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Editorial

¿Enhorabuena? on muchas las personas que reciben este mes esta revista por primera vez. ¿Adivinan? Sí, son los concejales de cultura de muchos de los ayuntamientos españoles que han cambiado de signo en las recientes elecciones municipales. A todos ellos van dirigidas estas líneas: EL ESPECTÁCULO TEATRAL es una revista profesional de artes escénicas. Aquí encontrarán mensualmente información sobre las nuevas propuestas que las numerosas compañías de todo tipo que circulan por nuestro país han desarrollado y que, lógicamente, aspiran a encontrar hueco en la programación de sus respectivos teatros, auditorios y/o centros culturales. Información. También van a encontrar páginas de opinión y aquí es donde pueden encontrarse sorpresas y comentarios que a veces pueden hacerles sentirse incómodos: las artes escénicas viven en los últimos dos años una crisis dramática. E imagino que eso ya lo saben. Aunque algunos medios de comunicación hayan difundido, erróneamente, la idea de que lo que pasa en los teatros privados de Madrid y Barcelona es lo que pasa en TOOODO el país. Es posible que cuando se pongan manos a la obra en sus nuevas funciones se den cuenta de en qué lío se han metido: endeudados hasta lo inimaginable, sin poder contar con los ingresos por licencias de obra de sus predecesores, con las arcas vacías… y con la necesidad de apretarse el cinturón. La verdad es que no les envidio a ninguno de ustedes. No sólo necesitan dinero, sino ayuda, ánimos y consejo: no creo que ustedes se consideren en posesión de la verdad ni armados de varitas mágicas, así que solos no van a poder llegar muy lejos. Si se nos permite, querríamos darles un consejo, absolutamente desinteresado, porque nuestra publicación, en concreto, no vive de ustedes ni les debe nada tampoco, pese a que los sectores de las artes escénicas y de la música, casi en pleno, sí tienen cierta dependencia de lo que ustedes decidan a partir de ahora y durante los próximos cuatro años. En sus corporaciones hay gestores y/o técnicos de cultura, que sí conocen este mundo al dedillo: escúchenles. Están por la labor de arrimar el hombro y multiplicar los panes y los peces culturales porque la supervivencia de un sector económico tan importante (se cifra en torno al 4% del PIB español) depende de cómo se gestionen los escasos recursos disponibles. Habrán oído hablar también, imagino, de los problemas que el impago de facturas por parte de los ayuntamientos está provocando en empresas de todos los sectores productivos. Bueno, sin llegar a parar la actividad, pienso que lo prioritario antes que iniciar nuevos proyectos –ya hemos oído alguna sandez acerca de cambiar determinado mobiliario urbano de una gran capital andaluza– es hacer frente a las deudas contraídas, muchas de las cuales han llevado ya a la ruina a bastantes empresas de nuestro sector (y de otros). Y encontrar alternativas para seguir hacia delante sin estrangular la economía: si no van a tener dinero para contratar “x” espectáculos como hasta ahora, pueden contratar menos. O, de nuevo, escuchar a sus gestores y técnicos. Ellos sabrán negociar con las compañías para que la economía no se pare y las necesidades culturales de sus vecinos no se vean mermadas. Y, por favor, no interfieran en los pagos: recuerden la sentencia del Tribunal Superior de Justicia de Andalucía de 20 de julio de 2010 que obliga al alcalde y al secretario judicial de la población de Castilleja de Guzmán a responder con su patrimonio personal por la dilatada demora en hacer frente a los pagos a los que estaba obligada la corporación municipal, la bonita cifra de 555.887,37 euros. No, realmente no les envidio. Pero lo cierto es que han llegado en un momento en el que los que sean más sensatos y sepan escuchar al experto pueden conseguir lo inimaginable: el respeto y el cariño de sus conciudadanos.

el mundo del espectáculo teatral www.elespectaculoteatral.es Edita: Publicaciones Teatrales S.L.

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Jesús Rodríguez Lenin Editor

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c/ Julián Camarillo 47 port. D of. 104 28037 MADRID Tel.: 91 304 04 88 Director: JESÚS RODRÍGUEZ FERNÁNDEZ lenin@dosdimensiones.es Director de arte: ENRIQUE PÉREZ eperez@dosdimensiones.es Redactora Jefe: CRISTINA RELLO VARONA cristina@elespectaculoteatral.es Redacción: JAVIER MORA, CLARENCE J. BODDICKER. Autoedición: LAURA R. DIONIS, FRANCISCO CACENAVES Publicidad: ABEL VALERO SALINAS abel@elespectaculoteatral.es Publicidad Equipamiento: SANTIAGO GARCÍA santigarcia@dosdimensiones.es Fotocomposición: Dos Dimensiones, S.L. Depósito Legal: M-46213-2005 Imprime: Gráficas Villena. Distribuye: National Post.

SUMARIO: 6 PREMIOS - 6: Especial Premios Max 22 DEBATE - 22: ¿Cómo se puede mejorar el papel de los medios de comunicación en la difusión de las artes escénicas? 29 FERIAS Y EVENTOS - 29: Mostra de Teatre d’Alcoi - 32: Umore Azoka - 33: Fira de Teatre de Titelles de Lleida - 35: Festival de Mérida - 36: Danza a Escena - 37: Clásicos en Alcalá 38 COMPAÑÍAS - 38: Entrevista a Jorge Palomar y Amadeo Vañó - 41: Teatro de texto - 49: Danza - 50: Teatro multidisciplinar - 51: Infantil 53 EQUIPAMIENTO ESCÉNICO OPINIÓN - 28: Heteatrodoxias, de Xavier Marcé - 42: El Apuntador, de Santiago Fajardo - 48: El Hereje, de Eduardo Galán - 58: La reflexión, de Robert Muro

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La XIV edición de los Max corona a Miguel del Arco y Aitor Tejada La gala, dirigida por Juan Carlos Rubio, se celebró en el Gran Teatro de Córdoba “La función por hacer”, una obra que si fuera de cine se habría proyectado en salas de esas que estrenan películas en versión original, las que antiguamente se denominaban “de arte y ensayo”, fue la gran triunfadora en la XIV edición de los PREMIOS MAX DE LAS ARTES ESCÉNICAS que convocan la Sociedad General de Autores y Editores y la Fundación Autor. Una obra, unos actores y unos responsables finales de los que no son conocidos por el gran público. Un premio para el teatro intelectual, teatro dentro del teatro, hasta cierto punto: una adaptación libre –premiada por los votantes de la gala– de uno de los textos clásicos del teatro más intelectual del siglo XX, “Seis personajes en busca de autor”, de Luigi Pirandello.

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Hasta siete de las manzanas diseñadas por el poeta visual Joan Brossa fueron cayendo, una a una, en el saco que se habían llevado hasta Córdoba los responsables de Kamikaze Producciones, Miguel del Arco y Aitor Tejada, favoritos en todas las quinielas elaboradas por la prensa especializada. Lograron dos estatuillas los espectáculos “El ball” de la inevitable Sol Picó, “Glengarry Glen Ross”, “Nubes” y “La lucha libre vuelve al Price”. Encomiable, una vez más, el esfuerzo llevado a cabo por la SGAE por sacar adelante una iniciativa que, en puridad, no le correspondería: ¿cuántos de los galardonados son autores?, es decir, ¿cuántos de ellos son miembros de la entidad de gestión? Pocos. La SGAE, no obstante, lleva catorce años apostando, a falta de una Academia de las Artes

Escénicas, por un sector disgregado, muy dado, paradójicamente, a lo asociativo (¡muchas asociaciones, hasta las de barrio!), pero sin cohesión industrial. Un sector más numeroso que el del cine, y con más repercusión económica, pero que, sin embargo, no consigue hacerse oír donde le corresponde, La SGAE organizó la gala en el Gran Teatro de Córdoba, contando con la dirección de uno de los autores/directores más destacados del momento, el montillano Juan Carlos Rubio, que planteó la gala como si fuera “un ensayo general –como explicó a EL ESPECTÁCULO TEATRAL el propio Rubio–, que es algo por lo que pasamos todos los que nos dedicamos al teatro y que es uno de los momentos de la creación teatral que no se había hecho previamente en las anteriores

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De izda. a dcha: Juan Carlos Rubio y Rafaela Valenzuela (concejala de cultura de Córdoba), con cuatro de los actores participantes en la gala –Natalia Millán, Fernando Tejero, Ángel Ruiz y Chema Noci–. No aparece en la foto Toni Cantó, quien también participó en la ceremonia. A la derecha, Óscar Millares, jefe de área de Artes Escénicas de la Fundación Autor y coordinador del evento.

Inscripción para los Premios Max 2011 El periodo de inscripción de espectáculos para la XV edición de los Premios Max de las Artes Escénicas será del 1 de Julio al 30 de septiembre de 2011. Podrán participar aquellos montajes de teatro, teatro musical, espectáculo infantil y de danza estrenados, reestrenados o en gira entre el 1 de septiembre de 2010 y el 31 de agosto de 2011, debidamente registrados en SGAE.

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galas de entrega de los Max”. En recuerdo al clamoroso “fallo informático” que ensombreció la gala de la XIII edición haciendo público, antes de tiempo, el nombre de los ganadores, el autor quiso jugar “con la idea del error, que es algo inherente a los ensayos generales, ironizando aquel error informático que hubo en la entrega de los Max de 2010”. Hasta el propio presidente del Consejo de Dirección de SGAE, Teddy Bautista, se prestó al juego que planteaba Rubio, que contó con un reparto de actores de primera. “La Fundación Autor ha hecho una labor excelente de producción –comenta–. Estuvieron de acuerdo en que fuera mi temática, mi reparto y toda la dirección artística como yo quisiera. Pude trabajar con mi equipo habitual: José Manuel Guerra como iluminador y Nani Soriano, que es mi ayudante de dirección. La gala también me sirvió para trabajar por primera vez con Rafael Garrigós como escenógrafo, que me ofreció muchas posibilidades para dar el toque televisivo que se precisaba. Por otra parte, he contado con un reparto espectacular, de auténtico lujo: Natalia Millán, Toni Cantó, Ángel Ruiz, Chema Noci… Pensé en Fernando Tejero no sólo por ser un gran actor sino por ser de Córdoba y porque al ser una gala televisada él resulta muy telegénico”.

© Ignacio Evangelista/SGAE.

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José Monleón, quien acudió a la gala acompañado por su hija Ángela, recibió su premio Max de Honor de manos de la Ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde.

José Monleón Premio Max de Honor

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ombre de teatro hasta la médula –creador en 1957 de la revista “Primer acto” y Premio Nacional de Teatro en 1984–, el crítico y promotor teatral José Monleón recibió uno de los más incontestables Premios Max de Honor de todos los tiempos. El cariño y reconoci-

miento que le profesa la familia española de las artes escénicas quedó patente en el momento en el que recibió el galardón que concede la SGAE, al recibir la más cálida bienvenida de la noche. Fue también protagonista de una de las anécdotas de la gala, al “negarse” a abandonar

el escenario hasta terminar de leer el texto de agradecimiento que había preparado, lo que fue jaleado con aplausos por la concurrencia. Como muestra también de nuestro respeto y admiración hacia su figura, reproducimos a continuación el citado texto:

José Monleón. Breve memoria Cuando empezó la Guerra Civil española, tenía 9 años, edad angelical e irresponsable. Viví de inmediato –por el simple hecho de mirar y escuchar– una serie de episodios que me marcaron para siempre. Quizá, al principio, las crueldades y contradicciones me parecieron, como a tantos, un componente natural de la vida humana. Hasta que, acompañando con mis padres a un tío mío nombrado Cónsul de la República en Marrakech, descubrí ya que había otro mundo, donde se hablaban otras lenguas y habían otros dioses, distinto de la España en llamas que acababa de vivir. La segunda experiencia decisiva ocurrió en el 39, cuando, tras la entrada de las tropas nacionales en Llansá, pueblecito fronterizo de la provincia de Girona, donde mi padre había sido destinado como telegrafista, ocurrieron unos incidentes resueltos con el fusilamiento de un cabo que había violado

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a una muchacha del lugar. Tenía yo doce años y formé parte del vecindario a quien se ofreció la representación para mostrar la respetuosa justicia de los vencedores. Entendí entonces que el mundo no era necesariamente lo que dicen y hacen los que mandan, que muchas gentes estaban hechas para otro mejor, más justo y bondadoso. Leo ahora la cantidad de cosas que he hecho en las siete décadas que me separan de aquella triste tarde de Llansá y pienso que mi energía quizá nació de mi rebelión contra una tierra de sangre y de miseria, envuelta por bellas canciones y delicados sermones que nos hablaban de la fraternidad, el amor al prójimo y la gracia de Dios. En el fondo, siempre me he sentido ligado, primero, a las víctimas de la Guerra Civil española; y, paralelamente, quizá por aquellos meses de Marrakech en los que vi a gente muy distinta a mí, a cuantos

sufrían, en cualquier parte, el delirio y la injusticia de los líderes mesiánicos y de los dictadores. Me pareció ya entonces que la historia del hombre era, a menudo, una simple historia de invasores y conquistadores, de gente que no dejaba vivir apaciblemente a los demás. Y, a la vez, que, desde hacía siglos, muchas personas habían pensado igual. Cuanto he escrito y he hecho, mal o bien, con errores o sin ellos, en los más diversos campos, ha tenido ese estímulo. Y por él llegué al teatro, que, en las grandes ocasiones, es la voz de un imaginario que huye a realidades, sociales y personales, que le han sido negadas. Agradezco de corazón este Premio MAX que concede la profesión teatral, y lo ofrezco de buen grado a las miles de personas cuyos nombres y rostros he olvidado, pero que siempre han estado y siguen estando a mi lado.

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De manos del escritor Antonio Gala, recogieron el galardón Antonio Morales, Francisco González y Antonio Lozano.

Premio Max de la Crítica

Festival del Sur-Encuentro Teatral Tres Continentes El Festival del Sur-Encuentro Teatral Tres Continentes reúne desde 1988 a compañías teatrales de América, África y Europa. Está organizado por el ayuntamiento de la Villa de Agüimes, una pequeña localidad de la isla de Gran Canaria. Su finalidad es celebrar, a través del teatro, la interculturalidad y la solidaridad entre los pueblos. La comunicación y el diálogo, el conocimiento del otro, el intercambio de vivencias y la reflexión sobre el mundo y el ser humano son objetivos fundamentales de este festival, por el que han pasado más de 300 compañías y que está vinculado al CELCIT, Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral, institución que ya recibió este mismo galardón en 2010. Las 22 primeras ediciones del festival fueron dirigidas por Antonio Lozano, mientras que desde el año pasado lo dirige Francis González. © Nur Comunicación.

Premio Max Iberoamericano

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Premios o de honor

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Luis F. Jiménez, director del Festival Don Quijote.

Festival Don Quijote

Laura Kumin, directora del Certamen Coreográfico de Madrid.

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Fue en 1992 cuando nació el Festival Don Quijote de París, un proyecto cultural avalado por la UNESCO y el Consejo de Europa que cuenta con un triple objetivo: presentar al público y a los profesionales franceses una amplia muestra de la producción escénica española y latinoamericana; difundir, en el ámbito internacional, la lengua española, sus autores, compañías, coreógrafos y músicos; y favorecer la integración en la sociedad francesa y la participación en la vida cultural parisina de los residentes hispanos. Desde su creación, más de 60.000 espectadores han apreciado el trabajo de 132 compañías en 189 producciones. Con las funciones, lecturas, conferencias y encuentros, todas las comunidades autónomas españolas y prácticamente todos los países latinoamericanos han sido representados en el festival.

Premio Max a las Nuevas Tendencias Certamen Coreográfico de Madrid Coincidiendo con su XXV aniversario como plataforma de creación que muestra la actualidad de la danza contemporánea y da a conocer a jóvenes valores emergentes, el Certamen Coreográfico de Madrid recibió el pasado 9 de mayo el Max de las Nuevas Tendencias. Desde su primera edición este evento ha servido de apoyo y lanzamiento para más de 250 coreógrafos y casi mil bailarines, en él se han creado numerosas compañías de danza y ha consolidado la trayectoria de multitud de creadores independientes. Sus defensores esperan que la concesión de este galardón frene la amenaza que en forma de recorte presupuestario se cierne sobre su convocatoria de este año.

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a función por hacer”, la obra de Kamikaze Producciones basada libremente en el clásico de Pirandello “Seis personajes en busca de autor”, ha sido la gran protagonista de la XIV edición de los Premios Max. Miguel del Arco y Aitor Tejada, los productores de la obra, obtuvieron los galardones correspondientes al Mejor Espectáculo de Teatro, al Mejor Empresario o Productor Privado de Artes Escénicas –a Kamikaze Producciones–, al Mejor Director de Escena –que recayó en Miguel del Arco–, a la Mejor Adaptación de Obra Teatral –a los propios Miguel del Arco y Aitor Tejada–, al Mejor Actor de Reparto –Raúl Prieto–, a la Mejor Actriz de Reparto –Manuela Paso– y al Mejor Diseño de Iluminación –Juanjo Lloréns–. El éxito estaba cantado: el runrún sobre las bondades de esta obra recorrió los cenáculos teatrales durante el invierno 2009-2010. Era la obra que recomendaban a sus amigos todos quienes entienden de teatro, como un año antes había sucedido con “La omisión de la familia Coleman” del argentino Claudio Tolcachir. “La obra la montamos en el verano de 2009 – recuerda Miguel del Arco–. Se ensayó en cuatro semanas e hicimos tres representaciones en la misma sala de ensayos, donde apenas cabían treinta personas. Ayanta Barilli, la programadora del teatro Lara, estaba entre el público y nos dijo que teníamos el hall del Lara a nuestra disposición, pero que tenía que ser de inmediato porque se iba a rodar allí una película. El 4 de diciembre, a las doce de la noche, estrenamos la función en el Lara. ¡Una hora muy propicia para ver una obra de filosofía y densidad! (risas). Al principio venían los amigos, pero el boca a oreja funcionó de una manera inaudita y en poco tiempo había bofetadas para conseguir una entrada”.

La función por hacer Triunfa en la XIV edición de los Max logrando siete manzanas “En esos mismos tres pases que dimos en el local de ensayo ya se produjo una importante aglomeración –añade Aitor Tejada–. El primer día vinieron las treinta personas que cabían; el segundo vinieron cuarenta y el tercero ya fueron sesenta, que no pudieron entrar, lógicamente. Sin haber estrenado la obra ya se había creado una energía increíble, hasta el punto de que nos llamaron amigos de Barcelona preguntándonos por la obra… Luego fuimos al Lara y de ahí al Español…”.

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En el momento de recoger uno de los galardones de la noche Del Arco aprovechó la oportunidad para recordar su paradójica situación de “mileuristas”, pese al notable éxito obtenido por la obra, por la precariedad a la que les abocan los ayuntamientos españoles con las deudas que mantienen con todas las compañías de teatro y danza del país. Pocos días después, los autores repetían esos argumentos para EL ESPECTÁCULO TEATRAL. “Llevamos un año y medio instalados en el éxito profesional haciendo muchos bolos y no podemos tener un sueldo decente –afirma Miguel del Arco–, porque hay que guardar un remanente para poder pagar a nuestros trabajadores. Ahora ha desaparecido la red de Murcia y nadie se hace cargo de las facturas emitidas. No sabemos a quien podemos reclamar el pago de los bolos que hicimos con ‘La función…’, porque ha desaparecido el estamento de la administración que lo contrató. La administración se ha encargado muy bien de que todas las redes dependan de ayuntamientos y comunidades –prosigue–. Por otra parte, se han subvencionado a fondo perdido los teatros, con programaciones tremendas que se han dejado en manos –no siempre, porque no se puede generalizar– de mucho programador que ni sabe ni le gusta el teatro. Gente que no ha visto la función que estaba programando, porque la ha comprado de oídas, y que tampoco se quedaba a verla cuando llegaba a su teatro porque había quedado con su cuñado o cualquier otra excusa”. “Yo no quiero que me subvencionen – añade para finalizar–. Yo quiero que me paguen el precio justo, pactado. Lo que están haciendo los ayuntamientos no es subvencionarme a mí: están subvencionando al público con medidas populistas, rebajando el precio de las entradas de forma que la gente no está pagando por ver un espectáculo en directo. Si se paga menos de lo que cuesta ir al cine hay algo que no está funcionando. No se trata de que demos la vuelta a la tortilla, que todo sea absolutamente privado y que nos vayamos a recorrer el país con una carpa, pero han maleducado a las audiencias y han tirado por tierra la posibilidad de que yo pueda encarar una gira por mí mismo, sin contar con las administraciones. ¿Qué va a pasar si yo me voy ahora con una carpa por ciudades y pueblos, cuando todo el mundo ha estado acostumbrado a ver teatro por seis u ocho euros y yo les tengo que cobrar veinte?”.

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Aitor Tejada (foto superior) y Miguel del Arco, recogiendo dos de las siete manzanas que obtuvo su obra en el transcurso de la gala. Los dos creadores fundaron Kamikaze Producciones en 2000 para abordar sus proyectos cinematográficos y sus guiones de televisión. “La función por hacer” fue su primer proyecto teatral, al que siguió en 2010 “El proyecto Youkali” y, en 2011, “Veraneantes”. A la izda. les vemos juntos en La Abadía. © Nur Comunicación.

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Más información en la edición digital

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Mejor Actriz de Reparto

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a actriz madrileña –colaboradora habitual de Miguel del Arco y Aitor Tejada, con quienes trabaja actualmente en su obra más reciente, “Veraneantes”– es uno de los rostros más reconocibles de la televisión española. La hemos podido ver en series como “Amar en tiempos revueltos”,”Hospital Central”, “El comisario” o “El círculo rojo”, además de en obras de teatro de la importancia de “El burlador de Sevilla”, dirigida por Miguel Narros; “Ligazón (avaricia, lujuria y muerte)” y “Metamorfosea”, a las órdenes de Ana Zamora; “La dama duende”, dirigida por José Luis Alonso de Santos o “El cuerdo loco”, de Carlos Aladro.

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Manuela Paso

La función por hacer

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Raúl Prieto Mejor Actor de Reparto

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resente en series de televisión como “La señora”, “Los Serrano”, “Amar en tiempos revueltos” o “Un paso adelante” y películas como “7 segundos”, de Pablo García Cuadrado; “El límite”, de Miguel Ángel Refoyo o “La fiesta”, dirigida por Manuel Sanabria y Pocho Villaverde, Raúl Prieto es, ante todo, un actor de teatro, colaborador habitual de los últimos trabajos de Miguel Narros (“La señorita Julia”, “Móvil” y “Salomé”). Tras su participación en “La función por hacer” ha vuelto a trabajar con Kamikaze Producciones en su montaje más reciente, “Veraneantes”.

Mejor Diseño de Iluminación: Juanjo Llorens Toda la información sobre este galardón se encuentra en la página 55 de esta revista.

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De izda. a dcha: Nina Reglero, directora de “Dogville”; Carlos Nuevo, director de arte; y Jacinto Gómez, productor del montaje.

Dogville

con la película, como nos contó Nina Reglero, directora del montaje: “Existe la similitud del texto, que es el guión de la película, pero no hay ninguna más. Nosotros trabajamos ese texto como si se tratara de una obra teatral más, el guión fue nuestro lugar de búsqueda único y sin referentes plásticos o rítmicos con el film, y eso favoreció la apuesta por un concepto general muy diferente. El espacio escénico se convirtió en los vestuarios de unas minas con las cestas colgantes y el tempo se generó a partir de la sugerencia musical que en nuestro caso se basa en el blues, el rock y que propone una energía muy diferente a la de la película”. Premio al Mejor Espectáculo en la Feria de Teatro de Huesca, a través de un reparto coral de actores y músicos la obra narra la vida de Grace, fugitiva perseguida que se

Mejor Espectáculo Revelación

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a versión teatral de “Dogville”, la aclamada película del cineasta danés Lars von Trier, ha llevado a la compañía vallisoletana Rayuela a alzarse con el premio Max al Mejor Espectáculo Revelación en esta edición. Sin embargo, al contrario que en el largometraje, cuya trama se desarrolla en una población de Estados Unidos, aquí la acción tiene lugar en la cuenca minera del norte de Palencia y León, un ambiente que la formación conoce mucho mejor. Y es que no son demasiadas las semejanzas existentes

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refugia en el miserable pueblo minero de Dogville. Los habitantes del lugar, animados por Tom, un joven aspirante a escritor, deciden esconder a Grace a cambio de trabajo. Pronto los vecinos exigirán una mayor compensación por el riesgo al que se exponen. Esta coproducción de Rayuela con la Fundación Siglo para las Artes de Castilla y León, en la que colabora Azar Teatro, se desgrana entre el sarcasmo, la tristeza, la ironía y el dolor. “Nos gustaría que este Max nos abriera puertas –explica la directora de “Dogville”, que se impuso a las catorce propuestas representativas de otras tantas comunidades autónomas–, pero también tenemos la cabeza fría y de momento lo consideramos como una confirmación del trabajo hecho hasta ahora, que ha sido muy intenso”. Más información en la edición digital

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premios Prácticamente todo el equipo de “Pegados” subió al escenario para recoger su “manzana” al Mejor Espectáculo Musical.

Pegados Mejor Espectáculo Musical y Mejor Director Musical a Joan Miquel Pérez ué pasaría si alguien se quedara pagado a su pareja mientras hacen el amor? Ese es el planteamiento inicial de “Pegados”, un musical alejado de lo convencional. Cuatro actores, un piano, una historia inverosímil y música en directo son los ingredientes de este espectáculo producido por The Kaktus Music Corporation, concebido como las actuales comedias de situación televisivas. Instantes después de conocerse en una discoteca, una pareja que mantiene una relación sexual se queda, extrañamente, pegada. En esta inusual situación la escena se traslada a un hospital donde, durante una larga espera, los personajes empezarán a conocerse con la única compañía de una enfermera y un médico-pianista. Dirigida por Víctor Conde sobre un texto de Ferrán González, también autor de las canciones, y con música de Alicia Serrat, este montaje de pequeño formato está protagonizado por ambos creadores y cuenta además con la presencia de Gemma Martínez y Joan Miquel Pérez sobre el escenario. Precisamente Joan Miquel Pérez, que interpreta al médico-pianista, ha sido galardonado además con el Max al Mejor Director Musical por su labor en este musical. Pérez es licenciado en Filosofía por la Universitat de Barcelona y se formó como músico en el Conservatori Superior de Música del Liceu y en el Taller de Musics de Barcelona. Su trayectoria como compositor incluye la coautoría del espectáculo “Trakatap” y la elaboración de arreglos para la compañía de danza Camut Band, entre otros.

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Joan Miquel Pérez, Mejor Director Musical por “Pegados”.

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Javi Torres, productor de Aracaladanza, agradeció el galardón que recibió la compañía.

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racaladanza se convirtió, en 2008, en la primera compañía de danza española y la primera dedicada al público infantil y familiar que lograba obtener tres premios Max en una misma edición. Este hito lo consiguió con “Pequeños paraísos”, que fue reconocido con los galardones al Mejor Espectáculo Infantil, Mejor Diseño de Vestuario y Mejor Escenografía. Precisamente con el estreno de

este espectáculo la compañía afincada en Madrid dio inicio a una trilogía escénica basada en la obra de maestros de la pintura: El Bosco, Rene Magritte y Joan Miró. Con el segundo episodio de esta serie, titulado “Nubes”, el dedicado al genio belga del Surrealismo, la formación ha vuelto a ver recompensado su trabajo, esta vez con las “manzanas” al Mejor Espectáculo Infantil y al Mejor Figurinista. El universo onírico de Magritte inspiró a Aracaladanza en este reto, ya que su producción fue sugerida por influyentes instituciones teatrales británicas como el Sadler’s Wells Theatre de Londres – donde estrenó la versión de gran formato del espectáculo– y la agencia británica de danza DanceEast. Al proyecto inicial

se sumaron el Mercat de les Flors de Barcelona y el Auditorio de Tenerife. En los cuatro último años, la compañía encabezada por el argentino Enrique Cabrera ha levantado el telón en más de 600 ocasiones; ha visitado festivales internacionales de África, Europa y Asia; ha mantenido una estrecha colaboración con compañías argentinas de teatro y títeres y ha pisado escenarios de Alemania, Holanda, Francia, Hong Kong, Marruecos, Reino Unido y Taiwan. Para ver el tercer episodio de su serie pictórica, el dedicado a Joan Miró, habrá que esperar a diciembre de 2012.

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Mejor Figurinista: Elisa Sanz Toda la información sobre este galardón se encuentra en la página 56 de esta revista.

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el mundo del espectáculo teatral Especial Max 2011 © Paco Manzano.

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El director del Teatro Circo Price, Pere Pinyol, y José Antonio Ortega, director artístico del espectáculo, observan a Israel Galvan durante uno de los ensayos.

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Ara Malikian, tras recibir su Max a la Mejor Composición Musical para Espectáculo Escénico, compartido con Carles Santos.

Carles Santos, descendiendo de las alturas, en un instante del “combate” que mantuvo contra sí mismo en el transcurso de “La lucha libre vuelve al Price”.

La Lucha libre vuelve al Price Mejor Composición Musical para Espectáculo Escénico: Carles Santos y Ara Malikian Mejor Intérprete Masculino de Danza: Israel Galván

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ueron apenas ocho funciones, pero dejaron huella. “La lucha libre vuelve al Price” se estrenó a finales de enero de 2010 y varios de los participantes en los “combates” que allí se desarrollaban han sido premiados en la XIV edición de los Premios Max. El compositor castellonense Carles Santos y el libanés Ara Malikian han obtenido el Max a la Mejor Composición Musical para Espectáculo Escénico por las partituras desarrolladas en el citado espectáculo, mientras que Israel Galván ha logrado el Max como Mejor Intérprete Masculino de Danza. “La lucha libre vuelve al Price” es un

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proyecto ideado por Pere Pinyol, director del recinto escénico madrileño, en su afán por recuperar de un modo sui géneris las cosas que se hacían en el legendario circo desde su fundación, en 1868, hasta el cierre definitivo de sus puertas en 1970. “El espectáculo lo dirigió José Antonio Ortega –comenta Pinyol–, un profesional con mucho talento al que conocí cuando dirigía la sala Villarroel de Barcelona, y con la participación de Alfons Flores –que ha sido escenógrafo de Calixto Bieito y ahora hace las óperas de La Fura dels Baus–, que nos diseñó el ring de metacrilato”. Espectáculo transgresor y vanguardista

donde los haya, “La lucha libre vuelve al Price” ha permitido que los Premios Max hayan reconocido por primera vez las trayectorias de dos artistas que han alcanzado la popularidad en los últimos años, el violinista libanés de origen armenio Ara Malikian y el revolucionario bailarín sevillano Israel Galván, Premio Nacional de Danza en 2005. Por su parte, Carles Santos ha obtenido varios premios Max en diversas ediciones, además de haber recibido el Premio Nacional de Música en 2008 y haberse convertido desde los años 80 en la máxima figura del teatro musical español.

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Sol Picó

el mundo del espectáculo teatral Especial Max 2011 © David Ruano.

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Mejor Intérprete Femenina de Danza y Mejor Coreografía por “El ball”

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a son diez los Max que atesora la bailarina y coreógrafa alcoyana en su trayectoria, entre otros galardones, como el Premio Nacional de Danza de Cataluña en 2004. A los dos logrados en 2002 por “Bésame el cáctus” (Mejor Coreografía y Mejor Intérprete Femenina de Danza) –al que se añadió uno más en la edición de 2003 como Mejor Espectáculo de Danza–, los dos que obtuvo en 2004 con “La dona manca o Barbi Superstar” (Mejor Espectáculo de Danza y Mejor Coreografía) y los que consiguió en 2005, 2009 y 2010 con, respectivamente, “Paella mixta” (Mejor Coreografía), “Sirena a la plancha” (Mejor Espectáculo de Danza) y “El llac de les mosques” (Mejor Coreografía), tiene que sumar los dos obtenidos con “El ball” en la decimocuarta edición de los premios que organizan la Sociedad General de Autores y Editores y la Fundación Autor, correspondientes a la Mejor Intérprete Femenina de Danza y la Mejor Coreografía. Coproducción del Teatre Nacional de Catalunya y el Centro Dramático Nacional, “El ball” se estrenó en noviembre de 2009. Se trata de una obra que fusiona teatro y danza, mezcla acerca de la cual la bailarina opinaba en aquellos momentos que “todo enriquece el movimiento. No es fácil, y cada vez menos. Pero es una manera de darle vida al movimiento. Siempre he dicho que la danza es el pan, la base, pero necesito mezclarla con otros ingredientes para jugar. Y siento mucha curiosidad por investigar otros campos”. “Tenía ganas de hacer de actriz un poco y de dejarme dirigir –añadía–. Y, de golpe, todo coincidió. Anna Lizaràn se fijó en la novela y Sergi Belbel nos lo propuso…”. En “El ball” Sol interpreta a Antoniette, la hija adolescente de madame Kampf. La familia se ha hecho rica de repente y madame Kampf organiza un gran baile para darse a conocer en sociedad… sin invitar a su hija, quien, para vengarse, en vez de enviar las invitaciones como su madre le pide las tira al río para que no asista nadie.

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premios © Nur Comunicación.

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Carlos Hipólito Mejor Actor Protagonista por “Glengarry Glen Ross” l premio de la Unión de Actores –otorgado en varias ocasiones–, el Mayte de Teatro, un Max al Mejor Actor Principal en 1999 por su trabajo en “Arte”, al que ahora se le suma otro en la misma categoría por su labor en “Glengarry Glen Ross”... Los trofeos se empiezan a acumular en las vitrinas de Carlos Hipólito. “Es verdad que me han dado muchos premios –indica el propio actor–, desde luego muchos más de los que nunca soñé tener, y es algo que agradezco infinito. Pero, aún así, no es algo que ya tome por costumbre, ni mucho menos. Por eso, cada nuevo reconocimiento me ilusiona y me llena de alegría como la primera vez”. El argumento de “Glengarry Glen Ross” parte de una curiosa, y a la vez cruel, premisa. La crisis apremia en una empresa inmobiliaria que propone a sus empleados el siguiente sistema: el mejor vendedor será recompensado con un Cadillac, el segundo más eficiente con un juego de cuchillos, y el que menos venda será despedido. “El momento actual de crisis económica conecta directamente con el argumento de ‘Glengarry Glen Ross’. Y la historia de esos vendedores luchando como fieras acorraladas por su puesto de trabajo, lógicamente atrapó más rápidamente a un público sensibilizado con este tema. Pero más allá de circunstancias coyunturales, creo que la maestría del texto de (David) Mamet y la sabia dirección de (Daniel) Veronese, fueron los verdaderos artífices del éxito de ese montaje”, opina Hipólito. El teatro Español produjo este magnífico montaje, con el que Mamet consiguió el Pulitzer en 1984, mientras que de la producción en gira y de la distribución se encargó Lazona.

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Mejor Escenografía: Andrea D’Odorico Toda la información sobre este galardón se encuentra en la página 54 de esta revista.

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Vicky Peña Mejor Actriz Principal por “Marburg”

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icky Peña está cerca de convertirse en leyenda viva de los escenarios españoles. Solo en el palmarés de los premios Max acapara ya cuatro “manzanas enmascaradas” de Joan Brossa en el apartado a la Mejor Actriz Principal por sus interpretaciones en “Sweeney Todd”, “La reina de la belleza de Leenane”, “Homebody/Kabul”, y la más reciente por “Marburg”. Toda una guinda al Premio Nacional de Teatro que recibió en 2009. Estos galardones llevan a pensar que la conocida actriz pudiera estar en el punto álgido de su carrera... “Tal y como yo lo veo, en esta carrera siempre se está en proceso, aprendiendo. La interpretación de un personaje, en cualquier obra, siempre es un entrenamiento del ‘músculo actoral’ para todas las siguientes... De modo que si lo de ‘álgido’ quiere decir que si he llegado a alguna parte, la respuesta es no”, aclara la intérprete catalana, heredera de una familia de actores. Lo que más le gustó a Vicky Peña de “Marburg”, fue, en primer lugar, “el aspecto coral que ofrece la obra. El hecho de que mi personaje apareciera en dos edades distintas también me pareció muy atractivo. Y trabajar a las órdenes de un director escénico con el que no lo había hecho antes también me atrajo”. Se refiere a Rafael Duran, máximo responsable de este texto de Guillem Clua, una de las voces más innovadoras del teatro catalán contemporáneo y cuyas obras ya se han representado con éxito en Estados Unidos. La obra, producida por el Teatre Nacional de Catalunya, aborda cuatro historias que, en el transcurso de 40 años, ocurren en cuatro sitios del mundo llamados Marburg (Alemania 1967, Pensilvania 1981, Sudáfrica 1999 y Australia 2007), y en las que el concepto de enfermedad está presente de una u otra manera.

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premios @ Emilio Tenorio.

Wonderland

Mejor Espectáculo de Danza

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Víctor Ullate agradeció al público de la gala sus aplausos.

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uando el 9 de mayo Víctor Ullate subió al escenario del Gran Teatro de Córdoba para recoger el Max al Mejor Espectáculo de Danza por “Wonderland”, un espectáculo que profundiza en la mente humana y sus recovecos, a la primera persona que le dedicó el galardón fue a su hermana Marisol, inmersa en otra realidad desde hace décadas e inspiradora de este montaje, el más íntimo quizá de la carrera del exbailarín y coreógrafo zaragozano, como él mismo reconoce: “El hecho de que englobe una parte de mi vida que me costó mucho expresar le convierte en una coreografía muy personal. Para mí ha sido todo un regalo poder hacerla”. “Wonderland” sitúa al espectador en un psiquiátrico para mostrar, con toda la delicadeza de la danza, la vida de las personas allí ingresadas. El máximo responsable del Víctor Ullate Ballet - Comunidad de Madrid nos indicó las características más destacadas de este proyecto: “La interpretación de los bailarines es fantástica, la libertad de expresión, el movimiento de la coreografía, el ambiente en el que se desenvuelve, la calidad de la representación, la música de Philip Glass… La gente siempre sale tocada del espectáculo porque es una obra llena de sentimiento, que transmite mucho y eso no es fácil de conseguir”. Además de con la música del ya citado Philip Glass –conocido por el gran público por las bandas sonoras de películas como “El show de Truman” o “Las horas”, “Wonderland” cuenta también con el vestuario de Anna Güell, colaboradora habitual de Tricicle, y la iluminación de Paco Azorín. Después de su representación a principios de mayo en el festival de danza Zakharef in Motion de Jordania, las próximas citas para disfrutar de esta pieza tendrán lugar el 12 de junio en Almansa (Albacete) y el 7 de julio en Zaragoza.

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Francisco Nieva Mejor Autor Teatral en Castellano Al conocer que el CDN preparaba el año pasado una nueva producción de su obra “Tórtolas, crepúsculo y... telón” (1953), Francisco Nieva decidió retocarla y coger él mismo las riendas de su dirección. Esta función conecta con las vanguardias de mediados del siglo XX, con las que este dramaturgo nacido en 1924 tuvo la oportunidad de establecer contacto durante sus años de residencia en París. Además de autor y director, Nieva es un avalado escenógrafo y figurinista, y miembro de la Real Academia Española de la Lengua. El Premio Príncipe de Asturias de las Letras, el Premio Nacional de Literatura en la modalidad de Teatro, o el Premio Nacional de Teatro son solo algunos de los reconocimientos que ha recibido en su carrera. © David Ruano.

© David Ruano.

Premios al mejor autor teatral

premios

Alfredo Sanzol

Mejor Autor Teatral en Catalán o Valenciano

Quico Cadaval Mejor Autor Teatral en Gallego Quico Cadaval es dramaturgo, narrador y director de escena, además de impulsor del movimiento de radioteatros surgido en Galicia en la década de los noventa. Como ocurre en “Shakespeare para ignorantes”, la obra por la que ha sido premiado, es colaborador habitual del dúo cómico Mofa & Befa, a los cuales acompañó en su anterior aventura: “Sempre ao lonxe”. Como narrador escénico ha acudido como invitado a importantes festivales como el Iberoamericano de Teatro de Bogotá, el de Almada en Portugal, o el de Almagro. Dirigió el Aula de Teatro de la Universidad de Santiago en Lugo y posee varios premios María Casares, entre ellos al Mejor Texto Original en Gallego por “Espantoso” y también por este “Shakespeare para ignorantes”.

Agurtzane Intxaurraga y Arantxa Iturbe

© Nur Comunicación.

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El humor es un ingrediente constante en la producción escrita de Alfredo Sanzol, como él mismo afirma. Su currículo está salpicado por varias exitosas facetas que van desde la dirección de obras como “Como los griegos”, con la que obtuvo el Max a Mejor Espectáculo Revelación en 2000, a la creación de textos para teatro y televisión. “Delicades”, la pieza por la que ha sido reconocido en esta ocasión y que ha llevado a escena T de Teatre, es una obra actual y realista que nos encierra en un universo en el que todo tiene una extraña relación.

Arantxa Iturbe subió a recoger el Max que ganó junto a Agurtzane Intxaurraga por su obra “Aitarekin bidaian (El viaje de mi padre)”.

Mejor Autor Teatral en Euskera Al amparo de Hika Teatroa, Agurtzane Intxaurraga y Arantxa Iturbe han trabajado juntas en muchas ocasiones, como en “Ixa (Equis)”, de la que ambas son autoras y por la que ya consiguieron el Max al Mejor Autor Teatral en Euskera en 2005. En “Aitarekin bidaian (El viaje de mi padre)”, obra por la que se han alzado este año con el Max, nos proponen un viaje lleno de ingredientes dramáticos sobre las relaciones paterno-filiales de Patxi y su padre, un hombre entrado en años que empieza a presentar síntomas de senilidad. Una historia que ha sido ganadora también del X Donostia Antzerki Saria.

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debate

“¿Cómo se puede mejorar el papel d comunicación en la difusión de las El debate que en esta ocasión hemos propuesto cuenta como punto de partida un hecho incontestable: cada viernes los informativos de las diferentes cadenas de televisión nacionales ofrecen varios minutos de su programación a informar sobre los estrenos que ese fin de semana se producen en la cartelera cinematográfica… ¿Por qué no informan de los estrenos teatrales o de danza y sí lo hacen con el cine? Y nos sale, inmediatamente, la pregunta que encabeza nuestro debate este mes. Como interlocutoras hemos contado con la que es, con toda probabilidad, la más respetada informadora teatral del país y de El País, Rosa Torres. Y con una productora teatral de relieve, Eva Paniagua, que cuenta en su currículum, además, con su participación en un importante programa cultural de Televisión Española.

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va Paniagua: Buenos días Doña. La mañana del 9 de mayo, el gran día de las artes escénicas en TVE por la retransmisión de la gala de los Premios Max, me llama Jesús Lenin para confirmarme hacer con Vos un debate sobre: “¿Cómo se puede mejorar el papel de los medios de comunicación en la difusión de las artes escénicas?”. Con vos, Rosana Torres. ¿De quién no ha escrito Rosana Torres que se dedique al teatro? Creo que de casi nadie, con lo cual empezamos complicado. La noche anterior, viendo con una amiga de “la profesión” el telediario de las 21:00, en TVE, dieron un clip de unos 5 minutos hablando de la retransmisión de la gala, del mantenimiento del publico en las salas, de las temáticas de las distintas producciones,

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Rosana Torres Reinés Profesora de EGB y Licenciada en Ciencias de la Información por la Universidad Complutense (Valencia, 1953), es responsable de la información teatral de la Guía del Ocio de Madrid y redactora de El País desde su fundación, estando especializada en artes escénicas. Así mismo, ha sido directora, guionista y presentadora de programas de Televisión Española como “El carro de la farsa”, “Taller de teatro” y “Candilejas”, y “A la calle”, en Telemadrid. En 1980 recibió el Premio Nacional de Literatura a la labor de Crítica de Literatura Infantil y Juvenil, concedido por el Ministerio de Cultura. Entre otros premios más ha recibido el Premio Internacional de Periodismo Paco Rabal. etc. Vamos, algo insólito, dedicaron 5 minutos a… ¡¡LAS ARTES ESCENICAS!! en un telediario en prime time. Lo primero que te pasa por el cuerpo es alegrarte, luego entiendes que la retransmisión es suya y la tienen que “apoyar”. Me gustaría empezar desde aquí. ¿Cómo se puede mejorar la relación entre los dos? Yo creo que desde darnos cuenta que podemos alimentarnos los unos de los otros. Porque siempre parto de la base de que al electo final y el más importante, el Público, siempre le interesa estar informado de lo que pasa, incluso de teatro. Cuando estuve trabajando en TVE, en el magazine semanal sobre las artes escénicas como asesora, dirigido por un gran profesional, Rafael Herrero, al cual conoces de años dedicado al teatro, no lo tuve difícil por la parte del gran “enemigo”. Eso sií porque el equipo estaba encabezado, como digo, por alguien que ama y conoce el medio. Lo que sí me encontré, curiosamente, es más incomprensión y desconfianza desde la gente de teatro, luego se fue limando pero costó un poco. Con esto quiero decir que no siempre la responsabilidad está en un solo sitio. Evidentemente, no estamos en la misma posición que la industria cinematográfica, algo que nunca entenderé, cuando en términos económicos, costamos menos e ingresamos más. Es verdad que invertimos menos en publicidad dentro de los medios de comunicación. El mundo del cine tiene un apoyo y

protección de base que, creo, condiciona toda la relación posterior con los medios: la obligatoriedad de apoyar financieramente desde las cadenas públicas de televisión (creo que las privadas ya no) los proyectos de producción española. Esto, como cualquier relación mercantil, hace que, en cuanto me asocio en algo, quiero que salga lo mejor posible. ¿Como? Poniendo mis mejores medios a disposición del proyecto. ¿Cuales? Mis medios de promoción y difusión durante el mayor tiempo posible. ¿Objetivo? Implantar el producto como necesidad de consumirlo. Y lo consiguen, haciendo del mundo del cine, marca. Después de este planteamiento mis preguntas son: ¿Tienen los medios de comunicación que informar solo de lo que les provoca negocio? ¿Es una contrapartida clara el nivel de información del teatro con el nivel de inversión en publicidad en sus medios de comunicación? ¿No tendríamos que defender el teatro como un bien de servicio público y obligar a los medios de comunicación (públicos) a implantarlo en la sociedad continuamente? Cuando hablas con colegas de otros medios, ¿qué te dicen del caso que hacen a las artes escénicas sus jefes? Los productores de teatro, ¿nos comunicamos bien con los medios o damos tarde y mal la información? - Rosana Torres: ¿Pero qué se entiende por negocio? Negocio es todo. Incluso a lo mejor esto que estamos haciendo tú yo. Y para que el negocio aflore, a lo mejor, y sobre todo en el caso de la cultura, los medios se ven abocados a informar www.elespectaculoteatral.es

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de los medios de s artes escénicas?”

Sección patrocinada por:

Eva Paniagua Inició su carrera profesional en el campo de la producción audiovisual en el mundo de la publicidad y el cortometraje. Después de más de 20 producciones teatrales como jefa y directora de producción para otras empresas, trabaja en TVE durante más de 6 años como asesora de contenidos en los magazines teatrales “Lo tuyo es puro teatro” y, posteriormente, “La Mandrágora”. En 2005 funda, junto a Ricardo Sánchez Cuerda y Javier Ramos, la productora de teatro Producciones Come y Calla, responsable de títulos como “El Principito” o “Frankenstein”. Es, así mismo, secretaria y socia fundadora de MPT (Madrid Productoras Teatrales) junto con más de diez empresas.

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adquirirán y más se preocuparán porque aquellas personas sobre las que puedan influir también adquieran los mismo hábitos. En cuanto a cómo tratan los jefes el teatro sólo puedo decir que para ellos es un frente más al que atender, porque tienen muchos y muy importantes, incluido el teatro. Otra cosa es que a nosotros, como gente de teatro, creamos que está tratado pobremente. Pero también nos olvidamos todos que el teatro, que hasta hace muy poco era algo artesano frente a las industrias del cine, la música, la literatura…, hoy también es una fuente de ingresos fundamental, algo que olvidan los medios y los propios creadores de teatro. Aún hoy muchos nos pasan la información tarde y casi siempre mal, con esta manía de hacer dossieres de prensa que no son tal, porque se concibe, erróneamente, que un buen dossier es algo con mucha foto, mucho despliegue e incluso se llegan a ofrecer textos que en realidad son fotos y no se puede trabajar con ellos. Mirad los teatros públicos, que tienen gabinetes de prensa con buenos profesionales al frente, como mandan un dossier muy sencillo, en Word, en blanco y negro, con la información necesaria (qué es el montaje, quién lo hace, por qué lo hace, cómo, cuándo, dónde y sinopsis y biografías de los que intervienen) y luego las fotos y demás zarandajas las cuelgan en la web para aquellos que lo necesiten. Ni los medios de comunicación son tan malos con el teatro, ni los teatros tan caóticos, pero es para empezar a hablar

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de lo que es rentable, pero no siempre crematísticamente hablando. Ahí tenemos el caso de “La función por hacer”, de la que se ha hablado, al menos en El País, mucho y bien, cuando se trataba de un grupo pequeño, humilde, desconocido, con un director, Miguel del Arco, totalmente ajeno a los circuitos comerciales, al igual que el reparto…, un producto que todos éramos conscientes de que no iba a atraer ninguna publicidad. No olvidemos que el prestigio es algo muy rentable y este no llega de la mano de un fajo de billetes ni, en el caso del teatro, de unas taquillas grandes y reventonas. De ahí que ¡por suerte! la información que se vierte en los medios no sea, ni de lejos, coincidente con los ingresos por publicidad, en medios como El País y otros medios nacionales. No hay más que recordar el mucho, fuerte y bien planteado apoyo que durante años ha dado el ABC al teatro alternativo. ¡De cuándo acá eso era rentable! Si ni tan siquiera es un teatro que vaya a ver el lector medio de ABC. ¿Pero alguien discute el prestigio que ABC tiene como informador de teatro? Y en El Cultural, Tele 5, las televisiones públicas, y otros muchos medios en mayor o menor medida pasa lo mismo. Eso no quita y haya que reconocer que el mayor espacio siempre se dedique a los que menos lo necesitan, en lo que a creadores se refiere, pero a los que más lo necesitan en cuanto a consumidores. Pensemos que cuantos más espectadores acudan a esos espectáculos cuya excelencia escénica es incuestionable, más hábitos escénicos

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- E.P: Estoy de acuerdo en cosas contigo. Efectivamente, los medios, digamos de derechas, han cubierto y cubren mucho mejor la información teatral que los de izquierdas, que apenas saben encontrar hueco. ¿Alguna vez has entregado una información/entrevista sobre teatro al periódico porque creías que merecía un hueco y no te la han publicado? Sabemos que los medios de comunicación descuidan absolutamente la cultura: son las primeras noticias en desaparecer si hay noticias importantes en nacional, internacional, economía, deportes e incluso si ese día hay muchos anuncios de pago. Partimos de la base de que para que un ciudadano sepa la oferta cultural de su ciudad, solo información no publicidad, los teatros y compañías tienen que pagar diariamente al periódico. ¿Qué servicio publico es ese? Ninguno. Es la rentabilidad de la cultura, pequeña pero todos los días. Una pasta para muchos. Si pones el ejemplo de “La función por

debate vendían”. Lo sé por los profesionales que se parten el lomo y descargan los móviles intentando que se hable de teatro. TVE “cerró” su canal cultural para convertirlo en Teledeporte. ¿Tiene más publico? Seguro. ¿Invierten más en publicidad? Tengo la pequeña sospecha de que también. Y estamos hablando de la televisión pública, que no se nos olvide. Dices una frase que me parece un poco peligrosa: “hay que reconocer que el mayor espacio siempre se dedique a los que menos lo necesitan, en lo que a creadores se refiere, pero a los que más lo necesitan en cuanto a consumidores”. Lo primero, yo siempre hablo de la generalidad del Arte Escénico, no de individuos creadores, la lucha es la misma para todos. Pero mi pregunta es, ¿se está determinando en los medios lo que interesa al público en cuanto a cultura se refiere? Sabemos que en todo lo demás, por desgracia, sí, pero en esto, me parece… ¿Es mejor una función de teatro porque esté en el reparto el actor de moda

guerras, tragedias… o con un exceso de publicidad. Yo lo vivo muy mal, pero si estuviera al frente del periódico no sé qué haría en un caso de esos y es altamente probable que actuara igual. Otra cosa es que en situación de normalidad, por supuesto, le dedicaría mucho más espacio a las artes escénicas, pero no por afición a las mismas, sino por pura visión de negocio. En Madrid, sin ir más lejos, asisten más espectadores al teatro que al fútbol, y los que están al frente de los periódicos no lo tienen en cuenta, porque a veces llevan orejeras y tardan tiempo en reaccionar. En cuanto a lo de pagar las carteleras parece que se va resolviendo y, desde luego, en Cataluña, donde la profesión está unida y hacen reivindicaciones conjuntas, lo han resuelto hace tiempo. Así que tomad nota. En cuanto a “La función por hacer” por supuesto que no lo tuvieron fácil antes de nacer. Una vez nacidos fueron los medios

“Creo que es muy escaso el espacio que conceden al teatro, pero miro hacia abajo y me callo cuando me recuerdan que el teatro sólo le interesa al 0,4% de los lectores, al menos de mi periódico. Esto quizá contesta a tu pregunta de por qué no se nota en la prensa que va más gente al teatro que al fútbol” hacer”, tendríamos que ponerlo desde el principio. Me gustaría saber si tanto Miguel como Aitor lo tuvieron fácil con los medios cuando estaban en el nacimiento de su proyecto; me consta que no. Luego es fácil cubrirlo, pero estamos hablando precisamente de todo lo contrario, de apoyar antes y durante, no después. Que los profesionales de las artes escénicas encuentren un aliado en los medios, no a alguien al que tienes que convencer y demostrar, ese trabajo solo es del espectador. Me hablas de que el prestigio es rentable; ¿de verdad crees que el teatro goza de ese don o son dos o tres actores que son a los que cubren los medios? Me gustaría creerte pero mi sensación es que ni para el público ni para las instituciones gozamos, por desgracia, de ningún prestigio. Mucho de esto se lo debemos a la nula presencia que tenemos en los medios. Me hablas de medios que cubren asiduamente la cultura y nombras Tele 5; ¿te refieres a cuando en “Sálvame” o en “La Noria” llevan a algún actor de teatro para hablar de su vida y cuando se despiden dicen que está de gira? Yo lo que sé de Tele 5 es que dio una orden explicita de evitar las noticias de teatro “porque no

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de la tele y no otro? Cuidado, cuidado, que así es como nunca podremos hablar de “prestigio” y sí de “oportunismo”, que no tiene nada que ver. En cuanto a la relación que tenemos con los medios, pues tendremos que aprenderla, pero como todo en la vida, cuanto más lo haces más aprendes. - R.T: Sí, muchas veces he propuesto una información/reseña/crónica/entrevista/ reportaje sobre teatro, porque creía que merecía un hueco, y no me la han publicado. Y digo “propuesto” porque primero se consulta y luego se escribe, y no al revés. Pero eso le ha ocurrido a muchos compañeros de internacional, economía, deportes, política… A todos en todos los medios, menos al departamento de publicidad, salvo raras excepciones. Pero es que de eso viven los medios privados. Dichos medios no descuidan la cultura, y menos aún muchos jefes de cultura que se dejan la piel por hacerlo lo mejor posible, como han sido mis tres últimos redactores-jefes. Y sí es cierto que cuando hay algo grave que se “come” muchas páginas, las primeras en desaparecer son las de cultura. Al igual que pasa socialmente en grandes crisis,

los que lanzaron al estrellato a ese montaje. El País, primero con mi firma y antes de las 24 horas de su estreno, luego con la de Vallejo y luego con la de Marcos Ordóñez y otros más, hizo un gran y elogioso despliegue. Y otros medios también. ¡Sólo faltaba que lo hubiéramos apoyado antes de verlo! Ya lo hice hace muchos años, a página entera, con “La reina del Nilo”, por aquello de que estaban al frente del proyecto profesionales que admiro como Jesús Cracio, Moncho Alpuente, Jaume Sisa, Wyoming, Ángel Facio y me comí con patatas el apoyo y la vergüenza, porque fue un montaje espantoso. Los medios debemos representar a los espectadores y como tales podemos hablar antes, pero de manera informativa, no valorativa. Y no olvidemos que el hecho de informar ya es valorar, y ahí es donde hay que tener mucho olfato. De “La función por hacer” sí que hable de ellos en la Guía del Ocio sin haberlo visto. Lo de Tele 5 me refiero a los informativos que, por cierto, fueron premiados por la Unión de Actores por su apoyo a la profesión. Los programas que me nombras no los veo porque sigo saliendo todas las noches a ver teatro y luego cotorrear de lo que he visto con los amigos y compañeros

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debate de otros medios, como Miguel Ayanz, de La Razón; Javier Villán, de El Mundo; Carlos Gil, de Artez; Concha Barrigós, de EFE; Javier Vallejo, de El País y, por supuesto, y mucho, con Marcos Ordóñez, al que le chivo todo lo que veo porque él vive en Barcelona, y viceversa, y antes con Haro Tecglen, hasta que murió. Dices en tono de preocupación: “¿se está determinando en los medios lo que interesa al público en cuanto a cultura se refiere?”. Por supuesto, así se hace en todos los medios, y en todas las áreas. Jamás propondré algo que crea que no le interesa al público y al lector, que son el mismo. Y añades: “Sabemos que en todo lo demás por desgracia sí, pero en esto, me parece… ¿Es mejor una función de teatro porque esté en el reparto el actor de moda de la ‘tele’ y no otro?”. No es que sea mejor la función, y prueba de ello es que salen cosas en las que no hay nadie conocido, pero también te aseguro que un actor de moda –acepto lo de la tele porque es un medio en el que veo gente muy valiosa– arrastra más público, y ese espectador se puede quedar enganchado al teatro y arrastrar a otros a ver otras cosas en las que no hay nadie que esté de moda. Els Joglars llevan más de medio siglo trabajando y sólo hace poco se conoce el nombre de Ramón Fontseré y al resto ni eso. Concluyes afirmando: “Cuidado, cuidado que así es como nunca podremos hablar de ‘prestigio’ y sí de ‘oportunismo’, que no tiene nada que ver”. Creo que el prestigio y el oportunismo, en lo que a prensa se entiende, si somos serios en el análisis, han ido muchas veces unidos y no me asusta la palabra. No me molesta aprovechar la oportunidad de que a “La función por hacer” le den muchos premios para volver a hablar una vez más de ellos y de su nuevo proyecto… En lo que a artes

- E.P.: De nuevo estoy de acuerdo contigo en afirmaciones y por otro lado creo que se confunden términos. Informar-valorar. No sé donde ves el oportunismo en esto que estamos haciendo: es simplemente una oportunidad de poder debatir sobre teatro, un lujo. Por empezar por el final y terminar con el ejemplo de “La función por hacer”, que la verdad, la han terminado bastante redondita. El éxito de esta función es básicamente que, como espectador la agradeces mucho, te interesa, gusta. Se nota que desde el principio es un proyecto conjunto, dirección-actores-producciónetc., que apostaron por llevarla a cabo, otra forma de trabajar (otro debate). Pero además, el apoyo y el lanzamiento vino de los programadores que apostaron por ella cuando la vieron en una sala de 4x4, la programaron en salas comerciales de poco aforo (un acierto para todos) y de ahí empezó una gran gira por toda España llenando los teatros. Ni Aitor ni Miguel acaban de llegar a esto, con lo cual tampoco era correr mucho riesgo para la prensa apostar por ellos. La prensa, una vez más en paralelo, no sé donde esta aquí el oportunismo más que en el mero hecho de no quedarse atrás. ¿Sabemos cuántas obras de este estilo se quedan sin salir en ningún sitio? ¿Por qué hablamos de lo que sale y no de lo que no sale? Desde aquí mi enhorabuena a todo el equipo de “La función por hacer” por haber creído en ella desde el principio. ¡¡¡Olé!!! Cuando se dedican dos páginas a todo color a las compañías extranjeras, ¿os pagan los directores los viajes para poder hablar de ellas con tanta devoción u os guiáis por la trayectoria sin haber visto el espectáculo, asumiendo el riesgo? ¿Por qué los de fuera sí y los de dentro no? Con todos los años que llevas hablado de teatro

“No estamos en la misma posición que la industria cinematográfica, algo que nunca entenderé, cuando en términos económicos, costamos menos e ingresamos más. Es verdad que invertimos menos en publicidad dentro de los medios de comunicación”

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y apostando por él, solo recuerdas un error. ¿No te parece un porcentaje muy pequeño como para no arriesgar más en pro del teatro? Pues claro que hay que “informar” de la oferta cultural antes de verlo, “valorar” es otra cosa. Si tuviéramos las mismas

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escénicas se refiere en los medios hay que aprovechar todas las oportunidades y hay que ser oportunistas, además de serios, rigurosos, olfateadores… ¡Vivan las oportunidades, a veces teñidas de oportunismo! Quizá como la que tenemos aquí de debatir estos asuntos.

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páginas, todos los días, que tiene el deporte o las esquelas en los periódicos, se informaría sin tanto “riesgo” ni reparo. Cuando yo estaba en el programa de TVE, al día siguiente de la emisión, recibía por los menos dos o tres llamadas de programadores que querían saber cómo localizar a las compañías para contratarlas. Esto lo que provoca es un movimiento, estar presente, despertar un interés. Esta revista, en la que estamos escribiendo, es un medio de comunicación que su gran interés es dar movilidad a una profesión desde la información. Hablemos claro. Lo que no está, no existe. Y el teatro “no está en la prensa”, salvo en ocasiones y hay que buscarlo bien. Un faldón escondido y cuando la obra ya no está en cartel. Estar debatiendo y defendiendo el interés de la prensa en la cultura creo que tiene que ser algo más genérico que el ejemplo de una función o el interés de los jefes de redacción. Al final siempre caemos en lo

debate Como en todas las relaciones, no toda la culpa está en un mismo sitio. Nosotros tenemos mucha responsabilidad en esto; deberíamos dejar de pedir permiso o pedir perdón y defender que, como dices tú, en Madrid hay más teatreros que futboleros. Me parece una herramienta de peso para empezar. ¿No te parece? Hasta pronto y ha sido un placer estar en esto. - R.T.: No es que vea oportunismo es hacer este debate; lo que decía y creía haber escrito es que hay que ser oportunista, pero sin prescindir en ningún momento de principios ni convicciones, simplemente teniendo en cuenta las circunstancias de tiempo y lugar. De ahí que dijera “oportunistas al tiempo que serios y rigurosos”. En la relación teatro-prensa hay que aprovecharlo todo, siempre y cuando redunde en beneficio del teatro, claro, pero nunca se hará si es en perjuicio de la prensa, porque eso sería ir contra natura.

hablar sin tener los datos certeros y sólo por impresiones personales o comentarios escuchados. En cualquier caso debo reconocer que siempre me quejo de lo que yo creo que es muy escaso espacio que conceden al teatro, pero miro hacia abajo y me callo cuando me recuerdan que el teatro sólo le interesa al 0,4% de los lectores, al menos de mi periódico. Esto quizá contesta a tu pregunta de por qué no se nota en la prensa que va más gente al teatro que al fútbol. A mí me sorprende, pero parece ser que los que van al teatro no son lectores de cierta prensa o bien les pasa lo que a mí, que nunca les preguntan nada cuando elaboran esas encuestas y estudios. ¿Te has dado cuenta de que en vez de haber hablado de cómo mejorar las relaciones entre prensa y teatro, de haber hecho propuestas, he tenido que dedicar este espacio y esta estupenda oportunidad en defender a la prensa de unos ataques que en algún caso ni tan siquiera son ciertos?

“Nos olvidamos todos que el teatro, que hasta hace muy poco era algo artesano frente a las industrias del cine, la música, la literatura…, hoy también es una fuente de ingresos fundamental, algo que olvidan los medios y los propios creadores de teatro” mismo, en personalizar y en empequeñecer las cosas. Como tú dices, en Madrid va más gente al teatro que al fútbol. ¿Por qué no se nota esto en la prensa? Me imagino que el motivo es algo más que el que lleven orejeras. Es cierto lo que dices de Barcelona, que hacen reivindicaciones conjuntas y gozan de una unidad que aquí no tenemos. Estamos ya en tomar nota y crear una voz de voces. No una sola voz. Creo que uno de los baches donde estamos es dónde nos colocamos. Tú dices que la prensa es el representante de los espectadores. El tema de quién y desde dónde nos representan es un debate en auge socialmente, pero si te eliges representante de ellos y no como medio para informarles, que es muy distinto y sería lo suyo, ¿qué medio de representación le quedan a las artes escénicas o, mejor dicho, a la cultura? No me digas que las instituciones porque para estar presente en las instituciones tenemos que estar presentes en la sociedad y para estar presentes en la sociedad, tenemos que estar presentes en los medios “de comunicación”, no de “valoración”. Como ya estamos terminando, quiero seguir por la misma línea que al principio.

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En cuanto a que no era riesgo apostar por Aitor o Miguel no estoy de acuerdo. El riesgo siempre se corre, incluso con los grandes. ¿Cuántas obras de este estilo se quedan sin salir en ningún sitio?. ¡Acaso alguien lo puede cuantificar¡ Pero sospecho que obras de un nivel así no se quedan sin salir en ningún sitio. Pero no se trata de hablar sólo de lo excepcional y cuando quieras hablamos de lo que no sale. Podría escribir sobre ellos hasta hartarme, porque sin lugar a dudas son la mayoría. No sé de dónde sacas que porque te nombre lo de “La reina del Nilo” significa que sólo recuerdo un error. Recuerdo muchos, muchos… y sigo y supongo que seguiré cometiéndolos. En cuanto a lo de las dos páginas a color de compañías extranjeras no recuerdo una cosa así. Pero si ha salido será porque alguien considera que debe hacerlo. ¿A qué viene lo de si nos pagan los directores los viajes para hablar de compañías extranjeras con tanta devoción? A mí no me han mandado nunca, pero si lo hicieran ¿cuál es el problema? Casi todos son medios privados. Dices que sí se informa de los de fuera y no de los de dentro. Me parece que no mides con regla y centímetros lo que sale de los de dentro y de los de fuera. No se debe

Por cierto, las esquelas sólo tienen mucho espacio en ABC. No sé qué medios lees que sólo encuentras rara vez un faldón con algo que ya no está en cartel. No conviertas tu rabia, que la comparto y es buena, en una indignación que no responde a la realidad. Nosotras tenemos nuestra mirada focalizada en el teatro porque somos sabedoras de lo mucho que puede hacer por mejorar el mundo. Pero los medios y sus responsables tienen la mirada puesta en cien cosas simultáneamente y no tienen apenas tiempo de ir al teatro y comprobar que cada vez que lo hacen son mejores. Quizá me he expresado mal, pero lo que he dicho es que “los medios deben representar a los espectadores”, pero nunca yo. No olvides que yo también soy espectadora y que, como los teatreros, también muchos especialistas en teatro tenemos una existencia mucho más jodida que otros compañeros de otras secciones. Al trabajo del día hay que sumar el trabajo de la noche y los fines de semana pringados. Claro que todo se justifica cuando llegas y ves algo que te hace flotar, como no lo consigue la música, ni la literatura, ni la pintura, ni… Y entonces una se olvida de ateísmos y cree en dios. ¿Cuándo quedamos para ir al teatro?

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Teatro en busca de política teatral En plena situación de crisis económica, que incide especialmente en los ayuntamientos, muchos de los consistorios de nuestro país apuestan por las compañías amateur, que por un coste menor les proporcionan una satisfacción social muy parecida. Para recuperar su estatus profesional, nuestro colaborador Xavier Marcé opina que las compañías de artes escénicas debería incidir en tres puntos: la necesidad de dinámicas de creación de públicos, la eliminación del caché como fórmula en la contratación de espectáculos, y el establecimiento de un marco normativo adecuado a las características del sector. En la mayor parte de los municipios españoles las reducciones presupuestarias han sido especialmente duras en el ámbito de la cultura. De entrada, el porcentaje de participación de la cultura en el presupuesto público ya era muy bajo, por otro lado las circunstancias de la actual crisis obligan a priorizar el gasto social o, incluso en ciertos aspectos, a incrementarlo. En algunos casos la cultura pasa por ser un gasto suntuario y superfluo, en otros un gasto economizable en la medida que es posible sustituir actividad profesional por otra de amateur que genera similar satisfacción social y permite mantener una ratio razonable de utilización de las instalaciones culturales. En los teatros, por ejemplo, asistimos y asistiremos de manera creciente a una progresiva transformación de las programaciones en las que tendrán una mayor presencia colectivos teatrales no profesionales. Para el sector teatral ésta es una prueba de fuego crucial, ante la que no cabe la posibilidad de mantener el discurso fácil y acomodaticio tradicional. Me refiero a que ya no es posible atrincherarse en una posición dialéctica que parte de las bondades indiscutibles de la cultura y de una teórica necesidad de su financiación pública con independencia de cualquier análisis de rentabilidad social. La disminución de los recursos culturales públicos no genera una gran alarma social y de hecho no son pocos los alcaldes a los que les parece poco preocupante trasladar el protagonismo de la cultura a entidades y asociaciones que en muchos casos defienden, con un evidente exceso de demagogia, las virtudes de la cultura popular. No escondo, además, la enorme atracción que para ciertos políticos puede suponer el bonus electoral de este tipo de movimientos sociales. Esta es la realidad. Un sector que deberá resolver en los próximos meses un complicado ejercicio de encaje económico en el contexto de una cultura que no ha conseguido convertirse en el eje central

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de la política y que no es considerada, por tanto, como una de las piezas inamovibles de la economía pública. El principal reto del teatro podría formularse de la siguiente manera: ¿Cómo conseguimos que un sector profesional se comporte como tal y construya los mecanismos de funcionamiento que le permitan garantizar un razonable grado de sostenibilidad? Puede parecer difícil pero no es para nada imposible. Para ello hay que trabajar en tres frentes: El primero supone un importante ejercicio de análisis interno. La profesionalidad no puede desasociarse de una cierta lógica comercial. No me refiero a transformar los contenidos para hacerlos más simples, vulgares o populares sino a aceptar la necesidad de incorporar las dinámicas de creación de públicos como un elemento central de toda estrategia teatral. Para no pocos profesionales del sector, el teatro se justifica por sí mismo sin otro criterio de evaluación que la mirada propia; algo así como la mirada del “progre” de los años 70 que sigue analizando la sociedad bajo el criterio estético de su propia ideología redentora. Es, obviamente una posición aceptable, pero conviene recordarle que el terreno adecuado para defenderla es la política y no la cultura a tenor de las trasformaciones que afectan a este ámbito de la actividad social. En función de este criterio cabe esperar una rápida transformación del modelo de gestión de las compañías y empresas culturales cuyo objetivo debería ser mejorar la percepción popular que se tiene en España sobre el teatro. El segundo frente implica aceptar la desaparición del caché como fórmula magistral para la circulación del teatro. Seguirá existiendo, por supuesto, cuando el valor de una propuesta supere en su capacidad de negociación a la exigencia del riesgo, es decir, cuando una pieza sea tan deseada que el productor pueda ponerle precio. Justo lo contrario de lo que ha ocurrido en los últimos años. Venimos

de una situación curiosamente paradójica: predominio de la demanda para la selección de espectáculos y predominio de la oferta en la fijación de precios, lo cual desemboca en una situación insostenible. El equilibrio entre oferta y demanda sólo es posible si le damos una mayor importancia al impacto social de cada representación, bien sea en términos económicos o artísticos. Ese dato va a regular en el futuro las compras a caché o las funciones a resultado de taquilla. El tercer frente es de carácter político y debería perseguir cambios rápidos en el instrumental jurídico que manejan las diferentes administraciones españolas. En Catalunña ya están preparando un sistema de ayudas reintegrables para los circuitos a taquilla con un diferencial de riesgo mayor en función del interés artístico de cada proyecto escénico. Ahí está el futuro: generar un marco normativo moderno y adecuado a las necesidades de un sector cultural que quiere desarrollar una actividad profesional sin más subterfugios que los de su propia rentabilidad. Hay dos realidades que el sector ha juzgado tradicionalmente de manera positiva y que ahora se demuestran negativas: la primera es subvencionar proyectos que no tienen expectativas reales de exhibición; la segunda subvencionar circuitos sin exigirles políticas reales de públicos. Ambas cosas nos llevan a un callejón sin salida; son planteamientos irresolubles. La proliferación de éste tipo de situaciones, muy extendidas en el conjunto de la vida cultural, tiene mucho que ver con la escasa capacidad de la cultura para plantarle cara a la crisis presupuestaria. Ante la crisis la cultura ha salido doblemente perjudicada: económica y conceptualmente. Debemos reconstruir nuestro espacio de poder político pero tiene poco sentido utilizar el argumentario tradicional porque está, en parte, en la raíz del fracaso. Xavier Marcé www.elespectaculoteatral.es

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Mostra de Teatre d’Alcoi Recta final para el inicio de su XXI edición E

n plena cuenta atrás para el inicio de la Mostra de Teatre d’Alcoi, que se desarrollará entre los días 8 y 11 de junio, su directora, Carmina Nácher, dio algunas pistas de las características de esta su XXI edición. “Hemos querido darle una espacial relevancia a los espectáculos infantiles y para adolescentes”, indicó la máxima responsable de este evento, que destacó además la excelente acogida que este tipo de espectáculos ha obenido en las últimas citas. “Se trata también de proyectar y fomentar la afición por el teatro hacia quienes van a ser los espectadores del futuro”, añadió. La Mostra alicantina, recordó Nácher, “es una feria de artes escénicas. Por este motivo hemos intentado que las propuestas que se presentan este año integren junto al teatro otras disciplinas artísticas”. Respecto a la temática de las obras, “también hemos querido que la selección de los géneros sea lo más amplia posible, para dar cabida a todas las sensibilidades”. Algunos de los espectáculos cuyas representaciones ya están confirmadas en el marco de esta feria son “Los locos

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“Himmelweg, un camino al cielo”, de Cia. Ferroviaria.

de Valencia”, de Teatres de la Generalitat Valenciana; “Euforia”, de Horta Teatre; “Himmelweg, un camino al cielo”, de

Cia. Ferroviaria; “Pánico”, de Zircó Producciones; “Pájaros azules”, de Bramant Teatre, o “Art”, de Albena Teatre.

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Umore Azoka

Más de 45.000 espectadores se acercaron a Leioa entre el 12 y el 15 de mayo

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pesar de la amenaza de la lluvia, la XII edición de Umore Azoka, la Feria de Artistas Callejeros de Leioa, congregó alrededor de 45.000 espectadores entre los días 12 y 15 de mayo, con lo que se consiguió mantener los datos de asistencia conseguidos el año pasado. Respecto a los profesionales, 152 acreditados se acercaron a la localidad vizcaína con la intención de hacer negocios en el marco de este evento, a los que hay que añadir todos los programadores, asesores, distribuidores y compañías que también asistieron y que no certificaron su presencia previamente. De los 400 proyectos que solicitaron su participación en la feria, finalmente se seleccionaron 46 compañías con cincuenta espectáculos, de los que diecinueve de ellos supusieron estrenos absolutos. Por procedencias, doce de los participantes han sido compañías vascas, 21 de resto de España y 13 internacionales. En esta edición Umore Azoka ha reafirmado su compromiso con la creación en artes de calle con la colaboración en la producción de cuatro espectáculos: de Kukai Dantza Konpainia, Markeliñe y Deabru Beltzak de Euskadi; y Alicia Soto-Hojarasca de Castilla y León. Como es habitual, Umore Azoka ha

acogido una edición más, en concreto la número XIV, de los Encuentros Profesionales de las Artes de Calle de Euskadi, organizados por la asociación Artekale, en la que han participado profesionales internacionales procedentes de Alemania, Francia, Holanda, Polonia y

Reino Unido. La exposición “La Codorniz, 70 años. Humor, sociedad y censura”, enmarcada en las actividades paralelas de la feria, también registró una importante afluencia de público. Dicha muestra permanecerá en la sala de exposiciones Kultur Leioa hasta el 26 de junio.

Ganadores de los premios Umore Azoka 2011

“Karrikan”, de Kukai Dantza Konpainia.

Mejor Espectáculo Vasco “Karrikan”, de Kukai Dantza Konpainia Mejor Espectáculo del Resto del Mundo “Salir”, de Coliflor Circo Teatro

“Salir”, de Coliflor Circo Teatro.

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Mención Especial Irrwisch Theater (Austria) y Metralleta y Murmuyo (Teatro Gestual de Chile)

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Fira de Teatre de Titelles de Lleida Buenos resultados a pesar de contar con un día menos de celebración Ganadores de la XIII edición de los premios Drac d’Or

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ntre el 29 de abril y el 1 de mayo tuvo lugar la Fira de Teatre de Titelles de Lleida, que coincidió este año con el XXV aniversario del Centro de Titelles de la ciudad catalana, entidad organizadora de este encuentro profesional de las artes escénicas. “A los aniversarios cuesta mucho llegar, por eso queremos hacerle durar un poquito más. Hemos decidido que empezábamos con la feria de este año y vamos a terminar en la próxima”, nos explicó Julieta Agustí, máxima responsable de esta muestra. Sin embargo, esta feliz efeméride no impidió que un triste hecho amenazara la celebración de la feria: la oscura sombra del recorte presupuestario. “La feria se nutre prácticamente de las instituciones, sobre todo de la local, de la provincial, de la autonómica y de la estatal, y en ese orden. Todas ellas han hecho este año una rebaja presupuestaria, y ese poco o ese mucho de cada una de ellas es lo que nos repercute a nosotros. Ya que pasaba esto, nos inclinamos por reducir un día de celebración, porque un día es una jornada menos de hoteles, de restaurantes, a parte de menos compañías”, nos explicó Agustí para justificar el acortamiento de la feria. Sin embargo, los datos obtenidos no invitan al pesimismo. Unas 30.000 personas presenciaron alguno de los espectáculos programados. En el terreno profesional, de los 350 profesionales que se acercaron, unos 150 han sido programadores, y de estos, unos 25 vinieron de más allá de nuestras fronteras. Según la directora del evento, “lo que nos interesa es la fidelidad de estos programadores, pero también dar a conocer la feria, que vengan programadores nuevos. Hemos intentado que vinieran de todos los lugares: Bélgica, Noruega, Italia, Holanda, Reino Unido, Canadá, y sobre todo de Francia. En este momento, y no porque sean vecinos, tenemos mucha afinidad con Francia porque pensamos que están produciendo espectáculos buenísimos no solo de títeres, sino también a nivel de teatro familiar”. Pero no todo es echar las campanas al vuelo. Para Julieta Agustí hay un aspecto en el que deben incidir los responsables de www.elespectaculoteatral.es

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s0REMIOSDELA&IRADE4ITELLES - Drac d’Or de Dramaturgia Pablo Vergne por “Pinocho y medio”, de El Retablo - Drac d’Or de Interpretación (ex-aequo) Nicole Mossoux por “Twin houses”, de Mossoux-Bonté - Luca Ronga por “Le guarattelle di Pulcinella”, de La Bagattella - Drac d’Or de Escenografía “Traversées”, de Theâtre de lÉntrouvert. - Drac d’Or a la Propuesta Innovadora “Traversées”, de Theâtre de lÉntrouvert. - Drac d’Or al Mejor Espectáculo “Paisatges en trànsit”, de Circolando s0REMIOSDELOS%SPECTADORES - Drac d’Or al Mejor Espectáculo de Calle “La route”, de Anonima Teatro - Mención Especial “Karroart”, de La Mosquitera Producciones s0REMIOS&ESTIVALES)NTERNACIONALES - Drac d’Or de los Festivales Internacionales “Circo submarino”, de Onírica Mecánica - Mención Especiales “Traversées”, de Theâtre de lÉntrouvert. “La route”, de Anonima Teatro s0REMIOSDELAS!UTONOMÓAS - Drac d’Or de las Autonomías “No nos moverán”, de Los Titiriteros de Binéfar - Menciones Especiales “Circo interior humano”, de Onírica Mecánica “Traversées”, de Theâtre de lÉntrouvert. s0REMIO!RA4ITELLES - Drac d’Or Ara Titelles “Pinotxo, el nen de fusta”, de Sebastià Vergés Titelles

la fira: “Los títeres de adultos constituyen nuestra asignatura pendiente. Quizá fuera si tienen más proyección, o quizá las programaciones de sus teatros admiten más este tipo de espectáculos, porque en definitiva llamamos espectáculos de títeres a cualquier montaje en el que el protagonismo radique en la plástica, por lo que es un teatro más visual. Quizá en el extranjero están más acostumbrados a ver espectáculos visuales. En general, la de aquí es una programación más teatral, más de actor y de autor. Creo que esta es una de las misiones u objetivos que tiene la Feria de Titelles. De hecho, un tercio de nuestra programación ya está destinada a adultos y a jóvenes”.

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Festival de Mérida

Blanca Portillo y Chusa Martín se estrenan en su dirección

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os mujeres, por primera vez en la historia de este evento, se estrenarán en la dirección del Festival de Mérida en su próxima edición, que tendrá lugar entre los próximos días 7 de julio y 28 de agosto. Se trata de Blanca Portillo y Chusa Martín, nuevas directora y directora adjunta respectivamente de este festival de teatro clásico que, curiosamente, puso en marcha otra mujer: la actriz Margarita Xirgu allá por 1933. Ambas han elaborado una programación basada en la producción propia con el objetivo de convertir la localidad pacense en una fiesta del teatro. Esta edición, la número 57, será un certamen plenamente femenino, con Antígona –la mujer en estado puro– como protagonista, ya que estará presente en tres montajes. El primero de ellos, “Antígona de Mérida”, abrirá el festival en el teatro Romano el 8 de julio. Helena Pimenta dirige este texto original de Miguel Murillo ambientado en la Guerra Civil española, que pretende rendir un homenaje a la ciudad de Mérida. Helio Pedregal y Bebe protagonizarán este montaje en el que también actuarán Pepe Viyuela, Celso Bugallo, Rafa Castejón y el emeritense Esteban G. Ballesteros. www.elespectaculoteatral.es

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De izda. a dcha: Chusa Martín y Blanca Portillo, directora adjunta y directora respectivamente del Festival de Mérida.

El certamen recuperará este año la Alcazaba como escenario. Allí se representará “Antígona del siglo XXI”, que aporta una visión intemporal de la tragedia. Emilio del Valle dirige este montaje que cuenta con dramaturgia firmada por él mismo e Isidro Timón y que protagonizarán Anna Allen y Chete Lera. Y la tercera versión de “Antígona”, esta sí basada en el texto de Sófocles, cerrará el festival. El mejicano Mauricio García Lozano dirige esta adaptación de Ernesto Caballero que contará con una presencia muy especial: la de la propia Blanca Portillo en el papel de Tiresias. Tal y como ha explicado la intérprete, esta intervención será “mi regalo personal como actriz a un festival que adoro”. En el reparto le acompañarán Marta Etura, Antonio Gil, Elías González, María Botto, Alberto Amarilla y Rosa Manteiga. La programación del teatro Romano se completará con “El viaje de las heroidas”, un espectáculo de danza-teatro que llegará a escena de la mano de Karlik DanzaTeatro, y “Asamblea de las Mujeres”, comedia dirigida por Laia Ripoll, en la que participará Isabel Ordaz junto a Marcial Álvarez, Fernando Tejero y Emma Ozores. La Alcazaba además acogerá los monólogos

“Mano a mano”, con directores como los extremeños Memé Tabares y Manuel De, entre otros, y en los que intervendrán intérpretes tan conocidos como Félix Gómez, Carmen Machi, Isabel Sánchez o Jesús Noguero. En la plaza Margarita Xirgu, la compañía extremeña Asaco Producciones ofrecerá “Las termas de la risa”, una comedia que garantiza la diversión de toda la familia. “Augusto de Mérida”, por su parte, podrá verse durante el mes de julio en el Foro Romano y en el Templo de Diana. Para extender las actividades del festival a otros espacios, se han programado una serie de actividades paralelas. Una de ellas es la exposición fotográfica “Camerinos”, con instantáneas de gran formato de Sergio Parra que se exhibirán en el interior del teatro Romano y la Alcazaba, y en las fachadas del Mercado de Calatrava y la nueva plaza del Templo de Diana. Y los espectadores podrán ver de cerca a los protagonistas del festival en los Encuentros con el Público, una cita en días posteriores a los estrenos que se celebrará en la cripta del Museo Nacional de Arte Romano, el mismo entorno que acogerá las conferencias del Ciclo Ideas, dirigido por Santiago López Moredas.

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Danza a Escena Dieciocho compañías participan hasta el 31 de diciembre en su segunda edición

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s*UNIO $ÓA “Carni di prima cualitá”, de Natxo Montero Danza. Carme Teatre (Valencia) $ÓA “Carni di prima cualitá”, de Natxo Montero Danza. Carme Teatre (Valencia) s*ULIO $ÓA “Scrakeja’t”, de CobosMika Company. Atrium Viladecans de Viladecans (Barcelona) $ÓA“Scrakeja’t”, de CobosMika Company. Anfiteatro de Utrillas (Teruel) s!GOSTO $ÓA“Payasos divinos”, de LaMov. Anfiteatro de Utrillas (Teruel) $ÓA “Paisajes”, de Marisa Amor. Auditorio Municipal de Fuentealbilla (Albacete)

De izda. a dcha: Gerardo Ayo, presidente de La Red; Lydia Azzopardi, de Gelabert Azzopardi Companyia de Dansa; Omar Meza, de DA.TE Danza; Juan de Torres, presidente de FECED; y Félix Palomero, director general de INAEM.

La sala multiusos del teatro de Valle-Inclán de Madrid acogió el pasado 4 de mayo la presentación ante los medios de la segunda edición Danza a Escena, circuito artístico que de nuevo ha sido promovido por el INAEM y desarrollado por La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de titularidad pública, y en el que esta vez participarán 18 compañías en 77 espacios escénicos. Al acto asistieron Félix Palomero, director general de INAEM; Gerardo Ayo, presidente de La Red; Juan de Torres, presidente de la Federación Estatal de Compañías y Empresas de Danza (FECED); así como dos de los coreógrafos de las compañías participantes: Lidia Azzopardi, de Gelabert Azzopardi Companyia de Dansa, y Omar Meza, de DA.TE Danza.

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anza neoclásica y contemporánea, flamenco, lenguajes urbanos o claqué son algunos de los géneros que se llevarán a cabo en esta edición que comenzó el pasado mes de abril y que se prolongará hasta el próximo 31 de diciembre, ya que su duración se ha ampliado respecto al año pasado. Ocho compañías ofrecerán sus más recientes proyectos artísticos dedicados a la danza contemporánea. Las formaciones vascas Noemí Viana & Jesús Rubio y Natxo Montero Danza presentarán, respectivamente, los espectáculos “Menú del día” y “Carni di prima qualitá”. La obra de Leonardo da Vinci inspira otro de los montajes seleccionados, “1,618... Da Vinci”, de la compañía afincada en Valencia Cienfuegos Danza. La producción coreográfica catalana llegará de la mano de cinco compañías. Los creadores e intérpretes Claire Ducreux y Toni Mira ofrecerán sus mejores cualidades en el espectáculo “En attendant l’inattendu”, de Nats Nus Dansa. El “reality” poético y la pornografía más emocional se unen en “El mal menor”, la quinta pieza de Loscorderos. sc. Gelabert-Azzopardi Companyia de

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Dansa celebrará su trigésimo aniversario sobre los escenarios con la reposición y actualización de “Belmonte”. Thomas Noone Dance, por su parte, ofrecerá su último espectáculo, “The room”, mientras que Bebeto Cidra Compañía de Danza girará con el montaje “Suites de Bach, una trilogía”. Cinco son los espectáculos que el circuito oferta específicamente al público infantil. DA.TE danza, compañía granadina galardonada con el premio FETEN 2011 al Mejor Espectáculo Coreográfico, presenta “Río de luna”. Las nuevas tecnologías y los recursos visuales son las señas de identidad de “Paisajes” y “Zing-zing”, que firman la creadora madrileña Marisa Amor y la compañía catalana Roberto G. Alonso respectivamente. La esencia del juego inspira la última creación de la Companyia Dansa Mariantònia Oliver, titulada “nOu”. Y la relación de propuestas para niños se cierra con “Nubes”, de Aracaladanza, reciente premio Max al Mejor Espectáculo Infantil. Respecto a otros géneros, la obra “Tripolar”, del tándem formado por el sevillano Marco Vargas y la bailarina canadiense Chloé

$ÓA“Scrakeja’t”, de CobosMika Company. Teatro Cine Rex de Casas Ibáñez (Albacete) Más información en www.danzaaescena.es Brûlè, cuenta con la música en directo del guitarrista y cantaor Juan José Amador. El estilo neoclásico dibuja el código estético de “Payasos divinos”, un trabajo de la formación aragonesa LaMov Compañía de Danza. En “Mintzo”, la donostiarra Dantzaz Konpainia presenta al público las creaciones de cuatro coreógrafos emergentes: Sophie Antoine, Hilde Koch, Eric Gauthier y Jone San Martín. “ScRakeja’t”, de CobosMika Company, es un espectáculo dirigido al público familiar que fusiona la danza contemporánea y el hip-hop. Por último, el telón de la segunda edición de Danza a Escena lo bajará la esencia del claqué que encierra “TapArpègics”, de Clac & Roll. Once comunidades autónomas – Andalucía, Castilla y León, Castilla-La Mancha, Comunidad Valenciana, Madrid, Aragón, Navarra, Cataluña, Asturias, Canarias y País Vasco– colaboran este año con este circuito. El aumento del volumen de representaciones y de espacios participantes de esta edición auguran que se superarán con creces los doce mil espectadores de su primera convocatoria. La Red cofinancia con los espacios escénicos participantes los cachés de los espectáculos seleccionados, aportando un 50% del mismo. La selección de las obras programadas ha sido realizada por los espacios participantes a partir de un catálogo elaborado por la Comisión de Ballet, Danza y Artes del Movimiento de La Red. www.elespectaculoteatral.es

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Clásicos en Alcalá Setenta actividades compondrán su programación

Foto de familia de la presentación de la XI edición de Clásicos en Alcalá.

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esde el 16 de junio y hasta el 3 de julio se desarrollará en la localidad madrileña de Alcalá de Henares la undécima edición del festival de artes escénicas Clásicos en Alcalá. Setenta actividades tendrán lugar en ocho espacios de la cuna de Cervantes, de la mano de 26 compañías procedentes de España, Estados Unidos e Italia. En concreto se llevarán a cabo 23 espectáculos de teatro, música y danza (de los que se ofrecerán 41 representaciones), tres montajes dentro de la campaña escolar (de los que habrá seis funciones), ocho talleres infantiles (de dos sesiones cada uno), dos exposiciones y cinco conferencias. De entre todos los lugares en los que se exhibirán los montajes seleccionados destacan por sus características dos: el Corral de Comedias y el Teatro Salón Cervantes. En el primero arrancará el festival con la puesta en escena de “La violación de Lucrecia”, de Juanjo Seoane Producciones, con la presencia de Nuria Espert y la dirección de Miguel del Arco, que se podrá ver los días 16, 17 y 18 de junio. En este mismo espacio se representarán “Los caprichos de Cavalier Merula”, de Caravaggia y Marta Infante (19 de junio); “El amor enamorado”, de La Caimana (22 y 23 de junio); “Los empeños de una casa”, de la Academia del Verso de Alcalá (24, 25 y 26 de junio); “Chafarderías”, de Grappa Teatre (28 y 29 de junio); “La batailla en spagnol”, de Capella de Ministres (30 de junio); y “La escuela de la desobediencia”, de Producciones Andrea D’Odorico y Teatro Portátil (1, 2 y 3 de julio). Las tablas del Teatro Salón Cervantes verán, como estreno absoluto, el regreso al teatro de Gemma Cuervo en el espectáculo “La Celestina”, bajo la dirección de Mariano de Paco Serrano y la producción de Secuencia 3 y Allí, los días 17 y 18 de junio. Además acogerá el espectáculo “Los 7peca2 capitales”, de Producciones Imperdibles, incluido en la sección “Otra mirada a los Clásicos”; “Tartufo”, de Lazona (21 y 22 de junio); “El castigo sin venganza”, de Rakatá Producciones (23 y 24 de junio); “Macbeth”, de Ur Teatro, dirigido por Helena Pimenta (25 y 26 de junio), “Coplas a la muerte de su padre”, de Amancio Prada y el Teatro de la Abadía (27 de junio), “Un bobo hace ciento”, de la Compañía Nacional de Teatro Clásico (30 de junio y 1 de julio), y “Los locos de Valencia”, de Teatres de la Generalitat Valenciana (2 y 3 de julio). De más allá de nuestras fronteras llegará la compañía The Cross Border Proyect, de Nueva York, que representará “De Fuenteovejuna a Ciudad Juárez” los días 2 y 3 de julio en el Patio de la Antigua Hospedería de Estudiantes. Y desde Italia acudirá el Nuovo Teatro Nuevo, que ofrecerá los días 19 y 20 de junio la obra “Don Chisciotte” en el Teatro La Galera. En Clásicos en Alcalá también tendrán cabida los espectáculos de calle, las exposiciones y las conferencias de la “Academia de espectadores”. Y para la creación de nuevos públicos se realizará el “Taller de versos antiguos para niños modernos”, y la campaña escolar, que tendrá lugar en octubre y estará compuesta por tres espectáculos: “Cyrano de Nueva Orleans”, de Uroc Teatro; “Los empeños de una casa”, de la Academia del Verso de Alcalá; y “Don Juan Tenorio”, de Teatro del Temple. www.elespectaculoteatral.es

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COMPA×ÓAS

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Jorge Palomar y Amadeo Vañó Productor y distribuidor de la compañía Sexpeare

Jorge Palomar, productor ejecutivo de Producciones Sexpeare.

Amadeo Vañó, responsable de la distribuidora Cámara Blanca.

Sexpeare es una compañía que a nadie deja indiferente gracias a su original y divertido estilo propio, en el que el lenguaje cinematográfico se mezcla a partes iguales con el escénico. Fue en 1995 cuando los actores Rulo Pardo y Santiago Molero crearon esta formación junto Jorge Palomar, encargado de producir sus montajes y los de otros creadores afines. La andadura de la compañía madrileña no pudo empezar mejor, ya que su espectáculo de presentación, “Trep”, fue premiado en el Certamen de Teatro Ciudad de Logroño. A este le siguieron muchos otros, - ¿Por qué Producciones Efekto-Sexpeare pasó a ser Producciones Sexpeare en 2010? - Jorge Palomar: Pusimos en pie la productora con el nombre de Producciones Efekto hace casi 10 años, a principios de 2002. La idea era darle a la compañía Sexpeare, que ya contaba con una trayectoria artística de 7 años en esa fecha, la libertad, la estructura empresarial y la cobertura legal necesarias para desarrollar sus nuevos proyectos teatrales. También se creó la productora con el objetivo de ampliar las miras y servir de plataforma empresarial para el desarrollo de otras compañías y colaboradores habituales y para la puesta en marcha de nuevos proyectos empresariales (eventos, galas, presentaciones....) inspiradas en el marcado estilo de la formación. Con el paso de los años, en 2010, consideramos que siendo Sexpeare la base de la productora y habiendo centrado claramente nuestra actividad en la creación y producción teatral, debíamos reforzar y unificar nuestras actividades en una sola “marca”, por eso decidimos cambiar el nombre de la empresa a Producciones Sexpeare. - ¿Cuándo comenzó Cámara Blanca a gestionar la contratación de Sexpeare? - Amadeo Vañó: Empezó hace ya un tiempo, con el espectáculo “For Sale” y surgió por afinidad entre ambos. Cuando

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como “Sexketch”, “Hipo” –producido por Yllana, y que supuso su salto a nivel nacional– o “For sale”, a partir del cual se incorporó Amadeo Vañó en su distribución a través de su empresa Cámara Blanca. El más reciente montaje de Pardo y Molero es “El título de este espectáculo no es mi madre”, que se pudo ver en el teatro Lara de Madrid hasta el 5 de junio, estancia que hubiera sido más larga si no se hubiera visto interrumpida por el inicio del rodaje de la primera película basada en uno de los montajes de Sexpeare: “¡Qué pelo más guay!”.

una distribuidora se hace cargo de la distribución de los espectáculos de una compañía, debe haber una total correlación entre ambas, tanto a nivel artístico como a nivel comercial. En nuestro caso, nos lo planteamos y rápidamente vimos que ambos compartíamos los mismos criterios. Desde que empezamos a trabajar juntos tenemos una comunicación muy fluida, y aunque las funciones de cada uno estén muy definidas, hablamos y nos escuchamos mucho. Esto es importante a la hora de obtener unos buenos resultados. - ¿Por qué “El título de este espectáculo...» se ha representado en el Lara y no en el Alfil como era habitual en la trayectoria de Sexpeare al llegar a Madrid? ¿Sigue existiendo un vínculo estrecho entre Yllana y Sexpeare? - J.P: «El título de este espectáculo...», nuestra penúltima producción, comenzó temporada en el teatro Lara de Madrid el 5 de mayo y estamos muy contentos en él. Se trata de un espectáculo técnicamente más complejo y con una producción más ambiciosa desde todos los puntos de vista. El espectáculo fue creado (escenografía, espacio escénico, diseño de luces, sonido...) pensando en espacios de tamaño medio/grande, por lo que desde su nacimiento tuvimos que descartar el teatro Alfil. El espectáculo se estrenó en el teatro Principal de San Sebastián dentro de la

programación de dFeria y comenzó su gira en 2009, siendo incluido como espectáculo recomendado en la Red Nacional. A finales de 2010 nos planteamos buscar un teatro con el tamaño suficiente en Madrid y finalmente, tras una feliz reunión con Enrique Salaberría, surgió la oportunidad de estrenar en el Lara. Entre Sexpeare e Yllana sigue existiendo, sin duda, un vínculo claro, especialmente con David Ottone, que colabora en la dirección de este espectáculo como lo hizo en varios de los anteriores. Por otro lado, como decías, nuestra trayectoria ha estado unida en Madrid al Alfil y su público. De hecho, nuestra última producción, «Sin balas», de las maravillosas Grotesques, ha hecho temporada en este teatro durante el pasado mes de abril. - ¿Precisamente la tendencia es que Producciones Sexpeare produzca cada vez más espectáculos no protagonizados por Rulo Pardo y Santiago Molero? - J.P: Cuando los tres creamos la productora lo hicimos con la idea de desarrollar proyectos propios y otros con colaboradores con los que compartiésemos una misma manera de trabajar, disfrutar, entender el teatro... Si hoy miramos hacia atrás, vemos que de los diez espectáculos que hemos puesto en pie y hemos hecho girar, aproximadamente la mitad estaban protagonizados por Santi y Rulo y la otra www.elespectaculoteatral.es

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COMPA×ÓAS mitad por otros intérpretes. Hemos hecho «En grilletes» y «Sin balas» con Las Grotesques, «Solomillo» con Fele Martínez, «Gracias Grecia» con tres grandísimos actores que aun siguen girando este montaje... y luego «Sexketch», «Hipo», «¡Qué pelo más guay!», «H», «For sale» y «El titulo de este espectáculo....» con ellos dos sobre las tablas. Así, en estos años, hemos creado una pequeña (bueno, no tan pequeña) familia entre actores, técnicos, regidores, gente de vestuario, escenografía, otros colaboradores... de la que verdaderamente estamos muy orgullos. - ¿Qué características tiene una compañía como Sexpeare? ¿Cómo se podría describir su trabajo? ¿Y cómo afecta la crisis a una formación de este tipo? - A.V: Sexpeare es una compañía muy versátil y a la vez con un estilo muy definido. Como te decía Jorge, además de producir sus propias creaciones, tienen una gran capacidad para colaborar y desarrollar proyectos de manera conjunta y a distintos niveles con otras compañías y creativos. El resultado de estos proyectos son espectáculos definidos por el carácter de los creativos con los que colaboran y que a la vez están marcados por el sello “Sexpeare”, como puede ser el caso de Las Grotesques. ¿Y cuál es el sello “Sexpeare”? El de la comedia dinámica y ágil, el de la parodia y el absurdo, el del guiño cinematográfico... Recientemente leí un comentario en Internet de una espectadora que vino a vernos al teatro Lara donde decía que “parecía que estaba viendo una película”. El sello que hace quince años te definía como “espectáculo para público joven” hoy en día aún sigue llegando a aquel público (que ya no es tan joven) y a la vez al que sí lo es. ¿Cómo le afecta la crisis? La teoría es que los recortes presupuestarios hacen que las programaciones se estén acotando cada vez más a espectáculos muy comerciales. Yo veo constantemente programaciones donde la misma compañía o productora repite semestre sí y semestre también. Y dudo... ¿estarán marcadas únicamente por

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“El título de este espectáculo no es mi madre”, de Sexpeare.

el criterio comercial “número de butacas llenas”? ¿O el factor “programación fácil y sin un esfuerzo especial en comunicación y creación de público” es el que realmente define, a pesar de no ofrecer una diversidad de propuestas al público del municipio en cuestión? - Ante la dificultad de ir a caché, ¿es ya habitual la oferta de nuevos modelos de contratación por parte de los teatros públicos españoles? - A.V: Surgen ofertas de otros modelos de contratación distintos al de caché puro y duro, y nosotros estamos abiertos a ellos, por supuesto. Estos nuevos modelos van a suponer una mayor implicación de las compañías en la comunicación de la función y la captación de público de manera local. Se tiene que trabajar de manera muy estrecha con el teatro y entre ambos definir una serie de acciones anteriores a la función cuyo objetivo sea comunicar correctamente con el tipo de público deseado. Para esto debe de haber una predisposición por parte de la compañía, por supuesto, pero también por parte del teatro, que es el que debe de conocer cuáles son los canales de comunicación que mejor funcionan en su municipio. El pegar carteles y ya está no es suficiente… - ¿Existen proyectos de Sexpeare para otros formatos como cine o televisión?

- J.P: Pues existe uno muy gordo: «!Qué pelo más guay!» en cine. En junio ha comenzado el rodaje de la versión cinematográfica de nuestro más exitoso montaje teatral (lleva 8 años de gira) y estamos muy nerviosos, ilusionados y con muchas ganas. Tenemos también en proyecto varios productos para televisión con la productora Popproducciones y algún otro más en camino con una productora mayor y muy conocida del que no podemos adelantar nada todavía. En cuanto al teatro, el western “Sin balas” de Las Grotesqués y “El titulo de este espectáculo...”, nuestras últimas producciones, comienzan su gira en verano y tras sus respectivas temporadas en Madrid, y cómo no podemos estar quietos, tenemos previsto un nuevo espectáculo en el que la compañía quiere volver a hacer un poco el golfo, con un montaje más cercano que haga a la gente reír, que falta nos hace. - ¿Os habéis planteado el salto de algunas de las producciones de Sexpeare a otros países, por ejemplo de Latinoamérica? - AV: Latinoamérica… nos gustaría mucho girar allí, cómo no. Nos lo hemos planteado y seguimos en ello. Como distribuidor lo hice con la compañía OtraDanza y fue una experiencia magnífica, espero que pronto pueda hacerlo con Sexpeare.

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Las gracias mohosas La CNTC invita a Teatro del Velador a representar esta obra en el teatro Pavón

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ara cerrar su temporada 2010/2011, la Compañía Nacional de Teatro Clásico ha invitado a Teatro del Velador a representar una de sus producciones en el teatro Pavón de Madrid del 3 al 19 de junio. Se trata de “Las gracias mohosas”, de Feliciana Enríquez de Guzmán, la primera dramaturga española, quien nació en Sevilla a finales del siglo XVI y que escribió esta breve obra exactamente en 1619. De la dirección escénica de esta versión se encarga Juan Dolores Caballero. Poco se sabe de Feliciana Enríquez de Guzmán excepto que tuvo dos hermanas monjas en el convento de Santa Inés de Sevilla. De hecho, escribió “Las gracias mohosas” para entretener las largas horas de clausura. Se trata de un texto breve donde triunfa lo disparatado, lo burlesco, la imagen de un mundo fuera de toda norma. En la función, el amor se instaura de manera transgresora y divertida: los protagonistas, seis hombres nada menos, se vienen a enamorar de la misma mujer, Aglaya, con la que se quieren casar. Pero es imposible llevar a cabo la unión, pues tiene dos hermanas que también han de contraer matrimonio. Para poder elegir el novio adecuado para cada una de ellas, el padre, Baco, convoca una justa donde se deben batir los pretendientes merecedores de la mano de sus hijas. Pronto se comprobará que lo mejor para todos es que se casen los seis con las tres... En sus once años de existencia Teatro del Velador se ha planteado la búsqueda y la investigación en el ámbito contemporáneo como manera de crear y definir un lenguaje propio. Desde sus inicios define su teatro como teatro “bruto”, bebiendo y basándose en el “arte bruto”, donde las técnicas y los sistemas de representación proceden de una invención completamente personal. Si hay un común denominador en sus propuestas podría ser el de la obsesión por los motivos de lo feo y el deshecho humano, el desequilibrio, el exceso y lo inacabado. Más información en la edición digital

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el apuntador

Hacia una arquitectura participativa  de los espacios culturales por Santiago Fajardo Santiago Fajardo, nuestro “apuntador” de este mes, es arquitecto y humanista, y dirige el estudio ESF, que desde hace años trabaja en proyectos y obras de espacios escénicos y centros culturales desde una visión contemporánea y participativa. Tanto en rehabilitación como en obra nueva y en diferentes formatos, sus proyectos y realizaciones en España y Sudamérica han recibido magníficas críticas de los expertos, publicándose en diversas revistas especializadas. Algunos de esos trabajos son el proyecto de la sala Arteria de Buenos Aires o la rehabilitación del Palacio Longoria, sede madrileña de la SGAE.

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os grandes teatros del siglo XIX, frecuentemente nacidos como teatros de producción y por ello con demandas logísticas y operativas de gran entidad, son edificios donde, dejando a un lado el binomio sala-caja escénica y sus áreas complementarias, el espacio restante se dedica a la circulación y exhibición del espectador en los entreactos. Espléndidos salones y majestuosas escaleras se conciben con el carácter de galería pública para el acontecimiento social, pero no existen servicios diversificados para la satisfacción del espectador desde una experiencia contemporánea más completa y atractiva en el hecho de acudir a un espectáculo. De entonces a ahora se han sucedido decisivos cambios, tanto en el formato y presentación de los espectáculos, como en la necesaria homologación de las infraestructuras necesarias para hacerlos girar, en orden a la viabilidad de las producciones. Espectáculos progresivamente complejos, paralelamente a los cuales se ha producido una necesaria modernización tecnológica que ha renovado todos los recursos de las cajas escénicas y, en buena parte, debidos al progresivo nivel de participación y creatividad de los escenógrafos. Hoy lo verdaderamente decisivo es la demanda de unas infraestructuras multifuncionales, donde el espacio escénico, aún siendo el principal, es una parte más de un complejo programa en el que se incluyen otros complementos que proporcionan a los centros culturales una amplia oferta de servicios que garantiza la sostenibilidad de su explotación. Estos proyectos complejos son necesariamente obras corales, que han de analizarse desde una visión poliédrica y asimismo con una respuesta multidisciplinar. Contar con un abanico de especialistas en el estudio de cada uno de los aspectos que confluyen en el conjunto resulta fundamental. Nuestros asesores en la gestión cultural son de valiosa contribución, para exprimir las posibilidades del emprendimiento. Sus inputs son fundamentales para enfocar adecuadamente el proyecto y, en interacción con los promotores, concretar el programa más eficiente, incluso deduciendo las condiciones relativas al equipamiento más idóneo. Una vez definido el programa, creo que siempre es necesario escribir antes de dibujar; algo así como racionalizar el ámbito de lo vago, de lo etéreo; escribir sobre los conceptos e ideas que han de estar presentes en el edificio, sobre los verdaderos contenidos, en vez de ser prisioneros de una propuesta formal prematura. Un proyecto es un proceso de exploración del espacio y es por tanto un camino abierto hacia lo desconocido. Perderse en esa aventura y no ponerse límites es el mensaje a mis colaboradores, porque experimentar significa la posibilidad de descubrir.

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Nuestra experiencia de muchos años proyectando y construyendo dentro de esta temática nos ha permitido acumular una amplia biblioteca de soluciones sobre los elementos fundamentales de la misma. Esa biblioteca facilita la elaboración de estudios preliminares sobre conjuntos complejos con el mayor rigor, exactitud y rapidez; porque, previamente, garantizamos el cumplimiento del objetivo con el correcto diseño y engranaje de esa maquinaria, lo demás es complementario y puede encuadrarse dentro del ámbito compositivo, estético, discrecional. Nuestro estudio trabaja con la más vanguardista tecnología, que nos permite proyectar en tres dimensiones con modelos completos e integrar cuantos componentes van a formar parte del edificio, lo que facilita su coordinación en armonía, anticipándonos a posteriores situaciones conflictivas. Por ello, podemos decir que nuestro control sobre el proyecto, en su desarrollo, es del más alto nivel, lo que representa una interesante garantía para nuestros clientes. Por otra parte, tratamos de ofrecer algo más de lo habitual en un estudio de arquitectura. Hoy en día, el papel del arquitecto no puede ser el de un mero diseñador cuya actividad se anticipa e impone al resto de agentes que vienen después, porque no se les ha convocado en el momento oportuno. Aquí reside a nuestro juicio la diferencia: no puede haber consultores que inicien su colaboración con la película ya empezada. Por eso nuestro papel trata de ser más amplio, incorporando desde el inicio un abanico de servicios que creemos necesario para la consecución de los objetivos. Incorporar e integrar, esa es nuestra propuesta. Nuestro trabajo no puede ser ajeno a esa condición universalizante que siempre ha presidido la creación de los arquitectos. A mi modo de ver, el arquitecto no debe ser un especialista, sino un humanista; aquel capaz de comprender la generalidad del todo como algo más que una suma de las partes, con el objetivo de obtener el mayor grado de satisfacción posible en el público, haciendo que el hecho de acudir a un espectáculo sea una experiencia completa y gratificante. Asimismo buscamos la excelencia en la satisfacción de los artistas al punto de que deseen volver por la calidad de sus servicios, confortabilidad de sus espacios, tecnologías disponibles, etc. Perseguimos también la satisfacción de los técnicos, haciendo que su trabajo sea más fácil, seguro y eficiente. La sostenibilidad de los nuevos centros culturales está ligada a su adecuación tecnológica, pero también a lo que podríamos llamar su ergonomía tectónica. Para nosotros, cada paisaje tiene una estructura oculta que habla de las tensiones y fuerzas en juego y así, la arquitectura nace del encuentro entre la idea y el lugar. Como un

árbol, los edificios crecen sobre la tierra y su gesto se configura por ello. Hoy día la tecnología hace posible que los edificios estén dotados de recursos capaces de hacerlos funcionar en cualquier parte del mundo, como una cápsula abstraída de su circunstancia; su contrapartida está en el derroche de energía necesaria para hacerlos viables. Así pues, nuestro estudio practica lo que podemos llamar un diseño eficiente en la concepción de los edificios, de manera que el implemento tecnológico y energético necesario para su funcionalidad en este sentido sea mínimo. Un buen aislamiento tendrá siempre excelentes consecuencias sobre el acondicionamiento interior y el grado de apertura o transparencia de un edificio debe medirse en función de diversos parámetros, no solo estéticos, sino de otro rango. En nuestra experiencia hemos aprendido que los mayores errores no proceden de la ignorancia, sino de la arrogancia y, por ello, nos acercamos al tema preguntando directamente a todos los agentes implicados: público, gestores, artistas, técnicos, etc., porque nos interesan los problemas que les aquejan y el lugar donde residen los aciertos que perseguimos. Hemos aprendido a dudar de la superioridad y a entender que un empeño así solo puede materializarse mediante la contribución de muchos profesionales desde una arraigada conciencia de equipo, en la experiencia de un grupo humano entrenado que ha compartido muchas horas de trabajo. Creo que lo más relevante es precisamente eso, coordinar y dirigir un equipo de colaboradores numeroso y diverso, como una orquesta. La construcción de un edificio en este campo debe ser alta costura, a la medida y con la necesaria personalización que imponen muchas circunstancias, intrínsecas y externas. Hemos aprendido también que nuestra capacidad para ayudar al promotor no exime a este de la responsabilidad de decidir sobre sus propios objetivos y que muchas dudas e incertidumbres respecto a esto son generadoras de disfunciones posteriores en diferentes momentos del proceso. En resumen, que existen multitud de pequeños matices en todo cuanto hacemos, cuyas consecuencias pueden ser decisivas en el resultado final y en las condiciones de su explotación. Finalmente señalar mi convicción respecto de la necesidad de modificar los parámetros con arreglo a los que se promueven habitualmente estos edificios. Nuevos planteamientos para tener una arquitectura a medida, más que una arquitectura de autor, ajena a manierismos estereotipados y gestualidad vacía. Una interesante elección para quien quiera aprender que este oficio es …algo más que los fuegos artificiales.

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Madame Bovary Pentación prepara la primera versión teatral de esta obra que se estrenará en Alicante en diciembre

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esde niña, Magüi Mira, oveja negra de su familia, se sintió próxima a la figura de la Emma Bovary de Gustave Flaubert. En 1989 recibió la propuesta del Centro Dramático Nacional para realizar un monólogo basado en el clásico de la novela realista francesa, proyecto que no pudo aceptar en aquel momento y que terminó protagonizando Enriqueta Carballeira. Veinte años después, la “absoluta contemporaneidad” de ese texto animó a Magüi a dirigir la primera versión teatral hecha en España de la novela, para lo que ha contado con la versión realizada por Emilio Hernández y el apoyo de Pentación para la producción y distribución de la obra. El elenco de actores está formado por Ana Torrent y Juan Fernández, en los papeles del matrimonio de Emma y Carlos Bovary, y Armando del Río y Fernando Ramallo, que interpretan a los dos amantes de Emma, Rodolfo Boulanger y León Dipuis, respectivamente. La obra comenzará sus ensayos el próximo mes de septiembre, se estrenará el 2 de diciembre en el teatro Principal de Alicante y llegará al Bellas Artes de Madrid en enero del próximo año.

Jesús Cimarro, productor de la obra, junto a los actores Armando del Río, Ana Torrent, Juan Fernández y Fernando Ramallo, y la directora de la versión, Magúi Mira (a la derecha).

Lilya 4-ever Azar Teatro presentará esta obra en el festival FÀCYL de Salamanca

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os próximos días 10 y 11 de junio Azar Teatro estrenará en el marco del festival FÀCYL de Salamanca su nuevo proyecto escénico, “Lilya 4-ever”. La formación vallisoletana ha alternado los últimos preparativos de este montaje con las representaciones de “El juicio de Dayton”, que se pudo ver en el Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid, el TAC 2011, el pasado 27 de mayo. “Lilya 4-ever” es una adaptación teatral realizada por Hansjörg Betschart de la película del mismo título de Lukas Moodysson, que ha sido seleccionada por Calixto Bieito, director artístico invitado del FÀCYL, para que su estreno absoluto se produzca en el marco de este evento. En esta pieza Azar Teatro aborda la gravísima problemática social de la explotación y el abandono infantil. Lilja, una frágil adolescente, intentará sobrevivir en un sórdido mundo dominado por las mafias. Su penosa realidad, que hoy día afecta a millones de personas, será el punto de partida para una profunda reflexión sobre los valores de una sociedad enferma y deshumanizada. La trama de “El juicio de Dayton”, versión libre de la película de Stanley Kramer “Inherit the wind”, por su parte, la protagoniza un joven maestro llamado Bertram T. Cates, quien ha sido sometido a juicio por violar una ley del estado de Tennessee, en Estados Unidos. El “grave” delito que se le imputa es haber enseñado la teoría de la Evolución de Darwin a un grupo de estudiantes de secundaria. www.elespectaculoteatral.es

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Horror circus.tv Residui Teatro examina la tragedia filtrada a través de los medios de comunicación

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a compañía Residui Teatro vuelve a reflexionar sobre la sociedad contemporánea y reabre el desafío del teatro como instrumento de transformación social en “Horror circus.tv”. Este montaje de la formación italiana afincada en Madrid habla de los horrores y del filtro anestésico que los medios de comunicación interponen entre la realidad y nuestros ojos. Su estreno en España se produjo los días 24 y 25 de mayo en el teatro Casa de Vacas del parque de El Retiro de Madrid. Ya en agosto, la obra está previsto que se represente en Tepic (México) entre los días 28 de agosto y 3 de septiembre. Residui Teatro nació en Roma a partir de un taller de investigación teatral dirigido por Paolo Vignolo (sociólo y director) y Marta Ruiz (coreógrafa de Adra-Danza, Colombia), y desde 2000, año en el que toma el nombre de Residui Teatro, está dirigida por Gregorio Amicuzi. En estos once años la formación ha realizado espectáculos para niños y adultos, y ha creado actividades teatrales en la calle y performances en espacios no convencionales como el metro o edificios abandonados. En noviembre de 2007 se mudó a Madrid, y en 2009 inauguró su propio espacio: el Centro de Artesanía de las Artes Escénicas. En “Horror circus.tv”, una presentadora seductora nos introducirá en los horrores del mundo, nos hablará de los verdugos que los causan, de las víctimas que los sufren, y de los indiferentes que los contemplan. El público participará en el plató y será invitado a reflexionar sobre cuál es su posición en relación a estos hechos.

Cuando se apaguen las velas El actor Xavier Serrat da vida al particular protagonista de este montaje

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ante es un claro ejemplo de superación personal. A pesar de que hace casi dos años que se ve obligado a moverse en silla de ruedas, ha seguido trabajando hasta el día de hoy, el día señalado para su jubilación. Tan solo necesita acabar un último encargo y podrá irse para siempre, dejar atrás todo el sufrimiento que ha tenido que soportar durante estos últimos años. Y es que su historia sería una historia como la de muchos otros si no fuese por que Dante... trabaja como asesino a sueldo. Su último trabajo será totalmente distinto a los anteriores, porque las víctimas las ha elegido él... y tiene una buena razón para ello. Este es el impactante argumento de “Cuando se apaguen las velas”, el texto de Eric Romero que se representa en castellano en el Guasch Teatre de Barcelona desde el pasado 12 de mayo y, al menos, hasta el próximo 19 de junio. Miquel Murga dirige esta producción de la empresa Arena Madrid que cuenta con la presencia en el papel principal del actor Xavier Serrat. www.elespectaculoteatral.es

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La ventana de Chygrynskiy La sala Cuarta Pared vuelve a acoger la ironía kafkiana de esta obra de Teatro El Zurdo

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n la recta final de su programación en el año de su XXV aniversario, la sala Cuarta Pared de Madrid rescata uno de los espectáculos más aplaudidos de la temporada: “La ventana de Chygrynskiy”, de la compañía madrileña Teatro El Zurdo. El montaje, con texto de José Ramón Fernández, regresa después de haber sido estrenado en esa misma sala el pasado mes de enero, cuando sorprendió por su frescura, humor, ironía y por el poso de reflexión que deja. La obra permanecerá en la cartelera madrileña entre el 9 de junio y el 3 de julio. En palabras de su autor, “’La ventana de Chygrynskiy’ es la cuarta parte de una trilogía. Con El Zurdo pasan estas cosas. Hay trilogías con cuatro partes. Las tres anteriores comedias zurdas se vieron juntas en Cuarta Pared, que, dicho sea de paso, es una pared que no existe. Como dijo Sancho Panza, esto es un poco kafkiano”. Y tanto, ya que en esta obra que dirige Luis Bermejo hay un futbolista famoso que puede ver cómo nieva en Ucrania desde su ventana de Barcelona, un vecino que cada noche se duerme en su cama y se despierta Dios sabe donde, una chica que oye lo que piensa la gente... El espectador asiste a pequeñas escenas que suceden en el inmueble donde vive el futbolista, entrando en cada casa, cada historia, cada vida... Más información en la edición digital

Mejorcita de lo mío El montaje de La Escapista Teatro volvió al lugar donde se estrenó en 2007

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odos los domingos del mes de junio, al igual que ocurrió en mayo, la sala Triángulo de Madrid acogerá la representaciones de “Mejorcita de lo mío”, que regresó al lugar donde se estrenó allá por el mes de agosto de 2007. El espectáculo ha sido producido por EscénaTe y es una creación de La Escapista Teatro dirigida por Fernando Soto e interpretada por Pilar Gómez. Esta veterana producción cuenta a sus espaldas con una larga gira con más de 200 representaciones por toda la geografía española, en la que se incluyen escalas en muestras de la talla de la FiraTàrrega, Escena Contemporánea o la Muestra de la Red de Teatros y Salas Alternativas, por mencionar solo algunas. “Mejorcita de lo mío” se define como un vuelo sin motor, un recorrido personal por aquellos momentos en la vida que de alguna manera nos dejan marcas, para bien o para mal. La eterna pregunta de “¿quién soy yo?” hará que se destapen nuevas cuestiones sobre el escenario. El montaje constituye un paseo por algunas de esas experiencias, unas veces positivas y otras no tanto, en las que nos vamos encontrando con la duda, el miedo, la risa, el cuerpo, la Virgen del colegio, las monjas, los scouts, la Tierra, el indio Seattle, Huelva, el desamor, la pena, los amigos, la voz de tu madre... Y como la vida a veces se empeña en dejarnos heridas, pues no queda más remedio que curarlas... porque una cicatriz bien puesta puede ser incluso bonita. www.elespectaculoteatral.es

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el hereje

Responsabilidades de la iniciativa privada por Eduardo Galán

Eduardo Galán denuncia en estas líneas la tendencia de las empresas privadas de artes escénicas a echar balones fuera en lo que a su responsabilidad en la actual situación del sector se refiere, prefiriendo darle todos los pelotazos a la Administración pública. Uno de los problemas en los que la iniciativa privada debería reconocer su mea culpa es, según sus palabras, en el establecimiento de cachés desorbitados amparandose en la presencia de actores conocidos de cine y/o televisión en los repartos. Y muchas veces esta práctica se les ha vuelto en contra.

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s norma habitual responsabilizar a las administraciones de todos los males que padecen las Artes Escénicas en nuestro tiempo: la política de subvenciones erráticas y escasas, las normativas localistas y absurdas de muchas redes autonómicas, la falta de unos incentivos fiscales para la cultura con una mejor ley de Patrocinio, la ausencia de las artes escénicas (asignaturas como “Drama” o “Danza”) en los currículos del sistema educativo e impartidas por profesores titulados por las Escuelas de Arte Dramático, la morosidad de los Ayuntamientos, la competencia desleal de las producciones públicas con respecto a las privadas, la ausencia de leyes de artes escénicas en las comunidades autónomas que regulen el sector, la controvertida figura del “programador”, la intromisión o la conveniencia de implicación de los concejales de cultura en las programaciones, la gestión de los teatros y auditorios públicos, la falta de una promoción internacional eficaz de las artes escénicas españolas por parte del Gobierno de España y la ausencia de una colaboración entre el INAEM y las comunidades en este ámbito, la falta de políticas incentivadoras de la creatividad, la ausencia de políticas de apoyo a los nuevos lenguajes escénicos, la falta de apuesta por la consolidación del tejido empresarial y de las empresas que sostienen el empleo en el sector, la obligación de pagar el IVA de las actuaciones no cobradas o la imposibilidad de que Hacienda conceda el IVA reducido a los espectáculos teatrales (como lo tiene el libro), lo que abarataría la contratación por parte de los teatros públicos... Son muchas, como puede observarse, las responsabilidades de las administraciones públicas en la actual crisis del sector. Y otras muchas que podríamos seguir enumerando… ¿Pero no tiene ninguna responsabilidad la iniciativa privada en el desajuste actual que estamos padeciendo? ¿Es que productores y distribuidores no somos responsables de la hiper-producción de espectáculos? ¿Cómo podemos seguir ofertando un número tan elevado de ofertas cuando los teatros contratantes no pueden programar con la misma facilidad que hace tres o cuatro años? ¿Es que la empresa privada no puede organizarse y cohesionar una oferta más racional ante la falta de una demanda que justifique el elevado número de producciones que están presentadas al “mercado”? El camino, lo he escrito más de una vez, es el de las uniones temporales de empresas, las coproducciones y las co-

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distribuciones, que disminuyen el riesgo empresarial y fortalecen la producción del espectáculo. Un camino que debería nacer del asociacionismo. Es difícil encontrar soluciones en el sector privado cuando muchas empresas no están asociadas, cuando en algunas comunidades (como la de Madrid) existen varias asociaciones de productores… Esta desunión no es responsabilidad de las Administraciones. La incapacidad de la iniciativa privada para haber constituido una Academia de las Artes Escénicas es preocupante. Con la crisis que estamos padeciendo, tendría que haber nacido con fuerza y no ir pasito a pasito, a golpe de reuniones entre unos y otros… Confiar a la SGAE la promoción de nuestros espectáculos con los premios Max vuelve a ser una delegación de responsabilidades por parte de la iniciativa privada. Ciudades como Madrid y Barcelona deberían tomar ejemplo de los premios Tony y crear sus premios (con la colaboración de sus respectivos ayuntamientos) para promocionar los espectáculos de sus carteleras. Tal vez, los premios deberían concederse en torno a las Navidades a los espectáculos que estuvieran en cartel, a fin de contribuir a su mantenimiento… Organícese como se crea oportuno, pero organícense estos premios del impulso de la empresa privada. Productores, distribuidores, exhibidores (privados), representantes… tenemos una responsabilidad en la situación que estamos viviendo y una responsabilidad también en buscar soluciones para superar la crisis. Me pregunto si durante unos años (desde finales de la década de los 90) no hemos vivido, como todo el país, por encima de nuestras posibilidades. Me pregunto si no habremos provocado una “inflación” en los cachés de los espectáculos. Durante años los teatros públicos han estado pagando (todavía se pagan por parte de algunos) cachés elevados, en donde el ingreso de la taquilla no se correspondía ni de lejos con el pago realizado a la compañía… Es, quizá, la pescadilla que se muerde la cola. Para ser contratados por los teatros públicos la solución más sencilla ha sido, hasta ahora (¿y no lo sigue siendo?), la de llevar en el reparto actores conocidos de televisión… Y no había problemas para pagar los cachés que semejante esfuerzo suponía… Es un asunto conflictivo el que estoy comentando. Por un lado, los programadores contrataban (creo que siguen contratando) con mayor facilidad las obras con un reparto televisivo, no por la calidad del espectáculo

sino por la popularidad de los integrantes del elenco. Y los productores entendieron el mensaje: hay que llevar actores de la tele… Pero los actores famosos, decían los representantes, se pagan, y se pagan muy caros (en relación ingreso por localidades y coste de la compañía)… Los representantes han contribuido a elevar los cachés de las compañías y, por lo tanto, a crear una situación irreal: los ayuntamientos han pagado durante los años de bonanza. ¿Y ahora? ¿Se pueden mantener los cachés de hace unos años? ¿Se puede ir a taquilla con un reparto de lujo, que llena un teatro pero que al precio político de las entradas no se puede pagar? ¿No hemos creado un problema entre todos? ¿No es una responsabilidad compartida? ¿Y cómo lo solucionamos? Por no mencionar el comportamiento inelegante (o, simplemente, carente de ética y de profesionalidad) de algunos representantes (una minoría) que, en cuanto sus actores han tenido una oferta televisiva, han abandonado las producciones teatrales en que se encontraban (en fase de ensayo o de exhibición en gira, raramente en Madrid) sin preocuparles el descalabro económico que causaba en los productores. Una práctica que todavía se sigue realizando por algún representante, sobre todo por parte de aquellos que se han especializado en trabajar con menores y jovencitos y tratan de aprovechar al máximo la popularidad televisiva de estos sin preocuparles ni su formación ni la necesidad de adquirir prestigio… Responsabilidad de representantes, responsabilidad de empresas privadas. Cuando un actor famoso cae de un reparto es difícil de sustituir (sobre todo, cuando la obra ya ha estado en Madrid) y muchos teatros públicos no aceptan entonces la sustitución del actor famoso por otro actor con calidad pero no conocido… Responsabilidad compartida de lo público con lo privado. ¿No deberíamos hablar de estos asuntos en los foros comunes y buscar soluciones compartidas? Se impone ya empezar a crear códigos deontológicos de productores, representantes, distribuidores… En fin, que la crisis podría servirnos –ahora con las nuevas corporaciones locales y los nuevos gobiernos autonómicos– para buscar las mejores soluciones entre los agentes públicos y privados, asumiendo todos nuestras respectivas responsabilidades. Tenemos la oportunidad. No perdamos el tren. www.elespectaculoteatral.es

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el mundo del espectáculo teatral danza

Burnia El hierro se convierte en protagonista absoluto de este montaje de Aukeran

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n Bilbao y en su entorno, en Vizcaya, todo es hierro. Fue el hierro el que hizo a sus habitantes y el que después los arrodilló. Vibró en la ferrerías, en los altos hornos, hirvió en las guerras, tanto en las Carlistas como en la Guerra Civil. El hierro los ha transportado en forma de tren o en forma de barco; incluso todavía hoy viven encima de puentes de hierro. Hasta su cerebro es de hierro. Ahora le toca el turno a la compañía Aukeran de bailar sobre el hierro en su espectáculo “Burnia (Hierro)”, que se estrenará los días 9, 10 y 11 de junio en el teatro Arriaga de la ciudad del Nervión. La formación desestructura aquí muchas de sus normas y añade retazos contemporáneos en las coreografías, con la intención de mostrar más allá de sus límites la riqueza del baile tradicional vasco y conseguir un lenguaje más fresco y actual. Aukeran ha representado hasta ahora en el escenario del Arriaga sus tres últimos espectáculos: “Izena duen guztia omen da (Todo lo que tiene nombre existe)”, “Bideak” y “Gernika”, dirigidos todos ellos por Edu Muruamendiaraz, al igual que ocurre en “Burnia”. En esta ocasión el teatro Arriaga ha querido dar un paso más, no limitándose a prestar su espacio para las funciones de esta avalada compañía, por lo que ha participado en la producción de este nuevo espectáculo marcado por la investigación y el rigor estético. De su distribución se encarga Glu Glu Producciones. www.elespectaculoteatral.es

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el mundo del espectáculo teatral teatro multidisciplinar

Ejercicios de amor El Museo Reina Sofía acogió esta mezcla de realidad y teatro

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oco a poco el Museo Reina Sofía de Madrid ha pasado de ser un espacio no convencional para las artes escénicas a convertirse en escenario habitual de espectáculos de teatro y danza. El pasado 18 de mayo fue el montaje “Ejercicios de amor”, de la compañía valenciana El Pont Flotant, el que se desarrolló en sus instalaciones coincidiendo con el Día Internacional de los Museos. Después de la escala que realizó en Benicàssim (Castellón) dos días después, ya en junio el montaje proseguirá su andadura el día 10 en Vigo y los días 18 y 19 en Tenerife. Además, los días 8 y 9 de octubre participará en el festival FIDAE de Montevideo, la capital uruguaya. “Ejercicios de amor” parte de la investigación y el análisis, a modo de laboratorio, del mundo de las emociones. Propone a los espectadores ser testigos de las diferentes partes de una celebración: la bienvenida, la presentación, la ceremonia, el convite, el fin de fiesta... Se trata de una manera particular de celebrar la unión entre personas, una fiesta sencilla e íntima a mitad de camino entre el teatro y la realidad, donde el espectador es el invitado. El Pont Flotant inició su trayectoria en Valencia en 2000. Desde el principio a sus miembros les ha interesado la búsqueda de lenguajes teatrales particulares, alejados de tendencias y exigencias comerciales. Características de su trabajo son la experimentación sobre realidad y ficción, el trabajo del actor y su relación con el espacio escénico y el público, y los límites del lenguaje. Más información en la edición digital

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el mundo del espectáculo teatral infantil

Del 1 al 7 El 18 de junio verá la luz el nuevo espectáculo de Cantajuego

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el 1 al 7” es el título del nuevo espectáculo y Dvd de Cantajuego, donde conviven las canciones de su último trabajo y las de sus seis volúmenes anteriores. Se trata de noventa minutos de diversión y música a cargo del fenómeno infantil de más éxito de las ultimas décadas. En lo que al espectáculo se refiere, en esta ocasión el Grupo Encanto planifica sus vacaciones en la granja de su amigo el burro Pepe en compañía de Buby, la ardilla cotilla; la Vaca Lechera, el sapo Pepe y la rana Juana, y Coco, entre otros entrañables personajes. El estreno está previsto para el 18 de junio en el Palacio Municipal de Congresos del Campo de las Naciones de Madrid, donde se llevarán a cabo dos funciones. Entre otros muchos logros Cantajuego puede presumir hasta el momento de contar con más de 800.000 copias vendidas de sus trabajos discográficos, conseguir 23 discos de platino y 3 de oro, y que sus espectáculos hayan sido vistos por mas de 600.000 mil personas en toda España, 50.000 de ellas solo en la Gran Vía madrileña. En esta ocasión juegos, canciones y adivinanzas serán la clave para que los “cantajuegos” y sus simpáticos compañeros de aventuras conquisten de nuevo a sus pequeños y grandes espectadores con este espectáculo, que, como los anteriores, está diseñado especialmente para que los niños complementen su aprendizaje.

2015 tiempo vital La obra de Clan de Bichos alcanza su función número 100

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esde hace tiempo la compañía Clan de Bichos incluye en su repertorio una trilogía centrada en los Objetivos de Desarrollo del Milenio que está formada por los siguientes montajes: “¡¿Qué mosca te ha picado?!”, dirigida a niños a partir de 4 años y cuya próxima actuación tendrá lugar el 9 de junio en el CEPI-Colombiano de Madrid; “¡Tú la llevas!”, para chavales a partir de 7 años, y que el 21 de junio se podrá ver en el C.P. Reina Victoria de Madrid; y “2015 tiempo vital”, para jóvenes desde los 13 años, y que se representará el 17 de junio en el I.E.S. Senda Galiana, también en Madrid. Precisamente esta función constituirá la número 100 de este montaje que se estrenó el 26 de octubre de 2009. A partir del humor, la música en directo y los audiovisuales realizados por Ismael Moreno –autor de todos los espectáculos de Clan de Bichos junto a Susana Sánchez–, “2015 tiempo vital” informa sobre los Objetivos de Desarrollo del Milenio pero, sobre todo, pretende estimular a los jóvenes a una transformación social más profunda, mostrando desde la ironía y la parodia el reparto injusto del mundo. Y es que la producciones de esta compañía madrileña siempre se han caracterizado por la búsqueda de un teatro social donde el aspecto lúdico y el entretenimiento se combina con una denuncia muy crítica y directa de nuestra realidad y la necesidad de transformarla. www.elespectaculoteatral.es

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el mundo del espectáculo teatral infantil

La dama de Gardeny Xip Xap readapta esta producción de calle repleta de títeres y música a dama de Gardeny”, el nuevo espectáculo de la compañía Xip Xap, surgió como un montaje itinerante por encargo del ayuntamiento de Lleida para poder programar visitas guiadas al Castillo Templario de Gardeny. Después de la segunda temporada, la formación decidió adaptar esta producción y convertirla en una obra de títeres, con música y casi sin texto. Actualmente la están viendo la mayoría de los escolares de Lleida, pero el propósito de Xip Xap es que viaje alrededor del mundo para que su ciudad sea más conocida. Tras más de 25 años dedicados a las artes escénicas de calle, la compañía Xip Xap ha llegado a la conclusión de que una verdadera comunicación con el público solo se consigue si se logra vencer la distancia que separa el escenario del patio de butacas. Su receta se basa en espectáculos con pequeños mensajes, inspirados en cuentos, fábulas y leyendas tradicionales, en los que la música sirve como herramienta para conseguir ilusionar y divertir no solo a los más pequeños, sino también a los adultos que les acompañan

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al teatro. La compañía siente que el público se involucra tanto en sus montajes que llega a convertirse en un integrante más de la formación, por lo que los responsables de Xip Xap desean aprovechar estas líneas para mostrar su agradecimiento a todos sus espectadores.

El libro de los cuentos Calle Underground se encarga de la contratación de este musical infantil

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En “Blancanieves”, “Caperucita Roja”, “Pulgarcito”, “El patito feo” y hasta en un total de doce cuentos de toda la vida está basado el musical infantil “El libro de los cuentos”, del que Calle Underground ya tiene abierto su periodo de contratación. Apoyados por dos bailarinas en el escenario, “El Libro”, una princesa y un bufón protagonizan esta obra que recrea cuentos a través de la música. El bufón tiene como máxima agradar a la princesa, tremendamente bella pero aburrida, y llegar a enamorarla; para ello pide ayuda a su sabio y viejo amigo, “El libro de los cuentos”, quien se encargará de ir contando y cantando a sus compañeros de escena y al público las historias que contienen sus páginas.

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Andrea D’Odorico Premio Max a la Mejor Escenografía por “Glengarry Glen Ross” Veterano escenógrafo y productor teatral, además de arquitecto, el italiano Andrea D’Odorico lleva varias décadas instalado en España, donde ha edificado una de las más sobresalientes trayectorias profesionales de nuestras artes escénicas. Colaborador de Miguel Narros desde 1972, el pasado año recibió la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes, otorgado por el Consejo de Ministros el 26 de febrero de 2010. Ahora recibe el Max a la Mejor Escenografía por su montaje para “Glengarry Glen Ross”, un premio que cabe considerar como un desagravio histórico a un profesional que lo había merecido sobradamente a lo largo de su extenso y brillante curriculum. - Pienso que la gente tiene la imagen de Andrea D’Odorico como escenógrafo, fundamentalmente. ¿No le resulta curioso que ya tenga un Max como Mejor Productor por “Panorama desde el puente” pero que esta haya sido la primera vez que lo recibe como escenógrafo? - Pues sí; de hecho, creo que he hecho cosas escenográficamente más importantes. Yo trabajo habitualmente con proyectos más conceptuales y complejos, pero no han debido de interesar. “Doña Rosita la soltera”, en 2005, o “El sueño de una noche de verano”, en 2004, son dos trabajos muy interesantes. A mi ya no me sorprende. Al llegar a una edad como la mía, en la que has hecho tantas cosas, ya no sabes qué te consideran los demás. Yo englobo varias facetas de la profesión, salvo ser dramaturgo. Lo único importante es meterse hasta el cuello y bucear en la profesión. Y estar dispuesto a todo. - ¿De dónde partía al plantear la escenografía de “Glengarry Glen Ross”? ¿Se alejó premeditamente de la película de James Foley? - La película la ví después de estrenar en el teatro Español, así que no había nada premeditado. Mi montaje escenográfico estaba basado en la arquitectura norteamericana de principios del siglo XX, ese tipo de oficinas de doble planta que se comen al ser humano. Un lugar inhóspito, con paredes muy altas y material de trabajo muy viejo, oficinas que no se ponen al día

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Una vista general del aspecto que muestra la escenografía creada por Andrea D’Odorico para la obra de David Mamet “Glengarry Glen Ross”.

nunca. - ¿Qué cree que es lo que ha llamado la atención de sus compañeros para que voten esta escenografía? - Yo creo que es por un compendio de todos los logros de la obra. Cuando estás dentro de una obra que ha contado con muchas candidaturas es más fácil que te lo den. Aparte, está el éxito que ha tenido el montaje. Te votan por la fuerza de la costumbre. - ¿En qué trabajos se encuentra inmerso actualmente? - Ahora estoy a punto de finalizar “La escuela de la desobediencia”, una

adaptación de Paco Bezerra, sobre varios textos que tratan la erótica en el siglo XVII. Se han empleado textos de Bocaccio, Pietro Aretino o un anónimo francés del siglo XVII. Lo estrenamos el 18 de junio en el Festival de Cáceres y luego irá a Alcalá de Henares, los días 1, 2 y 3 de julio, y al Festival de Almagro los días 8, 9 y 10 de julio. También estamos trabajando con “Yo, el heredero”, basada en “Io, l’erede”, una obra de Eduardo de Filippo de 1942, que dirige Francesco Saponaro y que se estrenará en el Centro Dramático Nacional a mediados de septiembre.

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Juanjo Llorens Mejor Diseño de Iluminación por “La función por hacer” Con más de un centenar de diseños realizados a lo largo de su trayectoria, en diferentes modalidades de las artes escénicas, Juanjo Llorens es uno más de los beneficiados por su participación en el huracán levantado por “La función por hacer”. Adjunto a la dirección técnica de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, sus múltiples trabajos externos le han permitido pedir una excedencia para desarrollar proyectos como los diseños de iluminación de “Arte”, de Yasmina Reza, en la versión de la compañía de Luis Merlo; “Pagagnini”, el espectáculo musical de Ara Malikian; o el musical “Ana Frank, un canto a la vida”, antes de entrar en contacto con Kamikaze Producciones, compañía con la que ha trabajado en sus tres montajes, “El proyecto Youkali”, “Veraneantes” y la premiada “La función sin hacer”. - Con un currículum tan amplio, cuesta pensar que este sea tu primer Max… - Bueno, he tenido también un premio de Teatres de la Generalitat Valenciana por ‘El cuarto paso’ y tres candidaturas más de Teatres; también me fui candidato en los premios de la ADE por ‘Antígona’ y ‘El maletín’. Y ahora estoy nominado a los Premios de Teatro Musical que se entregan este mes de junio por ‘Avenue Q’, que es todo lo contrario a ‘La función por hacer’: cuatrocientos focos, cincuenta móviles y 350 memorias. - Aparentemente, “La función por hacer” no tiene una iluminación de esas que uno consideraría “espectacular”. ¿Cuál es el secreto? - “La función por hacer” es muy simple a la vista, pero técnicamente es muy difícil, porque no teníamos altura suficiente, apenas tres o cuatro metros, y todo el público alrededor… y no le podemos deslumbrar. Para poder iluminar a los actores y que se les vean las caras en determinados momentos había que situar una cantidad de focos adicional para contar con diferentes ángulos de luz y poder iluminar las distintas partes del escenario sin que suponga una molestia para el espectador. En otros momentos, en cambio, la luz va creciendo y engloba a todos, público incluido, de una forma ya sí premeditada, buscando cierta

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incomodidad para el espectador. Suele suceder en bastantes ocasiones que la iluminación se utiliza para “tapar” cosas que no se quiere que se vean, o para desviar la atención del espectador hacia otro lugar. En este caso el planteamiento de la luz era que se viera a los actores, porque el espectador los iba a tener a 50 centímetros o, incluso, rozándole. Lo que se pretendía era que se viera a los actores y que éstos pudieran expresar todo y que el espectador no perdiera detalle. - Y, sin ser luces espectaculares, ¿qué es lo que ha conseguido llamar la atención de los votantes de los Max? - Yo creo que lo que se ha premiado ha sido la simplicidad de la luz, que es la que pedía la función. No se necesitaba que se desviara la atención hacia ningún lado ni que se oscureciera nada. Los actores conocen perfectamente la luz de la función y son ellos los que juegan con los contrastes y contraluces que se crean, entrando y saliendo de las intensidades, así que también hay que agradecerles a ellos el trabajo que hacen. También, me figuro, han premiado mi trayectoria. “La función por hacer” está basada en “Seis personajes en busca de autor”. El arranque de la función son dos actores que están en escena representando una obra. Ese espacio tiene una luz teatral, una luz cálida. A continuación entran

los personajes en escena y se cambia la iluminación, creando un espacio frío, para poder separar lo que son los personajes de lo que son los actores. El espacio de los actores es esa moqueta de 6x4 donde siempre hay una luz cálida, en la que se entra a representar la parte “actoral” de la función mientras que todo el resto del espacio, alrededor del público, cuenta con una luz fría, para que los personajes puedan deambular alrededor de los actores. Contamos con once memorias de iluminación, una de ellas de cuarenta minutos y otra de treinta y cinco minutos, que lo que hacen es subir muy paulatinamente la iluminación de todo el espacio, no sólo de los actores sino de los personajes e, incluso, involucrando al público hasta el punto de sentirse completamente inmerso en el espectáculo, sin esa separación/protección que le ofrece la oscuridad.

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Elisa Sanz Mejor Figurinista por “Nubes” Figurinista y escenógrafa. La trayectoria profesional de Elisa Sanz está ligada íntimamente al mundo de la danza, colaborando desde hace más de diez años con 10 & 10 Danza, la compañía de Mónica Runde, y con Aracaladanza, la empresa del argentino Enrique Cabrera, con la que este año ha logrado por “Nubes” su cuarto Max. Y ya se le puede considerar candidata por el trabajo que ha hecho para Blanca Portillo en “La avería”. Suya fue, también, una de las intervenciones más notables de las que se produjeron en el transcurso de la gala, al reclamar ante sus compañeros de profesión la creación de la Academia de las Artes Escénicas. - Te hiciste notar en la gala… - Sí. Pedí la creación de una Academia, algo que vino a cuento de un editorial que os leí en EL ESPECTÁCULO TEATRAL. Estoy muy agradecida a los Premios Max, pero ya es hora de que las artes escénicas tengan su propia academia, porque generamos mucho más trabajo que el cine y, sin embargo, estamos menos reconocidos y organizados. Por otra parte, pienso que tenemos que pelear por los derechos de los escenógrafos y figurinistas. No concibo que el 10% de los derechos de autor de una obra escénica sólo vayan a parar al músico, al coreógrafo y al que ha escrito el texto o la versión. Una obra de teatro se basa también en la escenografía, el vestuario, el diseño de iluminación… Todo eso forma la Gesamtkunstwerk, de la que hablaba Wagner como obra de arte total. Y se está olvidando que el teatro es eso. - Con este son cuatro los Max que has logrado, en varias categorías… - El primero fue por “El rey se muere”, una producción de La Abadía, con dirección de José Luis Gómez. Los otros dos me los dieron por “Pequeños paraísos”, otra obra de Aracaladanza, uno por el vestuario y el otro por la escenografía… ¡pero la escenografía era solamente un linóleo verde! Creemos que ese Max

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me lo dieron más por afecto que por el trabajo escenográfico (risas). Porque mi escenografía para “El rey se muere” había sido espectacular… - Enrique ha comentado que “Nubes” es el segundo capítulo de una trilogía. ¿Puedes explicar el punto de partida de tu aportación para “Nubes”? - En “Pequeños paraísos” partimos de la idea de inspirarnos en el “Jardín de las delicias” de El Bosco. “Nubes”, que está inspirado en Magritte es el segundo capítulo de la trilogía. Y el siguiente, Miró. - El figurinismo es un sector absolutamente artesanal. ¿En qué medida os está afectando la crisis? - Lo que está sucediendo desde hace algún tiempo es algo curioso, y es que se está recurriendo mucho a diseñadores de moda para vestir teatro y nuestra profesión se está viendo afectada. Hay marcas que regalan el vestuario para una función y, lo que es peor, hay productores que se están poniendo en contacto con diseñadores para beneficiarse de esta gratuidad. Si una obra está ambientada en la época actual no se resuelve el vestuario con ropa de unos grandes almacenes. Puede ser la base sobre la que partir, pero un vestuario teatral tiene que ser algo que vaya con el cuerpo, que esté hecho totalmente a medida y que cree personaje. Es mucho más: hay que

trabajar la evolución del personaje y tiene que ser tan orgánico como el cuerpo. El vestuario tiene su drama, porque lo que ve el espectador es un personaje vestido y cómo va vestido te transmite información, y ese es el trabajo del figurinista: no sólo vestir al actor, sino cómo acompaña ese vestuario al personaje y evoluciona con la obra, cómo se relaciona con el resto de personajes y cómo componen en conjunto y con la escenografía, cómo se general el espectáculo total. Nuestro trabajo es mucho más que todo eso. Un ejemplo que pongo en las conferencias y charlas que imparto es el de un actor que no sabía qué hacer con las manos. Le puse unos tirantes y le hice feliz… y desarrolló un personaje maravilloso. O cómo cambió un personaje femenino cuando a la actriz la puse unos zapatos de tacón… Esa es la labor del figurinista: ayudar al actor a conseguir su personaje. A veces puede ser con ropa comprada o alquilada, pero… ¿qué ropa? o ¿por qué esa ropa? Ahora mismo hay tantas escuelas de moda y diseño que parece que cualquiera puede vestir en las artes escénicas y no es así: la nuestra es una profesión muy específica. La escenografía es dibujar en el espacio, contar en el espacio. Y el figurinismo es mucho más que vestir, es crear un personaje.

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formación Talleres de Dramaturgia, Verso y Música Barroca Profesores: Miguel del Arco (Dramaturgia: “Barroco hoy”), director de escena y miembro de Kamikaze Producciones; Vicente Fuentes (Verso: “El camino del verso”), director del laboratorio de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico, y colaborador de Cicely Berry, directora vocal de la Royal Shakespeare Company; y Luis Delgado (Música Barroca: “Sonidos de oro”), especialista de música andalusí y autor de la banda sonora de “El reino de los cielos”, de Ridley Scott. &ECHAS Y HORARIOS Dramaturgia: del 12 al 14 de julio de 2011 (De 10h a 14h); Verso: del 13 al 17 de julio (De 10h a 14h); Música Barroca: Del 15 al 17 de julio (De 10h a 14h). Lugar: Festival de Teatro Clásico de Almagro (Ciudad Real) Precio: Dramaturgia: 90 euros; Verso: 160 euros; Música Barroca: 90 euros

estos primeros compases del siglo XXI. El programa incluye la participación de personalidades como el director artístico del teatro Real, Gerard Mortier; la actriz Esperanza Roy o el dramaturgo Ignacio Amestoy. “La palabra en acción” es un taller sobre metodologías de análisis y puesta en escena de textos, dirigido a actores, dramaturgos, directores y personas interesadas en la creación escénica y la comunicación verbal. Se tratarán el método Stanislavsky y el desarrollado por Michael Chejov. &ECHAS Y HORARIOS “La necesidad de las artes escénicas en la sociedad actual”: Del 11 al 15 de julio (De 10h a 14h); “La palabra en acción”: Del 11 al 15 de julio (De 10h a 14h). Lugar: Círculo de Bellas Artes. c/ Alcalá, 42 (Madrid) Precio: Tarifa general: 180 euros (cada curso). Tarifa reducida: 90 euros (cada curso).

I Curso de Reciclaje y Apoyo Profesional

«REA&ORMATIVADELFESTIVAL#IRCADA

Profesores: Julián Fuentes Reta (director) y Amador Artiga.

Profesores: Adrián Schavarsztein (Dirección de Espectáculos de Circo); La Industrial Teatrera (Clown); Javier García “Mimo” (Expresión Corporal y Herramientas para la Acrobacia Base; Luis Castilla (Fotografía del Espectáculo); David Gutiérrez (Seguridad en Altura).

Contenido: El curso estará compuesto por “Signos: Contenidos”, que incluye: El texto / Teatro físico/ Teatro Híbrido. También habra un Intensivo, que impartirá Amador Artiga, bajo el título de “Teatro de imagen, objeto y movimiento”. El curso incluye el uso de las instalaciones para posibles muestras de los trabajos que se desarrollen y la incorporación en la base de datos de la sala con el objetivo de sumar grupos de creadores asociados para posibles ofertas de creación.

&ECHASYHORARIOSSeguridad en Altura: Del 24 al 26 de junio (Día 24: de 18h a 21h; Días 25 y 26: de 11h a 14h); Fotografía del Espectáculo: Días 13, 20 y 27 de junio (durante los espectáculos de Circada); Expresión Corporal: Del 1 al 10 de junio (De 10 h a 14h excepto los días 9 y 10, de 10h a 13h); Clown: Del 13 al 17 de junio (De 10h a 14h y de 16h a 19h); Dirección de Espectáculos de Circo: Del 14 al 18 de junio (De 10h a 15h excepto el día 14, de 18h a 21h, y el día 16, de 16:30h a 18:30h). Lugar: Seguridad en Altura: c/ Corralón del Pelícano, 22 (Sevilla); Fotografía del Espectáculo: Plaza del Triunfo, 1 (Sevilla); Expresión Corporal / Clown: c/ Nave, 14. Parque Empresarial San Jerónimo (Sevilla); Dirección de Espectáculos de Circo: Teatro Salvador Távora. c/ Lino, s/n. Polígono Industrial Hytasa (Sevilla). Precio: Seguridad en Altura / Fotografía del Espectáculo: 90 euros; Expresión Corporal / Clown / Dirección de Espectáculos de Circo: Gratuitos.

Escuela de las Artes 2011 Profesores: Juan Ángel Vela del Campo (La necesidad de las artes escénicas en la sociedad actual), periodista y crítico musical; Carlos Aladro (La palabra en acción), coordinador artístico del Corral de Comedias de Alcalá de Henares). Contenido: “La necesidad de las artes escénicas en la sociedad actual” tratará de dibujar un retrato del momento que viven las artes escénicas en www.elespectaculoteatral.es

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el mundo del espectáculo teatral

&ECHAS: Del 13 al 29 de junio (L, M, X de 10h a 14h); Del 4 al 20 de julio (L, M, X de 10h a 14h). Lugar: Kubik Fabrik. c/ Primitiva Gañán, 5 (Madrid) Precio: 550 euros los dos meses (84 horas).

Actividad formativa DELTEATRODE,A!BADÓA Profesores: Ellen Lauren, de la SITI Company (Laboratorio internacional para actores, actrices y creadores /as profesionales); Ernesto Arias, Elisabet Gelabert, Daniel Moreno y Lidia Otón (Taller Jóvenes Actores). &ECHAS Y HORARIOS: Laboratorio internacional para actores, actrices y creadores /as profesionales: Del 6 al 16 de junio (de 10 a 15h); Taller Jóvenes Actores: Del 20 de junio al 8 de julio (De 09:30h a 15h). Lugar: Teatro de La Abadía. c/ Fernández de los Ríos, 42 (Madrid). Precio: Laboratorio internacional para actores, actrices y creadores /as profesionales: 50 euros de matrícula + 400 euros del curso (50h lectivas); Taller Jóvenes Actores: 30 euros de matrícula + 250 euros del curso (70h lectivas).

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el mundo del espectáculo teatral reflexión

la última

Kilómetro Zero también para la Cultura Algo grande parece haber cambiado con el estallido de dignidad expresado en la ocupación de plazas en diversas ciudades españolas. Muchas personas alzan organizadamente la voz y la cabeza. Nuestro colaborador, Robert Muro, aborda en este artículo cómo afecta el movimiento a la Cultura y qué puede hacer el sector cultural para aportar algo al movimiento.

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uando escribo este artículo, la Puerta del Sol -¡qué bello nombre si lo piensas!- acoge todavía lo que tal vez sea el inicio de un cambio social relevante y perdurable. O al menos la expresión de la indignación dinámica, de la vergüenza acumulada por una situación social, política y económica que una parte considerable de la sociedad sufre herida y en silencio. Hasta ahora. Y ese pequeño cambio en los indignados –alzar la voz, hacerse sentir, organizarse– ha hecho temblar a los partidos políticos y a los medios, de un modo más duradero que el desgraciado terremoto de Lorca. Es tal la distancia de nuestros responsables políticos con lo que ocurre en la calle y en el corazón de las gentes sin poder que no consiguen entender este estallido que ha ocupado plazas en muchas ciudades españolas. Aparecen noqueados, groguis. Lo que está pasando y que venía cociéndose desde hace años, es que la brecha entre los que tienen poder y los que lo sufren se ha hecho tan enorme con la crisis que resulta ya difícil de salvar. Que las preocupaciones de las gentes están a años luz de las de quienes los gobiernan; que las formas de hacer política están viejas y que un voto cada cuatro años a cambio de que los ciudadanos se tapen la nariz a muchos les parece un timo. Yo lo vivo como una oportunidad maravillosa que me regalan los protagonistas del estallido de escuchar a esos millones de personas que tienen una mínima ración de futuro; de entender a los que sufren cuando deberían gozar de vivir, de solidarizarme con quienes lo precisan y porque lo deseo. No con los bancos ni con los malos gestores públicos, a la fuerza y porque me lo quitan del salario. Me gusta ver cómo hay gente que busca flores debajo del asfalto. Me gusta que alguien –muchos– digan ¡hasta aquí!; me gusta que si una empresa con 10.000 millones de euros de beneficio plantea un ERE para prescindir de 5.000 trabajadores, escuche lo que nos parece a muchos: un robo, una desvergüenza cercana al delito moral.

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Porque de eso se trata en el fondo, de construir una nueva ética en torno a la gestión de los intereses colectivos. Una ética que ilumine los muchísimos cambios imprescindibles para que los ciudadanos vuelvan a confiar en el sistema democrático. Profundas transformaciones que tienen que ver con cambios en la ley electoral; cambios que tienen que ver con la transparencia en la gestión; cambios que han de significar que la corrupción y los corruptos huelan mal no solo a los ciudadanos, sino a sus propios compañeros. Y lo paguen. Higiene democrática. Este movimiento ha coincidido con la radical derrota socialista en las elecciones del 22 de mayo. Pero somos muchos los que pensamos que el nuevo mapa local, y el previsible cambio cuando se produzcan las elecciones generales, no van a introducir grandes cambios para la cultura. Las políticas públicas en los tiempos de crisis han ido abandonado progresivamente inversiones y gastos culturales, dedicando el ahorro a enjuagar el déficit del estado y las instituciones regionales y locales, y las consecuencias de los abusos de la banca y el sector inmobiliario. La cultura, junto a otros ámbitos que afectan a la población, incluso todavía más relevantes, seguirá sufriendo recortes presupuestarios y la progresiva reducción de su perfil como servicio público. Por eso conviene no olvidar que las causas del estallido permanecen intactas, cuando no acrecentadas. La medicina preventiva consiste en no olvidar. Porque la nueva situación, y fundamentalmente el nacimiento de un movimiento social crítico a las formas dominantes de hacer política, configuran un excelente marco y una gran oportunidad que el sector cultural tiene que aprovechar. Para definir el futuro que desea y para agruparse y constituirse como fuerza que acerque y acelere ese futuro. Por una lado la definición del futuro deseado, o los cambios que el presente exige, que no son otra cosa que las líneas maestras de una política cultural sensata, sostenible, al servicio de la sociedad.

Aquí entran cuestiones claves como las siguientes: 1. La financiación pública y privada de las artes y la cultura y en especial una nueva ley de financiación. 2. La definición de un nuevo modelo empresarial en las artes que al tiempo que satisfaga la necesaria rentabilidad de los promotores, atienda al carácter de servicio cultural que intrínsecamente posee y a los rasgos limitadamente lucrativos de la cultura. 3. Unido a este tema, hay que definir un nuevo modelo de mercado del arte y en particular de los espectáculos en vivo al mismo tiempo más abierto a la iniciativa privada y atento a su labor de servicio. 4. La instauración de normas de transparencia de obligado cumplimiento para las instituciones y cuantos concursos o cesiones convoquen, incluidos los contratos-programa. 5. La democratización, esto es, la reducción del poder político sobre la acción cultural y su traspaso progresivo a la sociedad a través de sus organizaciones soc iales. Y por otro lado, la constitución como fuerza. Un sector organizado y con una sola voz. Cualquier primer ladrillo que vaya dirigido a levantar ese edificio será bueno. Hoy es más posible que ayer, al calor del impulso de cambio y de participación nacido en los últimos meses. La gente de la cultura de cada lugar debe poner en común sus ideas, sus preocupaciones, sus necesidades e inquietudes, reunirse, compartir, diseñar el futuro. Las asambleas habidas en tantos y tantos sitios al calor de la indignación son una suerte de ejemplo del que tomar nota. En fin, que como decía hace unos días en el blog: necesitamos nuestro kilómetro zero de la Cultura. Robert Muro www.robertmuro.wordpress.com www.elespectaculoteatral.es

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El Espetaculo Teatral nº63 junio 2011