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+48 | De la serie Cars, de Maia Astrid Croizet www.maiacroizet.com

sumario +mundo creativo 010 green design, art toys, destinos, arte, publicaciones, marketing, música, lugares, diseño, branding y diseño, moda, discos, vehículos, eventos,

+ideas creativas 058 066

#ObjetodelDía, gadgets y agenda

+personas creativas 038 042 054 046 050

arquitectura Fuksas Design La arquitectura del vacío

068 076 086

Ramón Maiden Tatuar lo vintage

diseño Eugeni Quitllet Soñar despierto

ilustración Bill Plympton Animación eternamente indie

BAFWeek Otoño-Invierno 2014 Moda nacional para armar Citroën en BAFWeek Autos, coolhunting y moda

tecnología Evernote Conectando puntos Googlear La búsqueda perfecta Consumer Electronics Show Los androides quieren dominar el mundo

arte Pum-Pum Cuando creer es crear

moda

070 074 078 082

arte Puma Urban Art Siete vidas para la cultura urbana

marketing Ford Summer Attraction 2014

vehículos Autos descapotables Cielito lindo

diseño Tapas de discos Recrear el cuerpo de la música

+portfolio fotográfico 089

Maia Astrid Croizet

+clásicos contemporáneos 094 098

+ Obra de Pum-Pum www.pum-pum.com.ar

diseño Alvar Aalto Atrapar la luz

+conexión


+48 + Obra de Ramón Maiden

staff Director / Publisher Gonzalo Joaquín Fargas gfargas@90mas10.com.ar @gonza9010 Editora Marcela Fibbiani marcela@90mas10.com.ar @marce9010

Diseño de Tapa Patricio Oliver www.patriciooliver.com.ar

Prensa y Comunicación

Dirección Comercial Daniel Urrestarazu daniel@90mas10.com.ar

Redacción Celeste Nasimbera celeste@90mas10.com.ar @SrtaCele

Gestión Comercial Claudio Boleda claudio@90mas10.com.ar

Diseño Gráfico Hernán Patto Leandro Marenzi

Departamento Comercial publicidad@90mas10.com.ar

Producción Paula Pedrouzo paula@90mas10.com.ar @PaulaPedrouzo

Colaboran en esta edición Adriana Godoy, Aldo Bressi, ArtsMoved, Celeste Nasimbera, Diego Giaccone, Elvio Orellana, Fátima Fargas, Fernanda Cohen, Germán Andrés, Leila Mesyngier, Maia Croizet, María Paz Berri, Natalia Iscaro, Patricio Oliver, Ricardo Sametband y Ximena Niederhauser Nuestros colaboradores Ximena Niederhauser @x_niederhauser Es licenciada en comunicación social, egresada de la Universidad Nacional de Cuyo, y cursa la maestría en diseño comunicacional en la UBA. Ha trabajado en comunicación estratégica y gestión cultural, y como periodista para medios gráficos, en el ámbito del arte, el diseño y la cultura. En su primera colaboración con 90+10, escribió un artículo sobre diseño de tapas de discos. +

Daniel Urrestarazu @daniel_9010 Habiendo estudiado periodismo y fotografía, posee amplia experiencia como ejecutivo de ventas y responsable comercial y de RR.PP. en distintos medios de comunicación. En 90+10 está a cargo de la dirección comercial y gestión corporativa, brindando asesoramiento en producciones especiales y nuevos negocios. +

Distribución en kioskos CABA y GBA Vaccaro, Sánchez y Cía. S.C. Av. Entre Ríos 919, 1º Piso Tel. (+5411) 4305-3908 / 3854 Distribución en el interior Distribuidora Interplazas S.A. Pte. Luis Sáenz Peña 1836 Tel. (+5411) 4305-0114

Impresión Help Group Colombres 1333, Piso 1°, Of. 6 Tel. (+54 11) 43973-0217 www.hgprint.com.ar info@hgprint.com.ar Asesoría Legal Dr. Mariano Javier Gattelli estudio_gattelli@hotmail.com

Suscripciones suscripcion@90mas10.com.ar Librería Concentra Montevideo 938 Tel./Fax (+5411) 4814-2479 libreria@concentra.com.ar Librería técnica CP67 Florida 683 - Local 18 Tel. (+5411) 4314-6303 cp67@cp67.com

Domicilio Legal: Av. Raúl Scalabrini Ortiz 2553 – Piso 11 “A” (C1425DBG) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina Domicilio Redacción: Cerviño 3814 – Piso 4 “A” (C1425AGU) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina info@90mas10.com.ar | 90mas10.com.ar Revista 90+10. Editor responsable y propietario: 90+10 SRL. Queda prohibida la reproducción total o parcial del contenido sin la previa autorización del editor. Las notas firmadas son responsabilidad de sus autores. Registro de la propiedad intelectual Nº 943748 | ISSN 1668-6403 Año 10 - Nº48 – Marzo 2014


+48 + Micro desfile de Patricia Marazina en BAFWeek. Foto: Maia Croizet @MaiaWATIO

editorial La información es ahora, en este mismo instante. Está ahí, latente y desperada por ser relatada. A los que nos dedicamos a comunicar -sobre todo, aquello que nos gusta y apasiona- nos queman las ganas de que nuestros lectores se enteren YA de lo que queremos contarles, de compartirles imágenes, pensamientos, datos. Es cada vez mayor el desafío de lograr condensar en una cantidad limitada de páginas impresas, todas las historias que deseamos. Pero por suerte existe Internet y tenemos nuestra Web, 90mas10.com, en donde podrán encontrar la información más inmediata, así como ampliaciones de todas las notas que publicamos en la revista en papel. Por ejemplo, podrán encontrar en esta edición, un compilado de las mejores pasarelas de BAFWeek (desfile por desfile en 90mas10. com/bafweek), entrevistas a los artistas internacionales que formaron parte del festival Puma Urban Art (entrevistas a los artistas locales en 90mas10.com/cultura), y desarrollamos algunos temas que nos interesan mucho por estos días, como ser la forma en que buscamos información por la Web, cómo tomar notas digitales desde nuestros dispositivos móviles, y las tendencias en usos del diseño. A su vez, recuerden que, para poder compartir una nota impresa, cada una de ellas dispone de un link que los dirije a su versión online ampliada. Porque lo interesante de la cuestión es que estemos en contacto y formemos una comunidad cada vez más sólida, que nos permita seguir creciendo juntos, es que los invitamos a seguir leyéndonos en cualquiera de los formatos que les proponemos, ya sea en nuestra Web, a través de nuestras redes sociales, o en papel. +

+ Evernote, una herramienta que usamos mucho en 90+10 y que les recomendamos en esta edición.

Marcela Fibbiani Editora

CONEXIÓN DIGITAL Con los links de 90+10 (9010.co), accedés directamente a la versión digital de la nota (disponible para las secciones: personas creativas, ideas creativas, clásicos contemporáneos, portfolio y especial), para poder compartirla, comentarla, ver más material de fotos y video, y entrar a los todos links vinculados. Una nueva manera de conectar el medio en papel con el mundo digital. + 90mas10.com

IMAGEN DE TAPA Queríamos una imagen fresca para ilustrar la tapa de esta edición, y pensamos en Pum-Pum y sus chicas rubias. “Esta ilustración pertenece a una nueva serie que estoy haciendo, con formas más geométricas, sin líneas. Sólo formas de colores y manchas”, nos explicó Pum-Pum. En este caso, la imagen se trasladó luego a un bastidor, y hoy se encuentra en proceso de convertirse en cuadro. + www.pum-pum.com.ar


010

+ mundo creativo

green design

+ Lámparas modelos 1 y 2

Estudio a77 Construcción social Gustavo Diéguez y Lucas Gilardi conforman Estudio a77. De profesión arquitectos, ambos se encuentran dedicados a la construcción de objetos y la reutilización de materiales en proyectos varios que combinan arte, sociología y urbanismo. Todo se transforma. Uno de los principales diferenciales de Estudio a77 es la reutilización de materiales, en especial, de restos industriales. Encontrar materia prima en espacios olvidados, de acumulación innecesaria, para construir nuevos objetos y proyectos. De esta voluntad, surgió la línea de mobiliario “Nómade”. A través de la reutilización y transformación de cajas de embalaje provenientes de la industria del blindaje automotor, nació el proyecto del Centro Cultural Nómade, ideado y construido por a77, y desarrollado junto al equipo de trabajo conformado por Fundación Proa, el Centro Metropolitano de Diseño y cheLA (Centro Hipermediático Experimental Latinoamericano). En un contenedor portuario en desuso, se construyen macro unidades compuestas por escritorios, atriles individuales, butacas, baúles de guardado de material y tronos para tomar asiento. Un universo compacto que brinda múltiples herramientas, a través de un mobiliario construido desde el reciclaje. Las piezas tienen como destino prioritario los barrios más vulnerables de la zona Sur de la Ciudad de Buenos Aires. La acción lleva más de cuatro años en funcionamiento. Estudio a77 cimienta objetos cotidianos que se realizan desde la reutilización de materiales. Se extrae de la acumulación, para generar solución en espacios de ausencia. Se retoma lo desechado para cubrir necesidades. Una arquitectura social. + www.estudioa77.com.ar + Equipamiento para el Centro Cultural Nómade


012

+ mundo creativo

Texto: Patricio Oliver (*) @patriciooliver

art toys

El peluche parlanchín de PuppyCat Tal vez, el nombre Natasha Allegri resuene poco en la mente de la mayoría, pero si a ese nombre lo sumamos el show “Hora de Aventura” (Adventure Time), la ecuación es completamente diferente. Esta joven artista que aún no ha llegado a sus 30 años de edad, forma parte del súper talentoso equipo que sigue dando vida a esta serie por la cadena Cartoon Network. Entre las variadas funciones que ella ha cumplido para el programa, se destaca el haber sido la diseñadora de las versiones femeninas de los protagonistas -llamadas “Fionna” y “Cake”-, así como haber cantando la cortina musical para dicha versión. Adicta a los cómics y a Garfield, no ha dudado en incorporar en la serie (a manera de cameos) a su gato en la vida real, “Pancake”. De esta forma, influenciada por el manga tipo Sailor Moon, y siguiendo con su dinámica de dúo femenino felino/humano, Natasha creó la serie Bee & PuppyCat para el canal online Cartoon Hangover.

La serie fue presentada en un capítulo doble online, que trajo muy buena recepción por parte de los fans de Cartoon Hangover y de Adventure Time. La acumulación de 4 millones de visitas desde su lanzamiento en julio pasado, hizo que el dibujo animado de 10 minutos se erigiera como uno de los favoritos entre los fans de la animación en todo el mundo. Abrumados por la cantidad de correos electrónicos y comentarios pidiendo más aventuras de Bee y PuppyCat, los creadores decidieron llegar a Kickstarter y con éxito, lograron alcanzar y superar el monto necesario para producir seis capítulos nuevos.

Bee es una chica de carácter fuerte, sin muchas habilidades naturales, y con una personalidad un tanto relajada, que trae como consecuencia el que sea una constante desempleada. En medio de un día de lluvia, Bee se encuentra en la calle con PuppyCat, una suerte de híbrido de perro y gato aunque, claramente, se reconoce más como un felino. Visualmente, es muy similar a Cake, la versión felina femenina de Jake de Hora de Aventura, y cuando intenta hablar, lo hace como si fuera un Vocaloid (un software de sintetización).

Como era de esperarse, tanta repercusión generó demanda de productos relacionados con la serie, y es así como la Web Welovefine decidió no sólo producir una serie de productos de “apparel” y crear un concurso donde la misma Natasha fue jurado sino, además, crear la primera figura de peluche de la serie, que habla con la voz de PuppyCat al ser presionado. Mide 10 pulgadas de alto, está hecho de 100% polyéster, y trae una campana cascabel real de metal. Se encuentra en preventa en la página y se lanzará a fines de marzo de este año. +

(*) Patricio Oliver es diseñador gráfico por la FADU/UBA, ilustrador y creador de numerosos vinyl toys para Red Magik, Kid Robot, Toy2R, UnboxIndustries y Mugo. www.patriciooliver.com.ar


014

+ mundo creativo

Texto: Fátima Fargas para Travel Design (*)

destinos

Isla de Pascua El hogar del hombre–pájaro Enigmática y naturalmente exótica, la isla de Pascua es el ombligo del mundo. Sobre el Océano Pacífico -más puntualmente, en la Polinesia- se sitúa la isla de Pascua, con una superficie menor a los 170 Km². Si bien se encuentra a unos 3700 Km de distancia de las costas chilenas, corresponde a este país, formando parte de la región de Valparaíso. Rodeada de un misterio permanente, existen distintas suposiciones sobre su origen. La hipótesis más fuerte es la que señala que su población proviene de otras islas dentro de la Polinesia. Los nativos del territorio (los Rapa Nui) han pasado diferentes momentos críticos a lo largo de su historia: desde una gran guerra civil, hasta tener que soportar que un numeroso grupo de locales sea trasladado en calidad de esclavos hacia otras tierras, tales como Perú. La isla está envuelta por un gran enigma milenario, y esto se debe en gran parte a los Moais, unas estatuas realizadas con piedras volcánicas de la zona. Estas imágenes y su incógnita son una marca propia de la isla y se ubican en el Parque Nacional Rapa Nui, declarado en 1995 Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. Este parque se dedica a la preservación tanto de las imágenes como de la cultura Rapa Nui. Gracias a excavaciones, recientemente se ha descubierto que los Moais -que sólo tienen visible las cabezas en la superficie-, no terminan ahí, sino que sus cuerpos continúan bajo tierra. Esta revelación sorprendió aún más, aumentando los interrogantes sobre este fascinante espacio. Este paradisíaco sitio ofrece una gran cantidad de actividades, en su mayoría, en torno a su exótica naturaleza y cultura. Los volcanes son una de sus atracciones principales, los más destacados son: Rano Kau,

Rano Raraku, Maunga Terevaka y el Poike. También sus playas tienen un gran atractivo. Anakena es imperdible, donde las palmeras, la arena blanca y el mar color turquesa, se entremezclan con los Moais. Otra playa apacible e imposible de omitir es, sin duda, la Ovahe. Pequeña, pero encantadora, está delimitada por una ladera. Su playa sobresale por su arena color rosado, debido a su origen volcánico. FIESTA TAPATI RAPA NUI Se celebra una vez al año, los primeros días del mes de febrero. En estos días de festejo, la isla se detiene en el tiempo, reproduciendo varias actividades y costumbres de antaño. Entre ellas, la elección de la reina, competencias de pesca y artesanías ancestrales, música y comida típica de los nativos. De esta forma, se mantiene viva la cultura y la tradición Rapa Nui, al mismo tiempo que se atrae cada vez más a los viajeros en esta época. CEREMONIA DEL TANGATA MANU La ceremonia del Tangata Manu (u hombre-pájaro) era una competición en honor al dios Make Make. Un representante de cada tribu debía completar un circuito, que comenzaba en el volcán Rano Kau hasta llegar al mar, donde debía nadar hasta el islote de enfrente, y recoger un huevo de Manutara, para luego regresar con éste. El jefe de la tribu que lograba finalizar este trayecto primero, pasaba a ser el hombre-pájaro hasta el siguiente año, y este nombramiento llevaba consigo una gran cantidad de beneficios. Dicha celebración se llevó a cabo hasta que llegaron los misioneros cristianos y la prohibieron, en 1865. +

(*) Para dejar de ser turista y comenzar a ser viajero, visitar: www.traveldesign.com.ar | blog.traveldesign.com.ar


mundo creativo

+ 015 arte

+ Beautiful Bridge # 1, la obra del dúo de artistas suizos Lang/Baumann, debajo del puente que cruza Av. Figueroa Alcorta, diseñado por César Jannello.

Of Bridges & Borders Un proyecto sin fronteras Of Bridges & Borders es un proyecto internacional, un lugar de encuentro entre artistas y escritores, un puente sin fronteras. En 2009 se editó el libro “Of Bridges & Borders, Vol.I”, una publicación en donde se recopilaron diversas miradas creativas sobre los puentes y las fronteras. La apertura y el límite de los espacios. El libro encontró continuidad en dos exposiciones: en Buenos Aires (2011) y en Valparaíso (2013). Luego, el proyecto tomó nuevos formatos y puntos de desarrollo; una prolongación en acción de los conceptos investigados. La materialización generó la búsqueda teórica, se intentó completar el inicio del proyecto, a través de autores prevenientes de 14 países. Cada uno de ellos fue convidado a escribir un ensayo o proyecto inédito sobre puentes y fronteras: Marc Augé, Graciela Speranza, Juan Herreros, Lawrence Weiner, Sandra Mezzadra y Jenny Holzer, entre otros. Esas múltiples miradas se encuentran compiladas en el reciente “Of Bridges & Borders, Vol. II.”. Una etapa literaria de avance, que genera diálogos internacionales. Nuevas páginas en donde conviven conversaciones en diferentes idiomas. 18 ensayos que buscan reflejar la diversidad, la multiplicidad, las variadas maneras de abarcar nuestro propio tiempo. Se piensa desde el arte, la arquitectura, la sociología, la demografía, el urbanismo, la antropología, la tecnología o las estrategias políticas, mostrando la pluralidad que tiene esta temática tan actual y tan presente. Este segundo tomo es un libro bien net, de líneas puras. La realización estuvo a cargo del estudio parisino Baldinger•Vu-Huu, y fue publicado por el editor JRP I Ringier, de Zurich. Cuenta con tres editores: Pedro Donoso (radicado en Barcelona y desde 2012 en Valparaíso), Flavia Costa (residente en Buenos Aires) y Sigismond de Vajay (director del proyecto, que trabaja desde 2010 en Buenos Aires, con acciones permanentes en Barcelona y Vevey, creando puentes culturales entre Europa y América Latina). Tres personas, con pasaportes diversos, seleccionando sensibilidades. Ciertos textos son reediciones, traducidos por primera vez al castellano

y/o al inglés, de escritos que tratan la temática, y se sintieron imprescindibles. Próximamente, se encontrará disponible en nuestro país. Las dos ediciones se unieron en una edición limitada, realizada en colaboración con el artista chino Ai Weiwei (quien participó de una acción en Chile). Se realizaron 500 ejemplares numerados y firmados, en un estuche que contiene sendas copias. Un puente de papel, que construye lazos materiales desde la teoría. + www.ofbridgesandborders.com


016

+ mundo creativo

publicaciones

New York Times. 36 horas en Europa El viajero tiene nuevas herramientas indispensables: Google Translate, Google Maps y cientos de aplicaciones específicas. Información, recomendaciones y mapas en bits. Ahora, New York Times y Taschen se unen para presentar un práctico libro electrónico. Itinerarios interactivos para recorrer Europa al alcance de un click. Una selección de la serie 36 Hours de The New York Times recoge 125 itinerarios a través de los cuales aprovechar un fin de semana en Europa. La columna del prestigio diario se transforma ahora en una práctica guía de viaje, diseñada específicamente para iPad y iPhone, con acceso a Google Maps, para encontrar de inmediato cualquier dirección necesaria. Un asesoramiento curado, con originales opciones y recorridos alternativos, combinado con las potencialidades de las nuevas tecnologías. La propuesta es redescubrir clásicos y maximizar un fin de semana. París bien vale una misa, y en Europa, siempre queda algo por descubrir. El eBook incluye un rápido acceso a la ciudad elegida a través de un índice, mapa de regiones y una lista alfabética de contenidos, además de deliciosas recomendaciones de más de 500 restaurantes y 400 hoteles. También en edición impresa. + www.taschen.com

Editorial TASCHEN Editora BARBARA IRELAND Formato eBook para iPad y iPhone 646 páginas inglés

Letras hilvanadas. Cómo se visten los personajes de la literatura argentina

| Foto: Val & Musso

Editorial MARDULCE Autor VICTORIA LESCANO Formato 13 x 19 cm 170 páginas

La moda aún se escribe en papel, y a través de él, se pueden bocetar estilos. La ensayista y periodista especializada en moda Victoria Lescano explora el vínculo de la indumentaria con las letras en su nuevo libro. Arlt, Puig, Bullrich, Aira, Alberdi, Ocampo y Bioy Casares son algunos son algunos de los personajes que deambulan en este tomo, dando cuenta de la literatura nacional y las modas que se reflejaron/construyeron en ella. Un recorrido por textos fundamentales, buscando establecer los más diversos puntos de contacto con la indumentaria. Victoria Lescano es autora también de “Followers of fashion. Falso diccionario de la moda” y “Prêt-à-Rocker. Moda y rock en Argentina”. En “Letras hilvanadas”, se aleja de los acordes, para encontrar el ritmo en la prosa y la poesía de la literatura nacional. Un ensayo para vestir. + www.mardulceeditora.com.ar


+

mundo creativo 017 marketing

+ Miller Lite presente en el Enduro del Verano Gesell Le Touquet 2014 .

+ Eduardo Celasco en el Miller Lite Open de Mar del Plata

+ Los ganadores de la competencia Miller Lite Open

+ Martín Passeri en el Miller Lite Open de Mar del Plata

Verano extremo de la mano de Miller Lite Miller Lite, la primera cerveza Premium liviana, fue protagonista de esta temporada de verano, acompañando dos de los eventos más relevantes de deportes extremos en la Costa Atlántica. Por un lado, estuvo presente en Mar del Plata, donde se llevó a cabo el “Miller Lite Open”, la segunda fecha del circuito organizado por la Asociación de Surf Argentina, para la categoría de Elite que tiene el Surf Nacional. El certamen reunió a los máximos exponentes del surf local en las olas del Biología Surf Club, y propuso una celebración y agasajo a los Pioneros del Surf, quienes revivieron los tiempos en que se comenzó a practicar el deporte en la Costa Argentina, allá por la década del 50. También Miller Lite fue sponsor de la 21ª edición del Enduro del

Verano “Gesell Le Touquet 2014”. El tradicional evento tuvo lugar en la ciudad de Villa Gesell, y contó con la participación de más de 800 corredores en las diferentes categorías: Quads, Motos Pro y Amateurs. Miller Lite acompañó al piloto Marcos Guiral durante su intervención en el evento. De esta manera, Miller Lite reafirmó su posicionamiento en el mundo de los deportes extremos y, gracias a su unión con la Asociación Surf Argentina, se adueñó de toda la acción del verano. + www.millerlite.com


018

+ mundo creativo

Texto: Germán Andrés @vermirando Foto: Adri Godis Photography @adrigodis

música

Javier Zuker El pulso distinto del dance Es un referente como DJ desde hace veinte años, reconocido como el más rockero en las pistas desde sus comienzos. DJ Zuker es un gran escuchador y hacedor de música. Es una parte fundamental del grupo Poncho, tiene su programa de radio, y es creador de formatos diversos para tocar en vivo en pistas de baile. Zuker es amante del sonido eléctrico y la variedad en la música. Desde que comenzó a musicalizar lugares a principios de los años 90, siempre se destacó por el amplio espectro de sus DJ sets. Con un pasado rockero, tocaba el bajo en la secundaria; fan del blues y el rock & roll, ha estado vinculado a la escena electrónica internacional muy atento a lo nuevo, sin dejar de relacionarse con lo más interesante del rock argentino, incluso, haciendo remixes para artistas como Gustavo Cerati. Para no perder el pulso más “en vivo” de la musicalización, Javier participó o creó distintos proyectos con bandas, como el formato Zuker XP (con músicos en vivo), le dio un marco bailable a muchas funciones de Villa Villa (De la Guarda), armó set en simultáneo con La Bomba de Tiempo, y ha compartido escenario con Babasónicos, Soda Stereo, Divididos, Catupecu Machu, Fatboy Slim y tantos otros DJs internacionales. A continuación, nos cuenta sobre su doble faceta músico/DJ y del trabajo con su actual banda, Poncho. + ¿Cuál es tu lugar o aporte en Poncho desde lo compositivo, en el estudio? JZ Es relativo, porque vamos llevando ideas por separado y, de a poco, se van sumando otras con las que empezamos a laburar; tratamos de llevarlas hasta el final, o la dejamos y ya. Pero cada uno es bastante libre, y no hay un modelo de laburo. A veces, trabajamos los tres juntos, o de a dos. Le damos varias oportunidades a cada cosa, y la vamos cambiando mucho; intentamos siempre darle una vuelta más. Funcionamos medio así. Yo puedo tener una ideíta que se me ocurrió en el iPad y la redondeo ahí, capaz le puedo poner un bajo o una base. O si no, directamente, toda una canción de punta a punta, con la melodía de la voz... Y la muestro como para seguirla. También en el disco surgieron cosas muy interesantes con los invitados, Dread Mar I, Chano. Y está buenísimo, porque le dan otra visión externa. Esas cosas las trabajamos en conjunto con ellos, con su aporte. Y así es siempre, dejamos que todo dispare alguna cosa nueva. + En relación a las performances como DJ, ¿hay algo que sientas muy diferente de tocar en vivo con el grupo, además de compartir el escenario? JZ Y, es otra cosa. Antes de Poncho, trabajé mucho tiempo como DJ; y más allá de que haya tenido bandas, me había alejado un poco del músico y de tocar. Pero cuando nos toca ensayar, por ejemplo,

soy un poco vago, como que no me gusta… Pero sobre todo, la quiero pasar bien, para compartir eso con todos. Es lo mismo que cuando voy a pasar música: nunca sé cuál va a ser el primer tema, y se nota eso. Me puedo poner a pasar música con la computadora, y en la de al lado hay otro DJ con CDs o vinilos, y no va a haber una diferencia; lo mío va a ser tan vivo como lo otro. + ¿Qué soportes estás usando ahora para el vivo con la banda y los DJ sets? JZ Estoy cambiando bastante; dejé las computadoras, y estoy usando todo analógico: una batería electrónica que tiene bajo y sintes. Uso percusiones acústicas, un sintetizador táctil, uno analógico, y un multiefecto con baterías también, en el que paso las cosas de la pista, y arriba de eso voy disparando sonidos. Antes usaba el iPad y la compu, y ahora sólo corremos la pista con el Live y uso todo lo otro. Puedo tocar percusiones, sintes, líneas de bajo o teclados, arpegiadores; todo más manual. Sucede que para pasar música, empecé usando el Live, hace mucho tiempo (más de siete u ocho años). Incluso, antes que otros DJs de afuera. Entonces, ya tomé la computadora como una herramienta importante. O sea, del vinilo me pasé en muy poco tiempo al CD; no me acostumbré demasiado. Directamente, fui a un software, con el cual componía también. Fue Cerati el primero en enseñarme a usarlo. Así me pasé al Live, y ya empecé a pasar música con esa plataforma, que es mucho más amplia, y te da posibilidad de crear. Ahora me fui del Live, y estoy usando el Traktor para pasar música. Pero siempre busco cosas en la tecnología que me hagan divertir, que me hagan sentir que es vivo, por más de que sea una máquina; que pueda sentir que lo estoy realizando en el momento. + ¿Te sentís un DJ rockero, o cómo te llega esa denominación? JZ Sobre todo, me gusta mucho el rock y escucho de todo. Pero quizás -porque me animé, y fui el primero que en una discoteca volvía a poner rock o hip hop-, empecé a pasar eso porque era interesante lo que había en ese momento. Podés preguntarles a los Babasónicos o a Dante, que recién empezaban todos ellos, y venían a bailar a la discoteca donde yo trabajaba. Pasábamos funky, rap, electro. En ningún otro lado sonaba eso. A partir de ahí, también empecé a pasar más música electrónica. Yo siempre traté, aparte de elegir música y divertirme, de educar un poco y mostrar más cosas. Ya que estás ahí y tenés la información, compartirla. + http://poncho.com.ar/

DÓNDE ESCUCHARLO Zuker Attack es su programa de radio en Metro FM 95.1, los sábados de 20 a 22hs. Poncho tiene dos discos: PonchoTotal (2009) y Carnaval (2013). En el álbum “Siempre es hoy” de Cerati, participó con scratches y loops. Y en su cuenta de Twitter, recomienda nuevos sonidos y pasa su agenda: @javierzuker +


mundo creativo

+ 019 arte

+ Gisele Bündchen. New York, 2007. Vanity Fair

+ Sin título. Río de Janeiro, 1998. Trabajo personal

Mario Testino Lente atrevido “Mario Testino: In Your Face”. Del 15 de marzo al 16 de junio en Malba Fundación Costantini, Av. Figueroa Alcorta 3415, CABA. Mario Testino nació en Lima, Perú, pero desde la década del 70 se encuentra establecido en Londres, Inglaterra. La práctica, el oficio y el tiempo transformaron sus fotografías de portfolios económicos, a reconocidas modelos que ilustran las páginas de revistas como Vogue y Vanity Fair. Testino define su profesión como un acto de seducción. La sensualidad -incluso, sexualidad- es un elemento constitutivo de su identidad visual. Decenas de celebridades han expuesto sus cuerpos detrás de su lente: Gisele Bündchen, Jennifer López, Naomi Campbell, Elizabeth Hurley y Gwyneth Paltrow dejaron verse. Hay una búsqueda pop, color, y una actitud desafiante en cada foto. Es un cliché (inevitable) nombrar a Kate Moss como su modelo fetiche. El lente busca la complicidad, la identidad del fotógrafo se construye en la relación con el retratado. Un vínculo que desconocemos, pero se impregna en la fotografía. En sus palabras, Mario Testino vuelve sobre la suerte, la energía y la gente. Realiza 5 fotografías al día, crea 30 imágenes a la semana, 120 al mes, 1560 al año. En la cantidad, hay imágenes contadas que marcaron su carrera. Las fotografías que realizó a Diana, la

princesa de Gales, recorrieron el mundo y transformaron su nombre en una firma. Desde el 15 de marzo y hasta el 16 de junio, se podrá visitar en el Malba la exposición “In Your Face”, la primera en Argentina del reconocido fotógrafo. Se expone un conjunto de 122 fotografías, seleccionadas por el propio fotógrafo, que refleja la diversidad de su obra. En las paredes, sus imágenes más pop conviven con fotografías en blanco y negro, muchas de ellas, surgidas de trabajos personajes. Allí se descubren situaciones menos programadas. La mayoría buscan el impacto. “Me gustan la vida, la transgresión, la locura, lo rápido”, enumera Testino, y se establece una coherencia entre el discurso y la obra. La muestra, como indica su nombre, busca la mirada ajena, la interpela, pretende conquistarla. Es atrevida. Cual revista, en las salas se hojean instantáneas de celebridades y de moda. A pie se recorren páginas de Vanity Fair y Vogue. Junto con la exposición, también se presenta en Malba el catálogo “In Your Face” (224 páginas), editado por Taschen en 2012. + www.mariotestino.com | www.malba.org.ar


020

+ mundo creativo

lugares

Mondrian South Beach Hospedarse en un sueño

Un lujoso hotel en Miami Beach que combina playa y sol, con espectaculares vistas al Océano Atlántico, Biscayne Bay y downtown Miami. Y la posibilidad de tener un departamento en sus exclusivas residencias. Con el sello inconfundible de Marcel Wanders, Mondrian South Beach seduce a los viajeros que pasan por Miami. Los estampados búlgaros típicos del estilo del mediático diseñador holandés, sumados a las columnas sobredimensionadas y chandeliers fuera de escala, convierten al hotel en un espacio mágico, digno del cuento infantil “La Bella Durmiente”. Cada glamoroso detalle deslumbra e invita al disfrute.

Una de las características más atrayentes de Mondrian, es que suma departamentos privados: unidades bien espaciosas bajo el nombre de Mondrian South Beach Hotel Residences. Se trata de elegantes residencias distribuidas en 16 pisos, que engamadas en grises, oro, blanco y negro -en concordancia con el lenguaje visual del hotel-, plantean empapelados, alfombras y muebles personalizados, ideados siempre por Wanders.

Desde el mismo lobby, la vending machine semi-automática ofrece todo lo que el pasajero pudiera necesitar (o desear): desde un par de pantuflas, anteojos, remeras y libros, hasta un auto de alta gama. Esta atractiva máquina que cumple todos los deseos, es obra de Ito Partnership, y es la gran vedette que impacta apenas se ingresa al hotel.

Ya sea que se viva allí en forma permanente, o sólo por unos días, el spa, el gimnasio y las zonas al aire libre (coronadas por la impactante pileta, cabañas, jardines laberínticos, el sunset lounge y el puerto para yates y deportes acuáticos en la bahía) podrán ser disfrutadas por todos los que se atrevan a soñar despiertos. + www.mondrianresidences.com


Texto: Marcela Fibbiani @marce9010

mundo creativo

+ 021 diseño

recurren en busca de nuevos talentos. Y existen ejemplos de sobra que demuestran que esto es así. Su mentora y curadora, la venezolana Marva Griffin, es un personaje conocido por los lectores de 90+10, reconocido y querido en el universo del diseño, tanto por su profesionalismo y calidez, como por la dedicación y compromiso que suma a su trabajo; el de descubrir e incentivar el diseño del futuro. Y muy gentilmente, ha respondido a nuestras preguntas. + Nuevamente, se proponen mostrar la combinación entre la artesanía tradicional y las posibilidades del diseño moderno y la producción industrial. ¿Esto apunta a promocionar el Made in Italy y el saber hacer italianos? MG Sí, este año continúo con el tema de la artesanía, ya que es muy importante. La artesanía italiana es una labor que amerita sobrevivir y ser conocida y aplicada por jóvenes diseñadores. Es por eso que el tema del SaloneSatellite 2014 es “Design, innovation + craftmanship”. En el SaloneSatellite 2013, presentamos los talleres de madera, vidrio, metal y 3D printing. Para el SaloneSatellite 2014, vamos a tener los talleres de textil, de cuero, de cerámica y de 3D, que continúa siempre en evolución. + Recibirán este año a unos 650 diseñadores. Entre éstos, ¿hay argentinos? MG En el SaloneSatellite 2014 tenemos sólo a un joven argentino, Leandro Leccese (LEKO), de Buenos Aires (*). También tenemos a diseñadores de Brasil, Chile y Estados Unidos. PREMIAR A LOS JÓVENES Desde hace cinco años, el SaloneSatellite entrega el SaloneSatellite Award. En esta oportunidad, se les pidió a los diseñadores que presenten ideas vinculadas con los dos salones bianuales que se desarrollarán paralelamente a la feria: EuroCucina y el Salón Internacional del Baño. El jurado -compuesto por importantes personalidades del diseño y la producción- será el encargado de seleccionar a los tres proyectos ganadores en cada categoría. Los premios consisten en dinero en efectivo, así como servicios de consultoría y de prensa para maximizar estos logros. + ¿Qué aspectos se tendrán cuenta para la elección de los proyectos ganadores del 5 SaloneSatellite Award? MG La decisión depende del jurado, presidido por Paola Antonelli (Senior Design Curator del MoMA) y otras personalidades del mundo del diseño. Lógicamente, poniendo atención a originalidad, posibilidades de producción y mercadeo del prototipo.

+ Marva Griffin, curadora del SaloneSatellite.

SaloneSatellite 2014

Descubrir el talento joven El más importante espacio de exhibición y difusión del diseño joven, renueva su apuesta por la relación artesanía y diseño. Así lo asegura su curadora, Marva Griffin. En el marco de iSaloni (los tradicionales salones de diseño que desde hace ya 53 años se realizan cada abril en la ciudad de Milán), el SaloneSatellite es, acaso, el más apasionante para los que gustamos de ser sorprendidos con nuevas ideas, formas de realización, materiales, usos. Dedicado a presentar los prototipos de jóvenes diseñadores de todo el mundo hasta 35 años, es el lugar adonde las más renombradas productoras de mobiliario y objetos

CONVOCATORIA 2015 Para informar un poco más e incentivar la participación de nuestros diseñadores en próximas ediciones, Marva nos amplía sobre la convocatoria 2015, qué se les pide a los seleccionados, los gastos que implica presentarse y demás detalles. “Los diseñadores menores de 35 años de edad pueden hacer su solicitud desde mayo a agosto de 2014 para el SaloneSatellite 2015. El costo mínimo del espacio de 16 metros cuadrados es de 2,500 euros+22%VAT. Normalmente, los diseñadores comparten el espacio con otro colega, pero todos tienen que ser sometidos al Comité de Selección. No se aceptan empresas patrocinantes, porque los expositores del Salone Internazionale del Mobile son sponsors oficiales de este gran evento. Sin embargo, algunos jóvenes reciben un patrocinio de entidades gubernamentales de su país”. ¡Qué bueno e importante sería para el desarrollo de nuestro valioso diseño argentino, el contar con un espacio en la Feria que lo represente, así como desde hace un par de ediciones vienen teniendo Chile y Brasil! + www.cosmit.it

(*) NdR: LEKO es el proyecto de mobiliario, objetos e iluminación que comparten los diseñadores industriales Leandro Leccese y José Domínguez.


022

+ mundo creativo

Texto: Diego Giaccone @diegogiaccone (*) Foto: Maia Croizet @MaiaWATIO

branding y diseño

+ Una manera de conocer qué piensan sobre el diseño y los diseñadores los responsables de marketing de empresas exitosas, quienes deciden y compran diseño, buscando sumar valor a sus marcas y productos. La mirada del otro lado del mostrador.

Francisco Mladineo | Heineken Cuidar los detalles Francisco es licenciado en administración (Universidad Torcuato Di Tella). Siempre estuvo en áreas comerciales de marketing; desde hace nueve años, trabaja en el mundo de las bebidas y, desde hace dos que está en Heineken, de CCU. Tiene algo más de 30 años y, a su corta edad, ya cuenta con casi una década de experiencia en bebidas alcohólicas, trabajando para grandes marcas. “De Heineken me sedujo el desafío de la marca en Argentina”, dice, aclarando que estaba dentro del ranking de marcas con las que le gustaba trabajar. Hablamos de diseño, justamente, con quien que trabaja para una marca que lo lleva en su ADN y en su plataforma. “Heineken siempre habla de cuidar sus detalles, y el consumidor está muy atento a eso”, remarca Francisco. Una marca pionera en la utilización del arte y el diseño en su packaging, campañas o acciones. Es la marca que tuvo la primera botella de aluminio en la industria cervecera (un ícono), y fue la primera en lanzar la botella verde. Otro ícono de diseño es el barril 5 litros.

A veces, es común que los gerentes hablen de la importancia del diseño en su empresa como ADN. Pero luego, no siento esa valoración llevada a la realidad de sus productos, acciones o inversiones. En este caso, Francisco no paraba de nombrar casos reales, en donde el diseño es protagonista absoluto y democrático. Como es el caso del concurso “One Bar Your Heineken”, cuando la marca invitó a sus consumidores a diseñar botellas especiales para sus seis bares más representativos (Belushi, Carnal, Puerta Uno, Rosebar, Soria y Único), y los diseños ganadores se plasmaron en los packagings de esa edición especial. Hoy, con el auge de las redes sociales (Heineken es pionero, con casi 17 millones de seguidores en Facebook), la tendencia en el mundo es la de personalizar los productos de acuerdo al gusto de los consumidores. Hubo cerca de 4500 diseños, en donde la gente podía jugar con logos, imágenes, fondos, texturas, colores e íconos de cada bar. Las botellas se vendieron durante tres meses en esos bares y en supermercados. Los ganadores -ninguno de ellos diseñador de profesión- tenían acceso preferencial a las fiestas, y se les regaló cerveza gratis para todo el año. Además, este verano, para celebrar los 140 años de la marca, lanzaron una edición limitada de botellitas de aluminio históricas, con diseños que representaban a cada momento de la marca en la historia y también se incluyó una del futuro. Una muy linda colección, que viene en una caja para cuatro botellitas. Francisco mantiene un contacto permanente con el departamento de diseño de Holanda, y viaja una vez por año. En Buenos Aires, tiene su equipo, formado por él mismo, para el que seleccionó gente despierta, inquieta, y muy conectada. ¿Cómo hace para sentirse fresco, manejando una marca tan importante, y con un link tan fuerte con el diseño y la innovación? No para. Piensa que el marketinero tiene que salir de su escritorio, ir a bares o eventos, para ver la realidad de las tendencias, estar activamente en las redes sociales (donde están los consumidores), reunirse con su agencia, intercambiar imágenes con su equipo, etc. Le encanta viajar, jugar al golf, al fútbol con amigos, y es un enamorado del “verde”. Como era de esperar, trabajando para esta marca... ¡Gracias Francisco! + www.heineken.com.ar

MUNDO FRANCISCO Un lugar para vivir. Buenos Aires Una ciudad para ir de vacaciones. Punta del Este Una película. Sueño de libertad, de Frank Darabont Un libro. El psicoanalista, de John Katzenbach Una marca de tecnología. Apple Una marca de ropa. adidas Un hobby. Golf, fútbol Un producto de tu empresa. Barril 5 litros

(*) Diego Giaccone es diseñador gráfico, director de SURe Brandesign. www.surebrandesign.com


Texto: Celeste Nasimbera @SrtaCele

mundo creativo

+ 023 moda

Romina Cardillo

+ Calu Rivero y Romina Cardillo

Diseñar respuestas Romina Cardillo es una diseñadora con capacidad de transformación permanente. Se reinventa sin perder las constantes que la definen: el gusto artístico y la opción ecológica. Creció alrededor de María Vázquez, se arriesgó con Grupo 134, y ahora busca la consolidación con su nueva marca: Nous Etudions. Cardillo salda en su labor una de las deudas de la moda: la sustentabilidad. Existe una creencia, coherente con un modo de vida y, consecuentemente, en los modos de trabajar.

ponsables con la ecología. Existe también una voluntad de desarrollo del diseño en una identidad nacional, trabajando con diferentes pueblos originarios de nuestro país.

Universos cinematográficos y musicales alimentaron una identidad creativa. Una dosis de irreverencia, un compromiso eco. Romina diseña desde el cambio, inclinándose siempre por la diferencia.

Romina Cardillo se decide por Nous (nosotros en francés), involucrando tanto a su pareja y socio, como a su reciente maternidad. Un nombre que incluye, como la propuesta. La marca contará con dos líneas, una de las cuales presentará remeras estampadas, bordadas y engomadas, accesibles para un amplio público. La primera colección, “Catarsis”, se presentó en la reciente edición de BAFWeek, y Calu Rivero es la modelo elegida para la campaña. La otra línea apunta al alto diseño, con abrigos de elaborado desarrollo, sastrería, vestidos y tops de alta calidad.

Hija de Estela Vázquez, encontró el diseño en el taller materno. Entre telas, bocetos y prototipos, comenzó un vínculo que se transformó en vocación: diseñar moda, vestir hombres y mujeres, se hizo profesión. María Vázquez implica contención familiar, inicio y primeros diseños. Una oportunidad para probar. Grupo 134 es definido por la propia Romina como “su primer hijo, con los primeros errores, miedos e ingenuidades”. El presente se escribe Nous Etudions, la nueva propuesta de la diseñadora. Nous surge de un proceso de maduración, conciencia propia, y un horizonte más definido. Con esta nueva marca, renueva el compromiso. Nuevamente, decide no utilizar pieles animales, ni vincularse con importadores y proveedores que no mantengan sus procesos res-

De diseñadora a directora creativa, Romina busca en Nous la posibilidad de generar colaboraciones, obteniendo más espacios de diseño. En sus diseños se teje un entramado de preguntas y respuestas personales. Con líneas puras, modernidad y desenfado, busca encontrarse con un usuario informado, conocedor y responsable de su consumo. + www.nousetudions.com


024

+ mundo creativo

Texto: Germán Andrés @vermirando

discos

escena alternativa. Se revelan a su pasado de punk, a la forma concreta y a la noción de cantautoras, para dejarse fluir entre instrumentos acústicos y ritmos ancestrales, percusiones sutiles y sus voces suaves. Con cadencia folk, carácter experimental (hay temas en los que parece no haber concluido el experimento), mucho trabajo de ambiente, algunas canciones con versos cortos y varios buenos temas instrumentales, imponen introspección. El disco, con el atinado título de “El poder oculto”, está hecho con base en el charango, más clarinete, guitarras, sonidos cotidianos, banjo, pinkullo, bombo leguero y otras percusiones. Toda una mezcla de sonoridad acústica, con impronta de juego e improvisación. Hay algunos efectos y procesos de edición, pero en su mayoría, es un álbum que fluye sutilmente, tranquilo, pero no relajado. Tiene su intensidad en cierto espíritu salvaje, que lo impregna de una rusticidad inquietante.

Marina Fages y Lucy Patané Las chicas no sólo quieren rock

Este dúo de señoritas que se dedican a la música desde temprana edad, logró con su unión algo especial, que las distingue en la

Todas las composiciones son de las autoras, que parecen fundirse la una con la otra en el total; todos los instrumentos y sonidos que se oyen en el disco fueron grabados por ellas mismas. Fages (que es una reconocida artista plástica) y Patané (que viene a ser la ingeniera de sonido y realizadora del registro) se conocen desde niñas, y se toman la autogestión muy en serio desde siempre, pues han fundado grupos musicales y lideran otros proyectos multidisciplinarios. Aquí plasmaron juntas -y sensiblemente- una obra que consuma sus poderes. + http://conceptocero.com/artistas/lucy-patane-y-marina-fages/

consigue por encargo (aquí es poco probable que se edite) contiene 5 CDs, incluyendo sus tres álbumes en vida, que se siguen pidiendo: “Five Leaves Left” (1969), “Bryter Layter” (1970) y “Pink Mon”(1972), más: “Made to love magic”, de 2004 (edición actualizada de “Time of no reply”), que incluye out-takes y sus últimas grabaciones del 74. También “Family Tree”, un conjunto de grabaciones caseras que van desde sus primeros demos antes del 69, temas que grabó de niño, versiones de Mozart en el piano y canciones de su madre; esto fue publicado anteriormente en 2007. Todos estos discos vienen con su tapa original y el book con las letras. El original pack que emula su caja de recuerdos en la época de universidad, también trae pósters.

Nick Drake Caja de culto

El hombre que más enigmáticamente encarna la figura del songwriter bohemio, intelectual y fatalista es Nick Drake. Sus canciones son tan bellas como “grises” y sutiles, basadas en su buen toque de guitarra y su voz. El mito de este muchacho inglés ha crecido desde su temprana muerte, convirtiéndolo en un artista de culto. Su talento y obsesión por la canción eran sus dones y, a fines de los 60, logró cierta notoriedad, con apenas tres discos diferentes, pero excelentes. Drake ha influenciado a figuras muy diversas del rock y el pop mundial, y es materia obligada para todo quien se precie de ser amante del buen folk inglés. Por esto es que acaban de publicar en el Reino Unido otra retrospectiva con su música. “Tuck Box” es un producto deluxe, edición limitada que reúne en sí toda la música que alguna vez grabó. Pues, si bien existen otras reediciones y compilaciones del cantautor, esta caja que se

Vale decir que la obra de Nick Drake no fue bien recibida en su momento; quizás no comprendida totalmente, y eso agudizó su inestabilidad emocional, sus problemas de insomnio y de adicción a las drogas. La depresión, más su timidez -que lo hicieron volver a la casa de sus padres y abandonar casi su carrera, sin tocar en vivo ni tener vida social- lo llevaron a la muerte con apenas 26 años. Drake era un joven que usaba sólo la música para comunicarse, y lo hacía magníficamente bien, con su tono especial, su voz suave y sus grandes letras, pues era un fanático de la poesía, y cursó años de literatura en Cambridge. Su musicalidad bien forjada -había estudiado piano e instrumentos de viento- lo hicieron investigar las posibilidades de acompañamiento con la guitarra, y de allí lo distintivo en su estilo al tocar y la intensidad de sus composiciones, que muchas veces se habló. Hasta hoy, continúa siendo inspiración para casi todos los compositores de canciones en Occidente, con fuerte basamento en la deconstrucción del folk. Tuck Box viene a ser como sus obras completas, y trae al presente todo su repertorio de lirismo pastoral, su locura inocente, su visión otoñal del mundo, que nunca pasa de temporada. + www.brytermusic.com


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mundo creativo 025 diseño

Jarra purificadora de agua DVIGI Diseño en tu mesa

La jarra Sense es un purificador de agua portátil, ideal para el reemplazo de embotellados. Este original purificador posee tanto vasos internos como externos, una unidad filtrante y tapa. De formas delicadas y modernas, la jarra se encuentra disponible en nueve diferentes colores. ¿Cómo funciona? El purificador interno posee un filtro de carbón activado, que tiene una ligera carga electro-positiva, por lo que los compuestos orgánicos y posibles metales presentes en el agua se impregnan al mismo. Cuando el agua pasa a través del filtro, el carbón retiene el cloro libre y las sales de calcio responsables de provocar la dureza del agua, generando una mejora en el color, olor y sabor. Como los purificadores no son unidades

selladas, lo único que debe renovarse es la unidad filtrante, cada cuatro meses. Práctica, fácil de utilizar y mantener, la jarra posee una capacidad de dos litros. Es ideal para servir agua fría en la mesa o bien llevar de viaje. Aprobada por el Ministerio de Salud de la Nación Argentina, es obra de DVIGI, empresa argentina dedicada al diseño y fabricación de productos para el tratamiento de agua para el consumo humano. + www.dvigi.com.ar

Pampero rodado

Una bicicleta para no parar de andar Diseñada y producida íntegramente en la Argentina, la bicicleta Jey-Jey 001 Custom marca la incursión de la marca de indumentaria y calzado Pampero en un nuevo mercado. Se trata de una unidad capaz de adaptarse tanto al uso urbano como al rural, al tiempo libre como al desarrollo de oficios que requieran transporte de cajas de herramientas, patrullajes de seguridad o usos múltiples. El producto se proyectó siguiendo los lineamientos de la marca, motivo por el cual posee un cuadro reforzado en estructura de acero tubular, recubierto de pintura horneada y con componentes mecánicos de óptima calidad. Posee frenos Shimano, mazas reforzadas, pedales de aluminio, asiento doble resorte y portaequipaje reforzado de cuatro anclajes. Las dimensiones fueron pensadas para una posición de conducción de mayor comodidad, sin perder agilidad en el uso. El arquitecto Néstor Piquero y los diseñadores industriales Alan Neumarkt y Juan San Martín estuvieron a cargo del proyecto para el estudio Sudamericadesign. + www.sudamericadesign.com | www.pampero-online.com.ar


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+ mundo creativo

Texto: Elvio Orellana @emorellana33

vehículos

Toyota Land Crusier Prado Toyota Argentina presentó su nueva Land Cruiser Prado, con cambios en su diseño exterior e interior y equipamiento. Continúa ofreciendo un motor V6 naftero de 4.0L, 24 válvulas DOHC con 275 CV, asociado a una transmisión automática con AI-SHIFT de 5 velocidades con comando secuencial, que interpreta la intención del conductor y las condiciones del camino, modificando automáticamente el patrón de cambios. Su versión VX mantiene el Sistema de Suspen-

sión KDSS (Kinetic Dynamic Suspension System), que optimiza el efecto de estabilizadores delanteros y traseros. Su nuevo sistema de audio con pantalla táctil de 7” y 6 parlantes, también sirve como monitor para el sistema de visión 360° y permite, mediante 4 cámaras en la parrilla frontal, en espejos exteriores y en el portón trasero, visualizar todo lo que sucede alrededor. + www.toyota.com.ar

Peugeot 208 GTI, XY Nadie duda de que el 208 convencional posee una imagen muy seductora y deportiva. Lo cierto es que la marca se las ingenió para proponer sobre esa base dos versiones mucho más agresivas aún. Tanto el GTI como el XY, se ofrecen sólo con silueta de tres puertas. Saltan a la vista, también, sus llantas de diseño deportivo, que son más grandes (17 pulgadas), si se las compara con el 208 que ya todos conocemos. Otros detalles “racing”, que comparten estos dos felinos son unas grillas más anchas en la trompa, y que presentan diseños específicos y terminaciones cromadas. De sus laterales, se destacan los dinámicos marcos de las ventanillas. Si

se los mira de atrás, resalta un faldón trasero que, en el caso del XY, es color carrocería, y no tiene salida de escape visible. Pero en el caso del GTI, es negro, y con una doble salida de escape cromada. Además de ello, ambos suman un alerón trasero color carrocería. El 208 XY lleva el motor THP 1.6, con turbo y 156 caballos de potencia. El 208 GTi tiene el mismo motor, pero con la potencia elevada hasta 200 caballos, como en la RCZ. Ambos motores se combinan con una transmisión manual de 6 velocidades. + www.peugeot.com.ar


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mundo creativo 027 vehículos

Ford F-150

Chevrolet Silverado

En la última edición del Salón del Automóvil de Detroit, Estados Unidos, la marca anfitriona desplegó varias novedades. Entre ellas, la actualización de su máximo exponente entre las camionetas de gran porte. Nos referimos a la F-150. Con respecto a su edición anterior, ésta suma nueva parrilla cromada y grupos ópticos. También, su paragolpes es totalmente nuevo, al igual que su capot y sus gigantescas llantas de 20 pulgadas. En su interior, incorporó el sistema de entretenimiento MyFord Touch, el Ford SYNC, climatizador independiente, una nueva instrumentación con pantalla multifunción de 4,2 pulgadas, dos puertos USB, y una mejor calidad de los plásticos y tapizados. Es para destacar la utilización en toda su estructura de aleaciones de aluminio de alta resistencia, lo que genera una mejora en la resistencia a las abolladuras, así como en el ahorro de peso (se ahorran 350 kilos de peso con este material). Los motores disponibles de esta gigante son: el 3.7 litros Ti-VCT V6 de 305 CV, el 5.0 litros Ti-VCT V8 de 363 CV, el 6.2 litros V8 de 415 CV y el 3.5i litros V6 EcoBoost de 368 CV. La caja de cambios es la automática y de 6 velocidades. + www.ford.com.ar

La Chevrolet Silverado, al igual que la Ford F-150, también fue exhibida con algunos retoques en la última edición del Salón del Automóvil norteamericano. Las buenas repercusiones de este gigantón fueron tales, que se adjudicó el premio a la pick-up del año. Cabe recordar que en el 2007 fue la última vez que la Silverado había sido premiada con esta misma distinción. Esta última generación con tres opciones de motores (V6 de 4.3 litros, V8 5.3 litros y V8 de 6.2 litros), tiene un menor peso que su anterior edición. Además, recibió un ajuste en su sistema de suspensión para un viaje más suave, puertas posteriores más amplias y nuevos sistemas de seguridad, como el de alerta de colisión frontal, advertencia de abandono de carril y control del trailer. La novedad para ambos motores de 8 cilindros, es que ahora traen el sistema de inyección directa y el de desactivación de cilindros. Esto colabora para disminuir los niveles de consumo de combustible. Estéticamente, recibió una nueva y enorme parrilla delantera, así como nuevos paragolpes y laterales más esculpidos. Estos cambios consiguieron que la Silverado 2014 se vea un poco más moderna y aerodinámica, sin haber perdido su tradicional perfil con ángulos cuadrados. + www.chevrolet.com.ar

Chevrolet Agile Effect

Toyota Etios aventurero

Se trata de una edición especial, desarrollada conjuntamente con el modelo 2014. Toma como base el equipamiento y la motorización de la actual versión LTZ y suma llantas de aluminio de 16” color grafito, faros delanteros Black Mask, alerón deportivo, spoilers frontales, laterales y traseros, techo, espejos exteriores y paragolpes trasero con detalles en color negro, además de stickers laterales en puertas y emblemas “Effect”. En el interior, se destacan también detalles en rojo en los asientos, paneles de puertas, volante y tablero. La motorización es la 1.4L que desarrolla 92 CV. Se comercializa en dos colores, con esta exclusiva estética: Blanco Summit y Rojo Chili. El precio de esta serie especial es de $123.200. + www.chevrolet.com.ar

Luego de haber ingresado de forma exitosa en el segmento de autos compactos con las versiones 4 y 5 puertas de Etios, Toyota Argentina suma al Nuevo Etios Cross a su portfolio de productos. Se ofrece en carrocería hatchback con el motor 1.5 litros, y se destaca porque en su parte frontal presenta un diseño más dinámico y versátil, con un paragolpes robusto. Completan el conjunto delantero los faros y las luces anti-nieblas integradas al paragolpes. El nuevo Etios Cross ya se encuentra disponible en toda la red de concesionarios Toyota, a un precio de $115.000. + www.toyota.com.ar


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+ mundo creativo

eventos

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1. China Suárez en la presentación de colección de Natalia Antolín junto a Pantene Expert - Invierno 14 2. Chino Darín con su Kia en Punta del Este 3. Delfina Blaquier y Nacho Figueras en el desfile de Tramando, con el apoyo de HSBC 4. Paula Reca en el desfile de Zitta, con el apoyo de HSBC 5. Chloé Bello en la presentación de colección Garza Lobos invierno 2014, en el marco de BAFWeek 6. Flavia Palmiero en BACE Spa, estética y belleza 7. Calu Rivero y Mónica Antonópulos pasaron por el local de María Cher, para conocer la nueva colección de invierno 2014 8. Mariana Arias y Paloma Cepeda en la presentación de la colección de Benito Fernández, con el apoyo de Alcorta Shopping, en la apertura de BAFWeek 9. Florencia Raggi, viviendo la experiencia Ser en Mar del Plata 10. Anita y Nicolás Pauls, junto a Lea Lopatin, participaron en el Día de la Paz de Axe Peace, junto a su banda Horizonte 11. Guillermina Valdés, Chelo Cantón, María Cher, Martín Churba y Jazmín Chebar en la presentación del nuevo logo de Alcorta 12. Ernesto Catena, Puli Di María, Pampita Ardohain y Benjamín Vicuña en la comida de Catena en Santas Negra +


Texto: Marcela Fibbiani @marce9010

mundo creativo

+ 029 diseño

Temporary Museum for New Design La alternativa Fuori Salone

Superstudio Più es el corazón del Fuori Salone durante la Milan Design Week y sede del Temporary Museum for New Design. Entrevista a Gisella Borioli, CEO y directora creativa de este proyecto. En Milán, Italia, cada año se dedica una semana del mes de abril a la Design Week. La punta de lanza han sido los Salones del Mueble y, gracias a ellos, desde hace catorce años, el Fuori Salone (o todas las actividades por fuera de los Salones) ha sabido -con mayor o menor convocatoria- establecerse como una alternativa válida. Hablamos de las zonas: Tortona, Romana, Brera, Ventura Lambrate. En Tortona, las dos grandes locaciones que forman parte de Superstudio Più (que durante el año sirven de estudios de grabación, de fotografía, salas de ensayo, de exposiciones y eventos varios), se transforman en el Temporary Museum for New Design (TMND), con la premisa “menos feria y más museo”. Es por eso que ofrece espacio de exhibición al diseño más alternativo, el que presenta en formato de galerías de arte. Se suman enormes y sorprendentes instalaciones, que proponen experiencias multisensoriales al espectador. MENOS FERIA Y MÁS MUSEO ¿El resultado? Cien mil visitantes en seis ediciones y la promesa real de replicar el evento en Dubai. ¿Los responsables? Giulio Cappellini (de la productora de mobiliario Cappellini, quien está a cargo de la dirección artística del TMND) y Gisela Borioli (CEO y directora creativa de Superstudio Group). Esta emprendedora, periodista y directora de arte, ha estado al frente de revistas como Vogue y Madame Figaro Italia, además de ser consultora en proyectos creativos y curadora de muestras de fotografía, moda y arte. Desde Milán, nos cuenta un poco más sobre este museo de diseño temporal, que tendrá lugar del 8 al 13 de abril de 2014. + ¿Qué lugar ocupa el TMND dentro de la Milan Design Week? GB Con sus dos grandes locaciones, Superstudio fue el impulsor del fenómeno del Fuori Salone, que desde zona Tortona se esparció a toda

la ciudad, convirtiéndose en un ejemplo para otras capitales del mundo. El proyecto específico que llamamos “Temporary Museum…” propone un formato no sólo comercial, sino también cultural y experiencial. Una cita necesaria para encontrar diseño, tecnología y arte contemporáneo dialogando entre sí. + ¿Qué le ofrece el TMND a un joven diseñador? GB Por Superstudio pasa el 100% de los visitantes de zona Tortona. Más de 100 mil personas, de las cuales, más de 2 mil son periodistas. Deben de ser suficientes estos números para explicar por qué un joven diseñador debe exponer aquí, donde puede tener aún un pequeño espacio, pero en un contexto curado, importante, prestigioso, y de calidad. + Grandes instalaciones museísticas y proyectos especiales. ¿Con qué sorprenderá el TMND en 2014? ¿Qué empresas estarán presentes? GB Sorprenderá con un mix de propuestas, con las novedades de algunos efectos especiales desarrollando, una vez más, gran interacción con el arte. Pero habrán también presentaciones que tocarán las nuevas realidades de las que hoy no podemos prescindir, como el e-commerce de e-Bay y la casa bio. Entre las grandes marcas presentes, habrá pabellones de Via, LG Hausys, Cotto, Alcantara, Tagina, Porcellanosa y otros nombres más chicos, pero igual de interesantes. BONUS TRACK La consigna de este año es “The world is here” (El mundo está aquí), reforzando que los expositores del TMND son empresas internacionales, grandes o pequeñas. Este año, se separaron por áreas geográficas, con el fin de dibujar un mapa del nuevo panorama del diseño mundial. Y para reafirmar su carácter internacional, el formato del TMND se replicará en Dubai. + www.superstudiogroup.com


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+ mundo creativo

moda

LOCO Serious Denim La vigencia del denim

El Grupo Santana Textiles desarrolla, desde el año 2005, su marca Loco Serious Denim. Dedicada al mercado Premium, está enfocada en la producción de tejidos denim de alta calidad. Loco Serious Denim posee una identidad multifacética: fuerte y moderna, de alcance local y global en simultáneo. Posee como objetivo cumplir con las elevadas exigencias de las principales marcas del mercado, por lo cual, los productos de Loco son desarrollados bajo elevados estándares de calidad e innovación. La propuesta combina calidad, audacia y vanguardia. En la elaboración de sus tejidos hay una sumatoria de tendencias, innovación tecnológica y acabados especiales. La nueva colección Verano 2014 – 2015 está compuesta por 24 artículos de tejidos denim, en sus versiones rígidos, confort y stretch. “La colección cuenta, además, con la nueva tecnología en la construcción de hilo utilizado para la trama de los tejidos elastizados: 3F. La misma une tres cabos (algodón, poliéster, elastano) en un mismo hilo, conservando el brillo y la resistencia del poliéster, el confort del algodón y una elasticidad ideal para

prendas de siluetas anatómicas”, destaca Alejandro Ogando, coordinador del departamento de producto del Grupo Santana Textiles Argentina. Desde cuatro diferenciadas líneas de tendencia se construyó la propuesta de verano, logrando abarcar diversas estéticas. En Grungy denim, se toma como disparador creativo el movimiento grunge y las bandas icónicas como Nirvana y Pearl Jam, generando una propuesta industrial e independiente. Por otro lado, mientras los deportes urbanos y el arte callejero inspiran la línea Urbanity Denim, la funcionalidad y la conciencia social encierran la propuesta Responsible Denim. La colección se completa con Sophisticated Denim, la que se dispara desde los conceptos de modernidad, sofisticación y búsqueda arquitectónica. Cuatro propuestas que generan una colección amplia, abarcativa. + www.santanatextiles.com/loco


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mundo creativo 031 ObjetodelDía + Desde hace exactamente dos años, en www.90mas10.com se selecciona y publica un objeto de diseño en la sección

#ObjetodelDía. Piezas de diseño nacional e internacional, novedosas, icónicas, útiles y bellas que, muchas veces, dan pie al debate y hasta reciben críticas y comentarios. A continuación, elegimos tres de los ya publicados en http://90mas10.com/objetodeldia

Módulos Ensamble por Destila Destila presenta Ensamble, una línea compuesta por módulos individuales. Cada uno de ellos, en la suma, componen un todo. El mayor beneficio es la creación personal y la posibilidad de ser reutilizados en caso de que el ambiente lo requiera. Se puede tomar cada uno de los módulos y generar, de modo individual, el mueble. Cada pieza es seleccionada de manera cuidada, generando así armonía en el diseño, y permitiendo una mayor capacidad de adaptación a cualquier espacio. + www.destila.com.ar

Lámpara Tania de Duccio Maria Gambi

Revistero Jackson por Joaquín Ordóñez

Un bidón de plástico y 1.5 kg de concreto, elementos principales para obtener una luminaria. Duccio Maria Gambi es florentino, se graduó en diseño de mobiliario en la facultad de arquitectura de la Universidad de Florencia, Italia, y posee un máster en diseño de interior en el Politécnico de Milán. Luego de pasar por el Atelier Van Lieshout en Róterdam, el Studio 63 en Florencia y el atelier de Francesco Passaniti en París, hoy posee su propio taller en la ciudad luz. Allí creó a Tania, una luminaria que resulta de verter 1.5 kg de concreto en un bidón de plástico. El concreto toma la forma del recipiente y transforma su funcionalidad para dar nacimiento a un nuevo objeto. A su vez, la manija original del bidón resulta una forma útil de trasladar la lámpara de un lado a otro, y obtener así distintas atmósferas lumínicas. También puede colgarse de la pared y con sus 2.5 metros de cable, encontrar diferentes lugares en donde instalarla. + www.ducciomariagambi.com

Un práctico revistero para lecturas pendientes. El diseñador industrial argentino Joaquín Ordóñez presenta su revistero Jackson, realizado en madera contrachapada o plywood. Está constituido por dos piezas que se consolidan en un alma de unión central que le otorga robustez y estabilidad, sin perder la calidez de la madera contrachapada natural. Gracias a su morfología, en su parte superior contiene las revistas, con la posibilidad de posicionar una página abierta a modo de exhibición. Se encuentra disponible en madera paraíso natural, guatambú natural, wengue y caoba reconstituida, y tiene gran capacidad de carga. Asimismo, es fácil de transportar y de limpiar. + www.joaquinordonez.com.ar


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+ mundo creativo

marketing

+ Los miembros del equipo de SURe Brandesign, a cargo del proyecto del packaging.

Chandon viste arte gracias a SURe Brandesign El equipo de SURe Brandesign desarrolló el diseño de una colección de packs para la línea completa de espumantes de Bodegas Chandon, basados en el arte. En esta entrevista, Diego Giaccone -fundador de este estudio y colaborador de 90+10- nos contó más sobre el proyecto. + ¿Cómo surgió el encargo de Chandon para la colección de packs? DG Tenemos una relación de algunos años con Chandon, por haber desarrollado algunos proyectos, y nos llamaron para este importante desarrollo. Los estuches de espumantes no cambiaban desde hacía tres años, y era todo un desafío para nosotros y para ellos, ya que estas presentaciones son súper estratégicas para la marca, tanto desde la imagen como desde el volumen. Y como marca líder, tiene la obligación de marcar tendencias y sorprender. La gente de marketing de la empresa -desde Ramiro Otaño y Ezequiel Acosta hasta todos sus equipos-, tienen una visión de las tendencias muy actualizada, y enseguida tomaron la decisión de avanzar con esta idea. Presentamos ocho ideas fuertes, pero ésta, la del arte geométrico, era una de las más ricas, y fue seleccionada en la primera reunión. + ¿Se trata de una edición limitada? ¿Dónde se consigue? DG No es una edición limitada; es el diseño de la línea completa de los espumantes de Bodegas Chandon, que incluye las variedades: Extra Brut, Brut Nature, Rose, Demi Sec, Délice y 187. En todos sus formatos y presentaciones (desde los estuches de 1500cc y 750cc, pasando por los estuches que incluyen dos botellas y dos copas, o los de 187 y corrugados). Es un diseño pensado tanto para el punto de venta como para los hogares, ya que son estuches en los que la sumatoria de las caras generan un gran frente de exhibición en los supermercados y, a su vez, son muy atractivos para tenerlos en tu mesa, casi como un objeto de colección. Se pueden conseguir en todas las vinotecas y supermercados. + ¿Por qué se eligió al arte geométrico como estética? DG El estilo propuesto surge como una resultante de la estrategia de branding y diseño, ya que queríamos contar con una estética colorida y con impacto, pero sutil y delicada a la vez; como así también despojada, y con múltiples detalles de calidad. En las reuniones creativas previas con el equipo creativo de SURe, nos parecía muy interesante este pensamiento de que el arte deje de

estar encerrado en las frías paredes de un museo, y pudiera salir a la calle, entrar a los hogares. Y estaba muy en línea con el posicionamiento de la marca, que está muy relacionada con el arte y la estética. El equipo que estuvo a cargo del proyecto tiene un muy buen manejo de la estética y el arte. Fede Poscek fue el director y Emi Renzi fue el diseñador encargado de llevar adelante los diseños y los artes. Y le sumamos a Agus André llevando el día a día, y a Martín Lambruschini en la producción gráfica. + ¿A qué responden la paleta de colores y el color específico elegido para cada variedad? DG A nivel cromático, tratamos de respetar la paleta que representa a cada varietal. Dorados para Extra Brut, magentas para Rosé, negro para Brut Nature, gris para Demi Sec y los flúor para Délice. Pero a nivel motivos, lo novedoso para la marca fue contar no sólo con los colores que identifican cada variedad, sino que cada uno tiene un arte propio que los representa y les dá personalidad. Un arte para cada variedad. Los artes juegan en sus caras, forman la botella y actúan también como tramas. Y el color blanco es el que les da el soporte y la limpieza. + El diseño se continúa combinando las distintas caras de los packs. ¿Podrían desarrollar esta idea y cómo se aplicaron los detalles de calidad de impresión? DG Es un diseño 100% gestáltico, donde el todo es más que la suma de las partes. Esto hace que la sumatoria de los estuches genere mayor impacto, y la mancha de color produzca un efecto muy efectivo. Está pensado para sorprender en el punto de venta, y también para ser disfrutado en la mano del consumidor, ya que cuenta con finos detalles de terminación, como stamping de color, laca sectorizada, relieves, barniz, etc. No son estuches económicos, pero la marca y el marco festivo de las fechas en las que se consume, ameritaban la jugada. Y en eso es súper valorable el apoyo del cliente, en el respeto de la idea inicial tal cual fue pensada, y con sus costos de producción. + www.surebrandesign.com www.chandon.com.ar


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mundo creativo 033 vehículos

+ Riva 86’ Domino

Riva

Navegando la Dolce Vita Los yates siempre representaron la buena vida, y Riva es una de las marcas emblemáticas de embarcaciones de lujo, con más de 170 años, y perteneciente al grupo italiano Ferretti, que lleva la pasión por el diseño al lujo extremo. Invitados en un exclusivo viaje de prensa, 90+10 tuvo la oportunidad de navegar en las costas de Miami en un imponente yate de la marca Riva: el modelo 86’ Domino, de 86,6 pies de eslora (26m) y vivir, por un breve momento, la experiencia de un estilo de vida, en donde el diseño está presente en cada detalle, llevado al extremo. PASIÓN Ante la pregunta sobre cómo se diseñan embarcaciones tan icónica y únicas, Giuseppe Meneghetti, de Riva Americas, nos cuenta que es la pasión y el amor en cada uno de los detalles, que tienen quienes diseñan y crean cada modelo de Riva, desde hace varias décadas, teniendo en cuenta que cada embarcación tiene una vida útil aproximada de entre 50 y 60 años. HISTORIA Fundada por Pietro Riva en 1842, en Italia, la empresa es uno de los astilleros de yates de lujo abiertos y de estilo flybridge, con longitudes de 27 a 122 pies (8 a 35m), más exclusivos y reconocidos del mundo. Famoso por sus modelos en madera lanzados en épocas de “La Dolce Vita” (décadas de 1950 y 1960), como la legendaria “Aquarama”, fabricada entre 1962 y 1996, y utilizada por Sean Connery en su papel de James Bond. Con una importante historia de trabajo de la mejor calidad, atención meticulosa a los detalles y excepcionales acabados, este astillero representa una elegancia clásica en el mundo de la navegación. Para la construcción de cada nave, se utilizan cueros con costuras delicadas y maderas auténticas talladas a mano, que dan un exclusivo toque personal a cada embarcación. Caracterizados por sus elegantes curvas y una meticulosa atención a los detalles, Riva cuenta con una importante historia que satisface las necesidades de los miembros de la realeza y de las celebridades de todo el mundo. Entre los modelos de Riva, podemos mencionar al Riva Iseo, Aquariva Super, Rivarama, Rivale, SportRiva 56’, 63’ Vertigo, 63’ Virtus, 75’ Venere, 86’ Domino, 92’ Duchessa y el nuevo proyecto, 122’ Riva Mythos de aluminio.

Actualmente, Riva forma parte del Grupo Ferretti, el mayor fabricante de yates en el mundo, líder en el diseño, construcción y comercialización de yates a motor de lujo. Las otras marcas que integran el grupo son: Ferretti Yachts, Pershing, Itama, Bertram, Mochi Craft, CRN y Ferretti Custom Line. Cada una de ellas, especializada en un segmento del mercado. 86’ DOMINO Esta embarcación fue concebida por Ferrettigroup Engineering, un equipo de ingenieros y arquitectos, en colaboración con AYTD - Advanced Yacht Technology & Design, el centro de investigación naval y diseño del grupo, y diseñado por Mauro Micheli de Officina Italiana Design, el estudio que diseña toda la gama de Riva. Pensado para quienes aman las líneas deportivas, pero conservando un estilo sencillo, es un yate ideal para travesías largas y la vida cotidiana a bordo. Cuenta con cuatro cabinas para pasajeros y dos para para tripulación. La cabina principal, además de baño en suite y vestidor, tiene una sala de estar privada, un gran solarium en proa con un comedor con una mesa para seis y una cocina completa, entre otras tantas características. NUEVO 122’ MYTHOS El 122’ Mythos es el primer yate de Riva completamente construido con una aleación ligera de aluminio, así como el yate más grande del mundo en ser producido por la histórica marca italiana. Es el nuevo buque insignia de Riva, cuya construcción está actualmente en curso en los astilleros del CRN en Ancona y pronto a lanzarse durante este mes de febrero 2014. Es una joya de más de 35 toneladas de aluminio, que atrae las miradas con sus 122 pies de longitud (37m) y sus cerca de 25 pies de ancho (7,60 m). “Hablar de un bote es siempre más difícil que diseñarlo. El concepto y líneas del 122’ fueron concebidos en diez minutos; lo que en verdad hace la diferencia y hace a este modelo verdaderamente único es el tiempo dedicado a definir sus detalles. El 122’ Mythos procede de instinto puro”, declaró Mauro Micheli, a cargo del diseño. + www.riva-yacht.com | www.ferrettigroup.com


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+ mundo creativo

Texto: Ricardo Sametband @rsametband

gadgets

LG OLED TV flexible

La pantalla es curva (otros fabricantes como Samsung o Sony

también tiene televisores así), pero en el caso de LG, la curvatura se puede cambiar a voluntad para, según el fabricante, lograr una mayor inmersión cuando se está viendo una película en calidad 4K. La compañía todavía no dijo cuándo saldrá a la venta. + www.lg.com/ar

Samsung Galaxy TabPRO 8.4

Sony Xperia Z1 Compact

El gigante surcoreano sigue ampliando su oferta de dispositivos; esta vez, con una tableta con pantalla táctil de 8,4 pulgadas (2560 x 1600 píxeles), chip Qualcomm Snapdragon 800 de 4 núcleos a 2,3 GHz, 2 GB de RAM, 16 ó 32 GB de almacenamiento interno, cámara de 8 megapíxeles, puerto infrarrojo, ranura para microSD, batería de 4800 mAh, Android 4.4.

La compañía se animó a hacer lo que pocos de sus competidores logran: una versión mini de un teléfono, pero sin resignar el poder de sus componentes. Tiene una pantalla de 4,3 pulgadas (1280 x 720 píxeles) y, como el Xperia Z1, un procesador Qualcomm Snapdragon 800 de 4 núcleos a 2,2 GHz, 2 GB de RAM y una cámara de 20,7 megapíxeles con estabilizador óptico de imágenes. También, 16 GB de almacenamiento interno, una batería de 2300 mAh, radio FM, NFC y una carcasa que, al estar sellada, permite sumergirlo un metro durante media hora, además de hacerlo resistente al polvo. Corre Android 4.3, y saldrá a la venta en el hemisferio norte en el primer trimestre del año. + www.sony.com.ar

Es un televisor de 77 pulgadas. No es para cualquiera, claro. Pero quien pueda pagarlo, accederá a algo inusual: el primer televisor de tipo OLED con pantalla flexible del mundo.

Dependiendo de la versión Wi-Fi o Wi-Fi y 3G/LTE, un puerto de red Ethernet con un accesorio USB. + www.samsung.com.ar


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mundo creativo 035 gadgets

Kodak PixPro

Toshiba Tecra W50

La idea es similar a la de Sony: un par de lentes desmontables (pero de gran tamaño), que se enganchan al smartphone y permiten sacar fotos de mayor calidad, aprovechar su zoom óptico 25x, gran angular, estabilización óptica de imágenes y grabación de video Full HD. Todo el procesamiento se hace en estos lentes, pero se usa el smartphone para controlar la captura de las imágenes. Cumple, además, la función de visor. Hay dos modelos, de U$S 199 y U$S 299, ambos con un sensor de 16 megapíxeles. + www.kodak.com

Toshiba presentó una notebook muy singular: la pantalla es de resolución UHD (3840 x 2160 píxeles) en 15,6 pulgadas, además de tener un procesador Intel Core i7 de 4 núcleos, hasta 32 GB de RAM, 512 GB de disco SSD y procesador gráfico Nvidia Quadro K2100M (con 2 GB de RAM propios). La batería es de 6 celdas. Sale a la venta a mitad de año. + www.toshiba.com

Belkin WeMo SmartSlow Cooker La Internet de las cosas postula un mundo en el que todo está conectado a la Red; todo se puede controlar a distancia. ¿Ejemplo? Crock-Pot Smart (una olla eléctrica para cocinar comida justo por debajo del punto de hervor. Con una aplicación en tu smartphone, podés encenderla, controlar la temperatura, el tiempo de cocción, o recibir un alerta de que el plato que estás cocinando ya está listo. Tiene un precio de U$S 100 en Estados Unidos. + www.belkin.com

Razer Project Christine

Pebble Steel

No, no se puede comprar todavía: pero en novedad no tiene muchos competidores. Se trata de un inusual diseño de gabinete para computadora. Cada uno de los elementos es modular: el motherboard, los discos, la tarjeta gráfica y los demás periféricos.

Lejos, uno de los relojes inteligentes más populares. Quizá, porque no intenta más que hacer unas pocas cosas (sobre todo, mostrar en tu muñeca las notificaciones de lo que sucede en el smartphone de tu bolsillo) y privilegia la batería, que ronda una semana de autonomía. El primer modelo, de plástico, resultaba un poco llamativo para algunos, así que la compañía presentó una sobria versión en metal, ideal para los que quieren un reloj que parezca más serio. Precio: U$S 249; es compatible con todas las funciones y aplicaciones disponibles para el Pebble original. + https://getpebble.com/

Cada uno tiene su bandeja y, en teoría, se puede reemplazar con sólo quitar uno y poner otro. Enfriado por líquido y pensado para facilitar la actualización de una PC es, por ahora, sólo un proyecto. + www.razerzone.com


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+ mundo creativo

marketing

Estilo Privé

Vivir con vista al océano Dos torres gemelas de 16 pisos con vista de 360 grados al mar. Privé es un condominio de lujo en Aventura, en la última isla privada edificable del Sur de la Florida, EE.UU. Con amplia experiencia en rascacielos de lujo en Miami, Sieger Suarez Architectural Partnership está a cargo del diseño de Privé, condominio ubicado en Island Estates, que planea estar listo para mediados de 2016, gracias a sus desarrolladores, BH3 y Gary Cohen. Compradores de Argentina, Brasil, Canadá, Chile, Francia, Italia, México, Rusia, Suiza, Estados Unidos y Venezuela, ya se dejaron seducir por esta isla privada de 8 hectáreas, con sólo 160 viviendas con vistas al océano, Aventura, Miami y Miami Beach, que se ven potenciadas durante la noche. Residencias de ultra lujo que van desde 800 metros cuadrados a más de 2750 metros cuadrados en unidades de penthouse, contarán con ascensor privado, diseños de paredes de cristal continuo de 3 metros -tanto en el flanco este como en el oeste-, balcones

de 3 metros, amplias vistas al mar, cocinas y baños europeos, así como cocinas para verano al aire libre. Un estilo global, unido a una verdadera calidad de servicios y comodidades estilo resort, como un amplio gimnasio y spa en cada torre, comedor privado y salones sociales, cafetería junto a la pileta, sala de vinos y cigarros, salas para niños, cancha de tenis, dos piletas, puerto, playa y muelle privados, un sendero natural y pista de jogging en la playa. Todos los espacios públicos serán diseñados por Steven G., empresa de diseño de interiores multipremiada, que ha trabajado en grandes proyectos en todo el sur de la Florida. Son clave los espacios amplios, de columnas robustas e imponentes chandeliers, siempre priorizando las vistas al exterior. + www.mypriveisland.com


mundo creativo

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agenda

+ MUESTRAS/EXPOSICIONES/FERIAS

+ CONCURSOS/CONVOCATORIAS

8 al 13/04 i SALONI 53 Edición del Salón Internacional del Mueble, Eurocucina, Accesorios de decoración, Salón del Baño y Salón Satélite. Rho Fiera, Milán, Italia. www.cosmit.it

HASTA 13/04 IVECO: “DISEñÁ TU PASIÓN” En paralelo al desarrollo del Torneo final del fútbol argentino, Iveco lanzó el 8vo concurso nacional de diseño Iveco “Diseñá una Pasión”, dirigido a estudiantes de diseño industrial, diseño gráfico y arte de todo el país. El objetivo es diseñar la copa y las medallas con las que se coronará al campeón del Torneo final 2014. El creador de la propuesta ganadora recibirá como premio un viaje al Centre Stile Fiat en Turín, Italia, y una beca para estudios para el posgrado en gestión estratégica de diseño, en la FADU/UBA. http://web.iveco.com

8 al 13/04 TEMPORARY MUSEUM FOR NEW DESIGN 2014 Sexta edición del museo temporal de diseño, en el marco de la Milan Design Week. El diseño más alternativo, expuesto en formato galería de arte, e instalaciones interactivas a cargo de reconocidas marcas internacionales. Superstudio Più, Milán, Italia (via Tortona 27 y Superstudio 13, en via Forcella 13 y via Bugatti 9). www.superstudiogroup.com 14 al 18/05 ARDI BUENOS AIRES Exposición de artistas plásticos de distintas disciplinas (pintura, dibujo, escultura, fotografía, arte textil, street art y land art), así como de diseñadores de iluminación, mobiliario, diseño sustentable, ecodiseño y diseño de interiores. Hipódromo Argentino de Palermo, Av del Libertador 4101, CABA. www.ardibuenosaires.com 20 al 25/05 FERIA PURODISEñO La revolución del diseño, con la nueva edición de la ya tradicional feria. La Rural, Av. Sarmiento 2704, CABA www.feriapurodiseno.com.ar 23 al 26/05 arteBA 2014: XXIII edición de la feria de arte contemporáneo. La Rural, Av. Sarmiento 2704, CABA. www.arteba.org

HASTA 18/04 CONCURSO DE CORTOS DIRECTV CINEMA + Directv Cinema + abrió un concurso de cortos a través del cual busca apoyar y capacitar a los nuevos talentos. El premio es una beca para estudiar en USC School of Cinematic Arts en Los Ángeles, Estados Unidos. http://directvcinemaplus.com.ar/ HASTA 30/06 HIII ILLUSTRATION 2014 CONTEST El concurso internacional abre su convocatoria a ilustradores, profesionales creativos, editores, agencias, representantes, estudiantes y profesores. El concurso posee dos categorías: comercial y no comercial. Un jurado de renombre internacional, del cual 90+10 será parte, junto con Olaf Hajek (Alemania), Adhemas Batista (/Brasil), Steve Simpson (Irlanda) y Saiman Chow (USA), seleccionará a los ganadores. Se reconocerán un Gran Prix, los mejores 20 trabajos (20 Best Works) y se entregarán 200 menciones a obras destacadas. Las obras seleccionadas serán compiladas en la App Hiii Illustration del Mac Apple Store. hi2012@hiiibrand.com www.hiiibrand.com WWW.90MAS10.COM/AGENDA


+ Doriana y Massimiliano Fuksas. Foto: Fabio Lovino


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personas creativas 039 arquitectura

Fuksas Design

La arquitectura del vacío Massimiliano y Doriana son “los Fuksas”, por apellido y por estudio. Matrimonio en los papeles y la creatividad, han sabido dar vida a alguna de las obras más deslumbrantes de los últimos tiempos. Cómo trabajan, crean y sienten estos italianos que le escapan al estilo, pero buscan emocionar. Y lo logran, cada vez. | Texto: Natalia Iscaro @Natusfila

El arquitecto crea en el vacío. Donde no hay nada, un día se erigen vigas, muros, estructuras que enmarcan y sostienen a otras estructuras. Y también, muchas veces, donde hay vacío, persiste el vacío. En un espacio tridimensional y recto, el arquitecto puede optar por elevar una figura de ángulos rectos que ocupen –y aprovechen- todo el espacio. O inclinarse por las formas de diversas alturas: acaso curvas y contracurvas, y permitir que el aire penetre en la distribución. Renunciar a las cajas rectas, y acaso también, al tipo de fachada que no tiene otro objetivo más que distinguir un frente de un dorso. El arquitecto, entonces, habrá creado un universo, un testimonio de fe: una creencia en que la construcción excede al espacio, y que la obra, toda ella, es un auténtico milagro. En este grupo selecto de arquitectos se inscriben los Fuksas. Matrimonio ante los planos y la ley. De ascendencia lituana, Massimiliano nació en Roma, y se recibió de arquitecto en la Universidad La Sapienza. Doriana nació y se graduó en la misma ciudad e Universidad, en historia de la arquitectura moderna y contemporánea. Él se destacó por sus trabajos desde los 80, y fue invitado como profesor en universidades de la talla de Columbia (Nueva York), la École Spéciale d’Architecture (París) y la Akademie der Bilenden Künste (Viena), entre otras. Es miembro de las academias de arquitectura de Francia y Bulgaria, recibió la medalla de la Presidencia del Cónsul de Ministros (Italia), además de otros reconocimientos y nombramientos. Ella suma un título en arquitectura en la École Spéciale d’Architecture, fue condecorada como Comandante de la Orden de las Artes y Letras de la República Francesa, y atesora una lista igual de profusa. Fue curadora de cuatro proyectos especiales para la exhibición internacional de Venecia, incluido uno sobre Jean Prouvé. Diseñó joyas, espejos, lámparas y todo tipo de objetos para firmas internacionales como Alessi, Fiam y Baxter. Ambos trabajan juntos desde 1985; en 1997, Doriana se convirtió en directora de Fuksas Design. Una entrevista con ellos es un encuentro cara a cara con la realeza arquitectónica del momento pero, además, con la filosofía y ética al servicio de la palabra. El pensar, para los Fuksas, es tan importante como el hacer. Casi como acceder a su estudio de arquitectura, un fabuloso edificio renacentista reciclado con estilo, tal como puede verse en su Web.

+ Su estudio es un reflejo hermoso de otra época y, a la vez, un espejo del presente. ¿Cómo se integran los dos? MF Es un edificio renacentista, cuya configuración presente data de la segunda mitad del siglo XIX. En Piazza del Monte di Pietà, cerca del Campo dei Fiori. El estudio tiene cuatro pisos y consta de oficinas, cuartos de diseño, de elaboración de modelos y salas de reuniones. Un ascensor con plataforma de hierro, paredes de vidrio y conexiones de acero conectan el primer piso con la “sala acuario”, donde tienen lugar las reuniones. En algunas partes del estudio, la capa de cal fue renovada para sacar el revoque y las capas de pintura acumuladas con el tiempo. + ¿Cómo es vivir y trabajar con su esposa? MF Siempre trabajamos juntos en casi todos los proyectos, pero algunas veces, Doriana trabaja una segunda vez en ellos. Cuando la idea está terminada, ella puede juntarse con el equipo y, muchas veces, desarrollar mejores elementos, o estudiar mejor el diseño. Todos los encargos que hacemos en la oficina, los revisamos y estudiamos juntos. Yo prefiero trabajar en los proyectos más grandes, pero a ella no le importa. Le gustan los pequeños, y también diseñar objetos. + ¿Dónde encuentran el arte en su vida? ¿Qué los inspira? MF La inspiración puede venir de cualquier lugar, de la vida diaria. La única cosa que podemos decir, es que no estamos siempre buscando a la inspiración, pero al final, la encontramos de todas maneras. + ¿Cómo es un día sin trabajar? MF Mi sueño es que todo el mundo pueda tener ideas, pasiones, sentimientos. ¿Un día sin compromisos? De cualquier forma, hago de arquitecto, siempre. CREAR ESCULTURAS El fabuloso Aeropuerto Internacional de la pujante ciudad china de Shenzhen, Bao’an, es una muestra de la impronta de los Fuksas. Ganado por concurso, la Terminal 3 consta de 500 mil metros cuadrados, demandó una inversión de 734 millones de euros, y logró posicionarlo como el cuarto aeropuerto del país en capacidad. Traducido a palabras de los Fuksas, la edificación es “un pez raya, emergiendo desde las profundidades del mar, transformado en un ave y ascendiendo al cielo”.


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+ Shenzhen Bao’an International Airport T3 en China

El pedido fue transformar la estructura en un punto geográfico de referencia. “De modo subliminal, el cliente esperaba un edificio emocional, capaz de superar la apariencia racional del Aeropuerto Internacional de Hong Kong”, enfatiza el dúo. Impactante, la edificación realza la circulación de los pasajeros con un túnel de aproximadamente un kilómetro y medio de largo. El gesto escenográfico se realza con una doble piel –como un panal de abejas- realizado en paneles de metal y vidrio, como alveolos irregulares que pueden abrirse parcialmente, y a través de las cuales pasa la luz. No es de extrañar que esta firma sea la misma que diseñó la cubierta ondulada de vidrio y acero de 1,3 km de largo que yace por encima del espacio ferial de Milán –donde tiene lugar la Feria Internacional del Mueble desde 2003-, a lo largo de 345 mil metros cuadrados. Monumental y flexible, la estructura, además, se mueve a lo largo de ascensos y descensos que simulan olas, y que en algunos sitios, se apoya sobre las construcciones subyacentes. “Es un objeto diseñado para ofrendarle al lugar la luz del sol”, detalla el arquitecto, y así explica el vacío. + Su trabajo es siempre impresionante, ¿cómo lo hacen? MF Si no tenés nada en tu cabeza, simplemente, creás una forma. Es como escribir: primero tenés que pensar, el proyecto está en tu cabeza, vinculado a un concepto que debe ser creado, desarrollado, articulado. De esta manera, se empieza a construir, incluso, antes de haber dibujado nada. + En sus años de estudiantes, ¿qué soñaban? ¿Cuáles eran sus esperanzas y aspiraciones? MF Yo no quería ser arquitecto, quería ser pintor. El proceso de reflexión detrás de mi trabajo es más parecido al de un artista visual. Al comienzo, sólo eran mis pinturas. Todavía hoy pienso que la mejor manera de diseñar es pintar. Para mí, es un estímulo para acceder a la arquitectura, una herramienta para incrementar la tensión. Porque nunca podés acceder a la emoción, si la tensión no crece. + Hoy en día, ¿cuál es la primera cosa que estudian antes de comenzar un proyecto? ¿Cómo es el proceso creativo? ¿Siempre es igual?

MF Es una cuestión emocional. El nacimiento del proyecto tiene algo de milagroso, ininteligible, único e irrepetible. Es algo que llena un espacio vacío. Cuando un proyecto se completa, sólo puedo sentirme asombrado y orgulloso. Durante muchos días, boceto ideas y confecciono modelos, pinto sobre lienzo. La idea florece para la investigación: pero cuando ella quiere, no yo. + ¿Cómo es trabajar en hoteles, museos, edificios, espacios religiosos, deportivos y residenciales? ¿Cómo se mentalizan para encarar tipologías tan diferentes? MF Cada proyecto representa un desafío único. Siempre dije que la arquitectura, cuando es exitosa, se convierte en escultura. Después, tiene que convertirse en algo más. De hecho, la arquitectura es algo que le pertenece a la ciudad, a la gente, a todo el mundo. Más aún, debe poder integrar los edificios nuevos con su historia. Y, para hacerlo, existe una necesidad de diálogo entre los actores y los espectadores. EL DON DE LA EMOCIÓN Massimiliano es un orador maravilloso. Posee una cualidad que sólo tienen algunos artistas, y casi todos los críticos: la de poner en palabras aquellas obras que van mucho más allá de las palabras. Autodefinido artista, explica su trabajo como un proyecto infinito, cuyo punto final jamás se alcanza. En el medio, sueña con una ciudad que le permita a la arquitectura preguntarse aquello que los griegos y romanos se preguntaron antes que los reyes, los presidentes, primeros ministros y parlamentos y, también, los late night shows: ¿Qué es la democracia? + De China a Polonia, ¿somos los humanos tan diferentes o estamos todos buscando las mismas cosas? ¿El proceso Fuksas es igual en todo el mundo? MF El foco de nuestro interés fue siempre el ser humano. Quisiéramos construir una ciudad entera. Una ciudad en donde haya pocos autos, donde las personas puedan encontrarse y así, la democracia se convertiría en lo más importante con lo que la arquitectura debería tener que lidiar. Hoy en día, los arquitectos deben darle a la sociedad algo más que la solución a determinadas funciones y también, algo


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más que el placer por la estética. Lo más importante que la arquitectura debe hacer, luego de garantizarse cumplir con sus funciones, es brindar emoción. Creo que un arquitecto tiene la tarea de ser activo y crítico en su sociedad. + ¿Piensa en los materiales antes o después de crear una idea? ¿Tiene algún favorito? MF En lugar de la palabra material, prefiero “materia”, que da una idea de transformación, evolución. Trabajé mucho en esto, porque quiero que las superficies se modifiquen y que tengan el envejecimiento necesario. De hecho, creo que deben seguir el mismo destino humano: nacer, vivir, crecer y morir. + ¿Hay espacio para la creatividad (poesía) en su trabajo de todos los días? MF No tengo un estilo creativo distintivo. No quiero uno. He luchado toda mi vida contra el concepto de estilo. Si vamos en contra del estilo y el formalismo, la inspiración y la frescura de las ideas crean una aceleración que da vida a un resultado directo. + ¿Qué disfrutan con Doriana cuando trabajan en un proyecto? MF Cuando trabajamos, pensamos en todas estas cosas: tratamos de recrear partes de la naturaleza, de trabajar con agua y de obtener energía de almacenamiento. Obviamente, proteger áreas verdes

EDITOR Actar AUTORES Massimiliano Fuksas – Doriana Fuksas FORMATO 15 x 21 cm 282 páginas inglés

Link a la nota: http://9010.co/fuksasdesign

o crear edificios eco-compatibles, no es suficiente para un desarrollo urbano sustentable, pero podemos mejorar la sustentabilidad de nuestras ciudades, con hechos que conciernen aspectos de movilidad, ambientales, políticos, sociales, intelectuales y económicos, creando una geografía que integre economía, entorno y humanidad. + ¿Un proyecto del que estén orgullosos? MF Siempre el próximo que haremos. + ¿Uno que fue especialmente desafiante? MF No hay arte sin arquitectura, ni un interés en la ética y un fuerte compromiso con la compañía. La arquitectura es algo que le pertenece a la ciudad, a la gente, a todos. Si un arquitecto es “ético”, es posible que conciba buenas soluciones y ofrezca los mejores espacios para la comunidad. + ¿El mejor elogio que pueden hacerle a uno de sus trabajos? MF Me gustaría que mi arquitectura sea reconocida sólo por una emoción, una fuerte emoción. + ¿En qué trabajan actualmente? MF En arquitectura, siempre trabajamos en el futuro. No para el hoy, no para el pasado. + www.fuksas.it

LA OBRA ENCUADERNADA

Fuksas Object es el nombre del libro que reúne la obra de Massimiliano y Doriana Fuksas. Su talento y trayectoria se lucen en un ejemplar que exhibe no sólo sus obras arquitectónicas, sino también sus piezas de diseño, objetos, joyas, mobiliarios, diseño interior, residencias y espacios comerciales, y todo tipo de escenografías, así como otros pedidos para muestras especiales. A lo largo de sus páginas, se descubre una búsqueda permanente, y un incansable desafío a la capacidad de asombro. +


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| Foto: Maia Croizet @MaiaWATIO


personas creativas

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Pum-Pum

Cuando creer es crear Siempre supo lo que quiso, lo creyó y lo creó. La ilustradora Pum-Pum hoy deslumbra con graffitis en las calles de Buenos Aires y en varias ciudades del mundo. Pero también sus dibujos quedan plasmados en objetos y textiles de distintas marcas. Con la mirada bien abierta, entramos en el mundo mágico de esta artista que transita la fortuna de poder vivir de su pasión. | Texto: María Paz Berri

Su infancia fue el referente a la hora de crear. Tal vez esto la habilite -de algún modo- a no abandonarla del todo, con una excusa más que valedera: la de poder seguir dibujando siempre. Sus chicas rubias y flequilludas iluminan los paredones de más de una plaza, o acompañan en algún trayecto de tren. También se la conoce por los pajaritos de patas largas y botitas, los conejos, o esos gatos pitucos con pañuelo al cuello. Cada dibujo enamora. Y en ellos, conserva intacta la niña que fue. Hace varios años que viene probando materiales, colores, técnicas y soportes. Y en este camino, se enamoró de las paredes de la ciudad, convirtiéndose en una de las graffiteras más conocidas de nuestro país. Así, sus personajes supieron lo que es la libertad, y nunca más quisieron dejar la urbe que los vio crecer. De todas formas, también trabaja puertas adentro, y participa de proyectos para marcas textiles, interviene objetos, hace muestras, exposiciones, y no se cansa de dibujar en su taller, con lápiz y papel. No da ningún dato personal. No sale en fotos, y todos la conocen con su apodo “Pum-Pum”. Esta decisión que tomó hace ya muchos años, estuvo un poco asociada a su timidez, y al gusto que le da el anonimato. Pero también a no sentir la necesidad de exponerse personalmente, sino que siempre prefiere mostrar su trabajo. Y bien, ¡allá vamos! CON EL ALMA EN EL PINCEL No sabemos su edad, pero aún conserva el amor por Kitty, My Melody, Rainbow Brite y Sarah Kay. Inspirada en aquellas épocas doradas de su infancia, es que creó estos personajes que viran entre


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lo tierno y lo punk: “La música, en general, está muy presente en mi vida. El punk rock, en particular, marcó mucho mi adolescencia, y hasta el día de hoy, que me sigue gustando escucharlo. Me gusta mezclar eso con mis dibujos; bandas y letras de canciones”. La posibilidad de pintar en la ciudad le sigue pareciendo increíble. Son obras que generan un vínculo con el entorno, con la gente que circula, y hacerlo es un momento de libertad y placer (aún sabiendo que puede durar muy pocos días en la calle). Pinta paredes que estén autorizadas o pide permiso a sus dueños, y disfruta mucho el proceso. A veces lo hace con amigos y, de esa forma, aprenden a combinar diferentes estilos y colores. Todos saben muy bien que el arte urbano creció mucho los últimos años, lo que creó en la ciudad una “galería abierta” súper interesante. UN POCO DE HISTORIA Pum-Pum siempre dibujó, y siempre disfrutó hacerlo. Estudió diseño gráfico en la Universidad de Buenos Aires (UBA), y años más tarde dio clases en la misma facultad. En paralelo, seguía dibujando y recurriendo a este placer para todos sus trabajos de diseño. Hasta que este plan B pasó a ser su plan principal, y el lápiz y las pinturas corrieron del centro al diseño gráfico. Todo lo que empezó como un juego para despuntar en noches desve-

lada, se convirtió en su inspiración y motor más grande: “Lo primero que hice fueron unos stickers dibujados sobre papeles autoadhesivos. Los pegaba en la calle cuando volvía en bici a mi casa, o en los pasillos de la facu. Después jugaba con tags y dibujitos en tachos de basura, postes y superficies de lo más diversas en la calle”. De a poco, fue cruzándose con gente que hacía cosas en la calle, y se animó a probar pintar en otra escala, manteniendo el trazo con pincel, pero trasladado a las paredes de la ciudad. Y eso fue creciendo naturalmente: “No soy una persona que planee mucho las cosas; se fueron dando. Sólo tenía en claro que me gustaba pintar y que era lo que siempre había querido hacer”. UN DÍA DE PUM-PUM Reconoce que no es muy prolija en el proceso creativo. Hace dibujitos en lápiz en diferentes papelitos y en hojas sueltas. También escribe cosas, ideas, inspiraciones. Pega muestras de colores que le gustan, plasma todo lo que se le viene a la cabeza, y después pasa en limpio lo que le interesa: “A veces, todo esto pasa a un papel; a veces, a un bastidor; otras, se pierde”. Trabaja con todo lo que pueda: “Lápices de colores, carbonilla, acuarelas, acrílicos, la tinta china y el plumín; cada uno da algo distinto y me encanta. Y en paredes, uso pinturas acrílicas específi-


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cas, pinceles y, a veces, aerosol”. Además de trabajar con diseños de estampas para marcas, murales para locales o particulares, e ilustraciones a pedido, sus ilustraciones se encuentran en distintas partes del mundo: “A veces, hay trabajos que se desarrollan afuera, y está buenísimo viajar a pintar alguna pared y conectar con artistas de diferentes países. Ya lo hice en lugares como Berlín, Hamburgo, Londres, París”. Pero hay más. También participa de exposiciones en el Centro Cultural Recoleta, en el Palais de Glace, en el Museo Macro de Rosario, y en galerías como Hollywood in Cambodia: “Ahora me encuentro produciendo para dos exposiciones individuales de este año, planeando editar algo con mis ilustraciones y probando en qué soportes me gustaría ver mis ilustraciones. Desarrollar productos, o al menos pensarlos, es adictivo”. Pum-Pum está convencida de que ésta es su pasión, y que haberla podido hacer realidad, es algo que agradece. Sin dudas, trabajó mucho para llegar a ser lo que es hoy. No hubo “suerte” como suelen llamarlo, sino una cuota enorme de pinceladas, trazos, dibujos, bocetos, y días enteros con tachos de pintura en mano. Y un trabajo que coincidió con miles de oportunidades que se le fueron presentando, y para las que ella estaba más que preparada. + www.pum-pum.com.ar

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| Foto: Nacho Alegre


personas creativas

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Eugeni Quitllet Soñar despierto

Durante una década, fue el aliado creativo de Philippe Starck en el desarrollo de algunos de sus trabajos más icónicos. Hoy, con estudio propio en Barcelona, trabaja para algunas de las firmas más prestigiosas del planeta. Con ustedes, Eugeni Quitllet, el catalán que trabaja de volver sus sueños realidad. | Texto: Natalia Iscaro @Natusfila

“Poder estar despierto mientras se sueña”: ésta es, según Eugeni Quitllet, la mayor virtud que debe de tener un diseñador industrial. Catalán nacido en Ibiza, este poeta de las formas se anima a desafiar las leyes de la gravedad y de la luz. “La parte más dura de mi trabajo es llevar la energía de una idea original a un proceso industrial y humano”, explica quien, aún así, no le teme al desafío. Sus obras se destacan como apuestas a la invención, y como exploraciones en torno a materiales, especialmente, el plástico. Junto al reconocido y popular Philippe Starck, –bajo el sello Starck&Quitllet-, ha dado vida a piezas para firmas como Puma, Alain Mikli, Cassina, Fossil, Sutherland e IPI, entre otras. Mesas, zapatos, lámparas, joyas… Nada le escapa a su curiosidad, ni a su talento. Para él, diseñar hoy consiste en transmitir emociones. + ¿Qué es el diseño para vos? EQ El diseño ya cumplió con su función. Hoy en día, se requiere de algo más, una emoción nueva, para llevarnos a otra dimensión.

+ ¿Cuál es el momento más importante de tu proceso de trabajo? ¿Dibujás? ¿Utilizás la tecnología? EQ Dibujo y utilizo tecnología simultáneamente. La mejor tecnología es mi cerebro; generalmente, la idea aparece como una fotografía en alta definición, con todos los detalles acabados. Luego, busco cómo representarla tal y como la veo, muy deprisa. Lo más fantástico es ver el producto final acabado igual que lo soñé. Me da mucha satisfacción. Por eso, me digo que soy un “disoñador industrial”, por mi parte de soñador. EL PLÁSTICO, UN MATERIAL PRECIOSO Una lámpara que parece volar. Gracias a un efecto que parece mágico, una caja rectangular de acrílico transparente revela sólo una pantalla, como pintada en el aire por sus luces LED, a 32 centímetros de la base. Es la lámpara Light-air (2013), realizada por Quitllet para Kartell, tan liviana como su nombre. Esta transparencia es una de las señas distintivas de su trabajo.

+ Cuando estudiabas, ¿a qué diseñadores admirabas? EQ Estudié entre Ibiza y Barcelona. Para mí, el racionalismo puro de las casas ibicencas y la arquitectura modernista de Barcelona han sido siempre un referente. Una mezcla de minimalismo orgánico: un Mies van der Rohe mezclado con Gaudí. + ¿Cuál fue tu primer empleo? EQ Siempre trabajé en el mundo de la creatividad. Empecé a ganar mis primeros sueldos en un despacho de arquitectura, haciendo de todo: desde muebles hasta fachadas de edificios. + ¿Qué aprendiste desde entonces? ¿Y qué aprendés todavía, en cada trabajo que encarás? EQ Cada trabajo es único, y empiezo siempre desde cero. La experiencia en un trabajo creativo sirve de poco; lo importante es estar siempre atento a la idea que puede surgir en cualquier momento, y ser capaz de reconocerla. + En tu perspectiva, ¿cómo evolucionó el diseño en los últimos años? EQ El diseño cambió mucho. Tiempo atrás, respondía a las inquietudes de una minoría de intelectuales, pero hoy llega a mucha más gente, y de culturas muy diversas. De la misma forma, la emoción que transmite es entendida de manera mucho más global. + ¿Cómo comenzás a pensar en un proyecto nuevo? EQ Empiezo con la hoja en blanco… Pongo música que me ponga al ritmo del mundo actual (generalmente electrónica) y empiezo a pensar en cuál es la emoción que quiero sentir. Y en cómo darle forma para materializarla y compartirla con el máximo posible de gente. ¡Siempre positiva!

+ Silla Elle para Alias Italia.


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+ Algunos productos lanzados por Kartell en diciembre 2013: banco Masters, recipientes Shine, reloj de pared O´Clock y lámpara Light Air.

Otra es la exploración del plástico, como en el caso de la silla Mr. Impossible (2007), desarrollada junto con Starck, para la misma firma italiana. En esta última, buscaron dar vida a una pieza de policarbonato, sin necesidad de utilizar pegamentos ni ensambles, sino con soldadura láser. Este gesto se refuerza con el color, dado que la silla tiene patas transparentes y asiento en diversas tonalidades. Y su línea orgánica, otro gesto propio que se luce en la silla Masters (2010), de Starck&Quitllet, que ganó los premios Red Dot 2013 y Good Design 2010, y que reúne en un mismo asiento la Eiffel de Charles Eames, la Serie 7 de Arne Jacobsen y la Tulip de Eero Saarinen. Una silla soñada, en todo sentido. + ¿Cómo trabajás con los materiales? ¿Tenés algún favorito? EQ Generalmente, trabajo con plástico, que es el material que mejor da forma a mis ideas, y que bien utilizado, puede durar toda la vida.

una dimensión universal. El talento está en hacer lo propio universal. “Lo más ultra local es lo más universal”, ya lo decía Salvador Dalí. + ¿Cómo hacés para que una silla sea diferente a lo que ya existe? EQ Siempre estoy buscando lo nuevo. Parto del principio de que todo está por inventarse. Con esta idea, siempre puedo empezar de cero, con la ilusión de inventar una realidad mejor, y demostrar que nada está establecido de forma permanente. La vida se reinventa constantemente, ¡si no, no sería vida! + ¿Cómo es el cliente perfecto? EQ El cliente perfecto es el que sabe lo que necesita, y define las exigencias con mucha precisión. Esto hace que se adapte a un verdadero objetivo; si no tuviera este tipo de condicionantes, el diseño no sería interesante.

+ ¿Qué te inspira? EQ La vida, y la emoción de poder compartir mi visión con la gente del mundo.

+ ¿Un trabajo del que estés especialmente orgulloso? EQ Estoy muy sorprendido de mí mismo al inventar la silla Masters para Kartell, que reúne en una sola pieza las siluetas de tres de los maestros más icónicos del diseño, que son Eames, Saarinen y Jacobsen. Para mí, es una manera de inventar el futuro a través del pasado, creando algo nuevo, pero con ADN histórico. Algo así no se busca, se encuentra. También la lámpara Light Air y los jarrones Shine, una idea más allá del cristal para hacer del plástico el material más precioso.

+ ¿Pensás que el diseño es universal? ¿Todos pensamos una silla de la misma manera? EQ El diseño puede ser universal, depende de lo que se quiera comunicar. Se puede hablar de una cultura o punto de vista local, y llevarlo a

+ ¿Y uno especialmente desafiante? EQ La producción de piezas de este tipo es muy compleja, no sólo por su forma, sino también por el material plástico, de una sola pieza (monobloc); y, dada la voluntad compartir una buena idea

+ ¿Trabajás mucho los prototipos? EQ Sí, los prototipos sirven para ajustar cualquier detalle para la producción final. Me gusta que todo esté perfecto, y controlar que hasta el último detalle del objeto que ha pasado por mis manos.


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+ Colección de platos y cubiertos de abordo para Air France junto con IPI, lanzada en octubre pasado.

con el máximo posible de gente, se requiere de una tecnología muy avanzada. UNA COLABORACIÓN FRUCTÍFERA Ibiza, ese espacio de ensueño, es el sitio que vio nacer a Eugeni, y tal vez esto, tenga mucho que decir de su capacidad para imaginar productos que luego superen las barreras de la creatividad y la función. El natalicio tuvo lugar en 1972. En 1996, ya con un diploma en arquitectura interior, partió a estudiar a Barcelona, más precisamente, la escuela de arte La Llotja. Allí comenzó a trabajar en instalaciones para organizaciones cultuales, como por ejemplo, la Fundación Joan Mirò. En 2001, conoció a Philippe Starck. El encuentro no fue casual. Starck vacacionaba con su familia en Formentera, al sur de Ibiza, cuando un joven Quitllet tocó la puerta de su casa, con una carpeta bajo el brazo. Allí incluía un dossier con sus trabajos, como un cenicero dentro de una lata. Rápidamente congeniaron. Para fines del verano, el catalán tenía un pasaje de ida a París, para trabajar en el estudio del francés. “En España, cada idea era un problema; en París, el problema era no tener ideas”, contaría después. La afinidad creativa de los dos talentos los llevó a desarrollar proyectos compartidos, que rápidamente asentaron y fomentaron una sociedad prolífica y reconocida. + ¿Cómo es trabajar con otros diseñadores como Philippe Starck? EQ Es un caso único. No acostumbro a colaborar con otros diseñadores, y con Starck ha sido una aventura que se ha forjado sola. Nos entendimos a la perfección sin casi hablar, y el resultado han sido una montaña de productos nuevos, nunca visto antes. Estoy satisfecho de haber inventado el Starck del 2000.

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+ ¿Qué significó para vos ganar el Red Dot Award 2013 por la silla que crearon juntos, Masters? EQ Bueno, los premios no me interesan demasiado, la verdad. Lo verdaderamente importante es que la gente que utilice mis diseños se sienta feliz. El premio más grande es cuando alguien te dice que le encanta tu último diseño. + ¿Qué diseños te gustan hoy en día? EQ ¡El mío! El que está por llegar… Suelo ir siempre por delante de la industria. A veces, hay que parar y esperar. Lo que sucede en mi mente es lo más nuevo. + ¿Cuál pensás que es el próximo desafío del diseño? EQ Diseñar sensaciones nuevas y duraderas; lo real y no lo falso. + ¿Qué le aconsejarías a un joven que sueña en convertirse en un diseñador como vos? EQ Que siga su propio estilo; uno nunca sabe… + ¿Tus proyectos en puerta? EQ Estoy trabajando en uno de los proyectos más interesante y ambiciosos que están sucediendo hoy en París: La Jeune Rue. Gira en torno a los alimentos y la calidad de vida, de lo verdadero y esencial para vivir mejor en nuestro tiempo. Estoy diseñado La fromagerie. Pronto se sabrá más. Y, como cada año, preparo nuevas sorpresas para el Salone del Mobile de Milano en abril. Además, diseño para la marca francesa Christofle, una nueva cubertería que se llama L’ame, y que se presentará también en el Salone. También, habrá novedades para Kartell y Alias. + http://eugeniquitllet.com/


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+ Autorretrato de Bill Plympton


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personas creativas 051 ilustración

Bill Plympton

Animación eternamente indie La animación independiente tiene hoy un seguimiento de culto frente al que cualquier dibujante innato cae a sus pies, y un ejemplo excepcional de dicho fenómeno es el fenomenal -valga la redundancia- Bill Plympton. Uno de los pocos grandes talentos que ni frente a una propuesta millonaria de Disney, optó por comprometer su visión y eligió, en cambio, el camino más difícil, aunque siempre, el mejor. | Texto: Fernanda Cohen (*) @fernandacohen

UN PASADO ILUSTRADO Plympton creció en Portland, Oregon, fanatizado por dibujitos animados del simpatiquísimo Goofy, Bugs Bunny, y toda la variedad de Disney del momento. De chico ya soñaba con ser animador, al punto que, cuando era adolescente, envió un paquete de sus propios dibujos a Disney, para ver si lo “descubrían” como un talento precoz. Entonces, recibió una amable carta en respuesta diciendo que, todo muy lindo, pero que volviera a contactarse en una década. “Llueve mucho en Portland, y yo me pasaba todo ese tiempo de lluvia encerrado, dibujando”. Desafortunadamente, en 1969 -cuando se graduó de la School of Visual Arts del programa de Cartooning- la animación no era un medio potable para ganarse la vida. Así que se dedicó a la ilustración, enfocándose sobre todo en caricaturas, viñetas políticas e ilustración editorial para revistas como Vanity Fair, Rolling Stone, Playboy, Penthouse y Vogue. Pasaron casi veinte años hasta que Plympton finalmente brilló por lo que todos lo conocemos hoy, al ser nominado con su cortometraje “Your Face” (1987) a nada más y nada menos que un Oscar. “Me encanta la ilustración; de hecho, sigo ilustrando. Pero como ilustrador, estás atado a la revista, al cliente. Y yo, en cambio, amo la libertad detrás de la animación, donde podés hacer lo que quieras, de una manera más inventiva. Me gusta, además, el factor tiempo, que es mucho más profundo al animarlo, que haciendo ilustraciones secuenciales”. Es cierto que la ilustración, muchas veces, nos limita a la visión del cliente, sentenciando de algún modo la voz propia. Sin embargo, en el caso de Plympton, la ilustración fue -sin duda- la base de un estilo tan único: “Es básicamente animación desde el punto de vista de un ilustrador, lo cual es genial, porque es inusual. La mayoría de los animadores vienen de la perspectiva del historietista. Pero yo no, por eso, lo mío es tan diferente”. ANIMÁNDOSE Entonces, “Your Face” es tan sólo un simple gesto que muta den-

tro de la cara de un hombre de apariencia aburrida, con un rumbo 100% absurdo, al ritmo de una melodía memorable. “Es bueno tener algo real, alguien que se vea normal, con quien te puedas identificar; a quien, a su vez, le pasen cosas extrañas. Si un personaje es totalmente extravagante, con ojos grandes, la corbata chueca y despeinado, no es gracioso que le pase algo raro”. Es un corto de tres minutos al que le bastaron los primeros diez segundos para que la audiencia rompiera en una carcajada que le cambió la vida para siempre. “Yo no era nadie en su momento, y como ilustrador, nunca había tenido ese tipo de devolución. Fue la primera vez que sentí que estaba en el lugar correcto, donde debía estar”. Al día siguiente, llamó a sus clientes editoriales, para informarles que se iba a dedicar exclusivamente a la animación, por más arriesgado que sonara. A su gran puntapié inicial, le siguieron “One of Those Days” (1988), “How to Kiss” (1989) y “25 Ways to Quit Smoking” (1989), entre muchos otros, varios de los cuales fueron comprados por MTV, y vistos también por todo Europa. “Una vez que sos nominado para un Oscar, estás hecho de por vida, más o menos. Todos quieren hablarte: productores, distribuidores…” Así que, cuando ya tenía unos diez cortos realizados, Plympton se dio cuenta de que era hora de hacer un largo: él mismo hizo el guión y el storyboard, se juntó con un músico amigo, y envió el material a varios productores, pero nadie quiso saber nada (a pesar del bajo presupuesto requerido), porque no era animación para niños, y Plympton todavía no era tan conocido en su estilo. “The Tune” fue financiado por ellos mismos, con los ingresos que tenían de su trabajo para comerciales de TV y, a pesar de no ser un éxito comercial, recibió muy buenas críticas, que le sirvieron para seguir en el foco. “Nadie hacía largos propios en esa época. Hice todos los dibujos yo mismo, a mano, 30 mil aproximadamente. Hoy, los animadores tienen mucha más libertad, gracias a la tecnología y a Internet, pero éste es el tipo de arte en el que creo, y el que amo”. La inspiración para Plympton nace de cosas reales, como los ce-

(*) Fernanda Cohen es ilustradora, graduada en la School of Visual Arts de New York. www.fernandacohen.com


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los, el romance, el amor, la depresión, conseguir un empleo, y los diversos personajes que deambulan por las calles de Nueva York. Me cuenta que cuando era chico, dibujaba cosas para chicos, y ahora que es grande, le interesa dibujar cosas para… ¡grandes! “Creo que mis películas reflejan mi personalidad, y las creencias de mis amigos y mis compatriotas. Las ideas vienen de cualquier parte y en cualquier momento, como algo curioso que veo, y de pronto, no tiene sentido. Por eso, siempre llevo un anotador donde escribirlas”. Cuando diseña sus personajes, busca que sean formas bastante básicas, sin cargarlas con demasiados accesorios, simples de animar tradicionalmente, o bien usando animación CGI. Imágenes que sean fáciles de reconocer ya que, si no, es más difícil que el espectador se identifique. EL DOGMA PLYMPTON Plympton habla muy seguido acerca de las tres reglas que él considera fundamentales para lograr un corto animado exitoso. Claro que siempre existe la excepción, como la animación canadiense “The Man Who Planted Trees”, que ganó el Oscar contra su corto, el cual rompía con cada una de sus reglas. Pero ése es otro tema… 1. Corto. Que no dure más de 5 minutos, porque si es malo, te clavás durante 15-20 minutos eternos. Además, si es largo, no sirve en TV, porque no saben dónde meterlo. A los festivales no les gusta, porque les ocupa demasiado espacio; en Internet tampoco encaja. Los cines necesitan más tiempo para meter sus largometrajes, por ende, es casi imposible de vender. 2. Barato. U$S 1,000 por minuto es un presupuesto razonable, cosa de que si ganás un par de miles por acá y allá, ya estés hecho. En cambio, si invertís una fortuna en usar voces de famosos, algún músico conocido, o tecnología costosa, no lo recuperás más. Podés ahorrar haciendo lo más posible vos mismo. Plympton, por ejemplo,

produce, dirige, diseña, dibuja y pinta los fondos de los personajes de sus películas y, hasta a veces, hace el sonido él mismo, con tal de abaratar los costos. 3. Gracioso. Nadie sabe bien por qué, pero si algo es gracioso, vende. Ahora, si es abstracto, político o profundo, nadie lo quiere comprar, ni mostrar. Tal vez les guste a tus padres, pero eso es todo. Y si es sin diálogo siquiera, aún mejor; es más fácil de vender en el extranjero. Poniéndolo en contexto, Plympton explica que “Hay animaciones que pueden ser largas y buenas, y hasta logran ganar premios, pero son tan costosas, que nunca llegan a ser lucrativas, y yo necesito obtener ganancias, para que mi estudio independiente siga en marcha”. Plympton es un fiel creyente de que hay que amar lo que uno hace, no para hacerse millonario, sino para ser feliz, porque eso es lo más importante, al fin y al cabo. “Es esencial dibujar mis personajes 200, 300 veces, antes de sentirme cómodo con su diseño. Aún cuando ya estoy en la mitad de la producción de una película, sigo pensando cómo simplificar las formas. Es también fundamental estudiar anatomía -todos mis dibujos tienen algo de realidad-, para poder jugar con la línea y exagerarla a mi antojo. Cuanto más te soltás, muchas veces, es cuando se pone más interesante. Si tratás de ser demasiado perfecto, terminás perdiendo la espontaneidad”. Como dibujante, me cuesta realmente entender cómo alguien puede hacer 40 mil dibujos para un largometraje de 75 minutos -aunque sea a lo largo de tres años-, sin auto-sofocarse. Plympton hace todos los dibujos en lápiz sobre papel, los colorea y tiene un equipo de diez profesionales en su estudio, que se encargan de escanear, limpiar y retocar su trabajo. “No tengo mucha vida: me levanto a las seis de la mañana y dibujo hasta las seis de la tarde, y hoy en día, no salgo tanto de noche, porque estoy casado, y tengo un hijo de quince meses, Lucas. Dibujo todo el


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tiempo, y así practico. Entonces, es cada vez más fácil”. Esto afirma que, efectivamente, Plympton llegó a ser quien es, no sólo por su talento -y algo de suerte, calculo-, sino también por un alto nivel de dedicación, que la gran mayoría de la gente que quiere lo que él tiene, no está dispuesta a disponer. 100% PLYMPTON Con más de 40 cortos, 7 largometrajes y 2 nominaciones al Oscar, podría decirse que Plympton ya está más allá del bien y del mal en lo que animación respecta, más aún, habiendo emitido recientemente su tercera colaboración para la introducción de Los Simpsons: “Lo conozco a Matt (Groening) hace muchos años. Estábamos charlando en el festival francés Annecy, y me preguntó si me gustaría trabajar en algo juntos, y le dije que por supuesto. Ya hice tres, y fueron todos muy exitosos”. Es por este tipo de eventualidades que Plympton considera fundamental el mandar cortos a festivales alrededor del mundo, para así poder conectarse con sus pares. Claro que nadie empieza de arriba, y hubo una vez, cuando lo nominaron para su primer Oscar, que no supo qué hacer con tal oportunidad. “Fue increíble; no estaba preparado para eso: alquilé un auto berreta, paré en un hotel cualquiera, y no fui a las fiestas post-evento. No entendía el potencial que tenía la experiencia y, al no conocer las reglas, no supe cómo maximizarlas, siguiéndolas… o rompiéndolas. Así que la segunda vez, en vez de alquilar una limusina, llegué en una de esas bicicletas que te llevan a pedal con dos asientos atrás, y tuve muchísima prensa, gracias a ese detalle”. Hoy, Plympton se siente muy afortunado de haber cumplido su sueño de niño, al punto que cuando Disney finalmente lo contactó después de su primera nominación para trabajar en sus estudios

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por un contrato millonario, rechazó la oferta con tal de no perder esa valiosa libertad a la que se considera adicto, y que hace que su trabajo responda solamente a sus propios caprichos. En el 2012, editó su último libro: “Make Toons That Sell Without Selling Out”, donde cuenta todos los detalles del minucioso camino que lo llevó adonde está hoy. Su mejor consejo: “Si yo me estuviera graduando en estos tiempos, conseguiría un trabajo en un estudio de animación grande o chico, me quedaría ahí unos 6-8 años para ganar experiencia, juntar un buen pilón de ideas, ahorrar plata, aprender todos los programas actuales, y conectarme con gente en este negocio. Después, una vez que me sienta cómodo, haría algunos cortos y los mandaría a festivales”. No habrá una fórmula para el éxito, pero Plympton, al menos, nos acerca lo suficiente a la suya. + www.plymptoons.com

TABLA DE FESTIVALES -Academy Awards (Oscars) -Festival de Cannes -Sundance Film Festival -Annecy International Animated Film Festival -Clermont Ferrand International Short Film Festival -The Martha’s Vineyard Film Festival -Woodstock Film Festival -South by Southwest Festival -Tribeca Film Festival -Seattle International Film Festival -Aspen Shortsfest -AFI FEST -Palm Spring International Film Festival +


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| Foto: Dr. Casa www.symbi0sis.net


personas creativas

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Ramón Maiden Tatuar lo vintage

Un bolígrafo basta a Ramón Maiden para hacer sus obras y reinterpretar los personajes de un imaginario formado principalmente por pin-ups, estampas religiosas e imágenes vintage. Autodidacta, ha hecho de su pasión por el tatuaje, la tinta y los viajes el sello de un estilo propio, que no deja a nadie indiferente. A nosotros, sencillamente, nos encanta. Apostamos a que a vosotros también. | Texto: ArtsMoved (*)

+ En la biografía que tienes en la Web, te presentas como un “dandi delincuente”. El diccionario nos dice que un dandi es “un hombre que se distingue por su extremada elegancia y buen tono”. ¿Qué matiz otorga aquí la delincuencia? RM Crecí y resido en Roquetas, el Bronx barcelonés, un barrio obrero ubicado en el límite de la ciudad. En los 80-90, era conocido por sus altos índices de delincuencia y marginalidad. El caballo –la heroína– hizo mucho daño aquí, y la situación que se dio en aquella época, ajena al despilfarro olímpico, fue cuna, caldo de cultivo y hábitat del “quinqui” de pura cepa, del auténtico, no el importado: el Robin Hood de greña desaliñada, chándal de táctel y amor por la ornitología. Los Curro Jiménez de la periferia. Los maleantes del barrio tenían ciertas leyes de camaradería y la principal era no robar en el barrio. Eran verdaderos dandis. Los buenos modales de alta alcurnia no me interesan en absoluto, pero me atrae enormemente la gente humilde y leal, que sabe estar y lucha por los suyos. Como mi abuela, en paz descanse, que no tenía nada de delincuente

y que, sin saber leer y en territorio hostil, educó y sacó adelante a toda su familia. + Eres un artista autodidacta. ¿Hasta qué punto crees que esto haya podido influenciar en la creación de un estilo inconfundible y tan personal como el tuyo? RM Soy totalmente autodidacta y heredero por accidente de la teoría del ensayo error. La técnica y los clichés académicos encorsetan el arte, y no soy nada partidario del purismo en la técnica. No disponer de límites técnicos, me ha permitido crear mis propias técnicas, rudas y poco agradecidas, pero dichosamente resultonas. + ¿Nos explicas cómo fue el camino hasta llegar a poder dedicar al arte todo tu tiempo? RM Llegar a vivir del arte no ha sido un proceso para nada planeado; ha sido, más bien, un cúmulo de accidentes y casualidades, un resultado inesperado más que una voluntad. Mi formación proviene del mundo social, y el arte fue más una válvula de escape que una vocación clara. El arte siempre ha acompañado mi proceso vital, y ha estado ligado a mis emociones, proyectos, éxitos, fracasos... Una vez consumido mi interés por el mundo social –estéril y estrechamente sujeto a la política y el momento económico–, el cuerpo me pedía un cambio, y el arte me permitió avanzar y reinventarme. + Sabemos que te interesa mucho la historia y, observando tu obra, tenemos la intuición de que estarás de acuerdo con esta cita de Oscar Wilde, el dandi por excelencia: “El único deber que tenemos con la Historia es rescribirla”. ¿Estamos en lo cierto? RM Olvidar es perdonar, y sin memoria histórica, estamos condenados, así que Oscar Wilde estaba en lo cierto. Él reescribió la historia y yo, de forma mucho más modesta y casera, también intento revisar aquellos momentos de la historia que me atraen, asquean o cautivan. La reinterpretación no tiene ningún objetivo político, ni alberga ninguna carga ideológica; es sólo eso, una forma de refrescar el olvido. + Has vivido en muchas ciudades distintas y parece que, siempre que puedes, viajas. ¿Qué te aporta alejarte de tu ciudad y tu cotidianidad? RM Viajar es la mejor fuente de inspiración y la mejor forma de generar una amplia cultura visual, necesaria para cualquier artista. En mi caso, ha sido vital a la hora de crecer como persona y como artista. Alejarte de tu cultura y adentrarte en otras, me ha sido de mucha utilidad a la hora de plasmar en papel lo vivido. + ¿Cómo consigues las postales, calendarios, pósters vintage, cubiertas de libros antiguos, estampas religiosas, esculturas de

(*) ArtsMoved es un proyecto dirigido por la asociación Movimiento Artes (formada en Barcelona), dedicado a la difusión y promoción de la cultura, a través del arte realizado por jóvenes artistas. www.artsmoved.cat


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madera… y todo lo que utilizas como soporte de tu obra? RM Como decía, viajo a menudo. Me encantan los mercadillos, las tiendas de antigüedades y rarezas, las ferias de arte antiguo o de coleccionistas. Hago una prospección previa a cada viaje, e intento informarme dónde puedo encontrar las imágenes que busco. El proceso de mis creaciones se inicia con la búsqueda, así que cada obra tiene una historia detrás. + Jesús, la Virgen María, prostitutas, mafiosos, actores y actrices de época, pin-ups, soldados nazis… Los personajes que configuran tu universo son íconos de la imaginería popular a los que, con tu intervención, das un sentido nuevo que sorprende y, algunas veces, inquieta. Jesucristo ensangrentado o Clark Gable cadavérico son un ejemplo. ¿Buscas alguna reacción en particular? RM No busco ninguna reacción, busco pasármelo bien, haciendo lo que hago. Ésa es la primera premisa: disfrutar del proceso. Aún así, las superficies y personajes sobre los que trabajo están estrechamente relacionados con mis gustos, intereses y mi historia familiar y personal: desde la relación de mi familia con el catolicismo durante la guerra civil española, a mi interés por la historia, la antropología o la cultura moderna americana. + Decía Barthes que el cuerpo nunca puede estar desnudo: incluso, cuando está desnudo, va vestido de cuerpo. Los tatuajes con los que reinterpretas tus personajes hacen evidente esta cuestión, poniendo el cuerpo como texto en primer plano. Podríamos haberlo imaginado antes de conocerte: tu propio cuerpo está lleno de tatuajes. ¿Qué quieres dar a leer? ¿Qué sentido tiene para ti el tatuaje?

RM El tatuaje tiene una fuerte carga estética y simbólica. En mi caso, mi cuerpo es el mapa de mi vida, y en él se reflejan todos los momentos, que de una forma o otra, me han marcado. Ha sido la forma ideal de mezclar mi pasión por el tatuaje con el arte. Tinta, al fin y al cabo. + Se agradece descubrir a un artista tan singular, sin duda alguna. ¿Cuáles son tus referentes? RM Mi cultura visual es muy diversa. Adoro el surrealismo, pero también la cultura pulp americana, la ilustración modernista de la escuela checa, el submundo del cómic underground, el arte sacro y algunos ilustradores y artistas modernos, como Dr. Lakra o Chris Cleen, por ejemplo. + ¿Alguna pregunta que no te hayamos hecho y que te gustaría contestar? RM Por ejemplo: qué proyectos tengo ahora. Así, podría haber contado que quiero seguir creciendo como artista y, para lograrlo, la idea es viajar más, para poder colaborar con otros artistas, conocer otras técnicas y medios para crear. Este año, vuelvo unos meses a USA, pero en breve, tengo la intención de viajar un tiempo por Asia y nutrirme de lo que allí pueda encontrar. Recientemente, contacté con un grupo de tatuadores y artistas japoneses con los que colaboraré. El tatuaje tradicional japonés, de origen ancestral, me cautiva enormemente, y la idea es conocerlo para poder reintepretarlo y trabajar con él. + http://blog.ramonmaiden.com/ http://www.etsy.com/es/shop/ramonmaiden

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+ Desfile Garza Lobos

BAFWeek Otoño-Invierno 2014 Moda nacional para armar

Cerró una nueva edición BAFWeek. Aquí, nuestras anotaciones al margen. | Texto: Cele Nasimbera @SrtaCele. Fotos: Maia Croizet @MaiaWATIO

El preciso calendario de la industria de la moda convocó a propios, curiosos y ajenos, a las cuatro extensas jornadas que conformaron BAFWeek. Con excepcionales presentaciones externas, el predio La Rural fue el espacio de encuentro del 25 al 28 de febrero. A modo de prólogo, Benito Fernández se presentó en el estacionamiento del shopping Paseo Alcorta, y Vero Ivaldi -en el marco de La Ciudad de Moda- en la Plaza Alemania. La diseñadora presentó “La Celebración”, en un discurso estético personal, interrumpido por una imprevista llovizna de verano. La pasarela hizo las veces de escenario, revelando una historia propia. A partir del martes 25 de febrero, los desfiles se sucedieron uno

detrás del otro, contrarreloj, e intentando llegar a tiempo. Las colecciones que nos abrigarán el próximo invierno buscaban la presentación formal. El calendario presentó en la primera jornada a Vicki Otero, quien combinó su propuesta creativa (la corrección de la moldería y la sastrería), con elementos propios del acervo nacional. A continuación, Las Pepas y Amores Trash Couture ofrecieron propuestas frescas para vestir el día y la noche. En ambas pasarelas, se bosquejaron intentos de distancia de la solemnidad que suele caracterizar a las presentaciones. La Ciudad de Moda, organizada por el Gobierno de la de la Ciudad de Buenos Aires, ocupó la totalidad de la grilla del miércoles 26 de febrero. Cosiendo Redes inauguró, combinando moda y oficio. Una pasarela colectiva realizada por los alumnos de las capacitaciones

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+ Desfile Garza Lobos

del proyecto y diseñadores consagrados. En esta oportunidad, acompañaron María Cher, Martín Churba y Noel Romero de A.Y. Not Dead. La exploración de la moda como fuente de trabajo también fue concepto de “Bangladesh”, la colección presentada por la diseñadora consagrada, Daniel Sartori. Movilizada por la tragedia textil ocurrida apenas un año atrás en ese país asiático, se arriesgó a pensar el diseño como transformación social. Andrea Urquizu repitió pasarela. Bajo el título de diseñador emergente bis, demostró capacidad creatividad, edición y crecimiento (más notable aún en su propuesta masculina). Li Torres y Juan Hernández Daels ocuparon las pasarelas emergentes. Mientras Fabián Li y Javier Torres construyeron un hombre postmoderno (adelantándose a un potencial consumidor), Juan creó una mujer sensual, a la cual vistió con vestidos de noche. Dos visiones de género. Cora Groppo y A.Y. Not Dead cumplieron diez años en el mercado. Ambas marcas demuestran la continuidad que alcanzó el diseño de autor en nuestro país y la capacidad de venta del concepto. La diseñadora Romina Cardillo prolongó su presencia, pero esta vez, desde la ruptura. La tercera jornada de BAFWeek fue el marco elegido para presentar su nueva marca: Nous Etudions.

La artesanía -en continuidad con la campaña gráfica de esta edición de BAF, “Territorios argentinos”- de Atilio Páez, Fernando Martumanian, María Noel Pepe y Patricia Marazina- expresó en prendas los saberes y los oficios nacionales. Mientras que Semillero UBA fue espacio de experimentación, Kostüme se consolidó. Camila Milessi y Emiliano Blanco demostraron que la inspiración es factible de apropiación, el concepto unisex posible y la diferencia, rentable. En impecable negro, se distinguieron. Bolivia y Garza Lobos incrementaron la paleta cromática sobre el cierre de la edición. Desde la adolescencia del rock y la solemnidad de la búsqueda de la elegancia, la noche del viernes era señal: ya no quedaba tiempo. BAFWeek es uno de los principales espacios de visibilidad que encuentran mujeres y hombres que diseñan moda. Cada uno, desde su universo estético, y entre los límites de sus condiciones de producción, generó propuestas para vestir la calle. Imaginarios nacionales, lejanas inspiraciones, referencias en el tiempo. Si el universo fuese una biblioteca, la moda intentaría hacerse de todas las páginas, porque da cuenta de nuestro tiempo y de aquellos que pasaron. Pero finalmente, de cada colección se desprenden unas cuantas prendas, elegiremos algunas, las combinaremos y serán, entonces, parte de otro universo personal. + www.bafweek.com.ar


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+ Backstage desfile Andrea Urquizu


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+ Backstage desfile Andrea Urquizu

+ Backstage y desfile Bolivia


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+ Desfile Cosiendo Redes

+ Desfile Daniela Sartori

+ Desfile Juan Hernรกndez Daels


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+ Bakstage y desfile Kost端me


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+ Desfile Nous Etudions, musicalizado por Calu Rivero


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+ Desfile Li Torres

+ Desfile Vero Ivaldi

+ Backstage micro desfile MarĂ­a Noel Pepe


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+ Priscila Crivocapich entrevistando a las diseñadoras de Las Pepas.

+ Espacio de Citroën en BAFWeek

+ Algunos de los looks registrados por Plored.com en el stand de Citroën en BAFWeek.

Citroën en BAFWeek Autos, coolhunting y moda

Citroën fue nuevamente sponsor oficial de BAFWeek Otoño/Invierno 2014. Estas fueron las novedades en su espacio en la semana de la moda argentina. Acompañando la temática de esta edición, que remite al diseño y a las texturas argentinas, Citroën propuso un stand que traslada la materialidad de las colecciones de otoño/invierno a la puesta en escena. Allí, los visitantes de la muestra pudieron disfrutar de dos Citroën DS3 personalizados, con diseños de vanguardia en sus techos. EPISODIOS DE MODA Asimismo, con un espacio novedoso, se generó un “estudio televisivo”, en donde los diseñadores tuvieron su momento con un contenido audiovisual que se filmó durante los cuatro días de experiencia. La modelo Priscila Crivocapich fue la anfitriona y conductora de estos especiales. Con el objetivo de promover el diseño argentino, la marca captó en imágenes el backstage de los desfiles y la inspiración de sus modelos antes de cada show, para conocer desde adentro cómo se piensa una colección de moda. Estos contenidos se suman a la

serie de Episodios de “Moda by Citroën”, que pueden verse en: http://bit.ly/1fRsn8c Además, gracias a una alianza con la marca LG, desde el espacio Citroën se pudieron ver en vivo los desfiles que se desarrollaron en BAFWeek. COOLHUNTING by CITROËN Finalmente, la automotriz francesa propuso a los visitantes de BAFWeek una actividad junto a Plored.com, una nueva plataforma de coolhunting digital. Es así que, del 25 al 28 de febrero, los fotógrafos de esta Web registraron los mejores looks que se acercaron al espacio Citroën, junto a un DS3. Estas fotos se pudieron ver en vivo en el espacio digital de la marca en el stand y, las más votadas, participaron por importantes premios, como un day spa en el Faena Hotel & Universe, una cena para dos personas en el Faena Hotel & Universe y dos entradas para ver a Fuerza Bruta. + www.citroen.com.ar

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+ Evernote proporciona un práctico archivo de notas para recordar.

Evernote

Conectando puntos Es un servicio de almacenamiento de información que permite organizar textos, imágenes y grabaciones de voz en múltiples dispositivos. Una aplicación que ordena el material personal, a través de un archivo de notas. Evernote puede utilizarse desde cualquier dispositivo, manteniendo sincronizada la información de modo permanente. Entrevistamos a Luis Samra, gerente de Evernote para América Latina, para comprender cómo funciona una memoria online. | Texto: Celeste Nasimbera @SrtaCele

Desde una servilleta al bloc de notas del teléfono celular. Son múltiples (e insólitos) los lugares en donde podemos guardar un nombre, una propuesta, una idea. El inconveniente es perderlos en el fondo de algún bolsillo, o encontrar la información el día después de necesitarla. Sabemos que la memoria puede fallarnos, e inventamos artilugios para recordar. Evernote propone cumplir algunas de las funciones de nuestro cerebro, en la Nube. Conectar información y ofrecerla, con sólo chequear en el buscador interno. ¿Vamos a dejar de tomar apuntes? Probablemente no, pero el almacenamiento de la información se desprende de la necesidad material, y queda en línea de modo permanente. Evernote es un bloc de notas digital, disponible para las principales plataformas móviles, aplicaciones para los diferentes sistemas operativos y versión Web. Posee tanto cuentas gratuitas como Premium, a través de las cuales se puede trabajar colectivamente. ATESORAR MOMENTOS Evernote es un ícono entre los tantos que uno puede tener en su celular. La diferencia reside en la practicidad que ofrece cotidianamente. Es ese cuaderno de anotaciones al margen, de proyectos, de datos

útiles (e inútiles también), que intenta condensar parte de toda la información que recibimos diariamente. Ante el exceso, intentos de organización. Desde México y vía Skype, Luis Samra -gerente de Evernote para América Latina- nos cuenta qué es Evernote, su potencial y las novedades para el mercado latinoamericano. + ¿Cómo explicar Evernote a alguien que no conoce la aplicación? LS Evernote es una herramienta que permite atesorar momentos; ayuda a conservar esa idea o aquella inspiración que surge. No importa dónde estés, podés tomar una nota, una foto, y guardarla en el teléfono. Sin hacer una copia o trasladar la información, a través de la sincronización, esa información ya está disponible en Evernote. + ¿Cuál creés que es la principal ventaja de usar Evernote? LS Depende de quien lo usa. En mi caso, tengo el hábito de leer muchas revistas y notas en Internet. Toda esa información la guardo en Evernote, que me permite tener varios puntos de acceso al material seleccionado. La aplicación me permite una visualización. Tal vez, estoy buscando un arquitecto, un diseñador, o algo en particular, y me encuentro con notas que tomé hace dos años. Las tomo y la contextualizo. Te organiza la memoria.

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+ Organizar la información en libretas de negocios es muy útil en Evernote.

+ También se puede organizar el propio guardarropas con ayuda de Evernote.

+ Luis Samra, gerente de Evernote para América Latina.

+ La mayoría de los usuarios indica como ventaja la sincronización de la información en los diferentes dispositivos. ¿A qué te parece que responde esto? ¿Al modo en el que vivimos? LS ¡Totalmente! Es un fenómeno que surge del crecimiento de venta y uso de los teléfonos inteligentes. Ahora, es posible disponer de la información, aún por fuera de tus propios dispositivos.

transforman en notas. En la oficina, lo utilizo para las reuniones, y trabajamos sobre notas en modo presentación. Además, uso recordatorios. Es un uso permanente, siempre guardo cosas y sé que en algún momento voy a volver sobre ellas.

+ Evernote es una herramienta para la organización de la información. ¿Qué ventajas creés que tiene en empresas creativas? LS Muchos de nuestros clientes provienen de agencias creativas. En Río de Janeiro, Brasil, una agencia de modelos tomó Evernote para organizar todo su sistema. Al ingresar, cada modelo lleva su foto, su información y, en lo inmediato, la transforman en una nota. A partir de allí, organizan y trasmiten al cliente. Toda una base de información organizada. Sabemos también que muchas firmas de arquitectura utilizan la aplicación de similar manera. + ¿En qué herramientas nuevas están trabajando? LS En estos momentos, nos encontramos trabajando en un birome electrónica, a través de la cual uno puede tomar una nota o hacer un boceto, y directamente se guarda en Evernote. Es una herramienta ideal para diseñadores. Últimamente, ofrecimos la posibilidad de tomar las tarjetas personales, sacarles una foto y guardarlas. Además de organizar esa información, permite marcar dónde se conoció a la persona y en qué contexto. Nuevamente, es una ayuda memoria. Y Post-it Notes, que los profesionales creativos usan mucho. Cada color tiene su significación en este cuaderno digital que es Evernote. + Personalmente, ¿cómo usas Evernote? LS Apenas me levanto, abro mi tablet, veo y contesto mails. Comienzo a mandar información a Evernote. Mientras desayuno, sigo con mi tablet y utilizo Flipboard. Todos los artículos que me interesan se

+ ¿Cuáles son las últimas novedades de Evernote Latinoamérica? ¿Cómo se usa en la región? LS Se da una gran repercusión en Latinoamérica; hay un fuerte crecimiento. El avance de los teléfonos inteligentes en el área, permite que Evernote crezca. A mayor espacio de digitalización, más información y más necesidad de organización. + ¿Cómo te imaginás la evolución de la aplicación en unos años? LS Tenemos grandes ideas. Hoy hay una tendencia muy marcada en la industria. Existen ya muchos dispositivos que te permiten medir el pulso, el ritmo cardíaco al ejercitarte, el sueño. Hay un crecimiento de diferentes herramientas vinculadas al cuerpo. Entonces, no sería raro pensar que, en un futuro cercano, con el teléfono o con los anteojos, podamos disponer de información. Datos disponibles sobre el pasado o sobre temas en común, para adelantarnos. MEMORIA ARTIFICIAL Evernote permite, a través del código API (Application Programming Interface, en sus siglas en inglés), que la aplicación mute, se transforme y responda a múltiples necesidades. Su potencialidad será también consecuencia del uso colectivo. Mientras Google es fuente inagotable de consulta (cual oráculo postmoderno) y Wikipedia la enciclopedia colectiva de nuestros tiempos, Evernote almacena, conserva y nos permite conectar puntos en el tiempo. Pretende convertirse en una memoria artificial. ¿Será? + www.evernote.com


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Puma Urban Art

Siete vidas para la cultura urbana Graffiti, pósters, stencils y cómics fueron los protagonistas. Los artistas de la escena local y los invitados internacionales, los guionistas. El escenario fue, una vez más, el Centro Cultural Recoleta. Y la obra, el Puma Urban Art. | Texto: Leila Mesyngier @Leimesyn. Fotos: Adri Godis Photography @adrigodis

Por séptima vez consecutiva, la cultura urbana y el street art caminaron por los pasillos del espacio artístico porteño, se codearon con los miles de espectadores, y sorprendieron con sus tendencias y proyecciones. Fueron dos días (1 y 2 de marzo) de formas, colores y ritmos, que no defraudaron. AlecMonopoly y L’Amour Supreme, dos de los artistas más importantes de la movida neoyorkina, fueron la principal atracción, dos graffiteros que despertaron la inquietud de los porteños con sus presentaciones en vivo. Los pasillos blancos del festival también exhibieron las creaciones de Alan Berry Rhys (ilustrador y artista gráfico con una estética que proviene de la impresión serigráfica, y

+ Las exhibiciones en Puma Urban Art en el Centro Cultural Recoleta.

que se desvela por los oficios), K2man* (ilustradora), Sael (artista visual y diseñador gráfico), Diego Roa (con sus afamados niños azules), Cucacolor (los multidisciplinarios Ignacio García Zuolaga, Juan Maglione y Álvaro Ortega Bianchi) y Camila Valdez (artista plástica y diseñadora industrial, creadora de personajes), entre muchos otros. Hubo street art, videos, documentales y conferencias. Tampoco faltaron los art toys de PO! y las bandas y DJs que musicalizaron las tardes y noches durante las dos jornadas: Le Mikrocosmos, Julietas y los espíritus, Hotel Casino, La Armada Cósmica y Heladeros del Tiempos fueron algunas de las bandas que sonaron en el escenario


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de la terraza con vista al parque. Además, este año, el festival tendrá nuevas sedes. Llegará también a Chile, Perú y México, para completar la movida más grande de arte urbano de Latinoamérica. www.pumaurbanart.com ALECMONOPOLY EMPAPELADO DE POP AlecMonopoly se sienta, se para, gesticula con la cara y los brazos, se vuelve a sentar. Es hiperquinético, se mueve, se entusiasma, cuenta, cambia de tema. Así trabaja también. Nunca en una sola tarea al mismo tiempo, siempre cambiando. Una vez, en Los Ángeles, vivió su experiencia más desafiante, la más arriesgada. Porque, hay que decirlo, no recuerda la cantidad de veces que se metió en problemas con las autoridades. Entonces, quería pintar un cartel publicitario en un edificio de un par de pisos sobre la avenida Melrose, donde está la movida del graffiti. La policía controla con helicópteros y sensores de calor, por eso, cualquier movimiento es percibido enseguida por la ley. Alcanzó a intervenir el afiche y escuchó las sirenas. Saltó, se lastimó el tobillo, corrió y terminó escondido donde nunca lo iban a encontrar: estuvo seis horas recostado debajo de un auto. Neoyorkino hasta la médula, pero con influencias californianas, este artista callejero es famoso por su interpretación irónica y trasgresora de algunos íconos pop: el señor del juego de mesa Monopoly

+ AlecMonopoly

(de ahí su nombre artístico), la modelo de los sesenta Twiggy, los actores Jack Nicholson y Sean Connery (interpretando al espía James Bond), los músicos Michael Jackson, Bob Marley y Bob Dylan, el dibujo animado Ricky Ricón. Con ellos, deja su huella en las calles de las grandes ciudades estadounidenses, y en cada lugar del mundo que visita. Es su primera vez en Buenos Aires y en Sudamérica. Vino para mostrar su obra en el Puma Urban Art, para pintar en vivo, para intervenir algún rincón porteño con sus stencils, aerosoles, epoxy, barnices. Cuando sale a pintar de noche, siempre acompañado por alguna bella mujer, esconde sus materiales en su cuerpo. Listo para escapar de la ley y con la cara tapada, sin revelar su identidad. Le gusta lo ilícito, el arte callejero es su pasión. “Trabajo muy rápido en las calles, a veces, no llego a tomar fotos de lo que hago”, dice a 90+10 horas antes de la inauguración del festival. Camisa con estampado de dólares, pantalones ajustados, cigarrillo en mano, las uñas con rastros de pintura. Mientras conversa, escucha el flash de la cámara, y como un acto reflejo, se tapa el rostro. Parece acostumbrado a resistir. Sus mayores influencias son Jean Michel Basquiat y Keith Haring. Ellos “son amantes del street art, y luego se convirtieron en éxitos main stream”. Ellos, igual que él, entendían la diferencia entre el graffiti (letras, números, firmas) y el street art (“traer el arte a las calles, tiene que ver con la belleza, las imágenes”). Ellos son los que


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+ él admira, no tanto por sus técnicas, sino por sus modos de comprender la escena artística. Nunca pinta las fachadas de las casas ni de pequeños negocios de personas que están tratando de construir su futuro, igual que él. Le gustan, en cambio, los edificios abandonados, donde no molesta ni causa daño. Pero sus lugares favoritos son los grandes carteles publicitarios. “Están allí, y no tenemos opción de no verlos. Cuando mirás la televisión, podés cambiar de canal. Por eso, me gusta treparme hasta la cima de los edificios, e intervenirlos. Cambiarles algo para que siga pareciendo lo mismo, pero con un mensaje diferente”, asegura. “Mi mensaje es lo positivo. No apelo a los museos, sino a las masas. Quiero poner una sonrisa en los demás, eso me hace feliz”. http://alecmonopoly.com/ L´AMOUR SUPREME CLUB HOUSE EN EL LOWER SIDE L´Amour Supreme no quiere sólo hablar de arte, de su arte. Cree que su obra habla por sí misma, que es más atractivo verlo pintar que escucharlo contar acerca de lo que pintó. Sin embargo, es un gran conversador. Después de almorzar unas empanadas y sentado en el vip-a-estrenar del Puma Urban Art con el sol de lleno, reconoce que no puede hacer una sola cosa a la vez. Tiene déficit de atención (ADD, por sus siglas en inglés), y necesita cambiar. Se mueve, se transforma, es el mismo, pero distinto. “Todo cambia, nada es permanente. Esa es la belleza de la vida, no sería vida si no cambiara, sería muerte”, dice pensativo. “Si mirás mi obra, siempre está cambiando de una pieza a la otra, aunque algunas cosas siempre se mantienen, como ciertos trazos”, reconoce. Ese movimiento, que también lo condujo a ser considerado una revelación en la escena joven de Nueva York, es parte de su identidad. Como la ciudad que lo aloja (vive en Long Island, pero su estudio está en Manhattan), se aburre e innova. “Cuando ponés una obra en circulación, la gente mira y se inspira en vos, tratan de copiarte. Muchos se quejan de que les copian el estilo. Yo digo: soy esto, si querés copiar, hacelo, porque yo ya estoy en otra. Es como Nueva York, siempre moviéndose y cambiando. Soy un artista neoyorkino en ese sentido”, confiesa.

Cabeza de la marca Mishka, es ilustrador, diseñador de juguetes, graffitero, pintor, periodista. También es su primera vez en Sudamérica, pero creció con dos amigos que eran argentinos. Por eso, sabe que en Buenos Aires la comida, las mujeres y el clima son “increíbles”. Vino para mostrar en vivo y en directo lo que hace. El público, dice, es parte del proceso, una experiencia que cumplió durante el festival en el Centro Cultural Recoleta. Su rutina diaria tiene una sola prioridad: su hija de once años, a la que lleva y trae de la escuela. Luego, se sube al tren y cruza el East River. Visita la oficina de Mishka, camina por el barrio y llega a su estudio, siempre abierto a las visitas de sus amigos y colegas. “Mi estudio es como un club house para niños pequeños, es muy divertido, hay un maniquí, un gran sofá, bebidas frías”. En la puerta de enfrente, en el mismo piso, trabaja su buen amigo y artista Sucklord. “Dejamos las puertas abiertas, y es como un gran espacio. Nos mostramos lo que hacemos, es algo orgánico, tenemos feedback constante. Es un trabajo muy solitario, y a mí me gusta estar con gente, hablar. Por eso, invito a otros artistas u otras personas a pasar el tiempo allí”, admite. No tiene ideas preconcebidas. Medita, busca no pensar en nada, hacer lugar en su mente para que aparezcan las ideas. Y las ideas vienen de lugares tan diversos como una caminata, un viaje en tren, un cuadro de Picasso, una película de Tim Burton o una publicidad. Siempre escucha música, desde heavy metal hasta John Coltrane, desde el rock clásico hasta los DJs. Saca “fotos referenciales”, las mezcla con diferentes cosas, utiliza aerosoles, pinceles, acrílicos, una tablet. “Uso todo lo que puedo, aprendo, experimento. Hay que usar tecnología estos días, pero me sigue gustando pintar con óleos, ensuciarme los dedos”. Combina trabajo artesanal con tecnológico, colores que se complementan, que hacer resaltar al de al lado. Rojo y verde, azul y naranja, amarillo y violeta. Para el último Art Basel de Miami, el canal infantil Nickelodeon le pidió que hiciera su interpretación del dibujo animado Bob Esponja. Y lo hizo aguerrido, domador del peligro, lleno de adrenalina, expectante del porvenir. Igual que él, a la espera del próximo desafío. + http://lamoursupreme.tumblr.com/

+ L´Amour Supreme

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+ Ford en las dunas

Ford Summer Attraction 2014 Pinamar Norte, Caril贸 y Punta del Este, los lugares elegidos por Ford para presentar sus 煤ltimos lanzamientos durante el verano.


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ideas creativas 075 marketing

+ Nico Artusi y Shumi Gauto condujeron su programa de radio desde el estudio Ford Live.

+ Flor Fabiano tomó registro fotográfico de la travesía Ford desde el aire.

En la costa argentina, Ford eligió las playas de Pinamar y Cariló. En Pinamar, los visitantes del stand de la marca del óvalo, pudieron probar sus principales exponentes 4x4: el nuevo Kuga, la nueva EcoSport 4WD y la nueva Ranger. La base Off Road de Ford, ubicada a sólo 5 minutos de La Frontera hacia el Norte, permaneció abierta todos los días, de 10 a 19 hs.

para realizar pruebas de manejo por la ciudad.

En Cariló, Ford contó con un espacio en la intersección de Cerezo y Divisadero. Allí fue posible vivir el diseño y la tecnología de los últimos lanzamientos globales de la marca, a través de diferentes actividades, como transmisiones de radio en vivo por Metro 95.1, producciones de moda y test drives a bordo de los nuevos Focus, Fiesta y Kuga, para conocerlos en profundidad. Además, estuvieron disponibles para testear la nueva Ranger, nueva Ecosport, Smax y Mondeo. Finalmente, la costa uruguaya también fue testigo del Ford Kinetic Summer Attraction. En Punta del Este, los tres últimos lanzamientos de la marca fueron protagonistas, y estuvieron a disposición,

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DESAFÍO PINAMAR El Ford Kinetic Summer Attraction 2014 arrancó con una nueva edición de la travesía nocturna en la Base Off Road de Ford, ubicada en los médanos de Pinamar Norte, en Ruta 11 en el km 384, donde más de 30 vehículos -nueva Ranger, nuevo Kuga y nueva EcoSport- atravesaron un desafiante circuito diseñado especialmente para la ocasión. La modelo, fotógrafa y productora Florencia Fabiano realizó imágenes aéreas desde un helicóptero. Luego de la experiencia Off Road, los invitados de Ford disfrutaron de un show en vivo de los Babasónicos, quienes hicieron vibrar al público con sus principales éxitos y algunas sorpresas. Además, el evento fue transmitido en vivo vía Live Streaming desde el Ford Live y en simultáneo por Radio Metro, en el programa “Su Atención por favor”, con la conducción de Nicolás Artusi y Shumi Gauto. + www.ford.com.ar


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Googlear

La búsqueda perfecta Cómo Google evoluciona a su buque insignia, para ofrecer cada vez mejores resultados.

Por estos días, muy pocos dudan de que buscar en Google significa encontrar buenos resultados. Ya sean links a sitios Web, imágenes o simplemente, información y respuestas, el hecho de que “googlear” se haya convertido en un verbo, explica –claramente- la relevancia que el buscador tiene para el día a día de las personas. Sin embargo, existe un lugar en el mundo en el que todavía no están completamente satisfechos. Y a pesar de lo sorprendente que pueda sonar, ese lugar no es otro que los propios headquarters de la compañía en Mountain View, California. Mucho cambió desde 1997, cuando dos estudiantes universitarios (Larry Page y Sergey Brin) crearon el motor de búsquedas que se convertiría en el más popular de su época. Muchos fueron los avances y tecnologías aplicadas a Google desde entonces. Algunas -invisibles para los usuarios- hacen que los resultados sean mejores o más rápidos; otras, en cambio, implican funcionalidades completamente nuevas. Pero a pesar del constante avance, el equipo encargado de la evolución del buscador tiene un complejo desafío entre manos, autoimpuesto por las propias palabras de uno de sus creadores: “El buscador perfecto debe ser capaz de entender exactamente lo que las personas quieren decir y responder con exactamente lo que necesitan”.

¿Cuánto falta para alcanzar esa perfección? Difícil de predecir con exactitud. Pero algunos de sus últimos avances dejan ver cuál es el camino que están tomando para alcanzar ese objetivo. “Estamos pasando de ser un motor de búsquedas a un motor de conocimiento”, explican a modo de resumen en la compañía, y remarcan que eso implica comenzar a entender a la gente y al mundo que la rodea. Hasta hace no mucho tiempo, Google comprendía cada entrada como una cadena de caracteres, que luego buscaba en un índice. Cuando encontraba una coincidencia, respondía con su clásica página blanca con links azules. Hoy, en cambio, Google ya es capaz de comprender y relacionar a las personas, lugares y cosas del mundo real. Por ejemplo, el buscador ahora sabe que el Obelisco de Buenos Aires tiene determinadas características (como su altura o año de inauguración) y una ubicación, entre muchos otros atributos. Y es a partir de esa comprensión, que puede comenzar a establecer conexiones. Puede mostrar qué otras búsquedas relacionadas se realizaron que, en este caso, pueden ser la Plaza de Mayo, la Casa Rosada y el Teatro Colón, entre otros. Google explica que el responsable de este nivel de análisis es algo llamado Gráfico de Conocimiento, que recolecta estos atributos de

+ El historial de búsquedas de un usuario puede ayudar a Google a intuir cuál de los posibles significados de “Belgrano” está necesitando.


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las personas, lugares y cosas del mundo real y los interrelaciona para poder ofrecer mejores respuestas a las preguntas de la gente. Así es como el buscador será capaz de responder a cosas como: “¿Cuál es el obelisco más alto del mundo?”, o “¿Cuántas mujeres ganaron el premio Nobel?”. Es también gracias al Gráfico de Conocimiento, que los resultados de búsqueda también están tomando nuevas formas, como los paneles con información que aparecen a la derecha de los resultados tradicionales. Esos paneles reflejan los atributos que Google recolecta de las cosas del mundo real, y ofrecen más información de la que el usuario estaba buscando en primer lugar.

además, tiene activado los servicios de ubicación en su celular, los resultados podrían ser aún más específicos, con pizzerías cercanas adonde se encuentre. Desde la compañía, aseguran que la evolución es constante. La mayoría de los cambios son y serán invisibles para las personas, pero lo cierto es que ése también es un objetivo. “Queremos que la tecnología no sea un obstáculo para la gente, sino más bien un asistente, que esté disponible con la información que ellos necesitan antes de que, incluso, tengan que pedirla”, aseguran. + www.google.com.ar

Llevado al mundo real, la perfección para Google implicaría entender qué quiere decir una persona cuando busca, por ejemplo, “Belgrano”. ¿Es el barrio porteño? ¿El prócer argentino? ¿O quizá el club de fútbol cordobés? Google todavía no tiene ese nivel de entendimiento, pero sí algunas pistas que pueden ayudarlo a ofrecer resultados más cercanos a lo que el usuario podría estar buscando. El historial de búsquedas -que los usuarios pueden activar o desactivar de acuerdo a sus preferencias personales de privacidad- es una de las tantas herramientas que le permiten a Google intentar “adivinar” cuál podría ser el significado exacto de una búsqueda. Por ejemplo, si uno ya ingresó términos como San Martín, Sarmiento y Moreno, es más probable que esté buscando próceres argentinos que clubes de fútbol. De la misma manera, el contexto y la estrecha relación que hoy los usuarios tienen con sus dispositivos móviles, le otorgan a Google otra pista que ayuda a comprenderlos cada vez más. No es lo mismo buscar “pizza” a las 5 de la tarde desde una computadora de escritorio, que hacerlo desde un dispositivo móvil a las 9 de la noche, y eso Google lo entiende. Las respuestas, en el primer caso, podrían ser recetas o información general sobre el plato. En el segundo, muy probablemente, la persona esté buscando lugares para comer. Y si

+ Interacción entre el mundo real y el buscador. A partir de la búsqueda del Obelisco, Google conecta con otras búsquedas relacionadas.

+ Mediante la búsqueda por voz, al emitir la palabra “pizza”, Google nos hará su mejor oferta, según el horario y el dispositivo que estemos usando.

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+ Audi TT Roadster

Autos descapotables Cielito lindo

Conducir con el viento en la cara, o viajar apreciando un atardecer, a través de un techo acristalado. Ambas son opciones a las que cada vez más se puede acceder, gracias a la gran oferta de este tipo de versiones que hoy existen. Autos para disfrutar más de lo que sucede afuera. | Texto: Elvio Orellana @emorellana33

Si de disfrutar del sol y del aire libre se trata, no hay dudas de que el verano es la estación ideal. Y si nos proponemos congeniar estos placeres estivales con lo que hoy se ofrece en la industria automotriz, no hay mejor propuesta que los descapotables. En nuestro mercado local, es cada vez más común ver a diferentes modelos –inclusive, de marcas generalistas-, despojados de sus techos. A éstos, se suman aquellos autos que, sin llegar a ser cabriolets, ofrecen variantes con techos panorámicos. DE LONA, COMO LOS DE ANTES Contrario a la idea que uno podía llegar a tener sobre los descapota-

bles, sus inicios estuvieron más ligados a un auto económico en vez de suntuoso, como lo representan hoy. El primer auto en incorporar una variante sin techo, fue el Cadillac de 1910. Esta versión con techo de lona era más accesible que la de techo rígido. En la actualidad, encontramos varias marcas que ofrecen versiones con sus capotas rebatibles de lona. Una de ellas es Audi, que dispone de una versión sin techo de su suntuoso modelo A5. Éste se acciona automáticamente, y requiere de apenas 15 segundos para abrirse y 17 para cerrarse. El otro gran baluarte de la marca que recurre también a un techo plegable de lona es el Audi TT


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1. Audi A5 Cabrio. 2. Fiat 500. 3. BMW Serie 1. 4. Citroën DS3.

Roadster, que se ofrece con motor naftero, 2.0 turbo de 211 CV, que puede combinarse con caja manual o automática de 6 marchas en ambos casos. La otra alemana, BMW, no se queda atrás, y ofrece el Serie 1. Su avanzado sistema de apertura le permite cerrar el techo en marcha, yendo a 50 km/h. Y si hablamos de BMW, no podemos dejar de nombrar a MINI, la otra firma que pertenece a este grupo. En MINI, son dos los modelos que recurren a las capotas: el MINI Cabrio S y el MINI Roadster, dos versiones a las que le queda muy bien esto de la lona, lo que potencia su estilo retro. Pero no sólo las alemanas son las que utilizan este tradicional y noble material para cubrir los techos. Desde principios del año pasado, se sumó a este listado el Fiat 500C, y luego lo hizo Citroën, en su modelo más “chic”: el DS3 Cabrio. Lo interesante de estos dos modelos -a diferencia de un descapotable convencional, en el que la estructura completa del techo, los pilares centrales y traseros se ocultan-, es que tanto en el Fiat 500, como el Citroën DS3, sólo se retira el rectángulo superior (es decir, la superficie que está sobre la cabeza de los pasajeros). En ambos casos, la lona se retrae y se extiende de manera automática, y desde las dos terminales coinciden en que este sistema otorga mayor seguridad a sus ocupantes, y una muy buena rigidez en su chasis. SUPREMACÍA DE LOS RÍGIDOS Dentro del universo de los autos sin techo, la tendencia más usual

es la de los techos rígidos rebatibles, más modernos que los de tela. Además de un mayor nivel de protección para los ocupantes, el techo rígido suma un incremento en la insonorización del habitáculo, y mejor protección contra las inclemencias del clima, fundamentalmente, el frío o las lluvias fuertes. Uno de los pioneros en este segmento fue el Mercedes-Benz SLK. El deportivo por excelencia de la marca de la estrella utiliza un techo retráctil panorámico de policarbonato, que se abre y se cierra en menos de 20 segundos. Ese es el tiempo que basta para pasar de un roadster abierto, a un coupé cerrado con techo fijo. Por su parte, la alemana Porsche ofrece en nuestro país a su clásico Carrera S descapotable. Esta “bestia” se impulsa por un motor de 3.8 litros de 6 cilindros, que desarrolla 520 CV, y se distingue por su panel de techo arqueado, que mejora la aerodinámica. Otra marca que permite tener un cupé (en caso de tener el techo cerrado) o un cabriolet (cuando techo rígido se oculte automáticamente) es Nissan, a través del 370Z. Por último, es más que destacado el papel que desempeña la única marca generalista que dispone de esta tipología de autos. Nos referimos a Peugeot, quien ofrece en nuestro mercado a los 207 CC y 308 CC. Ambos disponen como implemento de seguridad unos arcos detrás de las butacas, que se despliegan en cuestión de milisegundos, en caso de vuelco. Asimismo, tanto el 207 CC como el 308 CC sólo necesitan de aproximadamente 20 segundos para pasar de cabriolet a cupé.


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1. Peugeot 308 CC. 2. Peugeot 207 CC. 3. MINI Roadster. 4. Nissan 370Z. 5 y 6. Mercedes-Benz GLK.

PANORÁMICOS: PARA NO DESPEINARSE Una de las últimas tendencias en esto de “no tener nada sobre la cabeza” es la opción de los techos panorámicos (es decir, techos que reemplazan parte, o bien la totalidad, de lo que generalmente ocupa el techo convencional de chapa por superficies acristaladas). Dentro de este universo se encuentran, por un lado, la categoría de los utilitarios deportivos. Dentro de ellos, uno de los pioneros fue la Ford Kuga, que posee un techo solar de cristal fijo, y dispone de una cortina retráctil, en caso de que no se quiera dejar pasar la luz exterior. Otro de los SUVs (Sport Utility Vehicle) que ofrece una postal del cielo para quienes viajan en su interior es la Hyundai Santa Fe.

Lo bueno es que su techo no sólo aporta luz y visibilidad, sino que también se abre en su parte delantera. Si pasamos a los autos, también encontramos varios ejemplos. En el caso del Peugeot 308, posee un techo panorámico acristalado, que abarca hasta las plazas traseras (se cubre con una cortina motorizada con tecla “one touch”, ubicada entre las butacas delanteras). Y el último modelo en sumar esta variante fue el nuevo Citroën C3, que añade a su equipamiento un inédito parabrisas que la marca denominó “Zenith”. Éste se extiende desde el parabrisas delantero mismo unos 36,5 cm, permitiendo conseguir más de 80º de visión extendida. +

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MILAN DESIGN WEEK

8-13 APRIL 2014 At SUPERStUDIO tHE WORLD IS HERE, tHE FUtURE IS NOW: SETTINGS, MATERIALS, TENDENCIES, VISIONS FOR THE HOUSE THAT WILL BE - A NEW SECtION! SUPERDESIGN: SENSATIONAL UNIQUE PORPOSEFUL ECO-FRIENDLY REINVENTED FURNITURES AND OBJECTS FROM EVERYWHERE SELECTED BY GIULIO CAPPELLINI ARt-INtERACtION: VIDEOMAPPING, LIGHT INSTALLATION, DANCE&ARCHITECTURE, DESIGNER’S SCUPTURES, APHORISMS BOULEVARD EXHIBItORS: ALCANTARA • ANYTHINGBY • BEAU&BIEN • BIHAIN • BROTHER • BY HENZEL • CENTIMETER STUDIO • COTTO • DENISE M. HACHINGER DESIGN • EBAY • FORMAXIOM • FRANCESCO RAIMONDI • GREEN VILLAGE • IVANKA • KUROKAWA DESIGN PRODUCTS • LG HAUSYS • MARCHINGENIO • MELOGRANOBLU • METROCUADRO DESIGN • MINDBIKE / 180 DEGREE • NIKARI OY • PARSON • PORCELANOSA • PRODUCT DESIGN MADRID • REX KRALJ • TAGINA • THAILAND’S SLOW HAND DESIGN • T.MAGPIE • VEZZINI & CHEN DESIGN • VIA • VITAMIN DESIGN • VITRO • WA WALLVISION SWEDEN • THANKS TO ASUS. Superstudio Più, via Tortona 27, 20144 Milan - Superstudio 13, via Forcella 13 and via Bugatti 9, 20144 Milan Ph +39 02 422501 - info@superstudiogroup.com - online registration: www.superstudioevents.com www.superstudiogroup.com


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+ Primera cubierta de disco diseñada por Alex Steinweiss para Columbia Records, en 1940.

+ “Alex Steinweiss: The inventor of the modern album cover”, editado por Taschen en 2009.

Tapas de discos

Recrear el cuerpo de la música En esta nota, un breve repaso sobre los cambios en el diseño de packaging para discos. La opinión de músicos y diseñadores que, en una apuesta creativa, generan verdaderos objetos de colección. Una reciente publicación argentina aborda especialmente esta temática, de forma no convencional. | Texto: Ximena Niederhauser @x_niederhauser

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ideas creativas

+ 083 diseño

+ De Marco Sanguinetti, el disco “8”, con diseño de Laura Varsky y Leandro Castelao.

No hay duda de que música y diseño van de la mano y se miran de frente. En efecto, nos resulta casi imposible pensar en la promoción de un álbum, si no es acompañado de una estética particular, que complemente y sume valor al mensaje del artista. Es que, desde las antiguas partituras con portadas ilustradas hasta la llegada de la música grabada, y luego, los múltiples formatos digitales que hoy dibujan un nuevo panorama al mercado discográfico, lo cierto es que el arte de tapa impresa o digital ha cumplido un rol importante en el proceso creativo de un álbum. No sólo como una herramienta de marketing, sino como un vínculo distintivo entre las bandas y sus seguidores. Asimismo, nos encontramos con artistas y diseñadores que desde hace tiempo, buscan la manera de generar, a través del packaging, un valor agregado; un atractivo adicional que convierte al disco en un objeto preciado para coleccionistas y melómanos. Y atención, que no sólo pertenecen al mainstream, sino que, en muchos casos, la propuesta nace de los artistas independientes: en nuestro país, podemos pensar en las originales presentaciones en

formato y material de Pablo Dacal & las guitarras del tiempo, el nopack de La Nube Mágica hecho con sachets reciclados, el packaging con bolsas de aspiradora de Springlizard, en las propuestas innovadoras de La Chilinga, el trabajo íntegramente artesanal del grupo platense Pérez en “17 canciones para autopista”, entre tantísimos otros. Y en otro plano, tenemos ideas como la de “Backtracks”, una edición de colección de AC/DC, que no simula ser un amplificador de guitarra, sino que realmente lo es; o el disco “Todos somos niños”, de la banda catalana Caiko, que propone una ilustración hecha con un punzón, incluido en la caja del CD. Otro ejemplo: el blíster de píldoras como mini-CD de “Ladies and gentlemen we are floating in space”, de la banda inglesa Spiritualized. REVOLUCIONAR EL ESTÁNDAR El pionero fue el neoyorquino Alex Steinweiss, cuando en 1939 fue contratado como director de arte en Columbia Records, y logró aumentar las ventas de la compañía un 800%, con la primera portada ilustrada de la historia: “Smash Song Hits de Richard Rodgers


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+ El libro “Díscolo” recopila los casos más interesantes de packaging de bandas argentinas.

+ “Lerner Moguilevsky Alef Bet”, por Estudio ZkySky

y Lorenz Hart”. Vale decir: hasta ese momento, el envoltorio de los discos era una simple funda plana de cartón, perforada en el centro, para que se viese la etiqueta con el nombre del artista, las canciones, los compositores y el sello. Desde entonces, esa nueva fase creativa se convirtió en una revolucionaria, pero inseparable, necesidad artística y conceptual por parte de los productores. Y el desafío continuó. Romper con el formato cuadrado fue el siguiente paso. Sin ir más lejos, en Argentina, el antecedente lo dio el diseño para “Artaud” de Pescado Rabioso en 1973, a cargo Juan Gatti y el mismísimo Spinetta. Pues bien, nos preguntamos entonces, ¿por qué creció en el último tiempo la cantidad de packaging discográfico no convencional? ¿Se busca perpetuar un formato que se dice en vías de extinción, o es simplemente una tendencia? ¿Es una posibilidad accesible para cualquier grupo de música? ¿Deben los músicos ocuparse de esta parte del proceso? Las respuestas pueden variar, según cada caso. Nos encontramos, por ejemplo, con el recientemente editado “Díscolo”, un libro que recopila los casos más interesantes de packaging de bandas argentinas. Lucas Lombardía, de la imprenta Grafikar –realizadora del libro-, señala al respecto, que el espíritu ha sido siempre buscar alternativas innovadoras: “Hacemos alrededor de cien producciones discográficas por mes, y cada vez más músicos independientes hacen formatos fuera de serie, que no son la cajita plástica convencional”. Para ellos, por el momento, no hay motivo para que la tradición del disco físico desaparezca: “Imaginamos que el disco no es solamente un CD, y que todo ese peso emocional y creativo que es parte de la

industria cultural no va a desaparecer, aunque cambie el formato”. Por otro lado, Julieta Ulanovsky del estudio ZkySky, quien junto a su socia Valeria Dulitzky ha dirigido diversos proyectos discográficos para EMI, Los Años Luz y Sony BMG, comenta: “En general, nos solicitan que responda al formato estándar por una cuestión de costos -que no está mal-, y hacer así más sencilla la producción y futuras re-ediciones. A veces, vemos discos muy elaborados, aunque si algún doblez no coincide, el efecto se pierde”. Asimismo, en cuanto a las tendencias que se avizoran, Julieta afirma: “Las ideas siguen siendo más poderosas que los efectos. Con la apertura al mundo digital, la música debe encontrar nuevos formatos gráficos: salir de la nota musical sobre fondo celeste que unifica toda la música y salir de un cuadrado de 30 cm llevado a 2 cm. Lo digital dará nuevas respuestas, quizás, más interesantes”. Asimismo, para el músico y diseñador Marco Sanguinetti, el arte y packaging del disco deben formar parte del proyecto, y los músicos no pueden desentenderse del diseño: “Tiene que ser acorde al proyecto; a cada proyecto musical le corresponde un pack”. Del último disco de Sanguinetti, editado también en vinilo, el diseño estuvo a cargo de Laura Vasky y Leandro Castelao, propone desde su nombre “8”, una propuesta diferente a nivel conceptual. Para Marco, hay una necesidad de repensar estos formatos, siempre que tenga sentido: “Puede ser que haya una tendencia de tratar de llamar la atención de alguna forma; igual, no me parece lo más interesante para abordar un proyecto. Creo que ha habido casos en donde salirse del formato estaba justificado conceptualmente, como en Artaud de Spinetta”.


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+ La Chilinga, “Muñequitos del Tambor”, packaging incluido en el libro Díscolo, con diseño de Jimena Díaz Ferreira.

+ Ramón Ayala, “Cosechero”, por Estudio ZkySky.

+ Pérez, “17 canciones para autopista”, con diseño de Lucio Maselli.

El asunto, para muchos artistas independientes, a veces está en enfrentar creativamente las limitaciones que se presentan al pensar en el pack. Lucio Maselli, diseñador a cargo del arte de “17 canciones para autopista”, de la banda Pérez, nos cuenta su experiencia como productores de un disco hecho completamente artesanal, pero pensado en términos de diseño: “Pienso que todo diseño tiene limitaciones técnicas o económicas, y justamente eso es lo que le da carácter a un diseño. En este caso, forzamos muchas limitaciones, a fuerza de suerte y voluntad. Si bien fue necesaria una mayor inversión para la ejecución del pack, el costo final también apuntó a mantener el disco como un objeto accesible para el público”. SOBRE DISCOS HAY ALGO ESCRITO Algunas publicaciones se ocuparon, en el último tiempo, de reunir los trabajos más destacados de esta temática: Díscolo. Desobediencias creativas del packaging discográfico (2013). “La cubierta de un disco ha conectado al melómano con la obra del músico de una manera más emocional, personal, intensa y duradera que cualquier otro tipo de pieza de diseño”, señala el maestro Rocambole en el prólogo de este libro-objeto, presentado recientemente por la imprenta Grafikar, con la intervención del estudio de diseño Sujeto Tácito, y el aporte de diseñadores/ artistas referentes del packaging discográfico, como el mencionado Rocambole y Alejandro Ros. El libro reúne una selección de más de 150 producciones gráficas, entre las casi 5000 realizadas por la imprenta, en 20 años de trabajo. Álbumes de artistas como Luis Alberto Spinetta, Bajofondo,

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, Fito Páez, Divididos, Juana Molina, Los Auténticos Decadentes, Babasónicos, o Dread Mar I, entre otros, son parte de “Díscolo”. Cuenta con fotografías de los packagings, anécdotas de “taller”, historias de músicos, experiencia de diseñadores y material inédito de sus creadores, y además, incluye un glosario técnico de gran utilidad para diseñadores interesados en el packaging discográfico. A modo de “bonus track”, el libro vincula el soporte digital con el análogo, mediante la interacción de un smartphone y algunas páginas del libro, que contienen aplicaciones de Realidad Aumentada. La publicación también puede escucharse, ya que viene acompañada con un soundtrack de temas cedidos por los músicos, disponibles en Taringa! Música. Otros ejemplos son: Discográficas (2012) del diseñador y artista Lucas López, prologado por el crítico Pablo Schanton, quien sostiene: “La reivindicación del libro Discográficas es justiciera con los diseñadores gráficos que, antes de la irrupción del mp3, intentaron ser más artísticos de lo que la industria o los músicos les pidieron”. Alex Steinweiss: The inventor of the modern album cover (2009). Editado por Taschen, contiene en sus 420 páginas las míticas obras realizadas por el neoyorquino durante más de tres décadas, incluyendo innumerables obras originales para portadas discográficas de música clásica, jazz y pop para Columbia, Decca, London y Everest; así como logos, sellos, material publicitario e, incluso, su propia tipografía, la Steinweiss Scrawl. “Amo tanto la música y tenía tal ambición, que estaba deseoso de ir mucho más allá de lo que diantres me pagaran. Quería que la gente mirara la obra artística y escuchara la musica”, afirma el autor. +


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+ Philips Smart TV

Consumer Electronics Show Los androides quieren dominar el mundo

Android está en la mayoría de los celulares y tabletas que se venden hoy, pero quiere llegar mucho más lejos. | Texto: Ricardo Sametband @rsametband

Hace diez años nació, en California, la bestia que se llevaría al mundo tecnológico por delante. Se la conoce como Android, y tiene un antecesor (y contemporáneo), igualmente poderoso: Linux, que vio la luz una década antes, en 1991, de padre finlandés y madre multicultural. Android, que en un principio estaba pensado como el corazón de una cámara de fotos, estuvo disponible comercialmente en 2008, en un smartphone (el HTC G1, para los interesados), y desde entonces, comenzó a crecer en forma imparable. Tanto, que el año pasado se quedó con el 80% del mercado mundial de smartphones (que, a su vez, es más de la mitad del total de teléfonos celulares), y con el 60% de las ventas de tabletas.

Teniendo en cuenta la presencia que tiene Apple en el sector (que no es el que más vende en unidades, pero sí el que más gana), y la lucha que está imponiendo el dúo Microsoft/Nokia para quedarse con el tercer puesto en el rubro móviles, es difícil pensar en un crecimiento mayor de Android. Una presencia más sólida en tabletas, sin dudas, pero más allá de eso: ¿qué le queda? Mucho. Todo, en rigor: y eso se lo debe agradecer a sus orígenes, y es algo que en forma activa o pasiva, Google (dueña de Android desde 2005) está aprovechando. LO QUE HACE EL MERCADO Android es gratis, es abierto (es decir, se puede ver cómo funciona y modificar partes del código para adaptarlo a las necesidades de cada fabricante) y funciona sobre toda clase de dispositivos, algo


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ideas creativas 087 gadgets

+ Sony Smartwatch

que hereda de Linux, el sistema operativo abierto que ya es compatible, también, con una enorme variedad de equipos, desde supercomputadoras universitarias a relojes, pasando por televisores, tabletas, celulares, equipos de medicina, cajas registradoras, etcétera. Android es, en rigor, una variedad de Linux (una distribución, en la jerga), aunque incorpora algunos elementos y deja de lado a otros más convencionales en el mundo de las PC. ¿Por qué, entonces, es Android el que está llegando a los puntos más recónditos de la informática? Porque incorpora una serie de herramientas sofisticadas para la creación de aplicaciones, y porque está adaptado para funcionar sobre el hardware limitado de un teléfono celular. Uno de 2009 ó 2010, además, que hoy es muy económico, pero poderoso. ¿Dónde está Android, entonces? Primero, en la columna vertebral de la informática personal (smartphones, tabletas, computadoras portátiles). En la última Consumer Electronics Show de Las Vegas, varios fabricantes mostraron notebooks que usan Windows 8 y Android en forma simultánea; el usuario elige qué quiere y en qué momento. Aunque son más un globo de ensayo, que algo que realmente renueve la computación personal, muestran su ductilidad. ¿Dónde más está Android? En relojes inteligentes, como el Samsung Galaxy Gear; en anteojos, como Google Glass; en consolas de videojuegos económicas, como Ouya o la flamante Huawei Tron. ¿Poca

cosa? El 90% de los juegos disponibles para Android se ofrece sin cargo, ambas consolas son económicas (rondan los U$S 100 en Estados Unidos) y llevan procesadores de Nvidia, la firma conocida por sus hardware de gráficos para PC. La de Huawei porta el más reciente procesador de Nvidia, que llegará al mercado en la segunda mitad de este año y tiene, según su fabricante, un poderío gráfico superior al de la PlayStation 3. Android está también en cámaras de fotos, porque es rápido y barato para sumar funciones de edición y distribución de las imágenes (publicar en redes sociales, enviar por mail, etc.); en proyectores como el ZTE Projector Hotspot, porque hoy pueden ser pequeños, porque permiten, con un navegador o una aplicación de streaming de videos, complementar la reproducción de una película o una presentación. En televisores también, claro. Hoy, la diferencia entre un televisor y una computadora con una pantalla enorme es mínima, como dejó en claro Philips con su nueva línea de Smart TV, que usa Android para gestionar todas sus funciones. En Estados Unidos, la firma Dacor vende un horno con Android (para cargar recetas y controlar la temperatura del horno y el anafe); Samsung y LG ofrecen heladeras con Android (permiten ver desde mensajes que dejó otro integrante de la familia a recetas en video, pasando por fotos, mail, etc.); NordicTrack, un cinta para


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+ Asus Transformer Book Duet, proyector ZTE Hotspot y consola de videojuegos Ouya.

hacer ejercicio con un panel repleto de funciones deportivas; o nanosatélites lanzados al espacio por la NASA, entre otras cosas. LO QUE HACE GOOGLE La expansión de Android más allá de su terreno original (los smartphones y tabletas) la hizo la industria sin pedirle permiso a Google; allí está el atractivo de Android, ya que cualquiera puede usarlo. En rigor, para acceder a algunos servicios de Google (y tener disponible la aplicación de Gmail, la de los mapas o su tienda de aplicaciones), sí es necesaria una certificación. Pero para usarlo de base para darle vida a un dispositivo, no. En la primera quincena de 2014, Google hizo dos anuncios que muestran cómo piensa llevar su plataforma más allá de la computación tradicional. Primero, con el anuncio de la Open Automotive Alliance, integrada por Google, Audi, GM, Honda, Hyundai y el fabricante de chips Nvidia. Su intención: integrar Android en los autos y usarlo como base para su sistema de entretenimiento (la computadora de abordo sigue siendo terreno casi exclusivo de QNX, una subsidiaria de BlackBerry). Recién los veremos a fin de año, y no es la única plataforma digital que avanza en este punto; el Siri de Apple está comenzando a aparecer integrado en varios modelos de autos, y Microsoft viene trabajando con las automotrices hace más de una década. La diferencia

es que Google busca crear un entorno para que los desarrolladores de software puedan ofrecer sus aplicaciones optimizadas para el sistema multimedia del auto. Segundo, la compra de la firma Nest en U$S 3200 millones. Nest hace unos termostatos muy modernos; muy de la era digital. Están conectados, y ése es un dato clave. No está claro qué quiere hacer Google con la compañía, pero es probable que busque reactivar Android@home, una plataforma para usar Android como base para interconectar toda clase de dispositivos en el hogar, que presentó en 2011, y que luego quedó medio en el olvido. La tecnología progresó, sin embargo, y 2014 se perfila como el año de despegue de la llamada “Internet de las cosas”, que presume un mundo en el que todos los dispositivos -aún los más inocentes, como cafeteras o lamparitas- tengan conexión a Internet y ofrezcan cierta interactividad (mostrar si están funcionando, aceptar órdenes remotas, etc.). Para que todos estos dispositivos sean capaces de acceder a Internet, necesitan un sistema operativo que administre las funciones básicas de conectividad. Y aunque no es ni por asomo la única alternativa, el Android de Google –cortesía, entre otras cosas, de los mil millones de equipos que lo llevarán en su interior este año, que se suman a los anteriores- está comprobado su funcionamiento -y sus limitaciones-, se perfila como la solución ideal. +

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+ Maia Astrid Croizet, Cars

portfolio fotográfico

Maia Astrid Croizet | Curador: Aldo Bressi @aldobressi Maia Astrid Croizet empezó fotografía desde muy chiquita y, desde entonces, ha realizado distintos cursos en Argentina, España y México. Actualmente, se desempeña como fotógrafa de las revistas Para Ti, Para Teens y 90+10. Asimismo, ha colaborado para las revistas Corsa, Mujer Country, Entrecasa, Haciendo Cine y Móvil, entre otras. Paralelamente, realiza diferentes trabajos para WATIO, estudio de fotografía creado en el 2007 junto a Micaela Colace. Trabaja con cámaras digitales y analógicas de medio formato. Dado su fanatismo por los autos, elegimos mostrar una selección de imágenes de su serie “Cars”. “Con un entorno familiar fierrero, siempre sentí interés por los autos: desde las carreras, hasta los autos citadinos y cotidianos. Mi abuelo tenía un auto deportivo para los fines de semana y mi hermano corría profesionalmente. Hace unos años, realicé mi primera serie sobre las carreras nacionales y los entornos que se generan alrededor de esos circos que se montan por un fin de semana, y luego desaparecen. Pero en esta serie, decidí mostrar otro aspecto de la relación entre los autos y las personas. Cada lugar en el mundo tiene, para mí, su propia relación con su parque automotor, y eso fue lo que llamó mi atención de México. Esa fuerte mimetización con la vida norteamericana. Personajes autóctonos con motores v8 gigantes, fuertes colores y banderas con estrellas. Dentro y fuera del Distrito Federal, fui retratando diferentes situaciones de las personas con su vehículo o el entorno con los autos”. + www.maiacroizet.com

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+ Maia Astrid Croizet, Cars


+ Maia Astrid Croizet, Cars


+ Maia Astrid Croizet, Cars


+ Maia Astrid Croizet, Cars


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+ Alvar Aalto en Maison Louis Carré (1958-59, 1961), el 14 de octubre de 1959.

Alvar Aalto Atrapar la luz Fue uno de los arquitectos y diseñadores más destacados del siglo XX. El finlandés Alvar Aalto es un representante icónico de la arquitectura moderna, una figura icónica del diseño escandinavo y, aún hoy, una fuente inacabable de inspiración para generaciones jóvenes. Hasta mayo, el Museo Le Grand Hornu, de Bruselas, le rinde homenaje al hombre que se animó a mirar detrás de la luz.

| Texto: Natalia Iscaro @Natusfila Fotos: Gentileza Alvar Aalto Museum


clásicos contemporáneos

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+ National Pensions Institute (1948, 1953-57). Sala de reuniones, 1979. Lámparas colgantes A335 (1950s). Foto: Martti Kapanen.

La luz es fuego. Una bola crepitante que, rehén de los movimientos astrales, nos ofrenda su calor y garantiza nuestra supervivencia, aún cuando durante horas se marche a otras latitudes. A lo largo de los años, arquitectos y diseñadores se han dedicado a estudiar, reproducir y plasmar esta luz natural; han procurado retener a los tacaños halos lumínicos para ponerlos al servicio de sus creaciones; han inventado y aprovechado recursos que les permitan reproducir -a su empacho- una forma nueva de mirar y habitar. Desde febrero y hasta principios de mayo, el museo Le Grand Hornu, en Bruselas, presenta la muestra “Lightings”, una exhibición que permite dar cuenta de cómo el finlandés Alvar Aalto (18981976) fue un precursor en el estudio de formas y materiales que dieran vida a una iluminación ideal para el interior de cada edificación. Para él, además, la luz cumplía un rol social y psicológico y, en términos de diseño, su obra nos remite a lo que hoy conocemos como estilo escandinavo, tan exquisito y simple, como sofisticado. La muestra incluye una instalación: una caminata suspendida sobre el agua, en cuyo trayecto las obras de Aalto cuelgan y reflejan su luz. Contrastes, luces, sombras y reflejos dibujan las pinceladas

que el finlandés soñó, décadas atrás. En la segunda y sección final de la muestra, se incluyen documentos, fotografías y dibujos, que describen la génesis de las luces, sus mecanismos y el vínculo irresoluble con la arquitectura que las contiene. Espacios cívicos, médicos y residenciales describen a la perfección una búsqueda, y un posterior hallazgo para una solución puntual. Como prismas, sus luminarias forman patrones que redefinen espacios, y siempre están inspiradas en la naturaleza, una constante en la obra de Aalto. Hoy en día, sus piezas son aún producidas en masa, y vendidas con éxito en todo el mundo. Pero, para contar la historia de este creador intuitivo, comprometido y ciertamente poético, debemos referirnos también a su época -industrial, revolucionaria y social-, de su esposa y aliada creativa, y de la tierra que lo vio nacer. BOSQUES TUPIDOS Y LAGOS SINUOSOS En el pequeño pueblo de Kuortane, en 1898, nació el primero de cuatro hermanos: Hugo Alvar Henrik Aalto. Cuando la familia se mudó a Jyväskylä, el primogénito no sólo asistió a una escuela, sino que también contempló azorado el cambio de su entorno: de


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un terreno plano, pasó a estar flanqueado por colinas y lagos, escenario que con el correr de los años, seguiría siendo su permanente inspiración. A la hora de estudiar arquitectura, partió a Helsinki, a la Universidad Politécnica; estudios que se vieron interrumpidos para cumplir con su deber en la guerra civil que resultó en la independencia finlandesa, en 1917. Para 1921, Aalto ya contaba con su título. Sin embargo, como los trabajos que recibió entonces no fueron los que esperaba, regresó a Jyväskylä. Allí estableció su oficina y conoció a Aino Marsio (1894-1949), arquitecta que ingresó como su asistente: una mujer moderna y viajada con la cual, en 1924, se casó. Su luna de miel los llevó por Italia, una exploración geográfica y espiritual, cuyo legado se revela, por ejemplo, en su obra del Club de Trabajadores de Jyväskylä. En 1927, Aalto ganó el concurso para el edificio de la Cooperativa de Agricultura de Finlandia y la familia se mudó a Turku, donde nació su segundo hijo, y donde recibió la inspiración del Funcionalismo. En contacto con la Bauhaus, en 1929 diseñó uno de sus edificios icónicos: el Sanatorio Paimio para tuberculosos, donde además de avances tecnológicos, los pacientes disfrutarían de elementos arquitectónicos como soleados balcones abiertos a magníficas vistas; un proyecto que le valió reconocimiento en todo el mundo. Los muebles, así como muchas otras de sus creaciones, estuvieron a cargo de su mujer, Aino, mayormente, en madera laminada. En 1935, ambos fundaron la empresa Artek, la cual todavía produce mobiliario y piezas de iluminación. En 1933 regresó a Helsinki, donde se le encomendó el desarrollo de la Biblioteca de Vipuri, que fue un ejemplo para posteriores edificios civiles modernistas. En su techo, 57 lucernarios permiten

una iluminación perfecta, sin que los muros se vean interrumpidos por ventanas; en el salón de conferencias, finos listones de madera adoptan formas onduladas para resolver la acústica del recinto. Fue por entonces que comenzó el diseño de una casa para sí mismo, en Helsinki, en la cual vivió por el resto de su vida. Estuvo lista en 1936, y fue como un manifesto de su estética, que combina materiales y vocabulario moderno. El uso del entorno natural como punto de partida se convirtió, entonces, en la marca registrada de Aalto. Pero no fue sino hasta que finalizó la Villa Mairea (1939), en Noormarkku, para Harry y Maire Gullichsen -matrimonio de empresarios de la madera, clientes, amigos y mecenas-, que Aalto logró dotar a la estética racionalista de una sensación de lujo hasta entonces nunca lograda. En su viaje por los Estados Unidos, en 1938, el finlandés se interesó por la estandarización, y por el potencial de las formas orgánicas. Con este espíritu, diseñó el pabellón para la Feria Mundial de Nueva York. Recibió un gran apoyo norteamericano, donde fue nombrado profesor en la MIT, en Cambridge. Allí permaneció ocho años, durante los cuales proyectó la Baker House (1947), sorprendente residencia cuya planta acompaña los movimientos serpenteantes del río Charles. Tras la muerte de su esposa, en 1949, el finlandés comenzó el diseño de un espacio para sus escapadas de verano en la Isla Muuratsalo, en suelo local. Un espacio que se convertiría en un estudio de materialidad y construcción. Más de 50 tipos de ladrillo se configuran en este proyecto, dispuestos en diversos patrones. Este material -tradicional del norte de Europa, pero despreciado por el modernismo-, le gustaba porque cada ladrillo era único. Y porque bajo su mirada -afín con su amor por la madera y el vidrio-, es un material que expresa el talento de los artesanos. El ladrillo sería, finalmente, lo que lo liberaría del lenguaje moderno.


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La guerra fue un golpe fuerte para Aalto, tras la cual se dedicó especialmente al desarrollo de edificios de viviendas prefabricadas, como parte de un plan de reconstrucción nacional. En 1952, la joven arquitecta Elsa-Kaisa Mäkiniemi se convirtió en su segunda mujer y colega. El ladrillo se transformó en una motivación y casi obsesión: desarrolló piezas él mismo, para lograr diferentes tipos y formas. Comenzaron los viajes, se afianzaron los premios y reconocimientos, y proliferaron sus obras en el exterior. Para Säynätsalo, diseñó una villa isleña, el Ayuntamiento, elaborado de ladrillo y madera. Aún le restaba dar vida a la maravillosa Casa de la Cultura de Helsinki (1975), ciudad en la cual moriría, un año después. Aalto fue un fruto del Modernismo; el Modernismo fue fruto de Aalto. EL ARTEFACTO MODERNO Vuelta al pasado. El siglo XX está en pañales, la industria marca el ritmo de la vida urbana. En la tierra de las promesas, los Estados Unidos de América, un ingeniero norteamericano llamado Frank Lloyd Wright (1867-1959) descubre, pasmado, las infinitas posibilidades del hormigón armado; y sueña, despierto, con dar vida a espacios tan abiertos como le sea posible. Lejos, muy lejos, del otro lado del Océano Atlántico, un arquitecto francés, Charles-Edouard Jeanneret (1887-1965) –quien años más tarde publicaría sus ideas como Le Corbusier-, se promete romper con la manera de crear edificios del siglo anterior: despojarse de los ornamentos y buscar la simpleza de los conceptos. Miles de kilómetros al noreste, en tierra alemana, Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969) declara “menos es más”, y sueña con un rascacielos de vidrio y una escuela: una usina creativa en donde poder transmitir sus ideas. Todo esto ocurre en espacios urbanos, centros neurálgicos que configuran el eje del pensamiento, lo que luego se convertiría en Arquitectura Moderna. Aquella que se permitió, por primera vez, desconocer las pompas de la edificación

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anterior y convertirse en intérprete de su era. Al norte del continente, entre bosques tupidos de madera fuerte, bajo copas nevadas de un clima hostil, rodeado de lagos congelados, luminosos y despojados, un hombre contempla el paisaje y piensa: “La ciudad en las colinas es la forma más pura, única y natural de urbanidad”. La experiencia visual es conmovedora. Alvar Aalto, finlandés en suelo natal, es otro hijo de su tiempo, pero también, y especialmente, de su geografía. ¿Cómo atrapar esa luz? La respuesta le llegaría años después. Cuando, en plena época de trabajo ininterrumpido, junto con su mujer, Aino, fundaran Artek, para ambientar los ambientes que él mismo había diseñado y construido. Así nacieron sillas, como la reconocida Paimo, para el sanatorio de tuberculosos, bajo ideales higienistas; sus piezas de vidrio, material que amó, y que le permitió explorar con las formas orgánicas y el color, y dar vida al afamado Aalto Vase, con las formas sinuosas de los lagos de su país; y las luminarias, deliciosas muestras de sofisticación al servicio de su previa concepción de cada espacio y cada sensación. Las hay colgantes y de pie, doradas, plateadas, blancas, en capas y de formas que recuperan de su entorno y que resultan de una observación minuciosa, y de una búsqueda por recrear una mística particular. Así, en Finlandia, Aalto hizo eco de una luz difusa, tenue, recogida en sí misma, para hacerle frente a temperaturas extremas, para reposar en viviendas cálidas y serenas que, además, consigan una potencia visual como para atravesar su propia superficie. Puro, simple, sobrio: así es el diseño escandinavo hoy, gran parte de lo cual se debe a Aalto, quien afirmó: “Un edificio es como un instrumento, debe absorber todas las influencias positivas, e interceptar todas las influencias negativas que afectan al hombre. Un edificio no puede alcanzar este fin sin el matiz que, con tanta finura, posee el medio en el cual se encuentra”. + www.alvaraalto.fi


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Revista 90+10 #48