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LIMINAL

ZONE

LIMINAL ZONE October 2011 ISSUE 1 FREE www.moya.com.auempiri.com. FREE

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LIMINAL

ZONE PRODUCER, EDITOR, ART DIRECTOR Moya Matthews PRINTING Printing services Liminal Zone ISSUE 1 Š2011 Authors, artists contributors and MOYA Productions. All rights reserved. Reproduction without permission is prohibited. ADVERTISING ENQUIRIES info@moya.com.au GENERAL ENQUIRIES info@moya.com.au THANKS Thank you to our contribitors.

.|. Cover Image: Moya Matthews, 2011

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Introduction

Introducción

Moya Matthews

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Betwixt & between

Entre y entre

Teodor Mitew

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Walking around

Caminando

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Pablo Neruda

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Implausible Futures

Futuros inverosímil

Rob Walker

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The thread of Daedalus

El hilo de Dédalo

A Greek myth

L Z

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Hello, and welcome to our premier publication exploring ideas which shape our modern cultural landscape. The liminal Zone is a threshold between two existental phases, a transitional state of social and cultural transformation, a place where what was is no longer, and what will be, is yet to be determined. This fluid phenomenon holds space for potential; rewriting, remixing and reimagining our functional cultural codes and images of self. It is in this space we imagine, without obligation or order, and postulate possible tomorrows. We’re going to explore this threshold, 3 fold; in conversations about space, fantastical futures and in exploring a methodology with which to navigate a way through the unscripted. our publication is printed in two langauges, tandem, inorder to widen the influence and audience these ideas can reach. We hope you enjoy.

Hola, y bienvenidos a nuestra principal publicación explorar ideas que dan forma a nuestro paisaje cultural moderno. La zona liminal es un umbral entre dos fases existental, un estado de transición de la transformación social y cultural, un lugar donde lo que se ha dejado de ser, y lo que será, aún está por determinar. Este fenómeno tiene un espacio fluido de potencial; reescritura, remezclar y recrear nuestros códigos culturales y las imágenes funcionales de sí mismo. Es en este espacio que nos imaginamos, sin obligación ni orden, y postular que mañana sea posible. Vamos a explorar este umbral, tres veces, en las conversaciones sobre el espacio, los futuros fantásticos y en la exploración de una metodología con la que navegar por un camino a través del guión. Nuestra publicación se imprime en dos lenguas, la par, a finde para ampliar la influencia y el público estas ideas pueden llegar. Esperamos que disfrute. listen to our audio program online: www.moya.com.au

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.|. Moya Matthews, Landing, 2010

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AFTER THE DUST

SETTLED He took a little fluid and chewed a little food, and thought of drinking blood and eating flesh, and for this he gave thanks. Bebi贸 un poco de l铆quido, y lo mastic贸 un poco de comida, y pensaba en beber sangre y comer carne, y para ello le dio las gracias.

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Betwixt & between ­– Entre y entre Teodor Mitew

Every society goes through transitional states of socio-cultural transformation, what anthropologist Victor Turner dubbed liminal phases. These are potentially fertile areas of rewriting and hacking of cultural codes, a cultural limbo where individuals are “betwixt and between.” People experiencing these liminal states are not anymore who they were before, and not yet what they will become. They work in a critical space-in-between, a fluid territory in which to play with the structure of representation, hacking the codes of self-representation, and recombining them into something unpredictable. In this free, active, experimental space, new cultural elements and new combined rules can be introduced. It is in these instances that technology is used with artistic, cultural and political goals. The joint action of different subjectivities which show how it is possible to create the first step in redefining powers and hierarchies; in terms of dismantling and opening social, cultural and sexual categories.

Toda sociedad pasa por los estados de transición de la transformación socio-cultural, lo que el antropólogo Victor Turner denominada fase liminal. Se trata de áreas potencialmente fértiles de volver a escribir y la piratería de los códigos culturales, una especie de limbo cultural donde las personas son “entre y entre”. Las personas que experimentan estos estados liminales no son más que lo que eran antes, y aún no lo que se convertirá. Ellos trabajan en un espacio crítico en el medio, un territorio de líquido en el que jugar con la estructura de la representación, la piratería de los códigos de auto-representación, y la recombinación en algo impredecible. En este libre, espacio activo, experimental, nuevos elementos culturales y las nuevas reglas de combinación se pueden introducir. Es en estos casos que la tecnología se utiliza con objetivos artísticos, culturales y políticos. La acción conjunta de diferentes subjetividades que muestran cómo es posible crear el primer paso en la redefinición de las competencias y jerarquías, en términos de desmantelamiento y la apertura de las categorías sociales, culturales y sexuales. ZL

|. Moya Matthews, Aqua Profunda Sries, 2010

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Betwixt & between – Entre y entre

Every entity, be it human or non-human, leaves traces as it struggles against entropy. Whether an entity’s existence is projected as being, becoming, or having, it inevitably involves a spatial locatedness. That is, it can be approached as a thing leaving spatial traces, or annotations, which in turn can be observed, or tracked. Even the journey of the smallest grain of sugar, from a plant in a plantation to a human sensation in a morning coffee, is a spatial phenomenon of mind-boggling complexity, involving an enormity of other entities. Proponents of Actor Network Theory (ANT) such as John Law (2002) and geographers such as Nigel Thrift (1996) have long argued that there are two basic approaches to space. One sees space as a container pre-existing the entities within it, and can be recognised as the projection familiar to Euclid, Descartes and what – for lack of a better word – could be termed as “the common sense opinion”. Space here plays the role of a referential context – each entity within it is a priori defined by its reference to the spatial context – serving as an absolute determinant of the relations performed within. In other words, space is viewed as always primary to any relations that might be observed. The second approach in turn, sees space as a performative effect of the relations between entities, and could be described as the projection familiar, for example, to many indigenous peoples, to the special theory of relativity, and to some academics in the social sciences. For this projection, entities and their inter-attachments come first, and space comes second. In other words, the relational attachments between entities perform the space, not vice versa. While the first projection sees space as a static referential context, the second sees space as a dynamic relational effect. The two projections result in wildly divergent approaches to spatial entities (subjects and things), their movement, and the traces they leave. The former projection produces imagery preoccupied with a totality where convergence and inter-linking are taken as the natural state of affairs,[2] while heterogeneity and autonomy are rare flowers to be explained and tended. The latter projection in turn produces imagery unable to see beyond the local (even if it seems to represent something global), where convergence is a rarity to be explained, autonomy from attachments does not exist, and heterogeneity is the rule.

For the former spatial projection, a map represents relations in reference to a context, which is, for example, an already existing politics or an a priori topos. For the latter in turn, a map is a tracing of the relations performing the politics or the topos, which in this case is not an a priori context but an effect of performativity. The only movement that the former projection can detect is the referential jump from an object to its context, while the latter in turn sees all manner of circulations and shifts being performed by, and in their turn performing spatial relations. In other words, the difference between the two spatial projections is best observed in the types of moves they are able to see and display. The former projection is capable of detecting a referential movement from an object to a frame, which I term as unveiling, because it aims to display the hidden context in reference to which an entity is defined. The latter in turn captures something akin to a relational movement between circulating frames, which I term as attaching, because – contrary to displaying a reference to a context – it produces an interface between two forms of circulation. For example, the Ongee tribe from the Andaman Islands bases its entire navigation skills and spatial knowledge on performative movement rather than fixed locations (Pandya, 1990: 793). The topography of their territory does not exist for them as an a priori context waiting to be explored, traced and annotated, a total referential frame to which they can relate, but literally emerges through the practice of movement.

.|. Moya Matthews, Palazzo Strozzi, 2011

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Cada entidad, sea humano o no humano, deja huellas en su lucha contra la entropía. Si la existencia de una entidad se proyecta como ser, cada vez, o que, inevitablemente implica una locatedness espacial. Es decir, que puede ser abordado como una cosa dejar huellas espaciales, o anotaciones, que a su vez se puede observar, u orugas. Incluso el viaje de los más pequeños granos de azúcar, de una planta en una plantación de una sensación humana en un café de la mañana, es un fenómeno espacial de increíble complejidad, que implica una enormidad de otras entidades. Los defensores de la teoría del actor red (ANT), tales como John Law (2002) y geógrafos como Nigel Thrift (1996) han argumentado que hay dos enfoques básicos para el espacio. Uno ve el espacio como un contenedor pre-existentes de las entidades dentro de ella, y puede ser reconocida como la proyección familiar a Euclides, Descartes y lo que - a falta de una palabra mejor - que podría denominarse como “la opinión de sentido común”. El espacio juega aquí el papel de un contexto referencial - cada entidad dentro de ella es, a priori, definida por su relación con el contexto espacial - que actúa como un determinante absoluto de las relaciones a cabo dentro. En otras palabras, el espacio se ve como siempre primordial en cualquier relación que pudiera ser observado. El segundo enfoque, a su vez, ve el espacio como un efecto performativo de las relaciones entre entidades, y se podría describir como la proyección familiar, por ejemplo, para muchos pueblos indígenas, a la teoría de la relatividad especial, y algunos académicos de las ciencias sociales . Para esta proyección, las entidades y sus archivos adjuntos, entre en llegar, primero, y en el espacio ocupa el segundo lugar. En otras palabras, los anexos de relación entre entidades realizan el espacio y no al revés. Mientras que la primera proyección ve el espacio como un contexto referencial estático, el segundo ve el espacio como un efecto de dinámica relacional. Las dos proyecciones como resultado enfoques muy divergentes a las entidades territoriales (los sujetos y las cosas), su movimiento, y las huellas que dejan. La proyección anterior produce imágenes preocupado por una totalidad en la convergencia y la inter-vinculación se toman como el estado natural de las cosas, [2] mientras que la heterogeneidad y la autonomía son flores raras que se explican y tendido. La proyección de este último a su vez produce las imágenes no pueden ver más allá de lo local (incluso si parece representar algo global), donde la convergencia es una rareza que se explicó, la autonomía de los archivos adjuntos no existe, y la heterogeneidad es la norma.

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Para la proyección espacial anterior, representa un mapa de las relaciones, en referencia a un contexto, que es, por ejemplo, una política ya existente o un tópico a priori. Para estos últimos, a su vez, un mapa es un calco de las relaciones de funcionamiento de la política o los topos, que en este caso no es un contexto a priori, sino un efecto de la performatividad. El único movimiento que la proyección anterior se puede detectar es el salto de referencia de un objeto en su contexto, mientras que el segundo, a su vez ve a todo tipo de circulaciones y los cambios de los trabajos realizados por, ya su vez realizar las relaciones espaciales. En otras palabras, la diferencia entre las dos proyecciones espaciales se observa mejor en los tipos de movimientos que son capaces de ver y mostrar. La proyección anterior es capaz de detectar un movimiento de referencia de un objeto a un marco, que yo llamo como revelación, porque su objetivo es mostrar el contexto oculto en referencia a la cual se define una entidad. Este último a su vez capta algo parecido a un movimiento de relación entre los marcos de circulación, lo que yo llamo como la colocación, ya que - contrariamente a la visualización de una referencia a un contexto - que produce una interfaz entre dos formas de circulación. Por ejemplo, la tribu Ongee de las Islas Andaman basa sus habilidades de navegación y todo el conocimiento espacial en movimiento performativo en vez de lugares fijos (Pandya, 1990: 793). La topografía de su territorio no existe para ellos como un contexto, a priori, a la espera de ser explorado, trazado y anotada, un total de marco referencial para que puedan relacionar, pero literalmente emerge a través de la práctica del movimiento. ZL

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.|. Moya Matthews, Aqua Profunda Series 2011

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off here

Caminando Pablo Neruda Sucede que me canso de ser hombre. Sucede que entro en las sastrerías y en los cines marchito, impenetrable, como un cisne de fieltro Navegando en un agua de origen y ceniza. El olor de las peluquerías me hace llorar a gritos. Sólo quiero un descanso de piedras o de lana, sólo quiero no ver establecimientos ni jardines, ni mercaderías, ni anteojos, ni ascensores. Sucede que me canso de mis pies y mis uñas y mi pelo y mi sombra. Sucede que me canso de ser hombre. Sin embargo sería delicioso asustar a un notario con un lirio cortado o dar muerte a una monja con un golpe de oreja. Sería bello ir por las calles con un cuchillo verde y dando gritos hasta morir de frío No quiero seguir siendo raíz en las tinieblas, vacilante, extendido, tiritando de sueño, hacia abajo, en las tapias mojadas de la tierra, absorbiendo y pensando, comiendo cada día. No quiero para mí tantas desgracias. No quiero continuar de raíz y de tumba, de subterráneo solo, de bodega con muertos ateridos, muriéndome de pena. Por eso el día lunes arde como el petróleo cuando me ve llegar con mi cara de cárcel, y aúlla en su transcurso como una rueda herida, y da pasos de sangre caliente hacia la noche. Y me empuja a ciertos rincones, a ciertas casas húmedas, a hospitales donde los huesos salen por la ventana, a ciertas zapaterías con olor a vinagre, a calles espantosas como grietas. Hay pájaros de color de azufre y horribles intestinos colgando de las puertas de las casas que odio, hay dentaduras olvidadas en una cafetera, hay espejos que debieran haber llorado de vergüenza y espanto, hay paraguas en todas partes, y venenos, y ombligos. Yo paseo con calma, con ojos, con zapatos, con furia, con olvido, paso, cruzo oficinas y tiendas de ortopedia, y patios donde hay ropas colgadas de un alambre: calzoncillos, toallas y camisas que lloran lentas lágrimas sucias.

.|. Moya Matthews, Near Pisa, 2010

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Walking around Pablo Neruda It so happens I am sick of being a man. And it happens that I walk into tailorshops and movie houses dried up, waterproof, like a swan made of felt steering my way in a water of wombs and ashes. The smell of barbershops makes me break into hoarsesobs. The only thing I want is to lie still like stones or wool. The only thing I want is to see no more stores, no gardens, no more goods, no spectacles, no elevators. It so happens that I am sick of my feet and my nails and my hair and my shadow. It so happens I am sick of being a man. Still it would be marvelous to terrify a law clerk with a cut lily, or kill a nun with a blow on the ear. It would be great to go through the streets with a green knife letting out yells until I died of the cold. I don’t want to go on being a root in the dark, insecure, stretched out, shivering with sleep, going on down, into the moist guts of the earth, taking in and thinking, eating every day. I don’t want so much misery. I don’t want to go on as a root and a tomb, alone under the ground, a warehouse with corpses, half frozen, dying of grief. That’s why Monday, when it sees me coming with my convict face, blazes up like gasoline, and it howls on its way like a wounded wheel, and leaves tracks full of warm blood leading toward the night. And it pushes me into certain corners, into some moist houses, into hospitals where the bones fly out the window, into shoeshops that smell like vinegar, and certain streets hideous as cracks in the skin. There are sulphur-colored birds, and hideous intestines hanging over the doors of houses that I hate, and there are false teeth forgotten in a coffeepot, there are mirrors that ought to have wept from shame and terror, there are umbrellas everywhere, and venoms, and umbilical cords. I stroll along serenely, with my eyes, my shoes, my rage, forgetting everything, I walk by, going through office buildings and orthopedic shops, and courtyards with washing hanging from the line: underwear, towels and shirts from which slow dirty tears are falling.

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Implausible Futures for Unpopular Places

The Hypothetical Development Organization, set out to recognize, and expand upon a new form of urban storytelling. It works like this: Rob Walker

First, we identify a suitable building: Something that appears neglected, and seems to have no immediate prospects for a future use. In short, we choose an unpopular place. Next we devise a hypothetical future for that structure. Specifically, we strive to make this future blatantly implausible: maybe provocative, maybe funny; above all engaging. Then an artist creates a rendering based on the imaginary concept. This is printed onto a 3’ x 5’ sign, modeled on those used by real developers. That sign, finally, goes onto the building. In December 2010, our stories began to appear around New Orleans. By March of 2011 we had presented ten of them to the public at large. This effort concluded with a display of duplicates of each of the HDO’s initial creations at an art gallery in New Orleans. The project was realized thanks to the efforts of an astonishing crew of contributing artists, with the financial support of far-flung strangers. It further struck me that there are vacant buildings much like this one, with no definitive future, all over town — all over lots of towns. In a sense, then, our city streets are full of fiction, or something very much like it. The stories, mostly visual, are told in the form of colorful signs attached to drab or neglected structures, presenting speculations about how the very same physical place might look in some unspecified future. The abandoned office tower could house airy condos. The long-shuttered auto shop might morph into a gleaming boutique. The factory built for some bankrupt enterprise will, perhaps, burst with life again, its cheery mixed uses enjoyed by stockimage people representing a cross-section of pleasant citizenry. Sometimes these ideas are punctuated by the name of a development company and its Web address. But the story flows mostly from the beguiling picture, showing what could hypothetically happen, right here. The fact of the fiction, however, is often given away by a nearby “For Sale” sign, or the weathering visible on the rendering, or the flagrantly neglected state of the structure to which it is attached, hinting at how long ago this Moya Matthews, Reflections Series, 2011

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Moya Matthews, San Francesco, 2010 future was first presented to passersby. Possibly, in some more upbeat economic era, whoever spun these morningin-America tales believed them. We cannot say, because that time has passed. Only the tales remain. That somewhat gloomy line of thought led me to consider all the neglected buildings, in my town and others, that lack such signs: Evidently no one can even dream up a hypothetical future for these decidedly unpopular places. Rather sad, no? I thought so, and had an idea: Wouldn’t it be cool to create completely fictional, but imaginative and exciting “renderings” of their hypothetical futures, too?

First, these stories strike a blow for the vital habit of actually seeing the world we live in. By borrowing an overlooked form, the traditional development sign, obviously on some level we satirize it, exposing how preposterous many of these commercial stories are if you’d just stop and genuinely evaluate the situation. Certainly I’ll never look at one of those signs in the same way again. Similarly, I don’t look at — or rather overlook — neglected buildings quite so easily now. (I still walk past that vacant commercial structure that inspired all this on my routine neighborhood walks. Nothing has changed, except for the way I see it.)

Second, I don’t think a story needs to be considered a Architecture Fiction Archigram came to life as an “archimeans to an end. A story is an end. And a sign on an tecture telegram” (a publication, basically) put together abandoned building is as good a medium as I can think of by a group of young architects in London in 1961. Its for telling an entertaining tale. I’m pleased to say, in fact, contributors specialized in hypothetical projects. In their that among those who have taken note of our enterprise publications, the architects involved, including Peter Cook is Bruce Sterling himself. He wrote on his blog: “This must and Ron Herron among othbe the closest thing to an ers, would propose fantastic It suddenly struck me that, given how long this sign architecture-fiction ‘pure schemes for completely replay’ to have yet appeared.” has been here, what it depicted was, at best, imagining buildings and urI don’t pretend to speak ban spaces, which they would a hypothetical future — arguably a fictitious one. for precisely what Sterling illustrate in equally fantastic means, but I think “pure styles. Cook’s Plug-In City was not made up of buildings, play” is just right, in more ways than one. but was a single structure with standardized cells that The moment that interests me most, I suppose, would be could be fitted in or removed, here and there — the structhe random passerby who suddenly notices that building ture, the city, was meant to be in charge of the people, he or she has walked past a hundred times, just because rather than the other way around. Herron’s Walking City, there’s this sign on it, this arrestingly uncanny sign that a cluster of urban-ness mounted on four legs, was said to be an extension of Le Corbusier’s dictum that a house is a tells a story that’s blatantly and intentionally absurd. I think that moment — the story, in one image, of an “machine for living in.” In 1963 there was a big Archigram implausible future for an unpopular place — makes the show called “Living Cities” at the Institute of Contembuilding exist again in a new way. It changes nothing into porary Arts in London, and since then the group’s work something. I think it makes the passerby exist in a new has remained highly influential in certain quarters of the way, too. L architecture world. Z

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Futuros inverosímil para los lugares impopulares

A partir de 2010, la Organización de Desarrollo hipotético, fundada por GK Darby, Ellen Susan y yo, se dedicó a reconocer, y ampliar, una forma de contar historias urbanas. Trabaja como esto: Rob Walker

En primer lugar, identificar un edificio adecuado: Algo que parece olvidado, y parece que no tienen perspectivas inmediatas para un uso futuro. En resumen, elegir un lugar popular. A continuación elaborar un hipotético futuro de esa estructura. En concreto, nos esforzamos para que este futuro descaradamente inverosímiles: quizá provocativa, tal vez divertido y, sobre todo la participación. A continuación, un artista crea una representación basada en el concepto de imaginario. Esto se imprime en un 3 ‘x 5’ signo, a semejanza de las utilizadas por los desarrolladores de bienes. Esa señal, finalmente, va en el edificio. En diciembre de 2010, nuestras historias comenzaron a aparecer alrededor de Nueva Orleans. Para marzo de 2011 se habían presentado diez de ellos para el público en general. Este esfuerzo concluyó con una exhibición de los duplicados de cada una de las creaciones iniciales de la HDO está en una galería de arte en Nueva Orleans. El proyecto fue realizado gracias a los esfuerzos de un equipo asombroso de artistas que contribuyen, con el apoyo financiero de los lejanos extraños. Además, me di cuenta de que hay edificios vacíos al igual que éste, sin futuro definitivo, por toda la ciudad - todos los lotes en las ciudades. En un sentido, entonces, nuestras calles están llenas de ficción, o algo muy parecido a él. Las historias, en su mayoría visuales, se les dice en forma de coloridos carteles vinculados a las estructuras grises o negligencia, la presentación de las especulaciones acerca de cómo el espacio físico mismo podría ser en un futuro no especificado. La torre de oficinas abandonadas podría albergar apartamentos aireado. El taller de coches a largo cerradas podría transformarse en una boutique de brillantes. La fábrica construida por alguna empresa en quiebra, tal vez, rompió con la vida de nuevo, sus usos mixtos alegres que disfrutan las personas la imagen de archivo-que representan un corte transversal de la ciudadanía agradable. A veces, estas ideas se encuentran marcados con el nombre de una compañía de desarrollo y su dirección Web. Sin embargo, la historia fluye en su mayoría de la imagen seductora, mostrando lo que hipotéticamente podría ocurrir, aquí mismo.

|. Moya Matthews, After F-G-T – Buenos Aires, 2009

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El hecho de la ficción, sin embargo, se da a menudo lejos de una cerca de “Se Vende”, o la visible erosión en la prestación, o el estado flagrantemente olvidado de la estructura a la que se adjunta, haciendo alusión a cuánto tiempo hace que este futuro fue presentado por primera vez a los transeúntes. Posiblemente, en alguna época económica más optimista, quien giró estos cuentos por la mañana en los Estados Unidos les creyó. No podemos decir, ya que el tiempo ha pasado. Sólo quedan los cuentos. Esa línea de pensamiento un tanto sombrío me llevó a considerar todos los edificios abandonados, en mi ciudad y otros, que carecen de estos signos: Evidentemente, nadie puede soñar con un hipotético futuro de estos lugares decididamente impopular. Un poco triste, ¿no? Me lo imaginaba, y tuvo una idea: ¿No sería genial crear completamente de ficción, pero imaginativo y excitante “representaciones” de sus futuros hipotéticos, también?

nos sectores del mundo de la arquitectura. En primer lugar, estas historias de asestar un duro golpe para el hábito vital de ver realmente el mundo en que vivimos Tomando prestado un formulario de vecinos, el signo tradicional de desarrollo, obviamente, en algún nivel, lo satirizan, dejando al descubierto lo absurdo de muchas de estas historias son comerciales si “sólo d parar y realmente evaluar la situación. Desde luego que no volverás a ver uno de los signos de la misma manera otra vez. Del mismo modo, no mirar - o pasar por alto y no - edificios abandonados tan fácilmente ahora. (Todavía pasar por delante que la estructura comercial de vacantes que inspiró todo esto en mis paseos barrio de rutina. Nada ha cambiado, excepto por la forma en que lo veo.)

En segundo lugar, no creo que una historia tiene que ser considerado como un medio para un fin. Una historia es un fin. Y un cartel en un edificio abandonado es un De repente me di cuenta de que, dado el largo Arquitectura de la ficción buen medio como que se Archigram volvió a la vida tiempo esta señal ha estado aquí, lo que describía me ocurre para contar una como un “telegrama de la historia entretenida. Me era, como mucho, un hipotético futuro - y podría arquitectura” (una publicación, complace decir que, de hedecirse que uno ficticio. básicamente), compuesto por cho, que entre aquellos que un grupo de jóvenes arquitechan tomado nota de nuestra empresa es el propio Bruce tos en Londres en 1961. Sus colaboradores especializaSterling. Él escribió en su blog: “Esto debe ser lo más paredos en proyectos hipotéticos. En sus publicaciones, los cido a” pure play “una arquitectura-ficción han aparecido arquitectos involucrados, incluyendo a Peter Cook y Ron todavía.” No pretendo hablar en nombre precisamente lo Herron, entre otros, se proponen esquemas completaque significa de ley, pero creo que “pure play” es la cormente fantástico para volver a imaginar los edificios y esrecta, en más de un sentido. pacios urbanos, que se ilustran en los estilos igualmente En el momento que más me interesa, supongo, sería el fantástica. Plug-In de Cook ciudad no estaba hecha de transeúnte al azar que de repente se da cuenta de que la los edificios, sino que era una sola estructura con células construcción que él o ella ha caminado junto a un centeestándar que pueden ser instalados en o eliminado, aquí nar de veces, sólo porque hay este signo en él, este signo y allá - de la estructura, de la ciudad, estaba destinado a llamativamente extraña que cuenta una historia que es ser a cargo de la gente, en lugar de a la inversa. Pie por la descarada y deliberadamente absurdo. Creo que ese mociudad Herron, un grupo de urbano-ness montado sobre mento - la historia, en una imagen, de un futuro plausicuatro patas, se dice que es una extensión de la máxima ble para un lugar impopular - hace que el edificio hay de de Le Corbusier, que una casa es una “máquina para nuevo en una nueva forma. No cambia nada en algo. vivir en ella” En 1963 hubo un espectáculo de Archigram grande que se llama “Living Cities” en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres, y desde entonces el trabajo del grupo se ha mantenido una gran influencia en algu-

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Creo que hace que el transeúnte existen de un modo nuevo, también. ZL

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The thread of Daedalus A Greek myth Perhaps the most legendary map ever made, in both senses of the word, was the one given by the mythical master-craftsman Daedalus to Ariadne, helping the Athenian hero Theseus escape the labyrinth and kill the Minotaur. When Ariadne, in love with Theseus and condemned to die in the maze, asked Daedalus, builder of the labyrinth, for help, he gave her a ball of thread. He did not give her a parchment with a plan of the labyrinth carrying a big red sign ‘and here is the EXIT’, but a simple thread. The thread is crucially a method for tracing and annotating space, both dynamically in real time, and slowly, that is taking account of every step and every turn. It opens potentialities for action and is a storage technique allowing the retracing of past movements through space. The thread is an interface for accessing space and time, transportation and transformation. Following a thread is slow, but it is the only way to track and represent spatially (and temporally) all topological shifts of the actor. The trickery of Daedalus leads to a different conceptualisation of a map – not as a static representation of spatial power relationships, or a hegemonic extraction of difference, but as an interface for the construction of agency in space. The moment one shifts from representations of total power to the construction of local agency, the cartography of unveiling becomes absurd. As a result, however, the cartographer finds herself surrounded by actors and intermediaries she was never able to see before. The shift could be traced directly back to the two divergent spatial projections described in the beginning of the article. The thread of Daedalus leads to a performative conception of space and movement. We create space in the process of travelling through it and in creating narratives of journeys we simultaneously construct knowledge.

El hilo de Dédalo Un mito griego Tal vez el mapa más legendarias jamás se ha hecho, en ambos sentidos de la palabra, fue la dada por el mítico maestro artesano Dédalo a Ariadna, ayudando al héroe ateniense Teseo escapar del laberinto y matar al Minotauro. Cuando Ariadna, enamorada de Teseo y condenado a morir en el laberinto, pidió a Dédalo, constructor del laberinto, en busca de ayuda, le dio un ovillo de hilo. Él no le dio un pergamino con un plan en el laberinto que lleva un gran cartel rojo “y aquí está la salida, pero un simple hilo. El hilo es un método crucial para el seguimiento y la anotación de espacio, tanto de forma dinámica en tiempo real, y poco a poco, es decir teniendo en cuenta cada paso y cada vez. Se abre posibilidades para la acción y es una técnica de almacenamiento que permite volver sobre el pasado de los movimientos a través del espacio. El hilo es una interfaz para acceder al espacio y el tiempo, el transporte y la transformación. Después de un hilo es lento, pero es la única forma de medir y representar espacialmente (y temporalmente) los cambios topológicos del actor. El truco de Dédalo lleva a una conceptualización diferente de un mapa - no como una representación estática de las relaciones de poder espacial, o una extracción hegemónico de la diferencia, sino como una interfaz para la construcción de la agencia en el espacio. El momento en que uno se desplaza de las representaciones del poder total para la construcción de una agencia local, la cartografía de la presentación se convierte en un absurdo. Como resultado de ello, sin embargo, el cartógrafo se encuentra rodeada por los agentes y los intermediarios que nunca fue capaz de ver antes. El cambio podría ser rastreada directamente a las dos proyecciones divergentes espacial se describe en el principio del artículo. El hilo de Dédalo lleva a una concepción performativa del espacio y el movimiento. Creamos el espacio en el proceso de viajar a través de ella y en la creación de relatos de viajes que al mismo tiempo la construcción del conocimiento.ZL

|. Moya Matthews, T–Tuscany, 2010

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