico vodevil en el que las situaciones divertidas y de enredo se suceden provocando continuamente carcajadas en el espectador. Julio Tejela acumula una dilatada experiencia como actor, director y dramaturgo. Es autor de gran número de comedias, guiones para cine, televisión y radio y, como actor, ha representado cientos de comedias e intervenido en numerosos programas y series de televisión. Su compañía también representará este año en gira nuevos montajes como “Don Manfredo de la Palma”, una divertida farsa en prosa y ripios hilarantes, o “El cuñado del alcalde”.

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el mundo del espectáculo teatral humor

Encerrona

Pepe Viyuela vuelve a sentirse atrapado en el escenario y torturado por los objetos cotidianos

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an sido varios años de éxitos de crítica y público por todo el país; el tiempo no ha hecho que la “Encerrona” de Pepe Viyuela haya quedado en el olvido para la mayoría de los espectadores y regresa el 20 de marzo a Madrid, al Pequeño Teatro Gran Vía. En este popular montaje unipersonal, el personaje encarnado por Viyuela se ve obligado a permanecer en el escenario y entretener de alguna manera al público, aunque no sabe muy bien cómo hacerlo. Se trata de una metáfora en la que el payaso es cada uno de nosotros y su juego no es sino nuestra vida, estamos obligados a existir y obligados a actuar, debemos seguir adelante. En esa encerrona en la que el personaje se ve metido, aterrorizado por las miradas del público que lo llevan a querer escapar, aunque alguien “invisible” se lo impide y le obliga a permanecer sobre el escenario, solo encuentra como compañeros una serie de objetos con los que intenta salir del paso: una guitarra, una silla, una chaqueta, un periódico y una escalera. Con ellos como escudo juega e improvisa, sufre y se divierte, pueden convertirse en grandes amigos o en terribles enemigos. www.elespectaculoteatral.es

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el hereje

el mundo del espectáculo teatral opinión

Más y mejor teatro para los tiempos de crisis por Eduardo Galán

Eduardo Galán propone en el siguiente artículo sus recetas para combatir la crisis, a base de ingredientes como la apuesta firme por la calidad y la profesionalidad de los espectáculos, así como una mayor dedicación y énfasis en las labores de comunicación y promoción por parte de los recintos públicos y privados.

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ara combatir la crisis, creo que no hay otra receta que la de continuar mejorando los productos escénicos y mostrar a los espectadores el interés, actualidad y calidad de las representaciones teatrales. Los espectáculos de calidad llenan los teatros. Citar es omitir. Aún con ello me arriesgo a citar el ejemplo del excelente musical “El rey león”, el gran éxito de Stage Holding, que llena la Gran Vía madrileña desde su estreno y continuará con éxito en la próxima temporada. Otros ejemplos como “Agosto” en el Centro Dramático Nacional pueden suscitar la polémica por ser una producción pública, no por el interés causado en la población madrileña. Y son numerosos los ejemplos de producciones privadas que, en plenos tiempos de crisis, están elevando los controles de calidad del teatro español. Más y mejor teatro profesional. Más y mejor comunicación de los espectáculos a través de todos los soportes: audiovisual, digital y papel. Más imaginación y creatividad en la captación de espectadores. No se pueden abandonar los recintos públicos, por la falta de presupuesto municipal, y ponerlos en manos de compañías aficionadas o semiprofesionales, como está ocurriendo en algunas localidades. El trabajo desarrollado en estos años de captación de públicos puede venirse abajo y será costoso volver a recuperarlo. Sorprende –o, mejor dicho, no sorprende– comprobar cómo el mismo espectáculo puede poner el cartel de no hay localidades en un municipio y en otro de similares características no alcanzar ni el 30% de ocupación. Sorprende, y no sorprende, porque la ocupación depende del trabajo desarrollado desde los equipos de dirección del teatro en las últimas temporadas. Los clubes de espectadores, las programaciones de interés de los ciudadanos, la comunicación con los públicos, las políticas de acercamiento a los aficionados, la publicidad y los trabajos de promoción específicos para cada espectáculo obtienen, en la mayoría de los casos, el respaldo del público. Si antes de la crisis era importante fidelizar públicos y captar nuevos espectadores, en tiempos de crisis debería ser un objetivo prioritario de los gestores de los teatros –públicos y privados–. En primer lugar, porque las arcas públicas requieren de los ingresos de taquilla para poder seguir reinvirtien-

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do en artes escénicas. En segundo lugar, porque resulta inmoral gastar alegremente cuando los administraciones no disponen de los recursos básicos para todas sus necesidades. Y en tercer lugar, porque las taquillas afectan directamente a los usuarios de los espacios públicos, es decir, a las compañías privadas, que cada día más actúan a taquilla, fijo más taquilla, seguros de taquilla… sin controlar ni dirigir las políticas de captación de espectadores. Se habla mucho de la necesidad de que las empresas privadas asuman el riesgo de la taquilla. Según y como. Entendámonos. No es lo mismo acudir a un teatro público con una comedia moderna de dos o tres actores que con un clásico con una elevada nómina de actores y técnicos. El riesgo no es equivalente. Aunque sí lo es la indefensión de la empresa privada ante el trabajo de promoción que desarrollen los gestores de los teatros públicos. Esta falta de control y conocimiento puede ser hoy en día causa de desajustes importantes. Sin duda, en el éxito intervienen los gestores públicos. Pero también pueden intervenir en el fracaso económico. ¿Cómo resolver este problema acuciante? En cualquier caso, el teatro público no debería descuidar sus programaciones y debería evitar la programación de espectáculos no profesionales. No es buena política tampoco la de aquellos que, ante la crisis, han olvidado los precios políticos y han elevado el precio de las localidades a cantidades similares a las de los teatros privados de Madrid o Barcelona. Triplicar o cuadruplicar de golpe los precios no parece ser una buena política de captación de espectadores, aunque facilita la posibilidad de que las compañías arriesguen y puedan “ir a taquilla”… Hay excelente profesionales que hacen que las empresas privadas puedan obtener taquillas beneficiosas. Gracias a todos ellos. Y gracias también a las administraciones que, en lugar de cerrar, reforman los teatros y los vuelven abrir, como es el caso de recién reformado y reinaugurado teatro Roma de Murcia: bienvenidos y mucho éxito. No debería abandonarse la iniciativa surgida en los últimos años de mayor implicación de la iniciativa privada en la gestión de los espacios públicos, siempre desde la atención a los intereses generales de la población. En esta línea, la implicación en gestión de

espacios, festivales o ferias, debería estar basada en pliegos exigentes de condiciones, de manera que se respetara siempre una programación abierta y de calidad y se exigiera a la empresa privada el riesgo en la gestión de espacios públicos que se le exige a la compañía que va a representar sus espectáculos en dichos recintos. No deberían abandonarse, antes bien al contrario, deberían incentivarse las coproducciones de los teatros públicos con las iniciativas privadas a fin de dar sentido a las programaciones de calidad y favorecer las producciones de mayor riesgo y de carácter cultural, en una colaboración ejemplar de iniciativas públicas y privadas. Tal vez el INAEM debiera insistir en esta época en su cometido constitucional de “favorecer la comunicación cultural entre CCAA” y propiciar tanto una conferencia sectorial con las CCAA para coordinar y tratar de mejorar las dificultades de la producción y la exhibición de los productos escénicos como su relación con los municipios. Más y mejores producciones para exportar, para favorecer la presencia de las obras escénicas españolas en el exterior. Por un lado, en Iberoamérica. Y, por otro, con Europa y el resto del mundo. Se echa de menos una colaboración más activa con las Embajadas y con los Institutos Cervantes. Se puede y se debe producir en formatos que sean “exportables”, pero también se debe favorecer desde las administraciones las representaciones en el extranjero de las producciones que reflejen la cultura española, tanto de nuestros clásicos como de nuestro teatro más actual. Y en ello, la SGAE (a punto de afrontar nuevas elecciones a su Junta Directiva) debiera apostar de forma decidida por la internacionalización de nuestros autores, dedicarle el presupuesto que se ha dilapidado en aventuras sin sentido. Más y mejor teatro en la nueva ley de mecenazgo. Una ley que, esperemos, incentive tanto la inversión en recintos escénicos (y no solo en los públicos, como el Real, el Liceo, CNTC) como en las obras (puesto que un espectáculo de calidad e interés gira por numerosas ciudades españolas)… Tiempos de imaginación, de diálogo, de esfuerzo, de colaboración. Más teatro, más comunicación, más control y más exigencia para todos. www.elespectaculoteatral.es


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el mundo del espectáculo teatral danza

Lágrimas de Ángel NS Danza Sol Picó ofrece su visión del arte románico expuesto en el MNAC

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a coreógrafa y bailarina Sol Picó ofrece su particular mirada a la colección de arte románico del MNAC (Museo Nacional d’Art de Catalunya) con el espectáculo “Lágrimas de Ángel” que ofrecerá los días 23, 24, 30 y 31 de marzo en dicho museo. La actividad consiste en un itinerario guiado por esta colección de la mano de la danza y la música de Adele Madau (violín), Mariona Sagarra (canto), Verónica Cendoya y Sol Picó (danza). Para después de cada representación también se ha preparado una cena “románica” en el Restaurante Òleum del MNAC creado expresamente con motivo de la exposición y el espectáculo. Por otro lado, la coreógrafa alicantina estrenó recientemente uno de sus últimos montajes en las Naves del Español. Se trata de “Petra, la mujer araña y el putón de la abeja maya”, que estuvo representándose en el citado espacio escénico madrileño entre el 29 de febrero y el 10 de marzo. Tomando como punto de partida la emblemática obra de R.W. Fassbinder “Las amargas lágrimas de Petra von Kant”, en este nuevo espectáculo Sol Picó nos propone una reflexión sobre la monstruosidad y el amor trasladándonos al reino del teatro físico y visceral, explorando temas de poder, obsesión, violencia y humillación, monstruos que al anidar en las relaciones humanas las destruyen. Este emocionante y contundente trabajo de Sol Picó desarrolla experiencias acumuladas últimamente por la coreógrafa y bailarina, como el hecho de trabajar con actrices de teatro de texto mezclando la fuerza de la palabra con la fuerza del movimiento, intercambiando su energía, entrando y saliendo de un espacio al otro, fragmentando y desestructurando la obra. El elenco está formado por dos actrices y cinco bailarines, con la actriz Maru Valdivieso en el papel principal.

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Completa su oferta multidisciplinar con un espectáculo para público familiar

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a compañía de la coreógrafa Nuria Serra, NS Danza, cuyos espectáculos son producidos y distribuidos por Bianchini Producciones, siempre se ha caracterizado por su carácter multidisciplinar, y este año incluye entre su variada oferta “Els Colors del Tic-Tac” (“Los colores del Tic-Tac”), un espectáculo familiar de danza y mímica en el que cuatro bailarines, en el papel de cuatro amigos que se juntan para pasar la tarde, tratan de poner en alza valores como la amistad, el trabajo en equipo y los juegos de toda la vida; promoviendo de esta manera el juego entre los más pequeños frente al sedentarismo y el individualismo de la era de las nuevas tecnologías. Pero es en el cabaret donde NS Danza es una verdadera especialista y esta temporada también presentará sobre los escenarios su ya conocido espectáculo “Little night cabaret”, que reúne los mejores números del género en su vertiente europea y americana y cuenta con un elenco de cinco bailarines, una actriz cómica, un dúo acrobático y una cantante. Por otro lado, la compañía también ofrece un recorrido por los cinco continentes que incluye desde el Can Can de París, a las danzas del lejano oriente, el country o los bailes propios de nuestras regiones con “International Music Hall”, donde además de la danza y la música también hay cabida para la magia. En “Contras-Tes”, sin embargo, las protagonistas son las raíces más tradicionales de la danza y la música de nuestro país, aunque poniendo un punto de inflexión con la danza contemporánea. Esta última se ve acompañada del teatro de texto en “Nit D’Enlevat”, otro de los espectáculos que pondrá en escena este año la compañía de Nuria Serra. www.elespectaculoteatral.es


compañías

el mundo del espectáculo teatral musicales

Gerónimo Stilton, el musical del Reino de la Fantasía Llega al teatro La Latina de Madrid

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eronimo Stilton, el músical del Reino de la Fantasía”, espectáculo promovido por Focus en coproducción con Grup 62 y de la mano de Atlantyca Entertainment (poseedora de los derechos de explotación de la colección de libros del famoso ratón periodista), llega al teatro La Latina de Madrid el próximo 30 de marzo, donde se representará hasta el 6 de mayo. El espectáculo, avalado por un sinfín de buenas críticas y premios, entre los que se encuentran sus dos recientes candidaturas a los Max en las categorías de Mejor Espectáculo Infantil y Mejor Director Musical para Manu Guix, recala en a la capital después su gran éxito en Barcelona, donde sumó más de 100.000 espectadores. En el espectáculo el personaje de Gerónimo nos descubre un mundo fantástico donde los sueños, la magia, la música y la imaginación, son el hilo conductor de una historia fascinante que nos hace volar sobre el lomo de Draghan –el dragón dorado del arco Iris-, descubrimos cual es la Regla de Oro de las hadas y la fuerza de la Compañía de la Fantasía, pero también las malas intenciones de la pérfida bruja Brujaxa, que vive en el Reino de las Brujas y es conocida como la “Nunca Nombrada”–interpretada en esta ocasión por la actriz Belinda Washington– o la peste de los trolls contra los que Gerónimo luchará con la finalidad de salvar a Flordiana, la reina de las hadas.

Forever King of Pop Inició en París su gira internacional

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ás de 300.000 espectadores han podido disfrutar del musical “forever King of pop” durante las dos giras nacionales que ha realizado desde su estreno en marzo de 2010. Ahora esta producción de Summum Music está dispuesta a traspasar nuestras fronteras en una gira europea para la que se ha realizado una adaptación del espectáculo al inglés. Esta nueva gira del único espectáculo homenaje a Michel Jackson reconocido por la Family Jackson Foundation arrancó el pasado 8 de marzo en el Palais de Congrés de París, donde estuvo representándose hasta el día 11. El periplo continúa actualmente en varias ciudades de Polonia, para próximamente recalar en la República Checa y Eslovaquia.

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compañías

el mundo del espectáculo teatral infantil

Patri Zenner

Ofrece su magia teatralizada en dos espectáculos para calle y escena

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unque el ilusionismo es la base de sus montajes, Patri Zenner es una artista multidisciplinar que ha sabido fusionar su magia con otras técnicas escénicas para crear unos espectáculos dirigidos al público familiar muy completos y enriquecidos con multitud de matices. La naturaleza, de la que Zenner es gran amante -cursó estudios de ingeniería forestal- es la gran protagonista de sus creaciones y por ello ha explorado disciplinas que en principio pueden parecer tan ajenas al teatro como son la cetrería o la entomología, combinándolas con el folclore y la mitología de diversas culturas. Actualmente Zenner tiene en cartel dos espectáculos con los que ha participado en los más prestigiosos festivales de teatro y magia: “El mágico viaje de Patri Zenner” y “Forest Tales”. El primero es un espectáculo de calle itinerante en el que Patri Zenner, caracterizada como una bruja y acompañada de su lechuza Alba y el hada Melusina, recorre las calles en un vehículo de pedales ofreciendo en cada parada uno de sus números. La bicicleta que transporta a la maga tiene su propio equipo de sonido y artefactos para los efectos especiales que acompañan a las ilusiones. “Forest tales” es un espectáculo para escena en el que Zenner cuenta también con su lechuza Alba y veinte mariposas monarca vivas, además de otros personajes como un trasgu y un elfo. En este montaje se pueden ver tanto números musicales como otros de interacción con el público. Apariciones, levitaciones, trasposiciones, grandes ilusiones, escapes, mentalismo y prácticamente todas las ramas de la magia se funden con los seres mágicos del bosque, y los animales que en ellos habitan, todo ello guiado por una brujita un poco desastre que intenta que las personas entiendan la importancia del cuidado de los bosques.

El Principito La versión musical de Telón Tolón y Clave de Luna estará en el Nuevo Teatro Alcalá hasta abril

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esde el pasado 18 de febrero, y hasta el 8 de abril, el Nuevo Teatro Alcalá de Madrid acoge las representaciones de “El Principito”, una coproducción de Telón Tolón y Claro de Luna que aborda el relato de Antoine Sant-Exupéry en clave de teatro musical, pero sin dejar de ser absolutamente fiel al texto original. En este montaje dirigido al público familiar, junto a los personajes de el Principito y el Piloto, actúa en escena un coro de diez niños que cantan, bailan, se encargan de realizar los cambios escenográficos e interactúan con los protagonistas. La música original es interpretada en directo por una orquesta formada igualmente por niños que tocan, junto a instrumentos mayores como el piano, el clarinete y el violonchelo principalmente, otros como los timbales, xilófonos, metalófonos, triángulos, flautas, maracas, etc. Los miembros del coro y la orquesta son alumnos de entre 8 y 10 años del Colegio Los Robles que por primera vez dan el salto a un gran teatro de 1.200 espectadores.

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equipamiento

el mundo del espectáculo teatral

Shure

Presenta los sistemas de gestión de red inalámbrica Axient

Stonex Distribuye en nuestro país los equipos de iluminación de la marca Pulsar

Lconvertido en la distribuidora

a firma madrileña Stonex se ha

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espués de su debut en la feria NAMM el año pasado, Shure, marca representada en España por la firma barcelonesa Earpro, presenta en nuestro país el nuevo sistema de gestión inteligente de red inalámbrica Axient, el cual puede cambiar automáticamente las frecuencias que no hayan sido detectadas por el usuario y así evitar interferencias. Este sistema ofrece una larga serie de características y funciones totalmente innovadoras. Para empezar, el Axient se encarga de escanear constantemente el entorno de radiofrecuencias y realiza cálculos de compatibilidad para poder asignar frecuencias limpias a cada transmisor inalámbrico. Monitoriza permanentemente, clasifica y despliega frecuencias de backup. Si la función de “detección y anulación” detecta una interferencia de RF, se desplazará a una frecuencia limpia y compatible, y la enviará al transmisor en milisegundos a través del control remoto Showlink. La función “diversity” va aún más allá. Transmite el audio de banda completa en dos frecuencias separadas para garantizar un sonido sin interrupciones en los canales de emisión crítica. El nuevo software Wireless Workbench 6 de Shure ofrece una función de escaneo que optimiza la potencia de Axient y permite al usuario monitorizar y controlar totalmente toda una red de sistemas Axient. Por último, las nuevas baterías inteligentes recargables y los nuevos cargadores ofrecen una información en tiempo real sobre los niveles de carga y un historial de carga para todos los dispositivos de plataforma de energía.

en nuestro país de los productos de la marca británica Pulsar. Se trata de un fabricante pionero en los sistemas de iluminación LED y soluciones de control para la arquitectura escénica. Pulsar cuenta con más de 40 años de innovación, diseño y experiencia y ha desarrollado una red de distribución global que ha hecho de esta firma un referente en la calidad y eficacia de sus productos. En línea con su compromiso de ofrecer el máximo nivel de atención al cliente, Pulsar se enorgullece de ofrecer una garantía de tres años en todos sus productos. Esta garantía cubre cualquier defecto de fabricación y materiales, además de reforzar la inversión en calidad, diseño y procesos de fabricación de todas sus gamas de producto. Algunas de las últimas novedades de la marca son el nuevo ChromaBeam 100, el ChromaFlood 50 Mains Stand Alone, el ChromaInGround 50 Mains Stand Alone o el ChromaStrip 25, el cual destaca por la facilidad en el trabajo de cableado e instalación.


la técnica, instrucciones de uso

el mundo del espectáculo teatral

Mi jefe es un... Sabemos que la convivencia en los centros de trabajo no es siempre fácil. Las personas que los integran comparten muchas horas de actividad con compañeros y superiores que no han escogido. Digamos que también en el teatro y en la compañía es válido el recitado de la copla: “¡…que madre no hay más que una y a ti te encontré en la calle!”.

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o podemos abandonar a la puerta del teatro o del local de ensayo nuestra forma de ser ni nuestras motivaciones. Vamos con ambas a todas partes -también al trabajo- y determinan la manera en la que nos relacionamos con los demás. Construimos entre todos un “medio ambiente” de trabajo que puede ser fuente de grandes satisfacciones o, por el contrario, puede llegar a amargarnos la vida hasta forzarnos a abandonar el puesto. Este contexto relacional en el que estamos inmersos se conoce como “clima laboral” y es clave para la buena marcha de cualquier proyecto. Aunque se nutre de las percepciones individuales, expresa el sentir compartido por todo el colectivo sobre cómo “se vive” en un determinado lugar de trabajo. Podríamos decir que el buen o mal clima laboral refleja el “estado de ánimo” de la organización. Uno de los agentes que más influyen en la construcción del clima laboral es el jefe inmediato. Su estilo de mando y la manera en que se relaciona con los demás, son factores decisivos que decantan la percepción del clima en un sentido u otro. Frecuentemente las personas que deben dirigir a otras, ya sea a un equipo técnico, un conjunto de actores, o a personal administrativo, no son plenamente conscientes del alcance que a largo plazo tiene su comportamiento y tienden a ser demasiado indulgentes en la valoración de sus capacidades reales. Los profesores S. Pallarés y M. Martínez, de la Universidad Autónoma de Barcelona, exponen en uno de sus estudios la imagen que las personas con mando tienen de sí mismas. Lo hacen evocando diversas representaciones metafóricas que sintetizan cómo los implicados perciben el papel que desempeñan en organización. Exponen diversas tipologías de jefes entre las que destaco algunas: El jefe “Moisés” es aquel que conduce a su equipo (¡un pueblo entero!) a través del desierto, hacia un lugar que ni él mismo conoce, al tiempo que lo cuida y atiende a sus problemas internos. El jefe “capitán de barco” es aquel que se ve a sí mismo al timón, organizando el rumbo, cantando habaneras con la tripulación cuando se da la ocasión y tomando, las más duras decisiones sin que

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le tiemble el pulso. El “león”, que apenas precisa ser detallado, es aquel que se ve como una persona con fuerza y carácter capaz de arrastrar a los demás, convencido de que ha nacido con un especial don de liderazgo. Un caso más curioso es el del jefe que podríamos denominar “gallinero” que se autorepresenta como la mezcla de gallo y gallina: cuida de sus “pollitos”, los ayuda y acuna pero al mismo tiempo cacarea, picotea y marca terreno si la ocasión lo requiere. Finalmente mencionaré la figura del “ingeniero de la locomotora” quien organiza, planifica la estructura motriz y piensa en cómo se puede mejorar la máquina pero, eso sí, desde fuera. Cada una de estas visiones transmite distintas imágenes del jefe. Una con rasgos paternalistas, otra fiera, otra racional y distante… Quizá no haya una única manera de comportarse como jefe. En todo caso, estas autorepresentaciones expresan la percepción subjetiva de cómo se ven a sí mismos. ¿Qué ocurrirá si preguntamos también a los subordinados? Ya no encontramos aquí la idílica representación metafórica de Pallarés y Martínez antes citada sino que surgen calificaciones menos poéticas y más severas. El jefe “tapón” es aquel que impide el desarrollo de sus colaboradores, coartándolos, frustrándolos y limitando el crecimiento profesional. El jefe “martillo de herejes” se comporta como un tirano que esconde su inseguridad reclamando adhesiones inquebrantables y conduciendo a la hoguera a los disidentes. El jefe “medio vacía” tiene una capacidad ilimitada de ver problemas y escenarios catastróficos en todas partes. El “¿quién ha sido?” tiene identificados a los culpables de todos los problemas (excepto él mismo, que, claro está, no tiene responsabilidad ninguna). El jefe “dragón” es un colérico que nos agobia con sus constantes explosiones y reproches. Para el impaciente “Orfeo” todo es para ayer. El jefe “virgencita, que me quede como estoy” abomina del cambio aunque sea para bien. El jefe “avestruz” no tiene mejor estrategia que meter la cabeza bajo tierra para evitar un camión que viene de frente. Al jefe “hombre invisible” aún le esperan en algún despacho y no se

recuerda la última vez que tomó una decisión. También encontramos al jefe “cronómetro”, que llega tarde, llega tarde y llega tarde, motivo por el que nos deja siempre con la palabra en la boca. El “cuello de botella” no delega y retrasa los asuntos. El “agujero negro” se los traga. El jefe “Hamlet” duda, deshoja la margarita… y espera que los problemas se resuelvan solos. La realidad es mucho más rica en matices pero valgan estas evocaciones para expresar en pocas palabras comportamientos complejos. Es importante resaltar que no estamos hablando de cómo “son” las personas que nos dirigen sino de cómo “se comportan”. Entender esta diferenciación nos ayudará a encontrar caminos de mejora. Posiblemente no esté en nuestras manos cambiar la manera en que uno es, pero tenemos capacidad para aprender a modificar nuestro comportamiento. Conducir un equipo humano requiere una gestión adecuada del ya de por sí tempestuoso clima laboral en los teatros y en las compañías. La puesta en pie de un espectáculo -habitualmente sometida a tensiones creativas, económicas, técnicas y organizativas entre otras-, pone a prueba la habilidad y capacitación de los responsables de todas las áreas. Un mal clima laboral nos lleva a preguntarnos: ¿qué hago yo aquí?, ¿obtengo lo que necesito en este contexto de trabajo?. No siempre se puede modificar el estado de ánimo del colectivo, pero abandonar el puesto tampoco parece una vía de solución a nuestro alcance, y menos en los tiempos que corren. Así que no nos queda otra que recordar, a quienes por su ubicación en el organigrama jerárquico tienen capacidad para ello, la importancia de autoevaluar su estilo de mando y su aportación al estado de ánimo general. Y a aquellos que hayan llegado hasta aquí, ya sean jefes, subordinados o colaboradores, sin sentirse excesivamente concernidos por las afirmaciones realizadas, mi más sincera enhorabuena. Tienen un tesoro que conservar. Y es que jefes competentes, “haberlos… haylos”. Jordi Planas

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la última

el mundo del espectáculo teatral reflexión

El crowdfunding y las buenas prácticas Al calor de la radical reducción de los presupuestos públicos destinados a la cultura, las organizaciones culturales orientan su financiación al patrocinio y otras fórmulas de participación ciudadana en la producción artística. El crowdfunding se ha puesto de moda, pero exige un profundo cambio de mentalidad. Es el tema elegido por nuestro colaborador, Robert Muro, para este número.

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no de los rasgos de la situación tan difícil por la que atraviesa el sector cultural y particularmente su parte creativa, es la debilidad desde la que afronta la fuga del dinero público de su terreno de juego. Es una evidencia expresada en las escasas fórmulas de innovación, de nuevos negocios, de nuevas fórmulas de encuentro con los públicos, de nuevos modelos de financiamiento con los que se responde a esta situación. Cuando el tejido cultural –creativo y de gestión– es fuerte, de su seno pueden surgir ideas, proyectos, acciones que afronten las dificultades haciendo de la debilidad virtud, del dolor innovación y de la necesidad, originalidad. El tejido cultural español, sin embargo, es todavía frágil y dependiente. Esta introducción viene a cuento de la eclosión en nuestro país del micromecenazgo, del llamado por los anglosajones crowdfunding. El extraordinario valor de esta fórmula radica en que promueve la participación ciudadana en los procesos creativos, en que puede convertir los proyectos artísticos en procesos sociales, algo tan necesario en nuestro país. A condición, claro, de que se haga bien. En los últimos tiempos han nacido multitud de webs y espacios virtuales dedicados a esta fórmula de captación de recursos financieros para pequeños proyectos artísticos. Verkami, Goteo, Kreandu, Lanzanos, Fandyu, La tahona…, son algunos de ellos. Hasta El Cultural de El Mundo ha abierto sus páginas a esta fórmula y publicita proyectos solicitando apoyo económico que les insufle vida. En mi blog volvía a hablar de este tema a finales de febrero y lo empezaba con la imagen de Don Quijote explicando a Sancho las virtudes inefables del bálsamo de Fierabrás, extraña poción curadora de todo. Y es que a mi correo electrónico han llegado este año ya docenas de solicitudes de apoyo económico –de galerías, teatros, producciones, compañías…– para otros tantos proyectos, como si de un nuevo maná se tratara. El problema –y no menor– es que en el ágora digital se confunden creadores que dan sus primeros pasos, con empresas de largo recorrido, teatros alternativos,

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con compañías que tan solo disponen de una idea encendida… Quienes encabezan esos proyectos, esas solicitudes de dinero suelen decir las mismas cosas de sus proyectos, pedir lo mismo y ofrecer como contrapartida lo mismo, casi hasta el calco. El nivel de diferenciación es tan bajo que este uso del micromecenazgo corre el riesgo de saturación antes casi de nacer. Es preciso huir del concepto de colecta de hucha y pegatina en la solapa. El crowdfunding es una herramienta magnífica para pequeños proyectos, contrastada en un entorno sociocultural como el anglosajón, en el que financiar e incluso invertir en la creación –de larga trayectoria y recorrido– es considerada una práctica de prestigio. Pero la microfinanciación colectiva es algo más que pedir dinero; consiste en ofrecer participación a un determinado entorno social en un proyecto creativo diferenciado del que se ofrecen los rasgos fundamentales y, en muchos de los casos, se compromete la viabilidad. De tal modo que no todo vale. Si dos de los problemas relevantes del sistema cultural español son la falta de integración entre oferta y demanda, y el autismo de numerosas creaciones que no miran a los ojos de su público, una mala interpretación del micro mecenazgo puede llevar a alentar ese modelo, no a cambiarlo. Y es que como cualquier otra estrategia de financiación de la creación artística y la cultura, las buenas prácticas del crowdfunding han de regirse por principios, por objetivos, por estrategias de comunicación y de marketing. Si el patrocinio en España tiene todavía poco recorrido es por la frecuente incomprensión de los solicitantes de patrocinio de que es un viaje conjunto en el que la empresa o la persona que apoye un proyecto y la compañía o impulsora de la creación han de obtener algún tipo de beneficios. Si no es así, la búsqueda de patrocinio se convierte en solicitud y los patrocinadores sienten que quienes piden solamente buscan su dinero. Por eso es tan importante comenzar bien, fijar algunos criterios en estos primeros pasos de la microfinanciación colectiva: Los proyectos abiertos al micromecenaz-

go han de ser serios, estar bien descritos, estructurados y además incorporar su pequeño plan de viabilidad. Las plataformas de crowdfunding, además de tender a la especialización, deben diferenciar los proyectos con aspiración a encontrarse con amplios públicos y acceder al mercado cultural, de aquellos que son expresión de la pura necesidad creativa. El proceso de micromecenazgo debe realizarse con veracidad y los fondos obtenidos gestionarse con transparencia, rindiendo cuentas a los compañeros de viaje que se han apuntado al proceso de creación, del uso y de los resultados. Lo que implica también a las administraciones públicas, que deben establecer un sistema fiscal para este modelo que beneficie al pequeño patrocinador o/y mecenas. Los proyectos de micromecenazgo deben exigirse a sí mismos un alto grado de diferenciación, imaginación y especificidad en relación a otros proyectos similares, lo que implica, también, mirar hacia fuera y no solamente al propio impulso creativo. Una buena regla es no repetir lo que ya está hecho o lo que otros hacen mejor. Quienes busquen crowdfunding han de pensar en los destinatarios ideales de su proyecto y dirigirse a ellos, porque una solicitud de apoyo genérica y universal contribuye a desgastar el modelo y a tratar igual a los desiguales. Esto implica un esfuerzo de las personas y de las organizaciones solicitantes por segmentar a su público, identificar al que es el adecuado y definir los proyectos y los mensajes para él. Y lo que en mi opinión es lo más importante, los proyectos basados en el micromecenazgo deben generar en quienes los apoyen, en quienes aporten su dinero o su esfuerzo, la sensación colectiva de que realmente están contribuyendo a poner en pie un proyecto creativo original. La creación necesita de los ciudadanos para sobrevivir hoy; y los ciudadanos y amantes del arte necesitamos esta fórmula que impulsará la creación en estos malos aunque excitantes tiempos. Robert Muro www.robertmuro.wordpress.com www.elespectaculoteatral.es


Nº 71 Marzo 2012  

El Espectáculo Teatral tiene como principal objetivo servir de vehículo informativo entre todos los ámbitos profesionales del mundo de las a...

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