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el mundo del espectáculo teatral

Editorial

Un cambio de sistema imprescindible L

eo la columna de opinión de Ricardo Mateos, “El apuntador” de este mes, y no puedo dejar de sentir una rabia insoportable, la rabia que él, el principal afectado, no quiere dejar aflorar. En esa página explica el fin de su compañía, Sax-o-Fón, víctima de los “retrasos” en los pagos por parte de los ayuntamientos. No es la única. En estas últimas semanas nos hemos desayunado con los cierres de compañías tan queridas por todos como Matarile o Achiperre, mientras que Teloncillo se encuentra inmersa en un dramático ERE, en la confianza de lograr el equilibrio financiero que la permita mantenerse. Y siento rabia cuando veo en los telediarios a supuestos periodistas hablar del excelente momento que vive el teatro, ajeno –según ellos– a la crisis. ¿Dónde les dan el título de periodistas a esos imbéciles que no perciben nada más que una parte del todo? Es el signo de los tiempos, del mundo repugnante en el que vivimos, donde CNN+ se ve abocada a cerrar siendo sustituida (¡ahí es nada!) por “Gran Hermano”… Y siento rabia ante la impotencia que nos abruma. ¿Cómo se puede cambiar algo cuando lo que hay que cambiar es casi todo? ¿Cómo ir paso a paso si no hay tiempo que perder? ¿Cómo construir algo nuevo si las estructuras a derribar son sólidas como un búnker? Nuestro problema no es de permeabilidad de fronteras autonómicas, ni de ayuntamientos más o menos morosos, ni de falta de leyes de mecenazgo, ni del conflicto entre teatros públicos con gestión privada o de falta de estructuras para poder desarrollar aventuras empresariales privadas en el marco de las artes escénicas… El problema es de un sistema creado con la inclinación de la torre de Pisa, en el que hay demasiados ayuntamientos en manos de mangantes (esperad a leer la columna de opinión de un nuevo colaborador fijo que publicaremos en el mes de mayo) y cuesta pensar en la independencia del poder judicial. Un sistema con demasiadas garantías legales que, supuestamente, defienden al ciudadano de a pie, pero que, en realidad, están pensadas para evitar que el poderoso termine en un calabozo. Un sistema en el que un supuesto partido socialista se doblega ante los líderes económicos de la nación y las presiones de los mercados internacionales. Un sistema en el que los políticos se apropian de las cajas de ahorro, las estrujan hasta sacarlas la última gota de jugo y, finalmente, nos las devuelven convertidas en bancos (¡y vete tú a saber qué destino le espera a su finalidad social!). No, no hay neoliberalismo en esta columna: hay un total desprecio hacia la clase política española. Hacen falta políticos nuevos que no besen a los niños, que no se alegren de ganar unas elecciones (porque lo que se les viene encima sólo se lo deseo a mis peores enemigos). Políticos a los que no se les devuelvan favores al abandonar su cargo y que no piensen en su futuro como conferenciantes millonariamente pagados. ¡Hay tantas cosas que cambiar! Y, sin embargo, donde uno esperaría sonoras manifestaciones, con miles de manifestantes acampando frente a Las Cortes, sólo se percibe desidia y huída hacia delante a lo “¡marica el último!”, expresión que, por cierto, ya no es políticamente correcto decir en voz alta. Las únicas manifestaciones que vemos, cada dos por tres, eso sí, son en defensa de la familia tradicional. Tan tradicional como Don Corleone. Jesús Rodríguez Lenin Editor Puedes dejar tu opinión acerca de este editorial y de cualquier otro artículo de nuestros colaboradores en nuestra web

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el mundo del espectáculo teatral www.elespectaculoteatral.es Edita: Publicaciones Teatrales S.L.

c/ Julián Camarillo 47 port. D of. 104 28037 MADRID Tel.: 91 304 04 88 Director: JESÚS RODRÍGUEZ FERNÁNDEZ lenin@dosdimensiones.es Director de arte: ENRIQUE PÉREZ eperez@dosdimensiones.es Redactora Jefe: CRISTINA RELLO VARONA cristina@elespectaculoteatral.es Redacción: JAVIER MORA, CLARENCE J. BODDICKER. Autoedición: LAURA R. DIONIS, FRANCISCO CACENAVES Publicidad: ABEL VALERO SALINAS abel@elespectaculoteatral.es Publicidad Equipamiento: SANTIAGO GARCÍA santigarcia@dosdimensiones.es Fotocomposición: Dos Dimensiones, S.L. Depósito Legal: M-46213-2005 Imprime: Gráficas Villena. Distribuye: National Post.

SUMARIO: 6 INSTITUCIONES - 6: Entrevista Jordi Puy 9 ASOCIACIONES - 9: La Red y COFAE 10 FERIAS Y EVENTOS - 10: dFeria y Fira de Teatre de Titelles de Lleida - 12: Mostra d’Igualada y Teatre en Femení - 13: Festival Internacional de Clowns y Payasos de Arrigorriaga 16

COMPAÑÍAS - 16: Entrevista Isabel Ordaz - 19: Teatro de texto - 25: Humor - 26: Musicales - 27: Revista - 29: Teatro multidisciplinar - 31: Danza - 33: Circo y magia - 34: Infantil

37 EQUIPAMIENTO ESCÉNICO OPINIÓN - 14: Heteatrodoxias, de Xavier Marcé - 18: El Apuntador, de Ricardo Mateos - 28: El Hereje, de Eduardo Galán - 42: La reflexión, de Robert Muro

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el mundo del espectáculo teatral entrevista

Jordi Puy

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Director de la oficina del ICIC en Londres “Nuestro trabajo es ayudar a la empresa más que promocionar la cultura” Hace dos años y medio viví durante seis semanas en Nueva York, ocasión que aproveché para realizar un reportaje con entrevistas a profesionales españoles e hispanos, residentes en la ciudad norteamericana, que sirviera para conocer a través de sus ojos la realidad del mundo empresarial de las artes escénicas en Nueva York y, por extensión, en los Estados Unidos. En 2010 pasé seis meses y medio en Londres. Queríamos haber incluido en estas páginas un reportaje similar. Sin embargo, las circunstancias han cambiado: la crisis económica que nos afecta a todos nos impide ofrecer ese artículo –con la extensión que conlleva– en un único número de la revista. Por ello, a partir de este ejemplar y en meses sucesivos vamos a incluir sendas entrevistas a profesionales españoles de distintos ámbitos, residentes en Londres, la considerada “capital mundial del teatro”, para ofrecer una visión panorámica de un mercado con semejanzas y diferencias respecto al modelo español. Iniciamos esta serie con una entrevista con Jordi Puy, quien ha estado durante tres años al frente de la delegación que el ICIC (Institut Català de les Indústries Culturals) tiene abierta en la capital británica. A finales de este pasado mes de marzo, Puy ha abandonado su cargo para regresar a Barcelona en busca de nuevos retos profesionales, considerando que los objetivos que se había marcado ya han sido cubiertos. “Tengo varias opciones –afirma– y me gustaría tener tiempo para pensarlo. Seguramente colaboraré con algún festival internacional, aunque es posible que para ello cree una empresa de gestión y consultoría con algunos socios”. Hasta que el concurso público convocado para sustituirle haga público su resultado, la delagación londinense del ICIC queda en manos de la que era asistente de Jordi Puy, Fátima Riera. Jesús Rodríguez Lenin

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- Para situar a todos nuestros lectores, ¿cuál ha sido tu relación con el mundo de las artes escénicas? - Yo soy licenciado en Derecho, pero llevo desde los 17 años metido en el mundo de la farándula. Mi hermana [Mercè Puy] era actriz y cuando empezó a trabajar como productora, como no tenía dinero para pagar a gente de producción o asesoría legal, empecé a echarle una mano en esos aspectos y, posteriormente, comencé a trabajar en Vania Produccions creando el departamento de distribución, tanto para las obras producidas por Vania como para espectáculos de otros artistas: desde danza contemporánea, con Marta Carrasco, a proyectos como el “Super Rawal” de Marc Martínez, los monólogos de Manel Barceló o formaciones de jazz. Hace siete años me trasladé a Londres para estudiar dos cursos de gestión cultural en la Birbeck University y al finalizar creé allí mi propia agencia de booking, distribución y gestión cultural. Trabajé así durante un par de años hasta que salió a concurso la plaza del ICIC en Londres. Me presenté y la gané en agosto de 2008. - ¿Cuál es la labor que desarrolla el ICIC en Londres? - Lo que hacemos desde el departamento de promoción internacional del ICIC es apoyar a la internacionalización de las empresas del sector cultural catalán. El ICIC tiene cinco oficinas en el extranjero: Bruselas, Londres, París, Berlín y Milán.

Nos dedicamos, principalmente, a las artes escénicas y la música. Las artes audiovisuales son, fundamentalmente, el objetivo de otro departamento, Catalán Films, en Barcelona. Tampoco trabajamos demasiado las artes plásticas, porque el sector lo pide menos. Trabajamos, básicamente, en respuesta a la demanda que recibimos y esta viene, sobre todo, del teatro de texto y el teatro de calle, que son sectores muy desarrollados en Cataluña y tienen tendencia a exportarse muy bien. - ¿Qué trabajos hacías cuando creaste tu empresa de distribución y gestión cultural en Londres? - Servía de puente. Tenía una cartera de espectáculos españoles y latinoamericanos, pero también gestionaba derechos de autor para compañías españolas de teatro que me lo solicitaban. Trajimos al Reino Unido bastantes espectáculos latinoamericanos. Y en sentido opuesto, gestioné, entre otros, los derechos para España de la obra de Alan Rickman “My name is Rachel Corrie”, que se estrenó en Londres en abril de 2005. Otros de los aspectos que más desarrollé fueron trabajos de consultoría sobre cómo entrar en el mercado británico. - ¿Y cómo se entra en el mercado británico? - Hay unas líneas generales que se pueden aplicar a cualquier país. En Vania desarrollé la distribución internacional (Europa, Latinoamérica y Norteamérica). Y lo que hay que hacer es enterarte de www.elespectaculoteatral.es

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instituciones cómo funciona el mercado y cuáles son los espacios, festivales o temporadas en los que tu producto puede encajar. Luego hay que hacer el contacto, presentar la información y hacer el seguimiento. Lo que sí ayuda realmente es encontrar los eventos clave de profesionales de cada sector. Me refiero a ferias de profesionales, tanto de teatro, danza o música. Identificar qué festivales, ferias o encuentros atraen a más programadores de la zona. Identificando esos encuentros aumentas tu agenda de contactos. No tiene muchos más misterios. En el Reino Unido, en concreto, con un producto de teatro que venga de España la cosa se complica. Todo lo que sea de texto en lengua no inglesa es muy complicado en el Reino Unido o Irlanda. Es posible que a un festival le interese puntualmente una obra, para presentarla dos o tres días, pero girar es prácticamente imposible, salvo que le interese a algún programa de educación lingüistica. - ¿Y qué sucede con la danza, el teatro gestual –tipo Tricicle o Yllana– o el teatro de calle? - Eso es mucho más fácil y tiene mucha circulación. En el caso concreto de Tricicle, ellos vienen cada dos años aproximadamente. Y van al Queen Elizabeth Hall, del Southbank Centre, que tiene entre 800 y 1.000 butacas. Los festivales son una excelente puerta de entrada. Así ha venido también el Circus Klezmer, que estuvo en 2009. De artes de calle hay muchísimos festivales, como el Greenwich and Dockland Festival. El National Theater también tiene su propio festival de artes de calle, el Watch This Space Festival, que dura los tres meses de verano, y al que vienen muchas compañías catalanas y de otros puntos de España, como la compañía de danza de Thomas Noone, que son ingleses pero residentes en Cataluña. En ese ámbito, el Sadler’s Wells, que es el principal teatro de danza contemporánea de Londres, trabaja habitualmente con el Mercat de les Flors, con producciones que se pueden ver tanto en España como en el Reino Unido. Tanto en teatro de calle como de danza hay muchos más festivales en el resto de Inglaterra, Escocia e Irlanda. Así que sí hay posibilidades de trabajar. - ¿Son tan diferentes, como se piensa,

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el mundo del espectáculo teatral entrevista las estructuras organizativas de las artes escénicas española y británica? - Hay cosas parecidas: las redes. Aquí no son tan “oficiales” como las españolas, pero existen y, por ejemplo, en el mundo de la danza hay dos, fundamentalmente: el Dance Touring Partnership y el Dance Consortium. Una se ocupa de giras de proyectos de danza de gran formato y la otra de proyectos de medio y pequeño formato. Son agrupaciones de teatros con programación de danza, ya sea permanente o esporádica… - Perdón que interrumpa: ¿son teatros públicos o privados? - ¡De los dos tipos! La danza, en toda Europa, funciona de una manera bastante parecida y sus compañías tienen problemas muy similares y hay una fuerte subvención pública. En Estados Unidos hay más fondos privados. Yo no sé como es exactamente la estructura del Sadler’s Wells, que es el buque insignia de la danza contemporánea, un teatro de más de 1.500 butacas que se llena siempre. Las compañías de danza del Reino Unido e Irlanda reciben fuertes subvenciones. La diferencia con España puede estar en quién las da y cómo las da. En el Reino Unido están los Arts Council. El Arts Council England es la organización que gestiona todas las ayudas para las artes, para la producción, para el desarrollo, etc. El Arts Council recibe parte de sus fondos de la lotería pública, la National Lottery, que es una organización que destina casi todos sus beneficios a apoyar proyectos culturales o sociales. Con la celebración de las Olimpiadas de Londres en 2012, casi todos los fondos de la National Lottery se han destinado a este evento. Pero cuando no estaba en mente la celebración de las Olimpiadas, la principal fuente de ingresos del Arts Council eran las loterías. El Arts Council recibe fondos públicos, pero es independiente y tiene su propia estructura. Sus criterios de reparto de subvenciones intentan ser objetivos. Los procesos de selección de personal son todos de concurso público. Lo que no sé es cómo se nombra al director del Arts Council. - ¿Y con qué criterios se conceden las subvenciones? - Me comentan que se suelen adaptar los proyectos para poder marcar las “casillas”

correspondientes de lo que les va a pedir el Arts Council para recibir los fondos. Por ejemplo: lo que es danza y lo que es teatro de calle y circo, que aquí están menos desarrollados por la climatología, son sectores que están en desarrollo y reciben bastantes subvenciones. Directas e indirectas, porque este tipo de espectáculos se dirigen a festivales, que son los principales clientes que van a comprar estos espectáculos, y estos a su vez están financiados por estructuras de nivel local, como es el ayuntamiento del barrio o de la ciudad, o el Arts Council, que también les da recursos para desarrollar el festival que es el que, al final, va a pagar los espectáculos. También se suelen favorecer proyectos que integren inmigrantes… - ¿Has dicho “ayuntamiento del barrio”? - Sí. Esta estructura procede de los tiempos de Margaret Thatcher, que eliminó la figura del Major of London porque tenía “demasiado” poder. Y después no se ha regresado al modelo anterior de “alcalde” como lo podamos entender en España. Y aunque existe el Greater London, los barrios son los que gestionan muchos de los servicios públicos. Pero esto es así en Londres, que es enorme. En otras ciudades la estructura es parecida a la española. - ¿Qué porcentajes hay de teatros públicos y privados? - Londres es un universo aparte. Es su propio país, por así decirlo. Aquí hay una industria del teatro, tanto musical como de texto, que permite que haya muchos teatros privados: grandes y pequeños, incluso de menos de cien localidades. Hay pubs en los que no sólo se presentan espectáculos de monólogos, la stand up comedy, sino que se presentan auténticas obras de teatro. Con menos personajes, sin escenografía, pero teatro de texto, puro. La proporción de privado/público se vuelca, en ese sentido, hacia lo privado. Pero luego están los grandes espacios públicos: el National Theatre, el Southbank Centre o el Barbican Centre, que depende de la City of London, uno de los barrios de los que hablábamos, pero que también recibe fondos de grandes patrocinadores de la City: despachos de abogados, bancos, etc… - ¿Y si nos vamos a Liverpool o a Manchester? - Las grandes ciudades tendrán más o menos la misma proporción que Londres

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el mundo del espectáculo teatral entrevista –por el teatro que se hace en pubs–, pero a escala reducida. Pero en las ciudades pequeñas hay un único teatro y ese es público. - Imaginemos que Tricicle, que actúan en Londres con frecuencia como has dicho, quiere actuar en Bath… ¿cómo les contratarían? ¿A caché? ¿A taquilla? - Existen todas las alternativas. Son de fondos públicos, pero el que controla la programación del teatro es el director artístico y su equipo, aunque los fondos sean públicos. Y en ese caso las producciones que se contratan son las que entran en la línea que busque el teatro. Y dependerá de que encajes o no dentro de lo que están buscando o lo que crean que tienen que ofrecer o lo que les dicta el plan de cultura que tengan en cada localidad. Pero lo que sí es cierto es que aquí si se da más la posibilidad de ir a taquilla o alquilar el teatro. En Londres no sólo tienes que encajar con la línea del teatro, sino que, además, tienes que alquilar el recinto… A no ser que entres en la programación de un festival. - ¿Qué sucede con el público? ¿Se encuentran con que en los teatros públicos los precios son tan populares como en España que ni siquiera se cubren gastos o están acostumbrados a pagar un precio que no desvirtúe el mercado? - Una vez más, aquí tienes todas posibilidades: puedes ir al National Theatre con entradas a diez libras, en sus programas patrocinados. Y puedes ir a ver el musical de moda en el Lyceum Theatre, que cuesta 120 libras. En el Almeida, el teatro de mi barrio, Islington, que tiene 325 localidades, puedes ver espectáculos por quince libras y por cuarenta. Pero la media está más en la línea de veinte o veinticinco libras. En teatros de vanguardia los precios pueden estar entre cinco y quince libras. En el Sadler’s Wells hay entradas de visibilidad limitada, de diez libras, y las de platea cuestan treinta… - Dentro ya de tu trabajo específico para el ICIC, ¿qué es lo que has estado haciendo desde agosto de 2008? ¿Te marcaron líneas o te dejan hacer porque para eso eres tú el experto al que han contratado? - Nuestro trabajo es ayudar a la empresa más que promocionar la cultura. Promocionamos cultura para ayudar a la empresa, pero el objetivo es ayudar a la empresa cultural catalana. Hay prioridades: cada año se identifican áreas en las que tendríamos que hacer un esfuerzo, pero también hay que identificar cuáles son las mejores oportunidades. En los últimos años las prioridades han sido la danza, el teatro infantil y el circo y también hemos desarrollado la música. En artes de calle hemos trabajado muchísimo. Ya éramos bastante fuertes, gracias a la proyección internacional de la Fira de Tárrega. A lo que hemos contribuido es a hacer más fuertes las relaciones con el National Theatre, el Greenwich and Docklands Festival y el x.trax de Manchester, que se extiende a otras ciudades del norte

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de Inglaterra; el Mime Festival de mimo, en Londres, y varios festivales de Irlanda. Circus Klezmer ha repetido dos años seguidos en el Mime Festival. - ¿Quién paga al artista que viene? - Los festivales, pero éstos suelen pedir ayudas para los transportes de compañía y escenografía. Y a nosotros nos apoya el Institut Ramon Llull. Sería algo así como la relación entre el ICEX y el Instituto Cervantes. Los festivales de aquí ofrecen un caché. En las ferias de profesionales no sólo no te pagan, sino que tienes que pagar la inscripción. - El festival británico que más repercusión tiene es el Fringe de Edimburgo. ¿Qué nos puedes decir de él? - En el caso del Fringe, la estructura que ellos ofrecen es la de publicidad y organización de calendarios. Pero las compañías corren con todos sus gastos y tienen que alquilar su espacio. En un mes se celebran entre 2.000 ó 3.000 espectáculos y todo Edimburgo se convierte en un espacio escénico y cualquier recinto es susceptible de albergar un espectáculo: teatros convencionales, carpas, pubs, iglesias… La organización divide las funciones en slots o franjas horarias. En cada espacio puede haber tres espectáculos cada noche, por ejemplo, y cada compañía “alquila” su tiempo y su espacio, además de pagarse su transporte, su alojamiento y sus dietas. Y sueñan con recuperar en taquilla parte de lo invertido y con que de su presentación surjan oportunidades de negocio futuro, que a medio o largo plazo se recupere totalmente la inversión realizada y se obtengan beneficios. Obviamente, Edimburgo, si no eres una compañía con una estructura fuerte, es muy difícil afrontarlo. Pero hay gente que lo hace. Tap-Olé lo ha hecho y ya han venido tres veces con su espectáculo de claqué y flamenco con dos guitarristas. Este año han estado en el Fringe porque les informaron que había un nuevo espacio y como hace dos años el suyo había sido el espectáculo que más gente había congregado en el recinto que habían alquilado, les ofrecían unas condiciones menos draconianas que las habituales. Y Tap-Olé nos ha comentado que esta inversión de tres o cuatro años en Edimburgo les había salido a cuenta. De su paso por aquí les habían surgido resultados: han coproducido espectáculos en Alemania, por haber conocido a un productor alemán en Edimburgo. Otra de las cosas básicas del Fringe es que durante todas las mañanas se organizan conferencias y cursos de formación, generalmente gratuitos, para los inscritos: por ejemplo, cómo organizar el mejor marketing posible dentro del Fringe; encuentros con otros festivales de Europa y escuchar cuáles son sus criterios de programación; seminarios de ayudas europeas, etc. Se puede aprender mucho. - ¿El resto de ferias son como la mayoría de las ferias españolas? Me explico: ¿son los propios organizadores de las ferias quienes

eligen a los participantes o son encuentros más del estilo del SIMO, en la que el que quiere participar paga su inscripción? - Aparte de Edimburgo, el resto de ferias tienen todas su director artístico, así que son parecidas a las españolas. A pesar de ser para profesionales, si no encajas en los criterios artísticos, ya puedes cantar misa que no te programan. - Y si una compañía catalana considera que tiene un espectáculo que podría encajar en el Reino Unido, ¿qué pasos tendría que dar para que el ICIC la apoyara y aconsejara? - Lo primero, escribirnos. El único requisito que exigimos es que el NIF esté registrado en Cataluña. A partir de ahí veríamos el tipo de espectáculo que ofrecen para ver, según nuestros criterios, cuáles son los mejores caminos, y haríamos una investigación de mercado en nuestras bases de datos. Finalmente les pasamos nuestros resultados, recomendando los contactos que consideramos más interesantes. - ¿Todo esto es gratuito? - Sí, es gratuito Tiene un valor comercial clarísimo, porque es una labor de consultoría a la que se podría poner un precio, pero nosotros lo ofrecemos como servicio público. A partir de ahí, si ellos se ponen en contacto con los festivales, espacios o recintos que les hayamos sugerido y son seleccionados, en los festivales en los que nosotros tengamos participación automáticamente caerían dentro de nuestras ayudas, que son, fundamentalmente, de comunicación. - ¿Son receptivos los medios de comunicación británicos? - Depende. En general, la prensa especializada sí. Hasta el Time Out ha sido receptivo y ha ofrecido páginas enteras. En 2010, por ejemplo, se han hecho eco del espectáculo inaugural del Greenwich and Docklands Festival que dirigía Toni Mira, de Nats Nus, y había cuatro o cinco compañías catalanas más. - Si se viene con una trayectoria más consolidada, por ejemplo, Cesc Gelabert, ¿se puede contactar con vosotros para elaborar una estrategia de marketing más elaborada, aunque sea pagando? - Es un buen ejemplo, porque Cesc Gelabert ha actuado en el Festival Internacional de Edimburgo, que no es el Fringe. Y en ese festival sí que se paga a las compañías programadas. Y claro que ayudamos. Lo lógico es que cuando hay una trayectoria tan consolidada hay tendencia a que nos necesiten menos. Probablemente, la persona que lleve la distribución internacional ya conozca todos los resortes. Lo que le podemos ofrecer nosotros es más limitado, porque ellos ya pueden llevar quince o veinte años de trayectoria. Pero, aún así, siempre cotejamos lo que puedan necesitar. Con Cesc Gelabert, en concreto, hicimos comunicación con nuestros circuitos y cotejamos estrategias de marketing con su responsable internacional. Jesús Rodríguez Lenin www.elespectaculoteatral.es

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asociaciones

La Red

el mundo del espectáculo teatral

Los teatros públicos demandan una mayor autonomía para garantizar su sostenibilidad

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n el transcurso de un desayuno de trabajo con representantes de diversos medios de comunicación, celebrado el 9 de marzo en la sede madrileña de La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de titularidad pública, los responsables de esta institución dieron a conocer sus líneas de trabajo de cara a los próximos meses. Uno de los puntos más sobresalientes fue su demanda de una mayor autonomía de los recintos escénicos para garantizar su sostenibilidad, ya que, según se expuso, la gestión directa de la administración pública y la burocratización de las organizaciones municipales es demasiado a menudo un lastre para una gestión económica eficiente, impidiendo que hagan uso de fondos propios y de otros ingresos procedentes de la taquilla. Por ello, desde La Red se considera necesario el desarrollo y la elaboración de un nuevo modelo de gestión, para lo que ya están trabajando en un código de buenas prácticas que articule una serie de reformas. Entre estas destacan la elaboración de planes estratégicos; la apertura a nuevos públicos a través de programaciones que se adecuen a la diversidad de disciplinas y a la variedad de espectadores y de tendencias de consumo actual; el acercamiento al ámbito educativo; el establecimiento de acuerdos con creadores, distribuidores, productores y empresas culturales; el avance en la gestión por entidades sin animo de lucro que potencien la participación de la sociedad civil; el estimulo de la comercialización y el alquiler de los espacios públicos; el control directo de las taquillas; la vinculación de los espacios escénicos a las empresas y otras estructuras de valor de los municipios; o el aprovechamiento de las nuevas tecnologías y las redes sociales. De cara a este año, La Red ya tiene cuatro grandes proyectos preparados. Del 25 de abril al 31 de diciembre el circuito artístico

COFAE L

Imagen de archivo de la Escuela de Verano de La Red.

Danza a Escena celebrará su segunda edición, en la que, promovida por el INAEM, se desarrollará un programa de representaciones en gira de compañías de danza contemporánea, clásica e infantil. Durante la próxima primavera, y en colaboración con la Fundación Autor, verá la luz el “Estudio de Redes y Circuitos”, que analizará en profundidad la actividad de los catorce circuitos y redes autonómicas de artes escénicas asociadas

La Red y FAETEDA crean una Comisión Mixta Permanente de trabajo Las respectivas Juntas Directivas de La Red y de FAETEDA constituyeron el pasado mes de febrero, y con una periodicidad mensual, una Comisión Mixta Permanente de ambas organizaciones que permita analizar y diagnosticar la situación y consensuar la estrategia y acciones necesarias en aquellos temas de interés común, como pueden ser la morosidad en el sector, la revisión del tipo de IVA en las relaciones comerciales de artes escénicas, los modelos de buenas prácticas en la colaboración público-privada, el intrusismo o el estudio de un código deontológico que contemple la diversidad del sector y sus agentes, por mencionar solo algunos.

FiraTàrrega fue la feria con más entidades profesionales acreditadas en 2010

a FiraTàrrega fue en 2010 el certamen con más número de entidades profesionales acreditadas y también la primera en presencia de entidades internacionales. Así lo avala el estudio anual que realiza COFAE para analizar los datos de las 15 ferias de todo el país que integran este organismo. En concreto, 408 entidades profesionales se acreditaron para la pasada edición de la feria que se celebra en la localidad leridana de Tàrrega. Otro de los datos más destacados hace referencia a la presencia de entidades internacionales. Con 124 acreditados,

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a la Red. La sexta edición de la Escuela de Verano, que se celebrará en Almagro y Bolaños de Calatrava (Ciudad Real) en junio, pondrá su atención en el marketing cultural, el ticketing y los proyectos de financiación colectiva. Por último, en otoño La Red editará un nuevo número de “Abierto al público”, en el que repasará ejemplos de buenas prácticas y estrategias desarrolladas por los espacios para acercar espectadores a sus salas.

FiraTàrrega también encabeza esta clasificación a mucha distancia de las siguientes, la Fira Mediterrània con 42, y la Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca con 35. Por otro lado, y a pesar de la crisis, las ferias han acreditado prácticamente el mismo número de entidades profesionales de compra-venta que suelen asistir a estos eventos. Durante 2010, al conjunto de las ferias de COFAE asistieron 1.964 entidades españolas e internacionales, que supusieron un incremento del 2% respecto a los datos obtenidos en 2009.

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ferias y eventos

el mundo del espectáculo teatral

dFeria

Gran satisfacción de sus responsables tras su traslado al mes de marzo

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a gran novedad de la XVII edición de dFeria radicó precisamente en sus fechas de celebración, ya que la feria de artes escénicas de San Sebastián se celebró entre los días 14 y 17 de marzo en vez de en la época estival, como había ocurrido en sus más recientes ediciones. “Tras finalizar la cita de 2010 –explica Norka Chiapuso, director del evento– constituimos un grupo de trabajo que estuvo estudiando lo que queríamos hacer con la feria en el futuro, y una de las conclusiones a las que se llegó fue volver un poco a los orígenes, porque la feria se empezó a hacer en el mes de febrero. A partir de ahí buscamos fechas fuera del periodo vacacional, porque la actividad de la ciudad está más concentrada en esa época en su dinámica ordinaria. En verano el donostiarra está más pendiente de la playa, y el turista que viene a nuestra ciudad tampoco suele ir a ver espectáculos. Además San Sebastián en marzo es mucho más barata y asequible. Por todo ello consideramos que era mejor ubicarnos en el invierno. Estamos satisfechos con el resultado, por lo que es probable que estas fechas se mantengan en el futuro”. Los datos obtenidos justifican esa satisfacción. En torno a 250 profesionales

se acercaron a la ciudad donostiarra con motivo de esta feria, 91 de los cuales eran programadores mientras que el resto se repartían entre productores, distribuidores y medios de comunicación. Se trata de números muy similares a los obtenidos el año pasado, cuando dFeria sufrió el revés de ver su presupuesto recortado en un 44%. Este año el cimiento económico se ha mantenido: “Hemos tenido un aumento en el presupuesto respecto al año pasado, aunque no ha sido muy relevante. Conseguimos todos los apoyos e incluso la Kutxa aumentó su aportación.

El porcentaje no logra paliar lo que pasó en 2010, pero ya solo mantener y crecer un poquito es importante, porque nos movemos en unos márgenes muy ajustados”, indica el máximo responsable de este encuentro. Tanto es así, que una feria como esta necesita de la colaboración de todos los agentes participantes, como destaca Chiapuso: “Para sustentar una feria como la nuestra o como otras que hay en el estado es fundamental la aportación que hacen las compañías. Algunas llegan con un caché que ronda el 50% del que tienen habitualmente, por

Fira de Teatre de Titelles de Lleida

Dará inició a la celebración del XXV aniversario del Centre de Titelles de Lleida

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on la próxima edición de la Fira de Teatre de Titelles de Lleida, que tendrá lugar entre los próximos días 29 de abril y 1 de mayo, se dará comienzo a los actos de celebración del XXV aniversario del Centre de Titelles de Lleida, entidad organizadora de este encuentro profesional dedicado al mundo del títere. La programación incluirá una serie de actividades especiales. La primera será la reposición de “Mowgli, l’infant de la jungla”, una producción del centro que hace 13 años constituyó el primer espectáculo dirigido al público familiar que se exhibió en el Teatre Nacional de Catalunya. Paralelamente se han organizado cuatro exposiciones en torno a varios montajes del Centre: “Hamelin”, “El retaule de Nadal”, “Vola Peter Pan”, y una ambientación con títeres gigantes. También habrá una cena para todos los profesionales participantes en la Fira. Y es que, a pesar de que una rebaja en los presupuestos ha conllevado el recorte

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el mundo del espectáculo teatral lo tanto están haciendo un gran esfuerzo. Sin ese esfuerzo sería impagable el poder tener muchos espectáculos a su coste real”. Respecto al público, cerca de 7.000 espectadores presenciaron algún espectáculo, incluyendo los asistentes a las actividades paralelas. Varios fueron los eventos que se programaron más allá de la exhibición de espectáculos. “El leit motiv de esta feria ha sido ‘El cuerpo como campo de batalla’ –indica Chiapuso–. Hicimos dos mesas redondas relacionadas con ese hilo conductor. La primera trató sobre la reducción de los pies de las mujeres chinas de clase media y alta. La otra mesa redonda giró en torno a los deportistas de élite que llevan su cuerpo a sus máximos límites. También hicimos una microexposición de los zapatos chinos que se usaban para la reducción de los pies, y dos ‘workshops’ de coreografía con Natxo Montero y Noemí Viana, ambos coreógrafos emergentes. Además hubo algunos encuentros profesionales como asambleas de asociaciones”. Respecto a la programación de espectáculos, destacó que un 15% de lo exhibido fueran producciones internacionales, y que se llevaran a cabo dos estrenos absolutos: “Menú del día”, de Noemí Viana & Jesús Rubio, y “Time al tiempo”, el divertido nuevo montaje de Ron Lalá, al que le siguió la bajada del telón de esta feria.

de un día de su programación, se espera que asistan a la Fira de Teatre de Titelles de Lleida unos 150 profesionales. Por esa razón, y por tercer años consecutivo, se organizará una Llotja Professional. También se han programado las IV Jornadas Técnicas y la reunión de Festivales Internacionales, un encuentro entre directores de festivales europeos de teatro para niños y jóvenes. El espectáculo “Twin houses”, de la compañía belga Mossoux-Bonté, dará la salida a tres días del mejor teatro de títeres en una muestra en la que participarán 21 compañías, de las cuales 7 serán catalanas, 8 provenientes de otros puntos de España y 6 extranjeras. Entre los estrenos destacan el absoluto de “Circo Interior Humano”, de Onírica Mecánica, y el debut en España del montaje “Traversées”, de la compañía francesa Théâtre de l’Entrouvert. Como es habitual, la Fira contará con propuestas especialmente dirigidas a los niños, como “Xarop de cargol”, de la compañía de sombras Mercè Framis, protagonizada por una simpática doctora; o “Mis pasos azules”, de la compañía vasca GAR Producciones, que habla de www.elespectaculoteatral.es

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una colina nevada y sus habitantes. Entre los espectáculos para el público familiar sobresalen “La nina del cap pelat”, de Engruna Teatre, que estrena espectáculo en castellano; “No nos moverán”, de Los Titiriteros de Binéfar; o “Cuerdo”, del danés Karl Stets. En esta edición, la Fira ha apostado por los espectáculos adecuados a los espacios abiertos, como son “Flexus”, de La Tal & Birloque; “La Route”, de la compañía francesa Anonima Teatro; o “Le guaratelle di Pulcinella”, de la formación italiana La Bagatella. El reconocimiento al teatro de calle se hará aún más patente con la creación del premio Drac d’Or al Mejor Espectáculo de Calle. La Fira llega también con espectáculos para la franja compuesta por jóvenes y adultos, como “Trogloditas”, de la compañía gallega Tanxarina, una muestra, en clave de humor de cómo podría haber sido el primer teatro de la Prehistoria; el ya mencionado espectáculo inaugural “Twin houses”; o la actuación de Quico el Célio, el Noi i el Mut de Ferreries, que conducirán la gala de la Noche de los Premios Drac d’Or y la clausura de la Fira.

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La Mostra d’Igualada

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Incorpora un nuevo espacio para que los distribuidores presenten sus montajes

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ste año La Mostra d’Igualada, en Barcelona, incorpora un nuevo espacio de empresa –el Espacio Camaleònica–, que se suma al Espacio GAAC, que estuvo presente también en las dos ediciones anteriores de esta feria dedicada al público infantil y juvenil. De esta manera, estos espacios permitirán a las empresas distribuidoras que acudan a este evento, que se celebrará del 6 al 10 de abril, el dar a conocer su oferta paralelamente a la programación oficial de La Mostra y de forma coordinada con la feria. Precisamente la programación oficial cuenta con 54 compañías que exhibirán sus producciones a programadores y público en general, y cuyos montajes han sido seleccionados de entre los 288 proyectos recibidos. En total se realizarán 129 funciones de 75 espectáculos, en los que, como es habitual, tendrán cabida una gran variedad de géneros. Entre todos ellos habrá una decena de estrenos y se contará con la presencia de cinco compañías emergentes. Del conjunto de la programación destaca La Baldufa con “El príncep feliç”, un montaje moderno y con un fuerte compromiso social basado en el cuento homónimo de Oscar Wilde. La compañía vasca Markeliñe presentará “L’Illa desconeguda”, un espectáculo teatral inspirado en un relato de José Saramago. Por su parte, la compañía Pa Sucat, con “Polzet”, dará un salto importante hacia el riesgo con un trabajo de títeres y música en directo muy contemporáneo. “1, 2, 3, poma”, de la Cia. Daraomai, también sobresale por su sensibilidad, así como Festuc Teatre con el espectáculo de títeres “La princesa i el pèsol” y la compañía

“Sopa de pedres”, de Teatre Nu.

mallorquina Disset Teatre con “Les fades de la Bella Dorment”. Respecto a los estrenos, resaltan Teatre Nu con “Sopa de pedres”, Teatre Móbil con “Les trifulgues dels germans Garapinyada”, Zum-Zum Teatre con “La camisa de l’home feliç”, y Marcel Gros con “Minuts”. Y con la llegada del fin de semana, la feria ampliará la oferta y saldrá al aire libre con diversos espectáculos de calle.

Teatre en Femení Un ciclo protagonizado por mujeres en el Centre Teatral Escalante de Valencia

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asta el 20 de abril se desarrollará Teatre en Femení, el ciclo que el Centre Teatral Escalante de la Diputación de Valencia inició el pasado 27 de marzo, coincidiendo con el Día Mundial del Teatro, y que está compuesto por cuatro espectáculos dirigidos a los más pequeños cuyas protagonistas reivindican el papel de la mujer como impulsora y motor de la acción. Durante su mes de duración se llevarán a cabo 30 representaciones que está previsto que sean presenciadas por 5.000 espectadores. “Josefina”, de la compañía pucelana Teloncillo, que fue la encargada de abrir esta muestra, presenta las distintas etapas que vive una niña hasta llegar a ser mujer. Tres intérpretes, con una sugerida escenografía a base de módulos cambiantes, van introduciendo diversos momentos de la vida de la protagonista. Le

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“Josefina”, de Teloncillo.

sigue “La Bella y la Bestia”, de la compañía zamorana Achiperre Teatro, una versión del cuento clásico interpretada por tres mujeres que luchan por su derecho a ser, cada una de ellas, quien dará vida a la protagonista. “Nena”, a cargo de Titiritrán Teatro, de Granada, evoca la infancia de una niña, su habitación y su vida a partir de elementos que a todos nos resultan familiares: camas

con varios colchones, las visitas al circo o al cine con amigos, la escuela, etc. Por último, “Contes en Femení Plural”, del Teatro Buffo de Valencia, revisará en valenciano algunos cuentos tradicionales en una versión actualizada con títeres, y desde diversos puntos de vista como el maltrato, la autoestima o la igualdad, siempre dentro de una atmósfera adecuada para los más pequeños. www.elespectaculoteatral.es

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Festival Internacional de Clowns y Payasos de Arrigorriaga Grandes dosis de humor en el decimoquinto aniversario de este evento vizcaíno

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isas y carcajadas están convocadas una vez más al Festival Internacional de Clowns y Payasos de Arrigorriaga, cuya XV edición tendrá lugar en la localidad vizcaína del 6 al 9 de mayo. Dieciséis compañías y artistas presentarán sus propuestas los días 7, 8 y 9, mientras que en la jornada inaugural se llevarán a cabo dos actividades especiales. Por un lado, David Bustos ofrecerá una actuación de globoflexia en el Hospital de Cruces de Bilbao, mientras que Jon Zabal desplegará sus trucos mágicos. Por otro lado, Verónica González, una de las pocas titiriteras en el mundo que trabaja con los pies, presentará su “Teatrino dei piedi”. Entre los espectáculos que se podrán ver este año destacan títulos de compañías vascas como “Olympicas 2012”, de Hortzmuga Teatro, o “On egin mon amour”, de Teatro Salitre; espectáculos circenses

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“Olympicas 2012”, de Hortzmuga Teatro.

como “Cabaret”, de la Compañía Capicúa; u otros más centrados en la figura del payaso, como “Cuidado, un payaso malo puede arruinar tu vida”, de Chacobachi

o “Aceitunin 1ª fase”, de Dosperillas. Además, entre el 3 y el 6 de mayo Pep Vila impartirá el curioso curso “Imbecilidad: la búsqueda del propio clown”.

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heteatrodoxias

el mundo del espectáculo teatral

Ampliar el mercado interior de la cultura

Hoy en día, la trayectoria de un producto cultural que quiera triunfar de manera global tiene que ir de dentro a fuera. Es decir, la tendencia actual es que los proyectos que cosechan un gran éxito en un mercado local son los que más posibilidades tienen de ser internacionalizados. Es por ello que Xavier Marcé considera en este artículo que en nuestro país deberían potenciarse menos los contenidos, que muchas veces ni siquiera tienen donde exhibirse, y más los públicos, o lo que es lo mismo, nuestro propio mercado interior.

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os americanos se interesan por cualquier película europea que tenga buenos resultados en la taquilla de su país. En muchos casos compran los derechos para producirla de nuevo en los EEUU con criterios estéticos (generalmente peores) y actores americanos, para lanzarla al mercado propio y posteriormente exportarla a Europa donde, probablemente, volverá a triunfar. Entendido como un mercado global, no pocos europeos pensarán que la película era directamente americana, dado que en la mayoría de los casos el original no salió de su país de origen. Muchos empresarios teatrales españoles visitan regularmente los escenarios de Londres o Paris en busca de espectáculos muy comerciales con el objetivo de comprar sus derechos y producirlos en España. Por supuesto que en la Feria de Frankfurt los editores internacionales están muy atentos a los periódicos éxitos locales de novelistas poco conocidos, económicamente asequibles y a menudo apoyados por las instituciones locales que facilitan su traducción. Todo ello es el “abece” de la economía internacional y si alguna cosa demuestra es la extrema importancia de los mercados locales. Las propuestas culturales que logran conquistar sus mercados internos tienen mayores posibilidades de internacionalizarse. Parece una verdad de perogrullo, pero en España las políticas de creación de públicos no son especialmente activas. En el sector teatral, por ejemplo, observamos una paradoja sorprendente; las instituciones ayudan a producir casi 1.000 espectáculos al año y más de la mitad no tiene circuito alguno donde exhibirse. Podría entenderse si el sistema teatral español fuera privado, pero el problema es que es

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esencialmente público. Esta especie de ley de la jungla sólo tiene dos soluciones posibles: o reducimos las ayudas para producir espectáculos o incrementamos los públicos, o quizá podamos hacer las dos cosas a la vez, buscando una mayor calidad y sostenibilidad general del sistema. En cualquier caso la clave del tema es incrementar el público del teatro, o sea, el mercado interior. Primero, porque facilitará de manera inequívoca la discriminación positiva o negativa de las diferentes propuestas escénicas, tanto en términos de calidad como de comercialidad, y en segundo lugar, porque permitirá una progresiva mejora de nuestro estatus escénico a nivel internacional. La Administración tiene mucho que decir en todo ello, a la vista sobretodo del carácter obsoleto de la mayor parte de los instrumentos públicos de gestión. Para muestra un botón: la bajada de las contrataciones municipales motivada por las reducciones presupuestarias son independientes del interés real que pueda generar un espectáculo. Las restricciones afectan y acentúan únicamente el papel de intermediación que realizan los Ayuntamientos. Ocurre algo similar con la política de subvenciones, lógicamente equitativa, con tendencia repartidora y con escaso poder discriminador entre aquellas propuestas de carácter comercial y otras de mayor calado artístico. Pero, aún siendo la Administración un agente esencial para cambiar el rumbo de nuestro modelo cultural, más importante es todavía la actitud de los empresarios culturales. El diferencial entre costes de producción y resultados en taquilla es a menudo descorazonador y la inversión en publicidad y marqueting escasísima.

En la medida que el sistema público de ayudas al teatro y a la cultura en general se destina básicamente a fomentar la producción de contenidos la tendencia general de los empresarios es a pasar página rápidamente cuando un espectáculo funciona mal e, inmediatamente, producir uno de nuevo. No es lógico, pero el conjunto del sistema lo favorece. Los empresarios españoles son perfectamente conscientes de que, salvo en Madrid o Barcelona, en el resto de las ciudades la comercialización de sus productos está en manos de estrategias públicas. En época de vacas gordas esta realidad se convierte en un club privado donde sus miembros viven perfectamente, pero en momentos de crisis esta misma realidad puede llegar a ser desesperante. Por eso es necesario afrontar una cierta liberalización del sector cultural. Permitirá mejorar la fortaleza de las empresas y facilitará, igualmente, una mayor definición de las acciones públicas directas. Hoy en día ambas realidades comparten un mismo mercado de manera muy confusa. El mercado cultural español tiene muchos retos que afrontar, pero hay uno fundamental y es aportar más contenidos a una cesta de consumo que cada día es más global. No me refiero a producciones finales sino a contenidos intrínsecamente españoles que generen derechos para sus autores y que puedan ser susceptibles de interesar en otros lugares del mundo. Xavier Marcé Puedes dejar tu opinión acerca de este artículo y de cualquier otro de nuestros colaboradores en nuestra web.

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compañías

Isabel Ordaz

Intérprete y productora de “Los días felices”

“Lo que nos viene a decir esta obra es que el instinto de supervivencia del ser humano es inagotable”

Estrenada por primera vez en España en 1963, “Los días felices”, escrito tres años antes por el dramaturgo y narrador irlandés Samuel Beckett, es un monólogo representativo del Teatro del Absurdo en el que la protagonista, Winnie, es una señora de mediana edad que aparece en escena semienterrada en un montículo calcinado bajo una luz cegadora. La conocida actriz Isabel Ordaz, enamorada del papel y de la obra en sí, contagió su entusiasmo a Eva Paniagua, cabeza visible de la productora Come y Calla, para llevar a escena este proyecto. La obra se estrenó el pasado 9 de enero en el teatro Juan Bravo de Segovia, y tras permanecer en los Teatros del Canal de Madrid de los días 13 al 23 del mismo mes, inició una gira con la que está recorriendo con gran éxito todos los puntos de nuestra geografía.

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onocías previamente el texto de “Los días felices”? - Conocía el universo Beckett más o menos por haber leído sus obras teatrales, al igual que parte de su prosa, y también por haber visto algunos de los montajes más emblemáticos de sus textos, y siempre me he visto muy atraída por ese misterio que tiene el autor, porque por mucho que veas sus obras nunca dejas de sentir algo más allá, algo más hondo. Le propuse a Eva Paniagua, de la productora Come y Calla, la posibilidad de que montáramos “Los días felices”, involucrándome en la producción, y ya nos empezamos a mover. Eva habló con los Teatros del Canal, que decidieron participar también en la producción, y así surgió este proyecto que hemos hecho con dirección de Salva Bolta.

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- El papel que interpretas en esta obra supone un reto no solo por ser prácticamente un monólogo sino por las limitaciones físicas que presenta, ¿cómo lo has afrontado? - Hay desafíos a muchos niveles. En este caso como la mujer, Winnie, está enterrada primero hasta la cintura y luego hasta el cuello, prevalece la palabra, porque es prácticamente lo único que tienes para expresarte. Ese es el componente estático de la propuesta de Beckett, una mujer metida en una montaña que no se mueve, por lo que trabajamos mucho los múltiples significados del texto de Beckett. Hubo mucha dialéctica en ese sentido y sobre todo apostamos por hacer de este montaje una especie de apología del optimismo. Optimismo que en Backett es trágico,

evidentemente, porque las circunstancias de Winnie son extremas. Por otro lado, Winnie es una señora que cotorrea todo el rato sobre cosas aparentemente triviales o cotidianas, y dada la poética de Beckett y su fuerza en escena, el cómo elige él contarlo formalmente, aporta otra dimensión maravillosa a la obra. - ¿La preponderancia de la palabra hace que pierdan importancia otros elementos como la escenografía o el vestuario? - No, todo lo contrario, supone un conjunto. La escenografía es de Ricardo Sánchez Cuerda y a mí me gusta mucho, aparte de que ha sido muy alabada por las críticas. Aquí Ricardo optó por un volumen cuadriculado de hormigón revestido con un material terroso. La iluminación, que es de Fernando Ramos, www.elespectaculoteatral.es

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compañías también es estupenda... Cuando yo digo que prevalece la palabra es porque la protagonista está inmóvil, atrapada en esas cárceles que todos tenemos. También está el silencio, porque Beckett da mucha importancia a las pausas. Pero además hay una elección estética muy subrayada y muy trabajada por parte de Salva Bolta y del resto del equipo, todo con colores fríos, con espacios muy desnudos, muy hermosa a mi parecer. - Has definido la obra como una “apología del optimismo”. ¿Crees que el Teatro del Absurdo es una buena medicina para los tiempos que corren? - A mí me lo parece. La obra tiene mucho sentido del humor, Beckett es un autor muy corrosivo, también un poco oscuro, que destila una enorme ironía sobre la condición humana y desde mi punto de vista, al menos en esta obra, muestra también una gran compasión por sus personajes. Winnie no puede estar peor y, sin embargo, tiene un optimismo casi suicida. Lo que nos viene a decir esta obra, sobre todo, es que el instinto de supervivencia del ser humano es inagotable. - ¿Para hacer un personaje tan jugoso pero tan atípico como este es imprescindible involucrarse en la producción? - No, en este caso lo que alabaría es a ese grupo de productores del sector privado, que no del público, que se arriesgan con proyectos en principio difíciles, o muy comprometidos, o no tan oficialmente comerciales. Y hablo del sector privado, que evidentemente no tiene los recursos con los que cuenta el público. Se trata de una serie de productores españoles que no solamente por el hecho de ser empresarios privados buscan a toda costa hacerse ricos con un producto que a lo mejor no tiene unos mínimos de calidad, sino todo lo contrario. En un momento determinado corres algunos riesgos como productor y para eso siempre tiene que estar ahí lo público, ayudando, si no es con el dinero sí con una infraestructura de espacios, de giras o de redes. En este caso concreto alabo la pasión de un grupo de

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Foto: Jaime Villanueva.

gente que se ha metido en un montaje que normalmente sería abordado por el sector público, porque tiene riesgos económicos o incluso de calidad, ya que es muy difícil montar a Beckett y nadie lo hace. - ¿Te has planteado constituir tu propia empresa de producción escénica? - Ingenuamente ya lo hice hace tiempo, produje un par de montajes hace 20 años en aquella época romántica en la que estaba muy involucrada en las salas alternativas. Luego he desechado un poco esa vena aunque no la descarto del todo. Pero no se trata de que proliferen individualmente las productoras, sino de que haya grupos de personas que se unan para llevar a cabo proyectos que sean de calidad, y eso es lo que ha pasado en este caso con Eva Paniagua y todo su equipo. - ¿Qué otros planes tienes en tu agenda? - Ahora estoy grabando una cosa para televisión, y luego quiero seguir con el teatro. Buscamos textos y proyectos que

se puedan hacer sin un excesivo gasto de producción, pero sí con un alto nivel de calidad intelectual y por supuesto teatral, ya sea comedia o drama. Lo que pasa es que no es tan fácil encontrar textos que te enamoren. Levantar un proyecto es difícil, aunque en esta caso todo ha transcurrido de una manera muy fluida gracias sobre todo a los Teatros del Canal, que han coproducido el montaje y nos dieron ese empuje inicial. Pero tienes que tener un estímulo fuerte, un texto que te enamore y que te dé la fuerza necesaria para buscar las ayudas o para echarte la manta a la cabeza. Ahí tendríamos que estar todos, entre otros los programadores, con las responsabilidad que les corresponde. Si se ha cortado el grifo y hay menos dinero, pues con menos dinero, pero tenemos que involucrarnos en no perder esa estructura, esas redes, esas giras, que de alguna manera enriquecen mucho la cultura de este país.

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el apuntador

el mundo del espectáculo teatral opinión

Soy afortunado por Ricardo Mateos

Ricardo Mateos Santos posee una formación heterogénea: Ingeniería Técnica de Telecomunicaciones, Profesor Superior de Música y un reciente Máster en Propiedad Intelectual. Su carrera profesional también ha recorrido múltiples caminos: es músico, con experiencia en todo tipo de formaciones; profesor de diversas materias musicales; y, desde 1999, director de las empresas R&R Música Millenium (tienda de instrumentos musicales), Crea. Música y Arte (academia de música) y gerente de Sax’o’fon Producciones (compañía de teatro musical).

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oy afortunado. Me he subido en muchas ocasiones a un escenario, unas veces para hacer reír a los demás o para compartir mi música, y otras dispuesto a fabricar una mezcla de ambas. He conseguido compartir un negocio con muchos amigos. He llorado de emoción en mi trabajo (de esto no puede alardear cualquiera). Me he apasionado construyendo un sombrero gigante de 16 metros cuadrados (y otras locuras por el estilo). He conocido y he ido de la mano de gente muy interesante... Por todo ello, soy afortunado. Escribo esta carta a modo de despedida, porque mi compañía, la compañía Sax´o´fon, desaparece después de muchos años de trabajo que se han materializado en cuatro espectáculos que han girado por toda España con una acogida fantástica: “Cinco músicos y un destino”, dirigido por Miguel del Arco; “Crea y recrea”, dirigido por Pepe Viyuela; “The swinging devils”, dirigido por Miguel del Arco, y “Percuta y Minuta”, dirigido por mí mismo. El 10 de abril de 2011 culmina nuestra andadura con la representación de “Percuta y Minuta” en el Auditorio de Alcobendas (Madrid). Las razones que me han llevado a la dificilísima decisión de renunciar a la ilusión y al esfuerzo invertido durante estos años pueden resumirse en que no hemos podido sobrellevar la presión del sistema de pagos que soportamos los productores y compañías, en el que muchos teatros e instituciones pagan mal y tarde, y los bancos ya no financian contratos con los ayuntamientos porque no les inspiran confianza. Es una situación insostenible para muchas compañías porque se nos está estrangulando económicamente y esto hace imposible nuestra supervivencia.

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Durante años me he dedicado a estos menesteres con una gran motivación artística, con gran interés creativo. Podéis creerme si digo que buscar el beneficio económico no era lo que me impulsaba y me hacía superar los constantes obstáculos. Evidentemente, cuando se administra un negocio, la búsqueda de unos ingresos mayores que los gastos es una máxima de la que depende la propia existencia, pero no ha sido nunca lo que más he valorado. De hecho, también hemos aportado nuestro granito de arena contribuyendo en causas humanitarias. Hasta el último día estamos colaborando con dos ONGs (Infancia sin Fronteras y Save the Children), aportando el 5 % de nuestro caché para la infancia en África. Pero de esto no tengo el monopolio. He conocido muchos artistas que han funcionado o funcionan con la misma filosofía. Pero el no hacer las cosas con un afán exclusivamente pecuniario ha propiciado que otros piensen que la cultura es gratis, vamos, que aquí se vive del aire. Comentaba un compañero hace años, “si trabajas gratis no te faltará el trabajo”. Aunque lo decía en tono jocoso, la broma estaba inspirada, y mucho, en la realidad. He conocido de cerca otros sectores profesionales y en ninguno se trabaja tantas veces gratis o en “rebajas” como en las distintas manifestaciones artísticas. ¿No te resulta familiar la frase “te interesa hacerlo porque para ti es una buena promoción”? Ahora que dejo este negocio estoy tentado de soltar algunas cosas en voz alta pero no, no voy a sucumbir al deseo. De hecho, no pienso dilatarme en explicar una situación que todos conocemos y la “permisividad” con la que todos soportamos la increíble flexibilidad de los plazos de pago de algunos ayuntamientos (cada vez más).

Y me voy a ahorrar lo que opino cuando dicho plazo se mide en años. Es cierto, estamos viviendo una reestructuración fruto de la crisis, y aunque todos sabemos que es necesaria, lo verdaderamente triste es que son muchas las compañías con talento las que no hemos podido ni podrán resistir, y esto está perjudicando gravemente la calidad artística de nuestro sector. Me comentaba el otro día un programador que “hay demasiada” oferta, “demasiadas compañías” y que esta crisis hará una “criba necesaria”. Mi pregunta es, ¿es bueno para el sector que el parámetro que defina esa criba sea más la capacidad financiera que el interés artístico? Sólo quería compartir con vosotros esta reflexión para sentir que, al menos, sirva de algo nuestra marcha, para que los que os quedáis, entre todos, intentéis proteger con más esmero precisamente a las compañías que más lo necesitan. A pesar de todo ello me voy con tristeza pero sin rencor. De hecho, lo que siento es agradecimiento. Por ello doy las gracias a todos y cada uno de los que han pasado por mi compañía dejando un pedacito de ellos mismos. A todos los teatros que han confiado y solicitado nuestro trabajo. A Isis (Proversus), por haber estado siempre al pie del cañón. Y a mi familia, porque no es moco de pavo tener en casa un artista y, menos, un artista-empresario. Espero veros a todos en otras batallas y para esta que yo dejo, os deseo mucha suerte. Puedes dejar tu opinión acerca de este artículo y de cualquier otro de nuestros colaboradores en nuestra web.

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El sombrero de tres picos Morfeo Teatro Clásico recorre toda nuestra geografía con esta obra

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orfeo Teatro Clásico se encuentra en plena gira de su montaje “El sombrero de tres picos”, texto del siglo XIX del literato Pedro Antonio de Alarcón basado en el conocido romance castellano de “La molinera y el corregidor”. Durante el mes de abril las localidades de Zamora el día 8, Carrión de los Condes (Palencia) el día 23 y Aranda del Duero (Burgos) el día 29 acogerán las representaciones de esta obra. Ya en mayo hará escala el día 7 en Roa de Duero (Burgos), mientras que en junio se podrá ver en Béjar (Salamanca). Para el verano quedarán las funciones del 20 de julio en Caravaca (Murcia), del día 23 del mismo mes en el Festival de Peñíscola (Castellón), y del 5 de agosto como apertura del Festival de Alcántara (Cáceres). La acción de la obra se sitúa a principios del siglo XIX, en una venta cercana a Sevilla. Allí vive y trabaja el tío Lucas, un molinero cuarentón “más feo que picio”, casado con la bellísima Frasquita. El libidinoso corregidor don Eugenio de Zuñiga ansía los favores de la molinera, que ésta se niega a concederle. El corregidor idea una estratagema para alejar al tío Lucas de www.elespectaculoteatral.es

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la venta, pero una vez allí el azar le hace caer al canal de agua y se ve obligado a despojarse de sus ropas y a guardar cama. En lo que Frasquita va a avisar a su marido, regresa el molinero, y descubre que el corregidor está en su lecho. A modo de venganza, le arrebata sus ropas y se va a intentar seducir a la esposa del corregidor. Cuando se enteran, Frasquita y el corregidor se lanzan a impedir la maquiavélica venganza del molinero. La puesta en escena de Morfeo Teatro Clásico presenta una adaptación netamente teatral, fiel al estilismo de la novela escrita por Alarcón en 1874. El vestuario es de puro corte clásico, de estilo goyesco, aprovechando que el propio Alarcón lo describe al detalle. El decorado, de gran formato y factura artesanal, también se sustenta en un verismo clásico, inspirado en la pintura paisajista de Goya y Fortuny. Los actores Francisco Negro, Mayte Bona, Javier Leoni, Ángel Gonzalo y Felipe Santiago dan vida a esta obra que dirige el propio Francisco Negro. Más información en la edición digital

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Familia en construcción

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La improvisada relación familiar establecida entre varios personajes

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n teatro abarrotado de bártulos, un grupo de actores improvisando una familia. Fluyen los temas y los personajes: la madre y su soledad, el pique entre los hermanos, el padre y sus sermones, la suegra y su matraca, la nuera agobiada, el hijo gay o la incansable abuela que no se calla ni muerta... Encontronazos, gritos, abrazos, culpas, besos, celebraciones, rutinas y secretos que inevitablemente aparecen en el recorrido de esta senda de amores y odios, con saltos de la risa al melodrama, en los que se llega a tal identificación que tanto actores como público olvidan que asisten a un ensayo y se sumergen de lleno en esta familia que perfectamente podría ser la suya. Así es “Familia en construcción”, la obra que ha escrito y que dirige Gonzala Martín Scherman para la compañía Factoría Teatro, y que interpretan Silvia García de Pé, Iván Ugalde, Victoria Teijeiro, Chendo

Lestao y Salvador Sanz. Este montaje se verá los días 1 y 2 de abril en los centros culturales Lázaro Carreter y Latinarte respectivamente, ambos en Madrid, y el

día 13 de mayo en el centro cultural El Torito, también en la capital. Más información en la edición digital

La mujer del sexo tatuado Una obra que gira alrededor del amor inquebrantable

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asta el 24 de abril el actor Mario Zorrilla mostrará en la madrileña sala Tarambana el brutal trabajo que despliega en solitario en “La mujer del sexo tatuado”. El propio Zorilla, quien actualmente da vida a Mauricio en la serie de televisión “El secreto de Puente Viejo”, firma este texto junto a Mariano Hossorno. Bajo las directrices de Luis Araujo, Mario Zorrilla se deja la piel sobre el escenario hablando de amor y desamor en esta historia sobre una joven obsesionada con una leyenda que escuchó a un anciano de Eissaouira, durante un viaje por Marruecos, y que exige a su pareja que le tatúe un puñal en el sexo. El tatuaje marcará a partir de entonces su vida y la de su amante. “La mujer del sexo tatuado” es también la historia de un marino capaz de amar por encima de todo para seguir viviendo día a día en contra de un destino social impuesto. Es un relato sobre la esperanza de quien no tiene nada en la vida, excepto su amor inquebrantable. Tras su paso por la sala Tarambana, esta obra de El Buco Producciones, distribuida por Lozano & Bonilla, proseguirá con su andadura por diversos puntos de la Comunidad de Madrid y de Castilla-La Mancha. Más información en la edición digital

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El amante

Peligrosos juegos de seducción en este texto de Harold Pinter

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entro de la programación del ciclo Escena Círculo, el teatro Fernando de Rojas del Círculo de Bellas Artes de Madrid presentará del 5 al 10 de abril la función “El amante”, de la compañía Anaclé Teatro, dirigida por el actor y director Fernando Sansegundo. Harold Pinter, premio Nobel de Literatura en 2005 y creador de personajes al límite, plantea en este texto de forma fascinante atmósferas y situaciones aparentemente cotidianas donde cualquier cosa puede ocurrir en el momento más inesperado. La obra cuenta cómo una pareja convencional, aburrida de su relación, inventa juegos de seducción que se les escaparán de las manos, confundiendo cada vez más realidad y ficción. Con “El amante”, Anaclé Teatro estrena su primera producción, nacida, tal y como explican sus miembros, de la fijación por ensayarla tras dar con el texto de forma casual. Los actores Alberto Maneiro y Eva Higueras dan vida a la pareja protagonista en esta obra de la producción temprana del dramaturgo inglés donde nada es lo que parece. Foto: Pedro Gato.

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Brad Locker Producciones estrena “De parte de Marte”en la sala Triángulo

La guerra de los Rose Carlos Sobera y Mar Regueras protagonizan esta mordaz crítica sobre el matrimonio

L Teo y Cleo son lo que queda en el mundo después de haber pasado una temporada deambulando por los paisajes de Cormac McCarthy, escuchando dentro de sus cabezas la discografía completa de famosos cantautores asturianos. Tan solo conservan un sentido del humor que son incapaces de manejar... hasta que reciben una visita inesperada: los extraterrestres. Esta es, en pocas líneas, la sinopsis de “De parte de Marte”, la obra que Brad Locker Producciones estrenará el 14 de abril en la sala Triángulo de Madrid, donde permanecerá durante tres semanas. Los actores Jorge Basanta y Arantza Arteaga interpretan este texto bajo las directrices de Jorge Muñoz.

“Mi primera vez”, una colección de relatos sobre divertidos estrenos sexuales

os Rose constituyen una feliz pareja, una familia acomodada, con una vida social brillante... Se conocieron, se enamoraron, se casaron... Quince años más tarde, él es un abogado de éxito que considera que la posición y la felicidad de su familia dependen exclusivamente de él y de su trabajo. Por su parte, Bárbara, su mujer ha ejercido todo este tiempo el papel de abnegada esposa, cuidando de la casa y los niños, dedicada por completo a construir el hogar perfecto. Un día, los niños están a punto de abandonar el nido, la pasión muere y la situación se vuelve tan rutinaria como absurda. Entonces, todo se derrumba. Bárbara decide montar un negocio de hostelería y, sin previo aviso, le pide el divorcio a su marido y, en consecuencia, le

Torero

El Certamen Nacional de Teatro Arcipreste de Hita incluirá una de sus funciones

L La primera experiencia sexual es una de las pocas cosas que la gente de todo el mundo tiene en común. Y, sin embargo, raramente se habla de ello... Hasta la llegada de “Mi primera vez”, un espectáculo de nueva generación que se basa en los textos escritos por personas anónimas en una página web sobre sus “debuts” en el sexo. Los actores Víctor Ullate-Roche, Inma Cuevas, Joaquín Abad, Mar Abascal y Fran Nortes son los encargados de acercar al público estos relatos. Esta divertida obra de El Reló Producciones, dirigida por Gabriel Olivares, se podrá ver en el teatro Alfil de Madrid hasta el 15 de mayo. 22

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os programadores de toda España cuentan con una oportunidad de oro para conocer la obra “Torero”, de la compañía Suripanta. La XXXIII edición del Certamen Nacional de Teatro Arcipreste de Hita ha seleccionado para su programación este montaje, que se exhibirá el 16 de abril en el teatro Buero Vallejo de Guadalajara. De la distribución de esta tragicomedia taurina se encarga la empresa Teresa Santillana Distribución de Espectáculos. Esteve Ferrer, director de “Torero”. “’Torero’ es, en mi humilde opinión, una pequeña joya, una mezcla de géneros, unidos todos por un denominador común, el humor. Su grandísimo ingenio, su agudeza, pero por encima de todo, la degradación grotesca que hace de determinados aspectos de la cultura española, es un reflejo claro del universo que tan maravillosamente han plasmado autores como ValleInclán y su esperpento nacional; Gómez de la Serna entre la Vanguardia y la tradición grotesca; o el mundo degradado de la pintura de Salvador Dalí. Y también lo hicieron en el terreno cinematográfico directores y guionistas como Azcona, Ferrari, Berlanga o Almodóvar”. Las palabras son de Esteve Ferrer, director de esta comedia picaresca escrita por David Desola y Arturo Ruíz y que narra la historia de Antonio “El Macareno”, un torero que en último momento se niega a salir a enfrentarse al toro en la plaza de su pueblo por un importante motivo: se ha convertido al hinduismo. www.elespectaculoteatral.es

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el mundo del espectáculo teatral teatro de texto “invita” a abandonar la lujosa mansión que han compartido y que es lo único que aún tienen en común. Pero por esa casa, que viene a ser el tercer vértice de su relación, ambos están dispuestos a luchar a muerte. Ha estallado la guerra. Después de una larga gira por toda España, “La guerra de los Rose”, comedia negra y mordaz sobre el matrimonio protagonizada por Carlos Sobera y Mar Regueras, llega al teatro Bellas Artes de Madrid, donde permanecerá del 28 de abril al 10 de junio. El texto, original del novelista americano William Adler, y ahora adaptado y dirigido por Garbi Losada, cuenta la experiencia sufrida en los años cincuenta por el empresario y periodista William Rose tras decidir divorciarse de su mujer, Eleonor Rose, e inventarse todo tipo de vilezas para no tener que darle ni un solo dólar de su fortuna. De su producción se encarga Ados Teatroa, empresa creada en 1994 por profesionales de larga trayectoria teatral, en colaboración con otros provenientes del mundo audiovisual, y que cuenta hasta el momento con 19 espectáculos en su trayectoria. La distribución, por su parte, corresponde a Pentación Espectáculos.

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el mundo del espectáculo teatral humor

En ocasiones veo muertos... de risa Ramón LSD conquista a los barceloneses con sus monólogos

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amón LSD, humorista vallisoletano afincado en Barcelona y especializado en monólogos, no para de captar nuevos adeptos para sus espectáculos. Entre el 23 de abril y el 8 de mayo se reunirá con sus acólitos en el Café Teatro Llantiol de la Ciudad Condal, donde ofrecerá algunos de sus espectáculos más exitosos: “En ocasiones veo muertos... de risa”, “Y a ti, ¿quién te aguanta? “, “¡Abajo las pasteladas!” o “Chicas, Risketos y apuntes pasados a limpio”, pieza que se ha convertido en la más veterana de Barcelona tras más de 200 funciones y cuatro años en la cartelera. Cada espectáculo de Ramón LSD se centra en un tema en concreto. “En ocasiones veo muertos... de risa” es un hilarante monólogo sobre los tópicos del cine fantástico y de terror. “Y a ti, ¿quién te aguanta?” gira en torno a las manías y sus dueños. Las películas románticas constituyen el hilo conductor de “¡Abajo las pasteladas!”. Y la receta de “Chicas, Risketos y apuntes pasados a limpio” cuenta como ingredientes con tres kilos de verdades como puños, una cucharada de humor desaprensivo, tres cuartos de nostalgia y un par de gotas de gamberrismo.

Sin balas

Todas los ambientes del legendario Oeste reunidos en un escenario

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nidos por una carreta y separados por una venganza, John Cliff, un vaquero muy vaquero, y Dallas Wayne, una granjera poco granjera, tratan de llegar a Sweetwater guiados por sus (más o menos, según se mire) caballos. Mientras todo esto ocurre, Los Pinkertons, unos elegantes y siniestros agentes de la ley, les persiguen para darles caza. Al más puro estilo de Sergio Leone, Las Grotesqués en la interpretación, y Sexpeare en la dirección, ofrecen la que será, sin duda, la más desternillante y auténtica comedia del lejano Oeste: “Sin balas”. La empresa alicantina Cámara Blanca distribuye esta comedia inteligente, absurda y melancólica en la que sus dos compañías responsables recrearán escenarios y situaciones legendaria del Western: el saloon, el desierto, la diligencia,

el séptimo de caballería, las acampadas nocturnas, los indios... Y todo esto se desplegará en el escenario del madrileño teatro Alfil hasta el próximo 8 de mayo.

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el mundo del espectáculo teatral musicales

El rey León

En octubre llegará la mayor producción musical jamás vista en nuestro país

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l rey León” es la mayor producción musical jamás presentada en España, donde se representará por primera vez, y en castellano, el próximo otoño, lo que confirma el excelente momento en el que se encuentra el género musical en nuestro país. Stage Entertainment España, la principal productora de este tipo de espectáculos, y The Walt Disney Company, creadora

de esta historia ambientada en África, estrenarán el 21 de octubre este grandioso montaje en el teatro Lope de Vega de Madrid. Inspirado en la película de animación de la factoría Disney más vista de la historia de España, y ganadora de dos premios Oscar, el musical “El rey León” aterrizará en nuestro país avalado por los 70 galardones

que acumula y por el entusiasmo de los más de 50 millones de espectadores que lo han visto hasta la fecha. Se trata de un espectáculo excepcional, fruto de la unión de reconocidos talentos musicales y teatrales a nivel mundial, y de la fusión de las más sofisticadas disciplinas de las artes escénicas africanas, occidentales y asiáticas.

Voca people

Madrid y Barcelona reciben a estos simpáticos y musicales extraterrestres

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oca people” son habitantes del planeta Voca. Han llegado a la Tierra a causa de un error mecánico. El combustible que da energía a su nave, la música, se ha acabado. Los Voca no conocen el habla humana y se comunican únicamente mediante sonidos vocales. Poco a poco, aplicando esos increíbles sonidos a la música del planeta Tierra, y con la ayuda del público, conseguirán energizar su nave y volver a casa. “Voca people” se articula como una orquesta humana a capela integrada por ocho músicos. Sin instrumentos, haciendo uso del arte del beat box y sólo con sus voces, consiguen reproducir los ritmos y melodía de los éxitos más famosos de la historia de la música. The Beach Boys, Michael Jackson, Britney Spears, Nirvana o Madonna –junto con algún guiño para el público local– son solo algunos de los artistas de las canciones que se recrean en un ambiente muy humorístico. La nave espacial de “Voca People”, producida por la empresa portuguesa Uau, aterrizará en el teatro Compac Gran Vía de Madrid el próximo 26 de abril, y proseguirá su viaje intergaláctico en el teatro Tivoli de Barcelona a partir del 31 de mayo.

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Foto: Paco Manzano.

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el mundo del espectáculo teatral revista

Pasando revista

El Nuevo Apolo de Madrid recupera las plumas, las lentejuelas y el humor

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omo las oscuras golondrinas, pero en su caso repletas de colorido, vuelven las vedettes. De la mano de la productora El Negrito, las plumas, las lentejuelas y el humor han invadido desde el 16 de marzo el escenario del teatro Nuevo Apolo de Madrid con el espectáculo “Pasando revista”. Esta comedia musical, escrita por el dramaturgo Miguel Murillo y dirigida por Paco Carrillo, permanecerá en la cartelera madrileña hasta finales del mes de abril. La obra cuenta como Esperanza París, la que fuera primera vedette del teatro Parisién, uno de los teatros más importantes que recorría los pueblos de España, decide después de muchos años llamar a toda la compañía para ensayar su espectáculo tras la llamada de la televisión interesándose por su trabajo. “Pasando revista” es una historia de artistas que cumplen años y cumplen achaques, pero que mantienen intactas sus ansias de triunfo. En este caso son figuras de la revista musical española que tienen en su esencia y en su trayectoria la alegría de la música y la magia del espectáculo. A ritmo de temas como “Mírame”, de los espectáculos de Celia Gámez, “Gracias por venir”, de la genial Lina Morgan, “Mamá quiero ser artista”, de la incombustible Concha Velasco, o “Los Nardos apoyaos en la cintura”, entre otros muchos, los aficionados al género podrán revivir el teatro musical que triunfó durante más de un siglo. Su aterrizaje en Madrid viene avalado por las excelentes críticas que ha recibido en las más de 60 representaciones realizadas tras su estreno, algunas en diversos festivales y ferias. Tras su estancia en el Nuevo Apolo, la compañía iniciará una gira que le llevará por distintas ciudades españolas.

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el hereje

el mundo del espectáculo teatral opinión

Autores españoles: una necesidad en las politicas de captación de públicos por Eduardo Galán Eduardo Galán reflexiona en este número sobre las razones que provocan que los textos escritos por autores españoles vivos se vean relegados en los escenarios de nuestro país por montajes de obras clásicas y conocidas, ya sean antiguas o contemporáneas, así como de dramaturgos tanto de dentro como de fuera de nuestras fronteras. Galán señala cinco causas que conducen a este hecho, protagonizadas cada una de ellas por sus respectivos “culpables”: los actores, los directores de escena, los productores, los medios de comunicación y las Administraciones públicas.

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e quién es la responsabilidad de que los autores españoles actuales apenas estrenen o lo hagan, por lo general, con dificultad o en peores condiciones que los autores extranjeros, los clásicos españoles o los clásicos contemporáneos? Aunque tal vez, sobre la pregunta. Tal vez, los profesionales de las artes escénicas –coincidentes en muchos casos con los profesionales del audiovisual (cine y series de ficción de TV)– no ven necesario promover una cultura teatral propia y actual. Frente al cine, frente a la televisión, estamos promocionando una cultura foránea o antigua (clásica, si el término resulta más ponderativo). Si hacemos “Hamlet” o “El alcalde de Zalamea”, por citar dos títulos emblemáticos, no hay director de escena que no insista en la “modernidad” y “actualidad” de los textos clásicos. “Justificatio non petita, acusatio manifesta”, que decían los latinos. Si hacemos clásicos es porque los clásicos nos gustan, nos entretienen, nos emocionan, nos distraen y, sobre todo, nos hacen sentir personas cultas. Y quienes asisten como espectadores también quieren sentirse cultos. Y quienes los programan –me refiero, fundamentalmente, a los recintos públicos– tienen la obligación de defender y promocionar nuestro patrimonio cultural. Y hacen bien en programarlo. Pero el problema no reside en una falsa dialéctica entre el teatro clásico y el actual, sino en la necesidad de promover el teatro de hoy como una manifestación del sentir contemporáneo y como una forma de captar espectadores deseosos de ver en el escenario los conflictos cotidianos y humanos del presente con planteamientos y sentimientos de hoy. ¿Se quiere privar al espectador de la posibilidad de verse reflejado en el escenario tal y como hoy vive? No lo creo. ¿Se quiere, frente al cine, convertir al teatro en una forma de expresión artística arqueológica y emparentarla con la ópera o la Zarzuela, en donde apenas se concibe la posibilidad de la nueva creación? Tampoco lo creo. Sin embargo, miremos las carteleras de Madrid (exceptuando las salas alternativas), las de Barcelona y las programaciones anuales de la mayoría de los teatros públicos del país. ¿Qué se programa más: textos “antiguos” o textos de hoy? ¿Qué se produce más:

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textos actuales o textos de otras épocas? Y soy el primero que está produciendo teatro clásico. Así que la crítica es autocrítica. Si somos mayoría los que creemos que el teatro, como la novela y el cine, debe reflejar nuestro tiempo con un texto de hoy, con actores de hoy y con puestas en escenas contemporáneas, modernas, ¿por qué no somos capaces de invertir la situación? No digo que dejemos de producir lo “clásico”, sino que invirtamos las proporciones. ¿Qué razones nos impiden dar este vuelco y evitar que el teatro camine peligrosamente hacia la arqueología? Daré mis razones abiertas al debate. En primer lugar, por la inseguridad de los actores. ¿Qué actor conocido prefiere interpretar un personaje (por maravilloso que pudiera ser) de un autor español de hoy que un Hamlet, o una Bernarda Alba, o un Pedro Crespo, o una Laurencia, o un Don Juan Tenorio, o una Julieta, un Rey Lear…? La seguridad que transmiten estos textos y estos personajes les anima más a comprometerse con este tipo de teatro. Sobre todo, los actores famosos, que son los que necesitan los autores españoles vivos para que sus obras puedan representarse en temporada en Madrid y en gira por toda España, porque tendrían la segura recepción del público y la segura contratación de la obra por el programador. Pero los actores de prestigio y éxito, en su mayoría, NO son actores comprometidos con el teatro de hoy. Hay excelentes excepciones. Y perdonen los que se sientan ofendidos. En segundo lugar, porque los grandes directores se sienten más a gusto dirigiendo un texto conocido, reconocido, que aventurándose por las difíciles sendas de un texto original y nuevo. Mayor riesgo, mayor aventura… En tercer lugar, porque los productores temen el descalabro económico. Un temor que se produce de la suma de varios factores: por un lado, los textos “conocidos” suelen tener subvención asegurada para la producción por parte de las comunidades autónomas, y, por otro lado, suelen tener garantizada una entrada en redes con mayor facilidad que los textos actuales. Sobre todo, como decía antes, porque es más fácil contratar actores conocidos con un texto clásico que con uno desconocido

de un autor de hoy. Y, en tercer lugar, porque estos textos garantizan, además de la gira, una taquilla segura en Madrid o en Barcelona, no de grandes temporadas, sino de temporadas medias, pero suficientes. En cuarto lugar, porque los medios de comunicación se despreocupan por completo del autor de hoy. Cuando se estrena a Shakespeare, se habla del autor. Cuando se estrena a un autor de hoy, salvo excepciones, el autor no existe, literalmente no se cita su nombre. Si hay actores conocidos, todas las entrevistas de prensa, radio y televisión son para los actores, como si el texto hubiera sido escrito en otra galaxia. Y con esta falta de apoyo, es difícil que actores, directores, productores y programadores, confíen en el autor de hoy. Si los medios de comunicación ignoran al autor español vivo, ¿cómo van a interesarse los profesionales del teatro por el autor español? ¿Cómo va a generarse interés en el público? Y en quinto lugar, las administraciones públicas han renunciado, en general y con sus excepciones, a promocionar con sus presupuestos –es el verdadero apoyo– la producción y exhibición de obras de autores españoles de hoy. Y el CDN actual no cree en el autor español, aunque a veces lo programe. Se dirá, como he oído a menudo desde que era niño, que no hay autores, que escriben mal… Pero los mismos que triunfan en cine y en televisión con excelentes guiones también escriben teatro. Y otros muchos, que no escriben cine y televisión, también escriben excelentes obras teatrales. Y, además, todos sabemos que los grandes éxitos de taquilla, las obras que permanecen más de una temporada en un teatro de Madrid o de Barcelona son, por lo general, de autores españoles vivos. Y cito, a modo de ejemplo, a Galcerán con su “Método Gronholm”, el gran éxito de taquilla de la primera década de este milenio.

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Polzet

el mundo del espectáculo teatral multidisciplinar

El proyecto con el que la compañía Pa Sucat celebra su XXV aniversario

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a Mostra de Igualada (Barcelona) albergará el 9 de abril una nueva representación “Polzet”, una adaptación del “Pulgarcito” de Perrault, que constituye el proyecto más ambicioso de los 25 años de historia de la compañía Pa Sucat, originaria de Valls (Tarragona). Se trata de un espectáculo marcadamente contemporáneo y de gran formato, que combina diversas técnicas y expresiones narrativas –actores, sombras chinas, proyecciones audiovisuales, actores y títeres–, y que otorga a la música, interpretada en directo por la Barcelona Modern Project, un destacado protagonismo. Este espectáculo de una hora de duración, dirigido al público familiar y con guión y dirección de Lluís Graells, cuenta con tres actores y manipuladores de títeres y con cuatro músicos acompañados de un director en escena. Para octubre y noviembre está previsto que Pa Sucat y la Barcelona Modern Project ofrezcan varias funciones de este montaje en el Teatre Nacional de Catalunya, en Barcelona.

Pin-c-la-2

Las marcas que imprimen las relaciones según la compañía Maintomano

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Foto: Víctor Arias.

in-c-la-2” es un espectáculo para todos los públicos donde los portes acrobáticos, el teatro físico y las vídeo proyecciones nos van pincelando una relación con poesía y humor. A través de la fusión de movimientos e imágenes nos habla del encuentro de la ineludible sinceridad de los actos, de una lucha para mantener el equilibrio, y de las marcas que dejan las relaciones. El próximo 28 de mayo Marcos Rivas Farpón y Morgane Jaudou, integrantes de la compañía Maintomano, afincada en la localidad leonesa de Ponferrada, e intérpretes de “Pin-c-la-2”, ofrecerán este montaje en Rivas Vaciamadrid (Madrid), y en la Escuela de Circo Carampa, situada en la madrileña Casa de Campo. Esta pieza de 35 minutos de duración, diseñada para salas pero de fácil adaptación a espacios exteriores, cuenta además con la música compuesta por Borja Fernández Farpón. Más información en la edición digital

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el mundo del espectáculo teatral danza

Cambio de tercio

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Rojas y Rodríguez celebran el XV aniversario de su compañía

pesar de su juventud, Rojas y Rodríguez ya han alcanzado sus primeros tres lustros con su compañía, el Nuevo Ballet Español, aniversario que celebrarán del 1 al 29 de mayo con las representaciones de su espectáculo “Cambio de tercio” en el teatro de La Latina de Madrid, en lo que supone su regreso a la capital después de triunfar con este mismo montaje en febrero de 2010. Ambos artistas protagonizan esta obra junto a cuatro bailarinas y un elenco de seis músicos también integrados en escena. El espectáculo consta de diez cuadros escénicos de diferente duración en los que el hilo conductor es el concepto de cambio. Se presenta la figura del bailarín como materia que se transforma y se viste para cada baile y para cada pieza. En “Cambio de tercio” se despliegan cantiñas, sevillanas, fandangos, rumbas, bamberas, bulerías, tanquillos y seguidillas. A nivel coreográfico no faltarán los habituales solos, dúos y números de grupo característicos en las producciones de Rojas y Rodríguez y su Nuevo Ballet Español, de cuya distribución se encarga Pentación.

Solo y amargo Por primera vez en su carrera Rafael Amargo se enfrenta al público en solitario

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olo, sin la presencia de ningún otro bailarín sobre el escenario, tan solo acompañado por una exquisita selección de músicos, afronta Rafael Amargo su nuevo espectáculo, al que ha bautizado como “Solo y amargo”. El teatro Arteria Paral·lel acogerá este montaje del 24 de abril al 8 de mayo, en lo que supondrá el pistoletazo de salida de una gira por todo el país que le llevará a Marbella el 3 de mayo y a Gijón el día 9 del mismo mes. “Solo y amargo” comienza con un escenario casi preparado para empezar la función. Desde entre bambalinas, deambulando entre instrumentos y atrezo, llega el bailarín en un paseo nostálgico y melancólico. A partir de ahí todo se pone en marcha. Los músicos empiezan a tocar y Amargo a bailar: la ensoñación se convierte en realidad, en danza, en pasión, en flamenco. Con un nuevo vestuario para la ocasión, en el que ha colaborado Josep Abril, y con el maestro Juan Parrilla en la dirección musical y a la flauta, arropado por cajón, violonchelo electrónico, guitarra, acordeón, piano y dos cantaores, Rafael Amargo se enfrenta al público en solitario en esta producción de Elsinor.

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Karga

el mundo del espectáculo teatral danza

Cinco bailarines de cara a sus miedos en esta pieza de Chevi Muraday

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hevi Muraday busca con “Karga” –que en turco quiere decir “cuervo”– una nueva vía de acceso hacia la comunicación a través del movimiento. Cinco bailarines ante un espacio limpio, exento de elementos escenográficos que puedan servir de protección, experimentan con sus propios miedos. Después de haberlos alimentado en el tiempo, los intérpretes se dirigen de frente a sus temores, buscando una reconciliación. Para este montaje, que se podrá disfrutar del 7 al 10 de abril en la sala Mirador de Madrid, el coreógrafo galardonado con el Premio Nacional de Danza en 2006 y su compañía, Losdedae, han contado, entre otras, con la música del chelista Hildur Guônadóttir, y con el espacio sonoro de su ya habitual colaborador Ricardo Miluy. Danza y música construyen en este montaje el ambiente idóneo para la captación de los más profundos secretos que pocas veces salen o dejamos escapar. Más información en la edición digital

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el mundo del espectáculo teatral circo y magia

El circo de la fantasía Un original pasacalles en el que la imaginación cobra forma

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irco y teatro de calle se dan la mano en “El circo de la fantasía”, un espectacular pasacalles que transporta a los espectadores a un universo que solo existe en el territorio de la imaginación. Personajes fantásticos volando con globos, acrobacias imposibles sobre zancos, acróbatas aéreos, contorsionistas, malabaristas, equilibristas... Hasta cuarenta artistas, que sumergen al público en un mundo mágico en el que la alegría y la fantasía adquieren vida propia. Aerial Acrobatics Performance, empresa productora de este espectáculo, ofrece una amplia variedad de opciones para adaptarse a las necesidades y presupuestos de cada localidad o evento. Así, entre los distintos elementos de este pasacalles, que se pueden contratar por separado o de manera conjunta, hay globos gigantes de helio con acróbatas, un espectáculo aéreo de 20 minutos de duración, estructuras con ruedas y aros, o zancudos, acróbatas, equilibristas, malabaristas, etc. para desfiles.

Monólogos y/o magiólogos Humor e ilusionismo se combinan en este nuevo espectáculo del mago Xema

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l mago, humorista y actor leridano Xema presentó en la ciudad de Valencia, durante el transcurso de las fiestas de Las Fallas, su nuevo espectáculo, titulado “Monólogos y/o magiólogos”, basado en una combinación de ilusionismo con el humor más actual, pero en el que da más relevancia a los monólogos. Durante su más de una hora de duración, Xema se presenta en solitario, acompañado únicamente por el atrezo de los juegos de magia, y arropado por los efectos de luz y sonido creados para la ocasión. Además, en este montaje el público cuenta como un factor determinante, ya que incluso participa, ya sea desde sus propias butacas o saliendo al escenario para convertirse en asistentes improvisados del mago. En el apartado humorístico, Xema bromea sobre las nuevas tecnologías como son la telefonía móvil, los ordenadores, las tabletas digitales y todo lo relacionado con las redes sociales. También hace un divertido repaso a diversos temas de actualidad como pueden ser el culto al cuerpo o los problemas de comunicación que surgen entre las personas. Lo que

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Xema junto a Pepita Ruestes, presentadora de “Atic”, programa de televisión de La Mañana / Canal Catalá TV en el que el mago colabora periódicamente. Xema ha decidido eliminar de su repertorio es cualquier referencia a la política, ya que ha observado que estos temas ya no obtienen una respuesta tan efusiva como ocurría antaño. Por otro lado, en la actualidad Xema colabora periódicamente con el programa de televisión “Atic”, que emite La Mañana / Canal Catalá TV. En él da vida al portero del edificio en el que se desarrolla el espacio, a quien le gusta escuchar detrás de las puertas y buscarse la vida en sus ratos libres con increíbles juegos de magia.

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el mundo del espectáculo teatral infantil

La dama boba

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Pie Izquierdo clausuró las Jornadas de Teatro del Siglo de Oro de Almería

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a compañía Pie Izquierdo trabaja actualmente en una nueva coproducción con el festival Olmedo Clásico que seguirá la misma línea de trabajo que estableció con “La dama boba”, es decir, la adaptación para el público infantil y familiar de un clásico del Siglo de Oro español. En esta ocasión preparan la versión de uno de los autos sacramentales de Calderón de la Barca. Por su parte, su adaptación en verso para niños a partir de cinco años de “La dama boba”, de Lope de Vega, clausuró las Jornadas de Teatro del Siglo de Oro de Almería el pasado 27 de marzo –coincidiendo con el Día Internacional del Teatro– en el Auditorio de Roquetas de Mar. Esther Pérez Arribas es la responsable de la versión y de la dirección de “La dama boba”, obra en la que el maestro Rufino introduce a los niños en el mundo del siglo XVII y les allana el camino para que entiendan el conflicto de la obra: Octavio ha decidido casar a su hija Finea con Liseo, pero él está enamorado de Nise, y ella de él. Finea es muy “boba”, pero al enamorarse de Laurencio encuentra la

motivación para aprender. A partir de ahí lucha por cambiar la decisión de su padre, lo que provoca situaciones muy divertidas que son recreadas a través de las acciones

de los personajes, las coreografías, las canciones y, por supuesto, los esplendidos versos de Lope. Más información en la edición digital

Los colores del tic-tac

Se verá en la Mostra de Igualada en abril y en la sala Tantarantana en mayo

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racias a su espectáculo “Los colores del tic-tac”, la compañía catalana NS Danza acaba de ver cumplidos dos objetivos que la compañía perseguía desde hace tiempo. Por un lado, el montaje ha logrado ser programado en una feria de artes escénicas, en concreto en la Mostra de Igualada (Barcelona), dedicada al público infantil y juvenil, donde se podrá ver el próximo 10 de abril en el espacio Divi Pastor. Por otro, esta producción que combina danza contemporánea y teatro gestual estará programado en un teatro de Barcelona durante el mes de mayo, ya que la sala Tantarantana la albergará, tanto en campaña escolar como durante el fin de semana, entre los días 7 y 22. La coreógrafa Nuria Serra encabeza este proyecto de Bianchini Producciones en el que tres amigos recurren a los juegos de siempre y a la imaginación cuando, durante una fiesta de cumpleaños, una fuerte tormenta les deja sin corriente eléctrica y, por tanto, sin acceso a Internet y otras tecnologías. En palabras de la propia Nuria Serra, “en 2011 la compañía NS Danza está recogiendo los frutos del trabajo que lleva realizando en los escenarios nacionales desde el 2006. Ahora empieza a hacerse un hueco y a abrirse camino entre las compañías de danza catalanas y estatales en lo que se refiere a infantiles. Además, no descarto realizar una producción para público adulto en un futuro cercano”.

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el mundo del espectáculo teatral infantil

“Un planeta perfecto, ¿o no?” Un musical dirigido a concienciar a los niños sobre los problemas medioambientales

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os habitantes del planeta Perfecto no pueden estar más contentos, ya que han conseguido respetar al máximo el medio ambiente: han eliminado las máquinas que emiten gases contaminantes, han respetado el equilibrio entre las diferentes especies, y han llevado a cabo otras muchas sencillas acciones que pueden hacer de cualquier lugar un sitio ecológico y feliz. Sin embargo, dos malvados robots que se salvaron de la reparación de las máquinas, Microchip e Interestelar, pretenden dominar el mundo con un ejército de mil robots tan contaminantes como ellos. Pero para funcionar necesitan petróleo, del cuál no queda ni una gota en el planeta Perfecto. Por eso, para conseguirlo, intentarán embaucar a los espectadores del teatro, aunque dos perfectitianos bondadosos, Vulcánica y Sapus, harán todo lo posible para impedírselo. “Un planeta perfecto, ¿o no?” es un espectáculo musical y pedagógico de teatro infantil sobre Ecología y Biodiversidad, cuyo mensaje principal incide en la toma de conciencia ante los problemas medioambientales que existen en muchas partes del mundo y las consecuencias que estos traen consigo. Ferro Teatro produce este didáctico montaje de una hora de duración que distribuye Islas Canarias Producciones & Management.

Chouz

Los zapatos cobran un nuevo significado en esta pieza de Nathalie Cornille

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or primera vez en Cataluña, el Mercat de les Flors de Barcelona ofrecerá del 12 al 17 de abril “Chouz”, una pieza de danza con objetos para niños a partir de 2 años que la formación francesa Cie. Nathalie Cornille estrenó en el festival Teatralia en 2009. “Chouz”, que significa “zapatos”, se centra en estos objetos para darles vida y voz, historia y temperamento. ¿El zapato es sólo un objeto? ¿Un objeto útil que protege del frío? El pie de Cenicienta contestaría que un zapato ha cambiado su historia. Hoy en día han adoptado todas las formas, todas las texturas, todos los colores para convertirse en algo más que en una mera necesidad. La propia Nathalie Cornille ha ideado y coreografiado este espectáculo que ella misma dirige e interpreta, y en el que la ópera flirtea con el jazz. La atmósfera la

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define una escenografía compuestas por cajas y luces, y por el blanco y el negro. Se trata de un espectáculo ideal para salas de cualquier tamaño y para todo tipo de públicos, desde la talla 17 a la 47... Más información en la edición digital

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el mundo del espectáculo teatral infantil

El truco de Olej

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Martín López, el fundador de la compañía uruguaya Bosquimanos Koryak, crea una empresa paralela en nuestro país, Pam Pinak

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l truco de Olej”, de la compañía uruguaya Bosquimanos Koryak, fue uno de los espectáculos de teatro negro y marionetas más sorprendentes de los que se estrenaron en España en 2009. Su presentación en agosto de aquel año en el teatro Bellas Artes de Madrid no pasó desapercibida y de ahí surgieron dos giras por nuestro país que recorrieron un gran número de poblaciones el pasado año, primero en enero y febrero y nuevamente a final de 2010, entre noviembre y diciembre. En total setenta y cinco poblaciones, como Zaragoza, Santander, Málaga o Vigo. El éxito del espectáculo ha decidido a su fundador, Martín López Romanelli, ha establecer una segunda compañía en España, Pam Pinak, con la que seguir ofreciendo “El truco de Olej” por nuestros escenarios, después del reestreno que tuvo lugar el 20 de marzo en Móstoles. Entre los últimos días de marzo y los primeros de abril la compañía ha estado en Arrigorriaga, Pamplona y Tres Cantos y tiene fechas confirmadas en el teatro Campos Elíseos de Bilbao en Semana Santa. “El truco de Olej” es un espectáculo de marionetas de teatro negro, en el que un barrendero quiere ser mago, objetivo para el que encuentra múltiples dificultades. Aunque el punto de partida parece convertirlo en espectáculo infantil, lo cierto es que “El truco de Olej” abrió los conciertos de la banda uruguaya de ska La Vela Puerca en el Luna Park bonaerense. Y recientemente el coreógrafo y bailarín Julio Bocca, que ha sido nombrado director del Ballet Nacional del Sodre, la compañía nacional de danza de Uruguay, ha contado con Bosquimanos Koryak para hacer un “Cascanueces”, de Tchaikovski, que incluye el uso de marionetas.

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eventos Alcons Audio En el musical “Soldado de Orange” Robe Lighting Proyector Digital Spot 7000 DT en “Forever King of Pop”

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equipamiento

el mundo del espectáculo teatral eventos

Alcons

Sistema “surround” para el musical “Soldado de Orange” en Holanda

Los arrays con sistemas Alcons LR14 se distribuyen en el perímetro del hangar en el que se representa el espectáculo.

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eroen ten Brinke es uno de los más reputados ingenieros de sonido en Holanda. Ha trabajado en los últimos años en las producciones de espectáculos como “Los Miserables” o “La Bella y la bestia”, pero su último proyecto ha supuesto todo un reto, dado que ha tenido que moverse por terrenos totalmente desconocidos en el diseño sonoro. El musical “Soldado de Orange”, basado en el libro de Erik Hazelhoff Roelfsema y en la película del mismo título, ha sido visto ya por más de 200.000 espectadores en Holanda. Cuenta la historia de un grupo de estudiantes holandeses durante la Segunda Guerra Mundial, cada uno de los cuales sigue un camino diferente, ya sea como colaborador o como parte de la resistencia en los tiempos de la ocupación nazi. Actualmente el espectáculo se representa en el hangar de un antiguo aeródromo militar de Valkenburg, cerca de la ciudad de Leiden. No solo es peculiar el espacio elegido, sino el diseño de toda la producción, puesto que el escenario rodea todo el recinto y las gradas con los asientos para el público se sitúan en el centro del hangar sobre una plataforma giratoria de unos treinta metros de diámetro que se mueve para seguir la acción que va ocurriendo en el perímetro, el cual está dividido en diferentes secciones, con sus respectivos decorados, y cuenta además con una pantalla de proyección de 180º. Los actores pueden caminar de un decorado a otro mientras la grada y sus 1.100 espectadores les siguen para no perderse nada. Hasta ahora en Holanda no se había visto una producción con esta complejidad técnica, el propio Jeroen afirma que “era un proyecto en el que no podía seguirse el manual, porque no hay ningún manual para esto. Un sistema de sonido ‘surround’

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Los responsables del sonido en “Soldado de Orange” (de izda. a dcha) Chiel Blaauw, Jeroen ten Brinke y Jos Diergaarde, en el puesto de control de esta peculiar producción “giratoria”.

era esencial y mi primera idea fue colocar todos los recintos acústicos sobre la plataforma giratoria. Sin embargo, debido al peso y la velocidad a la que se movía la plataforma, no fue factible”. La solución fue un sistema de sonido envolvente alimentado por un cable de fibra óptica enrollado sobre un tambor especial que gira hasta 7.000º para evitar la posibilidad de rotura. El suministro y la instalación del equipo fueron realizados por la compañía amsterdamesa Focus Advanced Event Technologies. Como sistema de proceso y distribución de audio se eligió el D-Mitri de Meyer Sound y como mesa de mezclas en F.O.H. una LCS CueConsole, la única que podía soportar la cantidad de entradas y salidas necesarias. En total se han instalado alrededor del hangar catorce arrays, cada uno con seis recintos Alcons LR14 pro-ribbon, apoyados por sus respectivos recintos de subgraves, además de cajas adicionales de relleno

y retardo. Los LR14 son gobernados por treinta controladores amplificados ALC4. Una matriz de 144 x 144 enruta el audio proveniente de los actores y la banda de músicos (que está oculta) hacia el sistema de sonido principal y a otros tres arrays de retardo, cada uno de ellos con otras tres unidades LR14. Cada escena emplea una configuración L-C-R y, a su vez, todo el sistema está configurado de tal manera que a medida que la plataforma de la grada se mueve, el array que estaba a la derecha en la escena previa se convierte en el array izquierdo de la siguiente. “Elegí los sistemas LR14 -comenta Jeroen- por su calidad de sonido y su respuesta lineal. Cuando movemos el sonido de unos arrays a otros hay una transición muy suave. Podría esperarse un comportamiento de fase mucho más drástico mientras se mueve la plataforma con el público, pero finalmente el sonido es extremadamente estable”. www.elespectaculoteatral.es

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equipamiento

el mundo del espectáculo teatral eventos y novedades

DTS Illuminazione Robe Proyector Digital Spot 7000 DT en el espectáculo “Forever King of Pop”

Instala sistemas W-DMX en varios de sus modelos

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n proyector Digital Spot 7000 DT, de la marca checa Robe Lighting, cuyos productos son distribuidos en España por Lexon, es uno de los principales elementos del diseño lumínico en el espectáculo musical “Forever King of Pop”, que viene recorriendo el país en gira desde el año pasado. Producido por Summum Music, el espectáculo es un homenaje a Michael Jackson que repasa los mejores éxitos de toda su carrera y hace revivir a los espectadores momentos importantes de la vida del artista. En total, son interpretados y bailados treinta temas por cuarenta artistas en escena. El diseño de iluminación corre a cargo de Ángel Gutiérrez Redondo, quien cuenta con una amplia experiencia, habiendo trabajado para artistas como Víctor Manuel y Ana Belén, Rosana, Rosario, Lolita o Alejandro Sanz, entre otros muchos. En esta ocasión, ha querido incorporar en su diseño la unidad Digital Spot 7000 DT de Robe para realizar algunos de los efectos más espectaculares que pueden verse sobre el escenario. El Digital Spot 7000 DT es un proyector móvil digital basado en tecnología LCD y LED. Esta combinación única de proyector digital y dos potentes módulos RGBW LED ofrece sorprendentes efectos gobo y la proyección de colores altamente saturados. Es capaz de emitir 6.500 lumens ANSI con una única lámpara de proyección de 330 W y consigue una sorprendente relación de contraste de 2.000:1. Cada uno de los dos módulos LED disponen de 49 LED’s RGBW Luxeon Rebel.

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Proyector Nick Wash 600.

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l fabricante italiano DTS Illuminazione ha instalado sistemas W-DMX™ de Proyector Delta 10 R. la firma sueca Wireless SolutionSweden AB, en sus nuevos modelos de focos: el Nick Wash 600 y los cambios de color Delta 10. El Nick Wash 600 es un foco compacto de cabeza móvil con un zoom motorizado de 13º-40º. Se trata de uno de los proyectores LED más potentes del mercado, ya que es capaz de ofrecer 9.750 lúmenes. Por su parte, el Delta 10 F RGBW es un nuevo cambio de color, también basado en lámparas LED, con un alto nivel de protección (IP65), lo que lo hace ideal para su uso en interiores y exteriores, y con una potencia lumínica de 7.000 Lux a cinco metros. Por último, otro de los modelos de cambios de color recientemente lanzados por DTS es el Delta 10 R ZOOM FAR. Su fuente lumínica se compone de 250 LED’s (60 rojos, 60 verdes, 60 azules y 60 blancos), que ofrecen una potencia total de 19.500 lúmenes y 5.000 lux a cinco metros (15º). Los sistemas de control inalámbricos W-DMX se incorporan por defecto en los modelos de la gama Delta y opcionalmente en el Nick Wash 600. Wireless Solution Sweden es el líder mundial en el desarrollo y la fabricación de sistemas de control de iluminación inalámbricos. Ha vendido alrededor de 55.000 de sus unidades en todo el mundo y cuenta con más de treinta y cinco clientes como fabricante OEM.

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la técnica, instrucciones de uso

¿Para cuándo dice que lo quiere? Eso dice el letrero colgado en la pared. El cliente que aguarda impaciente tras el mostrador ya sabe a qué atenerse: los monigotes muertos de risa que rodean la frase del rótulo no dejan lugar a duda alguna.

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a manera en la que percibimos el tiempo es muy distinta según las circunstancias. A quien le hemos encargado el trabajo dice que cunde poco y pasa muy deprisa. Al otro lado del mostrador, el que espera el resultado afirma todo lo contrario: que va muy lento. En el mundo del trabajo el tiempo puede ser considerado una especie de materia prima. Lo necesitamos para realizar nuestras tareas. Sabemos que tiene un precio e incluso hay quien dice que es oro. Sin embargo a menudo tenemos la impresión de que no somos del todo propietarios del tiempo disponible. Se escurre entre nuestros dedos sin que podamos hacer nada para retenerlo. Es una materia prima costosa que se agota rápidamente y que no podemos almacenar, comprar o reponer. A menudo nos encontramos en la situación del conejo en Alicia en el País de las Maravillas: -¡Llego tarde, llego tarde, llego tarde…! Exclama mientras corre de un lado a otro mirando el reloj. ¿Qué podemos hacer cuando el tiempo del que disponemos parece que no es suficiente para efectuar los trabajos que nos hemos propuesto o nos han encomendado y nos da la impresión de llegar siempre tarde? La primera pregunta que debemos plantearnos es si el volumen de las tareas que nos proponemos afrontar es razonablemente asumible. El principio de ergonomía nos obliga a adaptar el trabajo a la persona y no la persona al trabajo. Nada podrá hacerse si nos proponemos retos laborales que sobrepasan las capacidades de cualquier individuo. En ese caso, la única solución posible es disminuir la carga de trabajo. Una vez ajustada ésta, debemos optimizar el tiempo. Buscar la mejor manera de emplearlo, de distribuirlo y de sacarle partido. Pero no parece una empresa fácil ya que nadie nos ha enseñado a hacerlo. Para el común de los humanos, es una tarea compleja directamente relacionada con la productividad, es decir, con la cantidad de trabajo producido por unidad de tiempo. Más resultados en menor tiempo comportarán mayor rendimiento económico o recompensa en forma de más tiempo libre.

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Sin embargo, hay trabajos como el del espectáculo en vivo en los que el tiempo parece obedecer a otras reglas. Se debe al hecho de que en las tareas del escenario trabajamos siempre contra una “dead line”, una fecha y hora de entrega inexorable: el momento en el que hay que levantar el telón. El tiempo corre y debemos alcanzar nuestros objetivos a cualquier precio. Retrasar un estreno o suspender un “bolo” son auténticas catástrofes frecuentemente vinculadas a una deficiente gestión del tiempo. Como consecuencia, experimentamos a diario en nuestra vida profesional, un extraño mecanismo mediante el cual acabaremos efectuando la función cualesquiera que sean las circunstancias. “Siempre se estrena” dicen los viejos del lugar. Así pues, levantaremos el telón con independencia del tiempo que hayamos tenido para preparar el espectáculo. Se cumple uno de los enunciados de la denominada Ley de Parkinson que dice: “el tiempo invertido en un trabajo varía en función del tiempo disponible”. También sabemos que, sea cual sea la previsión, estaremos trabajando muy ocupados hasta el mismo momento de levantar el telón. Nunca sobrará tiempo. Se verifica inexorablemente un segundo enunciado de la citada regla: “todo trabajo se dilata indefinidamente hasta ocupar la totalidad del tiempo disponible para su completa realización”. Esta ley, con diversas formulaciones y corolarios tiene aplicaciones en campos como la economía o la informática. Fue enunciada en la primera mitad del siglo XX por C. L. Parkinson a raíz de unos estudios realizados sobre la organización de la marina británica. La clave de su razonamiento consiste en negar la relación que existe entre una tarea y el tiempo que debemos destinar a su realización. A cualquier gestor de proyectos se le ponen los pelos de punta sólo con pensar que eso pueda ser así. La organización de un proyecto se asienta en el desglose de los trabajos a realizar y la asignación de recursos a cada una de las tareas resultantes, entre ellos el tiempo y el personal. Pero en el espectáculo hemos desarrollado una especie de estrategia que nos permite llegar siempre a tiempo -aunque normalmente corriendo-, que nos convierte en ejemplos vivientes de esa

falta de relación apriorística entre tiempo y tarea. Como consecuencia, acabamos aceptando una idea muy perniciosa: si siempre llegamos, ¿para qué planificarnos? Aceptamos como normal la falta de planificación y la excusamos debido a la relación con lo artístico o por la eventualidad de los imprevistos. En nuestro trabajo los imprevistos como sinónimo de fatalidad no existen. Son únicamente lo que su nombre indica: el resultado de la falta de previsión y la ausencia de planificación. Los responsables de la organización de un espectáculo deben ser capaces de efectuar una adecuada planificación en el tiempo. Sabemos que no es fácil y que en ausencia de tareas idénticamente repetidas (incluso para un espectáculo en gira), la estimación de tiempos es una actividad que requiere gran experiencia. La buena gestión del tiempo, tanto la propia y la de los demás, no pasa por obligarnos a correr contra el reloj. Una adecuada planificación del tiempo ha de ser respetuosa con las personas. Lo contrario llevará al estrés sostenido, a la ansiedad o al accidente por prisas. Trabajar bien implica gestionar bien el tiempo. La situación de nuestro amigo el Conejo, asustado y estresado no parece tener buen pronóstico: - ¡La Duquesa! ¡Cómo se va a poner la Duquesa si la hago esperar! Estoy tan seguro de que me hará ejecutar como de que los grillos son grillos! En el espectáculo en vivo, dado que no podemos postergar la función, la planificación a la baja del tiempo o del personal, ya sea por error, impericia o interés, sólo nos deja una válvula de escape: la calidad. Quizá en ese caso el público no acabe ejecutándonos, pero al fin y al cabo, ofrecer malos productos, ¿no es ponerse la soga al cuello? Jordi Planas Puedes dejar tu opinión acerca de este artículo y de cualquier otro de nuestros colaboradores en nuestra web.

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formación Curso intensivo de Clown Profesor: Ignacio Maffi, director, autor, actor, clown y fundador de Los Hilarantes. Fechas y horarios: Sábado 7 de mayo de 10:30 a 14:00 y de 15:30 a 19:00. Domingo 8 de mayo de 13:00 a 15:00 y de 16.30 a 18:30. Lugar: Nave 202. c/Ronda de Toledo 16, 2ª planta 202 (Madrid) Precio: 90 Euros

el mundo del espectáculo teatral

Curso intensivo de entrenamiento para actores profesionales Profesor: José Carlos Plaza, director de escena. Fechas y horarios: Curso I: del 6 al 16 de abril, de 10:00 a 15:00. Curso II: del 25 de abril al 7 de mayo, de 10:00 a 14:00. Lugar: AZarte. c/San MArcos, 19 (Madrid) Precio: 300 Euros

Taller de Memoria. Memorización de textos y acciones Profesor: Eduard Benito, licenciado en Ciencies de la Información por la UAB y en Dirección de Marqueting por Esade. Contenido: El curso facilita a los participantes las herramientas para adquirir una metodología práctica y efectiva para memorizar y fijar los textos y las acciones dramáticas de cualquier obra o proyecto actoral. Fechas y horarios: Del 29 de abril al 10 de junio. Viernes de 17:00 a 20:00. Duración total: 21 horas. Lugar: La Casona. c/Cáceres, 8 (Barcelona) Precio: 210 Euros

Maquillaje teatral Profesora: Montserrat Tolosa. Maquilladora del Gran Teatre del Liceu, profesora del Institut del Teatre de Barcelona y del Curso Integral de Formación del Actor de La Casona. Contenido: Tipos de maquillaje (graso, seco y fluido); maquillaje de teatro (estructuración del rostro); maquillaje de una mujer y de un hombre; envejecimiento de teatro; fantasía con volúmenes; heridas y golpes, etc. Fechas y horarios: 8, 9 y 10 de abril. Viernes de 18:00 a 21:00, sábado de 10:00 a 14:00 y de 16:00 a 20:00, domingo de 10:00 a 14:00. Duración total: 15 horas. Lugar: La Casona. c/Cáceres, 8 (Barcelona) Precio: 180 Euros

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Cursos de primavera del Taller de Teatro Asura El taller Teatro de Asura ha abierto la convocatoria de plazas para su amplia oferta de cursos de primavera, entre los que se incluyen: Técnicas de Clown (profesor: Pablo Pundik); Teatro en movimiento (profesora: Raquel Racionero); Taller de teatro: interpretación (profesores: Pablo Pundik y Borja Cortés); Percusión y Ritmo Musical (profesor: Ramiro M. Tersse “Ramiroquai”), Improvisación teatral (profesor: Pablo Pundik); El payaso en el hospital y el trabajo social (profesora: Verónica Macedo) y Match de improvisación (profesores: Pablo Pundik y Borja Cortés). Lugar: Taller de Teatro Asura. c/Abel, 1 (Madrid)

Curso de clown “Performance Dinamics” Profesor: Johnny Melville Contenido: Proyectado tanto para profesionales como para amateurs, el taller trabajará el mimo, la acrobacia y la improvisación con técnicas de Aikido, Tai Chi o “el movimiento del chimpancé” como entrenamiento de relajación y disciplina del cuerpo, para llegar a la agilidad del actor; así como diversos juegos y ejercicios teatrales. Fechas: 29 de abril al 1 de mayo. Lugar: XVI Festival Internacional de Arrigorriaga de Clowns y Payas@s (Bizkaia) Precio: 120 Euros

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la última

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Menos furor y más rigor

Un tema recurrente en los últimos tiempos es el de la relación entre lo público y lo privado en Cultura. A mediados del mes de marzo, GECA, la asociación de gestores culturales de Andalucía, convocó un foro titulado “Administración pública y sector privado, ante un nuevo paradigma de la gestión cultural”. En la apertura del encuentro intervinieron Javier Romero, gestor público de Getafe, y nuestro colaborador, Robert Muro, que retoma el tema para nuestros lectores.

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esde hace unos años viene ocupando no poco espacio, entusiasmo y tiempo en los debates culturales la cuestión de la relación entre lo público y lo privado. En parte debido a las reducciones en los presupuestos públicos en cultura, en parte debido a un cierto agotamiento del modelo de gestión pública funcionarial. En realidad, los debates son siempre “sobre la privatización”, sin más precisiones, lo que explica su escasa utilidad, cuando no su esterilidad. Dado que éste es uno de los aspectos estratégicos de cualquier política cultural, nos aproximamos aquí al tema con el afán de precisar sus contornos y eliminar las adherencias y prejuicios que lo suelen acompañar. De acotarlo, en definitiva. Porque la definición de un nuevo modelo de relación entre lo público y lo privado en nuestro país hay que abordarlo como una oportunidad de mejorar el servicio público cultural, de servir mejor a los ciudadanos. Y esta es una línea en la que los actores públicos y los privados deben por fuerza hacer coincidir sus intereses y sus prácticas. Lo primero que llama la atención es la simpleza terminológica y la debilidad conceptual –ambas a menudo interesadas– con las que se presenta una cuestión extraordinariamente compleja y llena de matices. Porque el mero hecho de englobarla bajo el epígrafe genérico de “privatización”, induce a pensar que se trata de poner la Cultura “en manos” de las empresas, así en su conjunto. Y no es cierto. Las relaciones entre lo público y lo privado en cultura atañen a temas como la transparencia, la democratización, la apertura a la sociedad, la participación, la financiación…, y la gestión, sí. Desgraciadamente en los debates suele tenderse insensiblemente a la simplificación y el reduccionismo, en el que coinciden, por cierto, muchos defensores de lo público y algunos empresarios. Sí, numerosos funcionarios y defensores de la cultura pública cargan sus ideas con argumentos apocalípticos sobre el fin de la cultura como servicio público en el caso de que el sector privado entre en la gestión pública. Y algunos pensadores desde la empresa privada, subrayan los defectos de la acción pública en cultura, empeñados en desplazarla de teatros y centros culturales que en su opinión deberían ser gestionados siempre por empresas.

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Bien, ¿de qué vamos a hablar, pues, aquí? Para centrar el debate, empecemos por enunciar aquello de lo que no vamos a hablar. No vamos a hablar de privatizar las líneas maestras de la cultura, la estrategia, es decir, las políticas culturales, cosa que la Constitución adjudica a los poderes públicos. Ello quiere decir que han de ser las instituciones, a cada nivel, las que han de definir los fines, objetivos, modelos y servicios ofrecidos por cada centro cultural, teatro o museo…Tampoco vamos a hablar de privatizar los espacios culturales o de vender su titularidad a empresas o intereses privados. Hablaremos en exclusiva, ni más ni menos, de gestión, de cómo organizar la gestión diaria de este servicio público que es la cultura. 1. La gestión atañe a la organización, la programación, el personal y todas las actividades relacionadas, desde la limpieza a la comunicación, por poner ejemplos. Y por lo tanto puede hablarse de ella globalmente o diferenciando sus numerosos componentes, cada uno de los cuales es susceptible de ser llevado a cabo por funcionarios o trabajadores contratados por una empresa. 2. Al igual que otros servicios considerados públicos, los culturales pueden ser gestionados tanto por la iniciativa privada como por la pública, indistintamente. Sin que “per se” ninguna de las opciones garantice el mejor funcionamiento del servicio. Cada realidad requiere una solución diferente. 3. La definición de los objetivos, los presupuestos, los públicos, los niveles de beneficio… y en definitiva la estrategia de los servicios públicos cultuales de que se trate en cada caso, recae en exclusiva en los responsables políticos. Por lo tanto ha de ser el ayuntamiento, gobierno autónomo o ministerio correspondientes quienes fijen las líneas maestras cuya gestión –parcial o total– vaya a ser encargada a empresas o instituciones privadas. 4. La elección de una u otra fórmula de gestión –pública o privada– ha de apoyarse en criterios de calidad en la gestión, de control público, de evaluación, de mejora de la satisfacción de los usuarios…, y de

desfuncionarizar y economizar, claro. Pero, el objetivo prioritario no debe ser en ningún caso la reducción de costes sino el mejor y más sostenible servicio al ciudadano. 5. La gestión privada de servicios públicos no es sinónimo de gestión por medio de empresas. En el campo de los servicios públicos tiene toda la lógica la participación de instituciones privadas sin ánimo de lucro vinculadas al sector. Ciertamente es imprescindible que el funcionamiento y la experiencia de esas asociaciones o fundaciones acrediten un nivel similar a cualquier otra empresa del sector privado. 6. Cada desplazamiento del funcionamiento de servicios públicos hacia instituciones privadas ha de hacerse con una transparencia exquisita, y por medio de contratos programa que obliguen al cumplimiento de los objetivos públicos fijados por las instituciones, y que establezcan las fórmulas de control y evaluación periódicas imprescindibles, así como los límites concretos de los beneficios. Actividades culturales claves, como la edición de libros o música, o la producción y comercialización de cine, son gestionadas hoy por empresas privadas. Otros servicios públicos como el transporte, la limpieza, las comunicaciones, la sanidad, la educación…, son escenarios de convivencia de modelos de gestión públicos, privados y mixtos. Y no pasa nada. Ahora bien, en su implantación se han cometido graves errores, entre otros descontrol, politización, falta de transparencia y ausencia de evaluación. Por eso en Cultura debemos empeñar todas nuestras fuerzas en evitar esos errores. En política cultural el miedo no es buen compañero ni menos aún guía para la acción. Las cosas ocurren porque alguien las hace, y ésta hay que hacerla. Busquemos garantías para hacerla bien. Robert Muro www.robertmuro.wordpress.com

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El Espétaculo Teatral nº61 abril 2011  

La revista de los profesionales de las Artes Escénicas El Espectáculo Teatral tiene como principal objetivo servir de vehículo informativo e...

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