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Irma Gruenholz (plastilina) Car Pintos (marcador) Chris Buzelli (óleo)

Nº54 – Agosto / Septiembre 2015 Arg $70.- Ch $9300.Uy $360.- USA $15.-

3 ILUSTRADORES, 3 TÉCNICAS


+54 + Abracadabra, pieza personal de Chris Buzelli. www.chrisbuzelli.com

sumario +mundo creativo

+serie fotográfica

012

056

cómics, música, diseño, #ObjetodelDía, moda, art toys, publicaciones, gadgets, green design, marketing, ciudades creativas, discos, lugares

+personas creativas 036 044 040 048 052

diseño Coco Cerrella El ingeniero del diseño gráfico

arte Leo Núñez Robótica social

ilustración Car Pintos Un universo dibujado Chris Buzelli Una rareza tradicional Irma Gruenholz Plastilina, ilustraciones y atmósferas

Lobbies de Buenos Aires por Claudio Larrea

+ideas creativas 062 066 072 064 086

vehículos Nuevo FordFocus El viajar es un placer Una recorrida por el Salón del Automóvil de Buenos Aires Renault en el Salón del Automóvil Pasión por la vida

tecnología El nuevo mundo de economía colaborativa Google I/O 2015 Un futuro en donde todo es inteligente

moda

074

El poncho Versiones contemporáneas por jóvenes diseñadores

078

Orlando como destino de compras

082 090

lugares diseño Apuntes PuroDiseño 2015 Nuestros favoritos de la feria

arte Mareo arteBA Un paseo por la feria

+clásicos contemporáneos 092

moda Charlie Thornton Dime qué te pones, y te diré quién eres

+conexión

+ Irma Gruenholz modelando una de sus esculturas de plastilina. www.deplastilina.com


+54 + Infectos de Leo Núñez es un ecosistema de robots autómatas. Cada uno está infectado por tres virus que intentan tomar al robot. La lucha de los virus se visualiza en los colores que el objeto va tomando. Además, los robots se contagian entre ellos, cuando dos se aproximan se intercambian virus dando como resultado un nuevo estado. El estado de la obra está dado por la evolución de los contagios y la evolución de los virus internos a cada robot. www.leonunez.com.ar

staff Director / Publisher Gonzalo Joaquín Fargas gfargas@90mas10.com.ar @gonza9010 Editora Marcela Fibbiani marcela@90mas10.com.ar @marce9010

Diseño Gráfico Hernán Patto Leandro Marenzi

Gestión Comercial Claudio Boleda claudio@90mas10.com.ar

Dirección Comercial Daniel Urrestarazu daniel@90mas10.com.ar

Departamento Comercial publicidad@90mas10.com.ar Prensa y Comunicación

Colaboran en esta edición ArtsMoved, Celeste Nasimbera, Elvio Orellana, Enrique Avogadro, Fernanda Cohen, Gala Décima Kozameh, Germán Andrés, Leila Mesyngier, Maia Croizet, María Paz Berri, Pablo Pérez de Ángelis, Patricio Oliver y Ricardo Sametband Nuestros fundadores Gonzalo Fargas @gonza9010 Co-fundador de revista 90+10, es también su director y publisher. Licenciado en marketing por la Universidad CAECE, también estudió publicidad en la Universidad de Palermo y recibió el Premio Estilo Profesional 2010 que otorga la Facultad Diseño y Comunicación de la UP. Participa como jurado en diversos concursos de diseño. +

Marcela Fibbiani @marce9010 Co-fundadora y editora de 90+10, es escenógrafa por la Escuela Superior de Bella Artes Ernesto de la Cárcova. Amante de la lectura y la ópera, le hubiera gustado ser régisseur, y su talento es poner en escena historias de creativos en las páginas de la revista y en 90mas10.com. Habla italiano y su lugar en el mundo es Milán. +

Distribución en kioskos CABA y GBA Vaccaro Hnos. S.A. Av. Entre Ríos 919, 1º Piso Tel. (+5411) 4305-3908 / 3854

Producción gráfica e impresión Help Group S.R.L. Colombres 1333 Of.5, CABA Tel. (+5411) 3973-0217 www.hgprint.com.ar

Distribución en el interior Distribuidora Interplazas S.A. Pte. Luis Sáenz Peña 1836 Tel. (+5411) 4305-0114

Asesoría Legal Dr. Mariano Javier Gattelli estudio_gattelli@hotmail.com

Suscripciones suscripcion@90mas10.com.ar Librería Concentra Montevideo 938 Tel./Fax (+5411) 4814-2479 libreria@concentra.com.ar

Librería técnica CP67 Florida 683 - Local 18 Tel. (+5411) 4314-6303 cp67@cp67.com

Domicilio Legal: Av. Raúl Scalabrini Ortiz 2553 – Piso 11 “A” (C1425DBG) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina Domicilio Redacción: Cerviño 3814 – Piso 4 “A” (C1425AGU) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina info@90mas10.com.ar | 90mas10.com.ar Revista 90+10. Editor responsable y propietario: 90+10 SRL. Queda prohibida la reproducción total o parcial del contenido sin la previa autorización del editor. Las notas firmadas son responsabilidad de sus autores. Registro de la propiedad intelectual Nº 5178640 | ISSN 1668-6403 Año 11 - Nº54 – Agosto/Septiembre 2015


Encontrá la colección en locales Topper y en las mejores casas deportivas del país. También podés comprarlas en nuestra tienda online topper.com.ar TopperArgentina Topper.Oficial superheroes.topper.com.ar


+54 + Vajilla ilustrada por Car Pintos. www.zafirologia.com.ar

editorial Llueve mucho. Hace días que llueve en Buenos Aires. Los grises y verdes se intensifican, y el fucsia y el rosado de los malvones de mi balcón atraen la mirada. Silencio en la casa, hora de la siesta, momento de reflexión y de escritura también. ¿Home sweet home? En esta oportunidad, elegimos contar varias historias, tres de las cuales tienen que ver con la disciplina de la ilustración, pero abordada desde tres técnicas distintas: la plastilina en el caso de Irma Gruenholz, la pintura al óleo con Chris Buzelli y los marcadores con Cris Pintos. Y como muchas veces solemos mirar hacia afuera y desconocemos a quien tenemos al lado, decidimos detenernos a observar un poco más nuestro entorno cercano, y así surgieron las entrevistas al diseñador gráfico Coco Cerrella (uno de nuestros vecinos), al artista tecnológico Leo Núñez (que conocimos gracias al primer festival onedotzero), y a Charlie Thornton, un amigo de años que pudimos conocer un poco más a través de una reveladora charla que les compartimos en la sección clásicos contemporáneos. De ese mismo encuentro, surgió la posibilidad de conocer (y luego publicar en la serie fotográfica) el trabajo de Claudio Larrea y sus lobbies de Buenos Aires, que nos plantean otra forma de ver la ciudad en que vivimos. Una edición de 90+10 para descubrir -o redescubrir- nuestro mundo. + + Con Charlie Thornton en la inauguración de arteBA. Foto: Manuel Álvarez

Marcela Fibbiani Editora

CONEXIÓN DIGITAL Con los links de 90+10 (9010.co), accedés directamente a la versión digital de la nota (disponible para las secciones: personas creativas, ideas creativas, clásicos contemporáneos, serie fotográfica y especial), para poder compartirla, comentarla, ver más material de fotos y video, y entrar a los todos links vinculados. Una nueva manera de conectar el medio en papel con el mundo digital. + 90mas10.com

FOTO DE TAPA Para esta edición, elegimos como imagen de tapa una de las ilustraciones con plastilina de Irma Gruenholz. Esta obra formó parte la 57th Society of Illustrator’s Exhibition que estuvo expuesta en el Museum of American Illustration de Nueva York, del 7 al 30 de enero de 2015. www.deplastilina.com


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+ mundo creativo

Texto: Patricio Oliver (*) @patriciooliver

cómics

Jem and the Holograms para las nuevas generaciones La serie de los ochenta que supo contar las aventuras de una banda de chicas, se renueva para llegar a un público más joven. Hace más de quince años, que la nostalgia por la década de los 80 pisa fuerte como eje de influencia en cine, moda, arte, diseño y animación. Es que resulta aparentemente inagotable la gran cantidad de adaptaciones que se han visto de elementos de ese momento tan particular de la historia. En lo que respecta a series de dibujos animados de los que eran niños en esa época, y que ahora como adultos disfrutan de ver nuevas versiones de sus héroes o heroínas, podemos afirmar que algunos casos -como “My Little Pony: La magia de la amistad”-, o algunas series de “Transformers” han logrado no sólo recuperar la esencia original, sino también potenciarla hacia algo mucho más interesante. Por otro lado, es bien sabido que éxito no es sinónimo de calidad, y las adaptaciones al cine de los autobots o de G.I. Joe han resultado menos agraciadas, y dejando a más de un fan llorando de frustración. Es que cuando se juega con la nostalgia de la infancia, el ojo crítico se potencia exponencialmente. Dentro del público femenino -y seamos sinceros, masculino también-, “Jem and the Holograms” fue algo que nunca se había visto: un grupo de chicas forman una banda. Su cantante llamada “Jem” (siguiendo la tradición de los héroes) tiene una identidad secreta (Jerrica Benton), la que logra sostener con una computadora súper de avanzada que produce hologramas, llamada “Synergy”. La banda tiene una casa para huérfanas, las que están a su cuidado y, obviamente, el némesis de las protagonistas es la banda de rock “Misfits”, liderada por la agresiva y caprichosa (pero no por eso, menos talentosa, “Pizzazz”). En esta construcción, se generaba un mundo de canciones, romances y moda (recordemos que esto ocurre en los 80, por lo que el maquillaje glam rock y las cabelleras de gran volumen y color estaban a la orden del día) y –claro- aventuras, que cautivaron a su público durante los 65 capítulos que duró la serie, a lo largo de tres años. No fue una sorpresa sentir la furia e indignación en las redes sociales luego de que el trailer de la película basada en la serie animada viera la luz. Fracasando rotundamente en reflejar todo aquello que hacía de

Jem and the Holograms una serie única en su momento, parecía que -de nuevo- otro ícono más de la infancia se vería reducido a una mera referencia, carente de su esencia y espíritu. Fue en ese momento que la editorial de cómic IDW demostró que viejos conceptos pueden adaptarse al presente sin perder nada y, de hecho, sumando muchos más elementos a su caja de trucos. Ya con una experiencia previa favorable con licencias de Hasbro como G.I. Joe, My Little Pony y Transformers, las expectativas estaban altas. De la mano de la escritora Kelly Thomson y el artista Ross Campbell, el universo de Jem se sumerge en la actualidad, de manera vigorizada y muy interesante. La banda se mantiene intacta en cuanto a sus integrantes, pero gracias al talento de Campbell, atrás quedó esa conformación estereotípica de chicas altas esbeltas y clonadas. Cada miembro de la banda y de las Misfits tiene una contextura física particular, sumándole una capa más a la diversidad que planteaba la serie original, donde “Shana” era la afroamericana, “Aja” la asiática, “Kimber” y “Jerrica” las caucásicas y “Raya” la latina. En este universo de YouTube, concursos virtuales y teléfonos móviles, Kimber no puede dejar de sentirse totalmente atraída por “Stormer” de la banda rival, una Stormer que mantiene la sensibilidad del personaje original y que, afortunadamente, tampoco ha podido dejar de notar la belleza y encanto de la hermana de Jerrica. Jem and the Holograms mantiene ese clima adolescente donde el romance, el coqueteo, la amistad y la música son piezas importantes. Pero al hacerlo, le suma de manera casi natural nuevas capas sobre la aceptación, la diversidad y la identidad. En este nuevo mundo -no menos cargado de glamour y aventuras, y a pocos números de su lanzamiento-, sin forzar demasiado las tramas o los personajes, se ha logrado revitalizar a estas chicas de pelos raros y coloridos y, por sobre todo, humanizarlas, y acercarlas mucho más a un público nuevo y joven. + www.idwpublishing.com

(*) Patricio Oliver es diseñador gráfico por la FADU/UBA, ilustrador y creador de numerosos vinyl toys para Red Magik, Kid Robot, Toy2R, UnboxIndustries y Mugo. www.patriciooliver.com.ar


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+ mundo creativo

Texto: Germán Andrés @vermirando Foto: Facundo Gaisler

música

Tweety González Acompañante sonoro Músico, productor, ingeniero de grabación, fanático de la música y sus secretos técnicos. Desde los años 80, tocó y grabó con artistas como Fito Páez, Soda Stereo y Spinetta, además de trabajar a la par de Cerati en varios proyectos. En los 90, colaboró con Los Brujos, Man Ray, IK&V y produciendo artistas de música electrónica. Participa y produce discos de músicos mexicanos, de Perú, Colombia y Chile. Es argentino, pero reconocido en toda América. Tweety González ha obtenido premios por su labor, que es un poco oculta para el gran público. Además, es un reconocido cazador de talentos. Hace dos años, fundó su propio sello discográfico llamado “Twitin records”, que tiene un gran presente. Aquí nos cuenta de esa experiencia compartida con nuevos músicos. + ¿Cuál es la piedra fundacional del sello Twitin? TG Nace como una necesidad de dar salida, al menos digital, a muchos discos que yo producía, y no tenían destino de edición. O sea, casi nadie se emocionaba con sacarlos, y para mí son muy buenos. A esto se sumó una propuesta de The Orchard (una de las distribuidoras digitales más grandes del mundo): me mostraron la plataforma, y al ser re nerd, quedé prendido. + ¿Creés que hay una búsqueda de nuevo sonido en el rock/pop emergente? TG Creo que a nivel de nicho siempre existió esa búsqueda, aunque ahora tal vez esté más cerca del melómano, y bastante alejado de la oreja popular. Esa actitud no lo limitaría sólo a nivel rock/pop, creo que en todos los estilos encontrás propuestas nuevas. + ¿Cómo ves la escena de la música alternativa en Sudamérica? TG La escena está saludablemente crecida y, obviamente, Internet es uno de los motivos. Las propuestas están cada vez más segmentadas, cosa que no está mal, porque enriquece la paleta sonora del continente. En Sudamérica, saben más de nosotros que nosotros de ellos; es una cosa muy argentina, de mirarnos el ombligo nada más. Viajo mucho por todo el continente, y empiezo a sentir que Argentina, a nivel música de masas, se está quedando atrás. Al no tener a un Cerati activo, carecemos de un embajador de la

modernidad local. Por suerte quedó su obra, que es admirada y sabida por millones de personas en toda Latinoamérica, como la de ningún otro argentino. + ¿Qué te interesa mostrar con el sello, o cómo vas armando su perfil? TG Me interesa mostrar artistas que tienen un nivel de sensibilidad, calidad y trabajo por arriba de la media actual. Pero no tenemos una línea estética; es mucho gusto personal, con un poquito de olfato. Sumado a que además de gustarme la música de ese disco, sepa que atrás hay personas trabajadoras, comprometidas y apasionadas con lo que hacen. Que no estén atados a modas, sino a una propuesta honesta artísticamente, es muy importante para mí. + ¿Qué lanzamientos tienen planeados en este momento? TG Acabamos de lanzar a Martín Rodríguez (de Córdoba); Ulises Butrón será el próximo, un disco que nos tomó varios años terminar, pero que es una obra de arte desde el primer compás hasta el último. Y hay un par más buenísimos para el futuro: discos que no produje yo, sino que ya vienen cerraditos. + ¿Cómo te mantenés informado de nuevas propuestas y talentos? TG La info me llega por lados distintos: desde blogs, hasta mensajes de Facebook, pasando por consejos de amigos. Navego muchas horas por semana en la net, leo muchos medios y oigo bastantes horas de música nueva. Hay muchísima música me encantaría que el día tenga algunas horas extras sólo para oír música. Creo que nunca en mi vida oí tanta... + www.tweetygonzalez.com

TWITIN RECORDS El sello nació en 2013, y funciona como plataforma de difusión de nuevos artistas, con la curaduría especial de Tweety. Hace mayormente ediciones digitales, pero también en soporte físico. En junio salió en CD el buen álbum debut del autor pop Martín Rodríguez, y antes fue el turno de Audia Valdez. Conformando lentamente un catálogo híbrido entre el pop, el rock y la canción electrónica, se instala como vidriera para descubrir autores emergentes de Sudamérica en general. + www.twitinrecords.com


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+ mundo creativo

diseño

Concurso de diseño Intervení con luz la Basílica del Sagrado Corazón de Jesús Ubicado en Barracas, al sur de la Ciudad de Buenos Aires, el Distrito de Diseño está decidido a revitalizar el barrio en que se encuentra, cuidando y manteniendo la identidad que lo caracteriza, a través de distintas acciones. La más reciente, el llamado a concurso para intervenir con luz la Basílica del Sagrado Corazón de Jesús. Este nuevo concurso público invita a explorar la materialidad de la luz como recurso de intervención urbana. Hasta el 2 de octubre, diseñadores, arquitectos y artistas podrán presentar propuestas de diseños de iluminación para dar nueva vida a la Basílica del Sagrado Corazón de Jesús (situada en Av. Vélez Sarsfield e Iriarte).

de la Comisión Directiva de Diseñadores de Interiores Argentinos Asociados -DArA-), Gonzalo Fargas (director de revista 90+10), el Padre Sebastián Alfonso García (cura párroco de la Parroquia del Sagrado Corazón) y Laura Salles (coordinadora general del Distrito de Diseño y Centro Metropolitano de Diseño).

De estilo románico con rosetones vidriados, fue construida en un solar donado por la familia Pereyra Iraola, y ocupa un lugar de notable relevancia en el territorio, punto de unión entre dos realidades: el barrio y la villa 21-24.

Las bases y condiciones pueden consultarse y y descargarse en www.buenosaires.gob.ar/disenobarracas, así como fotos y planos de la Basílica. La inscripción se realiza enviando un mail a intervencionesdd@buenosaires.gob.ar, aclarando y adjuntando la información solicitada en las bases. La fecha límite de postulación es el 2 de octubre.

Las propuestas a presentar deben abarcar el cuerpo principal exterior de la Basílica del Sagrado Corazón de Jesús como foco referencial y su predio circundante como extensión máxima de intervención. El proyecto ganador contará con $400 mil para hacer realidad la idea. El jurado a cargo de la selección estará integrado por Eli Sirlin (titular de diseño de iluminación en FADU/UBA y el Instituto Universitario Nacional del Arte -IUNA-), Julio Oropel (integrante

Una de las misiones del Distrito de Diseño es la de crear un espacio donde convivan la identidad del barrio con las empresas de diseño (donde se trabaje, se estudie y se viva). Es por eso que considera tan importante la revitalización de la Basílica, un edificio histórico con más de cien años, testigo del orgullo barraquense. + www.buenosaires.gob.ar/disenobarracas


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mundo creativo 017 #ObjetodelDía + Una selección de las notas que semanalmente se publican en http://90mas10.com/objetodeldia. Piezas de diseño nacional e internacional, novedosas, icónicas, útiles y bellas que, muchas veces, dan pie al debate, y hasta reciben críticas y comentarios.

Contenedor y alfombra de Claudia Traverso y Philippe Deroy Accesorios para la casa, con carácter nómade y lúdico, ya que su sistema de cierres facilita el transporte y configuración, de acuerdo las necesidades del ambiente. Gracias a la convocatoria de DArA y Guayruro, los diseñadores argentinos fueron invitados a crear objetos de uso cotidiano, que incluyera textiles naturales, originarios de distintas regiones de Argentina. El resultado fue la muestra Diseño de raíz, que hasta el 12 de julio pudo visitarse en el Museo Eduardo Sívori (Av. Infanta Isabel 555, CABA). Claudia Traverso y Philippe Deroy -con la colaboración de Vittorio Caligara– son los responsables de “Entre cierres”, un desarrollo textil en fieltro ovino, intervenido con cierres metálicos, que resulta en un contenedor (ideal para guardar juguetes, almohadones o libros) y una alfombra modular, que puede adaptar su forma y medida de acuerdo a las necesidades del usuario. +

Lámparas colgantes de Klaus Haapaniemi & Co.

Mesas bajas Foglio de Federico Churba

Una abeja, una piña y un murciélago han sido delicadamente calados en las lámparas colgantes diseñadas por Klaus Haapaniemi y Taneli Mansikkamäki. En lata pulida, los tres modelos de lámparas son fabricados en Finlandia. Su base de nogal americano posee una capa de laca transparente que la protege. Las pequeñas perforaciones que logran los distintos motivos derivan en luminarias que, al encenderse, ofrecen una agradable atmósfera de brillo etéreo. Si la luz está apagada, los diseños elegantes y sutiles visten cualquier ambiente. ¿Su precio? Entre 650 y 850 euros en el Klaus Haapaniemi flagship store de Londres o bien en su tienda online. + www.klaush.com

Como una hoja, una liviana lámina de aluminio se pliega sobre sí misma para dar lugar a una familia de mesas bajas. Se trata de la primera pieza diseñada por el argentino Federico Churba: “Es el primer producto de mobiliario que diseñé. De hecho, fue diagramado previamente a mi ingreso a la carrera de diseño industrial en la FADU/UBA”, recuerda. La colección es el resultado de un proceso de exploración con el aluminio y la aplicación de diversas técnicas productivas como el corte y plegado. En una amplia gama de colores y alturas, las mesas Foglio están disponibles en la Tienda fCH (Paraná 1172, CABA). + www.federicochurba.com.ar


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+ mundo creativo

Texto: Celeste Nasimbera @CeleNasimbera

moda

Tonocoté Pisada nacional En reiterados viajes al norte argentino, Catalina Agudin se encontró con saberes, haceres y modos argentinos para pensar desde el diseño. Así surgió Tonocoté, una propuesta de calzado realizado con cuero natural y telar de chaguar. Mientras cursaba la carrera de diseño de indumentaria en la Universidad de Buenos Aires, Catalina Agudin recorría las provincias del norte de nuestro país. “Conocí algunos de los pueblos originarios de Argentina. Entonces comencé a sentir que ahí, en ese encuentro cultural que somos como país, podía encontrar material para trabajar desde el diseño”, relata la diseñadora, dando cuenta de un tránsito que le permitió pensar en otro modo de hacer las cosas. En este caso, incluir un saber ajeno y actuar de modo sustentable. Tonocoté es una marca que realiza zapatos exclusivos con telar de chaguar, una fibra vegetal del bosque Chaco Salteño, trabajada por las mujeres wichis argentinas, en el marco del comercio justo. Eligió ese material porque fue el motivo por el cual comenzó. “El telar de chaguar fue el disparador. Mientras trabajaba en una ONG, tenía que pensar en nuevas ideas para artesanías; así conocí en detalle este material y la dedicación que se invierte en la elaboración. Siempre me imaginé que podrían hacerse cosas súper interesantes”, explica Agudin sobre los inicios del proyecto. Pensar en

la valoralización del saber ajeno, potenció los propios. El diseño se vincula con el material artesanal y genera un nuevo producto. “En este proceso, creo que lo más importante es justamente el encuentro de estas tradiciones con el diseño, ya que le da una oportunidad a los distintos actores de enriquecerse. Existe la posibilidad de hacer propuestas nuevas, contemporáneas, pero con una impronta, una identidad, donde las personas que están detrás del proyecto sí importan, y hay una historia y una realidad para contar”, explica la diseñadora, que decidió nombrar a la marca referenciando a un grupo aborigen que habitaba principalmente en Santiago del Estero. El material como revalorización, el diseño para resolver el producto. Y en la combinación, el diferencial. La misión es ofrecer un producto con valor cultural. Tonocoté estuvo presente en el stand de Creatividad Ética en la feria sustentable ToBeEco en Italia, y en la reciente edición de feria PuroDiseño. + www.tonocote.com.ar


mundo creativo

Foto: Daniel Esteban

+ 019

El azar decide la nueva obra de Elian en Montreal Una nueva escala en la ruta artística de Elian. Esta vez, sus pinceladas se instalaron en las paredes de Montreal, Canadá, como parte de las acciones del festival de arte público “Mural”. El resultado es una obra que resulta de involucrarse con el lugar, su gente y el azar. Del 4 al 11 de junio, el Boulevard Saint-Laurent de Montreal se convirtió en peatonal y testigo de Mural, el festival internacional de arte público, que dio como resultado la exacta cifra de 1.407.327 visitantes y 20 murales realizados. Con la misión de democratizar el arte urbano, Mural propuso un programa audaz, y ofreció al público la oportunidad de presenciar la realización de murales en tiempo real, y de asistir a eventos musicales exclusivos. No faltaron los seminarios, exposiciones, instalaciones y hasta gastronomía. Todo ello al aire libre, durante 11 días de fiesta. “Mural es uno de los más importantes encuentros de arte público en el mundo. Este año, la programación fue enriquecida con una feria de arte, recitales, conferencias, proyección de películas, talleres, así como un gran número de actividades en la calle y eventos especiales”, nos explicó André Bathalon, cofundador del festival. La edición 2015 de Mural reunió a reconocidos artistas visuales de ocho países: Nychos (Austria), Curiot (México), Jaz y Elian (Argentina), Faith47 (Sudáfrica), Bicicleta Sem Freio (Brasil), Axel Void (España), 2Alas (Estados Unidos) y C-215 (Francia). Y contó también con la participación de artistas locales, como Xray, Earth Crusher, Monk.E, Astro, Melissa Del Pinto, MC Baldassa- ri, Eric Clemente, Benny Wilding, Jarus, Opire y 4-Tind. ¿QUÉ PRODUJO ELIAN? “Genesis Modification/Glitch Essay” es como tituló nuestro amigo

cordobés su mural en la calles canadienses, y se sitúa sobre una de las paredes de la Foundation Sidalys (Secours AIDS Centre), dedicada a recibir pacientes sin hogar con HIV. Se trata de una organización sin fines de lucro ni perfil religioso, que se mantiene gracias a donaciones y al apoyo del gobierno. Y así explicó Elian su obra: “Este es mi primer experimento modificando el código básico de mis bocetos digitales (glitch). Antes de llegar a Montreal, y de comenzar mi trabajo en este mural, hice una composición basada en mi línea estética, sobre la funcionalidad del espacio y el medio ambiente. Después de aprender sobre la historia de quienes viven en la Fundación, no pude mantener mi idea y excluir esta información en mi trabajo”. En consecuencia, Elian incorporó en el código de la imagen digital que utilizó para su obra, los nombres de algunas de las personas que actualmente viven en la Fundación: Christine, Eric, Sebastien, Denis, Alain y Rejean. El resultado obtenido al azar fue parte del boceto final. “Me parece interesante perder el control total sobre mi trabajo, y dejar que los factores externos influyan, sin ser necesariamente protagonistas. Es una buena manera de retratar el ambiente, dentro de la abstracción. También considero esencial esta relación entre el trabajo y el espacio virtual analógico/digital, que pueden trabajar juntos, para retratar ambos mundos en que vivimos”. + www.muralfestival.com #DeCordobaAlMundo www.90mas10.com/decordobaalmundo


020

+ mundo creativo

Texto: Patricio Oliver (*) @patriciooliver

art toys

De los Andes a Japón con Cerrito Hace unos años, el argentino César Zanardi emprendió un camino de la mano de Cerrito, una criatura rodeada de todo el misterio que los mitos y leyendas suelen tener. Este recorrido -que no fue fácil-, lo llevó por varios formatos y proyectos. Siempre muy vinculado a la cultura asiática y su devoción por Japón, era cuestión de tiempo, hasta que se manifestara de manera física el fruto de dicha relación. El vinilo suave japonés (también conocido como sofubi), será el material y formato que contendrá a la bestia de Zanardi. Diseñado en Buenos Aires, pero fabricado en Tokyo, esta primera edición de Cerrito se presenta como una versión andina. Entre sus varias características, su creador destaca sus atributos de “talismán protector”. Las dos versiones: “Terracota” y “Jade”, utilizan el color base del material con detalles pintados en tonos más oscuros, para intensificar la forma del esculpido. “¡Una amalgama de energías espirituales puede ser liberada inesperadamente! Manéjese con precaución y

sabiduría. Nadie sabe qué se esconde detrás de esa sonrisa…”. La figura mide 10.5 cm de largo por 9.5 cm de alto. Si bien se encuentra a la venta en tiendas de Akihabra y Nakano, los pedidos internacionales se pueden realizar en la sitio de One Up (http://one-up.shop-pro.jp/). Próximamente, se lanzará una nueva edición del sofubi, pero no se ha anunciado aun qué color tendrá, ni su terminación. Se estipula que la regularidad de la salida de estas variantes de croma sea cada dos o tres meses. En paralelo, Zanardi continúa con el armado del libro de Cerrito. + www.facebook.com/mundo.cerrito | www.cesarzanardi.com.ar

(*) Patricio Oliver es diseñador gráfico por la FADU/UBA, ilustrador y creador de numerosos vinyl toys para Red Magik, Kid Robot, Toy2R, UnboxIndustries y Mugo. www.patriciooliver.com.ar


mundo creativo

+ 021 diseño

Espina Corona por Marcelo Rafael Orlievsky Probablemente, la formación plural y la capacidad de observación global le brindaron al diseñador argentino un modo de síntesis. El mismo que expresa en el mobiliario Espina Corona, poniendo en evidencia la sencillez del material, la nobleza de la madera. Buenos Aires, Jerusalén, Milán. El diseñador argentino comenzó su formación académica en diseño industrial en la Universidad de Buenos Aires, continuó formándose en arte en la academia Bezalel, y finalizó sus estudios en la Universidad de Palermo, nuevamente en nuestro país. Desde el 2006, está a cargo de la coordinación del laboratorio de muebles dentro del Centro de Investigación de la madera en el INTI. En 2009 y 2011, realizó una especialización en diseño de mobiliario (UBA) y un curso de especialización en tecnología y arquitectura (UTDT). El recorrido profesional decantó en un proyecto personal. Espina Corona surgió hace dos años, con la idea de poner en valor las maderas típicas de América del Sur. La tradición se tomó del oficio y se combinó con innovación, incluso, utilizando nuevas técnicas de fabricación 3D. La propuesta se materializa hoy en un mobiliario moderno, despojado, pensado para espacios contemporáneos. “Me inspiran los materiales: la madera, el cuero, el plástico, y hasta los talleres donde se trabajan: los carpinteros, los tapiceros, sus técni-

cas y maquinarias. Creo que el producto final depende en gran parte de la forma y la innovación puesta a disposición de la materia prima. El hacer uno mismo sus prototipos en el taller es, en mi opinión, lo más revelador dentro del proceso de diseño. La prueba y el error son constantes, pero así es cómo se avanza. Admiro a quienes mantienen el oficio, pero no se quedan estáticos ante la tradición de la técnica, y son capaces de generar algo contemporáneo con ello”, relata Orlievsky, dando cuenta de sus disparadores creativos. El diseñador presentó su proyecto de equipamiento en el último Salón del Mueble de Milán, donde expuso una silla (Espina dos) y un sillón (Espina uno), ambos enmarcados en el mismo lenguaje de diseño. El oficio y la experiencia –entonces- logran ponerse a disposición de dos piezas con carácter y movimiento; ambas representantes del diseño argentino con capacidad de exportación. Los productos de Espina Corona se pueden adquirir en el showroom del diseñador, ubicado en el barrio de Las Cañitas, en la Ciudad de Buenos Aires. + www.espinacorona.com.ar


022

+ mundo creativo

Texto: Celeste Nasimbera @CeleNasimbera

publicaciones

Autor FLORA GRZETIC Formato 72 páginas 15 x 20,5 cm

Universo aniversario Eso es muy Flora En un gesto indie, muchas mujeres mantenemos la costumbre de un diario íntimo, aún cuando no estemos en edad. En tiempos de Tumblr y Pinterest (en sencillas aplicaciones para mobile), las posibilidades de acumular fotografías, frases, cintas, dibujos, referencias, cosas bellas, son infinitivas. Después de cinco años una bitácora virtual, Flora Grzetic decidió celebrar su blog, reuniendo sus gustos en un encantador libro. La entrevistamos para conocer cómo los bits se transformaron en páginas.

prestás o regalás a otra persona. Es algo tangible, mucho más capaz de comunicar que un blog. Yo quise que quede un registro de todo lo que dije en cinco años, porque para mí es importante. Quise premiar mi espacio, y la mejor manera era hacer un libro. + ¿Cómo fue el proceso de selección de las imágenes y de la entrada publicada? FG Tenía un archivo bastante abultado, pero tenía mis favoritas. Sí me llevó bastante tiempo porque, en el medio, la vida, el trabajo y algunas otras cosas, me frenaron. Creo que tardé unos tres meses desde que lo pensé, hasta que el libro entró a imprenta. El primer paso fue revisar todo el blog, e ir guardando cada foto que me gustaba. Lo mismo con los títulos y algunas partes de cada post. Tuve que releerme. Una vez que tuve esa selección, hice otra: fui descartando y resaltando lo que quería decir, lo que realmente significaba algo y lo que no. Después pensé en categorías, pero me di cuenta de que no podía, así que la asociación de imágenes y texto fue instinto puro. Lo mismo el orden de las páginas. Todas las fotos y textos están elegidos en base a sensaciones y sentimientos mientras lo hacía. Algunos tienen relación, otros no. La entrada de los tips de viaje creo que es la entrada más útil de todo el blog, y que merece estar impresa. Además, me lo pidió una amiga, y es el elemento perfecto para cortar con tanta foto.

+ ¿Qué es algo “muy Flora”? FG Algo directo, instintivo; es un flechazo. Es amor a primera vista. Cada vez que veo algo que considero muy Flora, sé que no me estoy equivocando. Puede ser un vestido, un regalo para alguien, una frase, o hasta una acción.

+ ¿Qué cuenta el libro que el blog no? FG No pensé el libro con intención de que diga algo que el blog no dice. El libro es una invitación a mi vida, y a que me conozcan tal cual soy. Soy yo al 100%, me gusta que quienes tengan el libro entiendan por él quien soy. Porque por lo general, en la vida real, soy bastante distante y reservada. Por eso, el blog me sirve para expresarme, y desafiar todos los días mis problemas de comunicación (que obviamente tengo como cualquier ser humano), y el libro es abrir un poco más los ojos. Es como un gran “ahora entiendo todo”.

+ ¿Por qué llevar (en parte) el blog al papel? FG Un blog es un registro de algo que queda plasmado en el aire: puede borrarse cuando uno quiera y dejar de existir. En sí, no es nada. Un libro es algo para siempre, tiene más rotación, además de ser un objeto. Yo te lo regalo, y capaz que en unos años, se lo

El pequeño libro de tapa marrón (reservándose todo el color en su interior) se puede conseguir en la Ciudad de Buenos Aires en Indio Tienda (Av. Santa Fe 2729, locales 43/ 44, piso 1, Galería Patio del Liceo) y en Reunión (Conde 2127). ¡Es muy Flora! + www.esoesmuyflora.com

La estilista de On The Corner y la productora Crudo, es la persona detrás de “Eso es muy Flora”. En cada post, da cuenta de sus modos de vestir, de escribir, de ser. Ahora, en una pequeña síntesis, lo pone en papel

Editorial MONOBLOCK Autor YAN SCHENKEL Formato 21 x 23 cm 160 páginas

El mundo de Pica Pau 22 muñecos en crochet para aprender a tejer Yanina Schenkel se dedica a crear personajes sencillamente adorables, pero esta vez, deja la aguja y va al papel, para dejar registro de algunos de sus trucos. En una propuesta editorial, su proyecto Pica Pau brinda las herramientas necesarias para aprender a hacer juguetes.

Con la edición a cargo de Monoblock, Yanina Schenkel (al frente de Pica Pau) presentó su manual de instrucciones. Un libro para hacer, porque no podía ser de otra manera. La diseñadora de juguetes da vida a sus personajes a través del crochet. Cual Geppetto del siglo XXI, ofrece una serie de prácticas indicaciones para aprender. En 2009, surgió Pica Pau, producto de mezclar sus dibujos con el crochet. Los personajes fueron llegando, al igual que el reconocimiento de su trabajo. ¿Y de qué trata su libro? Posee 22 patrones originales de muñecos y 25 técnicas de tejidos tridimensionales, para poder crear conejos, gatos, monos y zorros, entre otros, con la aguja. Cada indicación es acompañada de un excelente material fotográfico, que vuelve más sencillo el proceso y su correspondiente seguimiento. “El mundo de Pica Pau” compila los conocimientos de su autora, y recorre varias propuestas. Es indicado tanto para principiantes como para expertos: cada cual encontrará un proyecto a medida. Un libro para coleccionar y animarse a crear un mundo lúdico. + www.elmundodepicapau.com www.monoblock.tv


024

+ mundo creativo

Texto: Ricardo Sametband @rsametband

gadgets

Sony Bravia 4K Sony presentó en la Argentina su línea de televisores con resolución 4K (Ultra Alta Definición) y Android TV, la plataforma que reemplaza al clásico Smart TV, y que le permite sumar más funciones, como búsqueda por voz, aplicaciones de todo tipo, videojuegos (con

hasta 4 usuarios) y más. Corre Android Lollipop, por lo que accede al ecosistema de aplicaciones de Android. Además, son compatibles con contenido 3D y tienen una antena Wi-Fi integrada y NFC. + www.sony.com.ar

Samsung Galaxy S6

Amazon Kindle PaperWhite

El smartphone más avanzado de la firma surcoreana ya está disponible en el país, con su pantalla de 5,1 pulgadas, chip de 8 núcleos, 3 GB de RAM, cámara de 16 megapíxeles con autofoco por detección de fases y estabilización óptica de imágenes, 32 o 64 GB de almacenamiento interno y sensor biométrico por tacto. La versión Edge tiene una pantalla con bordes curvos. + www.samsung.com/ar

El nuevo lector de ebooks de Amazon es un buen balance entre el Kindle tradicional de 6 pulgadas y el tope de línea (el Voyage), ya que incorpora un panel de tinta electrónica de alta resolución al paquete estándar (pantalla táctil de 6 pulgadas, Wi-Fi, retroiluminación) y suma un nuevo motor tipográfico para no depender siempre del justificado automático, mientras mantiene la batería de larga duración. + www.amazon.com


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mundo creativo 025 gadgets

GoPro Hero4 Session Es la cámara deportiva más pequeña de GoPro. Graba video en Full HD, puede tomar fotos de 8 megapíxeles y es sumergible de fábrica (no requiere una caja estanca), además de ofrecer un enganche de

perfil más bajo que la Hero convencional, lo que permite tomas de cámara más al ras, su ubicación en lugares más pequeños, etc. + http://es.gopro.com/

AMD Project Quantum Es una PC de AMD y en la primera demo llevaba, inesperadamente, un chip de Intel. ¿Por qué? Porque es, más que nada, una prueba de concepto: Project Quantum es una PC para juegos de formato relativamente pequeño, con dos placas gráficas AMD Fiji, para jugar en resolución 4K sin problemas sobre un motherboard mini-ITX y un sistema refrigerado por líquido. Todo se enfría con un radiador y un único ventilador en la parte de arriba del gabinete. Todavía, sin embargo, la compañía no dio el precio, aunque aclaró que tendrá versiones con chips propios (de AMD) y con otros de Intel. + www.amd.com

Windows 10

Motorola Moto 360

El 29 de julio fue la fecha que eligió Microsoft para publicar su nuevo sistema operativo, que mantiene su foco en las pantallas táctiles, pero suma más herramientas para quienes todavía no tienen un equipo así. Incorpora escritorios virtuales, el asistente Cortana y más herramientas. La actualización es gratis para usuarios de Windows 7 y 8.1, hasta el 29 de julio de 2016. + www.microsoft.com/en-us/windows

Fue el primer smartwatch en apostar por el estilo antes que por el hardware puro. Y finalmente llegó a la Argentina, casi un año después de su debut internacional. Son sus características: una pantalla circular táctil protegida por un cuerpo de acero, una malla de cuero (también hay de metal, compatible con las estándar de 22 mm), sensor de pulsaciones, podómetro, micrófono para recibir comandos verbales, una batería con unas 24 horas de autonomía y Android Wear, la versión para dispositivos de vestir del sistema operativo de Google. + www.motorola.com.ar


026

+ mundo creativo

Texto: Celeste Nasimbera @CeleNasimbera

green design

¡Alerta! Invasión Verde Entre las líneas grises que conforman las avenidas porteñas, hay vértices para intervenir. Al costado, adelante y arriba. ¡Hay una infinidad de balcones para transformar! En una ciudad donde hay que encontrar dónde y cómo sumar verde, la solución es práctica, y viene en tamaño pocket. Invasión Verde surge en 2013, con la intención de ofrecer productos innovadores que faciliten la implementación del verde en los espacios urbanos. El diseñador industrial José Losada (dedicado al diseño y desarrollo de producto) y Nicolás Cerullo (en el área de clientes y proveedores) están detrás de la propuesta. ¿En qué consiste? En la realización y comercialización de macetas que se incorporan con facilidad a departamentos, casas, consorcios, empresas y municipios. Donde se necesita o se desee, sin mayor complicación, ni grandes cuidados.

sin tiempo, conservando la humedad de la tierra por más de diez días, gracias al trabajo sobre la capilaridad del agua. Eso significa que la planta no se seca.

Distinguidas por el Sello Buen Diseño 2015 y con reciente presencia en Wanted Design NYC, las macetas de Invasión Verde se diferencian por lo simple que resultan. Fueron pensadas y realizadas resistentes: soportan la intemperie y las inclemencias del clima. Cuentan, además, con un sistema de riego simple para quiénes están

Una estrategia práctica para incorporar verde a cualquier rincón. Las macetas pueden solicitarse en su sitio Web oficial, donde cuentan con diferentes medios de pago. Allí también pueden encontrarse ideas y consejos. + www.invasionverde.com.ar

Las macetas son realizadas de modo eco, siguiendo una lógica entre misión y producto. No se utilizan materiales tóxicos, y en la fabricación se reutilizan descartes, incluso, de la industria gastronómica. Hay una línea de coherencia: se transforma lo que no se usa, y se genera un modo sencillo de tener plantas, y hasta de armar pequeñas huertas.


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mundo creativo 027 marketing

Sistemas de asadores

El ritual de las brasas siempre a punto El éxito de un buen asado dependerá no sólo del “expertise” del asador, sino de un conjunto de factores que hacen a la atmósfera del clásico encuentro argentino. En este sentido, el diseño de una buena parrilla es fundamental. Ya sean carnes, verduras, provoletas o brochettes, todo va a pasar al asador. Más aun con los modernos sistemas de asadores, que completan ambientes con su alto valor estético, los mantiene ordenados y libres de humo. Y de esto, Sabato Pagliocca sabe mucho. Básicamente, los sistemas que la firma especialista en carpintería metálica fabrica en su planta de Lomas de Zamora desde 1966, poseen, poseen tres componentes: tapa-guillotina contrapesada, interior y bajo parrilla, y combinan acero inoxidable y hierro. Ofrece distintos modelos de serie y también los realiza a medida, tanto para el hogar como para la industria. A carbón, a gas (o combinando ambas opciones), el interior de la parrilla se adecúa a las necesidades del asador. En el caso del carbón, el enrejado redondo o en ángulo y los diversos módulos intercambiables, facilitarán la cocción de los distintos alimentos. Parrigás, horno y anafe completan las posibilidades para el interior de su parrilla. Así, cualquiera sea la forma de alimentación elegida,

la costumbre argentina de compartir un asado se mantiene intacta. Se incluye a todos. Un mix de puertas y cajones en impecable acero inoxidable se propone para mantener el orden del ambiente y aprovechar mejor los espacios, integrando las parrillas al hogar, y facilitando el acercamiento entre comensales y asador. En el caso del sistema Premiun, las manijas y herrajes se amoldan al gusto del usuario, aportando soluciones eficaces y elegantes en materia de decoración. El sistema modular es ideal para obras nuevas, reformas o construcción. Los kits agrupan frente y bajo parrilla, interior de asador (leñero, parrilla y opcional de parrigás) y premarco para un correcto y seguro ajuste. Se entregan con un pack de accesorios: pala, atizador y artefacto. Los bajo-parrillas disponibles son los de puertas de abrir. Se puede elegir entre las opciones de acero inoxidable o chapa prepintada. Para ambos casos, las medidas disponibles son de 120, 150, 180 y 210 cm. + www.spagliocca.com.ar | www.asadoresapunto.com.ar


028

+ mundo creativo

Texto: Marcela Fibbiani @marce9010

moda

Ramírez presentó nueva colección denim La colección RamírezDenim ya está colgada en los percheros de la tienda de Pablo en San Telmo. Para celebrar 15 años con la moda, el diseñador argentino volvió a sus orígenes, y nos deleitó con prendas de puro denim en un desayuno en Tegui. La lluvia matutina del martes 19 de mayo pareció bautizar la nueva propuesta en denim de Pablo Ramírez, que utiliza tejidos de la línea Premium Loco Serious Denim, producida por el Grupo Santana Textiles. Se trata de la continuación de una alianza estratégica entre industria y diseño, que dio sus primeros pasos la temporada anterior. Vistiendo generalizado negro, las editoras de moda locales fueron llegando con puntualidad al restaurante del chef Germán Martitegui, en cuya atmósfera ya se respiraba el estilo Ramírez: es que los uniformes de todo el personal de Tegui fueron creados por el mismo diseñador. La habitual configuración del restaurante fue reemplazada por largas mesas y bancos ubicados a los costados, dejando espacio a la pasarela. Con musicalización de Fer Ciraudo, y comandados por Mariana Schurink, los modelos marcharon en dos grupos, iniciando su recorrido desde el fondo del local, pasando por el patio de plátanos (donde hacían una pequeña parada frente al enorme ventanal), y entrando luego al salón, para detenerse unos minutos

ante los flashes, y a continuación atravesar el corredor de afilados ojos críticos. Aires de Audrey Hepburn se colaban en la cintura alta y el talle slim que destacaban las siluetas de los 26 conjuntos formados por prendas clásicas del jeanswear, en tonos Deep Blue, Grey y Black: pantalones rectos, cigarette, chupines u Oxford, camisas, camperas. Acompañaron imprescindibles camisas blancas, así como las botas altas de Rossi & Carusso y los slippers de Nikka N. En el saludo final, el impecable guardapolvo negro que vestía Ramírez indicaba su rol en este juego: fue el encargado del “hacer”. Los souffles de Martitegui marcaron el cierre de la reunión, junto al video que se proyectaba sin cesar en una pantalla junto a la puerta, que resumía esto encuentro entre Ramírez y Santana Textiles, y que fue retratada bajo el lente del dúo compuesto por Luciana Val & Franco Musso para la campaña gráfica. La precisión del corte y la moldería de Ramírez y el lenguaje original del jeanswear se conjugan en RamírezDenim. + www.santanatextiles.com/loco


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mundo creativo 029 ciudades creativas

Texto: Enrique Avogadro (*) @eavogadro

+ El Mercado, corazón de Masticar 2015.

Gastronomía Una industria creativa en transformación permanente

Sabemos que la comida representa mucho más que aquello que necesitamos para vivir. Y sabemos también que detrás de aquello que comemos, se encuentra una industria gigante, global y poderosa que es, a la vez, no sólo una de las más antiguas que existe, sino también una de las más creativas y cambiantes de todos los tiempos. Y es que la de la cocina es una industria casi tan antigua como la humanidad misma y, como tal, cambia y se reinventa constantemente. En Argentina, sin ir más lejos, pasamos en los últimos 40 años, de las clásicas comidas inspiradas en la mítica Doña Petrona, a recetas más complejas, de mano de lo orgánico y saludable. En el medio, hubo recetas que se pusieron de moda, vivimos una invasión de comidas étnicas, atravesamos el boom de la cocina molecular, y nos cansamos de toparnos con el ubicuo mote “de autor”, que se desparramó desde Palermo hacia prácticamente todos los barrios de la Ciudad. Las tendencias mutan y todo cambia, menos las ganas de comer y la capacidad de la industria gastronómica –una de las más creativas que existen, sin dudas-, de inventar nuevas formas de hacernos sentar a la mesa. Esto explica en gran parte el éxito de iniciativas como Buenos Aires Market, la feria de productos orgánicos que visitan miles de personas cada mes; el auge de las ferias itinerantes de la Ciudad, y la proliferación de espacios que ofrecen productos ricos, sanos y accesibles en formato feria, acaso, el más antiguo que existe. Y ni hablar de la ya consagrada feria Masticar, que reúne aproximadamente 100 mil personas cada año en torno a la comida, y también a charlas y actividades gastronómicas de diversa índole, que resultan exitosas una y otra vez. Dicho sea de paso, su slogan es: “Comer rico, hace bien”. Vale la pena mencionar el caso de Masticar no sólo por el lugar que ocupa en el imaginario gastronómico local, sino también por sus características: organizada por la Asociación de Cocineros y Empresarios Ligados a la Gastronomía Argentina (Grupo Acelga), es un ejemplo claro y contundente de cómo la industria gastronómica se sigue reinventando. Pero no es el único. También está pisando fuerte la tendencia de los Food Trucks: emprendimientos rodantes gourmet que están buscando un lugar en las calles de Buenos Aires, aunque en el resto del mundo ya están instalados, a fuerza de ofrecer un modelo de negocios novedoso, atractivo para el público, y accesible a la vez para chefs y emprendedores gastronómicos en general. Aquí, los Food Trucks tienen una organización que los respalda, y comparten la premisa de ofrecer comidas sanas a precios accesibles, una demanda cada vez más requerida. Para los chefs, por otra parte, el atractivo está en brindar la ventaja de poner en práctica una idea con una inversión mucho menor

que la que implica instalar un restaurante a la calle. Otra de las nuevas tendencias es el de las incubadoras culinarias, que de a poco se van afianzando en todo el mundo, de la mano de emprendedores del sector, o como los definen en el mundo anglosajón, los “foodpreneurs”: jóvenes llenos de ideas, con ganas de cumplir el sueño de la cocina propia. Y justamente para solucionar el tema de los costos y complicaciones de la cocina propia, es que llegaron las así llamadas cocinas compartidas: espacios de trabajo colaborativo similares a cualquier otro, con la diferencia de que en vez de Wi-Fi, lámparas y escritorios, ofrecen hornos de última generación, congeladores industriales, y ollas y sartenes de infinitos materiales, tamaños y colores. Son laboratorios de ideas -que se cocinan de verdad-; “oficinas” con olor a cocina de abuela, donde se puede compartir la experiencia con otros que están haciendo algo parecido, desarrollar capacidades nuevas y, por qué no, encontrar socios para la próxima aventura culinaria. Una forma ideal para escalar el negocio propio a bajo costo. Atendiendo a este fenómeno, y entendiendo a la gastronomía como una de nuestras industrias clave, desde el año pasado, en la Ciudad pusimos en marcha una academia gratuita para emprendedores gastronómicos, donde profesionales del sector dictan contenidos específicamente adaptados, para trabajar acerca de las problemáticas de la industria, a través de técnicas ágiles y herramientas diversas. Se trabaja sobre casos y experiencias reales del mercado y el networking entre los alumnos, para fortalecer las relaciones interpersonales. Mientras, en Estados Unidos existen sitios como culinaryincubator. com, exclusivamente dedicados a ayudar a los emprendedores a encontrar una cocina cercana y disponible entre las casi 500 que listan a la fecha. Por aquí, la tendencia todavía es muy incipiente, pero es de esperarse que así como el contexto actual favorece el crecimiento del emprendedorismo, las condiciones naturales y coyunturales del sector gastronómico harán que, dentro de muy poco, empecemos a encontrarnos en la Ciudad con estos espacios culinarios comunitarios, en los que la creatividad y la colaboración sean los ingredientes principales. Después de todo, de eso se trata la cocina: de crear y compartir. +

(*) Enrique Avogadro es Subsecretario de Economía Creativa del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Es especialista en economía creativa, con experiencia en el desarrollo de políticas de promoción a las industrias creativas, al diseño y a la internacionalización.


030

+ mundo creativo

Texto: Marcela Fibbiani @marce9010

publicaciones

Editorial PAIDÓS - Colección Todo Saber Autor MERCEDES EZQUIAGA Formato 14,5 x 23 cm 272 páginas

Arte argentino para todos Lo que tenés que saber sobre “Todo lo que necesitás saber sobre arte argentino”, el primer libro de la periodista Mercedes Ezquiaga, editado por Paidós. Con este tomo, la autora logra exorcizar diez años de escritura dedicada a documentar las manifestaciones del arte y la cultura, como miembro del staff de la agencia de noticias Télam, en un compilado de sucesos, noticias, entrevistas propias y de colegas, así como las experiencias personales de recorrer muestras y ser protagonista narrativa de lo que sucede en el campo de la cultura local. El libro de Mercedes Ezquiaga fue presentado en el Centro Cultural Recoleta por la curadora María Teresa Constantin y la periodista María Paula Zacharías, como “una especie de diccionario de arte, un servicio”, que acerca la trastienda del universo arte al público general, no especializado. SUMERGIRSE EN EL UNIVERSO ARTE “Todo lo que necesitás saber sobre arte argentino” se compone de 40 capítulos, un glosario de términos y una completa bibliografía con links de interés, para quien desee profundizar en los distintos temas. El libro se inicia con la descripción del espectador (al que hoy considera protagonista del hecho artístico), el coleccionista y el rol actual de los museos, el curador y los espacios de exhibición. Continúa detallando los lugares de producción, como los ateliers, las residencias artísticas −que tan de moda están por estos tiempos− y los espacios de formación. También se introduce en el circuito comercial: los premios, las ferias, las subastas de arte, el coleccionismo. Finalmente, hace referencia a las técnicas de producción: la reivindicación del dibujo, la fotografía, la historieta, la performance, las obras site-specifics y el binomio arte-tecnología. Tampoco olvida otras manifestaciones como las acciones urbanas, el street art y el graffiti, la relación con la moda, el cuerpo como soporte, el diseño y el arte que se gesta en las villas. A su vez, Ezquiaga puntea algunos hechos emblemáticos del arte local en estos diez años, como la recuperación del mural de Siquei-

ros (hoy expuesto en el Centro Cultural Kirchner) y la transformación de los centros de detención de la última dictadura militar en espacios culturales para reflexionar sobre la memoria. También explora algunas temáticas de las que se vale el arte, como los santos populares, los íconos religiosos, o la misma Ciudad de Buenos Aires, y plantea una mirada federal de la producción artística, destacando lo que sucede en otros centros como Mar del Plata, Rosario, San Juan, Córdoba, Tucumán, Chaco y hasta la Antártida. DEL FORMATO Siguiendo el formato de la colección “Todo saber” de Paidós a la que pertenece el libro, “Todo lo que necesitás saber sobre arte argentino” se presenta como un manual didáctico, con distintos niveles de lectura desde donde sumergirse en el texto. De esta forma, cada capítulo es una unidad independiente (pueden leerse en forma aleatoria) y se desarrolla en tres páginas. Propone uno o dos destacados, un par de recuadros verticales con información adicional, una línea cronológica con datos relevantes, y un simpático guiño para amenizar la lectura: con la pregunta “¿Sabías que…”, la autora aporta más da un dato de color. Para finalizar, se propone un resumen, casi en formato twittero, que destaca lo esencial del capítulo apenas leído. + A pesar de no tener imágenes, la lectura resulta muy visual. La tapa es obra de Gustavo Macri, quien diseña todas las tapas de Paidós y de la colección. ¿Participaste en la elección de esta imagen? ¿Qué significa? ME La tapa que realizó Gustavo Macri para la portada de mi libro es sencillamente hermosísima. Me deslumbró apenas la vi, y no podría haber soñado una portada mejor. Lo más curioso es que jamás conversé con él al respecto. Simplemente, me mostraron varias ya terminadas y pude opinar cuál me gustaba más. Para mí, esta portada es como una paleta de colores, vibrante y desordenada, que se mixtura en la copa de un árbol, en cada una de sus hojas, listos para utilizarse sobre el lienzo. + www.libreriapaidos.com


mundo creativo

+ 031 diseño

Sud Transformar la experimentación en exportación Los proyectos necesitan tiempo para cimentarse. Carolina Levinton inició su formación a través del diseño industrial en la Universidad de Buenos Aires y artes visuales en el IUNA. El trabajo con cerámica, en los comienzos, se dio como actividad recreativa. Y luego de un taller con Mara Riviello López, se transformó en proyecto Sud. Acá, cómo resultó. Carolina Levinton es co-fundadora de Sud, empresa porteña especializada en cerámica, con dos años en el mercado. Realizan objetos creados a mano, confeccionados con materiales 100% nacionales, en los cuales el defecto es parte del encanto. El proyecto resultó ganador del concurso organizado por la Dirección General de Comercio Exterior (en conjunto con el Centro Metropolitano de Diseño de Buenos Aires), para participar en la exposición internacional Selected - It’s Just Design, en Graz, Austria. La entrevistamos para conocer cómo se transformó un espacio de experimentación en un diseño de exportación. + ¿Cómo surge Sud? CL Experimenté con cerámica en artes visuales. Tras esa experiencia, decidí seguir estudiando cerámica en el taller de Mara Riviello López. Lo primero que hice fue la maceta “Espino”, que aún hoy se vende. Después, desarrollé una línea completa de macetas, y las empecé a vender entre mis conocidos. Al tiempo, en mi entorno me empezaron a preguntar cada vez más por qué no me dedicaba a esto, y así fue que desarrollé el concepto de Sud, definí las reglas básicas sobre las cuales se asentaría, y monté todos los componentes necesarios. + ¿Por qué elegiste la cerámica esmaltada para expresarte? CL La elegí porque me resulta fascinante que a partir de la tierra

(lo más básico), y en conjunto con el fuego, pueda crear infinidad de piezas para usar en el día a día. Me permite combinar mi profesión (el diseño industrial), con la posibilidad de volver a lo manual, lo artesanal, explorar un oficio a fondo. Despegarme de la computadora me da placer y mucha libertad, y creo que se manifiesta en la sensibilidad de las piezas. + ¿Cómo resultó la participación en Selected: It’s Just Design? CL Desde lo profesional fue muy rico, porque conocí diseñadores de todo el mundo, con los que pude intercambiar experiencias y aprendizajes. Desde lo personal y social fue también una gran aventura: ir sola a mostrar lo que hago, comunicándome en otro idioma y representando a la Ciudad de Buenos Aires. Además de la participación en la exposición, me armaron reuniones con colegas y profesionales que fueron súper enriquecedoras. Desde visitar Augarten (fábrica de porcelana en un palacio que funciona desde el 1700), hasta conocer a los locales de pares e intercambiar piezas y técnicas, e incluso, cerrar pedidos. ¡Fue un aprendizaje enorme! De vuelta en Argentina, Carolina Levinton está dedicada a decantar la información obtenida. Mientras tanto, se encuentra en producción la colección #3 y otros proyectos colaborativos, dos de ellos junto a Tienda Malba. Tiempo al tiempo, llegará en la primavera. + www.holasud.com


032

+ mundo creativo

Texto: Germán Andrés @vermirando

discos

cuatro idiomas que intercala en sus canciones; así es que hay temas en francés, español, portugués e inglés. Pues esta señorita que nació en Brasil, creció en Buenos Aires y estudió música en Europa, se dedica a cruzar las fronteras musicales y tradicionales con su propuesta folk. Podría citarse a Beirut como una referencia de su sonido acústico y melancólico, para ubicar a los despistados. Canciones naturalistas, del mundo femenino, que compone desde el piano, el ukelele o el violonchelo (su instrumento primordial). Como podrá notarse, es todo bastante diverso ya de origen, y Dom La Nena (así es como se la conoce por su voz aniñada) desde París despliega sus conocimientos, tanto en música académica (por sus estudios formales), como en lo simple de la canción popular. Todo fluye entre algunos valses, mucha influencia de la chanson francesa, y otros temas más arraigados a la bossa nova. Suena siempre actual y con una misma impronta personal.

Dom La Nena Niña multiforme

Segundo disco de esta chica menor de 30 años, llamada Dominique Pinto, que toca un montón de instrumentos, y compuso toda la música de su obra “Soyo”. Además, canta (domina muy bien)

Muy sutil en los cambios de ritmo, y bien contextualizado en un audio perfecto, orgánico, que parece puramente acústico. Los arreglos y timbres son muchos, pues a los instrumentos mencionados suma guitarras (acústicas y eléctricas), percusiones, coros, palmas, algún viento, bajo, xilofón y leves retoques digitales. El concepto general es claro y encantador, en once canciones propias que respetan la estructura común de la canción pop, a la vez que se instala en la tradición del folk más genuino, con una miscelánea en tono de nostalgia dulce. + www.domlanena.com

nico de tono apacible, un carácter sombrío y con impronta muy melódica. La propuesta completa excede lo musical, y tiene que ver con las presentaciones en vivo en lugares no necesariamente de música, ya que Saga ha sucedido en formato audiovisual en galerías de arte, el Planetario de la Ciudad de Buenos Aires, o museos. Pues incorpora otros elementos a la hora de acercarse a los oyentes; incluso, la marca de ropa A.Y. Not Dead diseñó una remera exclusiva para acompañar el lanzamiento de esta tercera entrega en disco. En palabras del músico y productor, mentor del proyecto, Sebastián Carreras: “También, y de manera más literal, Cuadro refiere al frame, unidad visual mínima de lectura digital, el mínimo instante representable visualmente. Buscando aplicar ese concepto de representación del instante en el audio del disco, trabajando a partir de la materia virtual-digital en la que es concebido (bytes de sonido), para devolver en presentaciones en vivo un `cuadro´, como obra audiovisual que excede lo que es un recital, y se sitúa a un paso de la instalación”.

Entre Ríos Un Cuadro de Saga visual

Cuadro sería el tercer disco hecho en el marco conceptual de la instalación Saga, y el octavo en la discografía de Entre Ríos, que está cumpliendo quince años de vida. Si bien puede decirse que es como la continuación del álbum anterior, acá está más logrado el mensaje, unifi cado en una sola voz cantante (como siempre, femenina): Loló Gasparini. La música podría identifi carse como dream pop, o canciones leves con buen acompañamiento electró-

El CD viene con ocho temas (todos de Carreras), donde el trabajo sonoro es delicado, y en todo momento se imponen los climas; la temporalidad media o apenas movediza, como para balancear la cabeza. La agitación inquietante está en la sugestiva voz de Gasparini y lo que dice; las letras de Carreras manejan lo tremendo, la entrega del amor y sus devenires, con palabras blandas y preguntas en el aire. En total: música volátil y algunos hallazgos en cuanto a la vinculación interdisciplinaria. + www.sagainstalacion.com.ar


Texto: Celeste Nasimbera @CeleNasimbera

mundo creativo

+ 033 diseño

Carlos Obregón y el saber esperar El diseñador industrial Carlos Obregón realiza mobiliario a partir de los materiales que se descartan en las bodegas. Entendiendo que el tiempo es parte del proceso, desarma un barril para transformarlo y volver a empezar. Una propuesta que reautiliza aquello que ya no se usa, y proyecta innovación. Las bordelesas -toneles de roble francés sujetados por sunchos de acero- son el material de trabajo de Carlos Obregón. El tiempo de desuso se modifica, y se trabaja sobre las cualidades propias del elemento: la forma, el color y el aroma. Tres instancias, que luego de las nuevas composiciones, se mantendrán. ¿Será entonces el tiempo circular? Desde 2011, fabrica banquetas, sillas, bancos, sillones, barras, mesas, botelleros para cavas y luminarias. Genera una variedad de mobiliario pensado para el desarrollo de espacios específi cos de degustación de vinos, o acompañar un sector de un hogar particular. En tanto desarrollo industrial, se destaca el aprovechamiento del material, mientras que la instancia artesanal le

brinda cierto carácter a los productos. Hace dos años, expuso en el Espacio Julio Le Parc Mendoza, MICA, Tecnópolis, Feria PuroDiseño y 100% DESIGN en Londres, Inglaterra. Este año, presentó en Wanted Design el banquito Mo y el revistero Frapé. Ambos son petit complementarios, realizados con la calidez propia de la madera del roble francés. Obregón posee su showroom junto al taller, en un molino de aceitunas en Mendoza. Incluso, cuenta con alojamiento: La Tebaida. Otros tiempos. + www.obregonoak.com


034

+ mundo creativo

gadgets

+ Smarphones Zen Motion, Zen U5+ y Zen Element+ y smartwatch Zen Cronos+.

X-View Zen

Innovación y diseño para la experiencia multimedia Invocando la contraseña “Zen”, el misterioso bar Frank´s de Palermo abría sus puertas para celebrar el lanzamiento de la línea de smartphones X-View Zen, que se completa con los relojes inteligentes Zen Cronos. Con la musicalización de Bobby Flores y Modex DJs, en una fría tarde de julio, la empresa nacional X-View y su comercializadora Acegame presentaron cinco teléfonos inteligentes, todos ellos equipados con Android 4.4, liberados y con la posibilidad de emplear dos tarjetas SIM al mismo tiempo. Ensamblados en Buenos Aires, vienen con auriculares y radio FM, a precios competitivos. Zen Motion posee pantalla de 4,5’’ con resolución 960 x 540, procesador dual core, almacenamiento de 8GB (ampliable con microSD de hasta 32GB), 1GB de RAM, cámara trasera de 5 MP y delantera de 2 y batería de 1900mAh. Por su parte, Zen U5 viene con pantalla de 5’’ con resolución 854 x 480, procesador quad core, almacenamiento de 8GB (ampliable con microSD de hasta 32GB), 1GB de RAM, cámara trasera de 5 MP y delantera de 2 y batería de 2100mAh. El tercer modelo es el Zen U5+, con pantalla de 5’’ con resolución 1280 x 720, procesador quad core, lector de huellas digitales, almacenamiento de 16GB (ampliable con microSD de hasta 32GB), 1GB de RAM, cámara trasera de 8 MP y delantera de 2 y batería de 2100mAh.

Le sigue el Zen Element, con pantalla de 5,5’’ con resolución 960 x 540, procesador quad core, lector de huellas digitales, almacenamiento de 8GB (ampliable con microSD de hasta 32GB), 1GB de RAM, cámara trasera de 5 MP y delantera de 2 y batería de 2300mAh. Y para quienes buscan un plus, Zen Element+ viene con pantalla de 5,5’’ con resolución 1280 x 720, procesador octa core, lector de huellas digitales, almacenamiento de 16GB (ampliable con microSD de hasta 32GB), 1GB de RAM, cámara trasera de 8 MP y delantera de 5 y batería de 2300mAh. Los mejores aliados de estos smartphones son los relojes inteligentes Zen Cronos, con display de 1,5’’. El modelo inicial posee 32 MB de RAM, batería de 230 mAh y permite gestionar llamadas, notificaciones, contactos, reproducción de música, rastreador del smartphone emparejado, podómetro, monitoreo de la calidad de sueño, contador de calorías y alarma. Opera bajo un sistema operativo propio, compatible con celulares Android o iPhone. Para los más exigentes, Zen Cronos+ suma almacenamiento mediante microSD de hasta 32GB, una cámara frontal, 128 MB de RAM y una batería de 380mAh. + www.acegame.com.ar | www.x-view.com/zen


Texto: Gonzalo Fargas @gonza9010

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mundo creativo 035 lugares

Salón VIP de Santiago La espera es un placer Existe un lugar en donde la espera se vuelve arte. Un espacio en donde cada aspecto está diseñado, para crear una experiencia única para el viajero frecuente del grupo LATAM Airlines (LAN y TAM). Es el salón VIP más grande de Latinoamérica, y se encuentra en el aeropuerto internacional de Santiago de Chile. Viajar es un placer, y gracias a la aviación comercial, estamos a horas de todos los destinos posibles. Pero los aeropuertos -con sus controles de seguridad, miles de pasajeros y cada vez más vuelos-, pueden no ser los lugares ideales para una espera. Algo de lo que no tienen que preocuparse los viajeros frecuentes de LATAM, que pueden acceder al salón VIP ubicado en el 4º y 5º piso del aeropuerto de Santiago de Chile, transformando cualquier espera en un tiempo de disfrute. Este nuevo salón VIP es el cuarto inaugurado por la compañía en los dos últimos años, que se suma a los de Buenos Aires, San Pablo y Bogotá. Siendo el más grande de región, posee capacidad para 460 personas y está abierto 22 horas al día. La experiencia comienza desde el check-in preferente con 14 counters exclusivos, self check-in y un control de seguridad propio. Luego de pasar la recepción (y antes de entrar a los 2.170 m² del salón), la bienvenida es dada por cuatro rehues mapuches, traídos desde el sur de Chile, lo que le da un distintivo del lugar. Ya entrando en el espacio principal, nos recibe una imponente escalera, pero con una particularidad: es vista desde atrás, lo que invita a recorrer todo el espacio para más tarde utilizarla. Flanqueada por una enorme malla de cobre de 70m², es otro símbolo distintivo del país andino. Creada por Jorge Lizarazo, nos conducirá al segundo nivel. “Estamos muy orgullosos de inaugurar el salón más grande de Sudamérica, que fue creado para que nuestros pasajeros frecuentes vivan una experiencia de calma y relajación, en un espacio elegante que destaca los colores, materiales, gastronomía y vinos de Sudamérica. Entendemos las necesidades del pasajero actual, y buscamos las mejores soluciones y servicios de la industria para ponerlos a disposición de cada uno de ellos”, comentó Jerome Cadier, VP de Marketing de Grupo LATAM.

La realización del proyecto estuvo a cargo de uno de los mejores arquitectos de Sudamérica, el chileno Mathias Klotz, junto con la arquitecta Lillian Allen. “El objetivo principal fue crear un área de descanso, principal necesidad que conduce a un pasajero a sitios como éste. Un espacio diferente al avión o al hogar, que ofrece comodidades para esperar en calma y relajado el siguiente vuelo”, destacó Klotz. El interiorismo y el diseño del mobiliario fue realizado por Studio Putman (con casa matriz en París), que le dió una visión global al espacio. “Usamos materiales de muchísima calidad y que perduran en el tiempo. De esa manera, buscamos escapar de las tendencias del momento, porque estos objetos se van a usar por mucho tiempo”, comentó la diseñadora Olivia Putman. La decoración incluye el uso de materiales naturales como mármol, ónix y cuero, con colores y detalles representativos de América del Sur. Además, los ambientes ofrecen mucha luz natural y una vista privilegiada del aeropuerto. UN SALÓN, MÚLTIPLES ESPACIOS Servicios y espacios exclusivos fueron especialmente diseñados para ofrecer un ambiente de calma y relajación: baños individuales, duchas, sala para dormir, chaise lounge para el descanso y relax, business center, zona de entretenimiento y juegos electrónicos, así como servicio de planchado y lustrado, una importante propuesta gastronómica y una gran selección de vinos. Sillones y mesas se distribuyen en los diferentes ambientes (con sus respectivos enchufes y conexión libre y gratuita a Wi-Fi), permitiendo mantener conectados a los pasajeros cada vez que lo requieran. Se destacan también los 143m2 de cocina y 55 metros lineales de buffet, que incluye comidas frías y calientes, con una docena de opciones. Para beber, pueden elegirse los mejores vinos de la región. Los aficionados al café, en tanto, tienen a su disposición bebidas calientes de Juan Valdez. + www.latamairlinesgroup.net


personas creativas

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Coco Cerrella

El ingeniero del diseño gráfico La vida de Mariano Coco Cerrella cambió en cinco clicks. Empezó su carrera como diseñador gráfico a los 19, y desde entonces, nunca paró de trabajar. Primero para grandes empresas; después con su estudio propio. Diseñaba la imagen de las marcas para clientes cada vez más importantes, hasta que un día, descubrió que la tarea se había vuelto rutinaria, y que necesitaba llenarla de sentido. Ese fue el primer click. Así comenzó un camino que lo llevó a difundir mensajes a través de sus afiches exhibidos en veinte países, a dar clases en la Universidad de Buenos Aires (UBA) y en la cárcel de Devoto, y que lo convirtió en jurado internacional y conferencista de eventos internacionales de diseño. En 2014, participó de TEDxRosario y contó su experiencia ante cinco mil personas. | Texto: Leila Mesyngier @Leimesyn

Coco se siente cómodo en Varela Varelita, un bar antiguo y declarado notable al que va seguido. Ahí hace reuniones laborales (y a veces sociales), porque lo siente como un espacio de creación. Sobre la mesa que da a la ventana de Scalabrini Ortiz acomodó la tablet, el celular y una taza de té Green Hills. Su objeto más importante es el cuaderno de tapas duras y hojas lisas que muestra con orgullo, y en el que dibuja todo lo que se le ocurre. Algunas veces, las ideas llegan en el café; otras en el subte, el colectivo, o en un paseo por el Jardín Botánico. Una vez, mientras se duchaba, tuvo que cambiar el cuaderno por el espejo del baño cubierto de vapor para terminar un logo. Después sintió alivio, y corrió a digitalizarlo. CLICK 1 Estudió en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Buenos Aires (FADU). Apenas empezó el Ciclo Básico Común, se animó a tocar la puerta de un estudio de diseño que conocía, para que le enseñaran la profesión. Cebó mate, cobró cheques y aprendió a usar la computadora. “No sabía ni prenderla”, contó. Un día, se dio cuenta de que le estaba yendo muy bien. Había empezado a diseñar para clientes importantes, de esos con los que muchos estudiantes sueñan: Coca-Cola, Danone, American Express. A medida que aprobaba las materias, crecía la ambición. “Me enfoqué en tener mi estudio, en prosperar. Pasó mucho tiempo hasta que algo colapsó dentro mío, hasta que entendí que eso ya no me cerraba, que mi profesión se había convertido en ir a reuniones y cerrar presupuestos”, dijo. Coco está en el ámbito del diseño desde los 19, más de la mitad de su vida. No reniega, y sigue haciendo proyectos para grandes empresas. Pero necesitaba algo más. “Hay un momento clave, que es cuando apoyás la cabeza en la almohada, y no estás bien. Ahí no te podés mentir, y la respuesta no es inmediata. No dije: ‘Ah, lo que tengo que hacer es llevar mi profesión a lo social’. No fue así”, recordó. Lo que sí sabía, era que ya no le cerraba la rutina. Al principio, pensó que el enojo era con la profesión. La respuesta vino más adelante, después de horas de psicoanálisis, y de clases de Kung-fu. CLICK 2 Era diciembre de 2001. El país se sumergía en la crisis socioeconómica más trágica de las últimas décadas. El entonces presidente Fernan-

do De la Rúa decretaba el estado de sitio, y escapaba en helicóptero de la Casa Rosada. La Plaza de Mayo ardía de manifestantes, gases lacrimógenos y balas policiales. Justo ahí, entre saqueos y piquetes, los profesores le firmaron la libreta con la última materia, y Coco se recibió de diseñador gráfico. No pudo festejar el título en Ciudad Universitaria. Lo atravesó la imagen repetida que se le cruzaba en las esquinas porteñas: familias enteras buscando comida en la basura. “Fue muy duro para mí. Tenía 24 años, me recibí en esa semana, y todos los días, un amigo se iba del país. Fue desolador ver a la gente comiendo de la basura. Pasaron muchos años, y todo aquello me sigue angustiando. Para mi generación, para los que estábamos estudiando o terminando la carrera, fue una época muy dura. Era un país árido, que no ofrecía nada, en el que familias que hasta hace poco eran de clase media, ahora vivían en la calle”, recordó. Entonces, se acercó a las reuniones que organizaba un grupo de vecinos del barrio de Palermo en el Jardín Botánico. Todos los viernes a la tarde, era el encargado de ir a comprar la comida al supermercado. Después llegaba a la plaza, preparaba la cena, y charlaba con los que asistían. “Entendí la gran necesidad que tenían de expresarse. Presté la oreja, y abrí la puerta a otros para que se expresa-


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ran; eran personas que tenían mucho para decir, porque les estaban pasando cosas fuertes. Creo que el gran valor de esa movida era la comunicación, la comida servía como excusa para vincular a personas que, en otra situación, no se hubieran puesto a hablar”, contó. Mientras el país atravesaba la crisis, Coco crecía profesionalmente con su estudio. Faltaban años para que esa sensibilidad se transformara en parte de su trabajo. CLICK 3 En 2007, volvió a la UBA para dar clases en la materia Diseño 2 de la FADU. Ese fue el primer contacto con la docencia, una vocación que no sabía que tenía. Fue un descubrimiento tardío y feliz, una reconexión con la carrera. “Era el diseño por el diseño. Me di cuenta de que me gusta más enseñarlo que hacerlo, aún cuando me alucina diseñar. Fue espectacular, ahí me reconcilié con la profesión”. Entonces, volvió el deseo. Y aparecieron los afiches, algo que nunca había hecho hasta ese momento. Cada minuto libre, lo usaba para diseñar. Buscó concursos y encontró varios sobre derechos humanos. “Yo acá tengo un montón de cosas para decir”, pensó. Y se copó, le fue bien en el primero y no paró. Fue jurado, expuso sus afiches en más de veinte países, y en los museos más importantes del mundo. Los diseños hablan sobre la democracia, los derechos humanos en la Argentina post dictadura, la igualdad de género, la educación, el trabajo. Y sobre las armas de destrucción masiva, que aparecen con forma de cohete y cara de Mickey Mouse. “Descubrí que eso que boceto en el bondi o subte, es un afiche que lo ve una mujer en Pakistán. Eso es infinitamente más importante que hacerle un trabajo a una mega empresa, porque queda, porque sirve para multiplicar el mensaje. Eso es lo groso”, dijo. Algo se estaba gestando. CLICK 4 La búsqueda de Coco empezó con la docencia en la UBA. Y a mitad

de camino, apareció Ingeniería sin fronteras, una organización no gubernamental, que lleva adelante proyectos de ingeniería para el desarrollo de comunidades en estado de vulnerabilidad en la Argentina. “Necesitaba relacionarme con proyectos que tuvieran impacto social. De golpe, me di cuenta de que había personas recontra talentosas, con el corazón inflamado de querer mejorar el mundo en el que vivimos, pero que necesitaban una estrategia de comunicación”, contó. Fue un “tren que llegó sin aviso, y al que me subí sin equipaje”, escribió en el sitio de la ONG. Los conductores de Ingeniería sin fronteras (ISF-Ar) habían vivido una experiencia parecida a la de Coco durante 2001. Adán Levy es ingeniero mecánico. Era gerente de una empresa cuando decidió parar la pelota, y enfocar la profesión para ayudar a quienes no tuvieron las mismas oportunidades que él. “Nos cruzamos; era algo que tenía que suceder. Estoy convencido de eso”, dice. La inmersión en ese mundo fue un cambio radical. Se obsesionó para hacerles el logo; dedicó tiempo a pensar una estrategia que desentrañara el lenguaje técnico, para traducirlo en formas, lenguajes y colores. Y se convirtió en el coordinador de comunicación de ISF-Ar. Para Coco, el momento del diseño es “íntimo”, pero no puede llegar a esa fertilidad, si no se nutre de lo colectivo y de los consumos culturales. Eso incluye algún libro de Jorge Luis Borges, una cumbia, o una pieza compuesta por él mismo. “Antes tenía una visión elitista y limitada de la cultura popular. Empecé a diseñar mejor, cuando me permití disfrutar de una comedia simple, de escuchar cumbia, de jugar con los símbolos que provienen de la cultura”, contó. Y agregó: “Si lo que te nutre es siempre lo mismo, es difícil que puedas llegar a una buena solución de diseño”. Consumos culturales y artes marciales. Así disfruta de su tiempo libre, así se nutre para su trabajo. El Kung-Fu le enseñó a Coco la


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importancia de los tres planos: espiritual, mental y físico. Empezó la práctica del arte marcial cuando tenía 29 y hoy -dos clases semanales durante nueve años después- es cinturón negro. “Fue una revelación. Me ayudó con la disciplina, me reconcilió con el concepto de autoridad”, reconoció.

presentaron. De algunas historias no se olvida más.

CLICK 5 En 2012, Coco tenía abstinencia de aula. Había dejado las clases en la FADU para formarse mejor como docente. Mientras empezaba a trabajar con ISF-Ar, Adán y Natalia Zlachevsky -los fundadores- le hablaron de Estelita, una de las fundadoras de la ONG. La ingeniera es referente en lo académico, y hace más de 25 años que da clases en la cárcel. Coco supo que tenía que conocerla, y pidió que los contactaran.

Coco se emocionó al pensar que otros soñaban con ser lo que él era. Cuando fue su turno les dijo: “Yo les ofrezco venir todos los martes a enseñarles el oficio, lo que sé”.

-Traeme una foto y pasame tu DNI -dijo Estelita. -Pero no sé qué voy a hacer -contestó Coco. -Vos no te preocupes. Ya les hablé de vos a los chicos; te van a estar esperando.

Ahora, Coco diseña para transmitir un mensaje social. Combina la docencia, los talleres, las conferencias y charlas que da sobre afichismo, con la construcción de una estrategia de identidad para emprendedores que tengan proyectos de impacto social. “Es un camino que estoy armando, y creo que podemos construir un mundo un poquito mejor a partir del diseño. Eso es a lo que quiero dedicarme el resto de mi vida”. + coco.com.ar

El 14 de septiembre de 2012 fue su primera vez. Llegó hasta la entrada de la cárcel de Devoto con Estelita y Adán. No sabía con qué se iba a encontrar, pero ese recorrido de nueve puertas hasta el Centro Universitario de Devoto (CUD) le cambió la vida. O, mejor aún, lo conectó con algo que estaba dentro suyo, y que esperaba desde hacía años para salir. “Es una experiencia que se te imprime”. El CUD está dictado y administrado por los internos. El Servicio Penitenciario no incide, aunque a veces los guardias entran, hacen requisas, revuelven todo y se van. Pero los que toman las decisiones son “los chicos”, como los llama Coco. Cuando él llegó, ellos preparaban un proyecto: querían hacer una cooperativa de trabajo autogestiva, que les diera ganancias. Se juntaron en un aula, y se

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-Yo las hice todas. Acá dejé de fumar, terminé el secundario, pasé de ser un gordo a cuidar mi físico, y estoy por recibirme en licenciado en administración. Mi sueño es ser docente -le contó Pato.

Y le abrieron las puertas. Junto con Ingeniería sin fronteras, coordinaron la puesta en marcha de la imprenta. Además, Coco coordina un taller de afichismo para todas las personas privadas de la libertad en Devoto, y pronto abrirá otro de identidad.


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personas creativas 041 ilustración

Car Pintos

Un universo dibujado En cada ilustración que hace, los detalles nos invitan a sumergirnos en el mundo que ama. Y la enorme paleta de pigmentos más las bellas letras que se convierten en dibujos casi sin querer, ponen ritmo a cada una de sus obras. Para Car Pintos, la vida es como la pintemos… y ella siempre elige llenarla de colores. | Texto: María Paz Berri

Hace un par de años, un día de lluvia, se le ocurrió dibujar el “otoño”, y se dejó llevar. Cuando vio lo que estaba haciendo, sintió que ese dibujo eran todos sus otoños guardados, y le dieron ganas de compartirlos. Desde ese día, supo cuál era su camino: dibujar para ser feliz. Hoy Car Pintos -además de ser diseñadora gráfica- es ilustradora de letras y universos (algo así como una tormenta de ideas ilustrada). Y desde hace un año, está al frente de una serie de workshops creativos que arrancaron en San Luis, luego en Mar del Plata, y ahora en la Ciudad de Buenos Aires. Pero eso no es todo, y va por más: tiene el proyecto de hacerlos en Chile de la mano de la productora de eventos “Make it Real”, con charlas y talleres en las universidades. ¿El reto para crear? Según ella, tiene que ver con dejarse llevar por nuestros primeros impulsos genuinos. En su boca parece algo fácil, pero a la hora de agarrar papel y lápiz (o acuarelas, o fibras, o crayones), cuesta un poco más de lo que pensamos dejarse fluir y permitir que nuestra mano descargue sin represiones lo primero que se nos viene a la mente.

Hasta que finalmente, a partir de ejemplos y de su experiencia, la cosa empieza a salir. “En los talleres, busco que cada participante se sumerja en un universo, para contar sus propios cuentos de ensueño ilustrados a través de la letra, la palabra y la frase. Los invito a explorar herramientas y materiales que les permitan despertar sentidos dormidos. La idea es volver a dibujar las formas y letras que alguna vez dibujamos; liberarnos del miedo al uso del color”. No hay dudas. Hay que darle rienda suelta a la imaginación. Aprender a desbloquearnos, crear jugando, experimentar y reencontrarnos con los niños que fuimos alguna vez. DEJARSE LLEVAR ¿Pero cómo hacemos para jugar? Esa pregunta da vueltas en la cabeza de cada participante. Algo que de chicos parecía tan fácil, ahora es todo un desafío. Hay que plantearlo, y hasta proponérselo. Car invita a cada uno de sus alumnos a reflexionar acerca de qué les inspiran las palabras que buscan bajar a la hoja: “Cada vez que me piden algo, siento la adrenalina de ver la hoja en blanco y soltar los primeros trazos. Siempre me sorprendo con el resultado, y eso es lo que me llena de alegría y ganas de seguir haciendo. Para mí,


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dibujar es darme un tiempo, escucharme, sentirme, recordar, poner en práctica todo lo que aprendí. Cada punto que hago en la hoja es algo que tengo por decir”. En sus dibujos, no faltan nunca las letras ilustradas, aquellas que dibuja a mano, que tienen formas propias, y nacen de su mano con una impronta que las hace especiales. Pero lo que más roba todos los suspiros son los detalles: “Soy lo que se ve en cada creación. Me inspiro en lo que me rodea. Creo mis propios universos ilustrados que explotan de detalles y color. Son algo así como ‘mis cuentos’. La mejor manera de conocerme es a través de lo que hago… Todo lo que se ve es lo que nace desde mi más profundo interior”. EL TRABAJO DE CAR Cuando un artista nos gusta, queremos conocer su historia, cómo trabaja, cómo hace sus trazos, y qué hay detrás de cada obra. Car cuenta que, a la hora de crear, su estudio se llena de inspiración. Prueba colores, busca detalles del afuera, hace anotaciones en su cuaderno, y llena el escritorio de elementos y sentimientos que luego quedarán plasmados en el papel. Y a esto lo transmite como un secreto del que cualquiera se puede apropiar. “Siento el universo que fluye desde el corazón a la mano... desde la mano al papel. En mi cabeza, siempre hay una lista de cosas por dibujar, y una vez que agarro el lápiz o la tinta, quedan plasmados de

inmediato. Muy pocas veces dibujo algo para luego pasarlo. Me gusta dejar que mi mano plasme directamente lo que le dice mi mente”. El año pasado, desarrolló una serie de ilustraciones para llenar de letras y colores las paredes del comedor del Banco Hipotecario Seguros de Buenos Aires, ubicado en Puerto Madero. Una tarea de varios meses, pensada para alegrar las pausas de los empleados. Uno de sus más recientes trabajos fue para la marca “Amazónica”, vajilla de autor. Ilustró un juego de té completo y un juego de platos


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y cuencos (www.amazonica.com.ar), que la hicieron volver al pincel y las tintas, las acuarelas y los acrílicos. Algo que ama. Una de sus obras también recientes y más grandes, fue la ilustración “Roma”, pensada para ambientar un resto bar ubicado en la galería más importante de Salta Capital. Allí se sumerge en el universo italiano, paseando por sus calles, sintiendo los olores, conociendo sus rincones. Y actualmente, está diseñando una serie de sellos de autor para “Ponte Rey” (www.ponterey.com.ar) inspirados en la naturaleza. Pero a pesar de tener tanto en su haber, hay algo pendiente: “Hace un tiempo, sueño con hacer mis vestidos ilustrados y voy por ello… Ver mis ilustraciones en telas sería un sueño”. DE AQUÍ PARA ALLÁ Nació en Mar del Plata en agosto de 1982. Desde los seis años fue a dibujo artístico, jugaba, pintaba, observaba… Recuerda todavía cómo aprendió a mover los lápices para pintar, a mezclar las témperas y descubrir colores. Cuando llegó la hora de estudiar en la universidad, eligió diseño gráfico en la Universidad de Buenos Aires. Durante un largo tiempo vivió y trabajó en Buenos Aires, y luego se mudó a La Plata. Pero fue en abril del 2013, con la gran inundación, que con su familia tuvieron que elegir otro destino. Hoy viven en Mar Chiquita (Buenos Aires), en la reserva natural: “Rodeados de agua, entre mar y laguna, llenos de verde, de aves… Es un especie

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de sueño hecho realidad. Nos despertamos viendo brillar el sol sobre el agua, y nos acostamos cuando el frío así lo quiere. La música constante de las gaviotas y aves revoloteando, nos carga de energía. Vivimos entre flamencos, mariposas, enredaderas, médanos, peces, colibríes, golondrinas, cangrejos, árboles, flores, leña”. Car y Lucio trabajan desde su taller-casa-estudio… y sus hijos (Violeta y Salvador), juegan alrededor: “Ellos son nuestra inspiración diaria. Somos dos creativos envueltos en la naturaleza, volando llenos de color y vida, creando para ser más felices. Doy gracias al universo por permitirme hacer lo que me gusta. Porque lo que uno hace con amor, es lo que mejores resultados da. Estoy segura de eso”. + www.zafirologia.com.ar

EMBAJADORA DE LUJO Uno de los acontecimientos más importantes de este año fue el haber sido nombrada embajadora de edding. La idea de la marca es reflejar a través de seis artistas, lo que son y lo que hacen. Formar parte de este proyecto tiene que ver, además, con ser un referente para quienes compran sus marcadores y demás productos, que se van sintiendo identificados con los artistas, por la manera de expresarse, su arte y vocación. + www.edding.com.ar


personas creativas

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Leo Nuñez Robótica social

Desde robots que representan el mercado cambiario hasta sistemas que interactúan con imágenes y temperatura, el artista electrónico Leo Nuñez juega con las tecnologías que tiene a su alcance, para tratar problemáticas sociales que atraviesan sus contextos. | Texto: Gala Décima Kozameh @GalaDK

José Ingenieros, Buenos Aires, sigue siendo una pequeña localidad donde las familias transitan la mayor parte de su vida en la vereda. En Navidad, la mesa larga se arma en la calle, sobre las baldosas que lavan cada mañana, y la TV de tubo todavía se saca a la calle con una mesita con rueditas. A finales de los 80, en este apacible sitio, supo haber un hombre que arreglaba antenas de televisión en un pequeño local frente a una plaza. En la ventana, tenía pegado un cartel que anunciaba clases de computación. Hubo, también, un niño de la zona que, atraído por la intriga de las nuevas tecnologías, ahorró las monedas del vuelto de los mandados, y fue a cursar con el hombre de las antenas. Aquel chico curioso, es ahora el artista electrónico Leo Nuñez. Leo habla con la tranquilidad de una siesta, y la amabilidad de vecino de sus primeros acercamientos con la tecnología local: esas viejas computadoras TK 90, nulas de almacenamiento y componentes claves como un mouse, o un sistema operativo moderno. Su familia nunca imaginó que esos juegos que diseñaba y programaba con su profesor, serían su entretenimiento para siempre, llevándolo a hacer de su diversión un trabajo que (al día de hoy) considera como un juego, pero a niveles un poco más complejos. + Seguís viviendo en José Ingenieros… LN Sí, nunca me fui. Sigo en el mismo barrio, con los mismos vecinos. Me vieron crecer, ir y venir, pero creo que al día de hoy no saben bien qué es lo que hago. Me gusta porque es un barrio bien barrio. A veces, como quedado en el tiempo. Nada que ver con la novedad tecnológica. + Tus trabajos, a veces, tampoco tienen mucho que ver con la novedad tecnológica. Pero sin embargo, tus instalaciones y proyectos son modernos e innovadores. LN Me gusta trabajar con tecnología que tengo a mano, con cosas que llegan a mi país, porque es nuestra realidad tecnológica. Trabajo pensando cómo nos identificamos como país con la tecnología, cómo es nuestra sociedad tecnológica. Yo puedo contar con otras para trabajar, pero es mi decisión tomar para mis obras las que están a mi alcance, acá. Es por eso que también me intereso por enseñar con estas tecnologías, para que mis alumnos vean que no es necesario depender de lo que viene de afuera para producir algo. Nos

veo muy usuarios de tecnología, muy consumidores, pero no somos productores. El uso de estos objetos para trabajar con mis obras es una forma de protesta o de alerta de que vivimos en un lugar de muy baja tecnología, y a esto puedo llegar con lo que tengo a mi alcance. Busco no sólo experimentar, sino también ser crítico del uso. Creo que importar tecnologías ajenas es importar cultura ajena. + Justamente, tu obra “Propagaciones” está hecha con low–tech. ¿A esto te referís con tecnologías a nuestro alcance? LN Claro. “Propagaciones” es un sistema de celulares autómatas, conformado por 50 robots low-tech sacados de DVDs, que explora la relación hombre/máquina, la materialidad robótica apropiándose de su diseño electrónico como forma del objeto, y la posibilidad de un discurso crítico a partir del uso de la tecnología low-tech, dentro de un paradigma computacional científico. Lo peculiar de esta obra, es que salió en tercer lugar del premio VIDA (Concurso Internacional Arte y Vida Artificial) en su última edición, en el 2007. Las otras dos obras premiadas eran de una infraestructura muy importante, y lo mío era algo que podría haber hecho en la cocina de mi casa. A esto me refiero cuando digo que no se necesita de grandes tecnologías para innovar con la producción.


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+ Propagaciones

+ En todas tus obras está muy presente la relación entre las tecnologías y la sociedad. ¿Cómo es ese proceso creativo? ¿Qué es lo que te lleva a tratar un tema a través de ciertos circuitos? LN En general, siempre trato alguna problemática social que tiene que ver con algo que está pasando en el país. No suelo arrancar desde otro lugar. En las primeras obras, eso estaba más oculto; tal vez en una segunda lectura. Pero ahora, está mucho más expuesto. Sucede mucho que el arte tecnológico se envuelve en sí mismo. Habla de la misma tecnología, o de cosas muy lejanas. Yo busco generar un pensamiento crítico, y poner al otro en un lugar distinto. Creo que el trabajo del artista es generar preguntas en el otro. Que después de ver la obra, se vaya con una pregunta que le genere algo en su interior, y que al otro día, pueda relacionar la obra con algo que lo rodea. + En tus instalaciones “Desilusiones ópticas”, “Incertidumbre térmica” y “Espacios cambiarios” se ve mucho esto de la problemática social. LN Sí, así es. “Desilusiones ópticas” es una instalación interactiva que rememora los festejos deportivos de la Argentina durante el Campeonato Mundial de fútbol del año 1978. Vinculé la acción de tirar papelitos con las imágenes de los desaparecidos, que eran los que estaban detrás de esos papelitos cortados de festejo. “Incertidumbre térmica”, por su parte, surge de un viaje que hice a Misiones, a la cuenca del río, y la problemática que hay ahí con respecto a cómo baja el río, a medida que sube la temperatura. Traje tierra roja de allá, e hice un montículo al que le puse un censor de calor. Cuando

alterás con calor el censor, se genera una imagen en la que el agua deja de correr. Esa obra es muy sencilla. La instalación remite a que, manipulando las temperaturas y la atmósfera, manipulamos el agua. En “Espacios cambiarios” lo que hice fue vincular la agresividad -característica de los animales tan importante en la evolución, ya que les permitió imponerse ante otros y demostrar su fortaleza-, a robots. Los programé para que fueran sobre otro objeto con agresividad y que éste, sumiso, retrocediera. Los vinculé al mercado de cambio. Entonces, cuando el dólar sube en valor, los robots verdes crecen en agresividad, y los otros se vuelven sumisos y escapan. Podés tener, así, una visualización del comportamiento del mercado, a través de la agresividad de los robots. Esta obra ganó el premio MAMbA de Fundación Telefónica, y tuve la oportunidad de mostrarla en la sede del Banco Mundial en Washington, pudiendo hacer una crítica a los mercados, vinculándolos a la agresividad dentro del banco mismo. + Trabajaste también en la reconstrucción del famoso “Minuphone” de Marta Minujin. ¿Cómo fue esa experiencia? LN ¡Todo un desafío! Fue un proceso largo, que nos tomó un año y medio. Me llamaron a mí, con la idea de que fuera a hablar con Marta, que la interrogara, y entendiera qué es lo que ella había querido hacer con su obra en los sesenta. A partir de eso, buscamos cómo reemplazar los objetos faltantes, recopilé material, hablé con el ingeniero original que lo hizo la primera vez. Reconstruimos el anterior como objeto expositorio, funcionando sólo la parte mínima,


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+ Espacio cambiario

e hicimos una cabina nueva, copiando toda la lógica del primer ingeniero, con las mismas acciones, pero con tecnologías de hoy. Hicimos, también, una buena documentación del proyecto, por si surge la oportunidad de volver a hacerlo, para que haya un documento detallado de los pasos a seguir.

sa de la información. Cree que su conocimiento es su capital, y no lo transfiere. Yo creo que el conocimiento es la suma del conocimiento, que lo que sabés te lo enseñó alguien, y eso que uno sabe es una cadena de aprendizajes, más algo que uno agrega. Eso que yo agrego no tengo problemas en transferirlo; me gusta enseñar.

+ Buscás también la forma de transmitir los conocimientos. Das talleres, ¿no es cierto? LN Sí. Empecé hace muchos años en Fundación Telefónica, dando talleres para la familia. La idea era que los chicos vinieran con sus padres a crear y desarrollar un juguete, pero no con la única finalidad de llevarse su producción, sino también, estimulando el vínculo entre el padre y el hijo, a la hora de crear algo. Mostrarle al hijo que puede crear, y al padre que puede crear algo para su hijo, y no ir a comprarlo. Estimular la creación y la imaginación. Después de eso, seguí dando talleres gratuitos en mi estudio de Barracas, bajo el nombre de “Espacio Nixso”. El año pasado, a través de un subsidio de la Secretaría de Cultura de La Nación, logramos sumar recursos y docentes. Ahora hay nueve talleres de distintas temáticas, y todos son dados por docentes vinculados al arte, que provienen de distintos puntos de Latinoamérica, con sus visiones y aportes. La idea resultó bien, porque no sólo ofrecemos educación a las familias, sino también la posibilidad de darle trabajo a estudiantes de arte de distintos puntos del continente. Para mí, la transferencia de conocimiento es muy importante. La gente que trabaja con tecnología es muy recelo-

+ ¿Cómo es tu equipo de trabajo? ¿Trabajás solo o con gente, dependiendo el proyecto? LN Lo más difícil de mi trabajo suele ser conseguir el dinero para llevarlo a cabo. Generarlo, trasladarlo y exponerlo requiere dinero, y yo siempre tengo que tener esto presente en mi próxima obra. Mi equipo de trabajo depende de lo que esté haciendo, y el dinero con el que cuento para incorporar a otros. Yo puedo trabajar gratis en mi obra si la hago yo solo, pero no puedo pedirle a otro que también lo haga. Yo, de hecho, hice ese trabajo de forma gratuita para otros artistas durante muchos años, y no me parece correcto. Hoy en día, parte de mi trabajo es también ver cómo financio las obras. Es una responsabilidad. Siempre que sumo a alguien busco, además, enseñarle lo que estoy haciendo, para que se vaya sabiendo algo.

Link a la nota: http://9010.co/leonunez

+ Si una ciudad pudiera representar tu trabajo, o lo que te gusta hacer de él. ¿Cuál sería? LN Me encantaría que fuera París, pero José Ingenieros es lo que me inspira, y yo soy lo que es mi barrio. Me representa, es mi realidad. + www.leonunez.com.ar


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Chris Buzelli

Una rareza tradicional Chris Buzelli es un personaje destacado y adorado en el circuito que lidera a los ilustradores neoyorquinos, porque es cálido, sensillo, sensible, generoso y un pintor sumamente talentoso. Esta es la historia de un ilustrador freelance que se hizo desde abajo, aunque con una excelente educación en RISD, sufriendo los típicos baches de establecerse con un estilo propio, para volver a levantarse, reinventarse y conquistar el mundo. | Texto: Fernanda Cohen (*) @fernandacohen

DE FAMILIA Chris creció en Chicago, hijo de padres divorciados que derivó, como una consecuencia afortunada, en una estrecha relación con su abuelo paterno (Armondo Buzelli) desde muy chico. Así fue que, medio por casualidad, se fue empapando de una cultura de pintores, pinceles, paisajes y lienzos. “Los domingos, cuando mirábamos el programa de pintura de Bill Alexander, yo me sentía relajado, entonces mi abuelo dedujo que me gustaba. De pronto, un día me compró un set entero (con atril, óleos y demás), y a partir de ahí, empezamos a pintar juntos, cuando tenía seis o siete años”. Una vez jubilado, Armondo creó en su antiguo taller de televisores descompuestos el “Museo del arte de Christopher Buzelli”, e invitaba a sus vecinos a recorrer la obra completa de su ñieto…

novia y actual esposa desde hace diez años) reconectó con Chris a través del trabajo. Ella era la nueva directora de arte de una revista corporativa novata, con cero uso de ilustración, en donde quería imponer una nueva estética, para lo que Chris le vino como anillo al dedo (guiño). “Yo fui el único ilustrador que tuvieron por bastante tiempo. Era muy joven y lo que hacía no era genial, pero me mantenía entretenido con trabajo real. Algo cambia cuando sos editado”. Como suele suceder, con la ayuda de un par de decisiones bien tomadas, y suficiente tiempo recorrido, finalmente, Chris tuvo su gran golpe de suerte: “Mandé una tanda de cinco postales promocionales a un listado local de directores de arte, y de pronto, empecé a recibir llamados para trabajar para las 40 revistas top, como Rolling Stones, Time, Playboy, The New York Times, etc.”.

Otro golpe de suerte y coincidencia fue entrar en el radar de un maestro del secundario, que supo apartarlo del resto, y mostrarle la diferencia entre las Bellas Artes y la ilustración. “Era un excelente instructor; armó un cuarto aparte sólo para mi. En mi último año, en vez de tomar una clase de arte como los demás, yo tomaba tres, gracias a él”. Ese fue el puntapié que lo llevó a tomar la decisión de estudiar ilustración como carrera, y eligió la prestigiosa Rhode Island School of Design (RISD) -donde casualmente estudió Seth MacFarlane, creador de Family Guy- en vez de la despampanante Nueva York, rechazando una beca del Pratt Institute. “Cuando apenas me gradué, empecé haciendo un estilo que era una especie de collage. ¡Por suerte no está en Internet, porque fue hace mucho tiempo! Estaba muy influenciado por un ilustrador que tenía esa estética, y le iba muy bien. Pero de la noche a la mañana, volví a lo que me gustaba hacer originalmente: óleos, con dibujos muy elaborados, y 40-50 horas de trabajo de fondo, mientras que los collages los terminaba en una noche, y no me sentía orgulloso del resultado”. Chris se mudó a Nueva York en cuanto salió de la universidad porque era su sueño, y naturalmente, porque tendría mejores chances de conocer potenciales clientes en la meca editorial de Estados Unidos. Los primeros siete u ocho años fueron difíciles, con trabajos esporádicos que no le permitían ganarse la vida, por lo que se dedicó a enseñar arte a quien fuera que lo tomara. EN CARRERA Hubo otra coincidencia que lo ayudó a crecer, y a cometer muchos de esos errores que desearías que nadie hubiera visto, por más de que entendés que sin ellos no existiría el ahora. SooJin (su antigua (*) Fernanda Cohen es ilustradora, graduada en la School of Visual Arts de New York. www.fernandacohen.com


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¡Bum! Fue como un click, me cuenta, no porque lo empezaran a contratar, sino más bien porque entendió lo que quería hacer y cómo quería hacerlo, y aparentemente, el mundo estaba de acuerdo con su visión. No más satisfacer al director de arte. Recordó que no debía olvidarse de encender esa chispa dentro de sí mismo, que hace que el trabajo brille, usando como su mayor fuente de inspiración todo aquello que a él le interesara, no al cliente solamente. “Una vez que me di cuenta, creo que mi trabajo empezó a conectar más con la gente. Mis pinturas se volvieron más personales. Tal vez, era algo tan simple como incluirla a mi hermana en un dibujo, o esconder un secreto mío ahí dentro”. Las pinturas de Chris tienen mucha calma, no sé si es por su frecuente uso de flora y fauna, o por esa paleta de colores plagada de tonos tierra, con una luz mágica que las tranforma en algo así como un sueño surreal. Yo pensaría, de no conocerlo tan bien, que vive en una cabaña aislada del mundo, donde sus confines proveen toda la inspiración necesaria, en vez de en un departamento en pleno East Village. “La inspiración llega de todas partes, nunca la busco. Me levanto todos los días a las 6, la acompaño a SooJin al subte mientras paseo al perro, llego a casa y empiezo. Mi cerebro funciona mejor bien temprano, entre las 7 y las 11, así que uso esas horas para conceptualizar. Si no, todo me cuesta el doble. A la tarde, pinto entre la 1 y las 6; muchas veces, también me encuentro con ilustradores que están de visita, o ex alumnos. Además, soy mentor de algunos estudiantes del máster de ilustración de SVA. A la noche ceno, y ya no vuelvo al estudio hasta la mañana siguiente”. Dentro de este orden

riguroso que guía la disciplina de Chris, hay una cierta agonía que habita la ejecución de cada una de sus obras, una escuela opuesta a la mía, de la cual le hablo muchas veces a mis alumnos, para determinar un contraste en metodologías de trabajo. “Siento que está bien así, que es como debería ser. Es como escalar una gran montaña: sufrís la lucha, pero cuando llegás, te sentís increíble. Puede que no lo disfrute mientras pasa, pero lo amo, me encanta adonde me va a llevar”. Muchos clientes lo llaman justamente por el uso recurrente de analogías que reemplazan la caracterización humana por animales silvestres. Uno no se da cuenta cuán acostumbrado está, como espectador y consumidor, a verse reflejado a través de la identificación más directa que puede existir: la raza humana. De hecho, es bastante difícil ilustrar una imagen atractiva sin el uso de personas, lo cual destaca aún más el talento de Chris. “Me gusta investigar la temática a ilustrar. Algunos animales tienen simbolismos muy fuertes, por lo que tengo que ser cuidadoso, porque pueden tener una connotación negativa. Pero de pronto los pájaros, por ejemplo, pueden ser neutrales. Me cansé de usar gente, porque lo hice demasiado en mis comienzos, y también me di cuenta de que me distraía del concepto original. Es muy fácil ponerles una sonrisa o un portafolio, y ya está. Mientras que cuando no lo hacés, tenés que usar otros canales de comunicación, y la gente pasa a ser secundaria”. AQUÍ Y AHORA Para ser sincera, cada imagen que veo de Chris me intimida un poco, como si no tuviera la capacidad intelectual suficiente para descifrar


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la profundidad conceptual detrás de sus pinturas, ya que nada en sus ilustraciones pareciera ser mundano. Claro que esto es una exageración, pero hay algo de real en que él busca, efectivamente, exitar al consumidor de aquellos textos que carecen de adrenalina para el lector promedio. “Disfruto hacer algo interesante de cosas en las que, en general, no estaría interesado. Hay que recordar que ese tipo de artículos están escritos para gente a la que le parecen fascinantes, y muchos ilustradores se olvidan, y subestiman su potencial”. Es gracias a esta capacidad de entusiasmo, entre otras cosas, por la que grandes clientes como el Rock & Roll Hall of Fame, Macy’s, MGM, United Airlines y Saatchi & Saatchi confían en su criterio a la hora de promocionar sus eventos más populares. Por último, me da curiosidad saber qué rol juega la tecnología en la competencia con un ilustrador al óleo: si le juega en contra, o remotamente a favor… “Me afecta de una manera positiva, porque no soy parte de la mayoría; pasé a ser una rareza. Los clientes me llaman justamente por eso, hasta me dan más tiempo, me pagan mejor, y no me piden tantos cambios, porque dan por hecho que no puedo repintarlo”. ¡Qué curioso! Lo tradicional pasó a ser algo así como una excentricidad, y lo digital se convirtió -de a poco- en el promedio. Podría decir también que es un alivio que no se haya perdido el sentido de apreciación por un arte tan complejo. Como siempre digo: todo es cíclico en esta vida. Un excelente ejemplo de este tipo de trabajos desafiantes -y diferentes- que tanto le gustan a Chris, es el póster que creó el año pasado para el segundo festival de cine más grande en Francia (después

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de Cannes): el Clermont-Ferrand International Short Film Festival. “Me encantan los trabajos que van más allá de la ilustración en sí. Primero, me llevaron un año antes a ser parte del jurado de este festival de cortos, sumándome a la tradición de su co-fundador, de incluir a artistas fuera del cine, año tras año. Y al año siguiente, volví con el póster como presentador. Paralelamente, armaron una exhibición individual de mi trabajo con una temática americana, una fiesta y mucha prensa. Fue una experiencia increíble”. Chris -y su compañera de vida SooJin Buzelli- son una potencia en el mundo de la ilustración. No todos los conocen, pero los que sí, entienden bien por qué. Él (quedó claro) es talentoso y exitoso, y ella es de los directores de arte más entusiastas a la hora de usar ilustración en las páginas de la revista que dirige. Ambos son receptivos, activos en la comunidad, generosos con su experiencia, y siempre dispuestos a sumar, a través de su conocimiento. Es evidente que no soy yo la única que lo dice, ya que Chris me cuenta que, últimamente, los llaman de todas partes para dar conferencias en formato combo. Ellos trabajan juntos -“SooJin me manda mails cuando me contrata, como a cualquier otro cliente. Sabe muy bien cuándo no entrar al estudio, como cuando está la puerta cerrada”-, y entienden con precisión lo que es estar de ambos lados del mostrador. Cuando hablás con uno, es casi como si hablaras con ambos, por lo que es un poco el doble de todo, y esa puede ser una buena definición del trabajo de Chris: nos da siempre más de lo que podemos ver. + www.chrisbuzelli.com


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Irma Gruenholz

Plastilina, ilustraciones y atmósferas Irma Gruenholz vive en Madrid. Desde ahí, ha creado un estilo personal marcado por el uso de la plastilina en sus ilustraciones, que son tridimensionales. Sin embargo, no es sólo la técnica lo que le ha dado la posibilidad de trabajar para marcas de todo el mundo, y ser seleccionada en concursos importantes: también es la atmósfera que envuelve cada escenario, cada paisaje. | Texto: ArtsMoved (*)

+ Ilustración en 3D. ¿Nos lo explicas? ¿Cómo es el proceso? IG Con ilustración 3D, se engloba a todas aquellas técnicas que te permiten trabajar en volumen: ya sea de forma analógica, o digital. En mi caso, siempre he trabajado con las manos, hago esculturas o dioramas que, una vez fotografiados, se usan como ilustraciones. En cuanto al proceso, depende mucho del tipo de trabajo, pero básicamente, lo primero que hago es documentarme todo lo que puedo sobre el tema que voy a ilustrar, y en este proceso, ya van surgiendo las primeras ideas. No hago bocetos detallados; prefiero trabajar

directamente en volumen en cuanto tengo la idea clara. Una vez hecha la maqueta, saco una foto y, si es necesario, la trabajo digitalmente para eliminar sujeciones, resaltar sombras, luces, tonos... + Además de plastilina, ¿qué otros materiales usas y por qué motivos los escoges? IG Lo que más me gusta de trabajar en tres dimensiones es la posibilidad de incorporar cualquier tipo de material en función del proyecto: no hay límites. Me gusta explorar las posibilidades de cada

(*) ArtsMoved es un proyecto dirigido por la asociación Movimiento Artes (formada en Barcelona), dedicado a la difusión y promoción de la cultura, a través del arte realizado por jóvenes artistas. www.artsmoved.cat


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personas creativas 053 ilustración

trabajo, y buscar soluciones diferentes. Los principales materiales que utilizo son plastilina y arcilla. Trabajo con estos dos materiales indistintamente, dependiendo de la pieza. Cuando quiero conseguir un acabado más texturizado o pictórico, uso arcilla. + ¿Cuánto tiempo dedicas a una ilustración? ¿A cuál has dedicado más horas? IG El tiempo de creación depende mucho del proyecto y de la complejidad de la maqueta. Una ilustración sencilla, sin fondo, me puede llevar dos o tres días, mientras que una ilustración más compleja, me puede llevar un mes de trabajo. Por ahora, el proyecto que más tiempo me ha llevado, ha sido las ilustraciones de “Il Ballerino del Silenzio”, un libro escrito por Ivo Rosati y publicado por Zoolibri. Lo tuve que compaginar con otros encargos, pero me llevó algo más de un año de trabajo. Fue todo un reto, ya que toda la historia transcurre de noche, y la iluminación de las escenas fue muy compleja. + Una vez que terminas el trabajo, es decir, tienes la imagen en 2D, ¿qué pasa con las esculturas? ¿Las guardas? ¿Si es así, alguna vez te han propuesto una exposición? IG Ojalá pudiera guardar todo lo que hago… Es unos de los inconvenientes de trabajar en tres dimensiones: ocupa espacio. Una vez fotografiado, suelo guardar las piezas durante un tiempo, pues me resulta muy difícil destruir algo nada más terminar. Tengo que esperar unos meses, y cuando el vínculo ya no es tan fuerte, hago una selección. Sí que me han propuesto alguna exposición, pero hasta ahora, siempre ha sido con reproducciones impresas, porque son más fáciles de transportar y exponer. Aunque no descarto hacer una exposición de las esculturas.


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+ Sabemos que es una pregunta típica, pero en tu caso, nos interesa especialmente, porque no conocemos a nadie más que haga lo que tú haces. ¿Cuáles son tus referentes? IG Yo no hablaría de referentes, sino de artistas a los que admiro, que no necesariamente han influido en mi trabajo, pero forman parte de mi conciencia visual. Son muy diversos y de distintas disciplinas: desde la pintura flamenca a las esculturas de Bruno Walpoth, las fotografías de Henri Cartier Bresson, o las escenografías de Robert Wilson. + Si en algún momento, las impresoras 3D se hacen más populares, podrían ahorrarte trabajo, aunque el resultado nunca será tan delicado como cuando haces tus escenarios y personajes a mano. ¿Qué opinas al respecto? IG Me parece muy interesante el mundo de las impresoras 3D: va a ser alucinante que cualquiera pueda fabricar lo que se le ocurra en su casa. En mi caso, no creo que lo llegue a incorporar, pues me gusta trabajar con las manos. Es un proceso más orgánico y espontáneo. Necesito tocar el material. + Has trabajado para marcas importantes como Coca-Cola, McCann-Erickson y Cuatro TV. Tenemos la sensación de que has logrado trabajar de tus proyectos personales, sin que haya una fractura entre los trabajos que haces porque te pagan, y los que te gustaría hacer. ¿Cómo lo has logrado? ¿Ha costado mucho tiempo y esfuerzo vivir de tus ilustraciones? IG Procuro mantener un lenguaje propio en todos mis trabajos, aunque no siempre es posible, sobre todo en publicidad, ya que estás muy condicionado por el briefing. Las agencias me llaman por mi


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estilo, pero las necesidades del cliente son las que finalmente determinan el encargo. En el álbum ilustrado, es más fácil desarrollar un lenguaje más personal. En cuanto a lo de vivir de mi trabajo, los comienzos (como en todo) fueron complicados, y además, la profesión de ilustrador es muy irregular: hay momentos de mucho trabajo en los que no das abasto, y otros en los que no… He conseguido vivir haciendo lo que me gusta, y aunque conlleve cierta inestabilidad, me compensa. + ¿En qué proyecto estás trabajando ahora? IG Estoy terminando unas ilustraciones para una agencia australiana. Es la primera vez que trabajo con ellos, y la experiencia está siendo muy positiva. Por ahora no puedo contar mucho más… + Has sido seleccionada y premiada en distintas ocasiones por algunas de las editoriales y comisarios más importantes del mundo en el área de la ilustración. Desde Nueva York o Corea se han fijado en tu trabajo. ¿Cómo consigues la difusión de tu obra? IG Para la difusión de mi trabajo, ha sido clave la presencia en Internet. Me ha dado la posibilidad de llegar a países que nunca habría imaginado. El carácter exponencial de la red es bestial: algunas veces, han mencionado mi trabajo en blogs referentes de diseño, y la propagación es impresionante. Gracias a Internet, he conseguido abrirme mercado fuera de España, y eso antes era mucho más difícil. + ¿Alguna pregunta que no te hayamos hecho y que te gustaría contestar? IG ¡Pues yo creo que no se ha quedado nada importante por decir! + www.deplastilina.com

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| Claudio Larrea. 25 de Mayo

serie fotográfica

Lobbies de Buenos Aires por Claudio Larrea “Una mirada, una cámara y una bicicleta. Esas son sus armas o sus herramientas de trabajo. Claudio Larrea, amante de Buenos Aires y de su arquitectura, recorre la ciudad pedaleando de modo sistemático. Cuando detecta los edificios y los detalles que le llaman la atención, se detiene y toma una fotografía. Ese es su modo de preservar lo que ama y de fijar el curso del tiempo, a la vez que preserva sus pantorrillas y sus muslos de la fláccida melancolía. Los intereses de Larrea son precisos: busca las construcciones art déco y racionalistas. En la serie “Lobbies”, doce imágenes dan testimonio de la imaginación de los arquitectos y el oficio de los artesanos del período que va de la década de 1920 a la de 1950”. Estas palabras pertenecen a Hugo Beccacece, y formaron parte del catálogo de la muestra que Claudio Larrea exhibió en la galería Arte x Arte, en mayo de 2014. Nacido en Argentina, Larrea estudió periodismo e historia del arte en Buenos Aires y técnicas audiovisuales en Madrid. Inició su carrera como director de arte en la producción de portadas y artículos para revistas: Rolling Stone, Playboy y Cosmopolitan. También fue director de arte en videoclips y en publicidades durante los nueve años que vivió en Barcelona. Realizó diversos viajes fotográficos a La Habana, Nueva York, Estambul y Budapest, concentrándose en paisajes urbanos y arquitectónicos. A principios del 2010, comenzó a realizar un relevamiento fotográfico de la Ciudad de Buenos Aires, para el proyecto “El Amante de Buenos Aires”. Ha recibido premios y menciones de fotografía, y realizó exposiciones en Argentina y el exterior. + www.claudiolarrea.com

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| Claudio Larrea. Avenida Belgrano


| Claudio Larrea. Avenida Callao


| Claudio Larrea. Calle Paso


| Claudio Larrea. Avenida Gaona


| Claudio Larrea. Calle Tucumรกn


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Nuevo Ford Focus El viajar es un placer

Sol radiante. Ni una sola nube sobre el cielo de Fortaleza, al norte de Brasil. En la playa de Marambaia, veinte unidades del nuevo Ford Focus se preparan para ser conducidas a lo largo de una ruta de 110 km. | Texto: Marcela Fibbiani @marce9010

Abundan los radares y la responsabilidad de respetar la velocidad máxima permitida, de entre 60 y 80 km/h. La ruta planeada por el equipo de Ford Argentina y Brasil, prevé recorrer la zona urbana de Fortaleza: el casco histórico de la ciudad de Aquiraz, autopistas y caminos costeros en el área de Porto das Dunas, con tres paradas durante el trayecto, para que todos los periodistas invitados al test-drive tengan la oportunidad de conducir por unos kilómetros la nueva versión del Focus. La primera etapa consistió en salir del hotel Dom Pedro Laguna hacia el Concesionario Ford Crasa. El segundo tramo finalizó en el hotel Beach Park Resort (con salida a la playa), mientras que el tercero indicó la vuelta hacia Dom Pedro, para participar de una sesión de tests sobre la utilización de dos de las nuevas tecnologías que incorpora uno de los autos más vendidos del mundo: el estacionamiento asistido perpendicular y el Active City Stop. ¿Qué significan estas novedades? Al ser activado por el conductor, el asistente de estacionamiento se encarga de encontrar lugar para

estacionar, y de realizar los giros de volante que se necesiten para completar la maniobra en espacios paralelos y perpendiculares. Fácil, y sin perder tiempo. Y para evitar esos aquellos pequeños (y asiduos) accidentes en la ciudad (que se producen hasta los 50 km/h), el Active City Stop es un sistema de frenado automático, compuesto por sensores que miden la distancia y velocidad de los vehículos que se encuentran delante. Entonces, si éstos se detienen de golpe, los frenos se aplican de forma automática para reducir las consecuencias del choque, o bien para prevenirlo por completo. Todos los que manejaron el nuevo Focus, coinciden con lo que la misma automotriz pregona: la experiencia de manejo es adictiva, gracias a la combinación de dos opciones de motores potentes (1.6 litros Sigma de 125 caballos y 2.0 litros Duratec GDI con inyección directa y 170 caballos), la dirección asistida en forma electrónica, la transmisión Powershift secuencial de 6 velocidades y la suspensión trasera independiente. El confort de manejo se potencia, además, gracias al sistema de


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ideas creativas 063 vehículos

conectividad SYNC MyFord Touch con control por voz e interfaz táctil, para manejar de forma intuitiva el teléfono, la navegación, el climatizador y las opciones de entretenimiento, sin levantar las manos del volante; el sistema de audio premium Sony; la apertura de puertas y arranque sin llave; y la cámara de estacionamiento trasera. El sistema de control en llaves auxiliares MyKey permite personalizar y limitar los ajustes del vehículo, como configurar el volumen del audio, el límite de velocidad, o impedir el uso del sistema de audio si los cinturones están desabrochados. LA EVOLUCIÓN DEL KINETIC DESIGN El lenguaje de diseño de Ford encuentra en la nueva versión del Focus su evolución necesaria y más contemporánea, con líneas más aerodinámicas y deportivas, como las nervaduras del capó. Se suman el frente estilizado, los faros bi-xenón de diseño afilado y tecnología LED, la parrilla hexagonal, el logo de Ford que se incorpora a la carrocería, y las llantas de 17”. En el interior, el ambiente es confortable, sofisticado y envolvente, ya

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que la ergonomía se instala en el panel de instrumentos, donde cada comando está al alcance inmediato del conductor, quien los encontrará de forma intuitiva. El diseño de los asientos refuerza la comodidad, junto con la calidad de los tapizados. Para el disfrute del paisaje y para aumentar la luz dentro del vehículo, el techo solar se vuelve indispensable, así como los numerosos (y tan necesarios) espacios portaobjetos, facilitan la organización de nuestras pertenencias. Siendo una Plataforma global fabricada en la planta de Ford en General Pacheco para el resto del Mercosur, el nuevo Focus se presenta en cuatro versiones (S, SE, SE Plus y Titanium), las que pueden elegirse en distintas gamas de azul, rojo, blanco, gris, plata y negro. El vehículo premiado con 5 estrellas LatinNCAP por sus prestaciones en cuanto a seguridad activa y pasiva, aspira a conquistar el segmento C con su versión de baúl o sedán, una categoría a la que recurre toda familia tipo. Y por su estética deportiva y la tecnología que ofrece, la versión 5 puertas o hatchback también abre el juego hacia un público joven. + www.ford.com.ar


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El nuevo mundo de economía colaborativa Está cambiando conceptos básicos del capitalismo y planteando una sociedad en la que, gracias a la tecnología, la relación entre productores y consumidores se acerca muchísimo, basada en el aprovechamiento de lo que otros no usan y en una revalorización de la reputación como aval para un pago. | Texto: Ricardo Sametband @rsametband

En la novela “Down and Out in the Magic Kingdom” (2003, está publicada gratis en formato digital) Cory Doctorow imaginó un mundo en el que la moneda de cambio no es el dinero, sino la reputación. Una suerte de crédito (medido en “Whuffies”) definido socialmente, que permite una valoración más justa (en teoría) de lo que cada uno aporta a la comunidad. El Whuffie tuvo una implementación local (el banco Whuffie, que funcionó entre 2009 y 2013) y representa una de las innumerables propuestas, locales e internacionales, para repensar la relación de la gente con lo material, con la comunidad y con el planeta. Pero no desde un pensamiento neo-hippie (o no necesariamente), que sólo piense en el amor y el conocimiento interior a base de meditación, sino con un acercamiento más pragmático, que busca aprovechar, racionalmente, la fortaleza que aporta el trabajo mancomunado; la colaboración, el compartir, el redescubrir la comunidad que anuló la hiper masividad de las ciudades, el aprovechar lo que se tiene, el no vivir para comprar. Esto llega gracias al avance de lo digital que es, paradójicamente, uno de los mayores vectores del consumo por el consumo mismo, de la obsolescencia programada. Con la tecnología, con Internet, con la posibilidad de medir con muchísima precisión los recursos en uso y los que están desperdiciados, las necesidades que no llegan a cubrirse y la oferta excesiva. Con la (lenta) desaparición de

las barreras geográficas, llega a todos lados, y se transforma en otro concepto: el de la economía colaborativa (o compartida; las definiciones y las nomenclaturas son flexibles). Así surgen propuestas como el software libre: una producción internacional en la que todos aportan algo en beneficio de los demás. El costo que tiene para cada uno (en tiempo, esfuerzo, experiencia) es diferente, pero lo es también el valor de lo que obtienen. Todos son dueños, cualquiera lo puede usar. Hay otros ejemplos más cercanos a la gente común, como AirBnB, el sucesor de Couchsurfing: viajar sin depender de los hoteles, sino usando el colchón libre que muchos tienen en sus casas. El pool para los autos, que justifica mover una tonelada de metal para algo más que llevar una sola persona. La firma que alquila herramientas, porque ¿cuántas veces usaste el taladro que compraste aquella vez? El club del trueque, y el concepto de que lo que yo no uso puede serle útil a otro, y viceversa. Más: TripDa para planear viajes con gastos compartidos; RelayRides, para alquilarle el auto a tu vecino por un par de horas; Freelancer.com o TaskRabbit para subastar la resolución de tareas sencillas al mejor postor; Fon, una comunidad en la que compartís una parte de tu Wi-Fi a cambio de tener conectividad gratis donde viajes; sitios de venta de ropa usada; de compraventa de, literalmente, cualquier cosa.

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ideas creativas 065 tecnología

Es la vuelta al pueblo, porque se basa en el vínculo directo (o lo más directo posible) con otras personas, a ciertas formas de regateo, a los arreglos flexibles, a los ajustes a medida, pero con alcance mundial. Es el intercambio de bienes basado en un costo y una ganancia, que son compartidos. “Todo esto se hace posible por la tecnología, los smartphones, Internet. Y aunque viene dando vueltas hace muchos años, se hizo fuerte en 2008, durante la crisis, y la idea de que tener acceso a algo es mejor que ser su propietario. Es un cambio mental en el que todos podemos pensarnos como productores de bienes y servicios, y al mismo tiempo, como consumidores. Pero no tiene que ver con regalar lo que uno hace, sino con ser más eficiente en lo que produce y consume, en cómo gestiona sus recursos”, explica Marcela Basch, periodista especializada en economía colaborativa, que dirige el blog El Plan C (www.elplanc.net). No está mal hacer dinero: la economía colaborativa va de lo eminentemente altruista, a lo enteramente comercial. Es que para vincular a los que tienen y a los que necesitan (o están de ambos lados a la vez), se necesita un intermediario: los miles de portales, sitios, servicios que, justamente, permiten que unos y otros se encuentren. Y ganan más o menos dinero en el medio. “La economía colaborativa flexibiliza las relaciones, las tiende a hacer más horizontales (las pone en pie de igualdad), pero no anula los intermediarios. Lo que logra es repartir mejor las ganancias y las responsabilidades, hacer un uso más eficiente de los recursos subutilizados, es más amigable con el medio ambiente. Pero no es una definición cerrada -advierte Basch-. Y a veces termina en un negocio en el que vale el precio más bajo, que no está tan en línea con lo que pensamos como colaborativo. Es un campo muy nuevo, y todavía hay muchas cosas en discusión”. Igual, la plata no es el punto clave: los precios muchas veces son flexibles, flotantes, negociables. En el siglo XXI, la moneda de cambio va dejando de ser la tradicional, para pasar a ser (muy

lentamente) la de la reputación, según una de las pioneras en el área, Rachel Botsman, que creó el concepto de “consumo colaborativo”. En un contexto en el que lo monetario es secundario -porque se trata de un trueque, como el couchsurfing- una referencia es, justamente, el buen nombre: es un vendedor confiable, es un chofer amable, es un técnico que sabe de lo que habla, etc. “La reputación se está convirtiendo en la pieza crucial para la economía del siglo XXI. Es el antiguo poder del boca-a-oreja cuando entra en contacto con las fuerzas de un mundo en red -explica David Sucar, gerente de acuerdos estratégicos en Traity, un servicio que ofrece una suerte de certificación de la reputación online-. Su valor es mucho mayor que el dinero, porque no se puede comprar ni vender: se tiene que ganar. En un entorno de relaciones persona a persona, donde la interacción personal entre perfectos desconocidos conlleva un riesgo mucho mayor al de interactuar con una marca; la confianza es mucho más importante que el precio”. Pero en la propuesta por una economía compartida, el dinero no desaparece. De hecho, hay compañías que están haciendo fortunas con la idea de mejorar la manera en que la oferta y la demanda se encuentran en un mercado más o menos informal: un estudio reciente de la consultora PwC estima que para 2025, la economía colaborativa generará una facturación de 335 mil millones de dólares en todo el mundo. Y esa circulación de dinero tiene, con la economía del compartir, una circulación diferente: por ejemplo, “En la India, hay 100 millones de cuentas bancarias y 500 millones de cuentas de Facebook. Es decir, gente sin identidad financiera, pero con identidad social -explica Sucar-. Si podemos crear sistemas que permitan a la gente acceder a seguros, trabajos y otras oportunidades ayudándose de su reputación, estaríamos construyendo algo realmente significativo. Al mismo tiempo, se reducirían el riesgo y el fraude, aumentaría la eficiencia y se abrirían nuevas oportunidades ante mucha gente”. +


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Una recorrida por el Salón del Automóvil de Buenos Airess Pasó la séptima edición del Salón Internacional del Automóvil de Buenos Aires, y dejó cerca de 60 novedades. Te mostramos aquí, los principales modelos de cada una de las marcas expositoras. | Texto: Elvio Orellana @emorellana33 Fotos: Nicolás Colombo

La buena sinergia que se produce entre los consumidores y las marcas en las exposiciones y ferias -independientemente del producto de que se trate- es cada vez mayor. No por nada son un recurso cada vez más empleado por las diferentes industrias, y que en buena medida es aprovechado por las marcas que participan, para cruzar ideas y recabar necesidades de los asistentes. El Salón del Automóvil es un claro ejemplo de este fenómeno, que se reproduce en las principales capitales del mundo. El pasado mes de junio, le tocó a La Rural ser sede -por séptima vez en su historia- de la versión porteña. 90+10 no quiso perderse la cita más importante del sector automotor local, y trae lo mejor de las marcas que dijeron presente. FORD Porque será uno de los lanzamientos más inmediatos e importantes para la marca, vale la pena fijar la atención en el stand de Ford. Allí,

los visitantes tuvieron la posibilidad de apreciar en detalle al nuevo Focus, en sus dos diferentes siluetas: hatchback y sedán. Al igual que su antecesor, este modelo se produce en la planta de Pacheco, y se mantiene bajo la consigna de ser un producto global, es decir, es el mismo para todos los mercados del mundo. Aunque aún da toda la sensación de que su anterior generación sigue siendo nueva, y que había llevado esta corriente que la marca denomina “Kinetic Design” (Energía en Movimiento) a su máxima expresión, aparece esta nueva edición, donde a través de una nueva parrilla con forma hexagonal, los faros alargados y dos nervaduras sobre el capó, logran imprimirle una nueva expresión. No muy lejos de estos, se encontraba el Ford Mondeo (que llegará el año que viene) y la nueva Kuga, el utilitario deportivo de lujo que llegará durante el último trimestre de este año, impulsado por un único motor: el EcoBoost 2.0L de 240 CV. El dueño de todos los flashes fue el Mustang color rojo sangre, el cual llegará el próximo


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año. Y para quienes lo echaban de menos, allí apareció el Ka, aunque claro está, con un diseño totalmente renovado. Este pequeño también llegará en el 2016, con un motor 1.5L de 105 CV. VOLKSWAGEN La marca alemana no se escondió nada, y decidió mostrar once novedades que llegarán entre este año y el que viene. Sobre la base del nuevo Golf, hubo dos versiones bien contrapuestas, que fueron exhibidas. La primera de ellas es la llamada Golf Variant -popularmente conocida como rural- que estará a la venta en julio, en versiones Comfortline y Highline, ambas con motorización 1.4 TSI de 140 CV con tecnología BlueMotion. La otra versión del “hatch” es la GTi, la cual oculta bajo el capot 220 caballos, y podrá ser adquirida desde octubre. Mucho más terrenal que este último, se encuentra el Up! Imotion, es decir, la versión del pequeño, con caja automática de 5 marchas.

Entre tantas novedades de pick ups, la marca no quiso perder protagonismo, y salió al cruce con la Amarok Ultimate, una versión con frontal mucho más moderno, con faros bi-xenón y luces diurnas de LEDs, que desde su puesta a la venta en agosto, marcó el cese de la comercialización de la Amarok Dark Label. Un VW Gol con un frontal retocado, faros rectangulares y llantas de 16” llamado Gol Sportline, también fue exhibido. Acertada decisión de VW fue mostrar al Polo, un sedán que se ubicará entre el Voyage y el Vento, y que se sumará al portfolio en el mes de la primavera. PEUGEOT En el centro de la escena, los nuevos Peugeot 308 y 408. Es que ambos son los lanzamientos más inmediatos y, sin duda, los más importantes de la marca en este año. La nueva expresión felina es una réplica del lenguaje de diseño que inauguró el león más lujoso que tiene el portfolio de la marca, el 508, y que también formaba parte del stand. Además del diseño, una de las novedades


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en ambos modelos es la llegada de una nueva caja manual de 6 marchas para los motores diésel 1.6 HDi de 115 CV y naftero 1.6 THP con 163 CV. Otro león que tomó protagonismo fue el 2008, modelo con el que la marca aspira a competir entre los crossovers (se llaman así, porque sólo ofrecen tracción delantera), a partir del año que viene. Por calidad, tamaño y prestaciones, apunta a la Honda HR-V, modelo que llegará este año, y que también abordamos en este informe. CHEVROLET Los más llamativos, fotografiados, y que más tiempo la gente se detenía a ver del stand de Chevrolet, fueron los Camaro SS Coupé

y Cabrio. Tenerlos al frente era como apreciar a dos musculosos sacando lo mejor de sí. La versión SS cuenta con un motor V8 de 6.2 litros que eroga 405 CV, el cual viene acoplado a una la transmisión secuencial/automática de 6 velocidades. Y si de robustez hablamos, había una novedad más colosal. Nos referimos a la Chevrolet Silverado 3500 HD (Heavy Duty). Su impresionante motor DURAMAX V8 Turbodiésel con 6.6 litros de cilindrada, tiene 402 CV. Su diseño exterior, realmente, mete miedo. Más inofensiva, pero no por ello menos atractiva, se encontraba la pick up S10 High Country. Se diferenciará por ofrecer accesorios exclusivos: defensa delantera, faros con máscara negra, llantas de 18”, cobertor marítimo con jaula, y los faros traseros con tecnología LED. Estará disponible en las versiones 4x2 y 4x4 doble cabina, con un motor 2.8 turbodiésel CTDI de 200 CV, con caja manual o automática secuencial de 6. Otro que se presentará con mejoras estéticas es el Onix Effect, y que se diferencia del convencional por su parrilla y faros con máscara de color, faros antiniebla, techo negro brillante, llantas de 15” en tono grafito, spoiler delantero, faldones laterales, y gráficas alusivas a la versión Effect. HONDA Hace tiempo que la marca japonesa no tenía tanto revuelo en torno a su lugar de exposición. Y no era para menos, ya que en un escenario a sobre nivel, sacaba pecho la HR-V, modelo que se fabrica en la planta local de Campana. Se ofrecerá con caja manual de 6 marchas, y automática CVT. Toda la gama estará impulsada por el motor naftero 1.8 de 140 CV. Desde más abajo y un tanto tímida, estaba la nueva edición del Fit, modelo que tiene planeado llegar el año que viene.


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NISSAN Otra marca que tuvo gran convocatoria en su stand fue Nissan. Su estrella fue la Nissan NP300, modelo que hasta el momento de su develación, estaba cubierto por una gran bandera Argentina. Y es que justamente, además del nuevo producto, la novedad pasa porque será fabricada en Córdoba, en la planta de Santa Isabel que posee Renault. El modelo que se exhibió dispone de carrocería doble cabina, y se caracteriza por su diseño moderno y atlético, con líneas bien marcadas en el capó y los guardabarros. Además, posee parrilla cromada y luces diurnas con tecnología LED. Estará disponible para la venta en noviembre, proveniente de México (en nuestro país, se fabricará recién en el 2018), con un nuevo motor diésel 2.3 biturbo, con una

potencia de 190 caballos, con una caja manual de 6 marchas, o una automática con 7 velocidades. El otro atractivo del stand fue el concept Kicks crossover, el cual tiene planes de llegar a la producción para sumarse a la categoría donde reina la Ford EcoSport. MERCEDES-BENZ Y SMART La marca de la estrella es una de las pocas importadas que goza de buena salud, y mostró cosas muy interesantes. El más atractivo -no sólo del stand, sino del Salón- fue para nosotros el Mercedes AMG GT. Se trata del deportivo más moderno de la marca alemana, desarrollado por completo por la división deportiva AMG y que sería el reemplazante del SLS AMG “Alas de Gaviota”. Tiene un motor V8 biturbo de 4.0 litros, con dos opciones de potencia: GT (462 cv) y GT S (510 cv). A metros se ubicaba la edición para cuatro pasajeros del pequeño smart, el que, en este caso, se denomina smart Forfour. Llegará durante el primer trimestre de 2016, con versiones equipadas con el motor de 71CV, y con transmisión manual de 5 velocidades. La parte racional del stand la ocupó la nueva Vito, un utilitario que se fabrica en la Argentina, y que llegará en el mes de noviembre. Lo hará con versiones furgón (con una capacidad de 1300 kilos), mixto (espacio de carga y para 4 pasajeros más el conductor, con capacidad de 1010 kilos) y para pasajeros con 8 asientos más uno y 7 asientos más uno (este último, pensado para familias numerosas). Los motores serán naftero y diésel, con caja manual de 6 velocidades. FIAT El más excéntrico de todos sus modelos fue, sin dudas, el FCC4. Un


ejercicio de diseño desarrollado por el Fiat Design Center Latam, el cual adopta el carácter Adventure de la marca, y lo fusiona a una cupé de 4 puertas. El pequeño Fiat 500 tuvo dos versiones inéditas para nuestro mercado. La primera, una eléctrica llamada 500e (modelo que sólo se comercializa en California, EE.UU., con un motor eDrive de 83KW, y autonomía de 160 Km. El otro Cinquecento que dijo presente fue el 500X Cross un crossover compacto que acentúa la evolución de la marca y la tecnología a través de la madurez de su ADN. Entre los que ya pueden comprarse, se destaca el nuevo Línea, que ofrece una nueva central multimedia “Uconnect” con Bluetooth, navegador con GPS TomTom y cámara de retromarcha, como así también el Punto Blackmotion, una serie especial que acentúa el carácter deportivo del modelo. AUDI Siempre es lindo visitar el stand de una marca Premium, y en el caso de Audi, la visita valió la pena. La principal estrella de la muestra fue el nuevo Q7, ya que se trató de una avant-première regional. Una de sus principales mejoras tiene que ver con la reducción de peso (325 kg). Su lanzamiento está previsto para fines de este año, con un motor 3.0 TFSI V6 de 333 CV, con caja Tiptronic y tracción quattro. Otra que deslumbró fue la nueva generación del TT. Está fabricado sobre la nueva plataforma MQB, y dentro de los detalles principales, se encuentran su nuevo tablero 100% digital, y los comandos del climatizador en las salidas del aire. También se presentó para nuestro mercado el nuevo S3 sedán. Este compacto deportivo cuenta con un motor 2.0 con turbo, que entrega unos impresionantes 300 CV. Su diseño es realmente muy logrado.


Pero si de imagen se trata, imposible no mencionar al R7 Sportback, que revela su carácter dinámico, gracias a su capó largo y sus líneas. Porta un motor 4.0 TFSI de 560 CV, capaz de acelerar de 0 a 100 km/h en 3,9 segundos. Este impresionante V8 bi-turbo necesita sólo 9,5 litros de combustible cada 100 kilómetros. Una Tiptronic de 8 velocidades en sintonía para el rendimiento deportivo, dirige la potencia de este deportivo con la tracción permanente quattro a las cuatro ruedas. También se exhibió la nueva Q3, que presenta como novedad el motor 1.4 con turbo y 150 CV, y también se gana el título de primer vehículo “Q” con tracción simple. En este caso, delantera. TOYOTA Desde Toyota, el gran innovador fue el Mirai, el vehículo a hidrógeno con incidencia concreta en nuestro mercado. Desde octubre, una edición especial de mil unidades del Etios llamada Platinum, se pondrá a la venta. Basada en el equipamiento XLS -tanto en silueta hatchback como sedán-, agregará tapizados de cuero, sensor de estacionamiento trasero, llantas de 15” de diseño exclusivo, pantalla táctil con GPS y cámara de retroceso. El tercer modelo japonés de importancia fue Yaris, un compacto que se produce en Tailandia, y que la marca estudia en su plan de productos para el mercado argentino. De lanzarse, se posicionaría por encima del Etios, para competir en la franja más alta del segmento compacto. CHERY La marca china contó con un stand que viene creciendo edición tras edición. El más fotografiado de todos fue el Tiggo 5: la última ge-

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neración del utilitario deportivo que compite con la Ford EcoSport y la Renault Duster. Su diseño supera ampliamente al Tiggo que hoy se comercializa. La versión presentada estaba equipada con un motor de 2.0 de 139 CV, asociada a una transmisión manual de 5 marchas y tracción delantera. Estará a la venta durante el primer semestre del año que viene. El otro protagonista fue el Arrizo 7, un sedán mediano que también tiene planes de llegar el año que viene, con el fin de competir en el segmento de los tricuerpo medianos. Ambos modelos fueron creados a partir del nuevo lenguaje de diseño de la marca, el cual lidera Brian Hope, ex-director de diseño de automotrices líderes en Europa y EE.UU. RAM Y JEEP RENEGADE Del grupo Fiat Chrysler Automobiles (FCA), hay dos modelos que llegarán este año. La primera pertenece a la marca que nos tiene acostumbrados a sus gigantescas camionetas. Nos referimos a Ram, y a su Ram Fox, una versión que, sobre la base de la Larmie 1500, concibió con la firma especialista en indumentaria deportiva de motocross, Fox. ¿El resultado? Una Ram con estética deportiva y una plataforma deslizante, que permite cargar hasta dos motos. Del lado de Jeep, el protagonista indiscutible fue el Renegade. El mismo llegará en octubre, en dos versiones: Sport (con motor 1.8 16v de 128 CV, caja manual de 5 velocidades y tracción delantera) y el Longitude (con motor 2.4 16v de 184 CV con caja automática de 9 marchas y 4x4). + www.elsalodelautomovil.com.ar


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Renault en el Salón del Automóvil Pasión por la vida

Cinco lanzamientos, dos de ellos primicias mundiales. Esto y más es lo que presentó Renault en su stand del Salón del Automóvil de Buenos Aires. | Texto: Elvio Orellana @emorellana33 Fotos: Nicolás Colombo

“Passion for Life” es la nueva corriente de diseño de la marca del rombo, y está basada en las distintas etapas de la vida. El objetivo principal de esta tendencia es contribuir al placer, pero a la vez, hacer fácil la vida a bordo de todos los vehículos. Estos conceptos se pudieron apreciar con gran claridad en el stand de Renault en el Salón porteño del Automóvil. La primera de las novedades de Renault (y la más esperada) fue la pick up bautizada Oroch: una camioneta concebida sobre la Duster, que fue desarrollada en tan sólo un año, con el fin de captar una nueva clientela. Es que por su formato, dimensiones, capacidad para 5 personas y su caja de 650 kilos de capacidad de carga de 1,35 metros, supera a una VW Saveiro, y se ubica por debajo de una Toyota Hilux. Se ofrecerá con los conocidos motores nafteros 1.6 y 2.0 y con tracción delantera o integral. Por dentro, traerá todos los avances de equipamiento que ya conocemos de la Duster.

La otra primicia mundial fue una versión rabiosa (pero rabiosa en serio) del Sandero, que se apellida RS. Además de su estética bien deportiva, se equipa con un motor 2.0 de 150 CV, que lo puede hacer llegar a los 100 km/h en 8 segundos, según aseguró la marca. También se mostraron los renovados Mégane III y Fluence GT2 (la variante más deportiva, potente y veloz de la familia Fluence). Y para admirar detenidamente el Renault Sport R.S. 01., el stand de Renault dispuso simpáticos bancos redondos. En amarillo furioso, resulta una síntesis entre un concept car y un auto de carreras, y fue concebido para ser uno de los más eficientes Gran Turismo del mundo. Para ello, se vale de toda la tecnología de la eficiencia aerodinámica, que traduce en su diseño exquisito y atractivo. Además, los visitantes pudieron tomar contacto con los recientemente lanzados Sandero, Sandero Stepway y Duster, y partici-


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par de los juegos y concursos interactivos para grandes y chicos que propuso el espacio “Innovation & Technology” a través de las redes sociales. Otra atracción fue la Tienda Renault Boutique, con todo tipo de objetos que acompañan el estilo de vida Renault: anteojos, relojes, tarjeteros, cuadernos, lapiceras, bolsos, remeras y hasta camisas, pensados para los fanáticos de la marca. Capítulo aparte merecen los vehículos eléctricos, el futuro de la movilidad según Renault. Siendo el primer constructor del mundo en comercializar en forma masiva su gama de vehículos 100% eléctricos y accesibles, exhibió en forma didáctica las características de su familia Z.E. (Zero Emission), mostrando en detalle el proceso de alimentación de su particular motor, y poniendo a consideración sus modelos Kangoo Z.E., Twizy Z.E. y Kangoo Z.E. + www.renault.com.ar

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+ Martumanian

El poncho

Versiones contemporáneas por jóvenes diseñadores ¿Existe aún la noción de buen gusto? ¿Alguien la usa? Ya que mi pretensión es escribir sobre moda argentina en español -con modismos y hasta quizás algo propio del lunfardo- voy a volver sobre la literatura, el poncho y sus versiones contemporáneas. Algunos apuntes para esbozar ideas. | Texto: Celeste Nasimbera @CeleNasimbera


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+ Villamax

“El libro está agotado. No, no está. Podés encargarlo, lo buscamos, pero no te prometo nada”. “Pilchas criollas” del antropólogo uruguayo Fernando Assunção es bibliografía obligatoria para consultar sobre las prendas que vistieron al gaucho. Aquí nos interesa el poncho y su definición como prenda universal, ya que se registró en diferentes culturas. Pero en nuestro imaginario popular, nos pertenece -o al menos- nos es cercana. Incluso, en “Facundo” de Sarmiento, sirve -como demás códigos de vestimentos- para distinguir. En el libro fundante de la literatura argentina, se vuelve sobre él. “El poncho es latinoamericano, es una tipología que se considera de las básicas, y éstas son universales. Es fantástico porque habla de los pueblos y su tecnología, de su capacidad de tejer. Aparece en distintas regiones del mundo, con origen incierto”, nos marca Jorge Moragues, docente titular de la FADU/UBA y director del

Museo del Traje. ¿Y ahora qué? Dejando de lado las marcas tradicionales que realizan habitualmente la prenda, y las masivas -que lo incorporan actualmente como tendencia internacional-, nos interesa indagar por qué y cómo lo retoman los diseñadores jóvenes, aquellos que están pensando en el diseño como herramienta de expresión personal, pero también colectiva. “Los diseñadores jóvenes lo retoman por efecto del quiebre producido por la crisis y los nuevos paradigmas. En este caso la globalización, uno de los incidentes que dio pie en distintas regiones a resistir al anonimato, teniendo una mirada introspectiva, buscando rasgos folclóricos. En nuestro país, ha comenzado a darse el cambio, un fenómeno que se replica en distintas partes del mundo tercermundista. Pero volviendo al poncho y los diseñadores, puede ser una pena que sea moda, porque pasará”, reflexiona Moragues, generando una nueva pregunta: ¿es moda o es estilo?


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+ Andrea Urquizu

El poncho es parte de nuestro folclore, y más allá de las modas (que van y vuelven), puede considerarse una prenda para incorporar al ropero nacional. Por supuesto, no estamos hablando de literalidad, para eso están las copias. Estamos bocetando sobre prendas que conformen un estilo, que para definirlas con precisión, sea necesario entender quién las diseña, quién las usa y dónde. Fernando Martumanian, Gonzalo Villamax, Kalu Gryb, Andrea Urquizu, Julia Schang - Vitón, Matías Julián Hidalgo y Geraldine Schroeder y Andrés Zerneri de Marca Poncho son las estéticas que recorremos para pensar en un modo argentino. La propuesta tucumana para hombres Villamax incluye el poncho y la intención es “referenciar la fusión entre la ciudad y el campo, logrando un compuesto”. A través de nuevas reconfiguraciones sobre la tipología, se presenta una prenda factible para el uso. Porque de eso va, de poder llevarla sobre el cuerpo, punto que marca el diseñador textil Fernando Martumanian: “Para empezar, se puede resignificar simplemente desde el uso, tomando un poncho de lana de esos bien argentinos, y simplemente, mezclarlo

con nuestra ropa habitual. Todos deberían tener un buen poncho, pero de esos de verdad. Si es heredado, mejor”. Mientras Gonzalo Villamax conversó con artesanos para diseñar, a Fernando Martumanian le interesa trabajar la prenda (sin costura, sin moldería), que ya puede generar desde la riqueza del textil. Matías Julián Hidalgo generó “Ponchomono”, un producto que se inició en la “búsqueda hacia la actualización del poncho, de esta telúrica prenda que supo vestir a los grandes héroes de nuestra cultura nacional, como Juan Moreira, Martín Fierro y el Gauchito Gil”. Y aparecen nuevamente personajes históricos, literarios, populares. Algo del acervo popular para retomar, para apropiar, para modificar y, sobre todo, para ponérselo. Mientras Matías Julián Hidalgo suma un espíritu más deportivo para el uso diario, AU de Andrea Urquizu lo incorpora como un básico, utilizando el negro y las transparencias, generando un comodín nocturno. En la colección invernal “Buena Tierra”, Kalu Gryb decidió retomar el entorno, y de allí surge adaptar el poncho al estilo de la propues-


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+ Matías Hidalgo

ta. La diseñadora chaqueña mezcló para obtener nuevas piezas. En esta oportunidad, incorporando características de la camisa, y obteniendo practicidad. Julia Schang - Vitón también volvió sobre la tipología en su última colección cápsula “Raíz”, realizada junto a la artesana Miriam Atencio de San Juan. “Decidimos tomar las prendas características de nuestro entorno. Una de ellas es el poncho, y lo adaptamos al estilo de la marca. Lo que hacemos es mezclar las formas básicas de distintas tipologías, que da como resultado una nueva prenda. En este caso, unimos las formas básicas del poncho con algunas características de la camisa. El poncho `Uspallata’ lo pensamos juntas con Miriam como una fusión entre elementos simbólicos y morfológicos icónicos de SchangVitón y su sabiduría ancestral, la técnica de tejeduría en tela, y no sólo aplicada a nivel constructivo, sino también decorativo. Tomamos el círculo como símbolo, una resignificación del poncho de mi primera colección como morfología, y la textura acanalada por medio de la sustracción, sumada a la confección artesanal como impronta en esta pieza”.

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+ Julia Schang - Vitón

La diseñadora de indumentaria Geraldine Schroeder y el escultor Andrés Zerneri llevan adelante Marca Poncho desde hace menos de un año. “Comenzamos a mixturar ideas y gustos en lo textil, el diseño y la comunicación. Nos reunirnos para hablar de creaciones textiles y la forma de propagar un concepto que es fiel a nuestra forma de ser, partiendo desde un tipo de indumentaria tan simple como infinito, como es el poncho. Queremos emponchar al mundo entero, pero lo haremos respetando el hacer de los tejedores y quienes trabajan con nosotros”. Si volvemos sobre las estéticas y los haceres de los diseñadores, podemos marcar que el poncho es una tipología que dispara ideas, se nutre de saberes propios de la artesanía y se encuentra en relación con el ritmo deportivo que marca la moda. Puede transformarse una prenda de temporada, pero también está en nuestro acervo, y hay un interés de quienes hoy nos visten de retomarlo. ¿Lo utilizamos? En la incorporación, en la variación, en cómo se lleva puede decantar un estilo ¿argentino? Hay que ponérselo y ver qué pasa. +


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+ The Florida Mall

Orlando como destino de compras La ciudad de Orlando es un indiscutido destino turístico para visitar en el estado de Florida, en Estados Unidos, con sus múltiples parques temáticos: desde el clásico Magic Kingdom y Epcot Center en Walt Disney World Resort, hasta el mágico Wizarding World of Harry Potter en Universal Orlando Resort. Pero además, la ciudad cuenta con atracciones turísticas como el reciente inaugurado Orlando Eye, todo tipo de ofertas gastronómicas y tres malls que la convierten en un atractivo destino de compras.


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+ En The Florida Mall se encuentran el Crayola Experience (para experimentar con crayones), junto a M&M´s World y un Apple Store.

La ciudad de Orlando se ha convertido en un importante “hotspot” de compras, con tres malls que suman en conjunto cerca de 600 tiendas y restaurantes: The Florida Mall, Orlando Vineland Premium Outlets y Orlando International Premium Outlets. Los tres están convenientemente situados muy cerca entre sí y del Aeropuerto Internacional de Orlando, así como de varias atracciones de la zona. ¿A qué se denomina Premium Outlets? Es el portafolio de outlets de Simon Property Group; una colección de centros comerciales tipo outlet de alta calidad reconocida internacionalmente, que reúne las mejores marcas, con descuentos de 25 a 65 por ciento todos los días. Vale aclarar que en los Premium Outlets todos los productos son de primera calidad y corresponden a la estación vigente, mientras que en el resto de las tiendas se cuelga la próxima colección. Además, muchas marcas producen determinados artículos especialmente para venderse en los Premium Outlets, y que debemos considerar.

El Orlando Vineland Premium Outlets (www.premiumoutlets.com/ vineland) está ubicado entre Walt Disney World y SeaWorld, y es considerado uno de los centros comerciales de tipo outlet más elegantes de Estados Unidos. Posee 160 tiendas outlet, incluyendo Armani Outlet, Banana Republic Factory Store, Barneys New York Outlet, Brunello Cucinelli, Burberry, CH Carolina Herrera, Diesel, Ermenegildo Zegna Outlet Store, Etro, Fendi, Hugo Boss Factory Store, Joe’s Jeans, MaxMara, Puma, Prada, Roberto Cavalli, Salvatore Ferragamo, TAG Heuer, Tod’s, Vera Bradley y tiendas como Forever 21, Saks Fifth Avenue Off 5th y Ugg Australia. Localizado a sólo minutos de Universal Studios, el atractivo Orlando International Premium Outlets (www.premiumoutlets.com/ international) es el centro comercial tipo outlet más grande de la zona. Ofrece 180 tiendas, incluyendo Ann Taylor Factory Store, Baccarat | Lalique, Brahmin, Chico’s, J.Crew, Juicy Couture, Kate Spade New York, Kenneth Cole, Neiman Marcus Last Call, Levi’s, Nike, L’Occitane, Le Creuset, Michael Kors, Saks Fifth Avenue Off


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+ The Orlando Eye ofrece vistas panorámicas de la ciudad

5th, St. John Outlet, Ted Baker London, Tourneau, Under Armour, Victoria’s Secret, White House Black Market y muchas más. Pero el centro comercial más grande y significativo del centro de Florida es The Florida Mall (www.shopfloridamall.com). Posee más de 250 tiendas y restaurantes de primera línea, y recibe por año 20 millones de visitantes. El mall continúa expandiendo y diversificando la experiencia de compras para sus visitantes, añadiendo constantemente novedosas opciones de tiendas, comida, entretenimiento y servicios. Ofrece también instalaciones como el hotel The Florida Mall Hotel & Conference Center, adyacente al mall y con más de 500 habitaciones. Un dato importante: The Florida Mall acaba de completar una renovación adicional que incluye un nuevo Dining Pavilion, con opciones de comida rápida y saludable. Recientemente, también abrió la nueva Crayola Experience (la segunda en el mundo). Se trata de un espacio donde las familias pueden disfrutar de 25 atracciones interactivas y creativas de la reconocida marca de crayones y marcadores, más una tienda de productos. El mall cuenta con tiendas como Abercrombie & Fitch, Build-ABear Workshop, Forever 21, H&M, Hollister Co., MAC y Pandora, entre otras, además de cinco enormes tiendas por departamento (Dillards’s, Macy’s, JCPenney, Dick’s Sporting Goods y Sears) y los exclusivos Apple y Microsoft Store. También incluye una de las cinco tiendas en el mundo de M&M’S, el único store de Disney del centro de Florida, la exclusiva tienda insignia de Zara y la primera de American Girl de la zona. PARA COMPRAR MEJOR Comprar es una acción psicológica, y quienes se encargan de dise-

ñar la estrategia comercial de los shoppings lo saben. Para estar preparados (y no caer en la trampa), enumeramos algunos tips que ayudan a crear una cultura de la buena compra. Todos compramos, pero a ser un comprador inteligente se aprende. La primera ley es no aceptar encargos. Estar en un determinado destino de compras implica una cierta inversión de dinero (en pasaje, hospedaje, comidas) y de tiempo, que debe aprovecharse de la mejor manera (salvo que el o los que hagan los encargos estén dispuestos a pagar un proporcional de los gastos del viaje). Además, comprar es un acto muy personal, y esa prenda que tal vez se vio por Internet difiere ligeramente del modelo deseado, o no se encuentra el talle correcto. Y traer la prenda equivocada, sin posibilidad de cambio, puede ser un problema. Hay que establecer prioridades de compra: primero comprar para uno mismo, luego para los afectos más cercanos, y por último, los regalos (si queda tiempo, presupuesto y ganas). ¿Cuál es el tiempo ideal de compra? Depende del número de integrantes de la familia. Pero para comprar tranquilos, hay que dedicarle un día completo al shopping. Y lo mejor es que cada uno haga sus propias compras. Sentarse un rato a planificar y armar un presupuesto acotado. Organizarse por tiempo, dinero y marcas que se quieren ver. Revisar bien el plano del shopping en donde nos encontramos, seleccionar aquellas marcas que nos gustan, y luego agregar tres nuevas para descubrir. Siempre encontraremos algo que nos guste. Por ejemplo, si disponemos de 5 horas para comprar, y son 7 las marcas que nos gustan -más las 3 nuevas para ver-, quiere decir que sólo podremos dedicar media hora a cada tienda. También hay que decidir de antemano, si parte del


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+ Orlando International Premium Outlets.

+ Hotel Walt Disney World Swan and Dolphin, donde se encuentra el restaurante Kimonos.

tiempo lo emplearemos en comer o no alguna cosa. Muy importante es revisar si tenemos cupones de descuento, o bien considerar comprar una cuponera de descuentos VIP (que los Simon Malls siempre ofrecen), e incluyen ofertas a partir de un determinado monto de compra, que siempre se suman a las promociones disponibles en cada tienda. ¿Cómo vestirse para ir de compras? En el caso de las mujeres, para probarse cómoda y rápidamente, hay que vestirse con dos prendas y zapatos fáciles de poner y sacar. Al salir de compras, es indispensable estar siempre bien maquilladas y peinadas, porque lo importante es sentirse bien al momento de seleccionar qué comprar y qué nos queda mejor. Sobre todo, cuando uno regresa a su ciudad, y ya no hay posibilidades de cambios… Es que hay que probarse todo, sí o sí. La cartera que llevemos debe ser de tipo bandolera, para que ambas manos queden libres para tocar telas, probar tamaños y texturas. Y hablando de probar con las manos, después de horas de recorrida y testeos, empezarán a resecarse, y hasta podemos sufrir alguna rotura de uñas. Es por eso que quienes saben comprar, aconsejan llevar siempre en la cartera una buena crema para manos y un pequeño alicate, para actuar rápidamente en una emergencia. ¿Cómo recorrer una tienda? Siempre de atrás hacia adelante. Las tiendas están organizadas de manera tal que lo que exhiben en la entrada es lo más caro y lo más nuevo de la colección. Las ofertas están siempre al final, así que hay que caminar ciegamente hasta el fondo sin distraerse, para luego ir avanzando hacia la puerta.

Link a la nota: http://9010.co/orlandocompras

¿Cada cuánto renovar el placard? Porque es importante vestirse y verse impecables, quienes saben y gustan de vestir bien, aseguran que aquellas prendas que hace más de un año no usamos, hay que regalarlas. Porque la moda siempre vuelve, pero nunca vuelve igual. Puede parecerse, pero cambia -al menos, ligeramente- en la silueta, el largo, la paleta de colores, el género, etc. DÓNDE HOSPEDARSE EN ORLANDO Opciones hay cientas, pero acá elegimos dos para perfiles bien distintos, para quienes viajan para hacer compras, solos o en familia. Una alternativa es hospedarse en una de las 511 habitaciones de The Florida Mall Hotel & Conference Center (www.thefloridahotelorlando.com). Se encuentra dentro del complejo del Florida Mall -con entrada adyacente al shopping-, posee varios restaurantes y está ubicado a minutos del Aeropuerto Internacional de Orlando. Pero si se desea hacer shopping en los Premium Outlets y se viaja en familia, el Hotel Walt Disney World Swan and Dolphin (www. swandolphinmedia.com) es lo suficientemente completo como para disfrutar de sus instalaciones, aún si no se visitan los famosos parques temáticos Epcot y Hollywood Studios -que por cierto, quedan a una breve caminata de distancia-. Posee cinco piletas, área de playa, entretenimientos y actividades para niños, y opciones gastronómicas para todos los bolsillos: tanto de lujo como de comidas rápidas (incluso, posee una tienda tipo minimercado 24 hs). A su vez, ofrece dos servicios poco habituales para cuidar el presupuesto familiar: el hotel posee una lavandería en donde el mismo huésped puede lavarse la ropa, y una alacena personal que reemplaza el concepto del minibar. +


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En el calendario del diseño argentino, Feria PuroDiseño es una fecha señalada. En su decimoquinta edición, celebró la creatividad nacional y la capacidad de innovación permanente. ¿Cómo mantener el contenido atractivo? La feria cuenta con un equipo interdisciplinario dedicado a la curaduría de las diversas propuestas. Junto a la directora Marcela Molinari, conformaron el “Comité de Selección” el arquitecto Julio Oropel, el diseñador industrial Cristian Mohaded, el diseñador Andrés Gotelli (director creativo de Pony), los diseñadores de indumentaria Benito Fernández y Vero Alfie, junto a Laureano Mon (miembro del Observatorio de Tendencias - INTI). Este equipo estuvo al tanto en las instancias previas, y celebró su participación a través de “altares” creativos, en mesas que invitaban al banquete. Entre las novedades de la feria, se destacaron las nuevas galerías de diseño de objetos, indumentaria y joyería contemporánea; espacios de contenido realizados por la misma feria, para incluir diferentes áreas del diseño. En lo formal, la feria acentuó en su línea, e innovó a través de estos contenidos. En la práctica, PuroDiseño recibió a los visitantes con una instalación para reflejarse, realizada por Julio Oropel y diseñador José Luis Zacarías Otiñano. A un costado, se exhibía una nueva edición de “La Selección” curada por el Observatorio de Tendencias - INTI. Guiados por el concepto “Belleza sin marco”, y siendo uno de los contenidos más innovadores de la feria, se presentaron las firmas Boerr-Yarde Buller (indumentaria y textil), Masklo (calzado), María Luisa Albino (mobiliario), María Duffy (objeto), Mambo (marroquinería) y la exquisita Agustina Ros (joyería contemporánea). El espacio, en inquietante negro, incluyó también obras de la artista Rocío Coppola y de la diseñadora Juliana García Bello. DISEÑO PARA LLEVAR El despertador, la cafetera, el cuaderno de notas, la ropa. Nuestro alrededor está diseñado, y en cada elección de consumo, buscamos una estética. Buscamos, compramos y acumulamos objetos con cierto sentido (o no). Nuestra habitación, departamento o casa da cuenta de nuestro estilo. Nuestra editora Marcela Fibbiani, hizo una selección de mobiliario.

+ Raum Buenos Aires: mobiliario que busca en la funcionalidad su diferencial.

+ Elo Menéndez utiliza materiales de desecho como materia prima.


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+ Su favorito es Qiri, una línea de mobiliario eco con madera de reforestación. Una propuesta de líneas simples, precisas, acentuadas con color a través de placas de melamina Masisa. La marca dirigida por la diseñadora Alejandra Lamelas -y recientemente Ezequiel Martínez-, recibió el Sello del Buen Diseño y lleva la marca Tucumán. Siguiendo una línea minimalista, destacamos a Raum Buenos Aires: una propuesta en arquitectura y mobiliario que busca en la funcionalidad su diferencial. La capacidad proyectual surge de la necesidad de transformación, es por ello que se utiliza material desechado para equipar oficinas. Aquello que no sirve se retoma, y se potencia lo que queda, para generar un producto sustentable.

+ Agustina Ros

En la misma instancia de diseño consciente, señalamos a Elo Menéndez, que utiliza materiales de desecho como materia prima. Volver sobre lo que hay, para resolver con ese margen. Así, surgen piezas sencillas, concretas, con un tono nostálgico que atrae. Y para finalizar de decorar los ambientes, hay que tener en cuenta los banquitos y luminarias de PCH Deco, ganador del premio de la prensa. ¿Un detalle único? En el stand de la provincia de Santa Fe, nos encontramos con las cerámicas Aguacero de Lucía Molina y ¡nos encantaron! Cinco firmas argentinas para renovar nuestros espacios interiores. DISEÑO PARA VESTIR PuroDiseño permite -además de incorporar propuestas del interiorconocer nuevos nombres y sumar novedades a nuestro ropero. Acá, mis elegidos.

+ Desde Santa Fe, cerámicas Aguacero.

La moda pasa, y perseguimos la modernidad. Por eso, entre las propuestas de indumentaria presentes en la Feria PuroDiseño, se destacan Jorge Fashion & Tailoring y Diana Soli. Dos diseñadores jóvenes que se encuentran en pleno desarrollo. Poseen las líneas de quien lleva un par de colecciones, y ese potencial que se detecta entre telas. Lo mejor está por venir en ellos. En “6 puntos”, Jorge Pedalino mantiene su carácter sastrero, y propone tops, chalecos, vestidos y abrigos. Una paleta de tierras con acentos en rojo y bordó en la Galería de Diseño. Un nombre para anotar y pasar por su showroom. En “Piezas”, Diana Soli busca, a través de la moldería, renovar básicos. Tops, blusas, pantalones y vestidos chic para llevar sobre la piel la creatividad federal.

+ Doris Viñas

La galería de joyería contemporánea es, posiblemente, uno de los fuertes de PuroDiseño. ¿Qué ver? Infaltable el encanto de Marina Massone, que construye piezas exquisitas (sí, a precios elevados para invertir en una sola pieza), y representa el potencial del sector creativo. Doris Viñas creció en su propuesta, no sólo incorporando nuevos materiales de trabajo (principalmente cierres y tensores), sino en la terminación del producto. Piezas muy cancheras, para utilizar en toda ocasión. Para el invierno suma negros, grises, azules eléctricos y rojos. Nuevos básicos a precios accesibles. En La Selección, curada por el Observatorio de Tendencias - INTI, se destacó el trabajo en vidrio de Agustina Ros. La misma se encuentra en estos momentos capacitándose en Barcelona, por lo cual es un nombre a seguir. La prenda argentina, acompañada de un detalle único, de la nueva joyería.

+ Diana Soli

Desde el año 2001 se realiza la feria PuroDiseño, dando cuenta de un proceso de desarrollo y consolidación de nuestro potencial creativo. También, por qué no, demostrando lo que resta por hacer. Una convocatoria que confirma que hay un público dispuesto a invertir en diseño. Es cuestión de seguir haciendo; es tiempo de insistir. + www.feriapurodiseno.com.ar

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Google I/O 2015

Un futuro en donde todo es inteligente La octava edición de uno de los eventos de tecnología más importantes a nivel mundial, nos muestra a Google concentrado en dotar de mayor inteligencia a sus productos estrella -los que ya cuentan con más de mil millones de usuarios diarios- y apuntando toda su innovación al “Internet Of Things”. Telas inteligentes, nano sensores en tu saco, un nueva versión de Android, así como backup gratis e ilimitado de tus fotos. | Texto y fotos: Pablo Pérez De Angelis @arkatPDA

Una primavera más fría de lo habitual y más de cinco mil desarrolladores de todo el mundo son el marco de dos intensos días de charlas, talleres, workshops y mucho networking en el centro de la icónica San Francisco.

la atención las casi nulas novedades en cuanto a hardware -sólo las hubo acerca de Cardboard, la opción de VR de bajo costo de Google-.

La primera cita del evento es el keynote en el auditorio mayor del tercer piso del Moscone Center, repleto con miles de developers -que tuvieron la suerte de conseguir estos tan preciados como escasos tickets para asistir- y representantes de los medios más prestigiosos del mundo. Pantallas curvas gigantes envolvían todo el salón que por primera vez fue más ancho que largo, apoyado quizás en esta experiencia envolvente.

GOOGLE PHOTOS Finalmente, Google liberó Google Photos. Llamada a ser la mejor aplicación para backup y manejo de fotos del mercado, G Photos cuenta con todas las características que los usuarios podían pedir: almacenamiento ilimitado, fotos en HD (hasta 16MP y video hasta 1080p) y, por supuesto, para siempre gratis. Además, cuenta con interfaz pulida y simple, gracias a que Google decidió sacar el manejo de las fotos del corset que significaba G+.

Esta charla central estuvo a cargo del Senior Vice-President of Products de Google, Sundar Pichai. Desde el comienzo, mostró a Google dando una vuelta a las bases y reinventándolas con el “estado del arte” de los algoritmos de Machine Learning, con novedades como Now On Top o Google Photo. El keynote transcurrió haciendo hincapié en la evolución de los productos y plataformas estrella del gigante de la tecnología, en lugar de presentar nuevos productos que intentan revolucionar nuevos sectores. Llamó

Como característica más destacada, resalta la “inteligencia” que se le agrega al ordenado y búsqueda de las fotos, donde Google hace gala de sus avances en algoritmos de redes neuronales. Google Photos reconoce personas, lugares y cosas en nuestras fotos, y es capaz de detectar el cambio de las personas a través del tiempo. Es asombroso ver, por ejemplo, cómo detectó fotos de mi sobrina desde que era un bebé hasta sus siete años, incluidas fotos donde salía en el fondo con poca luz, y otras en donde

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ideas creativas 087 tecnología

miraba de costado a una vidriera. Siempre apuntando a mostrarnos fotos que nos interesan -mantiene el filtro automático de fotos interesantes que ya contaba el manejo de fotos en G+- y ayudándonos a acceder a contenido relevante de entre las miles de fotos que sacamos en la era de los smartphones. El motor de búsqueda nos permite, sin tener que tagear nada, realizar búsquedas como: “cielos de San Francisco”, “árboles de Cordoba”, “playa en 2014”, “casa de gobierno” o simplemente “Navidad”, devolviendonos fotos con una precisión casi mágica. Al abandonar su existencia dentro de G+, el proceso de compartir fotos ya no fuerza al usuario a tener una cuenta de G+ para poder verlas, sino que simplemente se genera un link al que cualquiera puede acceder. De esta forma, se afianza la tendencia a abandonar la política de forzar que todo en Google pase por G+. La aplicacion está disponible en iOS, Android y Web. A primera vista, el diseño es genial, la interfaz realmente funciona, y el producto es casi perfecto. ANDROID M Como es costumbre cada año, Google anunció su nueva versión de Android, por ahora en preview para developers bajo el codename -nombre clave de desarrollo- Android M. La sexta versión de Android fue presentada por el VP de ingeniería de Google, Dave Burke, durante el keynote. En esta versión es una evolución y no una revolución, como vimos en la pasada iteración de Android, donde se integró un nuevo lenguaje visual con Material Design, entre otras novedades. GOOGLE NOW ON TAP Entre las novedades más importantes, se encuentran las nuevas funcionalidades de Google Now. Haciendo gala de un entendimiento del contexto asombroso, con sólo mantener presionado el botón de home, Google Now nos trae “cards” o tarjetas con

información útil, sin importar si estamos leyendo un mail, escuchando una canción, o navegando en la red. Utilizando la información de nuestra ubicación, el contenido del mail que estamos leyendo, el tema que estamos escuchando o la foto que estamos mirando, nos brinda información contextual útil y de calidad. Como ejemplo, si recibimos un mail invitándonos a ver una película, Now nos brinda un link al trailer en YouTube, su review en IMDB o Rotten Tomatoes, y los horarios en que la pasan en el cine más cercano. Otra muestra de los grandes avances de Google en materia de Machine Learning y lo poderoso que puede ser su uso asociado al uso de Knowledge Graph. GOOGLE MAPS OFFLINE Llegó el día en que Google Maps nos brinda las increíbles características que tiene online, también offline. Si viajamos y no tenemos Internet, si en el subte o en un evento muy concurrido nos quedamos sin conexión (y por lo tanto, sin acceso a Maps), con esta nueva versión, Maps nos permite acceder tanto a mapas, como autocompletado de búsquedas, reviews de locales y hasta la guía paso a paso para llegar a destino. Esta es una característica con la que muchos otros proveedores de mapas logran atraer clientes y quizás, una de las pocas que le faltaba a uno de los mejores sistemas de mapas que hay disponibles. BATERIAS y USB-C Dentro de las buenas noticias que nos dio Dave Burke sobre la nueva versión de Android, se destacan: mayor duración de nuestras baterías gracias a que cuando el sistema se encuentra inactivo, Android realizará tareas cada vez más espaciadamente, entrando en un modo bajo consumo más eficaz. Por otro lado, se adaptará el estándar USB-C permitiendo una carga más rápida y mejorará la vida de nuestra batería de los nuevos modelos de Android. PERMISOS MÁS AMIGABLES El nuevo sistema de permisos brinda más poder al usuario y baja


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la “fricción” que tiene un usuario al instalar una aplicación o actualizarla. A partir de Android M, el usuario se podrá instalar una aplicación sin garantizar ningún tipo de permisos, y al momento de utilizar por primera vez la característica que requiere ciertos permisos, se le pedirá autorización. Esto permite instalar una aplicación sin temer a la lista de permisos, ya que el usuario visualiza cuándo se está utilizando, por ejemplo, el acceso a la cámara. A su vez, el usuario puede -en cualquier momento- revisar qué permisos tiene habilitados para una aplicación en particular, y activarlos o desactivarlos. Esto implica un cambio al momento de actualizar una app, ya que el usuario no necesita autorizarla si la nueva versión utiliza nuevos permisos. La aplicación se actualizará y se le pedirá autorización en el momento que la app requiera acceso a los nuevos permisos. CHROME TAB Android M permite a los desarrolladores incorporar tabs de Chrome en sus aplicaciones con un “look and feel” personalizado, haciendo que la integración de las aplicaciones con la Web sea más fácil y natural. BRILLO Internet Of Things (o simplificando que todas nuestras cosas estén comunicadas, transmitiendo información, conectadas a Internet y entre ellas). Este no es un concepto nuevo, pero al igual que en los comienzos de los smartphones, la dispersión y la falta de estándares provoca retraso en su implementación. Google quiere solucionar eso, y lograr que las casas inteligentes, la ropa inteligente, etc., estén disponible antes. Para esto, presentó Brillo, un proyecto que, parado sobre la base -o capas más bajas- de Android, intenta ser el sistema operativo estándar para todos: el IoT (Internet Of Things). Como complemento lógico y necesario, presentó Weave: un lenguaje estándar para que los aparatos del IoT se comuniquen entre ellos, sin necesidad de que sean fabricados por un mismo proveedor. CARDBOARD Google hace su apuesta en el mundo de la Realidad Virtual: es barato, de código abierto y funciona con la mayoría de los smartphones. No hay excusa para no probarla, y sumergirnos en lo profundo del océano, volar por sobre tu ciudad, visitar el centro de París, o sentarte en el piano de Paul McCartney a escucharlo. Aunque Cardboard está a años de la calidad que se puede conseguir con las unidades top del mercado como Oculus, logra darnos una experiencia de VR realmente buena y su costo es infinitamente menor.

Esta nueva versión es compatible con iPhone y soporte para teléfonos/phablets de 6 pulgadas (algo cuasi estándar en los smartphones tope de gama). Entre las iniciativas de crear contenido para Cardboard, se presentó “Expeditions”: un software con el cual un docente puede manejar una expedición donde ir mostrando los paisajes más espectaculares del mundo, o lugares importantes a sus alumnos. SEGUNDO DÍA En la segunda jornada, una charla se llevó toda la atención: el keynote de Google ATAP -laboratorio de innovación de Googleque prometía la revolución de los wearables, que nos iba a “volar hasta las medias”. Es que el equipo de piratas -como suelen presentarse en público- de ATAP (dirigidos por la ex directora de DARPA, Regina Dugan) presentó proyectos disruptivos como Soli y Jacquard, mencionó alguno que ya conocíamos como ARA -sin muchas novedades-, y mostró la evolución del “storytelling” con un film en 360 grados, y la presencia de su director Justin Lin (director de sagas como “Rápido y furioso”). PROJECT SOLI “¿Cómo capturar el poder y la precisión de nuestras manos, para aplicarlo en el mundo virtual?”, se pregunta Ivan Poupyrev, el presentador de la charla de ATAP y fundador del proyecto Soli. Este utiliza una evolución de los radares, una tecnología empleada para monitorear aviones y autos, para capturar el movimiento de nuestros dedos, y así detectar movimientos más pequeños que un milímetro, a gran velocidad y precisión. Los radares tradicionales con este nivel de sensibilidad son gigantes. El equipo de ATAP logró crear uno tan chico, como para poder ponerlo dentro de un smartwatch. Como todos los radares, el prototipo de Soli emite una onda y captura la porción de ella que rebota en un objeto, en este caso, la mano. ¿Cómo es capaz de interpretar esta información? Gracias al proceso de detección de gestos, utilizando algoritmos de Machine Learning -entre otras deep neural networks- en las que Google ha logrado un gran avance y una ventaja estratégica. A diferencia de las técnicas actuales de detección de movimiento (por ejemplo, utilizando cámaras), el radar en miniatura construido por Soli captura los más pequeños movimientos y, gracias a la inteligencia en su interpretación, realmente entiende lo que el usuario pretende. PROJECT JACQUARD Con la misión de hacer las computadoras invisibles a los ojos


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y, a su vez, integrarlas en nuestra vida diaria, nace Jacquard. “Nos alejamos de la electrónica. Estamos haciendo que los materiales básicos del mundo que nos rodea sean interactivos”, describe Ivan Poupyrev. Jacquard transforma cualquier textil en una superficie táctil, capaz de captar nuestros gestos sobre ella, utilizando telares industriales estándar. Tal como mostró durante la presentación Ivan Poupyrev en la manga del saco que vestía. Los hilos de Jacquard se construyen combinando aleaciones metálicas ultrafinas con hilos naturales y sintéticos como el algodón, poliéster, o de seda. Y algo muy importante: son hilos indistinguibles de los hilos normalmente usados por la industria en la actualidad. Utilizando estos hilos conductores Jacquard, se pueden construir telas que mezclan estos hilos conductores con los hilos “normales”. Así se generan tejidos con los que se puede interactuar. Resistentes al lavado, calor y los demás procesos industriales que se llevan a cabo con las telas, estos hilos son la base con la que Google, asociada estratégicamente con Levi’s, planea construir la ropa del futuro. Nuestros muebles, cortinas y ropa, creados utilizando los hilos de Jacquard, dotados de sensores y sectores táctiles, van a ser la interfaz que nos permita interactuar con el mundo. Subido al escenario del keynote de ATAP, Paul Dillinger -Vice presidente de innovación de Levi’s Strauss- comentó: “Tenemos a los genios piratas de ATAP que nos pueden ayudar a desarrollar y a crear con su plataforma”, mientras anunciaba que Levi’s cerró un acuerdo con Google para construir productos donde se pueda poner en el mercado esta novedosa tecnología. “Es una gran oportunidad para la innovación”, dijo. SPOTLIGHT STORIES Google sigue expandiendo este proyecto -con el cual ya produjeron piezas ganadoras de varios premios-, y presentó una nueva producción. En lugar de utilizar la inmersión completa de la visión como lo hace Oculus (o Google Cardboard), Spotlight Stories pone su esfuerzo en utilizar la pantalla de su teléfono inteligente como un visor virtual, que permite al usuario girar alrededor y mirar donde quiera, en un ambiente envolvente de 360 grados. Spotlight Stories es una aplicación que está disponible para Android, y se anunció que pronto lo estará en iOS. ARA Es el proyecto de ATAP para construir teléfonos “modulares”,

donde cada usuario puede elegir la pantalla que le guste y cambiarla por una de e-ink cuando prefiera. También puede decidir si quiere dos módulos de cámara -para tomar fotos en 3D- , o si prefiere un módulo extra de batería. Rafa Camargo realizó una demostración en vivo sobre cómo se puede agregar un módulo que contiene una cámara a un teléfono que está encendido, y utilizarla para sacar la “primera foto pública” de un teléfono ARA. En cuanto a novedades del proyecto, Camargo comentó que tendremos que esperar al próximo evento. Mientras tanto, miembros del proyecto aclararon que el prototipo que presentaron en la charla es un modelo viejo, y que ya están construyendo la versión 2.0 con la experiencia ganada, que resuelve los problemas del primer prototipo. Y en base a éste crear, ahora sí, un producto que pueda salir al mercado. CONCLUSIONES El Google I/O 2015 fue muy distinto en su dinámica a los cuatro anteriores en los que me tocó asistir. Había muchos espacios semi abiertos donde se daban charlas (en lugar de salones tradicionales), lo que provocaba que muchos desarrolladores no pudieran entrar a ver charlas que les interesaban y deambularan por el Moscone Center. Con algunos talleres muy interesantes y diversos espacios para que los desarrolladores se pongan a hackear e interactuar con expertos, la conferencia pareció perder un poco la densidad, el foco del contenido. Una tendencia que viene afianzándose desde el 2014 es la presencia femenina. Google realizó una gran tarea para atraer a developers mujeres al evento, muchas de las cuales recibieron una entrada gratuita. Centrándose en anuncios de nuevas características de sus productos estrella, y el uso una ventaja estratégica en Machine Learning, Google parece volver a las fuentes y poner el foco en lo que la gente realmente utiliza en su día a día, en lugar de abrir grandes oportunidades con nuevos proyectos que cambien al mundo, como nos tenía acostumbrados. Sin embargo, siempre hay un espacio para la disrupción y comenzar a delinear el futuro, espacio que desde hace un tiempo lo viene ocupando el equipo de ATAP dentro de la compañía, donde pudimos ver esta revolucionaria idea de generar interacción con todas las telas que rodean nuestro mundo. + https://events.google.com/io2015/


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Mareo arteBA

Un paseo por la feria A diferencia de la contemplación artística en una galería o museo, recorrer la feria de arte contemporánea suele resultar una tarea agotadora. No reina el silencio, sino el bullicio. Cual consigna pop acuñada por Marta Minujín, hay arte, arte, arte y todos los personajes que componen su mercado. Tal la registradora realizada por Elisa Insúa en Espacio María Casado, click, caja. | Texto: Celeste Nasimbera @CeleNasimbera

+ Dolores Cáceres (galería María Casado HG)

Un mapa plegado intenta establecer un orden, ubicarnos en el espacio y facilitar la recorrida. Pero no nos engañemos. arteBA ocupa dos pabellones del imponente predio La Rural. Y hasta el más organizado asistente se pierde o da dos o tres vueltas de más, hasta llegar a destino. Trocamos la contemplación por el registro. Miramos, tomamos alguna imagen, anotamos un nombre. Se nos cae encima la información. Incluso, se nos imponen ciertas dicotomías: qué ver, qué no, me gusta, no me gusta, me quedo o paso de largo. De la misma forma que las luces fluorescentes de Dolores Cáceres (galería María Casado HG) nos da opciones: libre/esclavo, activo/pasivo... Las obras están para eso, para interpelar. Fueron colgadas para ser vistas, generar atracción y resultar adquiridas. ¿Quién da más? Hay algo de acercarse a la obra fuertemente icónica, fotografiarla, e incluso -por qué no- tomarse una selfie. Una de las artistas que se atrevió a registrar en papel ese vínculo con el espectador es Jo-

+ Time de Martín Sastre en el Espacio Chandon del Barrio Joven


ideas creativas

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hanna Bock en Big Sur: al lado de su obra “Dinero es insuficiente”, invita a escribir sobre ella. Un feedback un tanto más concreto. “Arte Correo, comunicación a distancia” en Henrique Faria BA da cuenta de registros pasados como las postales. Cada época ficha como puede, y el arte (evidentemente) también cumple esa función. Como por ejemplo, respondernos cómo fueron aquellas mujeres a través de los dibujos de Delia Cancela. En un homenaje a la trayectoria de la artista y diseñadora -y con curaduría del escritor Javier Arroyuelo-, podemos encontrar en el espacio de Madero Harbour dibujos de chicas pop. Todos ellos realizados con una sensibilidad que no puede dejar de encantar. El Barrio Joven es un punto álgido en el mapa de arteBA. Al recorrerlo, uno percibe la ausencia de ciertas formalidades y, entre quienes van y vienen, se nota cierta ansiedad. Lo que está por venir, se exhibe. A modo de borradores muy logrados, podemos espiar el arte que se está gestando. Las preguntas y las respuestas que vestiremos en un par de años, la creatividad más contemporánea que nos está empezando a rodear. En esta edición, bajo la dirección curatorial de Mariano Mayer (poeta y curador independiente argentino, radicado en España) y Manuela Moscoso (fundadora de la oficina curatorial Rivet) fue posible observar cómo se articulan las novedades en Buenos Aires, Bogotá, Floridablanca (Colombia), Lima, Quito, San Juan de Puerto Rico y Santiago de Chile. En las galerías Quimera, Oficina barroca, Amigo del interior, Ruby, Carne, Piedras, Lamutante, No lugar, Pasto, Espacio 20/20, Hache, Rea, Urgente, Otero, Cruceto y Bonita se encapsularon las sensibilidades que nos permiten contemplar un horizonte latinoamericano.

por el director de cine uruguayo Martín Sastre, que celebra en el Espacio Chandon el correr de las agujas. Pero no desde la noción industrial -el tiempo es dinero-, sino desde la contemplación. Contenidos en un stand circular con dos amplias pantallas, vemos caer la nieve en Times Square en New York, pero lo observamos de reverso, en una velocidad que no es tal. Entrevistamos al artista para que nos cuente cómo corren las agujas de su reloj. + ¿Cómo surge Time? MS Fue azaroso, estaba trabajando en otro proyecto en New York y me encontré en esta tormenta de nieve en Times Square. Cuando empecé a chequear las imágenes, ví que los copos de nieve se parecían a las burbujas del champagne. Fue algo tan simple como eso. Decidí quedarme todo el día, ya pensando en el proyecto con Chandon: estaba con una cámara que graba 120 cuadros por segundo (el promedio es 24 por segundo), con tomas de no más de 5 segundos. Apenas ví las imágenes, descubrí que tenían algo hipnótico, y enseguida pensé en una instalación inmersiva, donde te quedés viendo. En una feria donde está el ritmo de los negocios y los contactos, me pareció interesante volver sobre la noción del tiempo. + ¿Cómo fue el proceso de realización de la obra completa, incluída la instalación? MS En general, las obras uno las racionaliza y luego debe dejarlas “crecer solas”. Planteamos con Chandon el concepto de la donación del tiempo, invertirlo en un otro, en un artista nuevo. La valoración del tiempo dedicado al arte; además, los espectadores dejan de ser espectadores para ser parte de la obra, de ésta y de la que vendrá. Siempre intento ponerme en el lado del creador, soy muy sindicalizado.

La artista argentina Teresa Giarcovich presentó una serie de obras textiles, en las cuales se encuentra trabajando hace tres años. Son resultado de experiencias narcolépsicas, a través de las cuales, superpone colores en un textil transparente, metáfora de ciertos modos actuales: la suma de elementos en tiempos veloces, generando imágenes que incomodan y fascinan a la vez. En fotografía y video juega con las sombras, con lo que podemos ser. Incluso, ha transitado el vestir. El año pasado fue seleccionada como finalista en Mercedes-Benz Fashion Edition en el Faena, donde presentó su colección. Porque sobre eso versan las novedades: la expresión que transita diferentes plataformas y propone fórmulas modernas de ver, sentir, ser arte.

+ ¿El tiempo puede ser una temática en tu obra? MS El factor tiempo siempre estuvo presente, pero es la primera vez que lo expongo como tema central. Es un disparador.

DONAR EL TIEMPO Dimos una vuelta más, nos desorientamos en el mapa, y ya perdimos la noción del tiempo. Precisamente, “Time” es la obra realizada

Si nos concentramos, el sonido nos envuelve y, de repente, podemos trasladarnos a otro ritmo. ¿De qué va por ahí? De parar y contemplar. + www.arteba.org

Link a la nota: http://9010.co/arteba2015

+ ¿En qué estás trabajando ahora? MS Estoy en la post producción de un documental que hice en Rusia: estuve de gira con Natalia Oreiro en noviembre y diciembre del año pasado por quince ciudades. Es un registro de toda su gira. Perdés la percepción del tiempo; es como un circo. Además, mi abuelo era ruso, así que fue un volver a eso. Volví a cosas de mi infancia, ahí está el tiempo circular.


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Charlie Thornton

Dime qué te pones, y te diré quién eres Quienes acostumbran frecuentar las vespertinas inauguraciones de exposiciones de arte en Buenos Aires saben disfrutar de su impecable presencia que se reafirma en su modo de vestir. Amable y sonriente, su alta y delgada figura −y sus ojos celestes detrás de anteojos siempre exquisitos− se dejan fotografiar en cada evento, y se reproducen en las redes sociales: una de las actividades en la agenda actual de uno de los dos personajes que −al frente de la casa de ropa masculina Limbo− supo dirigir las costumbres vestimentarias del hombre porteño, durante más de dos décadas. | Texto: Marcela Fibbiani @marce9010 Fotos: Maia Croizet @MaiiaCroizet


clásicos contemporáneos

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+ Algunas creaciones clásicas del lenguaje Limbo.

La persiana derecha de la casona tan bien mantenida de avenida Córdoba casi Anchorena está levantada: señal ineludible de que su propietario, Charlie Thornton, me recibirá en breves instantes. El sillón debajo del altísimo ventanal de su estudio es, una vez más, escenario de uno de nuestros tantos encuentros. Con el pretexto de entrevistarlo formalmente, apunté en mi cuaderno algunas preguntas que el trato asiduo durante casi diez años olvidó (o bien, no encontró ocasión) de formular. Desde 1976 a 1999, Charlie estuvo al frente −junto a Claudio Martínez− de la marca de indumentaria Limbo que, con una propuesta exclusiva, renovó los placares masculinos desde sus comienzos en el local de la galería Jardín (un espacio “under por geografía, porque llegabas entrando por la calle Florida, y bajando por la escalera mecánica”), y sucesivamente en las tiendas de Maipú al 800, Maipú al 900, Santa Fe 2636, y en su showroom de Beruti y Salguero. Sus fieles clientes aún recuerdan la novedad de encontrar las prendas colgadas en perchas, y de probarse las camisas antes de comprarlas (práctica que las camiserías no permitían en esa época), o los conjuntos completos que corrían a buscar todos los viernes, para estrenar ese mismo fin de semana. SCANEO CHARLIE Charlie Thornton nació en la calle San Martín de Tours, en la Pequeña Compañía de María (hoy, Mater Dei), frente a la iglesia San Martín de Tours. Se crió en pleno Palermo Hollywood, donde vivió

hasta los 23 años, cuando se mudó con su compañero y socio durante 37 años, Claudio Martínez. Hijo único, su padre era de familia inglesa, y su madre de ascendencia polaca y alemana. Desde muy chico, supo de su pasión (y talento) por la ciencia, y en especial por la matemática, lo que lo llevó a elegir el colegio Nicolás Avellaneda para sus estudios secundarios, ya que contaba con una especialización en ciencias físico matemáticas en los últimos dos años. Con una vocación tan marcada, fue natural que optara por la licenciatura en ciencias químicas como carrera de grado, la que cursó en los casi recién inaugurados pabellones de la UBA, en Ciudad Universitaria. + ¿Cómo surge entonces tu relación con la moda? CT El diseño y la moda los mamé en mi casa. Mi madre estaba muy preocupada por el tema de la ropa. Mi infancia transcurrió en la década del 50, cuando en cada temporada se daba un cambio de silueta vertiginoso: se marcaba mucho la cintura, después venía el talle princesa, las faldas armadas, los vestidos bolsa. Veía que todos los años se corría, se compraba, se mandaba a hacer, se estaba atento al color de la temporada… Mi madre seguía mucho la moda. Cuando era chico, ella siempre salía con sombrero y guantes cortos, o un poco más largos. Era delgada y alta. Mi padre, en cambio, era muy formal. En verano, vestía algún saco de lino azul marino. Recuerdo que cuando comíamos a la noche, se ponía un saco crudo de lino. Era otra época…


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+ El local de Limbo en Santa Fe 2636, que en 1987 Charlie remodeló con la ayuda de Dalila Puzzovio.

+ ¿Siempre te gustó vestir bien? CT Sí, siempre. Mi padre tenía muchísimos zapatos, y los compraba los días sábados. Creo que calzaba 45... Siempre que veía un par que le gustaba, se lo compraba. Yo alucinaba con los zapatos que traía, me parecían maravillas. Se compraba zapatos marrones, y es algo que me quedó: veo un zapato marrón y me lo compro, aunque después no use tanto zapatos marrones, porque en realidad uso más zapatos negros... Pero alucino por la naturalidad del cuero. Porque los zapatos negros son teñidos; en cambio, los marrones son de cueros naturales, como el bicho, pese a que siempre tengan algún tinte. + Alguna vez me contó Claudio que si veías un zapato que te gustaba, no importaba si te quedaba chico o grande, te lo comprabas igual... CT Sí, a veces me compro un poquito más grandes, que me queden medio flojos. Pero me he comprado algún zapato que me quedara un poco justo. De repente, vas por Europa, y encontrás un zapato que nunca viste en ningún lado y tenés que ganarte la lotería para que tengan tu número, porque tienen “salteaditas” las cosas. + La moda no incomoda, ¿no? CT No, la moda no incomoda (risas). + ¿Cómo elegís qué ponerte? CT Cuando veo alguna cosa que me gusta, la compro. Pero hoy el tema moda está por un rumbo distinto; como que estamos en una meseta, y tampoco me dan ganas de ponerme algo muy extraño. Prefiero vestirme con cosas más o menos básicas, pero bien producidas. No me cuesta nada producirme, ni para ir al súper, porque es como un ejercicio. Después de tantos años de haber hecho las vidrieras, me lo tomo de la misma forma. + ¿Cómo funciona ese proceso de vestirte? CT Abro el placard, y elijo esto y esto. Me armo los conjuntos en la cabeza por temporada. Lo que más práctico me resulta es no

agregar cosas, sino sacar. Dejar nada más que lo que voy a usar y lo que me sirve. Menos cosas, pero que tienen que ver entre sí, y que no se salen de lo que tengo en la cabeza en cuanto a cómo me quiero vestir hoy. + ¿Dónde comprás tu ropa? CT Afuera o acá. Hay diseñadores de zapatos muy interesantes: están Lucas Sánchez o Terrible Enfant, que me gustan mucho. Si buscás, hay cosas para comprar acá. Por ahí, con un poquito que te comprás y otro que tenés, podés armarte looks. Tengo las corbatas de José Otero también. Con un poco de buen gusto y saber manejar la paleta de colores, me parece que no necesitás tantas cosas. Y después, tener siempre buenos accesorios, cinturones, zapatos. Por suerte, nosotros carteras no usamos. Si no, sería otro tema más... + Y después el pelo… CT Ah, eso es fundamental. Tengo peluquero acá cerca, encantador, paraguayo. Un personaje que usa ponchos, y siempre está haciendo cosas con las manos: hace artesanías, jardinería. Yo le digo cómo me tiene que cortar. + ¿De dónde sacás ideas, de Internet? CT Siempre es el mismo corte que va evolucionando, va cambiando. Es como lo veo yo. No me gusta ver mi pelo muy largo, me veo desprolijo. Con menos pelo, me veo mejor. LA VIDA PROFESIONAL + Contame cuándo y cómo comenzó tu vida laboral. CT Siempre me gustó tener mi dinero, así que mientras estudiaba, daba clases de física, matemática o inglés, en mi casa o a domicilio. Me recibí un 28 de diciembre, me tomé vacaciones (me fui a dos lugares distintos) y me puse a buscar. En abril, empecé a trabajar en una empresa que se llamaba Duperial, que desarrollaba plásticos. Ahí estuve cuatro años, y luego otros cuatro en Ciba Geigy, una proveedora de Duperial. Me ofrecieron un trabajo muy interesante, con un sueldo que triplicaba lo que ganaba, y me cambié. Ahí me


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formé con más fuerza, porque hice cursos en Uruguay, en Brasil y en Europa (Basilea, Marienberg y Manchester). + ¿Y cuándo decidiste dedicarte a la moda de tiempo completo? CT En el 76 empezamos Limbo con 30 camisas y 20 pantalones. Hicimos una inversión inicial (Claudio tenía un dinero y yo vendí uno de mis dos autos), y pasamos a tener el local lleno de prendas, sin poner un peso nunca más. Algo sacábamos, pero poco, porque yo tenía mi trabajo muy bien remunerado, y Claudio su cafetería con un buen ingreso. Así que, prácticamente, toda la ganancia se reinvertía. Pero el negocio iba creciendo, y llegó un punto en que había que darle un corte. Claudio estaba cansado de la cafetería, y yo las dos cosas ya no podía hacer. Entonces, él cerró la cafetería y yo dejé mi trabajo. Además, estaba el tema de los viajes, que implicaban pedir permiso, y en una empresa, no era tan fácil. Pedía días sin goce de sueldo, pero las malas caras no me las bancaba… UN VIRUS LLAMADO LIMBO Con Charlie nos conocimos a través de Claudio, cuando éste curaba una muestra de diseño de indumentaria en cuero en el Centro Cultural Borges, y lo entrevistamos para 90+10. Recuerdo que nos recibió en el mismo espacio en donde ahora me encuentro con Charlie, pero hace diez años atrás. Ese día comenzaba mi profunda amistad con Claudio, ese amor inexplicable (mezcla de admiración, camaradería, especie de relación maestro-alumna o padre-hija), en donde no hacía falta saber mucho del uno y del otro; simplemente, nos bastaba compartir momentos, gustos y espacios, durante los intensos y escasos cinco años de vida que le quedaban a Claudio. Hubo épocas en las que solíamos vernos más seguido. Es por eso que, ante el recuerdo de determinadas anécdotas, Charlie me pregunta si yo había sido testigo de tal o cual situación que, en realidad, sucedió mucho antes de que hubiéramos comenzado a frecuentarnos. Por eso, estando frente a la fuente más autorizada, es mi oportunidad para verificar algunos datos.

+ ¿Cómo nació Limbo y cuál fue la relación con Federico Moura? CT Moura había abierto una tienda en la galería Jardín, porque el local era de propiedad del padre. Conocíamos a Federico, teníamos amigos en común. A él le interesaba la música, pero quería hacer unos mangos, y se largó a hacer ropa. Pero no era lo de él. Entonces, un amigo nuestro (Juan Risuleo, que les alquilaba a los padres de Federico otro local dentro de la galería, y hacía ropa de mujer para otra marca icónica, Ropas Argentinas), nos sugirió que le propusiéramos a Federico quedarnos con el negocio, porque se veía que él no podía más. Y eso hicimos. Limbo nació de una conversación informal. NI EN EL CIELO, NI EN LA TIERRA “En Limbo no vendíamos, despachábamos”. Esta es una frase que le escuché decir a Charlie en varias oportunidades. Camisas, pantalones, sacos y camperas. Esos cuatro ítems se manejaban en Limbo. En algunas temporadas, aparecían también los chalecos, que eran una característica de la marca. Siempre podían encontrarse entre cinco y siete modelos diferentes de camisas. “Hoy, con un camisa clásica ya está. Pero en ese momento, las camisas eran piezas en sí, por los materiales, la combinación de ellos, la ausencia de botones, o tenían un cierre. Siempre había un detalle que hacía particular esa camisa”. + ¿Cuál fue el secreto del éxito de Limbo? CT Arrancamos en un momento de vuelta de página de la moda. En el año 76, la ropa era muy adherente al cuerpo: los pantalones eran como fundas, y los bajos de los pantalones eran inmensos, muy acampanados. Ya había una saturación, porque ibas a comprarte un traje formal, y venía con el pantalón reancho, y el saco muy ajustado, con solapas muy grandes (una cosa parecida a lo que hay hoy, pero bueno, diferente). Entonces, nuestros sacos eran rectos, los pantalones con pliegues y caían derechos, se veían las puntas de los zapatos. Los clientes se asombraban. La camisa igual, en ese momento era superajustada, que te prendías un botón y te quedaban abiertas. Salimos con camisas rectas, sin forma, cuellos Mao,


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+ La colección de frascos de perfume de Charlie

ausencia de cuellos (que eran largos y grandotes en esa época), camisas de manga corta, cuadradas, con estampados muy grandes. Ese fue un tema que lo explotamos a finales de lo setenta y todo el ochenta: siempre en verano había camisas de manga corta con estampados muy grandes, que podían ser onda hawaianos, con flores, geométricos. Iban cambiando, pero siempre estaban presentes. Salimos con sacos con hombreras, porque la tendencia eran los hombros descomunales. Fue importante haber salido al mercado con una propuesta totalmente diferente a lo que había. + ¿Quiénes eran sus clientes? CT La gente se vestía mucho para salir a bailar, o para una comida. Había clientes que venían todos los viernes, y se llevaban un conjunto conjunto completo de pantalón y camisa. Siempre teníamos el color del pantalón que combinaba con un grupo de camisas; entonces se iban llevando. El grueso era la venta de pantalones y camisa, y en menor medida, se vendían sacos, camperas, los chalecos, y alguna prenda de punto que no hacíamos nosotros en forma directa, sino que contratábamos a alguien que se dedicaba a hacer sweaters, y les dábamos las pautas de color y tamaño de la prenda. + ¿Y cómo le completaban el conjunto al cliente? ¿Tenían una propuesta de accesorios? CT Durante cuatro años seguidos hicimos zapatos, pero luego el zapatero (que era un italiano muy agradable) falleció, y se nos complicó el tema. Así que a veces comprábamos zapatos que nos parecían divertidos en alguna fábrica, y teníamos para hacer vidriera y un pequeño stock para vender, pero no como esquema general de venta. Lo que sí teníamos era cinturones. En todas las temporadas se hacían cinturones, y era un ítem que se vendía muchísimo. El que por ahí no tenía acceso a comprar un conjunto, al menos se llevaba el cinturón, porque decía Limbo grabado en el cuero, tenía una etiqueta... + Algo escuché de unos cinturones que hacían con correas, ¿puede ser? CT Sí, cinturones con correa de persianas. En cantidades, durante varias temporadas, en todos los colores, con puntera de cuero. Tenían unas argollas en la punta sostenidas por cuero, y pasaba el cinturón a través de las argollas. Los hacíamos en blanco y negro, y en los colores que tenían que ver con la colección. No dábamos abasto. Se llevaban uno de cada color.

+ ¿Limbo era una marca cara? CT No sé si era muy cara, era exclusiva. Había sólo seis u ocho prendas de cada una. Entonces, el costo de producción era un poquito elevado, pero no nos delirábamos mucho con el precio, tratábamos de tener un precio razonable con lo que existía en el mercado. CADA CUAL ATIENDE SU JUEGO + ¿Cómo se dividían las tareas en Limbo? CT Lo que más me gustaba hacer era todo el proceso creativo y productivo. Nos gustaba, por ejemplo, ir con Claudio a comprar los géneros, planificar qué diseño íbamos a hacer con ellos. Yo me ocupaba de la moldería, la que aprendí con el trabajo: hice unos cursos, conocíamos a un peletero que sabía mucho del tema y me dio información. Y lo que no sabía, lo solucionaba con geometría. Además, me tocó la época de los ochenta, que todo era cuadrado y geométrico. Entonces, no era tan complicado. Después, cuando vino la ropa más adherente al cuerpo, ya sabía más. Toda la parte de talleres la manejaba yo, y para el control de calidad, siempre tenía a alguien que me ayudaba. + ¿Cuál era, para vos, la mejor parte? CT El placer máximo era agarrar la prenda y colgarla en el salón. Ese era el disfrute máximo. Y el trabajo concluía con la vidriera, que cambiábamos todos los lunes. De todas las prendas colgadas, seleccionar. + ¿De dónde sacaban ideas para inspirarse? CT Las ideas estaban en el aire. Viajábamos, íbamos a discotecas, nos sentábamos a tomar café y a mirar la gente. La ideas venían. Era una época en que había una industria textil poderosa en la Argentina. Entonces, salías a buscar algo y lo conseguías. Hoy se importa todo, y tenés que comprar lo que hay. Siempre buscábamos géneros atípicos, diferentes. Había muchísimas fábricas, y los mayoristas de las calles Alsina o Moreno siempre tenían colecciones distintas. De pronto, lo que aparecía en las colecciones de afuera te inspiraba… Mirábamos a los diseñadores que salían en paralelo con nosotros: Kenzo, Gaultier, Armani, Versace. A veces, venías con una paleta de colores de afuera que por ahí no se conseguía acá, porque no eran los colores que habían elegido los mayoristas en esa temporada. Pero buscando, aparecía la paleta que uno quería.


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+ La biblioteca en casa de Charlie

+ ¿Qué paletas de colores manejaba Limbo? CT En cada temporada, siempre hicimos una propuesta de color. Había veranos que eran blancos y negros con toques de rojos, o de azul eléctrico. El blanco y el negro eran un leit motiv. Había temporadas en las que apostábamos a los pasteles… Yo a los colores los siento adentro, es muy difícil explicarlo... EL OCASO + ¿Por qué decidieron cerrar Limbo? CT Por un lado, la clientela había crecido bastante en edad, y la ropa que nos gustaba hacer, implicaba captar un público mucho más joven. Los clientes históricos seguían comprando, y empezaban a pedir cosas que habíamos hecho antes, mientras que lo más nuevo no les motivaba tanto. Y por otro lado, ya habíamos casado algunos clientes dos veces: les habíamos hecho un equipo para un casamiento y otro para el segundo... Los 90 eran una época complicada para aprovisionarse de materiales. Estábamos cansados, y decidimos incursionar en otras áreas. + ¿A qué empezaron a dedicarse entonces? CT Claudio ya hacía tele, escribía de moda en algunos medios de comunicación, y le gustaba esa parte. A mí me gustaba asesorar a otra gente, volcar mis conocimientos de moldería, de tendencias. Claudio no estaba muy de acuerdo, pero decidimos cerrar en el 99. Escribí un texto a modo de manifiesto y se lo entregué a los medios. Ya estaba hecho. Saqué del salón que teníamos en la calle Beruti los percheros, la ropa, cambié la distribución de las cosas, puse una mesa, armé un escritorio. Lo único que dejé fue la bandeja con los perfumes. Armé otro montaje, y así quedó cerrada una etapa. Si venía alguien a consultar sobre asesoramiento, ese era el entorno. CHARLIE HOY Desde que dejó Limbo, Charlie se dedicó a asesorar, especialmente a su amiga Lili Valeri, al frente de la boutique Too Much, ubicada frente al Círculo Militar. “La conozco de toda la vida, y tenemos una estética similar. Hoy, concretamente, estoy con ella. No hago más cosas, porque se me va el tiempo de las manos. No quiero tener muchos compromisos, prefiero estar más relajado”. A Charlie lo mantienen ocupado también sus viajes. Hace unos días, volvió de un tour por Filipinas, Singapur e Indonesia, en donde se embarcó en cruceros por la selva, para tomar contacto con la naturaleza y admirar animales exóticos.

Durante el último tiempo, abandonó un poco la costumbre de recibir en su casa. Pero era habitual que durante los días templados, abrieran las puertas de su patio, que se llenaba de gente de lo más ecléctica: artistas, actores, músicos, diseñadores, periodistas, relacionistas públicos. Por suerte, fui invitada en varias ocasiones a estas tertulias inolvidables, y hasta llegué a probar el locro bien picante de Charlie un 25 de mayo, y su tarta de manzanas (lejos, la mejor receta que jamás probé y que aprendí a reproducir). “Siento que perdí un poco la mano para la cocina. Me da mucha pereza recibir gente en casa. Me encanta, pero hoy no encuentro fuerzas. La casa es muy grande, y me gusta que esté todo impecable. Son etapas, en algún momento cambiará”. Sin embargo, posee una intensa vida social. “Voy a eventos de arte, que es lo que más me divierte. A través del arte, logré hacer amistades nuevas. Después de las inauguraciones, muchas veces vamos a comer… Me resulta un medio en el que no hay tanta competencia, cada uno hace la suya, y se halagan unos a otros. En el arte hay otra impronta, es diferente. Me hace gracia eso. Y después me suben fotitos a Facebook”. (risas). Luego de dos horas de charla nos despedimos, no sin antes comentar las fotos que se exhiben en los estantes de la biblioteca repleta de libros, en donde se los puede ver a él y a Claudio, con personalidades como Paco Rabanne, Jorge Luis Borges, Amelia Bence y hasta la supermodelo Cindy Crawford. Resulta inevitable también dedicar unas palabras a Claudio y dejar caer alguna lágrima. “Estábamos juntos porque nos divertíamos, la pasábamos bien, y nos reíamos de la mañana a la noche. No necesitábamos una copa de champagne, con solo un cafecito, ya nos matábamos de risa de algo. Obviamente, a veces discutíamos. Teníamos formas distintas de leer la vida, pero eso es lo divertido: poder estar junto a una persona que tiene otra visión del mundo, y aún así compartir cosas. Pienso que fue un premio. Nunca me imaginé la vida sin Claudio y no es fácil, pero en estos años que estoy `casi solo´, estoy aprendiendo”. Abandono la casa, cruzo de vereda, y cuando vuelvo a mirar hacia la persiana, que está totalmente baja. Pienso en el privilegio de este encuentro, en la enorme colección de frascos de perfume que descansan dentro de una vitrina de vidrio, en su colección de


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+ En 2009, Limbo lanzó una colección de zapatos clásicos con combinaciones de géneros, que produjo en edición limitada.

botones antiguos, en las historias que encierran esas paredes de 1900. Y me quedo con una anécdota que define a la perfección a mi entrevistado. “Hace poco, vino una persona que nunca había estado acá en la casa, y me dijo: `Tu casa es muy linda, como era previsible´. La clave es vivir en armonía: que te vistas como es tu casa, que comas como te vestís. Creo que tengo esa coherencia, trato de vivir en armonía, que mis relaciones estén en armonía. Trato de compartir, de disfrutar”. UNIVERSO CHARLIE ¿Qué perfume que estás usando? Bleu de Chanel. Pero soy más del Antaeus de Chanel, que es el que usé toda la vida. Ahora me volqué al Bleu porque es más fresco. ¿Diseñadores que admires? Siempre admiré mucho a Armani y a los franceses, como Thierry Mugler y Jean Paul Gaultier. ¿Y argentinos? Me gustan las cosas de Pablo Ramírez, pero lo encuentro así como reiterativo. El resto de los diseñadores que hacen alta costura no me gusta ninguno. Los encuentro muy variables: de temporada a

temporada (o dentro de una misma temporada), hay cosas que son de muy buen gusto, y otras de tan mal gusto, que no sé cómo pueden salir de la misma cabeza… ¿Cuál es tu libro preferido? No sé si tengo… No se me ocurre. No me marcó ningún libro. ¿Qué música escuchás? En música soy muy ecléctico. Puedo pasar del rock nacional a la música clásica. Me encantan Vivaldi o Bach. O Rachmaninov, entre los románticos. Me emociona mucho el folclore de distintos países: una canción del folclore ruso o una canzoneta italiana me pueden producir la misma emoción cuando detecto autenticidad en la melodía, en lo que expresa. ¿Las claves para mantenerse joven? Estar en actividad por un lado… Tener un amante joven (no, eso es una broma). Entiendo que es algo interno, no hay claves. Creo que es un cierto grado de inmadurez. Es estar vigente, al tanto de lo que pasa; no sólo con la ropa, a todo nivel. Me doy cuenta de que me relaciono mejor con generaciones mucho menores a la mía. Con la gente de mi edad, no sintonizo para nada, ¡están en otra completamente!.

LO QUE ELLOS QUIEREN Un caso interesante fue lo que sucedió con el logo de Limbo. “Los clientes venían a buscar un pantalón que se transformó en un clásico. Era un pantalón que tenía pliegues, cuatro bolsillos, y un bolsillo más en el musco, con un ojal como el bolsillo para poner las manos. A ese pantalón, los clientes lo bautizaron `Limbo´. Lo hicimos siempre, porque lo pedían. Y pasó algo muy gracioso: el pantalón traía adentro su etiqueta con el talle. Venían algunos clientes y pedían etiquetas, porque se las querían poner afuera. Al final, terminamos haciendo nosotros el pantalón con la etiqueta a la vista. Hoy es más común comprar una cartera con la marca a la vista, pero no en los setenta. Luego pidieron lo mismo para las camisas, entonces se hizo una camisa con etiqueta afuera, otra muy sport de algodón con el logo de Limbo impreso en la espalda, y camisetas para usar debajo de esa camisa, con el logo adelante. Entonces, te ponías la camiseta con el logo adelante, y la camisa con el logo atrás. ¡Esas se colgaban y desaparecían!”. +

Link a la nota: http://9010.co/charliethornton


(*) Consultar nĂşmeros anteriores en info@90mas10.com.ar


Revista 90+10 #54  

En esta oportunidad, elegimos contar varias historias, tres de las cuales tienen que ver con la disciplina de la ilustración, pero abordada...

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