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+35 + Espacio de Creatividad Qubic en Inspiration Day + Diseño. Foto: Maia Croizet para www.watio.com.ar

sumario +mundo creativo 014 diseño, art toys, inspiration fest, arquitectura, arte, green design, publicaciones, experiencia konex, lugares, marketing, música, eventos, fragancias, accesorios, destinos, branding y diseño, agenda, Premium, gadgets, vehículos

+ideas creativas 084 092 098 124 090 094 108 096 104

+ Workshop Humatoy by Sael en Inspiration Day + Diseño. Modelo: Wustavo

106 112 118

diseño Festival Internacional de Diseño de Buenos Aires Celebrar (y repensar) el diseño London Design Festival Diseño experimental: más que productos Casa FOA Un clásico de regreso TRImarchiDG Una década de diseño

vehículos Salón de Frankfurt Poderío alemán

arte Absolut Art Gallery Catalizador de creaciones Cultura en Miami Arte en pleno auge

tecnología Usar la tecnología para trabajar (y no al revés) Experiencia Full

moda London Fashion Week Moda bajo el cielo inglés Grey Colours La Federación de la Luz

Quiroga, Foto: Maia Croizet para www.watio.com.ar

+clásicos contemporáneos +personas creativas 060 066 074 070 078 082

gastronomía Ferran Adrià La reinvención de la cocina

diseño Martín Azúa La riqueza suprema Sacha Lakic Diseño en movimiento

arte Olafur Eliasson Percibo, percibes, percibimos United Unknown Arte y activismo a conciencia

moda Narciso Rodriguez Listo para vestir

127 128

marketing Raj Nagra Nuevo Embajador Global de Bombay Sapphire

diseño Frank Memelsdorff “Del diseño hago todo, menos diseñar”

+portfolio fotográfico 135

Alejandra Urresti

144

+english summary

146

+conexión


+35 + De la colección Speed Up, aparador de Sacha Lakic para Roche Bobois www.roche-bobois.com | www.lakic.com

staff Director / Publisher Gonzalo Joaquín Fargas gfargas@90mas10.com.ar @gonza9010 Editora Marcela Fibbiani marcela@90mas10.com.ar @marce9010

Diseño Gráfico Hernán Patto Leandro Marenzi

Gestión Comercial Claudio Boleda claudio@90mas10.com.ar

Diseño de Tapa Patricio Oliver www.patriciooliver.com.ar

Departamento Comercial publicidad@90mas10.com.ar

Dirección Comercial Daniel Urrestarazu daniel@90mas10.com.ar

Producción Dulcinea Sedam dulcinea@90mas10.com.ar @DulcineaSedam

Colaboran en esta edición Aldo Bressi, Arts Moved, Carlos Piedrabuena, Carolina Prioglio, Catherine Tanazacq de Stigliano, Diego Giaccone, Elvio Orellana, Federico Laboureau, Fernanda Cohen, Germán Andrés, gt2P, Javier Villa, Jorgelina Peciña, Leila Mesyngier, Lucrecia Bertani, Maia Croizet, Margarita Gozalvez, Natalia Iscaro, Patricio Oliver, Ricardo Sametband, Tatu García y Wustavo Quiroga Nuestros colaboradores Fernanda Cohen Porteña patriota, neoyorquina desde el 2000, ilustradora prolífica, graduada y profesora de la School of Visual Arts, docente en la UP, artista de Elsi del Río, miembro de PLat, productora de conferencias en la Society of Illustrators of New York, directora de arte de Terrorismo Gráfico y columnista de 90+10, American Illustration y Móvil. Entre sus clientes, se cuentan The New York Times, Coca-Cola, Sex and the City, Carolina Herrera, MTV, DDB, BBDO, Draft FCB, The New Yorker, The Gap, Clarín, MoMA Store, TiendaMalba, Jazmín Chebar y Martín Churba. Foto: Federico Finkielstain. + @fernandacohen Elvio Orellana Su pasión de adolescente por los “fierros”, especialmente por las motos, hizo que el lugar más frecuente donde se lo podía encontrar, eran los cerros de su Salta natal. Los variados test vocacionales que realizó, indicaban a la carrera de Comunicación Social como la más acorde por su perfil comunicativo, y fue así que llegó a Córdoba, donde se recibió en el año 2002. Ya lleva doce años como periodista especializado en automotores del diario La Voz del Interior, y colabora en importantes medios de gráficos, entre ellos, 90+10. Fue elegido jurado del PIA (Periodistas de la Industria Automotriz), que corona los mejores vehículos de la industria nacional. + @emorellana33

Distribución en kioskos CABA y GBA Vaccaro, Sánchez y Cía. S.C. Moreno 794, Piso 9º Tel. (+5411) 4342-4031/32 Distribución en el interior Distribuidora Interplazas S.A. Pte. Luis Sáenz Peña 1836 Tel. (+5411) 4305-0114

Producción Gráfica Help Group www.hgprint.com.ar info@hgprint.com.ar

Suscripciones Librería técnica CP67 Florida 683 - Local 18 Tel. (+5411) 4314-6303 Fax (+5411) 4314-7135 cp67@cp67.com

Asesoría Legal Dr. Mariano Javier Gattelli estudio_gattelli@hotmail.com

Librería Concentra Montevideo 938Tel./Fax (+5411) 4814-2479 libreria@concentra.com.ar

Domicilio Legal: Av. Raúl Scalabrini Ortiz 2553 – Piso 13 “E” (C1425DBG) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina Domicilio Redacción: Cerviño 3814 – Piso 4 “A” (C1425AGU) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina info@90mas10.com.ar | 90mas10.com.ar Revista 90+10. Editor responsable y propietario: 90+10 SRL. Queda prohibida la reproducción total o parcial del contenido sin la previa autorización del editor. Las notas firmadas son responsabilidad de sus autores. Registro de la propiedad intelectual Nº 943748 | ISSN 1668-6403 Año 8 - Nº35 – Noviembre / Diciembre 2011


+35 + Muestra Pequeño Mundo de Personajes! en Inspiration Day. Foto: Maia Croizet www.inspirationfest.com

editorial “Si piensas bien, crearás bien”. Esta es la frase que más me gustó de una de las entrevistas que podrán leer más adelante. Y fue dicha por el español Ferran Adrià, que fuera catalogado por la revista Time como una de las cien personas más influyentes del mundo. Semejante reconocimiento amerita, al menos, prestarle un poco de atención, y reflexionar sobre estas palabras. Tener pensamientos positivos es lo que debemos proponernos cada día, porque creo que es el motor más genuino, a partir del cual, todo funciona de la mejor manera. Con esta base sólida, cada una de nuestras acciones será tan noble y posible como queramos. Y para pensar bien, hay que ejercitar la mente y el espíritu, tratando de hacer diariamente aquellas cosas que nos gustan, que nos dan satisfacción, y también saber compartirlas. Pensamos bien cuando nos reímos, cuando nos encontramos con gente querida, cuando vemos un espectáculo, leemos un libro, escuchamos música, y hasta cuando salimos a correr o andamos en bicicleta (la lista puede ser tan larga como subjetiva). Lo que quiero decirles, es que cada uno debe descubrir qué lo apasiona y dedicarle tiempo a eso, porque es la clave para que el resto de las piezas de nuestra vida se acomoden y funcionen como un engranaje. Por eso quiero compartir con ustedes, queridos lectores, esta simple, pero reveladora fórmula que también pregona Adrià. Y les acerco, en las páginas que siguen, una nueva edición de 90+10 que selecciona, especialmente para ustedes, el trabajo de personas inspiradoras y muchas ideas creativas, que espero les sirvan para alimentar sus buenos pensamientos. + Marcela Fibbiani Editora CONEXIÓN DIGITAL Con los links de 90+10 (9010.co), accedés directamente a la versión digital de la nota (disponible para las secciones: personas creativas, ideas creativas, clásicos contemporáneos, portfolio y especial), para poder compartirla, comentarla, ver más material de fotos y video, y acceder a los todos links vinculados. Una nueva manera de conectar el medio en papel con el mundo digital. + 90mas10.com

+ Chicos y grandes creando una instalación propuesta por Sael en el CMD. Compartir nos hace pensar bien y crear bien. Foto: Page_

FOTO DE TAPA Fotografía Tatu García www.tatugarcía.com Estilismo y Producción Federico Laboureau www.federicolaboureau.com Modelo Fran para Visage Models www.visage-models.com Pelo Jimena Lemk Make Up Sofi Klei para Sofi Klei Studio www.sofiklei.com Asistente Fotografía Sergio Claudio www.sergioclaudio.com.ar Asistente Make Up Josefina Myh josefinamyh@gmail.com Retoque Digital Nicolás Fazzioli www.nicofazzioli.blogspot.com + Camisa con flores y pantalón naranja de lino: Christian Lacroix www.christianlacroix.com.ar. Anteojos: Infinit Margot www.infinit.la


012

+ mundo creativo

Texto: Jorgelina Peciña

diseño

Colbo

Cerámica que vuelve Cuando algo fue realmente bueno, aunque se crea olvidado, puja por volver, más aún si hay alguien dispuesto a traerlo del olvido para que vuelva a brillar. Esta es la historia de Colbo, un proyecto del ayer, que hoy se renueva. Sucedió a fines de los años 40, cuando la pareja de arquitectos Colette Boccara y César Jannello, se trasladaron desde Buenos Aires hacia Mendoza para hacerse cargo de la Escuela de Cerámica de la Universidad Nacional de Cuyo. Durante los años siguientes, Colette produce piezas en gres, un material también conocido como porcelana roja, por sus propiedades de resistencia y pureza superficial, que se extrae de la cordillera mendocina. Así, experimentó con formas triangulares, dando como resultado una serie de piezas en las que el diseño resuelve con inteligencia y belleza problemas técnicos propios del material y la producción, a la vez que se optimiza la eficiencia de la cadena productiva, privilegiando siempre el desempeño de las piezas en situación de uso. Entre 1960 y 1965, con nueva maquinaria, se funda Colbo Gres Cerámico, lo que da origen a su juego de vajilla, conocido por contar con una línea formal y coherente, ganando reconocimiento por su calidad. De la mano del hijo de los arquitectos, Matías Jannello, la fábrica mejora en eficiencia y productividad y avanza en el desarrollo de nuevas líneas. También, establecen una producción de vajillas decoradas con serigrafías vitrificables de artistas como Bruno Jannello hijo, o Líbero Badii. A pesar del éxito, a principios de los 80, la fábrica cierra y se interrumpe así la historia de uno de los pocos casos

de empresas dirigidas por el diseño en la Argentina. CUANDO VOLVER ES POSIBLE Con el proyecto de recuperación patrimonial realizado por Fundación del Interior en la conformación de Guón!, la colección de diseño mendocino, el curador de diseño Wustavo Quiroga y su equipo, proponen recuperar a partir de los recursos disponibles la experiencia productiva, generar nuevos puestos de trabajo y dar continuidad a piezas de alto valor intrínseco. Desde 2007, Matías Jannello junto a los jóvenes diseñadores Martín Endrizzi y Macarena Ponce, recuperaron el know-how de Colbo con su reapertura. Así, apoyados sobre las nuevas tecnologías dirigidas por el diseño, logran continuar la herencia y dar respuesta a la demanda de vajilla gourmet, planteada por el creciente desarrollo gastronómico-turístico del país. Prueba de este compromiso es la obtención del Sello de Buen Diseño, recientemente otorgado por la Subsecretaría de Industria de la Nación. Las nuevas piezas de Colbo Gres Rojo, que serán presentadas formalmente en diciembre, en la Tiendamalba, evolucionan la pureza formal, incorporan colores con esmaltes variados y se diversifican con aplicaciones serigráficas. + www.colbo.com.ar/colboweb


014

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro

diseño

Bolsos creativos by Jeremyville El nuevo artista de LeSportsac, gracias a su programa Artist in Residence Collection, es Jeremyville. Y, gracias a esta fusión, los consumidores de la marca podrán sumergirse en el universo propio de este artista y diseñador de productos, cuyos vibrantes personajes y colores ya se imprimen en la línea titulada “Inspirations”, que hoy se aplica a bolsos, morrales y mochilas. Para su creación, Jeremyville trabajó junto con su socia creativa, la directora de arte y diseñadora Megan Mair. Ambos dieron vida a los motivos Jeremyville NYC, basado en sus dibujos de cada uno de los barrios de Nueva York, en las tonalidades gris concreto, negro gráfico y azul cielo. Luego, la serie “Bondi Beach Sketchbook” se basó

+ Tapa del libro “El Oro de Moscú” de Isidoro Gilbert, Ed. Sudamericana.

escenas de su barrio en Bondi Beach, donde Jeremyville creció y hoy tiene su estudio, de los cafés al mar; todo con un recurso de dripping (chorreo), nubes gráficas y graffitis, que conforman el universo de surfers y skaters. Y, finalmente, en “Tomorrow Forest” los artistas partieron de las extrañas y diversas criaturas que pululan en los dibujos de Jeremyville, como su Magic Bunny, en una cartera y un bolso creados especialmente con formas de conejo. Futuros íconos de los fans, pasados y futuros, de LeSportsac. + LeSportsac Buenos Aires (Malabia 1706, CABA) www.lesportsac.com | www.jeremyville.com

+ Tapa del libro “Se nos fue María y mi vida es un caos”, de Jéssica Fainsod, Ed. Sudamericana.

Distinción al diseño para Juan Pablo Cambariere Bajo el nombre del que fuera presidente de la ANBA (Asociación Nacional de Bellas Artes) y uno de los mayores impulsores del diseño en la Argentina, el Premio Nacional de Estímulo al Diseño Basilio Uribe fue entregado, en octubre, a Juan Pablo Cambariere. Junto a él, habían sido seleccionado previamente para la selección, Juvina Inés Ten y Gustavo Doradillo (ambos recibieron una mención), Laura Varsky, Sebastián Gallo, Pablo Nucíforo y Díaz, Andrés Romero Jones y Dan Waisman.

Los trabajos de todos ellos fueron expuestos en el MAMbA (Museo de Arte Moderno de Buenos Aires), tras un acto inaugural que fue encabezado por la directora de dicha institución, Laura Buccellato, junto al destacado diseñador Ricardo Blanco. Cambariere recibió un diploma de honor y diez mil pesos, además de su exposición en el museo. Participaron diseñadores con título nacional, que no habían cumplido los cuarenta años. + www.anba.org.ar | www.cambariere.com


016

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro

diseño

+ “Florero” de Stanziano y Batti. www.stanziano.com.ar www.batti-artdesign.blogspot.com

+ Percheros “Trapo” de Fugamanía. www.fugamania.com.ar

+ Lámpara “Rulo” de Fugamanía. www.fugamania.com.ar

+ Set de escritorio de Diseñaveral. www.diseniaveral.com

Proyecto Estudios: colección acrílica Paolini, un importante productor de láminas plásticas del país, y Manifesto, líder en el mercado de venta de piezas de mobiliario clásico y contemporáneo, dieron vida a una iniciativa cuyo lanzamiento fue muy celebrado. Se trata de la primera edición del Proyecto Estudios, que tiene como misión invitar a artistas talentosos del país, para crear nuevos objetos y productos, utilizando como materia prima al acrílico Paolini. Participaron de esta primera tirada Leo Sarra y Leo Liberti, quienes presentaron un biombo “Grafismos Espaciales”, el cual explora la capacidad elástica del material, en un trabajo con el eje conceptual en los efectos ópticos. Por su parte, el estudio Diseñaveral creó un set de escritorio compuesto por lapicero, porta tarjetas personales, porta block de papel y porta clips, a través de un proceso de reciclado del scrap (desechos de acrílicos), con

líneas simples y formas geométricas. Stanziano y Batti lanzaron un “Florero”, para explorar la refracción de la luz al atravesar las diferentes caras del material, en una pieza delicada y minuciosa. Y finalmente Fugamanía, que presentó tres productos: el perchero “Trapo”, en una sola pieza de acrílico, que demuestra la maleabilidad del material al simular una tela colgada; la familia de lámparas “Rulo”, que generan un juego morfológico entre pantalla y la luz, liberando a esta última progresivamente; y el revistero “Bobina”, en una pieza de acrílico modular, termodoblada, y que transmite el movimiento del recorrido del papel a través de los rodillos de impresión, y que puede ampliarse añadiendo más revisteros. En suma, una nueva colección, de producción local y proyección internacional. + www.manifestoweb.com | www.paolini-sa.com


018

+ mundo creativo

Texto: Jorgelina Peciña

diseño

+ “Los Mirabilia” son una familia de muñecos interactivos, que a través de diferentes acciones, ayudan a los niños hospitalizados a mejorar su relación con los doctores. De Erika Rossi (Iuav University of Venice, Italia). Ganador categoría Non-Browser Based Design ADAA 2011.

+ “Colorful Bumper “ de Thaned Piyadarakorn (Savannah College of Art and Design, EE.UU.). Ganador categoría Motion Graphics ADAA 2011.

Congreso IDA

Un debate sobre los límites del diseño La conocida frase “La unión hace a la fuerza” bien sirve de ejemplo para definir las actividades de la International Design Alliance (IDA), en español, la Alianza de Diseño Internacional, que celebró en octubre pasado, en Taipei, China, el encuentro de diseñadores “Design at the Edges”. IDA es la alianza estratégica entre organizaciones internacionales de la industria del diseño, la comunicación, el diseño de interiores y la arquitectura. En un principio, allá por 2003, sólo dos organizaciones formaban parte de esta propuesta, la International Council of Societies of Industrial Design (Icsid) y la International Council of Graphic Design Associations (Icograda). Más tarde, en 2008, se sumó la International Federation of Interior Architects/ Designers (IFI). Como resultado, se formó una gran organización dispuesta a apoyar la actividad del diseño en toda su extensión, llevándola hacia sus límites.

la comunicación, el diseño de interiores y la arquitectura. El programa fue dividido en cinco grandes temas -desarrollo económico, Internet, biotecnología, urbanismo y migración internacional- como marco para desarrollar diferentes charlas y actividades.

Taipei fue la ciudad elegida para ser la sede del Congreso IDA, que se llevó a cabo entre el 24 y 26 de octubre de 2011. Se trata de un encuentro clave para el diseño internacional, donde el foco está puesto en generar un diálogo entre diseñadores y otros participantes de la misma industria.

También, como parte de Design at the Edge, uno de sus miembros, Icograda, entregó los premios Adobe Design Achievement Awards (ADAA), dedicados a los logros de los estudiantes y profesores, que reflejan la convergencia de la tecnología y de las artes creativas. El concurso, en el que se exponen proyectos individuales y de grupo creados con el software Adobe, fue pensado para que participen estudiantes de diseño gráfico, fotógrafos, ilustradores, animadores, cineastas digitales y desarrolladores. Además de premios en dinero, los ganadores recibieron su pase para participar del congreso organizado por IDA en Taipei, con todos los gastos pagos.

EL DISEÑO Y SUS LÍMITES El nombre del encuentro tiene que ver con los límites que dividen y, al mismo tiempo, acercan el diseño con otras actividades como la ciencia, la tecnología, el gobierno y las organizaciones no gubernamentales. Asimismo, trata los puntos de encuentro y las características que se comparten con diversidad de disciplinas, entre ellas,

90+10 fue parte de esta iniciativa, participando como media partner para la difusión de las actividades del congreso y, también, de la entrega de los premios de Adobe. + www.2011idacongress.com www.icograda.org www.adobeawards.com


022

+ mundo creativo

Texto: Patricio Oliver

art toys

Los Bernie Desde La Costa Oeste de los Estados Unidos, Scott Tolleson presenta a los Bernie. Derivados de una serie de peluches diseñados por él con anterioridad, estas tres figuras -y dicho por el mismo artista-, “dignifican la esencia del nerd que todos llevamos dentro”.

con un material moderno símil a la cerámica, denominado Plastin. Maket ofrece en su página una opción para que cada usuario pueda producir su propia figura, utilizando los modelos disponibles en este producto eco-friendly.

El diseño de Tolleson, al igual que varios representantes de la escena del diseño de personajes y art toys, toma sus fuentes del imaginario de la infancia, con fuertes influencias del retro y la cultura pop norteamericana. Berie Argh, de ojos saltones y piel rosada, es un tío que odia que lo visiten; Bernie FroWolf, con claras referencias al mito del hombre lobo, pero mucho más simpático y menos feroz; y Bernie Cotton OG, el más claro exponente de la cultura nerd en el trío, son un vivo ejemplo de la estética con la que el diseñador de la Walt Disney Company (para la que ha diseñado desfiles, parques temáticos y artículos de promoción) se siente a gusto para trabajar.

A diferencia de la mayoría de los juguetes de diseño, que son fabricados en Asia, los Bernies se han realizado y controlado por medio de un curador y un artesano encargado de la terminación de la pintura a mano. Esta mezcla de tecnología moderna con tradición de la vieja escuela para hacer muñecos, los hace tomar la tendencia “geek chic” que tanto predomina en la actualidad, y llevarla al extremo con los personajes de Tolleson. Cada figura mide 4 pulgadas (unos 10 cm de alto), y tienen una tirada limitada de 25 piezas por modelo. El trío es la primera de una serie de tiradas que Maket hará, basada en estos seres de cabeza irregular y estilo de vestimenta retro. + www.stolleart.com | www.maqet.com

Son producidos por Maket, una innovadora empresa de California,


024

+ mundo creativo +En vistas de la realización de la tercera edición del Festival Inspiration Fest, presentamos esta sección en 90+10, donde encontrarán un adelanto de los invitados y actividades convocados para participar de esta comunidad de inspiración y creatividad. Para seguir inspirándonos Ya está confirmada la fecha de la tercera edición del Festival de inspiración y creatividad: se realizará el próximo sábado 3 de diciembre en Ciudad Cultural Konex. Diseño, ilustración, fotografía, videojuegos, multimedia y animación, documentales, música de vanguardia y tecnología aplicada al mundo creativo tendrán su espacio, una vez más, dentro de este evento dedicado a las industrias de base creativa. Además, este año, Inspiration Fest promete ir más allá, y propone un ciclo de eventos previos para ir entrando en clima, llamados Inspiration Day, que funcionan como incentivo para ejercitar la creatividad,

y se desarrollan en el Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA) y el Espacio Fundación Telefónica. El primero se realizó el viernes 28 de octubre bajo la temática “Diseño”, en el marco del Festival Internacional de Diseño en Buenos Aires. Y el segundo se desarrolló el 11 de noviembre, bajo la temática “Arte en movimiento”. Ambos eventos, de entrada libre y gratuita, consistieron en conferencias, muestras, workshops y proyecciones. + www.inspirationfest.com @inspirationfest www.facebook.com/inspirationfest

Nathan Jurevicius | Australia

+ Nathan Jurevicius brindará una conferencia en Inspiration Fest

Ilustrador freelance y artista. Su más aclamado proyecto es el universo de personajes “Scarygirl”, que desde su creación en 2001, ha conseguido numerosos seguidores en el mundo, a través de su comic online, vinyl toys de edición limitada, productos de diseñador y exposiciones itinerantes. En 2004, Passion Pictures Australia compró los derechos para producir el film animado. Además, Nathan completó su primera novela gráfica basada en este universo, que recibió el premio Aurealis 2009 como mejor libro ilustrado/novela gráfica. También lanzó el juego online de Scarygirl, y sus jugadores han sobrepasado el millón. Actualmente, Nathan está desarrollando con la ABC una serie de cortos de televisión y juegos basados en su nueva creación, “Peleda”. + www.scarygirl.com

Leonardo Eyer | Brasil Director General Creativo del estudio de diseño Boldº, completó sus estudios de diseño gráfico en la School of Visual Arts, en Nueva York, en 1994. Recibió varios premios en concursos de diseño y realizó exposiciones en Brasil y en el extranjero. En 2009 fue elegido diseñador gráfico del año por el Prêmio Colunistas. Sus proyectos de diseño han sido publicados en varios libros y revistas internacionales, y presentados en prestigiosas instituciones, como el Art Directors Club de Nueva York y el Museo Nacional de Bellas Artes de Río de Janeiro. También ha sido invitado a exponer sus obras en Holanda, Alemania, China y Estados Unidos. + www.bolddesing.com.br + Leonardo Eyer brindará una conferencia en Inspiration Fest

Pequeño mundo de personajes! Esta muestra de character design reúne los veinte personajes seleccionados en una convocatoria abierta a estudiantes y profesionales de la ilustración, del diseño gráfico, artistas, creativos y dibujantes en general, que enviaron personajes de su autoría, los que fueron evaluados por un jurado compuesto por los ilustradores Patricio Oliver, Fernanda Cohen, Laura Varsky, y la editora de 90+10, Marcela Fibbiani. También se sumaron otros diez personajes creados por diseñadores invitados, de la talla de Christian Montenegro, Cristian Turdera, Juan Molinet y Seniorita Polyéster, entre otros. +

+ Esta muestra se exhibió en ambos Inspiration Day y se presentará también en Inspiration Fest

ENTRADAS INSPIRATION FEST 2011 Ya se pueden adquirir las entradas para disfrutar de la tercera edición del multidisciplinario festival Inspiration Fest 2011, que tendrá lugar el próximo sábado 3 de diciembre en Ciudad Cultural Konex, por Sistema Ticketek, llamando al: 5237-7200 o ingresando en www.ticketek.com.ar


026

+ mundo creativo

Texto: Carlos Piedrabuena

arquitectura

Amphibious 1000 Ejercicio futurista

Evidencia incontestable de que la innovación extrema no necesita ser disruptiva -ni siquiera cuando el núcleo duro del concepto mismo socava los paradigmas en vigencia-, y serio aspirante a ocupar un lugar de privilegio en la rara y exclusiva élite de los metaproyectos que realmente hacen la diferencia, el Amphibious 1000, rara ópera del interesante colectivo italiano Giancarlo Zema Design Group, desafía nuestra capacidad de asombro con sus soluciones “anfibias” y su atinada, deliciosa y necesaria sobrecarga estética.

¿Y el futuro? Por momentos, el Amphibious 1000 luce más como un fiable e invitante puente hacia un mañana deslumbrante, que como un complejo hotelero algo más intrincado y atrevido que el resto. Es que la promesa de permitirnos prosperar dentro del elemento más abundante, hostil y seductor del planeta, sin las restrictivas limitaciones de los laboratorios submarinos, y la posibilidad -además- de hacerlo con semejante estilo, ¡conservando nuestras costumbres “terrestres”!, seduce (y es comprensible que así sea) hasta al más recalcitrante conservador.

Concebido para ser el primer resort semisumergido del planeta y rebozante de la sensualidad y estilo a que nos tiene acostumbrados la pequeña y exótica península de Qatar, donde planean emplazarlo, destaca por el eficaz balance de sugerentes formas orgánicas, entornos concebidos para la distensión y una fascinante e hipnótica estética “verde”.

Hay aquí mucho más que marketing de diseño y elaborados renders. Y no es de extrañar que ello suceda: de tanto en tanto, iniciativas de este tipo surcan transversalmente el singular mundo del diseño, dejando tras de sí una estela de invaluable frescura e irreverencia. Esos tiempos son estos: genuinos tiempos de cambio. + www.giancarlozema.com


028 arte

+ mundo creativo

Texto: Javier Villa

+ Muestra Mariana López

Beca Kuitca/UTDT

Ciclo de presentaciones y final feliz Universidad Torcuato Di Tella, Sala de Exposiciones Campus Alcorta, Sáenz Valiente 1010, CABA Todos los sábados, desde el 15 de octubre hasta el 3 de diciembre, los artistas participantes de la beca Kuitca/UTDT realizan diversas presentaciones en la Sala de Exposiciones de la Universidad Torcuato Di Tella. La beca termina después de un año y medio de actividad y, si bien podría pensarse a estos eventos como un fin de ciclo, el clima pareciera indicar lo contrario. A diferencia de ediciones anteriores, el grupo de artistas actuales ya participaba activamente en el circuito de arte contemporáneo. Estas presentaciones no funcionaron como un evento promocional de nuevos artistas lanzados al mercado, la crítica y el ojo del público, sino como producciones que abren riesgos sin proponer conclusiones y producen líneas tangenciales o nuevos planteamientos dentro de cada cuerpo de obra. A lo largo de estas presentaciones, se pudo ver en vivo proyectos que fueron para el artista un giro sobre lo anterior, mutaciones y nuevas búsquedas. Fue una

oportunidad para visualizar diálogos y ensayos, contaminaciones, proyectos más o menos cerrados, curadurías o colaboraciones, y delirios o certezas que aparecieron a partir de este proceso. El 3 diciembre se presenta la última dupla, Eduardo Basualdo y Carlos Herrera, donde sí habrá atmósfera de cierre de un ciclo, con un open Studio, del que participan todos los artistas de la beca. Las presentaciones previas fueron: un diálogo entre Luciana Lamothe y Rosa Chancho, y obras Jazmín López; proyecto de Mariana López, y obras de Martín Legón y Nicanor Aráoz; Anabella Papa, curada por Aráoz y Legón, y obras de Tiziana Pierri; una colaboración entre Florencia Rodríguez Giles y Agustina Muñoz, y obras de Sofía Bohtlingk, un diálogo entre Nicolás Mastracchio y Juan Tessi, y obras de Rosario Zorraquín; el proyecto de Luis Terán y obras de Máximo Pedraza; y el proyecto de Gaspar Libedinsky y obras de Mauro Guzmán. + www.utdt.edu


030 arte

+ mundo creativo

Texto: Catherine Tanazacq de Stigliano

+ Eduardo Basualdo : El silencio de las sirenas, 2011. Creado para la 11º Bienal de Lyon. Foto: Blaise Adilon

11º Bienal de Lyon

Dar luz a una terrible belleza Del 15 de septiembre al 31 de diciembre. The Sucrière, Lyon Museum of Contemporary Art, Bullukian Foundation y T.A.S.E. Factory, Lyon, Francia. La prensa francesa es unánime: la 11º Bienal de Lyon (Francia) es “un éxito innegable”, una “respiración saludable”, “una cura de juventud”, que “arde de vitalidad”. Está todo dicho: gustó, y mucho. No a todos, por supuesto. Probablemente, los más virulentos detractores de esta Bienal sean los adeptos de un arte neo-conceptual, donde a veces falta la poesía. Porque si algo se destaca de esta propuesta, es la poesía que se expresa a través de la estética y de la práctica plástica. Una poesía que cuenta lo bello y, a su vez, lo sombrío. Bajo el título “Ha nacido una terrible belleza”, extracto de un poema de W. B. Yeats, la curadora argentina Victoria Noorthoorn, a cargo de esta edición de la Bienal de Lyon, quiso cuestionar la época y el lugar del arte y de la imaginación. “La Bienal se autoriza a pensar que el arte es uno de los soportes del conocimiento donde lo racional y lo irracional pueden coexistir”, escribe. Dividida en cuatro propuestas que corresponden a cuatro lugares de exposición, la Bienal invita a viajar alrededor del mundo con obras de 78 artistas, principalmente latinoamericanos, africanos y europeos. El recorrido suele empezar con La Sucrière, un antiguo depósito de azúcar reciclado, y uno de los dos lugares más importantes de la Bienal. Allí, una serie de telones de papel, obra de Ulla von Brandeburg, esperan al espectador y dan el tono: al atravesarlos, éste se convierte en actor de lo que va a ver. En la siguiente sala, se encuentra una monumental estructura metálica, cilíndrica e inaccesible, que impide ver más allá.

Al acceder posteriormente al primer piso, el espectador podrá descubrir la fantástica obra de Robert Kusmirowski: una biblioteca en donde se queman libros. Una instalación fuerte, que remite a momentos oscuros de la historia. Tal como en la obra “Puxador” (Pilares) de Laura Lima, donde un hombre desnudo tira con cuerdas atadas a su cuerpo los pilares del edificio, o en el “lago” de Eduardo Basualdo, que se llena y se vacía de agua oscura, evocando la sangre o el petróleo. Según el punto de vista, las obras aquí expuestas interrogan acerca del rol del artista y de la utopía en una época confusa, y también remiten al fracaso de utopías anteriores. En el Museo de Arte Contemporáneo, la curadora quiso volver a los principios del arte, a lo esencial. El último piso está dedicado al dibujo, o más bien a la línea, con obras de Alberto Giacometti, Marlene Dumas o Elly Strik, de alguna manera, unidas por los hilos negros e invasores de “La Bruja” de Cildo Meireles, una escoba tentacular. En otra parte, el bosque caótico de Diego Bianchi o las esculturas de Katinka Bock y de Luciana Lamothe trabajan el espacio, y la instalación de Eva Kotátkova une línea, espacio e imagen en un pensamiento sobre la educación. A pesar de su costado sombrío, la exposición, muy coherente, desprende una profunda energía creativa, así como la Bienal en general, que sin dejar de lado el contenido intelectual, vuelve a poner la estética y la imaginación en el centro del proceso creativo. + www.biennaledelyon.com


032 arte

+ mundo creativo

Texto: Javier Villa

Pum Pum in Cambodia

Universo fantástico de clubes y equipos de fútbol que nunca existieron Del 16 de noviembre al 10 de diciembre. HIC, Thames 1885, Piso 1º, CABA. Martes a domingo de 17 a 21 hs. Seguramente muchos se han cruzado, en las paredes de la Ciudad de Buenos Aires y en esta última década, a una pequeña niña, entre tierna y oscura, con una gran cabeza y, más aún, enorme cabellera dorada. Para muchos, una artista reconocida en la escena del stencil, el grafitti y la ilustración. Para los que sólo la tienen de vista por sus intervenciones urbanas, se trata del alter ego de Pum Pum, diseñadora gráfica e ilustradora que hasta el 10 de diciembre estará presentando su segunda muestra individual en Hollywood in Cambodia (HIC). La exposición se titula “Club” y se sumerge en esta imaginería: el barrio, un lugar de encuentros y ritos sociales con su parafernalia de pertenencia: escudos, camisetas, banderas y trofeos. Con el mismo estilo de personajes punk kitty, de factura simple, con trazos sólidos y visualmente pregnantes, Pum Pum construye un universo fantás-

tico de clubes y equipos de fútbol que nunca existieron, pero que expelen gran identidad. Una vuelta a la infancia, a cierto espacio de nostalgia recuperado, en colores fuertes y con mucha vida. Luego de finalizada la exposición de Pum Pum, a partir del 14 de diciembre y hasta el 8 de enero, será el momento de la 5º edición de la “Gran barata de fin de año” en Hollywood in Cambodia. Un buen momento para elegir un regalo navideño creativo a precio módico -entre 100 y 999 pesos- de artistas como Run Don´t Walk, Bs As Stencil, Malatesta, Stencil Land, Chu, Pum Pum, Tec, PMP, Defi, Nasa, Cabaio Stencil, Carlos Días (Brasil), Hyuro (España), Dr. Alderete, Piranha, Ever, Jaz, Grolou, Tester, Bosque, Sebastián Lahera, Triángulo Dorado y HIC Crue. + www.pum-pum.com.ar www.hollywoodincambodia.com.ar


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+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro

green design +Casa FOA verde Seleccionamos dos de los espacios sustentables de edición “Mercado del diseño” de la muestra de diseño, decoración y paisajismo que nos resultaron más interesantes.

Casa Sustentable: natural y eco En su tercer año en la muestra, Gruba presentó su Casa Sustentable. Conformado por los arquitectos Constanza Nuñez y Gabriel Pires Mateus, este estudio desarrolla productos de diseño y brinda servicios de arquitectura orientados a disminuir el impacto ambiental. En Casa FOA, desde su primera aparición, vienen desarrollando el concepto de sustentabilidad, con el objetivo último de generar conciencia. En esta oportunidad, el espacio planteó resoluciones ecológicas, por ejemplo, en el uso racional de energía y de los recursos naturales. Un volumen húmedo contenía al espacio de la cocina y el baño (que prevé la reutilización de aguas grises de las bachas de baño y cocina para la descarga de inodoro), y cuya ubicación aportaba privacidad al área de descanso y de la huerta orgánica. Estos dos se plantearon en desnivel,

+ Banquito Willy

junto a las ventanas, generando cajas iluminadas naturalmente. Luego se sumaron los espacios públicos del estar y el comedor. La madera fue el material más utilizado, por ser renovable y con gran futuro constructivo, y con su debida certificación. También se empleó en los mobiliarios, maderas reutilizadas y reconstituidas, valiéndose de encastres en lugar de pegamentos. En el caso de la iluminación, se utilizaron artefactos de bajo consumo y tecnología LED. Para la zona de descanso, además, primaron las telas naturales y los rellenos de algodón producidos bajo pautas de comercio justo. Como rasgo destacado, se incorporaron los beneficios terapéuticos de la aromaterapia y gemoterapia, mezclando rellenos de semillas, hierbas aromáticas, flores, piedras y microcristales. + www.gruba.com.ar


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mundo creativo 035 green design

Pomada y Azzularq: un dúo efectivo Se unieron. Pomada y Azzularq dieron vida a una propuesta conjunta, y le pusieron Encuentro. Antonela Dada y Burno Sala, responsables de Pomada y diseñadores industriales, trabajaron codo a codo con la arquitecta Andrea Luzza, a cargo de Azzularq, y encontraron en esta labor conjunta, una coherencia en trabajo y filosofía, claramente sustentable. Ambas partes dedicadas al desarrollo de productos de alto valor agregado y bajo impacto ambiental, dieron vida a una propuesta que redujera los desperdicios y prolongara la vida útil de los materiales. Siempre con el foco en un futuro en donde el hombre y su entorno puedan llevar una convivencia armónica y simbiótica. Así, la propuesta fue una instalación de diseño interior, en donde se reconocía un sector de encuentro y descanso, el cual incluyó el uso de la materia prima que estos estudios utilizan como revestimiento de la caja espacial, y aquellos productos que ambos diseñan, producen y comercializan. Se trató, en suma, de un ambiente integrador e interdisciplinario, que permitió transportarse y vincularse con otras formas de percibir los descartes. + www.azzularq.com.ar | www.pomadaweb.com


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+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro

publicaciones

Fuente de letras

Autor JOEP POHLEN Editorial TASCHEN Formato 16,8 x 24 cm 640 páginas

Autoras MAIA ASTRID CROIZET, LUJÁN CANDRIA, MA.LUISA SANTOS CUÉLLAR Y MARITA SAMPEDRO Editorial UN AMOR CAYÓ DEL CIELO Formato 13 x 19 cm 64 páginas

Esto no es sólo un glosario de tipografías. Es, además, un examen minucioso de la forma y anatomía de cada letra del alfabeto, incluyendo a los signos de puntuación y elementos especiales. Con referencias que cruzan épocas, obras de arte y movimientos artísticos, este tomo indaga más de 150 tipografías, sus orígenes y características. Además, hay una comparación en profundidad entre los sans-serif y los serif, y un ensayo sobre sistemas, indicaciones de medidas y consejos sobre las reglas tipográficas. Además, un apéndice contiene el índice general, además de un exhaustivo listado de diseñadores tipográficos. La edición holandesa original (Letterfontein), recibió el Certificado de Excelencia Tipográfica del Type Directors Club de Nueva York en 2010, y un premio de diseño Red Dot, del Design Zentrum Nodrhein-Westfalen, Alemania. +

La cámara en la cartera. Mujeres fotógrafas 2 Cuando algo funciona, la segunda parte no se hace esperar. Es el caso de este libro, que retoma la secuela con otra propuesta de fotógrafas, que nuevamente cuentan una serie con su mirada personal, sus inquietudes, sus búsquedas. Con la edición de Lucila Bodelón y Verónica García, el libro cuenta con un prólogo de Soledad Vallejos, que escribe: “En las páginas que siguen, el azar pudo sumarlo todo. Instantes, miradas, cámaras: ahí está la magia de cuatro mujeres rabiosamente curiosas y sueltas por el mundo”. Así, Maia Astrid Croizet propone “Una cajita llena de autitos”; Luján Candria, “Hogares encendidos”; María Luisa Santos Cuéllar (la única extranjera, mexicana), “Acciones cotidianas”; y Marita Sampedro, “Bicicletas”. +

¿Qué es el diseño de información?

Autor JORGE FRASCARA Editorial EDICIONES INFINITO Formato 23 x 17 cm 192 páginas

Profesor Emérito de la Universidad de Alberta, Canadá, ex jefe de su departamento de diseño y ex coordinador de diseño de Comunicación Visual, el autor de este libro es, además, Consejero de la Escuela de Doctorado de la Universidad de Venecia, y Miembro de Honor de la Sociedad de Diseñadores Gráficos de Canadá, y de la Asociación para las Ciencias de Diseño del Japón. A lo largo de sus 192 páginas, la interrogante que se abre en este libro es qué lugar ocupa el diseño de la información en el funcionamiento de la sociedad. Y se encarga de aclarar que uno muy importante, dado que cada vez más, nuestro mundo depende de la efectividad de sus sistemas de comunicación. Claros, concisos, relevantes y efectivos, los mensajes a partir de los cuales nos comunicamos, modifican notablemente nuestras vidas. Con textos de autores internacionales en educación, investigación y enseñanza, es un libro interesante, para meditar sobre un tema muy poco tratado. + www.edicionesinfinito.com


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+ mundo creativo

Lisandro Aristimuño

Arbolito

El show incluirá canciones de “Las crónicas del viento”, último disco del cantautor patagónico, y un recorrido por sus trabajos anteriores. Lisandro estará acompañado por su banda Azules Turquesas, compuesta por Carli Arístide (guitarras y ronroco), Leila Cherro (chelo), Rocío Aristimuño (percusión), Martín Casado (batería, percusión y glockenspiel), Claudio Cardone (teclados), Lucas Argomedo (chelo y bajo), y Cecilia García (violín). +

Con más de diez años de trayectoria, esta banda logró consolidar sus raíces, manteniendo vigente su ideología y su música, siendo hoy una de las más convocantes de la escena local. Su último álbum “Despertándonos”, contiene trece nuevas canciones que fusionan diferentes estilos como chacarera, cumbia, tinku, rock, candombe, reggae, cueca y aires litoraleños, dándole al disco distintos climas. Las letras, como de costumbre, son un sello distintivo de la banda, que ganó en 2010 el premio Carlos Gardel al mejor álbum de folklore alternativo. +

Jueves 17 y viernes 18 de noviembre a las 20hs. Ciudad Cultural Konex – Sarmiento 3131, CABA.

Sábado 19 de noviembre a las 19hs. Ciudad Cultural Konex – Sarmiento 3131, CABA.

Gabo Ferro Gabo continúa presentando su nuevo disco “La aguja tras la máscara”. En este disco, hace canciones con el material de la tristeza, pero no para quedarse en ella, sino para mirarla, reconocerla y salirse. Las creaciones de este exponente de la nueva canción urbana contienen simpleza y frescura en las melodías, vuelo y lucidez en las palabras, y escudriñan con valentía cada rincón de la sensibilidad humana. Su letra y música son los hilos con los que este cantor teje la trama de su obra, y su forma de interpretar lleva cada canción a su punto máximo, entregando a quien lo escuche un resultado intenso, vivo, colorido, sorprendente. +

A fuerza de guitarra, canto, peña y camino, Raly Barrionuevo despliega carisma en el sentimiento de cada interpretación, sabe el exacto oficio del cantor popular y lo luce finamente en cada palabra de su composición. Así, convierte sus shows en una trashumante fiesta de baile, memoria y canción. Entre sus canciones, se escuchan zambas, chacareras y pasajes instrumentales. +

Jueves 24 de noviembre a las 20.30hs. Ciudad Cultural Konex – Sarmiento 3131, CABA.

Sábado 26 de noviembre a las 20hs. Ciudad Cultural Konex – Sarmiento 3131, CABA.

| Foto: Aníbal Mangoni

Raly Barrionuevo


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Texto: Jorgelina Peciña

lugares

Hollywood Suites & Lofts Descanso hecho a medida

Hollywood Suites & Lofts es un ejemplo de la tendencia actual en hotelería, que apunta a emprendimientos de menores dimensiones, pero sin dejar de ser lujosos y atractivos. Ubicado en el barrio de Palermo, precisamente en la zona más “trendy” bautizada como la meca del cine internacional, se encuentra Hollywood Suites & Lofts, el emprendimiento hotelero que combina la libertad de un hogar, con el servicio y la comodidad de un hotel cinco estrellas. ¿Qué tiene de diferente esta propuesta? El foco está puesto en la experiencia del huésped, quien disfruta de libertad para vivir su estadía como mejor le convenga. Así, podrá recibir invitados, hospedarse con amigos y hasta cocinar o pedir delivery de comidas a la amplia oferta de restaurantes de la zona.

apunta a un público de negocios, que busca comodidad y practicidad para estadías prolongadas. Entre sus atractivos, el hotel posee una exclusiva terraza con vista 360° de la Ciudad de Buenos Aires y del Río de La Plata, que invita a los huéspedes a descansar a puro sol y relax, en medio de la ciudad.

El hotel brinda dos modalidades de habitaciones: lofts y suites. La primera consta de amplias y modernas habitaciones tipo loft, con cocina totalmente equipada y variados aparatos de electrónica, ideal para estadías con amigos. Por su parte, la opción suites

Completan la experiencia, la pileta climatizada al aire libre, el hidromasaje, y un cómodo y estético mobiliario de diseño. El Sky Bar & Lounge, incorporado a la terraza a través de ventanales corredizos, es un espacio moderno y multifuncional, cuya carta gastronómica cuenta con una variedad de ensaladas y sándwiches gourmet, ideales para saborear mientras se disfruta del sol con una de las mejores vistas porteñas. + www.hollywoodsuitesba.com.ar

¿ORGANIZANDO LAS PRÓXIMAS VACACIONES? Si hay que quedarse en la ciudad, Hollywood Suites & Lofts tiene una propuesta para disfrutar del verano en un ambiente de diseño y confort. Se trata del exclusivo “Day Use” para pasar el día en pareja o con un grupo de amigos, rodeados de todas las comodidades de un hotel con servicio cinco estrellas. Incluye tragos de cortesía, un loft totalmente equipado, desayuno buffet para cuatro personas

en la terraza con vista a la ciudad e, imprescindible para el verano, el acceso a la piscina, sauna, jacuzzi, gimnasio y Sky Bar. Además, el hotel cuenta con Wi-Fi en todo el edificio, una videoteca, juegos de mesa, servicio de delivery, seguridad, cochera fija y cubierta y servicio de masajes. Hollywood Suites & Lofts está en Nicaragua 5490, esquina Humboldt, en el barrio de Palermo, CABA.


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+ mundo creativo

marketing

Blaisten junto al diseño Una instalación que conjugó distintas piezas de grifería y accesorios para baños, que permitió a los visitantes dejar de lado los productos para visualizar sus texturas, formas predominantes, materiales y temperaturas, se pudo apreciar durante el Festival Internacional de Diseño de Buenos Aires, del 28 al 30 de octubre en el Centro Metro-

politano de Diseño. Su responsable fue Blaisten, la cadena especializada en terminaciones para la construcción, refacción y decoración, que eligió este evento para difundir ideas inspiradoras junto a los principales referentes del diseño local y mundial. + www.blaisten.com.ar

Nuevo sabor Frizzé

Mesa Irregular de Unimate

Frizzé Evolution Orange se suma a los tres sabores que ya componen la línea Frizzé Evolution: Blue, Violet y Green, caracterizada por su fuerte atractivo visual, definido por colores no tradicionales, vibrantes y llamativos, en sus presentaciones de 250 y 750 cc., sin referencia frutal reconocida. Una divertida dosis de misterio e intriga para los consumidores. + www.frizze.com.ar

Tanto para el mercado residencial como para proyectos de alta gama, la mesa Irregular creada por Unimate, es una excelente opción de mesa de centro o de arrime. Su particularidad es la tapa irregular en mdf laqueado, que también puede ser enchapada. Su base de metal puede ser cromada y, si se prefiere, pintada. Hay dos modelos: uno más grande y otro más chico. + www.unimate.com.ar


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+ mundo creativo

marketing

Puma especial para Navidad En vistas de las próximas fiestas, Puma Latinoamérica presenta su campaña publicitaria “Holiday”, producida en Argentina, bajo la dirección de la fotógrafa Gaby Herbstein, reconocida por sus calendarios anuales temáticos y sus numerosas campañas para marcas nacionales e internacionales. Las imágenes buscan transmitir alegría y emoción, siempre ligadas a la idea social de

la marca de sportlife, que reivindica la importancia de los juegos nocturnos y el espíritu de competencia por pura diversión. La producción de la campaña estuvo a cargo de la agencia b-side, también responsable de la realización del festival de arte urbano Puma Urban Art. + http://latam.puma.com/

Góndolas virtuales Staples Un smartphone y pocos segundos son suficientes para experimentar “Virtual Store”, la nueva forma de comprar creada por Staples, que permite adquirir artículos de librería, higiene, tecnología, cafetería y alimentos en distintos lugares de la ciudad. Es que la compañía de venta de productos para oficina convirtió carteles publicitarios ubicados en lugares estratégicos de la ciudad, como los subtes y la vía pública, en tiendas a modo de vidriera, que exhiben los artículos en tamaño real, los que se pueden adquirir por medio de un smartphone, con sólo escanear el código QR de los productos elegidos. Incluso las mismas tiendas Staples de Barrio Norte y microcentro poseen en sus vidrieras las góndolas virtuales. Se trata de una aplicación que puede descargarse desde www.staples.com.ar/app a cualquier smartphone, para escanear el código QR de los productos seleccionados. Una vez realizada esta operación (que no lleva más de 5” por producto), el usuario recibe el pedido, sin cargo, en 24 horas, en Capital Federal y Gran Buenos Aires. + www.staples.com.ar

Fibertel Evolution: la evolución de Internet Un paso más en la evolución de Internet, así se presenta Wideband, una nueva generación de Internet, que ofrece velocidades de conexión únicas hasta el momento en Argentina. Y es ofrecido por Fibertel, bajo el servicio Evolution, que ya está disponible en Capital Federal, AMBA, Campana, Zárate, La Plata, Santa Fe, Rosario, Córdoba, Paraná y Mar del Plata. Fibertel Evolution es el primer producto Wideband de Argentina, que utiliza tecnología Docsis 3.0, con 30 Megas de bajada y 3 Megas de subida. ¡En 90+10 ya lo estamos experimentando! + www.fibertel.com.ar


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+ mundo creativo

Texto: Germán Andrés

música

Marcelo & Aldo

La suma que da distinto Marcelo Fabián y Aldo Benítez hacen su presentación en dúo, la suma de dos potencias que resulta en un giro radical al pop argentino actual. Un golpe de gracia sonoro y atrevido, que impacta desde la electrónica under, a la comodidad exitosa. Es bueno saber de cada uno desde su particularidad, ya que tiene todo que ver con el resultado final del cruce aquí presentado. Marcelo Fabián (músico y productor) ya tiene varios discos recomendables, donde demuestra su don en el manejo de las herramientas digitales y la composición jugada en la electrónica más interesante y sin etiqueta. Sus años de carrera han influenciado a varios de los productores de la nueva escena dance alternativa. Aldo Benítez es un cantante provocador del Oeste del Gran Buenos Aires (misma generación de Coiffeur, el Chávez y otros), compositor autodidacta de canciones y gran letrista, que tiene un disco pop de temas propios y otro de remixes, sólo en formato digital. Ahora ambos responden sobre su comunión. + ¿Cómo o cuándo llegaron al concepto del disco? M&A El concepto del disco se fue dando con trabajo. Empezamos a producir juntos en 2006, pero recién vio la luz nuestra primera colaboración con la canción “Sapo”, editada en 2007 en un disco de Marcelo. Luego, a pedido de un sello japonés muy interesado en esa canción, produjimos dos temas más (“Ramo” y “Plan rombo”), que fueron la génesis de Marcelo & Aldo. De ahí en más, lo del disco se fue dando dentro y fuera del estudio, en el espacio privado de cada uno, y en las reuniones que teníamos para empatar resultados y definir estructuras. + ¿Consideran que su música es también un producto de diseño? M&A Definitivamente, si entendemos el diseño como actividad pro-

yectual en la que el proceso mental previo busca una solución y una realización en lo real. El disco es un consenso de proyecciones mentales elucubradas por cada uno de nosotros, que terminan en la realidad de las canciones que componen la obra. + ¿Creen en el pop? M&A Sí, creemos en el pop como proceso, en la idea de combinar diferentes géneros musicales; eso es bien claro en nuestra propuesta. Si bien no nos movemos en un circuito de alta comercialización, por el momento, creemos que nuestro proyecto puede considerarse dentro del pop. Es meta-pop. + ¿Cuál es su mayor motivación para crear música? M&A Poder generar estructuras poco transitadas, inesperadas, y partiendo de una libertad compositiva que luego se va domesticando sin perder su esencia; ese es nuestro movimiento ideal a la hora de componer. + ¿Con qué imágenes o situaciones describirían lo que suena en el disco? M&A Destartalamiento re-encausado, planicies y altas montañas sucesivamente, el otoño asomando apenas, calle mojada de lluvia, santuario espontáneo a un costado de la ruta, charco de agua limpia, que es réplica de lago. + www.myspace.com/marceloaldo

Marcelo & Aldo (Peatón discográfica. Argentina 2011) Un disco perfecto hecho de 11 contundentes tracks, plasmados con justeza. 10 canciones más una pieza instrumental conforman un discurso claro, y que no es búsqueda, sino hallazgo en sí. Toda la música es de autoría compartida: las voces y las letras son de Aldo (excepto la bella “Caminos”, basada en un poema de Atahualpa Yupanqui; las bases y programación general queda en manos del inagotable Marcelo. La dupla funciona a la perfección en todos los sentidos, tanto para crear espacios intrincados, como para flotar en climas cálidos y melódicos. Pueden hacernos bailar pegados, saltar o gritar en soledad, y emocionarnos contagiosamente con sus ironías textuales y contextuales. Ante todo, disfrutar de un pop no banal ni artificial; pero dejarlo meramente como música pop/rock, sería necio y pobre, ya que hay estilos y rítmicas muy diversas, aires autóctonos que se filtran por los cables, coqueteos con el dance, la poesía y la experimentación. Además de un fuerte carácter urbano y lúdico (no cuidan las formas), con todo hecho muy en serio; audio perfecto, sonido directo y fluidez natural. Entre la cantidad de música publicada este año en el ámbito de la cultura rock, hay verdaderamente poco tan logrado como este disco, por su riesgo artístico, su alto vuelo sin ser pretencioso, y su sincera expresividad.


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+ mundo creativo

Texto: Germán Andrés

música

Obvio que no son populares; aquí hablamos de un concepto trabajado finamente en los márgenes, que corre las fronteras y mezcla las tradiciones musicales, para crear algo que antes no estaba. Por ende, es un producto alternativo, referentes principalmente de la sonoridad acústica y la fusión-fundición, que se dedican tanto a la canción como a piezas instrumentales. En el Viejo Mundo, los ponen dentro de la tan mentada “world music”. Los temas que contiene este pack doble son una suerte de recorrido por las composiciones más festejadas de los cuatro discos que Puente Celeste lleva editados: 17 momentos muy diversos grabados en vivo en la sala de Palermo que le da nombre al combo; 17 tracks para ver y escuchar el concierto casi como sucedió. En ambos formatos, es el mismo play list, pero el DVD ofrece la posibilidad de ver en detalle los dotes de cada uno como instrumentista, además de extras con cada integrante, testimonios y paseos, las letras de las canciones y hasta una receta de cocina por Moguilevsky. Tanto el registro audiovisual en HD como el diseño y la presentación, son de un cuidado estético minimalista, al mismo tiempo que ameno, como la obra en general.

Puente Celeste: audiovisual vivo En formato doble: CD y DVD, salió una entrega especial en vivo de este grupo argentino, que es el más prestigioso e influyente de los últimos años. Integrado por cinco talentos indiscutibles (Marcelo Moguilevsky: vientos, Edgardo Cardozo: guitarras y voces, Luciano Dyzenchauz: contrabajo y bajo, Lucas Nikotián: acordeón y piano, más Santiago Vázquez en percusión y voces), con sendos discos y más de diez años de carrera, se convirtieron en la propuesta más distinguida e inclasificable de la nueva música popular argentina.

El quinteto hace música que dialoga muchos lenguajes con buen gusto, lo que la hace atractiva y difícil de encasillar, misturando folklores sudamericanos, aires de tango, ritmos africanos, cool jazz, músicas europeas antiguas, hasta recursos de cierta elite contemporánea y canción urbana. Puente Celeste en vivo en Café Vinilo es una excelente oportunidad para quienes no conocen a estos artistas, o les falta tener algo de su preciado arte sonoro. + www.puenteceleste.com

ponerle humores y sabores a las letras, crea una música bien actual e irreverente, que en este caso y haciendo un reduccionismo caprichoso, podemos llamar electropop industrial. Con clara impronta rock de beat digital y tempos entrecortados que siempre van para adelante, las 10 inquietantes canciones que conforman esta obra, conjugan un espíritu lúdico, con buen ritmo, cierto delirio fantástico -puesto de manifiesto sonoramente en los timbres y los arreglos-, además de emociones extremas con jugosos desenlaces melódicos.

Tomates Asesinos: veneno pop cordobés Un fresco cocktail casi posmoderno, o meta pop digestivo es lo que propone este grupo cordobés en su nuevo disco Noches de Absaló. El cuarto álbum del ahora dúo que se caracteriza por

El carácter visceral de Tomates Asesinos y sus buenas producciones, los han hecho muy famosos en la escena independiente de Córdoba desde hace varios años y, con este trabajo, muestran ya cierta madurez en lo estético y lo acabado del producto total, con un concepto bien concreto y una humildad valorables. El disco viene en una presentación muy sobria, y no será fácil encontrarlo, pero bien vale la pena buscar y disfrutar la locura efervescente de su sonido. Ellos son una muy buena muestra del expresionismo creativo de la capital cordobesa, donde se cruzan tanto los jóvenes y sus nuevas ideas, con las tradiciones más populares. Como una instantánea urbana, verborrágica, de ligereza pop, pero no leve, con cierta oscuridad y mucha pulpa sustanciosa, la música de los Tomates hoy tiene ese tinte sanguíneo y efímero a la vez. Una producción valiosa, que puede divertirte hasta envenenar el goce. + www.tomatesasesinos.com.ar


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+ mundo creativo

eventos

Inspiration Day + Diseño Durante la primera jornada creativa Inspiration Day + Diseño, se exhibió la muestra Pequeño Mundo de Personajes! en la sede Paraná del Centro Cultural de España en Buenos Aires. Como cierre, se realizó un meet up, para generar conectividad y networking entre los asistentes. Martín Laksman, Maikol de Sousa a.k.a Borneo, Felipe Niño y Damián Conci posan junto a sus creaciones. Acompañó el evento Gancia One. Fotos: Maia Croizet. +

www.inspirationfest.com

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1 y 2. Paulina Trotz y Eugenia Suárez en la inauguración de la primera Boutique Chanel Parfums & Beauté en Argentina, en Galerías Pacífico. www.chanel.com 3 y 4. María del Cerro, Manuela Viale y Natalia Graciano en la presentación de la colección de adidas pensada exclusivamente para todas las mujeres, que integra las líneas Perfomance y Originals, para continuar celebrando la campaña “adidas is all in”. www.adidas.com 5, 6 y 7 Nicole Neumann, Soledad Solaro, Ignacio Bordeau y Andy Fogwill fueron invitados por Personal para disfrutar de la edición 2011 del festival de música Personal Fest, durante el cual la empresa de telefonía estrenó nueva imagen visual www.personal.com.ar


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mundo creativo 051 eventos

Un encuentro a puro metal Dos de las bandas metaleras más importantes del planeta, Judas Priest y Whitesnake, llegaron a nuestro país, para brindar un espectáculo vibrante en el estadio Racing Club de Avellaneda. Déborah de Corral, Matías Camisani, Maggie Gelblung, Favio Posca y Roxana Harris fueron invitados por BBVA Francés y, junto a clientes Vip del banco, fueron testigos privilegiados de esa noche. La velada comenzó con la presencia de Whitesnake, el legendario grupo británico que deleitó al público argentino con sus grandes éxitos. Lo más esperado de la noche llegó con los primeros acordes, un escenario ambientado como una antigua fundidora, con chimeneas que lanzaban bocanadas de fuego, y un sinfín de rayos lásers, y el ingreso del líder de Judas Priest, Rob Halford, a bordo de su amada Harley Davidson. La música contagiaba a los fans, que no pararon de ovacionar a sus ídolos, en una noche plena del más puro metal. + www.bbvafrances.com.ar

1. Marcelo Ortega de Unmo 2. Vero Ivaldi 3. Maggie Cecilia Gadea 4. Nadine Mariano Toledoinvitados 7. Federico Platener y Fernanda Camila + Déborah de Corral, Matías Camisani, Gelblung, FavioZlotogora Posca y 5. Roxana Harris, por BBVA Francés al Cohen recital7.de JudasMilessi Priesty Emiliano Blanco de Kostüme. y Whitesnake


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+ mundo creativo

eventos

+ Nanda Nkumar Sethy fue el ganador del World Draught Masters en la final internacional de tirada de cerveza de Stella Artois, que contó con la conducción de Marcela Kloosterboer

Stella Artois celebró la final del World Draught Master La competencia Stella Artois World Draught Masters celebra la habilidad y la pasión de barmans de distintas partes del mundo, poniendo a prueba su capacidad de llevar a cabo con estilo y delicadeza el ancestral Ritual de Servido de los 9 Pasos de la cerveza. Este año, la final mundial se celebró en Buenos Aires, y contó con finalistas de 25 países, que se reunieron para la elección del mejor entre los mejores. Los participantes subieron al escenario para demostrar tanto su destreza técnica como su pasión por ofrecer una experiencia superior en cerveza tirada, al presentar la cerveza lager dorada originaria de Leuven en copas cáliz de edición limitada, diseñadas por el escultor argentino Juan Pallarols, a un panel de distinguidos jueces. Fue así como Nanda Nkumar Sethy, procedente de Dubai, se consagró “maestro mundial” al recibir el título Stella Artois World Draught Master 2011, por demostrar su gran habilidad, pasión y delicadeza en todos los detalles, en cada una de las tres rondas de la competencia, mientras que los invitados disfrutaron la presentación de la cantante argentina Elena Roger, y una función especial de “tango aéreo” a cargo del grupo teatral Cuerda. + www.stellaartois.com

+ Fueron invitados especialmente: Humberto Tortonese, Gloria Carrá y Luciano Cáseres, Facundo y Pablo Pieres y Santiago Garrahans. Elena Roger cantó en el final de la competencia


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mundo creativo 053 fragancias / accesorios

Les Exclusifs de Chanel Chanel acaba de inaugurar en Galerías Pacífico, en Buenos Aires, su primera Boutique “Parfums & Beauté”, dedicada exclusivamente al cuidado de la piel y el maquillaje. Una de las grandes novedades de este espacio de estilo elegante, creativo y sobrio, es que cuenta con tres barras olfativas, especialmente dedicadas a la línea de fragancias femeninas y masculinas llamada Les Exclusifs. Esta colección está compuesta por doce frascos idénticos con las fragancias creadas en el pasado por el perfumista de Ma-

demoiselle, Ernest Beaux, además de aquellas contemporáneas, ideadas por Jacques Polge, al frente de los perfumes Chanel desde hace más de treinta años. Así, mediante los refinados probadores de cerámica que constituyen estas barras olfativas creadas por el director perfumero de investigación y desarrollo de Chanel, Christopher Sheldrake, la nueva Boutique ofrece una experiencia más íntima con el cliente en el momento de elección del perfume. + www.chanel.com

212 Vip Men de Carolina Herrera

La forma de ver de Carla Di Sí

“Mi nueva fragancia, 212 Vip Men, es un homenaje a la vida nocturna de Nueva York y los millares de hombres que hacen que esta ciudad sea, para muchas personas en todo el mundo, un lugar atractivo, fascinante, interesante y misterioso”, señala la diseñadora venezolana para presentar su más reciente creación olfativa. Así, este perfume se plantea como un explosivo cocktail de vodka con menta helada, caviar de Lima y especias vibrantes, al que la madera de Kingwood le aporta un toque tropical dorado, muy seductor, y un aroma terroso que dura toda la noche. El frasco color plateado como el acero, contrasta con el dorado de la versión femenina, metales preciosos ambos, que perduran a través del tiempo. + www.carolinaherrera.com

Ya sea porque usó anteojos desde muy chica, o porque ya su abuelo estaba al frente de una óptica que inauguró en la calle Florida en 1946, Carla Di Sí siempre tuvo una relación muy estrecha con el objeto-anteojo, y encontró en ellos su vocación. De profesión óptica, comenzó vendiendo aquellos armazones “viejos” (o retro) que encontró en el depósito de su abuelo. Y como conocía muy bien la industria y también el producto (por ser usuaria incansable), se animó a diseñarlos, y en 2007, presentó su primera colección. Es así que hoy ofrece, en su nueva tienda de Gurruchaga 1677, en el barrio de Palermo, una línea de anteojos de sol y de receta, tanto para hombre como para mujer, elaborados manualmente en acetato de celulosa italiano de primera calidad y con diseño contemporáneo. + www.carladisi.com.ar


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eventos

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1. Javier Iturrioz y Facundo Garayalde en la comida de la artista Nicola Costantino en Forum Alcorta 2. María Médica y Eduardo Capilla en la inauguración de la muestra “Tres” de María Médica en la galería Popa 3. Jazmín de Grazia, María del Cerro, Agustina Córdova y Esmeralda Mitre en la apertura de Vestidor Soho Vitamina 4. Cochito López y Coni Dietrich en la Fiesta de Chandon 5. Wally Diamante, Dolores Fonzi y Abril Pereyra Lucena en el desfile de El Camarín en el Museo Evita 6. Emilia Attias, Sebastián Correa, Carla Peterson y Julieta Ortega en el evento por los 20 años de Lancôme 7. Nazareno Marcollese acompañó a su novia Lucía Pedraza al ciclo de desfiles de BAAM 8. Leo Balcarce en el nuevo local de Allo Martínez en Palermo 9 y 10. Oscar Fernández, Calu Rivero y Emmanuel Horvilleur en el lanzamiento de la campaña de verano y del nuevo CD para peluquerías Roho


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+ mundo creativo

Texto: Carolina Prioglio. Foto: Gentileza Paris Tourist Office, fotógrafo: David Lefranc

destinos

+ Jardín de Luxemburgo

París alternativa

Un recorrido por la capital francesa que no incluyen las guías Una visita a la capital francesa no está completa sin una recorrida por sus parques y jardines, sus galerías y fundaciones, los sitios de encuentro para la mayoría de los parisinos, desconocidos por la mayoría de los turistas, sus mercados y los restaurants en los lugares menos pensados. No se trata de evitar los típicos museos, convertidos en imperios del arte académico y puntos de encuentro masivo. La idea es hacerse tiempo para revisar las galerías de arte contemporáneo en los barrios Le Marais y Saint-Germain-des-Prés, que no incluye ningún “museum pass”. Algunas de las más recomendables: Gallery Dukan Hourdequin, Azzedine Alaïa Gallery y La Gaîté Lyrique. También, las fundaciones de distinta índole, ubicadas la mayoría en los “arrondissements” (el nombre que reciben los distritos en París) 16 y 14, que son las pequeñas gemas artísticas de la ciudad, dedicadas a preservar la historia de grandes innovadores. Parada obligatoria para la Fundación Yves Saint Laurent (SaintLau, como lo llaman al prolífico diseñador los parisinos), donde se puede indagar cuatro décadas de diseños y bocetos originales de haute couture y ready-to-wear realizados por Yves, y otras exposiciones itinerantes. Al igual que la Fundación Cartier, emplazada en un edificio modernoso de varios pisos, que ofrece una retrospectiva sobre las creaciones de la firma de joyas, en simultáneo a otras exhibiciones de arte y fotografía imperdibles. Otras dos fundaciones para visitar son la del arquitecto Le Corbusier y la del fotógrafo Henri Cartier Bresson. La primera consigue mostrar gran parte del trabajo de Corbusier en las dos residencias en las que encuentra ubicada; y la segunda, la más modesta de todas, exhibe dos pisos de imágenes de las calles de París a mediados del siglo pasado y su trabajo dentro del fotorreportaje, que él mismo inició. Un dato: la mayoría de las fundaciones abren todos los días, menos los lunes. Pero cuando se visita una galería, fundación o museo, vale la pena

prestar atención no sólo a lo que muestran sus salas, sino también a sus cafés y restaurants: Café Richlieu-Angelina en el Louvre, Georges y Café Mezzanine en el Centre Pompidou y Tokyo Eat en el Palais de Tokyo. También los jardines de algunos museos merecen una caminata por la tarde, como el caso del Musée National Rodin y el Bourdelle, con sus estatuas y esculturas. Y mencionando la palabra jardines, existen muchísimos espacios verdes en París y sus alrededores. Sin ir más (o muy) lejos, Versailles resulta un buen ejemplo al poner de manifiesto que, a través de la historia de la ciudad, los parques y jardines, elegantes y masivos en muchos casos, se fueron ubicando alrededor o como una extensión de fastuosos edificios o construcciones. Están los parques clásicos como Tuileries, los Jardines de Luxemburgo o Champ du Mars, visitados por centenares de personas cada día y puntos hipsters de encuentro para los parisinos, pero existen otros que vale la pena disfrutar. Son el Jardin du Ranelagh, en el barrio 16, el Bois de Vincennes, en el 12, y el Jardin des Plantes, el botánico de París, ubicado en el 5. A todos a hacer picnic o caminar. Por último, una visita a París no puede finalizar sin un paseo por sus mercados y ferias de antigüedades y ropa vintage, que proponen una alternativa única y variada a las tiendas de fast fashion, los grandes almacenes como Galeries Lafayette y Printemps, y las boutiques de lujo sobre Avenue Montaigne. Obligado un recorrido por el Marché Aux Puces, el Marché de Montreuil o el Paul Bert & Serpette Marché. Un dato más al pasar: el regateo es moneda corriente en estos mercados. + www.paris.fr


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mundo creativo 057 branding y diseño

Foto: Maia Croizet para www.watio.com.ar

+Una manera de conocer qué piensan sobre el diseño y los diseñadores los responsables de marketing de empresas exitosas, quienes deciden y compran diseño, buscando sumar valor a sus marcas y productos. La mirada del otro lado del mostrador.

Gabriel Hanfling | Infinit por Diego Giaccone (*) En esta sección, siempre tengo como objetivo desmitificar algunas cosas que arrastramos desde la época de nuestra formación académica: el hecho de que el cliente no entiende de diseño, no tiene cultura visual y sólo quiere matarnos la idea… Nada más alejado de la realidad. Y mi desafío es mostrarlo para que lo lean. En esta oportunidad, al entrevistar a Gabriel Hanfling, creador de la exitosa marca de anteojos Infinit, se me vinieron a la mente muchos otros pensamientos con respecto a ese gran mito de que los creativos (o diseñadores) no saben nada de negocios, que no pueden hablar más allá de las ideas creativas, o que no son capaces de generar una nueva marca en el mercado o un producto exitoso.

Gabriel estudió diseño en la UBA, pero duró sólo un año, ya que sentía que le faltaban sentidos, como por ejemplo, el sonido. Entonces, comenzó la carrera de dirección de arte en la Escuela de Creativos Publicitarios. “La carrera me abrió los ojos, me despertó a ver lo que otros no ven”, dice Hanfling. Hoy le llama la atención que todos sus compañeros de carrera fueran creativos y no una marca. ¿Cómo empezó todo? Su padre tenía una óptica, y cuando Gabriel tenía doce años, abrió una fábrica de anteojos, un taller. Como antecedente anecdótico, vivía en el departamento 9 B (novenove). Desde temprano, Gabriel sintió interés por la comunicación, por hacer algo nuevo, ya que, hasta ese momento, sólo había anteojos franceses o italianos, pero nadie estaba innovando, y no había competidores fuertes. ¿Dónde estuvo la clave? “La fábrica me generó un oficio; el diseño, la marca”, dice Gabriel. El diseño fue el valor agregado de Infinit desde el principio. Y logró crear una marca que si bien nació en Argentina, hoy es internacional. Una multinacional desde el pluralismo de la marca, y siempre bajo estándares de calidad internacional. Así, logró crear una marca netamente visual, que acompaña las vanguardias. Antes, el anteojo era algo ortopédico, pero el diseño lo convirtió en moda. Harry Poter también colaboró en que usar anteojos dejara de ser un trauma. Sostiene Gabriel que “los anteojos visten la parte del cuerpo que más miramos”. Cuando le pregunto cómo hace para mantenerse “fresco” y dirigir una empresa basada en la vanguardia y la innovación, sostiene que su búsqueda constante es la satisfacción de la gente, que le guste lo que hacés. Y ver los anteojos puestos es muy gratificante. Como una nueva demostración de hacer punta e ir un paso adelante, este año lanzó una radio propia: Infinit.la. Según Gabriel, la radio es súper visual, ya que “ alguien la escucha, y se imagina las cosas más bellas de lo que son”. Él, desde chico, es un enamorado de este medio de comunicaicón, y así cumplió un deseo más. Hace poco, pudo volver a su primer amor, y generó dentro de su empresa una productora, una usina propia, con diseñadores gráficos, industriales, de indumentaria y de motion graphics. “Volví al mundo de la agencia”, finaliza Gabriel. + www.infinit.la

MUNDO HANFLING Un producto de tu empresa. Mi colección de gafas.Modelo Happiness Una ciudad. Nueva York Un lugar de vacaciones. Tailandia Una marca de tecnología. Apple Una película. Sin límites, de Neil Burger Un auto. smart Una marca de ropa. Dsquared2

(*) Diego Giaccone es diseñador gráfico, director de SURe Brandesign. www.surebrandesign.com


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+ mundo creativo

agenda

+MuestrAs/eXPosiciones/FeriAs 1 al 4/12 Art BAsel MiAMi BeAch

conferencias y mesas redondas) dictadas por profesionales del diseño y la comunicación de América Latina

Una de las más prestigiosas muestras de arte contemporáneo Miami Beach, Florida, EE.UU.

http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/encuentro2010/

www.artbaselmiamibeach.com

+conGresos/encuentros/seMinArios

28/02 al 3/03/2012 BAFWeek

3/12 insPirAtion Fest 2011 Tercera edición del Festival de inspiración y creatividad, dedicado a promover las industrias creativas en todas sus expresiones. Diseño, ilustración, fotografía, videojuegos, multimedia y animación, documentales, música de vanguardia y tecnología aplicada al mundo creativo tendrán su espacio Ciudad Cultural Konex, Sarmiento 3131, CABA

Edición temporada Otoño / Invierno 2012 La Rural, Pabellón Amarillo, Sarmiento 2704, CABA

www.bafweek.com.ar 15 al 18/03/12 cAFirA innovA otoño 2012 Exposición internacional de fabricantes e importadores de regalos y afines Centro Costa Salguero, Av. Rafael Obligado y Salguero, CABA

www.inspirationfest.com

www.cafira.com

+concursos/convocAtoriAs

17 al 22/04/2012 i sAloni

hasta 31/11 inFinit internAtionAl FilM FestivAl

Salón internacional del mueble, del baño, del artículo complementario de la decoración, Eurocucina y SaloneStatellite Fiera Milano, Rho, Italia

Convocatoria para participar del Festival. Podrán enviarse cortometrajes realizados en cine o video en las categorías: corto ficción, corto con celular y corto animado, con una duración máxima de 20 minutos y que hayan sido terminados con fecha posterior al 1º de enero de 2010. En idioma español, dobladas o subtituladas al mismo. Se exhibirán durante el verano en Carmelo, Uruguay

www.cosmit.it 31/07 al 3/08/2012 encuentro lAtinoAMericAno de diseño 2012 Actividades de capacitación gratuitas (talleres, laboratorios,

info@infinit.la | infinitfilms@infinit.la

Yelle en Argentina

La cantante francesa Julie Budet, más conocida como Yelle, se presenta en vivo nuevamente en Argentina. Esta precursora del nuevo estilo francés de música y baile, que saltó a la fama gracias a la canción “Short Dick Cuizi”, donde contestaba contra las letras machistas de algunos grupos de rap franceses, llega a nuestro país para dar a conocer su segundo álbum: Safari Disco Club. Promete una cuidada puesta en escena, acompañada por una performance moderna y vanguardista, para hacer bailar al público de principio a fin del espectáculo. Los lectores de 90+10 pueden participar en www.facebook/90mas10 por un sorteo por cinco pares de entradas para el show hasta el jueves 24/11. + www.yelle.fr

doMinGo 27/11 - 20hs Teatro Colegiales, Av. Federico Lacroze 3455, CABA Entrada general $120, a la venta por Sistema Ticketek.

5237-7200 | www.ticketek.com.ar


| Foto: Maia Croizet para www.watio.com.ar


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personas creativas 061 gastronomía

Ferran Adrià

La reinvención de la cocina El hombre que reinventó las técnicas culinarias y la experiencia de comer, y que ideó y dirigió elBulli, el mejor restaurante del mundo durante cuatro años consecutivos, estuvo en la Argentina. El catalán Ferran Adrià llegó al país como parte de una gira con Telefónica, y deslumbró con su creatividad y energía, ambas inagotables. | Texto: Natalia Iscaro

Enfrentarse al mito intimida. Su presencia se impone: enérgico, con ese acento cerrado que vuelve a sus frases un poco menos transparentes y un poco más intrincadas, Ferran Adrià -el mejor cocinero del mundo durante varios años, el padre de la cocina de vanguardia, el embajador de la cocina española y el mentor de muchos de los cocineros más relevantes de la actualidad mundial- se explaya, tanto como se lo permite su habla. Porque su mente, esto queda claro ni bien comienza la charla, va mucho, muchísimo más rápido. La paradoja inevitable se impone rápidamente. Adrià es uno de esos personajes que uno quisiera exprimir hasta sacar la última gota. La última gota de creatividad, de filosofía, de inspiración, de grandeza, y hasta de ego y vanidad; todo lo que venga de él será, uno intuye, simplemente genial. En tanto, el catalán desafía esa lógica particular que establece una entrevista para hablar, más que con su interlocutor, consigo mismo. Se pregunta y se contesta. Oscila entre un devaneo contagioso y un aceleramiento inspirador, para escaparse a un sitio donde los puntos de su discurso se unen para formar otra cosa, algo inesperado y, sobre todo, nuevo. Como en su cocina, donde los ingredientes dan vida a sabores insospechados, mezclas salvajes y excéntricas, donde la tecnología se expresa en una dimensión entre química y filosófica. En este ámbito, ha trabajado junto con su hermano Albert, innovador especialista en materia dulce, que en 2006 abrió Inopia, un bar de tapas tradicionales; y junto a quien este año, Ferran abrió Tickets, también con las tapas como protagonistas, y con la vocación de recuperar recetas e incentivar el eterno debate entre creatividad y tradición. Entusiasmado por la temática del diseño, el chef catalán revivió, en esta breve entrevista –la última de una larga jornada completa-, su recepción del Premio Lucky Strike 2006, concedido por la Raymond Loewy Foundation y uno de los más prestigiosos en diseño, el mismo que fue recibido por Philippe Starck, Donna Karan, Michael Ballhaus y Karl Lagerfeld. Con este reconocimiento, opina él, la cocina se ha posicionado definitivamente como una nueva disciplina de diseño. “Era indispensable que algún día pudiera estar al lado de

estas personas. Esta es la aceptación de la cocina como un hecho cultural creativo”. + La nuestra es una revista de diseño, donde la creatividad cumple un rol importante. Quería preguntarle si piensa que la creatividad puede estimularse. FA Nuestro tour con Telefónica está orientado a eso. Y esto lo veo de manera sencilla. Una simple frase te puede cambiar la vida. Cuando te casas, y dices “sí quiero”, te cambia la vida. A veces, buscamos que en una conferencia todo el mundo cambie, y a veces es más simple. Lo más difícil que hay es pensar bien. Si piensas bien, crearás bien. + Y en cuanto al diseño, ¿qué lugar ocupa para usted diseñar el espacio, los utensilios? FA Gané el premio Lucky Strike, y entonces les pregunté por qué me lo dieron. Fue por dos cosas. En primer lugar, nosotros, el año anterior, habíamos hecho una muestra en el Centro Pompidou, con

+ El equipo de elBulli


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+ contrar estos filones, es el sueño de todo el mundo. Y por ejemplo el arte, al final, aunque la gente cree que no, pero yo nunca mezclo el arte. Para mí, es el último reducto donde estaba la creatividad. + ¿La tecnología es un instrumento o también es un motor de creatividad? FA Puede serlo. Hoy en día, estamos hablando de innovación. ¿Cuál sería el paradigma de una pantalla? Que se proyecte en una ventana, algo que por la luz natural puede parecer imposible. Y esto es algo que existe, y que estamos trabajando con Telefónica. Buscaremos la forma de entender cómo se hace. Pero creo que se magnifica demasiado la creatividad. + ¿En qué sentido? FA Se cree que es algo divino, y no lo es. En mi casa, cuando se me inunda todo y me falla el fontanero, el fontanero es mucho más importante que Philippe Starck. Porque las consecuencias son diferentes. Starck ha tenido una influencia importantísima en la gente; en cambio, un diseñador que ha inventado un material revolucionario, pero que utilizan cuatro personas, pues… Lo importante son las consecuencias. + Por eso digo que todos deberíamos poder ir a elBulli… FA Es que lo increíble, lo paranormal, es cómo algo que tan poca gente ha vivido, sea tan analizado. ¿Tú lo sabes? + Niguiri de navajas con spray de jengibre.

los métodos creativos de elBulli. Y en segundo lugar, me dijeron que tenían un premio al que diseña el restaurante, al que diseña la mesa, al que diseña la luz, al que diseña la cubertería, y nunca a la persona debido a la cual existe esto, que es quien diseña la comida. Fue un reconocimiento a que la cocina podía ser diseño. Pero lo más importante, es que hemos sido capaces de hacer un diseño nuestro, único. En conjunto con diseñadores, hemos creado un modelo para un diseño sin moldes. Hicimos un trabajo increíble. Hemos mejorado mucho con esto, continuamente. Y en diseño gráfico también. + ¿Y en el restaurante con su hermano? FA Todo. Lo raro es que el cocinero no participe del diseño. Es el regente que paga el 99,99% de la empresa; que no participe, debería estar prohibido. Es como si tú vienes a diseñar mi casa, y yo no participo. Eso es lo que pasa habitualmente. Porque no hay buena comunicación, y aquí el valor tiene que estar dado por la cocina. Por esto, tantas barbaridades que muchas veces se hacen entre lo que es la oferta, con lo que es el contexto. El diseñador hace su historia, y el cocinero hace otra, y no es así. Es un trabajo importantísimo, y es muy bonita la interacción del cocinero con el diseñador. Sólo entiendo el trabajo así. Y entonces, cuando estamos conceptualizando el diseño de elBulli, participamos todos, y no sólo quien lo va a estar haciendo. + Y para los que no pudimos ir todavía a elBulli, ¿va a volver a abrir en 2014? FA elBulli sí, ya el restaurante, no. Abrirá algunos días, para un feedback, pero no se podrá reservar ni se podrá pagar, es una fundación. ¿Quién vendrá? Da igual, tengo unos mil problemas antes de llegar a quién vendrá. Uno de los grandes temas de elBulli, es esto. Si se ha ligado la que se ha ligado con sólo 7 mil personas u 8 mil al año, ¿te imaginas si pudieran venir 800 mil al año? Esto sería un fenómeno paranormal. elBulli ha sido una gran revelación. A un teatro pueden ir mil personas, a un recital de música 100 mil, y a una instalación artística van 30. Es lo que hay. + ¿Qué lo inspira a Ferran Adrià? ¿Qué despierta su creatividad? FA Es poner el chip, y esta conversación nos puede inspirar. Es en-

+ ¡No! FA Yo tampoco. Cada disciplina es diferente. Desde el diseño, tienen la suerte de que puedes diseñar una silla y luego fabricar miles de sillas, pero en la cocina, no. GIRA Tapa de la revista del diario New York Times y de la revista Time –donde apareció en la lista de los diez personajes más innovadores del mundo en 2004-, el mejor chef del mundo y, en suma, uno de los grandes innovadores del siglo XXI, fue traído al país por Telefónica, como parte de la gira internacional “Telefónica & Ferran Adrià: juntos para transformar”.

MINI BIO En 1980, Ferran Adrià abandonó sus estudios y consiguió un trabajo como lavaplatos en el Hotel Playafels de Castelldefels, donde se inició en la cocina clásica. Luego, trabajó en Ibiza, y se inscribió en el servicio militar, donde formó parte de la cocina del Capitán General. Llegó a elBulli durante un mes de permiso, siguiendo la sugerencia de otro recluta. El año siguiente volvió, para convertirse en jefe de cocina, junto a Christian Lutaud. Tras viajes a las cocinas de chefs como Georges Blanc y Pacques Pic, su hermano, Albert Adrià, se incorporó a la repostería de elBulli. Durante 1987, en una conferencia para la fundación Escoffier, en Cannes, el gran cocinero Jacques Maximin pronunció la célebre frase “creatividad es no copiar”, que introdujo un cambio en la cocina. Tras dos meses cerrado, Lutaud parte y Adrià se plantea nuevos desafíos. En 1994, inventa el plato “menestra de verduras en texturas”; un nuevo estilo. En 1999, llega la portada de El país semanal, como el mejor cocinero del mundo, y en 2004 a la de The New York Times, Le Monde y la revista Time. En 2007, fue nombrado Doctor Honoris Causa por la facultad de química de la Universidad de Barcelona, nunca antes concedido a un cocinero. En 2010, Adrià anuncia públicamente que elBulli permanecerá cerrado al público durante dos años, aunque seguirá abierto como taller de investigación, y en 2014, se convertirá en una fundación dedicada a impulsar la creatividad gastronómica.


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+ Timbal helado de albaricoque y toffe de amaretto con espuma de almendra.

Así, el maestro catalán desarrolló una serie de seminarios y conferencias privadas y públicas, tanto con el público en general como con directivos y clientes, cuyo corolario fue una Charla Magistral en el Teatro Gran Rex. La odisea inspiradora también lo ha llevado y llevará, durante cuatro años, por Miami, Nueva York, Londres, Berlín, México, Madrid y Barcelona. ¿El eje del recorrido? La posibilidad de transformar oportunidades en realidad, a través de la innovación, la creatividad y las nuevas tecnologías. La semilla, el origen de todo, puede rastrearse en la apertura de elBulli, como una modesta instalación de minigolf, en 1961, a la cual Adrià llegó en 1983, durante un permiso del servicio miliar. Allí comenzó esta historia, y así, donde la brisa hace silbar a los árboles y donde el mar dibuja el horizonte -más precisamente, en Cala Montjoi, Cataluña-, elBulli supo convertirse en el elixir de la gastronomía mundial. Una joya un poco inaccesible, un poco excéntrica, un poco tecnológica, un poco mágica. Una receta perfecta para la creatividad y, también, el éxito. Hoy la semilla dio vida a una nueva versión. En julio de 2012, el restaurante cerró y anunció el nacimiento de elBulli Foundation, una organización que se dedicará a la investigación en creación e innovación de la ciencia gastronómica, cuya apertura está prevista para 2014. Y así, oportunamente tamizada la posibilidad de su decaimiento sigiloso, el establecimiento comprueba en su vigencia la cualidad más propia de todo lo que toca Adrià: la innovación. Más allá de las frases y las oratorias, como ecos de ese mar catalán, Adrià vuelve a las fuentes: “La cocina es un lenguaje. Si piensas bien, cocinas bien. La cocina es un espacio de reflexión sobre muchas cosas”. Y medita sobre la profesión: “El cocinero ha cambiado. Antes, era una profesión endogámica, ahora hay un compromiso social, hay cocineros que son referencia para la sociedad. Creo que la cocina es una buena y pacífica arma social”, afirma, e interpela con la mirada a su interlocutora, para comprobar que sus palabras han hecho su efecto. Y luego, vuelve a su mundo, a ese engendro interior donde todo cobra nueva vida, hasta la próxima pregunta.

QUÍMICA AL PLATO Entre las técnicas de Ferran Adrià, se destacan la esterificación (técnica que utiliza aleginatos para formar pequeñas bolas de contenido líquido), la espuma (que crea con sifones) y el empleo de nitrógeno líquido. Con una presentación minimalista, en elBulli, todos los alimentos tienen el mismo valor culinario, pese a su distinto prestigio o precio. Sus platos más renombrados han sido las ostras con aire de zanahoria, un falso caviar de melón, un tuétano con caviar, las nitro coulants (variaciones de los emblemáticos coulants de Michel Bras, utilizando nitrógeno líquido), entre tantos otros. + ¿Cuándo nace su amor por la cocina? FA Muy poco a poco y, además, de una manera muy acelerada. Llevo 30 años en esto. Pero sí, hay momentos íconos que usamos de referencia. + ¿Alguno de esos momentos? FA En el año 87, cuando empezamos a buscar el camino, fuimos a una conferencia y le preguntaron a un cocinero qué es la creatividad y él dijo: “No copiar”. A partir de ese momento, empieza un nuevo camino. Luego, en el 94, aparece un plato, que es el ícono que cambia la cocina. A partir de entonces, dejamos de hacer una cocina de territorio, en ese caso, mediterráneo, para buscar un lenguaje propio. La portada del New York Times también fue algo simbólico para el futuro. Y el acuerdo con Telefónica, que es importantísimo. Que una compañía como Telefónica apueste por la cocina, es un cambio brutal. Estas son fechas que yo marco. Y que siguen con una experiencia que va a haber en elBulli, en Barcelona, para la cual hemos repasado muchas cosas, y nos hemos dado cuenta de todo lo que hemos hecho. Hay un audiovisual, que probablemente llegará a la Argentina el año que viene, y que dura diez horas. Y es la manera más corta que hemos encontrado de explicar qué ha pasado en elBulli. Vendremos en el 2013 a lanzar un libro, que es una labor conjunta, y son 8500 páginas. Es que se han hecho tantas cosas, que es muy difícil de sintetizar.


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+ Macarrón de pórex al jengibre con mantequilla ahumada de coco.

+ Y tantas cosas se han dicho de la cocina que usted hace, ¿puede definirla de alguna manera? FA Si hablamos de una cocina que se entienda, los 23 puntos que están en la red de elBulli es la manera más corta de explicar la cocina de elBulli. A partir de aquí, podemos decir que lo que buscábamos era ampliar los límites, que la cocina fuera una experiencia, pero a nivel más técnico, esos 23 puntos, y más o menos está. + ¿Hasta dónde llega el valor transformador de la cocina en la sociedad en general? FA En una sociedad donde la cocina ya no es una necesidad, brutal. Es el gran poder actual, es incalculable. Cuando empecé en esto, me preguntaba, “¿esto será una moda?” Pero no, y va a llegar a niveles incalculables. Lo vemos cada día, ¿de qué quieres que hablemos, de la artillería cuántica? Son nuevas tecnologías aplicadas a la cocina. + ¿Y cómo se puede pensar un paso después de elBulli? FA Es lo que vamos a trabajar en la Fundación. ¿Qué hay después del restaurante? Para empezar, si lo tomamos desde el lugar del diseño, ¿cuándo se empezó a diseñar? La historia y todo lo que significó esto. Vamos a hacer un trabajo antropológico, muy sencillo, aprovechando todo el trabajo que hay, que es mucho, para ligarlo a lo que hemos hecho, ordenar nuestro trabajo y, a partir de allí, preguntarnos esta gran pregunta. Pero siempre, hay un paso más. + ¿La idea es que sea un espacio de investigación, de experimentación? FA Sí, no va a variar tanto. Cocinar, crear y producir impacto. Lo que cambia son las proporciones, en tiempo. Le vamos a dedicar mucho tiempo a la creatividad. Es otra lógica. En diseño, ¿tú te imaginas a Philippe Starck yendo a la fábrica cada día? ¡Philippe Starck no va a la fábrica! Es un gran amigo mío, va una vez por mes. Es que no puede ir. Pero nosotros, a la cocina tenemos que ir a generar la creatividad, a producir el marketing, el comercial, la contabilidad. Así lo dejamos a Adrià, humeando ideas, relevando un mojón más en esta odisea peregrinatoria en la que se han convertido su vida y su misión, la misma cosa. + www.elbulli.com | www.bullifoundation.org

ADRIÀ ABREVIADO Para familiarizarse con la vida del genial cocinero que es Ferran Adrià, con su legado y su vida, dos tomos permiten una introducción. Por un lado, disponible en la Argentina, “Reinventar la comida. Ferran Adrià: un viaje incesante por la gastronomía”, es una biografía editada por Phaidon. Escrito por Colman Andrews, uno de los grandes críticos de la gastronomía estadounidense, el libro indaga en cómo Adrià se convirtió en el mejor cocinero del planeta, cómo el equipo de elBulli consiguió ser elegido mejor restaurante del mundo durante cuatro años consecutivos y, además, relata su cierre y plantea su próxima etapa. Según Andrews, Adrià no sólo reinventó las técnicas culinarias, sino que, además, renovó la experiencia misma del comer. Desde sus comienzos como cocinero en el servicio militar hasta su reconocimiento como motor de elBulli, pasando por los alegatos de sus críticos y el desarrollo de las técnicas de la gastronomía molecular, sus 16 capítulos están destinados no sólo a los amantes de la cocina, sino también a quienes busquen un relato inspirador. Del mismo sello, pero con desembarco aún pendiente en territorio local, “The Family Meal: Home Cooking with Ferran Adrià” revela las recetas que Adrià y su personal disfrutaban durante sus jornadas en elBulli. “La familia” es, precisamente, como Adrià llamaba a su personal; y “la comida”, como se refería a los platos que, religiosamente, todos los días su equipo degustaba en una cena de tres pasos. Así, el libro se explaya sobre 31 de estas cenas, que cualquiera podría recrear en su hogar: deliciosos y sencillos platos caseros de temporada, en el marco de un momento de reunión y relax; un ritual de importancia para todas las familias. Las recetas incluyen los ingredientes necesarios para 2, 6, 20 y 75 comensales, con un gasto mínimo, con los cuales Adrià reafirma cómo el secreto de la buena cocina es la organización, y demuestra lo fácil que resulta elaborar platos sabrosos y con poca preparación. www.phaidon.com

Link a la nota: http://9010.co/ferranad


| Foto: Maia Croizet para www.watio.com.ar


personas creativas

+ 067 diseño

Martín Azúa

La riqueza suprema Vino a Buenos Aires por primera vez, para participar del Inspiration Day. Además, dio charlas en la UBA y en la UADE. Orador agradable y sereno, pensador conceptual y reflexivo, el diseñador industrial Martín Azúa contó de su pasado y futuro, y se dejó cautivar por la ciudad. | Texto: Natalia Iscaro. Fotos: Gentileza MA

Son varios los ingredientes que hacen de Martín Azúa un orador interesante para el público argentino. En primer lugar, nació en el País Vasco, una comunidad ubicada en el extremo nororiental de la franja cantábrica, cuyo pasado trágico, cultura rica y espíritu nostálgico, nos intriga. “Algunos dicen que el carácter vasco está fijado por el paisaje, y el catalán por la lengua, y yo creo que es un poco así. Siempre he sentido mucha nostalgia por el paisaje del norte, húmedo, con bosques de hayas, y que no tiene nada que ver con lo mediterráneo, que es muy bonito también, pero es otra cosa. Supongo que a todos nos marca el lugar donde hemos conocido el mundo”, cuenta él. En segundo lugar, Martín se dedica a la experimentación. A sus trabajos para firmas suma un trabajo conceptual y minucioso, que traslada a piezas que enarbolan su idea de que “el diseño sirve también para hacernos preguntas. Sentarse frente a un papel en blanco es terrible, prefiero nutrirme de cosas que me interesan, de proyectos que yo mismo desarrollo, y finalmente, cuando llega un proyecto profesional, echas mano de todo eso”. Por otro lado, ya en tercer lugar, el diseñador cuenta con piezas en museos como el Vitra Design Museum, el Museo de Artes Decorativas de Barcelona, el Centro de Arte La Panera de Lleida y el MoMA de Nueva York, donde se aloja su Casa Básica, diseñada en 1999: una tela metálica que se infla con el simple calor del cuerpo, y que se convierte en un espacio mínimo en el que se puede vivir. Esto último corporiza un concepto que, aún hoy, le quita el sueño: el de vivir la vida en austeridad. Y, finalmente, Martín cuenta clientes de la talla de Vibia, Camper, Porcelanosa, Mobles 114, Nanimarquina, Roca, Cosmic y hasta el excéntrico y mejor cocinero del mundo, Ferran Adrià; y claro, ha recibido numerosas distinciones y reconocimientos como el Premio Cuidad de Barcelona (2000) y el Premio AD mejor diseñador espa-

ñol del año (2010). Todo esto, sin embargo, no le nubla la vista. Aún cuando reconoce haberse separado de su anterior socio porque “los diseñadores, como los artistas, tenemos un ego particular”, disfruta de su pequeño estudio, “un equipo muy bonito con ocho diseñadores industriales y una diseñadora gráfica”, y hasta se da el gusto de tomar encargos poco habituales, como el desarrollo del universo de marca de Majoral, una firma de joyería oriunda de Formentera. “Es un cliente que me encanta. Y hemos generado una marca donde todo lo que contamos es verdad”. + ¿En qué sentido la verdad? MA Normalmente, las marcas trabajan con algo que se llama universo de marca, que es todo lo que rodea a la marca, su universo referencia. Y este personaje, Enric Majoral, tuvo una época de hippie, en los 60, y se fue a Formentera cuando no había turistas, y aprendió joyería de una manera muy autodidacta, y ha ido creciendo y conservado sus orígenes. Viven ahí, tienen tiendas en Barcelona y en muchos lugares del mundo, pero siguen conservando su esencia. Y yo creo que ahí está el acierto de las cosas. Creo que todas las marcas y los productos tienen que ser así. Hoy, a los productos les falta historia real, de dónde vienen. Y entonces, con Majoral sé con quien estoy trabajando, es un artesano: que hace productos, y que se puede contar todo, porque no hay nada de lo que avergonzarse en el proyecto. Hemos diseñado el logotipo, el packaging, las tiendas, todo. + ¿Diseño de imagen? MA Sí, una idea global. A determinadas empresas, les resulta difícil montar un estudio de diseño, porque finalmente el diseño implica diseño gráfico, diseño de producto, diseño de packaging, entonces tener diferentes equipos para ellos es complicado, prefieren tener a alguien que quizá no sea el mejor haciendo todo eso, pero que en un proyecto pequeñito como ése, me atrevo, y lo estoy disfrutando mucho.


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+ Jarrones de plata para Unión Suiza, 2011.

+ Colección de packs en madera lacada para las tiendas de joyería Unión Suiza, inspirados en los cristales naturales, 2011.

+ Las medallas de los Campeonatos de Europa de Atletismo Barcelona 2010 representan la honestidad y dinamismo de los atletas. Una sencilla forma que parece la prolongación de la cinta, 2010.

+ Tu formación tiene que ver con las artes… MA Sí, yo estudié Bellas Artes, que es una formación no muy normal para un diseñador, que generalmente estudia una especialidad en una escuela de diseño. Y bueno, eso para mí fue una suerte, porque de alguna manera, te acostumbras a trabajar de una forma un poco más conceptual. Cuando empecé, era muy utópico, muy ingenuo y, en definitiva, esto ha sido también una profesión. He tenido que vivir de esto, trabajando para clientes, y claro, no puedes trabajar a ese nivel conceptual. Yo me lo planteo como un reto: cómo ayudar a la gente. + Es interesante esta veta tuya más experimental, que tiene que ver con Casa Básica. En una entrevista decías que Casa Básica era como hacer atractiva la pobreza. MA Sí, en realidad, eso no lo decía yo, estaba citando a un autor que me gusta mucho, que se llama Ezio Manzini, y decía esto: que el reto de los diseñadores es hacer atractiva a la pobreza. Yo creo que para ser rico, hay que necesitar poco; eso es también atractivo. + Tiene que ver con la austeridad. MA Sí, con todo lo que te rodea, porque ser rico y vivir en un mundo complicado, pues tampoco finalmente sirve. Pero estar en un sitio bien, ser consciente de que tienes lo que necesitas, me parece la riqueza suprema.

+ Botella de agua en PET, con diseño gráfico de Tema, 2007.

LEJOS DEL DOGMA Con todo esto, llegó Martín a nuestro país, para participar del Inspiration Day (coproducido entre Inspiration Fest y el Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA), con el apoyo del Espacio Fundación Telefónica), una jornada dedicada a la creatividad, bajo la temática Diseño, y durante la cual se realizaron exhibiciones y conferencias, como la que dio este diseñador en el Espacio Fundación Telefónica. Allí se explayó, entre otros temas, sobre lo difícil que puede ser diseñar objetos simples, de uso diario, que además de lindos, puedan ser realmente funcionales. Entre sus objetos favoritos, se refirió a una panera que diseñó para Ferran Adrià, con forma de dos aros de metal, entre los cuales se ubica la servilleta, al estilo de los bastidores de bordado; así como a los zapatos que diseñó para Camper, y a objetos de plástico por una técnica de rotomoldeo, una de sus tecnologías favoritas. En cuanto a su trabajo para Majoral, se explayó en las ventajas de diseñar packagings, “un buen negocio porque se cobra bien, y no depende de royalties como en el caso de los muebles”. Y, a modo de reflexión, contó que hoy se cuestiona seguir generando objetos en un mundo donde ya hay demasiado, y que le preocupa la falta de identidad de las cosas, inquietud que plasmó en un proyecto de bolsos con una tela típica catalana, que se vendió mucho. “La gente necesita algo


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+ Pequeño sillón de plástico tapizable para interior y exterior, del tamaño de una silla. Fabricado en rotomoldeo, de un solo material: polipropileno 100% reciclable. Tapizado con una funda de fieltro en diferentes colores, es extremadamente ligero.

+ Taburete para exterior e interior “Flod”, de polipropileno 100% reciclable rotomoldeado. De inspiración natural, sus formas aparentemente escultóricas son el fruto del compromiso entre la tecnología y el material. Su estética es de una simplicidad casi natural. Presentado en la Feria del Mueble de Milán 2007.

que la identifique, entre tanto Zara e Ikea”.

a entrar en una época en que nos vamos a cuidar más con menos, vamos a ser un poco más hedonistas, trabajando con lo necesario. Yo quiero pensarlo así. Me imagino un entorno más desprovisto de objetos que actualmente, pero no minimalista.

En este sentido, afirmó: “Los objetos son anónimos, a nadie le importa quién los hizo ni cómo están hechos, si son o no de calidad. Todos compran marca, imagen, y la falsa promesa de ediciones limitadas que en realidad se fabrican de a miles. Creo que a lo que se va a volver es a tiradas pequeñas de objetos, pero de mucha calidad, donde el comprador conozca al diseñador, la historia de la empresa y exija la calidad de manufactura y materiales por menos objetos, y más duraderos”. + Sé que no te gusta ser dogmático, pero para vos ¿a qué tiene que aspirar el diseño? MA Además, soy bastante intuitivo, y a veces, ser dogmático significa paralizar las cosas. Saber muy bien lo que quieres es perderte muchas historias, porque vas en una dirección tan concreta, que no ves lo que hay al lado. Creo que, actualmente, el diseño puede hacer mucho por las personas, más que nunca, si recupera un poco un espíritu crítico, como lo tuvo en el origen de la profesión, durante la revolución industrial. Los primeros diseñadores estuvieron muy comprometidos y, sin embargo, hoy el diseño está muy plegado a los intereses de la industria, o sea, no trabajamos para la gente, trabajamos para la industria. Habría que volver un poco a pensar en la gente, a que los productos sean razonables, trabajar con lo necesario. + Pareciera que casi todo lo que se refiere al diseño ya está hecho, ¿cómo se planta un diseñador ante esto? MA El otro día pensaba que añadir objetos a un mundo saturado no tiene ningún sentido. Yo creo que es una época más para pensar, escribir, reflexionar, que para producir. Creo que entramos en una etapa en la que la tecnología nos da mucho servicio, sin apenas material, y es fantástico, pero paralelamente, hay que reivindicar esta cuestión sensorial del entorno, y que los objetos que disfrutamos sean realmente sensoriales a través del material. Creo que vamos

Link a la nota: http://9010.co/martinazua

+ ¿Proyectos tuyos que te gusten? MA He tenido suerte porque tuve encargos institucionales: lo que sea medallas, pabellones de exposiciones. Luego, en el sector privado, he hecho poquitas cosas, pero con inversión, mobiliario en plástico; no es muy fácil que el mundo empresario te produzca una pieza relativamente importante. Ahora estoy haciendo lámparas para una empresa que me gusta mucho, Vibia, y seguiré trabajando con ellos. Y ahora estoy haciendo una cosa en Milán con Kvadrat, nos han invitado a una serie de diseñadores, porque se cumplen veinte años de una tela emblemática de la firma. Y también un proyecto de alfombras africanas para Nanimarquina. Todas cosas divertidas, no me puedo quejar, mi estudio es pequeñito. + Estuviste exhibiendo “Foodjects”. MA Sí, tengo un comisariado de dos exposiciones: una es “Foodjects” y la otra se llama “La mesa”. Una está ahora en La Habana, y la otra iba a ir a Bolivia y, curiosamente, va a venir a la Argentina. Es una selección de productos. + Y la docencia, ¿qué rol cumple en tu trabajo como diseñador? MA La docencia ha financiado toda mi carrera como diseñador experimental, pero ahora he bajado mucho el nivel; doy porque me gusta. Ser profesor te ayuda a ordenar las ideas. Como terapia personal, creo que en docencia he aprendido más de lo que he enseñado. + Leí también que hablás de “lo pensable posible”. MA Digamos que todos tenemos nuestra imaginación, pero trabajar con la imaginación cosas reales, eso me parece que es el diseño. + www.martinazua.com


+ Su cuerpo de trabajo, 2011. Instalación en el SESC Pompeia, San Pablo, Brasil. Foto: Everton Ballardin

Olafur Eliasson

Percibo, percibes, percibimos Crea soles, arco iris y glaciares en los museos, caleidoscopios gigantes o cascadas en plena ciudad. Expone en los museos más grandes, sus obras están en las mejores colecciones, y crea proyectos espectaculares en todas las partes del mundo. Este año, es el invitado de honor del 17º Festival Internacional de Arte Contemporáneo SESC_ Videobrasil, que tiene lugar hasta enero del 2012, en San Pablo. | Texto: Catherine Tanazacq de Stigliano. Fotos: Gentileza OE


personas creativas

+ 071 arte

+ Tómate tu tiempo, 2008. Instalación para la Pinacoteca del Estado de San Pablo, Brasil.

El Festival Internacional de Arte Contemporáneo SESC_Videobrasil de San Pablo, que hasta ahora se había concentrado en el videoarte, se abre por primera vez al arte contemporáneo, y presenta como parte de su programación a Your Body of Work, la primera exposición individual del artista danés-islandés Olafur Eliasson en Latinoamérica.

artístico del Instituto Inhotim, en Minas Gerais-, fue concebida con el artista como respuesta a la ciudad brasileña. Reúne diez instalaciones site-specific, que dialogan con la ciudad y con la arquitectura de los tres espacios que reciben al Festival: SESC Belenzinho, SESC Pompeia y Pinacoteca do Estado.

Panorama del Sur, la otra exposición del festival, reúne a 98 artistas y mapea la producción actual en Latinoamérica, África, Europa Oriental, Oriente Medio y Asia. Con 130 invitados, entre artistas, curadores e investigadores, y con exposiciones que van hasta enero de 2012, el festival ofrece una intensa programación cultural y educativa, que plantea distintos aspectos de la producción del circuito Sur, y profundiza el debate sobre las residencias artísticas y su relación con la disolución de las fronteras en la producción actual.

Según Eliasson, el título Your Body of Work, juego de palabras que retoma la idea del conjunto de obras y de la implicación del espectador para activarla, trata acerca del papel crucial del espectador en la creación de sentidos para la obra, a la vez que subraya el carácter abarcador del contenido. “Se trabaja toda la vida, y todo lo que se hace y se aprende se inscribe en el cuerpo. Somos un espectadorproductor de la propia historia, ya que se contribuye, o se da, más de lo que se recibe”, afirma Eliasson. De hecho, cada instalación de la exposición, invita al público a probar, a través de su percepción, el color, la orientación espacial, la desmultiplicación de la imagen y otras formas de envolvimiento.

La elección de Eliasson como artista invitado, hace eco a esta postura: “La particularidad de Eliasson es que trabaja con cuestiones de la ciencia, del cine, de la tecnología, de una forma en donde no existen limitaciones de lenguaje, y que se impone como una experiencia sensorial”, explica la curadora general, Solange Farkas. UNA EXPOSICIÓN MÚLTIPLE La exposición Your Body of Work, curada por Jochen Volz -director

ESTAR EN EL MUNDO Conocido por sus instalaciones que recrean sensaciones y elementos inmateriales como el viento, la niebla, el deslumbramiento o el calor, Eliasson crea intervenciones que despiertan un interés que va más allá de los circuitos de arte contemporáneo; experimenta propuestas


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+ Microscopio para San Pablo, 2011. Instalación en la Pinacoteca del Estado de San Pablo, Brasil.

+ Hemisferio compartido 5, 2011. Instalación en el SESC Pompeia, San Pablo, Brasil.

que implican un contacto cada vez más directo de la obra con el escenario urbano en el que está inserta.

experimentar y pensar su propia percepción del mundo físico que lo rodea como individuo, pero también como parte del mundo y de la sociedad.

En el 2008 por ejemplo, instaló en Nueva York cuatro cataratas sobre el East River. La más alta, que sobrepasaba la estatua de la libertad, estaba situada debajo del puente de Brooklyn. Una versión reducida e instalada en plena ciudad, es parte de la exposición de San Pablo. “Las cascadas dan un sentido de profundidad, explica Eliasson. Cuando estamos en la naturaleza, una cascada cuya agua parece caer lentamente, indica que se encuentra muy lejos de nosotros, mientras que cuando parece caer muy rápido, nos indica que está cerca”. Las cascadas de Nueva York, entonces, no sirven solamente para acercar la naturaleza a la ciudad, sino más bien para dar a la ciudad el sentido de las dimensiones. ¿Por qué hacer eso? “Porque pienso que hay una diferencia entre sentir tu cuerpo como parte del espacio o solo frente a una imagen, dice el artista”. Su idea es crear un espacio que esté unido al individuo y a la colectividad al mismo tiempo, que permita estar juntos estando solos, para percibir el mundo de otra manera. Si Olafur Eliasson parece explorar en sus obras, sobre todo, las relaciones entre el hombre y la naturaleza, su trabajo se caracteriza esencialmente por su incesante interrogación de nuestros modos de percepción y su obsesión por la participación y la implicación del espectador. Al introducir semejantes fenómenos físicos y visuales en espacios inesperados, el artista alienta al espectador a

“Tener una experiencia es tener una participación activa en el mundo, y tener una participación activa en el mundo es compartir una responsabilidad, dice Eliasson. ¿Cuáles son las consecuencias cuando doy un paso? ¿Es importante si estoy en el mundo o no? ¿El arte habla de eso? Yo diría que sí, que no se trata sólo de decorar el mundo y de hacerlo más bello (o más feo), pero que se trata de una responsabilidad. Existe una diferencia entre hacer algo o no, formar parte de la ciudad o no. Entonces el arte, en ese sentido, es increíblemente relevante”. En su Yellow corridor (1997), lamparitas de sodio inundan de amarillo un pasillo blanco. Uno puede atravesarlo sin reconocer los cambios que operan las luces, sin embargo, al mirar a los otros espectadores, uno se da cuenta de que todos los colores han desaparecido de la piel, de la ropa, que todo se ha vuelto gris. La obra cobra sentido cuando la experiencia es compartida. EXPERIMENTAR LA CIUDAD Para la concepción de la exposición brasileña, el punto de partida han sido las impresiones e indagaciones del artista sobre los espacios de la ciudad. “San Pablo es vibrante, tiene una presencia física muy fuerte”, dice Eliasson. “Aunque la esfera privada permanezca inaccesible, todo lo que se piensa y se hace es perceptible en las calles. En otras ciudades, los espacios públicos se separan claramente


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+ Esfera de luz lenta. Instalación en la Pinacoteca, San Pablo, Brasil, 2011.

de la vida diaria”. En consonancia con las sensaciones del artista, el proyecto está pensado como una experiencia de la ciudad, en diálogo con la arquitectura de los espacios que ocupa. En el SESC Pompeia, antigua fábrica de tambores transformada en espacio cultural, un conjunto de obras que une color, luz y humo, transforma el área de convivencia en un laberinto de experiencias sensoriales. La niebla, por ejemplo, crea la dimensión del espacio sin que el espectador perciba sus límites, permitiéndole concentrarse en sus sensaciones. En el área de exposición contigua, configurada como una sala de cine, Eliasson prueba el concepto de “after image” —la contraimagen que permanece en la retina expuesta a la luz— con imágenes de San Pablo, creadas por el cineasta brasileño Karim Aïnouz. En el recién inaugurado SESC Belenzinho, que atiende a la región de la ciudad más necesitada de centros de ocio y cultura, el artista muestra un dispositivo rotativo que proyecta rayos de luz en el espacio circundante. En la Pinacoteca, concentra experiencias con una herramienta clásica del arte —el espejo—, para dialogar con su arquitectura, un edificio centenario remodelado hace una década. UNA TRAYECTORIA PROGRESIVA Nacido en el 1967 en Dinamarca de padres islandeses, Olafur Eliasson creció entre ambos países antes de instalarse en Berlín, donde sigue viviendo. Durante sus estudios artísticos en la Royal Academy of Art de Copenhague, estuvo particularmente influenciado por el movimiento californiano Light & Space (Robert Irwin, James Turell,

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etc.). Se pueden percibir en su trabajo otras influencias. Incluso, a veces toma elementos, intencionalmente o no, de otros artistas; el parecido de algunas de sus obras con las de Daniel Buren o con el teñido de los ríos de Nicolás García Uriburu es desconcertante. Pero resulta evidente que la importancia de la naturaleza y de la luz tan particular de Islandia son fuentes de inspiración inagotables para su trabajo y que su Body of Work es asombroso y espectacular. Su carrera comenzó al finalizar sus estudios, y se desarrolló de manera continua y progresiva. Desde el principio, fue convocado para realizar proyectos a gran escala. El reconocimiento del público llegó con su Wether Project en la Tate Modern en Londres en el 2003, donde instaló un sol gigante en el hall, invitando a la gente a sentarse o a acostarse en el piso para contemplar sus rayos dorados. Hoy, el ritmo de sus proyectos y búsquedas es tal, que cuenta con unos 35 colaboradores que lo acompañan, de artesanos y técnicos especializados, a arquitectos, artistas, archiveros e historiadores del arte, cocineros y administradores, además de los ingenieros y especialistas a quien llama de vez en cuando para proyectos específicos. Más de 200 personas trabajaron, por ejemplo, en el proyecto de sorprendente complejidad de las cascadas de Nueva York (www. nycwaterfalls.org). La exposición Your Body of Work de San Pablo con sus diez instalaciones, representó una oportunidad de intercambio enriquecedora entre su equipo de Berlín, donde está su estudio, y los equipos brasileños. Para el público, será una oportunidad de intercambio sobre su percepción y sensaciones. + www.videobrasil.org.br | www.olafureliasson.net


| Foto: Maia Croizet para www.watio.com.ar


personas creativas

+ 075 diseño

Sacha Lakic

Diseño en movimiento Consagrado como uno de los diseñadores contemporáneos más originales, Sacha Lakic visitó Buenos Aires, para inaugurar el tercer local de Roche Bobois en Puerto Madero. Orígenes y pasiones de un creativo sin límites. | Texto: Leila Mesyngier

Sacha Lakic se despierta en la mitad de la noche, toma su libreta de la mesa de luz y con un lápiz dibuja una idea que se le apareció entre sueños, casi sin quererlo, como parte de su naturaleza. Su mano, bromea, tiene vida propia: traza líneas, curvas y formas que dan origen a sus creaciones, mientras él dirige la prestigiosa marca que lleva su nombre. Las motos, los automóviles y los aviones son sus principales inspiraciones, la raíz de su pasión por el diseño, el leitmotiv que lo impulsa cada día. Fue su padre, inmerso en el mundo del diseño de moda, las telas y los colores, el que le transmitió su vocación. Y fue un Ford Mustang que vio a los 8 ó 9 años, y del que se enamoró al instante, el que le despertó su deseo por el diseño y la creación de formas. Oriundo de Serbia y criado en París, considera que los autos pueden ser “eternos, si están construidos con pasión”. Tal vez por eso, primero estudió diseño de vehículos y trabajó en la empresa japonesa Yamaha, especialista en motocicletas. Fue recién en los últimos años que se acercó a la creación de espacios arquitectónicos y muebles, y comenzó su relación con la firma francesa de mobiliario y decoración Roche Bobois.

+ América, un auto deportivo eléctrico para Venturi www.venturi.fr

Con campera de cuero, pantalón negro y barba crecida de varios días –un estilo despreocupado, pero elegante, y aparentemente bien estudiado-, Lakic visitó por primera vez Buenos Aires, para acompañar la inauguración del tercer local de Roche Bobois en Puerto Madero. Dos de sus colecciones, parte del trabajo creativo que realiza Lakic para la marca, serán exhibidas en el flamante espacio: Speed Up, un conjunto de muebles diseñados con la marca de velocidad y movimiento de Lakic, y Bel Air, objetos de exterior pensados para la vida al aire libre. Un aparador con formas aerodinámicas –una de las estrellas de la firma–, una mesa de comedor con tabla de cristal lacado y base de fibra y carbono, una cama de diseño marino con dos mesas de luz

+ Voxan Black Magic 1000 www.voxam.com


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+ De la colección Speed Up, mesa y silla para Roche Bobois www.roche-bobois.com

integradas y una cómoda de tres cajones con rieles amortiguadores son algunas de las obras de Lakic, desarrolladas con tecnología de punta.

ROCHE BOBOIS EN PUERTO MADERO Roche Bobois, la marca francesa de mobiliario y diseño, inauguró un nuevo espacio en Puerto Madero. El tercer local en Buenos Aires exhibirá las creaciones de 40 grandes personalidades de la moda y la decoración, como Jean Paul Gaultier, Missoni, Emanuel Ungaro y Sacha Lakic. “La importancia de trabajar con Roche Bobois es que el diseño crea algo, pero si no existen estas posibilidades de desarrollo y venta, no significa mucho”, aseguró Lakic durante la presentación en el Museo Fortabat. Allí estuvieron también el presidente internacional de la firma, Gilles Bonan, el representante local, Raúl Scarpeccio, y el embajador de Francia en el país, Jean-Pierre Asvazadourian. Roche Bobois busca vender un ambiente, un “modo de vivir” con valores asociados a la creatividad, calidad, innovación y diversidad, cuenta Bonan. Los objetos que elaboran se desarrollan con materiales resistentes a la moda y el tiempo, en pequeños y artesanales talleres de Francia, Italia y Portugal. Las normas de respeto por el medio ambiente y alta capacidad tecnológica los convirtieron en clásicos en toda Europa. La firma creada en 1960 por la reunión de las familias Roche y Chouchan cuenta hoy con más de 240 tiendas en 40 países como Emiratos Árabes Unidos, Grecia, China, Estados Unidos e Israel, y una ganancia de 400 millones de euros en 2010. Para este año, planearon la apertura de doce nuevos locales en Siria, Qatar, Taiwán y Rusia, además de la Argentina. www.roche-bobois.com

Las piezas de Speed Up “expresan la velocidad de manera muy fuerte, se asemejan a una nave espacial”, describe. Cada una tiene una historia, requiere “un acto de dibujo muy simple en el papel, posee un uso muy sencillo, una función glamorosa y mucha tecnología”, señala. “Se trata de recrear la idea de movimiento, que viene de mi pasión por los autos, la idea de que se puede volar, conectado a los sueños y con el dormir”, agrega Lakic en referencia a la cama de estilo marinera. Una enunciación que podría aplicarse a todo lo que hace. FILOSOFÍA Y MUCHO ESTILO “Todo empieza con una idea, bocetos, conceptos. Al principio, creaba una maqueta del automóvil en el que trabajaba, lo hacía para sentir que se convertía en realidad. Disfrutaba mucho de ese paso, aunque ahora no tengo tiempo”, explica Lakic, un artesano que mezcla el conocimiento con la intuición. Movimiento, formas aerodinámicas, velocidad, tecnología de última generación y mucha sensualidad. Esas son las claves con las que Lakic piensa todas sus obras. “En el diseño no hay límites, el único es la imaginación”, enfatiza. “Me gusta que mis creaciones sean emocionales, y para eso tengo que poner mi propia alma en el producto que diseño”, dice comprometido, como si fuera el comienzo de su trayectoria. Por eso, advierte, “cuando estoy muy entusiasmado por un proyecto, me despierto en la mitad de la noche y escribo las ideas o las dibujo, y las vuelvo a revisar a la mañana siguiente. Estoy todo el tiempo dibujando y creando, mi cerebro está funcionando contantemente y conectado con mi alma”. De ahí surgen sus impactantes y alocados diseños, que incluyen no sólo automóviles y muebles, sino también bicicletas, aviones y barcos. Una filosofía de vida que se desprende de su propia estética, y que se transmite en cada una de sus obras de arte. + www.lakic.com

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United Unknown

Arte y activismo a conciencia Un ex carnicero griego, un antiguo trabajador de Macromedia, una doctorada en biología y un parapsicólogo. ¿Verdadero o falso? Ellos son United Unknown, un grupo de incógnitos que han unido sus fuerzas y recursos con la idea de crear un poco de conciencia social a través del arte. Realizan todo tipo de acciones y proyectos, con la única finalidad de agitar un poco las mentes de la sociedad y descargar su adrenalina. | Texto: ArtsMoved www.artsmoved.cat

+ Foto: Isolda Delgado

+ Contadnos: ¿cómo nace la idea de crear este grupo? UU Muy sencillo: la información que aparece cada día en la prensa, más la que no aparece, pero se puede leer en otras fuentes desde Internet, nos tenía colapsados. Sentimos que necesitábamos canalizar toda esa energía en algo positivo, o el sentimiento de impotencia y rabia se nos acumularía por dentro. Además, queríamos aportar nuestro granito de arena en ayudar a concienciar a la gente. Así que lo empezamos como un juego, al que pronto se fueron uniendo amigos con las mismas inquietudes. Hoy es un grupo abierto, donde cualquier persona que quiera colaborar con nosotros es bienvenida. + ¿Quiénes sois? UU Ahora mismo somos siete personas. Todos hemos adoptado identidades falsas, y cada uno ha creado un alter ego, así que en el grupo tenemos desde un experto en criminología y parapsicología, hasta un ex-trabajador de Macromedia, una doctorada en biología,

un mecánico aeronáutico, un carnicero griego, una teórica sobre el género y un licenciado en comunicación política con cargos de conciencia... + ¿Tenéis algún tipo de seguridad para evitar ser rastreados? UU Por principios, no deberíamos. El concepto de seguridad es un concepto oscuro y tenebroso, que sólo existe cuando alguien quiere ocultar algo a otra persona. Pero por desgracia, hemos llegado a un punto en que sin seguridad (a todos los niveles), esto sería un caos, y probablemente el fin, ya que nada ni nadie está seguro de nadie ni de nada hoy en día... Ya que nosotros no tenemos nada que ocultar, y lo que pensamos lo hacemos público a través de nuestras vías de expresión, de seguridad tenemos poca, sólo nos hemos puesto unos apodos graciosos. Pero sí que nos mantenemos al día informándonos de las últimas tendencias en seguridad anti-rastreo, y buscamos la manera de mantenernos lo más seguros posible.


personas creativas

+ 079 diseño

+ Fotogramas del video “Rap Garoña No”, en respuesta al video “Rap Garoña Sí, 2019 sí”, de los trabajadores de la Central Nuclear de Garoña, España, que reclamaban una ampliación del derecho de explotación hasta el 2019, ocho años más allá de la vida útil de la central.

+ ¿Cómo os organizáis? ¿De dónde salen las ideas? ¿Quién las lleva a cabo? UU Cuando uno de nosotros tiene una idea, la comunica al grupo, ahí salen los colaboradores en función de las necesidades del proyecto y de la disponibilidad de cada uno. + ¿Podrías explicarnos un poco “Rap Garoña No”, vuestro último proyecto? UU El proyecto es una video-respuesta al video “Rap Garoña Sí, 2019 sí”, colgado en YouTube por los trabajadores de la Central Nuclear de Garoña, que reclamaban una ampliación del derecho de explotación hasta el 2019, ocho años más allá de la vida útil de la central. El desprecio que se deduce de sus palabras hacia los ecologistas y su apología de la energía nuclear, nos motivó a hacer una réplica del vídeo, añadiendo efectos especiales de serie B, pero manteniendo el audio y el vídeo originales. En nuestra versión, se produce un escape radioactivo que provoca la evacuación inmediata

de las instalaciones. En la huida, los trabajadores afectados por gases tóxicos nos intentan convencer de que no sucede nada... Se han convertido en seres radioactivos que necesitan alimentarse del uranio emanado por la planta. La letra del rap se mantiene, pero con el rediseño del vídeo original, adquiere otro significado. Te ríes, sí, pero es una risa nerviosa. Por desgracia, tanto YouTube como Vimeo lo han censurado, motivados por una reclamación de Televisión de Castilla y León, región de España donde, casualmente, se encuentra la central nuclear, pero se puede ver en nuestra página Web. + ¿Estáis especialmente sensibilizados con el medio ambiente? UU Estamos sensibilizados con todo: el sistema político y financiero actual, el capitalismo neoliberal, el comunismo autoritario, el islamismo extremista, el judaísmo radical, la represión de las religiones, el sistema bancario, las grandes corporaciones farmacéuticas, las empresas de transgénicos y cultivo de animales, y todos aquellos que no respetan el planeta, que moldean las leyes a su antojo, que


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+ Proyecto de imagen corporativa para “Bank of the World”, el nuevo banco central global. United Unknown diseñó el logotipo y la imagen corporativa de la entidad, sus aplicaciones en papelería y los logotipos de las nuevas tasas ecológicas. Foto: Biel Capllonch.

amasan fortunas inmensas, y les importa un pimiento la biodiversidad, la flora, la fauna y cualquiera de los habitantes de este planeta. + Vuestra pieza “Bank of the World”, ¿qué intención tiene? UU Nació como un encargo ficticio hecho por el FMI, para la creación de la identidad corporativa de un nuevo Banco Mundial privado, pero con apariencia de banco público, al igual que la Reserva Federal. Su intención es una crítica a los organismos del FMI, IBRD, IDA, IFC, MIGA y ICSID, al actual Banco Mundial, y al sistema de deuda permanente al que someten a los países que “ayudan”. Lo pasamos muy bien desarrollando este proyecto. Entre otras anécdotas, reconstruimos una parte del despacho oval de la Casa Blanca, copiando desde el posavasos hasta el mobiliario y las fotos de la mesa de Obama (¡viva Flickr!). + ¿Que opináis de las revueltas que se multiplican diariamente a lo largo y ancho del globo? UU Son el principio del cambio que se avecina, por ahora, tímidamente en algunos lugares, pero imparable. Es lo que tiene un sis-

tema que no es sostenible en ningún ámbito: a la larga, explota. Esperamos ver cada día más y más gente manifestándose pública y pacíficamente en las calles de todas las ciudades del mundo. + ¿Y vosotros, salís a la calle? UU Por supuesto. Contra los transgénicos, políticos, nucleares. Siempre que podemos, salimos. Todas las causas son comunes, todas están relacionadas. Y hoy, más que nunca, todos los ciudadanos debemos permanecer unidos, pues estos abusos, sea cual sea su índole, nos afectan a todos. + ¿Alguna pregunta que no os hayamos hecho y que os apetezca contestar? UU Por ejemplo, ¿con qué lemas os identificáis? Y habríamos contestado: “Sé el cambio que quieres ver en el mundo”, de Gandhi. “Sé que los peces y el ser humano pueden coexistir pacíficamente”, ¡de G. W. Bush! + www.unitedunknown.com

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+ Colección Primavera 2012

Narciso Rodriguez Listo para vestir

Charla exclusiva con el diseñador cubano-estadounidense, fiel exponente del estilo norteamericano. | Texto: Carolina Prioglio. Fotos: Gentileza NR

Así como en la mitología griega, Narciso estaba enamorado de su imagen, en la moda, el diseñador cubano-estadounidense Narciso Rodriguez es un enamorado del estilo que reflejan sus colecciones, desde la primera hasta la última. Un diseño neto, elegante y moderno, que respeta la línea del cuerpo de la mujer y toma a la funcionalidad como inspiración principal, al que Rodriguez le fue dando forma desde sus comienzos, cuando en los 80 trabajó en los equipos de diseños de Anne Klein y Calvin Klein.

Ese mismo estilo fue el que durante los 90 continuó hilvanando ya para su propia firma y adaptándolo, también, a varias marcas de diseño europeas a las que les imprimió su sello creativo: Tse, Cerruti y Loewe. Aquellas colaboraciones le trajeron reconocimiento a nivel mundial, junto a las constantes apariciones de sus vestidos sobre las alfombras rojas, y el traje de novia que le diseñó a Carolyn Bessette para su casamiento con John F. Kennedy Jr. en 1996, que lo consagró como uno de los diseñadores de la década.


personas creativas

+ 083 moda

+ Colección Invierno 2011

Hoy, con más de veinte años en la moda, Rodriguez es patrimonio del estilo norteamericano, y sus colecciones siguen siendo elegidas por mujeres que no buscan una sencillez tan obvia. El mejor ejemplo es Michelle Obama, que desde que asumió como primera dama de los Estados Unidos, recurre al diseñador en busca de prendas que pueden usarse una y otra vez, en distintos contextos y situaciones. Lo mismo atrae al resto de sus fieles seguidoras -entre ellas, Rachel Weisz, Claire Danes y Jessica Alba. Rodriguez lo sabe, diseña con esto en mente, sorprendiendo colección tras colección, y sus clientas se lo agradecen. + ¿Cómo definirías el “estilo norteamericano”? ¿Qué le aportó a la moda global? NR En el pasado, cuando trabajaba entre New York y París, y después en Milán, sí notaba una diferencia entre la moda estadounidense y la europea. París estaba enfocada en la creatividad, Milán en la industria, y New York proponía una moda más accesible. Ahora, creo que esas fronteras desaparecieron. Y ya no me encasillo simplemente como un diseñador norteamericano; me considero diseñador, y punto. La verdadera creación viene de un lugar muy personal: es destreza y visión. Y el desafío universal para los diseñadores pasó a estar en la evolución de la estética propia, sin considerar demasiado a la tendencia o al branding. + ¿Pensás que con tus diseños contribuiste a él? NR Me gustaría creer que sí. Para mí, la firma Narciso Rodriguez representa el diseño de prendas que las mujeres van a querer hoy, dentro de dos meses, en dos años y también en cinco. Una vez, una clienta me dijo que un vestido mío era su prenda comodín para todo

Link a la nota: http://9010.co/narcisoro

tipo de ocasiones, y eso me encantó, porque me interesa que mis prendas sean útiles, además de lindas, y que puedan ir más allá de aparecer en revistas. + ¿Cuánto de la “ponibilidad” de una prenda se puede sacrificar en pos de un diseño conceptualmente innovador? NR No me gustan los diseños genéricos, me gusta que sean siempre distintos. Sin embargo, la meta al crear es bastante clara: hacer ropa ponible y accesible. Creo que hoy en día, las mujeres tienen demasiado en su mente y poco tiempo para obsesionarse con la moda. Por eso, buscan looks simples y elegantes, que sean funcionales todo el año. Al fin y al cabo, la idea de la moda es hacer la vida más fácil y placentera, al crear prendas hermosas que hagan ver y sentir bien a la gente. + Mientras muchos diseñadores basan sus colecciones en el pasado, vos te enfocás muchas veces en el presente, ¿creés que se volvió un lugar común el de revisar constantemente la historia a la hora de diseñar? NR Siempre dije que prefiero mirar hacia atrás con reverencia, y no mediante la referencia. Admiro profundamente a diseñadores del pasado, como Balenciaga o Chanel, pero no estoy interesado en crear algo que ya se vio antes. Quiero crear ropa que sea un reflejo de la actualidad y que sea optimista acerca del mañana. + ¿Qué conocés de la moda argentina? NR Hay algo que me inspira mucho de la moda en Argentina y es el aire romántico, refinado, y la vitalidad que se respira allí. + www.narcisorodriguez.com


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+ La calle principal del CMD con los bancos obra de Diana Cabeza y las fotografías de la ciudad de Buenos Aires.

Festival Internacional de Diseño de Buenos Aires Celebrar (y repensar) el diseño

Del 28 al 30 de octubre, el Festival Internacional de Diseño de Buenos Aires contó con múltiples actividades y conferencias profesionales vinculadas a la actividad, e invitó a más de 3000 vecinos a pensar en qué ciudad queremos vivir. | Textos: Natalia Iscaro

El Estado se posiciona, categórico, frente al ejercicio del diseño. El CMD (Centro Metropolitano de Diseño) ha sabido tejer sus puentes firmes, para incentivar el ejercicio de la actividad, mediante workshops profesionales, capacitaciones en negocios y marketing, y la cesión de locales en su flamante edificio, en el barrio de Barracas.

tres días que duró la exposición, los vecinos pudieron dibujar, charlar de moda, ecología, responsabilidad social empresaria, asistir a clases, conferencias, intervenir prendas, observar desfiles.

En este sentido, el Festival Internacional de Diseño, en su tercera edición, se presentó como una oportunidad para meditar sobre la disciplina de un modo más conceptual e, incluso, filosófico. Organizado por el Ministerio de Desarrollo Económico porteño a través del CMD de Barracas, que fue el eje de este convocante evento, y pretende convertirse en un distrito de diseño, aún cuando su ubicación geográfica no deje de ser un inconveniente para más de un asistente. Otros espacios participantes fueron Fundación Proa, Ciudad Cultural Konex, Malba, CCEBA y Palermo Viejo y otros.

Para el público profesional, más de quinientos participantes disfrutaron de conferencias como las de Paula Zuccotti de Seymour Powell (Inglaterra), Juan Kayser y Analía Cervini de TotalTool (Argentina), Bryan Boyer de Sitra (Finlandia), Alejandro Sarmiento y Luján Cambariere de Satorilab (Argentina), Jorgelina Capaccio y Meter Kronstr Kronstrøm de Future Lounge (Dinamarca/Argentina), Martín Zabaleta y Luis Arnal de In/situm (México/Argentina), Ale Paul de Sudtipos (Argentina), Roberto Sablayrolles de Tasty Concepts (USA), y Chris Domina de IDEO, una de las estrellas de la muestra, por ser IDEO una de las firmas de diseño más exclusivas y renombradas del planeta (ver entrevista).

Así, bajo el altruista lema “vení a pensar la ciudad en la que queremos vivir”, el Festival se propuso como un lugar “de encuentro, de conversación, diálogo e intercambio, para que cada vecino considere de qué modo el diseño mejora su vida”. De este modo, durante los

INTERVENCIONES Y RECORRIDOS Con motivo del FID, las veredas del CMD y su calle central fueron intervenidas por la diseñadora especializada en espacios urbanos, Diana Cabeza. Sus bancos largos realizados en madera, invitan al


ideas creativas

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+ El Obelisco del artista plástico Tom Fruin, realizado en vivo durante arteBA en el Barrio Joven Chandon, fue donado por esta empresa y emplazado en forma definitiva en el CMD. www.chandon.com.ar

pensamiento y la reflexión, y se prevé permanecerán en el sitio. La que seguro quedará en el edificio es la obra “El Obelisco”, del artista plástico Tom Fruin, realizada en vivo durante la última edición de arteBA en el Barrio Joven Chandon, precisamente, la firma que donó la pieza. A la ambientación se sumaron, también, fotografías de la ciudad, tomadas por los destacados lentes de Dino Bruzzo-

ne, Fabiana Barreda, Ignacio Iasparra, Jorge Miño, Livio Giordano, Mariano Brizzolla y Elsa Strada. Además, las bicicletas fueron la excusa para redescubrir la ciudad, en circuitos creativos, de la mano de especialistas en diferentes disciplinas: Martín Churba (moda), Emiliano Espasandin (arquitectura) y

+ Durante el worskhop Humatoy en Inspiration Day, fue posible convertise en un character humano. Y en el CMD, construir una galaxia con los dibujos del público y de artistas invitados, ayudados por los lápices de Tec-Ar, siempre de la mano del artista Sael. www.eluniversosael.com


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+ Conferencia del diseñador español Martín Azúa en Espacio Fundación Telefónica. www.martinazua.com

+ Ana Rascovsky hizo un recorrido por su obra arquitectónica. www.anarascovsky.com

+ En el espacio de creatividad Qubic se pudo armar figuras con cubos de colores. www.imaginacion-al-cubo.blogspot.com

+ Workshop de tipografía modular por Tipos Latinos, que contó con el aporte de materiales de Staples y marcadores Edding. www.tiposlatinos.com | www.staples.com.ar | www.edding.com.ar

I Fotos: Maia Croizet

Olivier Hanocq (gastronomía). Ellos fueron “guías rodados” por los barrios que supieron inspirarlos. Pero quienes quisieron llegar al lugar en colectivo, también tuvieron su incentivo: el colectivo 12 exhibió un nuevo look exterior, con imágenes alusivas al diseño y al festival. Los más chicos no se quedaron afuera. Con edades de entre 5 y 12 años, participaron de talleres junto al Centro Cultural Nómade, al que se sumaron alumnos de escuelas privadas. El domingo, los más grandes hicieron lo propio, a bordo del Viaje Estelar del diseñador y artista Sael, en el espacio Tec-Art, donde una instalación se creó en vivo con sus dibujos (con lápices Tec-Art), y los de invitados especiales como Mako Fufu, Alberto Rodríguez, Page_, Trystan Bates y Marcelo Cardozo, quienes dieron vida a personajes, naves, planetas, estrellas y mundos imaginarios.

primer premio fue para la “Unidad de Socorro Móvil”, de Federico De la Fuente y Juan Ángel Herrera, destinada a brindar asistencia extrahospitalaria, como primera respuesta a víctimas de accidentes, hasta su traslado a centros de salud. + www.cmd.gob.ar INSPIRATION DAY + DISEÑO CARNAVAL INSPIRADOR En el marco del Festival Internacional de Diseño, tuvo lugar el primer Inspiration Day, ciclo de jornadas de inspiración y creatividad, que funcionan como antesala del multidisciplinario festival Inspiration Fest, que se realizará en Ciudad Cultural Konex, el sábado 3 de diciembre de 2011.

Sumado a esto, los emprendedores participantes de workshops del CMD, expusieron los productos prototipo que elaboraron durante su curso, desarrollados con seda y bambú; a lo cual se adicionaron prototipos de la operación por cadena de valor lenga, para la revalorización de dicha madera, utilizando procesos que permitan optimizar su uso y así cuidar el ecosistema.

Con sede en dos edificios del CCEBA y en el Espacio Fundación Telefónica, y bajo la temática “diseño”, se presentaron las conferencias del diseñador español Martín Azúa y de la arquitecta argentina Ana Rascovsky; junto a los workshops de tipografía a cargo de Tipos Latinos, el de creación de un “character humano” por Sael, y el espacio de creatividad Qubic, donde se pudo jugar con los pequeños cubos de colores y armar diseños en 3D.

Y a la hora de los premios, se entregaron los del concurso de Creatividad Ética de Diseño para Emergencias, con un jurado argentinochileno, cuya finalidad es concientizar a la sociedad sobre el valor del diseño como herramienta para prevenir, disminuir o erradicar consecuencias negativas de situaciones de emergencia sobre las personas damnificadas, o bien mejorar sus condiciones de atención. El

También se exhibió la muestra de character design “Pequeño mundo de personajes!”, y se proyectaron los cortos ganadores del Vimeo Awards + Festival 2010. Además, se lució la performance “La Federación de la Luz”, del diseñador de moda Juan Manuel Brandazza, con una procesión-desfile con humor, surrealismo y diversión. + www.inspirationfest.com


ideas creativas

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Chris Domina | IDEO La mirada global Su conferencia durante el Festival Internacional de Diseño de Buenos Aires fue una de las más esperadas. Chris Domina es miembro del dream team del diseño mundial, IDEO, cuyo CEO y presidente, Tim Brown, ha deslumbrado al mundo con sus charlas. | Texto: Natalia Iscaro

Tim Brown se refiere habitualmente al “design thinking” (pensamiento de diseño) aplicable a hombres de negocios y diseñadores de todo el mundo, el cual, además, promueve el bienestar de las personas y economías emergentes. Con 10 oficinas y 600 empleados en todo el mundo, IDEO asesora a ejecutivos de algunas de las empresas más relevantes del mundo, y ha realizado estrategias para firmas como PepsiCo, Procter & Gamble y Microsoft, entre otras. Chris, por su parte, es Senior Member de la compañía, y lidera la unidad más relevante de IDEO: Consumer Experience Design (Diseño de Experiencias de Consumo). Ésta se centra en el estudio del diseño de marcas que brinden experiencias de consumo relevantes, y que puedan crear impacto, una de las palabras favoritas de Brown. Chris subscribe: “La misión de IDEO es lograr un impacto significativo en el mundo, y creo que estamos empezando a explorar nuevas formas de hacerlo. Hace más de un año abrimos Open IDEO, una plataforma de innovación online, tremendamente exitosa; y hace un mes, lanzamos Ideo.org, una organización focalizada en el bien común.

De modo que todas estas acciones están orientadas a tener impacto positivo. Para nuestros clientes, y para la gente en todo el mundo”. + Tim Brown también habla siempre de que no hay que pensar en diseñar un objeto en particular, sino que hay que pensar en una experiencia. CD Es interesante, porque eso refleja mi viaje como diseñador. Obtuve un título en diseño industrial, trabajé en una empresa de mobiliario, y empecé a entender el proceso: diseñar el objeto, luego el proyecto, después entender cómo ese portfolio se adapta a una marca y, finalmente, cómo esa marca entra en una estrategia de compañía. Y después, cuando entré en IDEO, continué con esta idea evolutiva de pensar al diseño. La idea de que uno puede llevar el diseño y el pensamiento sobre éste a cualquier desafío. + Es una forma de pensar todo lo que el diseño puede hacer… CD En IDEO, tratamos de pensar en una cultura de la fusión. Siempre queremos tener nuevas ideas y direcciones, con flexibilidad y


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+ Diseño de estrategia para la marca de indumentaria femenina de Nueva York Eileen Fisher, que apuntaba a ganar el segmento de clientas de entre 30 y 40 años. IDEO desarrolló una serie de entrevistas con los empleados, recogiendo las opiniones que los clientes daban sobre la ropa, y creó un blog para compartir el proceso. Con esta investigación, elaboró una serie de principios de diseño que proporcionaron una base para el futuro de la marca y lograron vincularla con compradoras más jóvenes. Se actualizó la estética publicitaria, la página Web, la arquitectura de las tiendas y el merchandising. Apenas dos semanas después, las ventas aumentaron un 11%.

agilidad para ir en esas direcciones cuando empezamos a verlas. Eso alimenta nuestra innovación. + ¿Y sus clientes les permiten pensar de esta manera? ¿Siempre es posible? CD No, no siempre es posible. Tenemos una gran variedad de clientes. Ayer, por ejemplo, estaba en un proyecto con un cliente para desarrollar bolsos para bicicletas. Podemos llevar la innovación a eso. Es una forma más tradicional de diseño, y lo amamos y, además, tenemos diseñadores talentosos que quieren probarse en eso. Así que buscamos ejercitarnos en eso también. Pero muchas veces, vienen clientes que realmente no saben qué quieren y, en ese punto, el diseño tiene que ver con el proceso de diseñar qué quieren. + Pensar todo de una nueva manera. CD Sí, tratar de mostrarles cómo todo se interconecta. Muchas veces, tener ideas que ofrecer es relativamente fácil. Pero cómo hacer que la organización las aplique, eso es lo difícil… + ¿Qué es lo que hace el impacto: lo estético, lo funcional? CD ¡Es una pregunta muy difícil! Puedo decirte que todavía hoy no nos hemos preocupado tanto por tratar de definirlo, creo que más estamos incentivando a las personas a que traten de tener esa sensación. Porque si pensás en la bolsa para la bicicleta, impacta en el negocio, impacta en hacer la vida de las personas que usan bicicleta más fácil, más funcional, más emocionalmente completa, por la manera en que se ve y se usa. Éste es un impacto. Otras veces, es un impacto en la forma en que funciona una compañía; es difícil. La historia de sacar un producto en el mercado es más fácil, en el sentido de que podés medirlo.

que esto puede hacer con la innovación. Utilizar las herramientas y metodologías del diseño tradicional, pero para resolver otros problemas. En Buenos Aires, ésta sería la conversación, y aquí hay gente muy talentosa que está a la altura de este desafío. + ¿Un proyecto que disfrutaste últimamente? CD Recientemente, hicimos un proyecto para una compañía de productos deportivos, y su pregunta fue en qué dirección va la industria, cuál es el futuro de la manufactura. Ellos decían que saben que el mundo está cambiando, que el petróleo está subiendo, y que tienen que encontrar nuevas formas. Y estuvimos seis meses pensando posibles escenarios de cómo la manufactura podría ser en el futuro, y lo interesante fue que creamos una serie de experimentos para que ellos pudieran trabajar en los próximos años. Porque uno no puede prever cuál será el futuro, pero puede crear posibles escenarios y experimentarlos, para pensar qué puede pasar, y qué necesitarías para lidiar con ese futuro. Eso nos ayuda a entender un poco más el futuro de lo que sabemos hoy, y avanzar más. + Para hacer eso tenés que pensar que el diseño es muy poderoso, ¿pensás que el diseño puede cambiar al mundo? CD Absolutamente. Creo que ya cambió al mundo. Hay más necesidad de diseño hoy que nunca, y tenemos que estar a la altura. + www.ideo.com

+ ¿Cuál pensás que es el próximo desafío del diseño? CD ¿Me estabas calentando para esta pregunta? (risas). Creo que es continuar abrazando los mayores desafíos. Hoy sabemos que la forma en que nos conectamos en el mundo es mucho más evolucionada, y creo que el diseño tiene una oportunidad en esta escala. Creo que es continuar empujando la frontera de lo que el diseño puede hacer. + Y pensás que hay un desafío en los diseñadores y las empresas de explicar qué hacen, o pensás que la gente ya entiende qué es el diseño? CD Creo que es una conversación continua. Hablando con diseñadores en Buenos Aires, tengo la sensación de que muchas empresas siguen viendo al diseño de una manera tradicional; lo cual está bien, pero es sólo un aspecto del diseño. O sea, que acá, el salto sería pasar de diseñar un objeto, a tener un pensamiento de diseño, y lo

+ IDEO se encargó de reinventar el concepto de sucursal de la institución financiera GE Money Bank, en tres mercados distintos: Polonia, Rusia y República Checa, buscando mejorar la experiencia de los clientes con los servicios bancarios. Así, se creó material de marketing flexible para las diversas comunidades y lenguas, que resultara fácil de entender, claro y gratificante.

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Salón de Frankfurt Poderío alemán

Catalogada como la feria de autos más grande del mundo, el salón germano festejó su 64º edición. Cerca de 900 expositores participaron de esta mega exposición de 235 mil m². | Texto: Elvio Orellana

+ Citroën Tubik

Alemania es, para muchos, además de una de las ciudades más transgresoras y avanzadas de Europa, uno de los productores de los mejores autos del mundo. El sólo hecho de nombrar marcas como Audi, BMW, Mercedes-Benz, Porsche, smart y Volkswagen lo ratifican a simple vista. Es por ello que, cuando a Frankfurt le toca convertirse en sede de una de las ediciones del Salón Internacional del Automóvil, todos los ojos del mundo se posan sobre esta capital. A continuación, lo más destacado de la última edición del salón alemán, que se disputó el pasado mes de septiembre. Uno de los anfitriones del salón fue Audi, la marca de los cuatro anillos. Y tal como se esperaba, su presencia fue abrumadora. Un stand de 100 metros de largo, 12 de alto y 70 de ancho, similar a un estadio de fútbol, fue el espacio donde la marca albergó a treinta modelos. Entre ellos, se destacaron los Audi S6 y S6 Avant, ambos impulsados por un potente motor biturbo 4.0 TFSI V8 de 420 CV, con velocidad máxima de 250 km/h y transmisión S Tronic de 7 velocidades y tracción integral quattro. El S7 y el S8 son los otros dos modelos que también estuvieron presentes en el mega stand. La otra alemana que tampoco pasó inadvertida fue BMW, y para ello, preparó un aluvión de novedades. Así se dio a conocer al nuevo M5, el cual ahora está provisto por un coloso motor V8 de 560 CV que, a pesar de su descomunal potencia, promete no consumir más que 9.9 litros cada 100 kilómetros recorridos. El renovado Serie 1 también fue de la partida. Lo hizo con unas líneas muy personales, y una mayor habitabilidad que su antecesor. En tanto, el futuro de la marca estuvo presente a través del i3, un eléctrico de cuatro plazas y 125 kW (unos 168 CV), y 150 kilómetros de autonomía; y el i8,

un deportivo híbrido, el cual desarrolla una potencia de 350 CV. Ambos se lanzarán al mercado a partir del 2014. Desde el stand de Citroën, quien vio la luz por primera vez fue el prototipo Tubik, un monovolumen de nueve plazas que pretende conservar el nivel de prestaciones de una berlina moderna. Entre los avances más revolucionaros de este “furgón futurista”, se destacan sus tres filas de asientos independientes modulares, que permiten viajar semi acostado; el sistema “cyclotron”, que reagrupa con un solo trazo circular el asiento del conductor, el pedal, el volante y la banda circular del visor de datos sobre el parabrisas; y un sistema de reconocimiento digital, que identifica al conductor a través del asiento de cuero. El Tubik incorpora la tecnología Hybrid4, es decir, el tren delantero es movido por un motor térmico y el trasero por otro eléctrico.

+ Volkswagen Nils


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ideas creativas 091 vehículos

+ smart forvision concept

+ Mercedes-Benz F125

+ Ford E-Bike

+ Ford Evos Concept

Otra de las firmas que materializó el futuro de la marca fue Ford, y lo hizo de la mano del Evos Concept, un híbrido enchufable. Lo novedoso de este modelo es que le permite al conductor interactuar con todo el entorno (condiciones del tránsito, estado del tiempo, las redes sociales o agenda de trabajo), además de disponer de capacidad de tener iniciativa. ¿A qué nos referimos con esto? A que el Evos Concept puede reproducir la misma música o el mismo programa de noticias que se estaba escuchando en casa; o calentar o enfriar el interior para una temperatura ideal, antes de que el conductor ingrese, prediciendo la hora de partida según su calendario.

alcanzar una autonomía de 1.000 km, y una aceleración de 0 a 100 en 4,9 segundos, generando una potencia media de 231 CV.

El otro gran avance de Ford estuvo plasmado en una bicicleta eléctrica. La misma pesa sólo 2,5 kilos, ya que está construida en aluminio y fibra de carbono, y posee una batería que otorga una autonomía de 85 Km, a unos 25 km/h. Otro dato interesante de esta bicicleta -que por el momento no tiene planes de ser producida-, es su panel de control sobre el manubrio, y unos sensores que detectan la intensidad del pedaleo, para luego aplicar una cantidad adecuada. Desde el stand de Mercedes-Benz, las novedades empezaron cuando se develó al renovado Clase B, el cual se presentó con menor altura, mayor aerodinámica y anchura frontal. La otra sorpresa de la marca estuvo oculta debajo del capó de su ya conocido deportivo SLK, que estará impulsado por primera vez con un motor diesel 2.2 CDI de 4 cilindros. Su potencia es de 204 CV, acelera de 0 a 100 km/h en 6,7 segundos (una décima más lento que el naftero), y alcanza los 243 km/h de velocidad final. Por último, y como frutilla de la torta, se exhibió el Mercedes-Benz F125, un prototipo con grandes puertas alas de gaviota, baterías de litio, chasis de aluminio, plástico y fibra de carbono. Esta obra de arte que se concibió en homenaje a los 125 años de la marca, está impulsada por cuatro motores integrados dentro del cubo de las ruedas. Los mismos, le permiten

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La participación de smart en Frankfurt se centró en el estreno mundial de la tercera generación de smart fortwo eléctrico y el concept forvision, que combina un diseño futurista con tecnologías relacionadas a la eficiencia energética, construcción ligera y gestión de temperatura. Una mezcla entre un monovolumen y una berlina. Así es el HX1, un nuevo prototipo de la marca del león, que adelanta los futuros rasgos de la firma. Con 4,95 metros de largo y tan sólo 1,37 de alto, este modelo está pensado para albergar a seis ocupantes, los cuales podrán acceder a través de sus cuatro puertas de apertura inversa. Este prototipo, como el resto de los últimos concept de Peugeot, utilizará el sistema Hybrid4, el mismo incluso que equipa al Tubik de Citroën, al cual nos referimos más arriba. Completó la exhibición de Peugeot el 508 RHX, una edición aventurera del 508, que fue exhibido en el salón porteño del automóvil. Este modelo se presentó con la misma mecánica que el 3008 Hybrid, es decir, un motor 2.0 HDI de 163 CV que impulsa su tren delantero; mientras que un propulsor eléctrico de 37 CV, hace lo suyo en la parte posterior. Su llegada a nuestro país será para el año 2013. Por último, nos queda por destacar el stand de Volkswagen, la otra marca anfitriona que puso toda la carne en el asador en su enorme stand de 8.893 m². Allí se presentó al nuevo urbano de la marca, el Up!, un utilitario que bajo el capó esconde un pequeño tricilíndrico de 1,0 litros, con potencias de 60 y 75 CV. Además de ello, se dio a conocer el prototipo eléctrico Nils. Según anunciaron desde la marca, el Nils sería el automóvil ideal para la mayoría de las personas que llevan a cabo trayectos cortos. Su velocidad máxima es de 130 km/h y su autonomía es de 65 kilómetros. + www.iaa.de


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London Design Festival

Diseño experimental: más que productos Actitudes de cambio en innovación en el diseño en la pasada edición de la feria 100% Design, en el marco del London Design Festival. | Texto y fotos: gt2P www.gt2p.com

Chris Lefteri, curador de la sección sección “Materials” de la feria 100% Design, afirmó que el mundo del diseño se encuentra en “una nueva etapa de atracción por los materiales”. Y en esta nueva etapa, la información sobre materiales se encuentra en un lenguaje comprensible y atractivo para los diseñadores. Más allá de descripciones técnicas, ahora se habla de nuevas aplicaciones, nuevas terminaciones, e incluso, de nuevos materiales. Esta afirmación de Lefteri es, además, aplicable a la disposición de diseñadores de todo el mundo, que llevados por la curiosidad, están desafiando tradiciones, tanto en el empleo de materiales, como en la innovación en procesos. El diseño contemporáneo está rescatando y resaltando el valor del trabajo experimental, tanto como el del producto final. En 100% Design fuimos especialmente atraídos por el interés de expositores y asistentes hacia el “prototipo”. La esencia del cuestionamiento que revelan estos elementos de reflexión les da una significativa carga

+ El proyecto “Triangulation” del laboratorio digital Zhang Zhoujie, explora las relaciones e interacciones de superficies triangulares facetadas en la creación de objetos. www.zhangzhoujie.com

de contenido. Además de ser un elemento de comunicación con el público, también reflejan las capacidades de trabajo de sus fabricantes, y son esenciales en la toma de decisiones para lograr un producto final. Encontrarnos con este escenario fue bastante enriquecedor para nuestro estudio, precisamente por el enfoque de nuestro trabajo. Para la sección “Futures” de la feria, preparamos la colección “Digital Crafting”, con la idea de mostrar nuestras capacidades a través de aplicaciones que incorporan herramientas digitales de diseño y fabricación, y procesos y materiales artesanales. Por esta razón, valoramos el encontrarnos con un espacio abierto a la exploración, la experimentación y la reflexión, alrededor de las posibilidades que ofrece el diseño de los prototipos. Las secciones Futures y Materials son el reflejo de esta disposición

+ Decipher presentó su línea “Elter”: mesas y bancos fabricados en Corian. www.furniturebydecipher.com


ideas creativas

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dentro de 100% Design. De los expositores con los que compartimos en esta primera, nos atrajo especialmente el trabajo de seis estudios que, desde diferentes perspectivas, resaltan el valor de la experimentación, tanto en materiales y procesos tradicionales, como en la exploración de herramientas digitales. El estudio inglés Decipher presentó por primera vez en 2010, su línea “Elter”. Este año, exhibieron la evolución de esta línea de mesas y bancos fabricados en Corian, incorporando también su experiencia en el trabajo de metales y plegado CNC, siempre inspirado en su entorno natural. Suzie Button fue la ganadora del premio Blueprint al talento más prometedor. Se dedica a buscar aplicaciones prácticas para dar una “segunda vida” a los materiales de desecho. En esta oportunidad, exploró la posibilidad de volver a utilizar periódicos, encapsulándolos en látex como materia prima en la construcción de muebles. Alrededor del trabajo digital hay dos estudios destacables. El laboratorio digital Zhang Zhoujie, que integra la última tecnología informática con Wu Wei, principio taoísta que hace referencia a la falta de intervención. Su proyecto “Triangulation” explora las relaciones e interacciones de superficies triangulares facetadas en la creación de objetos. Por su parte, Hopf & Nordin se dedica a estudiar la estética y evolución de formas naturales, para crear objetos con tecnologías digitales y artesanales. Ejemplo de ello es su lámpara “Minimal Surface”, inspirada en la observación de la forma de una

+ Lámpara “Gudpaka” de gt2P, realizada a partir de desechos de lana de alpaca del norte de Chile. www.gt2p.com

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gota de líquido, y que involucra técnicas digitales y artesanales como la porcelana en su fabricación. Nick Fraser y Method Furniture también se distinguieron con nuevas propuestas. El primero con su macetero “Herb”, hecho de greda clásica, logra ejemplificar el equilibrio entre diseño contemporáneo y materiales tradicionales. El segundo con “Equilibrium”, proyecto experimental fundamentado en crear la ilusión de ingravidez con el uso de madera sólida y acero recubierto en polvo. Junto con estos estudios y diseñadores que han tomado este camino, también nos encontramos con un público abierto a conocer el trabajo de estos creadores, más allá de la estética o la funcionalidad de un producto final. Incluso nos llevamos una grata sorpresa, al descubrir lugares de exhibición del trabajo experimental como The Aram Gallery, que están en búsqueda constante de proyectos de arte y diseño, que den cuenta de las capacidades de sus creadores. Para muchos, puede ser una nueva tendencia; para otros, es una manera de resaltar el valor del trabajo detrás de un producto final. Desde esta perspectiva, diseñadores de todo el mundo se han apoderado de la oportunidad de generar una actitud de cambio e innovar en la utilización de procesos y materiales, nuevos o tradicionales, creando nuevas tecnologías, técnicas y conocimientos, más que productos. + www.100percentdesign.co.uk | www.londondesignfestival.com

+ Proyecto experimental de Method Furniture, que crea la ilusión de ingravidez. www.methodfurniture.co.uk


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+ Absolut por Good Wives and Warrios.

+ Liniers con su obra en Absolut Art Gallery.

Absolut Art Gallery Catalizador de creaciones

La última propuesta artística de Absolut, el Absolut Art Gallery, abrió sus puertas en Buenos Aires, del 9 al 14 de septiembre, donde doce artistas emergentes del ámbito local plasmaron su visión de la emblemática botella del reconocido vodka. | Texto: Jorgelina Peciña

Una aproximación aleatoria acerca de la idea de qué es hacer arte puede ser innovar, o bien, tomar aquello que está allí afuera para transformarlo y generar sensaciones nuevas. Ambas ideas aplican perfectamente a la propuesta de Absolut, el vodka sueco reconocido alrededor del globo, que eligió la Ciudad de Buenos Aires para formar parte de su campaña Blank. La propuesta denominada Blank es mucho más que una campaña, se trata de un movimiento creativo mundial, en el que Absolut se posiciona como un catalizador de la creatividad contemporánea, convocando a artistas internacionales de diferentes disciplinas artísticas a tomar la botella insigne de la marca para transformarla, intervenirla y reinterpretarla a través del arte. El resultado de esta iniciativa ha dado creativos trabajos en diferentes ciudades del mundo, entre ellas, Buenos Aires.

Fue así como la marca de vodka presentó en Buenos Aires el Absolut Art Gallery, un espacio de arte en donde el objetivo principal fue ingresar al fascinante mundo de Absolut, de la mano de las creaciones de diferentes artistas de la escena local. Fueron parte de la convocatoria Liniers, Claudio Roncoli, María González Castillo, Augusto Zaquetti, Alexis Minkiewicz, Mariana Sarraute, Dani Lamarque, Dana Ferrari, Lucía Vera, Juanita Sánchez y Esteban Leiman, quienes pusieron en juego toda su creatividad para intervenir la icónica botella de Absolut. La curaduría de arte estuvo a cargo de Dolores Casares y Pablo de Sousa, quienes pusieron especial interés en llevar adelante una selección de artistas de diferentes disciplinas. “En el caso de los artistas emergentes, se realizó un trabajo previo para alcanzar un concepto en común, pero donde cada uno de ellos conserve su propia


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identidad artística”, comentó Dolores Casares. “Otro aspecto fundamental a la hora de realizar la curaduría fue la de elegir diferentes lenguajes, de manera tal que los espectadores tuviesen una lectura más amplia del concepto alcanzado. El resultado de este excelente trabajo grupal es una ambiciosa muestra que combina escultura, dibujo, pintura, impresiones intervenidas, imágenes lumínicas, collages y video”, concluye Casares. Por su parte, Cecilia Cabral, gerente de marketing de Absolut Argentina, afirmó: “Hemos reunido a artistas de diversas disciplinas para que transformen un lienzo blanco y sencillo en obras de arte creativas, mostrando cómo se inspiraron en Absolut. Con Absolut Art Gallery buscamos contribuir con un movimiento creativo global y hacer el mundo aún más vibrante y excepcional. Todo comienza con un Absolut Blank”. APUESTA POR EL ARTE La campaña Blank es un nuevo capítulo del compromiso que Absolut mantiene con el movimiento artístico, tanto local como internacional. A través de los años, Absolut ha desafiado los convencionalismos, convocando a artistas como Andy Warhol, Keith Haring, Damien Hirst, Ellen von Unwerth, Spike Jonze y, recientemente, Good Wives and Warrios.

+ Claudio Roncoli con su obra en Absolut Art Gallery.

EL GENIO DE LA BOTELLA Fueron parte de la propuesta de Absolut Art Gallery doce artistas nacionales, todos ellos especialistas en diferentes disciplinas, quienes se animaron a compartir su visión del arte, tomando como modelo la botella de la icónica bebida. Algunos de los convocados fueron: Liniers. Se trata de uno de los historietistas más conocidos del país, en gran parte gracias al éxito alcanzado por uno de sus personajes, Macanudo. Además de sus tiras gráficas, trabajó con varios músicos en el arte de sus discos, entre ellos, Kevin Johansen y Andrés Calamaro. www.porliniers.com Claudio Roncoli. Es profesor de dibujo y pintura, egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Su actividad es variada, ya que hace desde pintura y escultura hasta collage, serigrafía y tapas de discos. www.claudioroncoli.com María González Castillo. Editora y realizadora audiovisual. Su obra durante el período comprendido entre 2004 y 2011 se desarrolla en torno de la contemplación, trabajando el registro del movimiento con pausas, para obtener algo distinto, un tiempo interno. www.mariagonzalezcastillo.com

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Good Wives & Warriors es la dupla creativa londinense, formada por Becky Bolton & Louise Chappell, que se dedica a la ilustración y el street art. El nombre de su emprendimiento surge del significado de ambos nombres: mientras Rebecca significa buena esposa (good wife), Louise, guerrera (warrior). Absolut invitó al dúo a viajar a Lisboa, Portugal, para ser parte de la campaña Blank. Allí pintaron una gran botella de Absolut a puro color y creatividad, que no pasó desapercibida en aquella ciudad. + www.absolut.com/en/Blank/

Augusto Zaquetti. Artista autodidacta, experimentó en las diversas áreas de las artes plásticas, fundamentalmente en la creación de objetos e instalaciones como expresión artística. http://augustozaquetti.blogspot.com Alexis Minkiewicz. Se trata de un joven artista plástico oriundo de Santa Fe, Argentina. Cuenta con varias muestras y talleres en su haber. alexisminkiewicz.blogspot.com Mariana Sarraute. Es argentina, pero formada en la facultad de Bellas Artes de Barcelona, España, país donde realizó exposiciones y obtuvo varios premios. Trabaja con acuarela o acrílico sobre papel o lienzo de gran formato. El uso de los nuevos medios como filtro de las imágenes es clave en su trabajo. www.marianasarraute.com Juanita Sánchez. Artista plástica argentina, cuya obra se caracteriza por abordar temas actuales, como el consumo y los ideales de belleza, con una gran cuota de ironía. www.juanitasanchezm.blogspot.com


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Usar la tecnología para trabajar (y no al revés)

Alternativas para evitar quedar presos del e-mail y aprovechar las herramientas digitales. | Texto: Ricardo Sametband

La informática moderna creó el zapping infinito. Es pura diversión, con todo lo positivo y lo negativo que esto implica: entretenimiento sin límites y, a la vez, un agujero negro por el que, de alguna forma, se va el día, sin que hayamos hecho gran cosa. Y ni siquiera cuando estamos, efectivamente, usando la tecnología para trabajar: correspondencia electrónica como para llenar un libro, sesiones de chat que parecen un diálogo aristotélico, archivos que van, carpetas que

vienen, horas de hacer múltiples tareas al mismo tiempo (para ser más productivos) y el resultado de tanto esfuerzo parece acercarse a la velocidad con la que se mueve un glaciar. Es la gran paradoja de la tecnología digital: la misma herramienta que permite entablar, con un clic, una conversación gratis, con audio y video, con una persona en cualquier parte del mundo, que nos


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ideas creativas 097 tecnología

permite acceder a una cantidad casi infinita de información sobre los temas más abstrusos, que facilita el acceso a herramientas que resuelven en un momento lo que antes tomaba días (o era directamente imposible), es la misma que parece obligarnos a trabajar las 24 horas y estar pendientes del mail, responder el chat sin importar dónde estamos, o compartir cosas con otros en las redes sociales. Es el yugo moderno, y el ejemplo clásico es el relojear el teléfono para ver si llegó un mensaje: abundan las historias de adictos al BlackBerry que no lo quieren dejar ni cuando entran al quirófano. La razón por la que revisamos nuestro móvil hasta 34 veces al día, según un estudio reciente del Instituto de Tecnología de la Información de Helsinki (www.hiit.fi/node/1427), tiene que ver con una retroalimentación positiva, un efecto inconsciente cada vez que nos llega un mensaje, sea interesante o un spam. Esto sucede al mismo tiempo que se da otro fenómeno: el de la multitarea personal. Como las computadoras modernas realizan varias tareas al mismo tiempo, tendemos a intentar algo similar: seguir lo que sucede en Twitter y Facebook, chatear, contestar e-mails, hablar por teléfono y trabajar (actividad que varía según corresponda, pero que salvo que sea algo manual, requiere, casi seguro, una computadora). El problema, como develó en 2009 un estudio ya clásico de la Universidad de Stanford, es que los humanos sólo pueden hacer tareas simultáneas en pocos casos; una tiene que ser casi automática (caminar) y la otra debe usar otro lóbulo del cerebro. Leer y escuchar música es posible, pero no es tan sencillo leer y escuchar la radio, o hablar por teléfono mientras se tiene otra conversación por chat. El cerebro es una computadora maravillosa, pero tiene sus límites.

(http://todoist.com), Toodledo (www.toodledo.com), Thinking Rock (www.trgtd.com.au) o Jello Dashboard (http://jello-dashboard.net, se integra con Outlook). Son todos de uso gratis. La otra movida que acompaña al GTD (no son excluyentes) es la idea de Inbox Zero (http://inboxzero.com), que no refiere tanto a la bandeja de entrada del mail en cero, es decir, sin mensajes no leídos (aunque ciertamente ayuda), sino a despejar de ella lo que no importa, tomar una posición activa sobre los mensajes y resolver lo que piden, desde usar carpetas y reglas para delegar lo que no es urgente, hasta resolver en el momento lo que sí es, pasando por el borrado sin culpas de mensajes que no son importantes. OTRAS HERRAMIENTAS Gmail, por ejemplo, habilitó hace un tiempo la posibilidad de subir en la lista a determinados mensajes según su relevancia (no leídos e importantes primero). Más herramientas: en http://writer.bighugelabs.com se puede usar un editor de texto gratis y absolutamente minimalista, para trabajar (dentro de lo posible) sin distracciones (lo que incluye, claro, deshabilitar manualmente las extensiones del navegador que nos alertan de nuevos tweets, actualizaciones de Facebook, mensajes de correo electrónico y demás). Y aplicaciones como Evernote (www.evernote.com) y Catch (www.catch.com), ambos gratis, funcionan como repositorio de cualquier cosa digital que nos interese preservar del olvido: números, textos, fotos, audios, direcciones Web y otras anotaciones varias. A veces es necesario aislarse del mundo para pensar, y otras veces el contacto es lo fundamental: así, son muy útiles las herramientas colaborativas al estilo Google Docs (docs.google.com), que permite crear un documento de texto, editarlo entre varios al mismo

Lo que la mayoría de la gente hace es una multitarea serial: hace un poquito de esto, luego de lo otro, luego otra cosa y vuelta a empezar (una suerte de calesita mental). Esto tiene un impacto negativo en la mayoría de las personas, porque su mente debe poner en suspenso una tarea, iniciar la otra, pausarla, arrancar con otra más, etc. LOGRAR QUE LAS COSAS SE HAGAN ¿Qué hacer, entonces, para aprovechar esas herramientas tecnológicas geniales en el trabajo, pero sin sucumbir a su constante pedido de atención? Primero, lo básico: poner límites, horarios al trabajo, definir prioridades, evitar todo lo posible la disipación mental. Después, apelar a métodos como el sistema que ha adoptado buena parte del mundo digital desde 2005, y que se conoce como GTD, las siglas de Getting Things Done (algo así como: Lograr que las cosas se hagan, en inglés), el nombre del libro que publicó David Allen ese año. La base de GTD está en delegar (anotar, básicamente) ciertas tareas -lo que está pendiente de hacerse- y cuándo deben resolverse esas tareas para liberar la mente y dejar que se dedique a cosas más productivas. Tiene un poco de táctica y otro tanto de estrategia; de hacer un análisis semanal de lo que está pendiente (y cómo agruparlo para, por ejemplo, dejar todos los trámites para un mismo día) a resolver cosas de inmediato -las tareas que no toman más de dos minutos-.

tiempo, y hasta iniciar una sesión de chat dentro del documento. De la misma manera, una videollamada puede resultar más útil si se hace con varios interlocutores, algo que permite la última versión de Skype (www.skype.com) y también Hangout, que es parte de la red social Google+.

Lo interesante de GTD es que, desde entonces, un gran número de aplicaciones y servicios Web han aparecido y permiten, sin costo, tener las herramientas necesarias para poner en práctica lo que postula el GTD, aprovechando la ubicuidad de Internet y las computadoras de todo tipo. Ofrecen, sobre todo, la posibilidad de crear listas de tareas y proyectos, filtrarlas y organizarlas, como lo permiten Remember The Milk (www.rememberthemilk.com/?hl=es), Todoist

A propósito, Skype admite agregados como IDroo (http://shop.skype.com/apps/Desktop-whiteboard-sharing/IDroo.html, gratis), para tener un pizarrón virtual común a todos los que participan en la videollamada. Y es posible usar discos virtuales como Box.net (www. box.net), Dropbox (www.dropbox.com) o SugarSync (www.sugarsync.com) para almacenar archivos en línea y compartirlos con otros, para así aprovechar la tecnología y facilitar nuestro trabajo. +

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+ Estudio de un coleccionista de Viviana Melamed.

Casa FOA

Un clásico de regreso Es uno de los eventos más convocantes de la arquitectura, decoración y paisajismo del país. Esta vez, la 28 edición de Casa FOA tuvo como escenario al edificio sede del CMD, en Barrancas, del 9 de septiembre al 10 de octubre. | Texto: Natalia Iscaro. Fotos: Gentileza Casa FOA


ideas creativas

+ 099 diseño

+ Home office de Alfred Fellinger con mobiliario de Colección.

+ Estudio de un diseñador del estudio López+Penas.

Es lejos, sí. Para muchos, ir hasta Barracas implica todo un trámite. Pero, como bien dicen, vale la pena. Por tercera vez en este barrio, pero en el flamante edificio del Centro Metropolitano de Diseño, el CMD, la muestra no defraudó. Con un aire de otros tiempos, el recorrido de esta edición de Casa FOA fue claro, funcional, y un ejemplo más de cómo esta feria siempre ha sabido hacerse uno, con la locación que la aloja cada año.

dar vida a sus propuestas. De este modo, profesionales y anunciantes han encontrado el engranaje, la química y la excusa para retroalimentarse y dar vida a una pequeña muestra de su potencial, en un espacio que, además, los acerca a un público al que, muchas veces, no suelen tener oportunidad de captar.

Una forma que tienen los arquitectos, decoradores, diseñadores y paisajistas de devolverle a la ciudad todo lo que ésta les dio. Esta vez, el homenaje es a las fábricas, puentes y demás edificaciones australes. “Queremos que más gente conozca el sur de la ciudad”, afirmó para reforzar la idea Inés Campos Malbrán de Miguens, directora de Casa FOA junto a Mercedes Campos Malbrán de Guerrero. Así, sobre una superficie de 7.700 m², en los 52 espacios de esta edición, no faltaron los estudios de arquitectura, decoradores, paisajistas, y las marcas que siempre apoyan a los creativos para

Acaso para dar idea de ese trueque originario que conecta a creativos con quienes buscan creatividad, o acaso porque esta edificación alguna vez alojó al mercado del pescado, esta vez, la consigna fue “Mercado del Diseño”. Y el evento se realizó, como todos los años, a beneficio de la Fundación Oftalmológica Argentina Jorge Malbrán. IDENTIDAD BARRIAL El homenaje al barrio estuvo presente, de la mano del consagrado arquitecto Julio Oropel. Mirando al Sur fue el nombre de esta propuesta, e incluyó un video histórico que hacía referencia a la zona. Maquinarias antiguas y una escultura de madera colgante fueron los hitos de este espacio de descanso. Pero Barracas


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+ Mirando al Sur de Julio Oropel.

+ Estudio de un joven creativo de Inés Bonete y Teresa Castagnino.

también estuvo presente en los puentes y fábricas, maquetadas y ploteadas, donde también se hace alusión al Riachuelo y al emblemático mercado del pescado, como ya se ha dicho, antiguamente ubicado en este edificio hoy reciclado. En este sentido, el CMD se integra a la muestra con sus emprendedores incubados, que abren las puertas de sus talleres para que los visitantes también puedan descubrirlos a ellos y a sus trabajos en textiles, fibras, cartones, telas, maderas y letras. Como para llevarse muestras de arte a casa. Entre ellas, objetos de decoración, ropa infantil, carteras, juguetes y accesorios.

pacio, hecho de sogas, redes, luces y vegetales. No faltó el espacio del anticuario Gabriel del Campo, Calle de la madera, con esculturas y piezas antiguas, como caballitos de madera y hasta mobiliarios. El color corrió por parte de Alba, con unos árboles ubicados en el que se dio en llamar, no casualmente, Boulevard colorido.

EL LUGAR DEL ARTE Ya desde la entrada, el asfalto de la calle supo ser el primer signo de que la creatividad se encontraba presente en esta edición. Unas líneas coloridas marcaban el inicio del recorrido: una obra del artista y arquitecto Clorindo Testa, y de la también arquitecta Adriana Piastrelini. Por su parte, la artista especializada en cerámica Desiree De Ridder, también estuvo presente con su instalación Metamorfosis, una reflexión sobre el espíritu del es-

EXAGERACIÓN BIEN ENTENDIDA Si hay algo que le permitimos y celebramos de Casa FOA, son esas excentricidades deliciosas como una oficina con un jacuzzi, o un taller de un diseñador textil con una cocina. Son vidrieras óptimas para las posibilidades estéticas de los ánimos creadores, y también del potencial plástico de los materiales de las empresas patrocinantes. El lujo, sin embargo, no pareció aquí desmedido (algo que con un escenario como éste, de vigas, piedras y dimensiones fabriles, hubiera parecido un equívoco). Hubo, en cambio, una búsqueda por el confort y la practicidad, sin descuidar un estilo que, sin dejar de ser snob, buscó la estridencia en los gestos más simples.


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+ Living Bath de Rosana Saban y Adriana Grin.

+ Estudio de una diseñadora de Judith Babour.

En el Estudio de un diseñador (estudio López+Penas), se destacaron una biblioteca de 7,5 metros de largo, sin fondo, en melanina blanca; una mesada transparente con caballetes de acero inoxidable; y una deliciosa composición lumínica con lámparas de diversas alturas. Con autoras especializadas en oficinas freestyle, en el Estudio de un joven creativo (Inés Bonete+Teresa Castagnino), una cinta de Silestone guiaba al usuario a través de un bar-recepción, mesa de reuniones, jardín vertical con hamaca y jacuzzi.

bles, prácticos y confortables, como sillas, sillones y mesas, en maderas claras y tapizados grises; acompañaron a lámparas de inspiración escandinava, y una gran pared de biblioteca en melanina Visón con fondo ceniza de Masisa, con un nicho iluminado lineal, pintado de color Brasa Dorada de Alba. Home office (Alfred Fellinger) también retomó la idea de un espacio en donde la división entre vida de trabajo y vida personal no fueran excluyentes, para alguien moderno y contemporáneo. Así, este espacio de “bon vivant” es claro, simple, y reflejó a las claras que su dueño es alguien interesado por el diseño y los materiales nobles. Se lucieron los muebles de Colección, siempre en líneas modernas, materiales y colores novedosos.

LUGAR PARA JUGAR El ejercicio lúdico estuvo presente, no sólo desde espacios pensados para ser habitados y trabajados por artistas y diseñadores, sino también en términos de materiales. Como por ejemplo, en paredes de madera de distintas formas, y trabajos en muebles y luminarias de formas y materiales novedosos, además cocinas y sanitarios de disposición inventiva. En el Estudio de una diseñadora (Judith Babour), deliciosos mue-

MATERIALIZAR LOS SUEÑOS Si bien el sintético y el acero continuaron con su vigencia inapelable, la madera logró un protagonismo inusitado en esta edición: desde trabajos minuciosos de desniveles hasta rústicas versiones de barras de cocina, a la manera de las rústicas palettes. Pero los materiales minerales también sorprendieron. En Living Bath


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+ Los espacios Contrapuntos de Silvina Descole y Fragmentos de Mónica Kucher y Esteban Barranco compartieron la Medalla de Oro a la Arquitectura Mercedes Malbrán de Campos.

(Rosana Saban+Adriana Grin), la piedra pirka italiana aportó una cálida sensación, que se sumó al gran mural de venecitas de vidrio, a la manera de un jardín interior; y el revestimiento melamínico de Roble Natural de Masisa sumó en el techo, así como en los muebles y bibliotecas del espacio. Con una atmósfera diáfana por el uso del blanco en la estructura, la Tienda Biblioteca (Stella Lluch+Alexia Baralia+Claudia Mascarenhas, ganadoras de la Beca Casa FOA 2011), acertó en elementos pretéritos como bibliotecas Thompson y mobiliarios de guardado de estética vintage; mostrador, exhibidores y bibliotecas acompañaban en un recorrido circular, creando la ilusión de un espacio en movimiento. Con las piezas de equipamiento como elementos constructivos, el Estudio de un coleccionista (Viviana Melamed), comprobó que forma y función pueden ser la misma cosa. El espacio, sereno, cálido y envolvente, invitaba a soñar con unos paneles entramados realizados en melamina Roble, así como en su pared de vidrio dibujado, una iluminación cuidada y una especial atención en el mobiliario.

Y LOS PREMIADOS Porque siempre, al final de cuentas, están los ganadores. La medalla de Oro fue para Contrapuntos (Silvina Descole), que marcó la diferencia entre tradición y modernidad, en una especie de galpón de casi 5 metros de altura, bajo un techo de vidrio, con vigas y columnas metálicas, un entrepiso y un puente que atraviesa la parte superior. Con una biblioteca envolvente, que incluyó una pared entera de plantas con hojas alargadas, la iluminación potenció el efecto, y destacó los materiales y texturas: tierras, negro, crudo, colorado; y yute, lino y terciopelo. El premio fue compartido con Fragmentos (Mónica Kucher +Esteban Barranco), donde otra gran biblioteca protagoniza un espacio donde priman la madera (Lapacho de Patagonia Floorind y melamina Teka Touch de Masisa) y el rojo para la isla y en el volumen de la ducha; en mix con un backlight que penetraba a través de los volúmenes, dando vida a un juego de luces y sombras. Todo confabuló para dar vida a una edición de Casa FOA que no hace más que hacernos esperar la próxima. + www.casafoa.com

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+ Té danzante, el color del 2012: un rojo profundo cálido, tropical, con un sutil toque de melocotón y un aspecto brumoso.

Tendencias color 2012 Animarse a combinar materiales y colores Consciente de la fuerza del color y del efecto positivo que éste ejerce sobre el estado de ánimo de las personas, la compañía de pinturas Alba ayuda a sus clientes a elegir aquellos que pueden cambiar y mejorar su entorno, proponiendo las tendencias de color para cada temporada. | Texto: Jorgelina Peciña

Añadir color a la vida de las personas, inspirando y permitiendo a la gente decorar de manera más fácil es la misión de Alba, la compañía de pinturas para exteriores e interiores. El profundo conocimiento en color y diseño que posee la compañía, investigado e interpretado en forma permanente, a través de su Centro de Estética Internacional, es sintetizado en Colour Futures TM, con las tendencias en color para cada temporada. Para el 2012, el concepto dominante es el de las posibilidades, el cual invita a tomar una posición proactiva, animando a combinar materiales y colores de manera confiable y satisfactoria. LOS COLORES QUE SE VIENEN Alba propone no sólo el color del 2012, sino también cinco tendencias clave y una paleta definida para el próximo año. El color del 2012 se llama Té danzante, floral, brillante, atrevido y declarado. Es un rojo festivo, jugoso, cuyo matiz radiante será la nota más importante del año entrante, ya que es a la vez caprichoso y serio, dinámico y suave, perfecto para un pequeño acento en la pared. En cuanto a las tendencias, la primera se denomina Mezcla delicada, y se caracteriza por ser refinada, sutil, elegante, lujosa y sobria. Esta paleta refleja colores neutrales, frescos, elegantes y lujosos, junto con matices de hierro forjado, acero, hormigón pulido, madera,

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cobre y cuero engrasado. La segunda tendencia fue bautizada con el nombre de Una pequeña semilla. Una semilla representa lo valioso para los seres humanos. La paleta de color para este tema se inspira en el principio de la fotosíntesis: verdes agua y pasteles pálidos, frescos y neutrales ayudan a establecer el estado de ánimo. En tercer lugar, se encuentra El álbum de la vida. La percepción de la vida privada está cambiando. Esta paleta de colores refleja la estética de los blogs y los medios de comunicación social. También, es la gama de colores perfecta en tanto es equilibrada, cálida y encantadora. Hay presencia de papel artesanal y cartón, y una gran cantidad de tonos pasteles. En el lugar número cuatro, se ubica la tendencia Mundos diferentes. El concepto es pasar de un mundo a otro, liberar la mente. La paleta de colores es exuberante y aterciopelada, con azules brillantes, y verdes y rojos, que juegan con pasteles etéreos y translúcidos. Por último, la quinta tendencia: Héroes redescubiertos, que permite echar un vistazo a lo que ya está ahí, y descubrir nuevas posibilidades en los lugares más inesperados. Su gama de colores está inspirada en el patrimonio industrial: mezclilla azul, tonos neutrales, el verde de las máquinas y los grises del hormigón. + www.alba.com.ar


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El mundo en tus manos Todos aquellos clientes individuos de Movistar que posean planes Full de $199 y $289, pueden acceder a Experiencia Full, un nuevo servicio diferencial, con importantes beneficios.

Experiencia Full es un nuevo concepto que busca potenciar los servicios y planes Full de los clientes Movistar, ya que permite vivir una experiencia completa con equipos smartphone de alta gama. Renovación del equipo con beneficios, asesoramiento personalizado siempre en el *611, acceso a eventos exclusivos Movistar, entradas gratis a recitales y beneficios en el plan (mail y redes sociales gratis e ilimitadas), son algunas de las ventajas de este nuevo servicio. Ingresando al micrositio www.movistar.com.ar/experienciafull/ es posible encontrar toda la información ampliada sobre Experiencia Full: los servicios y planes más convenientes, asesoramiento exclusivo y la posibilidad de descargar contenido a través de las tiendas virtuales, tanto en forma gratuita como paga.

Así, se dispone de una biblioteca virtual en cualquier momento y lugar, gracias a la Tienda eBooks; se pueden encontrar las aplicaciones más convenientes para tu equipo en la Tienda de Aplicaciones: diccionarios, entretenimientos, mapas, fotos y videos, etc.; o bien descargar tonos reales, polifónicos, canciones o álbumes completos a través de la Tienda de Música. Además, es posible inscribirse a cursos presenciales o virtuales de distintos equipos, como el Nokia N8, disponible actualmente online. A su vez, la Experiencia Full también puede vivirse en los Centros de Atención personalizada, donde los clientes Full reciben una atención diferencial, que incluye la configuración de su equipo en el momento por un asesor capacitado, para salir con su equipo configurado totalmente, y así poder usarlo al 100% desde el primer instante. + www.movistar.com.ar/experienciafull/

NOVEDADES EN SMARTPHONES Para empezar a vivir la Experiencia Full, Movistar ofrece los equipos Movistar Samsung Galaxy S SCL, Movistar Samsung Galaxy S II y Movistar Sony Ericsson Xperia mini pro, con planes muy convenientes, que incluyen el acceso a mail y redes sociales ilimitado.

Movistar Samsung Galaxy S II Se trata de un celular con pantalla de 4,3”, de sólo 8,49 mm de espesor, sistema operativo Android 2.3 y un chip de doble núcleo a 1 GHz. Además, incluye una cámara de 8 megapíxeles que graba video en Full HD. Sincroniza la información entre redes sociales, mails, mensajes y agendas. Posee cámara frontal para videollamadas. +

Movistar Sony Ericsson Xperia mini pro Su diseño con rotación automática y pantalla táctil de inicio de cuatro bordes, incluye teclado en pantalla de 12 teclas, además de teclado ergonómico Qwerty, con funciones inteligentes para mensajería rápida y cámara de 5 megapíceles. Permite ver videos HD con su Reality display con Mobile Bravia Engine. Con sistema operativo Google Android 2.3 y disponible en colores negro, blanco, rosa y turquesa. +

Movistar Samsung Galaxy S SCL Este equipo ofrece una gran experiencia de visualización, gracias a su pantalla Super Clear LCD de 4”, que permite ver contenidos a la luz del día con una calidad cristalina. Posee sistema operativo Android Market, procesador de 1 Ghz y memoria interna de 4 GB para ganar velocidad, espacio y buena conexión a Internet siempre. Su cámara de 5 megapíxeles permite grabar en HD directo desde la TV, usando el teléfono como control remoto. +


ideas creativas

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TIENDAS VIRTUALES MOVISTAR NUESTROS RECOMENDADOS De las tres Tiendas virtuales de Movistar, es posible descargar los más interesantes contenidos: ya sean los últimos eBooks, la música preferida o las aplicaciones más útiles y entretenidas. A continuación, nuestros recomendados.

EBOOKS El cementerio de Praga, de Umberto Eco La historia transcurre en París, en 1897, y el protagonista es el capitán Simonini, un piamontés de sesenta y siete años establecido en la capital francesa, que desde joven se dedica a la creación de documentos falsos. Inspirándose en los folletines de Alejandro Dumas y Eugène Sue, logra dar fe de complots inexistentes, fomentar intrigas o difamar a las grandes figuras de la política europea. Este caballero sin escrúpulos, trabaja al servicio del mejor postor: primero fue el gobierno italiano quien pagó por sus imposturas, luego llegaron los encargos de Francia y Prusia, e incluso Hitler acabará aprovechándose de sus malvados oficios. Treinta años después de “El nombre de la rosa”, Umberto Eco vuelve para mostrarnos que, en la literatura y en la vida, nada es lo que parece, y nadie es quien dice ser. + https://ebooks.movistar.com.ar/

MÚSICA Teenage Dream de Katy Perry Los singles “Last Friday Night (T.G.I.F.)”, “Firework” y “Pearl” del álbum Teenage Dream de la cantante, guitarrista y compositora estadounidense Katy Perry pueden descargarse fácilmente desde el celular, identificándose con el número de Movistar y la clave elegida para comprar en las Tiendas de Música de Movistar. Todos temas que llegaron al primer puesto en la lista de Billboard Hot 100 y en varios países. + www.movistar.com.ar/emocion/musica/

APLICACIONES ¿Cómo voy? Una guía inteligente de Buenos Aires siempre a la mano, para consultar colectivos, trenes, subtes y otros transportes disponibles en cada dirección de la ciudad, así como averiguar cómo ir de un lugar a otro. Permite calcular el costo de un taxi y hasta pedirlo desde la aplicación, o bien llamar al servicio de atención al cliente de cada línea. Incluye definición de lugares favoritos, guarda datos en la agenda y envía recorridos vía SMS. + Wikipedia La aplicación oficial de Wikipedia, que hace más simple y rápido el navegar por los contenidos de la enciclopedia colaborativa online. Lo hace con un buscador, y muestra el artículo elegido por secciones, de manera de saltar directamente a la sección que más interesa, sin tener que hacer scroll por todo el texto. Es una de las aplicaciones gratuitas que ofrece de la Tienda de Aplicaciones de Movistar. + Mublet Otra de las aplicaciones gratuitas de la Tienda Movistar. Mublet permite descubrir el mundo que nos rodea a través de la geolocalización, y así disfrutar de beneficios exclusivos y las ofertas de las marcas más importantes en el lugar en que nos encontremos. Encuentra amigos y explora los lugares y eventos más relevantes, cercanas al usuario. +

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London Fashion Week Moda bajo el cielo inglés

Del 16 al 21 de septiembre, la capital británica fue escenario de una de las más esperadas semanas de la moda. Seis días de pasarelas, showrooms, presentaciones, instalaciones y videos. Cinco días dedicados a la moda femenina y uno a la masculina. Aquí, nuestra mirada de la London Fashion Week Primavera/Verano 2012. | Texto y fotos: Margarita Gozalvez

+ Craig Lawrence

CAROLINE CHARLES: SILUETAS MODERNAS Durante cuarenta años, fue la pionera en la moda británica, trabajó con Mary Quant (la inventora de la minifalda), y hoy su marca es renombrada en toda Inglaterra. Para esta colección Primavera/ Verano 2012, se inspiró en el jazz de los años treinta y el glamour de la rivera francesa: trajes, palazzos y vestidos híper femeninos y chic. Variedad de colores y estampados florales y cuadros, en tonos azul, verde agua, coral o salmón y negro. Con respecto a los accesorios, mostró sombreros tipo gondolero veneciano, guantes y sobres en cuero. + www.carolinecharles.co.uk EUDON CHOI: REINVENTAR EL SPORTWEAR Después de graduarse en la prestigiosa Royal College of Arts en Londres, el coreano Eudon Choi consiguió el puesto de diseñador en twenty8twelve (la firma de Sienna y Savannah Miller), para luego de unos años abandonarlo y crear la suya propia. Para esta colección, Choi reinventa las siluetas clásicas del sportwear de décadas pasadas, y le añade modernismo, logrando una silueta clara, con cierta reminiscencia a Courrèges. Bloques de color, líneas puras, geometrías, yuxtaposición con textiles fluidos, elegantes, y mix de cuero, lino, seda. Maxi sacos, vestidos y pantalones voluminosos, de épocas pasadas, pero con un toque de juventud y color actual. Rayas y bloques. + www.eudonchoi.com

B STORE: PASARELA RETRO Su espectro de inspiración va desde el neorrealismo italiano y la mente joven de Bertolucci, hasta el impacto televisivo trashy, pseudo feminista, de las revistas de moda y las películas como Thelma & Louise de los años noventa. La línea b store menswear propone blazers de algodón y camisas de lino en colores desgastados, combinadas con pantalones cortos. Por otro lado, camisetas con corte rugby y cuello de algodón blanco, pantalones anchos tipo pijama rayado, de corte recto, y camisetas oversize. La paleta de colores plantea azules, beige y verde militar, aplicados en rayas y cuadros. Los zapatos son de base clásica, pero con un trenzado en amarillo azafrán o azul petróleo, y sandalias estilo gladiador en cuero negro. En la colección b store womenswear, abundan las camisas estampadas, estilo safari gastado o safari wash, junto a un mix de estampas setentosas, de colores e influencias étnicas. Colores celeste, amarillo pastel, naranjas Hermès, azules, blanco y negro, y beige. Siempre apuntando a la creatividad en sus presentaciones, b store contó con la colaboración de Hellicar & Lewis para crear “inside out”, una instalación compuesta por varias cámaras y proyectores que transportaron la actividad e imagen de un espacio a otro, generando interacción y feedback con el espectador. El audio a cargo de Arthur Carabott, se basó en los movimientos de los participantes en el espacio. Todo esto se dio en 33 Portland place, una típica casona


ideas creativas

+ 107 moda

+ Christian Blanken

+ Eudon Choi

inglesa, en donde los invitados eran recibidos con una degustación de vinos, mientras modelos hombres y mujeres en la gran escalera exhibían la colección. Una propuesta de pasarela que recuerda la forma en que originalmente se mostraban las colecciones a sus clientas. + www.bstorelondon.com

fluencias del indumento masculino, el aerodinamismo de avionetas y las líneas precisas de la cristalería escandinava. Así, logra vestidos de punto con cuellos clásicos y ciertos detalles similares a los de las prendas de la servidumbre. A través de las técnicas de construcción, una silueta aerodinámica se convierte en femenina. Esta colección fue presentada en el área de videos: un corto que con poca información, en blanco y negro, y con sólo dos modelos, logró representar toda la inspiración de Tze Goh. + www.tzegoh.com

CRAIG LAWRENCE: ATENCIÓN EN LOS DETALLES Su propuesta incluyó prendas de punto, que combinó con otros textiles y estampas, con la colaboración de Swarovski, generando una nueva etapa y horizontes para la marca. Para lograr esta colección, se inspiró en el fotógrafo Martin Parr, famoso por su sentido del humor y, en particular, por las fotografías de paisajes británicos. Utilizó hilos de cristal entretejidos en piezas claves, con gran sutileza. Su presentación tuvo lugar en el Portico Room, sector del Somerset House mucho más íntimo que otras pasarelas, en donde podía apreciarse bien de cerca cada detalle. + www.craiglawrence.co.uk TZE GOH: TRADICIÓN Y FUTURO Nació en Singapur y estudió en París y en la Parsons School de Nueva York. Aplicó todos sus conocimientos con una estética minimalista y serenamente sensual, trabajando con materiales innovadores, una construcción impecable y funcional. Su colección desborda modernidad, gestos tradicionales y toques futuristas, con claras in-

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CHRISTIAN BLANKEN: CUERO Y BRILLO Diseñador británico, graduado en la Central Saint Martins School of Art. Luego de seis años trabajando en varias marcas de Nueva York, vuelve a Inglaterra para trabajar con algunos de los grandes diseñadores locales e italianos. Para esta colección, presenta cueros en bruto y una serie de gráficos calados con láser, desgastes y jerseys de seda y vestidos. Utiliza como base los colores negro, marfil y gris, y joyas preciosas en tonos morado oscuro, y toques de cereza rosa. Otra de las presentaciones del Portico Room del Somerset House, donde se pudo ver bien de cerca la colección: las modelos paseaban entre paredes de espejos, por lo que se podía ver el frente y espalda de la prenda al mismo tiempo. + www.christianblanken.com www.londonfashionweek.co.uk


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Cultura en Miami Arte en pleno auge

Un recorrido por la propuesta cultural de la ciudad de Miami, que sorprende por su variedad y calidad. | Texto: Fernanda Cohen

Miami representa, casi universalmente, playa, sol, palmeras y compras, una gran generalización en la cual me incluía, hasta tan sólo la semana pasada. Varias veces al año, el Greater Miami Convention & Visitors Bureau organiza un tour cultural para corresponsales internacionales a modo de difusión, y esta vez, eligió a 90+10 para representar a Argentina, junto a medios de Alemania, Inglaterra, Estados Unidos, Brasil y Canadá. Luego de cuatro días desbordantes de hoteles innovadores, teatros deslumbrantes, museos en plena expansión, barrios enteros empape-

+ Lobby Hotel Mondrian, diseñado por Marcel Wanders. www.mondrian-miami.com

lados de arte y una seguidilla de comidas cubanas, asiáticas y mexicanas, puedo asegurar que Miami ofrece una escena artística propia, muchas veces desconocida para la gran mayoría de sus visitantes. LOCACIÓN, LOCACIÓN, LOCACIÓN Para empezar a lo grande, nos hospedaron en el Hotel Mondrian, diseñado por Marcel Wanders, y ubicado en pleno Miami Beach. La primera impresión de nuestra visita, por ende, es el rendering digital de la cabeza de una mujer misteriosa, anónima y de ojos grandes hipnóticos al estilo Mark Ryden, flotando sobre el mural


ideas creativas

+ 109 arte

blanco inmaculado, que protagoniza el lobby. Un excelente impacto inicial, sin dudas. Todo a nuestro alrededor emana diseño, desde el estampado de búlgaros que envuelve columnas, escaleras, ascensores, alfombras y una que otra pared, hasta los objetos decorativos de diseñadores como Harry Allen y la mega máquina semi-automática, de donde se pueden comprar departamentos, objetos electrónicos, ropa exclusiva, snacks tradicionales y juguetes eróticos, entre tantas otras tentaciones. Las famosas playas de Miami Beach, sumada al estatus social pre-

ferencial de sus residentes y las amplias peatonales invadidas por negocios de todo tipo, son clave a la hora de convocar a un público constante, diverso, solvente y curioso. Siendo el arte considerado un lujo y no una necesidad, es bastante fácil llegar a la conclusión de que, siempre que hay abundancia, suele haber cultura; y ésta no es la excepción. La primera evidencia de este frecuente fenómeno urbano es una agencia de alquiler de Vespas que, como alternativa opcional, ofrece tours guiados de arte por los alrededores de Miami Beach, que incluyen la Rubell Family Collection, el Wynwood Art District, y la Margulies Collection.

+ De Frank Benson, “Human Statue (Jessie)”, 2011. Rubell Family Collection. www.rfc.museum

+ De Richard Jackson, “The Blue Room”, 2011. Rubell Family Collection. www.rfc.museum


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+ Collage mural de Shepard Fairey en el bar y canvas oversized de Christian Awe en el comedor. Foto: Moris Moreno.

PRIMERA ESTACIÓN: RUBELL FAMILY COLLECTION Con los pelos al viento y de la mano de nuestro mejor-imposible guía Marcos (artista de profesión, y sumamente informado), empezamos por empaparnos un poco de la pasión avasallante de Mera Rubell, quien nos recibió con los brazos abiertos. Más prominente e imponente que nunca, junto a su marido Donald, hoy lidera una de las colecciones de arte más visionarias del mundo, producto de lo que empezó hace ya casi cincuenta años en Nueva York, como el humilde pasatiempo de una maestra y un doctor con una debilidad notable por lo bello. La Rubell Family Collection hoy no sólo se destaca por su colección permanente de más de 1.500 obras -incluyendo a artistas consagrados como Keith Haring, Cindy Sherman, Damien Hirst, Andy Warhol y Jeff Koons-, sino que, además, es reconocida y venerada por su constante colaboración con instituciones como el Brooklyn Museum, el Haifa Museum y la Corcoran Gallery of Art en Washington D.C., y por haber impulsado la carrera de numerosos artistas internacionales.

rompe tanto con el principio esencial ilegal de graffiti, como con el propósito lucrativo del arte comercial-, se encuentran: Ron English, Shepard Fairey, y los ilustradores Saelee Oh, Jeff Soto y Tristan Eaton. Paralelamente, reciclando gran parte de los artistas de Primary Flight, y compartiendo el mismo barrio desde el 2009, se encuentra el complejo Wynwood Walls, del legendario desarrollador del Soho neoyorquino Tony Goldman y el reconocido galerista de la misma ciudad, Jeffrey Deitch. Wynwood Walls cuenta con doce mega murales distribuidos en tres patios adyacentes, un restaurante ilustrado de punta a punta por Shepard Fairey, la adición más reciente de las Wynwood Doors, y un puñado de murales externos al complejo, que se renuevan todos los diciembres con la llegada de Art Basel. Algunos de los artistas rotativos que participan, incluyen Aiko (Japón), Nunca (Brasil), Futura, Faile y Friends With You (EE.UU.), con un carácter tan ilustrativo, que se siente como una especie de déjà vu de las páginas ilustradas de The New York Times.

SEGUNDA ESTACIÓN: PRIMARY FLIGHT + WYNWOOD WALLS Desde el 2007, la organización Primary Flight, fundada por BooksIIII Bischof, apoya, convoca y exhibe artistas de graffiti legal (más recientemente conocido como street art), sobre la fachada de propiedades privadas en el Wynwood Art District. La intención de Books es crear un gran museo al aire libre, con una participación prominente, principalmente durante el famoso evento anual Art Basel, ya en su décimo aniversario.

El Wynwood Art District es el juguete más nuevo de la escena artística de Miami. Una zona industrial y marginal, que hasta el 2002 estaba habitada mayormente por artistas hambrientos y personajes siniestros, fue súbitamente copada por galerías, colecciones de arte privadas y desarrollos inmobiliarios, sin previo aviso. Semejante desplazo, resultó en un conflicto con los artistas locales. La gran mayoría de los artistas ex-residentes de Wynwood pertenece a la movida graffiti en su formato más puro, por lo que la idea de murales sponsoreados hasta con páginas Web incluidas para que los graffiteros puedan ser contactados, no es el ideal de lo que se considera graffiti, ni arte de museo tampoco.

A pesar de no ser una asociación sin fines de lucro, y de tener como sponsors a grandes marcas de pintura en spray, ningún artista convocado es compensado más que con materiales de trabajo y el privilegio de ser exhibido en un contexto popular y exclusivo. Entre los artistas de alto y bajo perfil que se suman a esta iniciativa -que para mi criterio,

TERCERA ESTACIÓN: ART DECO + MIMO Miami es uno de esos pocos destinos turísticos que poseen su propia paleta de colores, impregnando nuestros recuerdos de rosas, verdes, celestes y amarillos pastel, rodeados de pájaros tropicales y palmeras joviales.


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+ Mural de Ron English en Wynwood Walls. Foto: Martha Cooper. www.thewynwoodwalls.com

Pero la arquitectura art deco que caracteriza a la ciudad, intercalada con lo que hoy se conoce como MiMo (Miami Modern), tiene un propósito mucho más calculado que lo que uno se imagina a simple vista. El art deco conquistó Miami como consecuencia del huracán de 1926, que causó enormes destrozos a su paso, obligándola a re-inventarse de pies a cabeza. El estilo, popularizado en París en 1920, estaba en su mayor auge, y se había vuelto sinónimo de placer, lujo y glamour, por lo cual era justo lo que Miami necesitaba para ser eternamente inolvidable. El art deco abarcó no sólo la arquitectura, el arte y la moda del momento, sino que, para Miami, también simbolizó todo un estilo de vida que pretendía ocultar las secuelas de la Primera Guerra Mundial con aires de set de cine pre-fabricado, aparente abundancia y elegancia simulada, con tal de que la gente volviera a gastar en placer y dejara atrás la crisis. Algunos ejemplos icónicos de art deco de Miami Beach que se mantienen hasta el día de hoy, incluyen el hotel Delano y el DuPoint Building. Treinta años más tarde, después de la Segunda Guerra Mundial, Miami volvió a necesitar una lavada de cara para atraer las olas de turismo que comenzaban a florecer de nuevo, esta vez, con más ganas de divertirse, una tremenda necesidad de deslumbrarse, y una notable escasez de capital para gastar. Así es que nació MiMo, caracterizado por sus colores atractivos, sus hoteles con piletas en el frente para toda la familia, sus luces de neón y sus espacios temáticos para el entretenimiento de todo turista. El producto de este movimiento se ve sobre todo en las docenas de hoteles que conviven con un Miami más pudiente y, de algún modo, menos original. El New Yorker Boutique Hotel, el International Inn y el South Pacific Motel son sólo algunas de estas reliquias que el gobierno parece no querer reconocer, junto a tantos otros edificios MiMo -como el hogar del clásico diario Miami Herald-, que se encuentran actualmente en peligro de extinción.

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Ya terminando mi recorrido por un Miami que no existía en mi mapa de las artes, a pesar de residir a dos horas de avión en su ciudad hermana Nueva York, reitero en voz alta que siempre se aprende algo nuevo y que, en verdad nunca terminamos de conocer hasta lo que ya etiquetamos y descartamos como posibilidad interesante. Sólo espero que el esfuerzo desmesurado de Miami por expandir sus puertas como ciudad cultural relevante en Estados Unidos y en el mundo, no continúe siendo barrido y destilado por las olas y el viento que predominan por su brillo, y sobresalen por su superficialidad. + MUSEOS + TEATROS Algunos de los espacios culturales a destacar en el circuito artístico de Miami incluyen: New World Symphony. Diseñado por Frank Gehry e inaugurado en marzo del 2011. 500 17th Street, Miami Beach. Adrienne Arsht Center. Cuenta con la Sanford & Delores Ziff Ballet Opera House de 2.400 asientos, la Knight Concert Hall de 2.200 y The Plaza for the Arts para eventos al aire libre. 1300 Biscayne Boulevard, Miami. Miami Art Museum. Nuevo edificio a cargo de los arquitectos del Estadio Nacional de las Olimpíadas de Beijing, Herzog & de Meuron, a inaugurarse en el 2013. Bicentennial Park, Miami. Bass Museum. Exhibe arte histórico y contemporáneo del Renacimiento y del Barroco. 2100 Collins Avenue, Miami Beach. World Erotic Art Museum. Enfocado en el aspecto erótico de todos los períodos y orígenes de la historia del arte, incluyendo veinte grabados eróticos inéditos de Rembrandt, que estarán en exhibición hasta marzo del 2012. 1205 Washington Avenue, Miami Beach. Miami Design Preservation League. ONG que preserva y promueve la integridad del distrito de arquitectura histórica de Miami Beach. 1001 Ocean Drive, Miami Beach.


GREY COLOURS

+ Fran. Vestido con volados naranja y fuscia: Fabián Zitta. Anteojos: Infinit + Gabriela. Vestido naranja de lino: Christian Lacroix

Fotografía Tatu García www.tatugarcía.com Estilismo y Producción Federico Laboureau www.federicolaboureau.com Modelos Gabriela y Fran para Visage Models www.visage-models.com Pelo Jimena Lemk Make Up Sofi Klei para Sofi Klei Studio www.sofiklei.com Asistente Fotografía Sergio Claudio www.sergioclaudio.com.ar Asistente Make Up Josefina Myh josefinamyh@gmail.com Retoque Digital Nicolás Fazzioli www.nicofazzioli.blogspot.com Auto Renault Sandero Stepway www.renault.com.ar


+ Fran. Vestido con volados naranja y fuscia: Fabiรกn Zitta. Anteojos: Infinit. Zapatos: Paruolo


+ Gabriela. Vestido amarillo: Fabiรกn Zitta. Zapatos: Paruolo + Fran. Falda rayada: Koxis. Blusa envivada: Basement. Zapatos: Paruolo


+ Gabriela. Camisa con solapa: Kostüme. Minishort naranja: Estancias Chiripá. Sombrero: A.Y. Not Dead. Anteojos: Infinit. Zapatos: Paruolo + Fran. Chaqueta, remera con cuello volcado azul y pantalón palazzo: Kostüme. Anteojos: Infinit. Zapatos: Paruolo


+ Fran. Camisa con flores y pantalón naranja de lino: Christian Lacroix. Zapatos: Paruolo + Gabriela. Camisa coral: Basement. Pantalón de lino Oxford: Ayres. Bolso: Grupo 134. Zapatos: Paruolo. Anteojos: Infinit

DIRECCIONARIO | A.Y. Not Dead. Gurruchaga 1637, Posadas 1220 www.aynotdead.com.ar | Ayres. Cabildo 1899, Alto Palermo Shopping www. ayres.com.ar | Basement. Unicenter Shopping, Dot Baires Shopping www.falabella-basement.com | Christian Lacroix. Patio Bullrich: Posadas 1245 www.christianlacroix.com.ar | Estancias Chiripá. Av. Santa Fe 1192 www.estanciaschiripa.com | Fabián Zitta. Quintana 10 www.zittacostura.com | Grupo 134. Honduras 4709 www.grupo134.com | Infinit. Thames 1602 www. infinit.la | Kostüme. República de la India 3139, Gurruchaga 1585 www.kostumeweb.net | Koxis. Av. Santa Fe 2076, Unicenter Shopping www.koxis.com | Paruolo. Abasto Shopping, Dot Baires Shopping www. paruolo.com.ar

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La Federación de la Luz El diseñador argentino Juan Manuel Brandazza sorprendió con una instalación-performance que partió de la sede Florida del Centro Cultural de España en Buenos Aires, y que tuvo mucho de desfile y de acto mágico. Vestidos con la colección verano de Brandazza, y tomando inspiración de los festivales de la India, el carnaval y las fiestas al aire libre en Río de Janeiro, los modelos -o miembros de La Federación de la Luz- que formaron parte de esta pro-

cesión, llegaron hasta la Plaza San Martín, para deleitar al público con una colorida clase de yoga. Así, lograron pintar de color el espacio y modificarlo, mediante la recreación de un acto sagrado de moda. Todo esto en compañía de la música de los DJs Carisma, Gary Rock & Ichd, y en el marco del primer Inspiration Day. + www.brandazza.blogspot.com www.inspirationfest.com www.cceba.org.ar

Concepto e indumentaria Juan Manuel Brandazza Producción general desfile Virginia Negri Fotografía Virginia Christe Make Up Ann de la Fuente Pelo Caro Castoldi Desarrollo de esculturas Flor Caterina Música Carisma & Ichlove Profesora de Yoga Cecilia Palmeiro Modelos Agustín González, Ana Mangui, Andrés Medus, Ángeles Ascua, Ann de la Fuente, Ariel Mora, Beto Elías, Bloddy, Caro Castoldi, Caro Stegmayer, Cecilia Palmeiro, Cecilia Szalkowicz, Cristóbal del Solar, Daniel Kafie, Dudu Quintanilla, Emanuel García, Ichd Amore, Ichd Sister, Ismael Pincler, Jackie Ludueña, Juan Cruz Bravo, Luciana Paglia, Luciana Passerini, Luis Garay, María Julia Iglesias, Mariano López, Marisa Rubio, Martín Gross, Osías Yanov, Pablo Castoldi, Pareja Rayada, Román Vitali, Thais Zumblick, Valeria Gofman, Vanina Scolavino, Virginia Negri y Wustavo Quiroga

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TRImarchiDG

Una década de diseño TRImarchiDG cumplió diez años, y lo celebró con una nueva edición de su tradicional encuentro internacional, del que participaron David Carson, Ian Anderson, Elliot Tupac, Jeremyville, Big Active, Dr. Alderete y Hojun, entre otros. Gráfica, ilustración, música y colores tiñeron a Mar del Plata durante tres días de pura creatividad. | Texto: Leila Mesyngier

+ Conferencia David Carson

Más de 5000 diseñadores, múltiples conferencias, talleres, exhibiciones e invitados de lujo fueron los principales ingredientes del festejo por los primeros diez años del encuentro internacional de diseño TRImarchiDG. Como cada año, la ciudad costera de Mar del Plata recibió a algunos de los creativos más destacados de la actualidad, y se convirtió en un escenario de intercambio creativo durante tres días. La celebración, realizada entre el 30 de septiembre y el 2 de noviembre en el Estadio Polideportivo Islas Malvinas, contó con la anhelada presencia de David Carson, figura emblema y controvertida del diseño gráfico, que se sumó a una lista de conferencias que incluyó a Jeremyville, Ian Anderson, Big Active, Hojun, Elliot Tupac, Dr. Alderete, Double You y Filete. Luego de las exposiciones y workshops, los participantes pudieron disfrutar de las actividades nocturnas de la edición 2011: DJs, VJs y música en vivo fueron las propuestas para el Buenas Noches TRImarchi, el escenario para presentar proyectos audiovisuales que forma parte de la programación desde 2002. Como parte de los festejos, los organizadores, Seba y Pablo, publicaron un libro con experiencias y recuerdos de todo lo acontecido en los encuentros previos. TMDG X es un relato que recopila los lugares de inspiración, las máximas del diseño, los objetos preciados, la visión del futuro y el concepto de intimidad de cien conferencistas, expo-

+ Libro TMDG X

sitores y amigos de la casa, que disfrutaron alguna vez del evento. Laura Varsky, Stefan Sagmeister, Rubén Fontana y Marian Bantjes son algunos de los protagonistas del libro que dieron forma a la línea de tiempo de un festival creativo que ya se convirtió en un clásico. + www.trimarchidg.net


ideas creativas

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Visitantes ilustres elliot Tupac y Big Active visitaron Mar del Plata y se sumaron a los festejos por el décimo aniversario de Trimarchi. Qué hacen y cómo trabajan estos sabios e innovadores del diseño gráfico.

ELLIOT TUPAC: ESTILO CHICHA Elliot Tupac se encariñó con las letras desde pequeño, porque parte de un lenguaje natural que se oía en su casa. Fue tanta la energía puesta en esos signos, que se obsesionó: los buscaba en las revistas, los quería caprichosos, ornamentales, y cuando los encontraba, los cortaba y pegaba prolijamente en su cuaderno. Esa colorida y exótica colección se convirtió en el puntapié inicial de incursión en el mundo del diseño, fue así como supo que iba a ser parte de su vida. Trabajó primero en la empresa gráfica de su papá, Fortunato Urcuhuaranga, un artista del interior de Perú, que llegó a Lima en los 70 y montó su taller. Luego, Elliot quiso ingresar a la carrera de Bellas Artes, ser pintor, vagar por las calles de la capital mostrando su talento. Estudió tres años en la carrera de comunicación, hasta que recordó su gusto por las letras y decidió volver a buscarlas, esta vez, en nuevos espacios. Se encontró no sólo con su destino, sino con los carteles de la calle, que le despertaron todos los sentidos. “El cartel-chicha es la expresión gráfica de una corriente musical que surge en los 80 en Perú”, cuenta Elliot. Se trata de un estilo de carteles que deviene de la cumbia y la música local, y que forma parte de una movida de recuperación de la gráfica latinoamericana, redescubierta y reeditada por los jóvenes diseñadores. Los colores

flúo y las formas provienen del mundo textil andino. De hecho, gran parte del trabajo se realiza de manera artesanal, reviviendo las tradiciones familiares. El mismo Elliot dibuja, cala, diseña logos, y hace parte de las impresiones de sus obras, corriéndose de la “artística de la vida cotidiana”, y deslumbrando al mundo del diseño internacional. “Tuve que buscar otros espacios y, de alguna manera, lo que ha permitido esa apertura es el cariño que le he tomado al trabajo”, asegura el diseñador. Del cartel a la pared, y de la pared a las revistas y a los encuentros artísticos de todo el mundo. + www.elliottupac.pe BIG ACTIVE, UNA BANDA DE DISEÑADORES Empezaron como un estudio creativo colectivo y se convirtieron en una consultora especializada en diseño y publicidad, ganadora de múltiples reconocimientos. Se dedican a la dirección de arte, al diseño gráfico, y a la representación de los creadores de imágenes líderes en el mercado, actividades que combinan como un equilibrado conjunto musical. Sus obras se construyen por medio de redes de trabajo sostenidas sobre la base de buenas, muy buenas ideas, que desarrollan de manera integrada. Son Big Active, una plataforma joven e innovadora, que funciona desde Londres y se proyecta hacia el mundo.


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+ Mark Ronson. Álbum “The Record Collection”. Dirección de arte: Mat Maitland, Gerard Saint. Diseño: Mat Maitland. Ilustraciones: Japer Goodall, Will Sweeny, Jesse Auersalo, Parra, Mat Maitland, Markus Karlsson. Fotografía: Alexie Hay. Sony Music / 2010. Ganador Gold European Design Award 2011

+ Keane. Álbum “Under the Iron Sea”. Dirección de arte: Richard Andrews & Gerard Saint. Diseño de Richard Andrews. Ilustraciones: Sanna Annukka. Record Label: Island / 2006

+ Basement Jaxx. Álbum “Scars”. Dirección de arte y diseño: Mat Maitland. Record Label: XL / 2009

+ Gerard Saint, director artístico de Big Active

Gerard Saint, director creativo y fundador de Big Active, estuvo desde el comienzo, a principios de la década del 90. Actualmente, dirige la banda junto con Mat Maitland, Markus Karlsson –al frente del estudio sueco–, y Greg Burne, responsable de la unidad de ilustración. “Somos conocidos por los fantásticos creadores de imágenes que representamos. Por eso, nos gusta pensarnos como una banda con un montón de grandes músicos”, define Saint durante su visita al encuentro internacional de diseño TRImarchi.

flexible, pensar y sentir”. Así se definen y así trabajan con Beck, Kate Nash, Muse y Snow Patrol, algunos de sus clientes más conocidos del ámbito de la música. “Cada cliente es diferente, pero un respeto mutuo es parte de la relación común con todos. Los vemos como compañeros de trabajo y, ojalá, también como amigos”, afirma Saint.

“Big Active busca crear un diseño atractivo, que tenga personalidad, un diseño que cuente una historia que refleje verdaderamente el espíritu y la voz del proyecto en el que nos embarcamos”, relata el director creativo. Y continúa: “Para nosotros, el diseño tiene que ver con tener cabeza, corazón y caderas. Tener onda, saber moverse, ser

La diversidad de proyectos en los que trabajan les impide tener una identidad uniforme, pero sí conservan un estilo propio de actitud y acercamiento durante todo el proceso creativo. “Tratamos de pensar en la gran imagen y aplicar el diseño con inteligencia. En términos musicales, creemos que el rol del diseñador es similar al del productor musical: se trata de facilitar al artista o la banda, la realización de su visión de un modo atractivo”, concluye el fundador de estudio. + www.bigactive.com

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clásicos contemporáneos 127 marketing

Raj Nagra

Nuevo Emba jador Global de Bombay Sapphire El bartender Raj Nagra acaba de ser nombrado nuevo Embajador Global de Bombay Sapphire, y será el encargado de comunicar en todo el mundo los valores del gin y la historia detrás de su sabor único.

Con una amplia experiencia en cocktelería, Raj Nagra comenzó su carrera en Sydney, Australia, donde trabajó en las barras de los mejores bares, desde muy joven. También tuvo la oportunidad de trabajar para el jeque de Dubai, al frente del equipo que abrió el renombrado Emirates Towers Hotel de 56 pisos en 2000. Su traslado a Shangai en 2007 lo llevó a convertirse en Embajador de Bacardi Asia Pacífico, donde pudo empaparse de la cultura de la región, y brindó servicios de consultoría para bares, clubes y hoteles. Más recientemente, Nagra se desempeñó como profesor de Vodka 42Below en los EE.UU. donde, entre otros logros, fue

publicado en los libros de récords por dirigir un equipo de camareros que logró crear 1.541 cocktails en una hora. “Es un honor ser nombrado Embajador Global para una marca con el patrimonio e imaginación de Bombay Sapphire, y que continuamente crece en popularidad. El sabor único de la ginebra, creado a través de los diez ingredientes botánicos, es un regalo para los camareros, y estoy muy emocionado con la idea de crear nuevos y emocionantes cocktails, que sorprenderán y harán las delicias de las barras del mundo”, expresó Nagra. + www.bombaysapphire.com

BomBay Sapphire TwiSTed Gin & Juice Una deliciosa bebida de verano, diseñada para refrescar y revivir el alma, creada especialmente para el evento “UK Bombay Sapphire Imagination Series with Book Slam”, que tuvo lugar en Londres, el pasado 4 de agosto. Frotar 5-6 hojas de menta en la palma de la mano para liberar su sabor. Cortarlas a la mitad y frotarlas sobre el borde de un vaso alto, para luego dejarlas caer en el fondo. Agregar 10 ml de vino afrutado y 50 ml de Bombay Sapphire. Añadir hielo triturado y revolver. Completar con 90ml de jugo de manzana. +

Enjoy BOMBAY SAPPHIRE Responsibly. Bombay Sapphire, su botella y logos son marcas registradas. w w w.bombaysapphire.com

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Frank Memelsdorff “Del diseño hago todo, menos diseñar” Frank Memelsdorff es uno de los gestores de diseño más interesantes que hemos tenido en Argentina y fuera de ella. Su meteórica vida es tan completa como interconectada, y su pasión multifacética nos lleva a conocer varias aristas de la historia nacional y española. | Texto: Wustavo Quiroga. Imágenes: Gentileza FM


clásicos contemporáneos

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+ Leche RAM de la Lactaria Española. Planteos de diseño de Tetra Packs para el rubro lechero. Utilización del sol como elemento gráfico diferenciador opuesto a los tópicos de la época: vacas, montañas. España, 1983, C. Rolando, JC, Rodriguez y Frank Memelsdorff (R&M).

EL COMIENZO ARGENTO De joven ingeniero participó desde 1961 hasta 1966 como secretario cofundador del CIDI, Centro de Investigación en Diseño Industrial, donde comenzó a desarrollar su actividad como gestor de diseño. El CIDI, dependiente del INTI, fue el encargado de otorgar las etiquetas del Buen Diseño, que dieron espacio a un sistema de legitimación con menciones y premios a la calidad y diseño de los productos de industria local, entre los que se destacaba la empresa Siam Di Tella.

lla. Su actividad productiva implicó importantes cambios socioculturales en Argentina, como el pasaje de las heladeras de hielo a las eléctricas, o la incorporación de lavarropas automáticos a los hogares. Al fallecimiento del fundador, sus hijos Guido y Torcuato jr. continuaron con el impulso desarrollista de la empresa. Renombrándola e incorporando áreas como Siam Automotores, comenzaron a fabricar bajo licencia de British Motors, pero utilizando marcas argentinas, el Di Tella 1500 y la Pick Up Argenta (patentada visionariamente en los años treinta).

Siam Di Tella es el devenir de la empresa metalmecánica Siam, fundada a comienzos de los años treinta por don Torcuato Di Te-

En 1960, Frank es convocado por Guido para formar parte del grupo empresarial como responsable del área de diseño industrial.


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+ Gráfica editorial para el hotel boutique de alta gama Milano Real. España, 2005, Gabriel Martínez, Paz Martín y Frank Memelsdorff (GMI).

+ Identidad para consultora belga de ingeniería fabril. Asenta, significante de cimiento, asentado, maduro: la letra “A” es la primera del alfabeto, el subrayado refuerza la unicidad del logo. España, 2005, El nombre de las cosas, Gabriel Martínez, Frank Memelsdorff (GMI).

+ Gestiona tú mismo. Marca para la Consejería de Presidencia de la Comunidad de Madrid, utilizada para difundir los trámites online en oficinas gubernamentales. España, 2003/4, Gabriel Martínez, Paz Martín y Frank Memelsdorff (GMI).

La oferta implicaba diseñar o rediseñar los modelos de numerosos productos como heladeras, lavadoras, planchas, ventiladores y el recién llegado aire acondicionado. El rediseño de heladeras con colores y texturas, tuvo en cuenta el papel protagónico que estos productos cumplían en los hogares, donde eran decorados con manteles, floreros y transfers.

poraban conocimientos de psicología, sociología y política, útiles tanto para la organización empresarial como para usuarios de productos). Entre los formadores, se encontraban Oscar Massota, semiólogo pionero en los campos de la comunicación, diseño y arquitectura, crítico de arte y psicoanalista; Bengt Oldenburg, crítico de arte por la Sorbonne; y para el “núcleo duro” de la dirección, Jorge Pellegrín, un psicoanalista de grupos.

CIVILTÀ DELLE MACCHINE Tiempo después, fue convocado para conducir Agens, la agencia de publicidad del grupo Di Tella. Memelsdorff, sin saber del tema, decidió emprender la aventura, y planteó el traspaso del área de diseño industrial de la empresa a la agencia. Conformó entonces un grupo de comunicación que integró de forma horizontal diseño industrial, gráfico y publicidad, en un único discurso corporativo. Sus bases estaban fundadas en sorprender con contenidos innovadores y atractivos, llevar la cultura al alcance de las mayorías, y colaborar en la creciente cultura industrial. La agencia contaba con más de ochenta colaboradores, con un sistema de capacitación (conferencias y seminarios, que incor-

Comenta Frank: “El modelo de la transversalidad comunicativa de diseño industrial, diseño gráfico y publicidad se emparentaba con el movimiento “Civiltà delle macchine” de las grandes corporaciones de la posguerra italiana, a la manera de la Olivetti de entonces, potenciada por el cruce entre arquitectos, diseñadores, músicos, ingenieros electrónicos y poetas”. Para Agens, la comunicación empresarial sobrepasaba la instancia de una actividad lucrativa, y participaba activamente en acciones de cultura popular. Tal es el caso de la ópera “Carmen” de Bizet, reformulada en 1965 para ser emitida por Canal 13; programas de tangos conducidos por el poeta Horacio Ferrer,


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+ Aenor (Asociación Española de Normalización y Certificación). Diseño de marca de certificación de producto. España, Fase uno (1986) Herbert Schmidt, Carlos Rolando, Memelsdorff (R&M); fase dos (2002 a 2006) Gabriel Martínez, Memelsdorff (GMI).

donde se debatieron las nuevas y viejas manifestaciones del tango, emitiendo en vivo a músicos como el quinteto de Piazzola; o el programa quincenal para televisión “Telecataplum”, donde un desopilante grupo de teatro uruguayo liderado por Henny Trayles y Roberto Espalter promocionaba productos Siam DT en comerciales. De allí, se recuerda la promo “Di Tella 1500: el coche con las cuatro puertas a la calle”, donde la agencia lograba enfatizar la amplitud del vehículo. Otra anécdota que demuestra el legado de Siam y Agens, fue el nacimiento de Mafalda en 1963. Para resolver con bajo presupuesto la promoción de “Mansfield”, una segunda marca de lavarropas, pensaron en crear un personaje que pudiera publicarse periódicamente. Convocaron entonces, por recomendación de Miguel Brascó, al dibujante Joaquín Lavado, quien propuso a Mafalda Mansfield. Finalmente, el lavarropas no se produjo, pero Quino dio comienzo a su famosa historieta. En el campo de la experimentación, no podemos pasar por alto las búsquedas en multicomunicación (término previo al multimedia),

para lo que incorporaron al músico Francisco Kröpfl, quien instaló el primer laboratorio de música electrónica de Argentina. Como resultado de estas indagaciones, tenemos el stand de Siam emplazado en La Rural, que en su interior contaba con un espectáculo de doce proyectores sincronizados en imagen, sonido y espacios de emisión, una innovación incitante para la época. Agens declinó en 1969 con la llegada del grupo norteamericano que había adquirido Siam Automotores, en un período en que la empresa Siam Di Tella comenzó a perder fuerza autónoma y las circunstancias políticas presionaron su caída. Desde entonces, Memelsdorff se abocó a la consultoría y asesoramiento de empresas, hasta que en 1978 decidió migrar a causa de la dictadura militar. ESCALA BARCELONA – MADRID Desde 1978 en Barcelona, formó junto a Carlos Rolando la empresa de comunicación R&M Rolando & Memelsdorff, que acompañó el crecimiento pujante de las empresas corporativas del país ibérico, asumiendo un papel importante en el nuevo diseño y comunicación. Durante este período, fundó el think tank GMI Memelsdorff Ibérica,


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+ Stand-espectáculo de Siam. Argentina, 1964, Arqs. Héctor Compaired y Eduardo Joselevich, escritor: Carlos Peralta, músico: Francisco Kröfl, coordinación: Frank Memelsdorff.

una consultora de branding y gestión de diseño, que al cierre de R&M en 1986, será el proyecto consecutivo en Madrid. En 1984, publicó junto a Rolando su libro bilingüe: “Diseño, Empresa & Imagen” que servirá de manual para charlas y capacitaciones con responsables de pequeñas y grandes empresas. Un caso paradigmático en R&M fue el desarrollo de la marca “Expo Universal Sevilla 1992”, realizada con seis años de antelación del mega-evento, para iniciar el contacto con países invitados o la difusión en hoteles, agencias de viajes o prensa. Esta marca se caracterizó por su solidez y neutralidad, dejando fuera todo aspecto de moda que caducase en el tiempo de preparación de la exposición. Fue ganadora del concurso del paquete identitario. En Madrid, continuó con GMI hasta 2007. Desarrolló numerosos proyectos de comunicación para las estructuras interiores de empresas e industrias, los productos de consumo masivo, casos

gubernamentales, sector de ocio y cultura, y otros servicios. Cada realización fue una solución integral para clientes con diferentes grados de problemática, donde la respuesta se encontraba a partir de una consultoría y reflexión específica. Algunos casos resultaron premonitorios de las tendencias comunicacionales que aplicarán las marcas seguidoras, y translucían la astucia y diplomacia para conseguir el apoyo empresarial. LA GESTIÓN MAESTRA Desde su regreso a Buenos Aires en 2007, es socio benefactor en el Centro de diseño industrial (INTI), consultor en el Centro Metropolitano de Diseño y miembro asesor de las Bienales Iberoamericanas de Diseño. Fue recientemente nombrado socio de honor de DIMAD (Asociación de Diseñadores de Madrid). A sus 82 años, demuestra con su energía, que su mayor virtud es aprender y compartir la enseñanza que la vida le otorga a diario. + www.frankmemelsdorff.com.ar

EL PENSAMIENTO IMPRESO Además de la edición precursora “Diseño, Empresa & Imagen”, contó con numerosos ensayos y reflexiones metodológicas sobre el diseño y la comunicación como: “Identidad corporativa en el sector público”, realizada en 1987 junto a otros autores; “Identidad corporativa como factor de competitividad / Packaging y exportación” de 1989; “Rediseñar para un mundo en cambio” de 2004, y su reciente edición “Estrategia y diseño. Diálogo entre empresas y diseñadores”. Esta nueva publicación trata la siempre conflictiva relación entre diseñadores y empresas, y gráfica (sin imágenes), los casos planteados a través de ejemplos propios y de colegas, que van desde Pymes a grandes empresas, casos que le permiten poner en evidencia a ambos interlocutores, saneando preconceptos, recelos o victimizaciones profesionales. Con una narrativa cautivante y acompañada por el minucioso diseño editorial de Rubén Fontana, la nueva edición de Wolkowicz se anticipa, al igual que la historia contada, a ser el próximo referente en gestión de diseño y cultura empresarial. www.wolkowiczeditores.com.ar

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+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro

premium

+ Un saltamontes, resultado de la imaginación de Billie Achilleos y pequeña marroquinería de Louis Vuitton

Aniversario animal para Louis Vuitton De hermosas fotografías de Sofía Coppola con su padre, Francis Ford, a Angelina Jolie en el medio de la jungla. De una sofisticada Madonna en la cocina, a una dulce y angelical Scarlett Johansson sobre una hamaca de rosas. Y de los simpáticos dibujitos del cotizadísimo artista japonés Takashi Murakami, a las carteras animales de la artista británica Billie Achilleos. Para su 100º aniversario, Louis Vuitton no quiso ser ajeno a su esencia, y por eso convocó a Achilleos, para dar vida a una exótica colección de artículos de cuero. “Cuando comencé este proyecto, fui a una tienda Louis Vuitton y busqué los animales en las carteras”, contó ella, visionaria, sensible y, ante todo, creativa, quien reniega de su condición de artista: “Yo hago algunas cosas. Lige-

ras, alegres y un poco extrañas”, afirma quien hoy presenta en la Maison de la casa francesa ubicada en la Quinta Avenida de Nueva York, obras originales, junto a una pequeña colección de artículos de cuero de Malletier. En su visión, a partir de llaveros, monederos, bolsos y botones, Achilleos vio a un armadillo (o peludo), un camaleón, un castor y un saltamontes, entre otras esculturas que ascienden a un total de veinte. “No hay un diseño preconcebido -completa ella-. Hay una pila de bolsos y pequeña marroquinería delante de mí y, unas horas después, es una rana”. Una excusa más para separar, clasificar, organizar y disfrutar. Un zoológico con savoir-faire. + www.louisvuitton.com

H. Stern + Niemeyer: joyas de construcción Siempre celebrado por su pasión por las curvas, el arquitecto brasileño Oscar Niemeyer se puso al servicio de H.Stern, para dar vida a una colección inspirada en su filosofía. El célebre creador, de 103 años de edad, se propuso recrear la que ha sido su pasión durante toda su vida: la línea curva, según él, siempre elegante y armónica. “Si la recta es el camino más corto entre dos puntos, la curva es lo que hace al concreto buscar el infinito”, afirmó el arquitecto, quien además, fue el responsable del proyecto de Brasilia, capital de su suelo natal, construida a fines de la década del 50.

+ Pulsera Flower en oro amarillo

La iniciativa con la joyera nació por inquietud de Roberto Stern, presidente y director creativo de la compañía. “No encontramos líneas rectas en la naturaleza, por eso me gusta la asimetría y los trazos irregulares, más humanos y naturales”, afirmó Stern, para explicar la elección de este célebre arquitecto, nacido en Río de Janeiro. Sobre la base de sus dibujos, sus trazos y contornos, el equipo creativo dio vida a piezas sin pretensiones, pero de una belleza palpable. Anillos, pulseras y aros enarbolan esta propuesta compuesta por seis líneas sueltas, libres y continuas: Brasilia, Pampulha, Copan, Sketch, Curves y Flower. + www.hstern.net www.niemeyer.org.br


+ Fútbol con rouge, de la serie Sets. 120 x 160 cm, 2004. Toma directa

portfolio fotográfico

Alejandra Urresti | Curador: Aldo Bressi Nacida en 1975, cursó la carrera de arquitectura en la Universidad de Buenos Aires. Realizó talleres de formación con Alejandro Kuropatwa, Martín Weber, Valeria González, Esteban Álvarez, Patricia Hakim, Victoria Noorthoorn y Dino Bruzzone. Expuso individualmente en Le 19, Centre Régional D´Art Contemporain (2010), Galería Ernesto Catena Fotografía Contemporánea (2009, 2008, 2006) y en el Centro Cultural Ricardo Rojas (2003), así como en diversas muestras colectivas. Entre sus premios y becas se destacan el Concurso Site Specific del Hotel Panamericano, Bariloche (preselección 2008), el IV premio en el LVIII Salón Nacional de Rosario 2004, Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino, y la beca subsidio a la creación artística, Fundación Antorchas (2004). Su obra integra la colección del Museo Castagnino + Macro. Para sus obras, Alejandra Urresti utiliza una vieja cámara de gran formato Linhof, que le permite lograr imágenes de muy alta definición e impacto visual. Su serie de collages fue realizada con una Canon Powershot G7 de 7 megapíxeles. + www.alejandraurresti.com.ar

Link a la nota: http://9010.co/aleurresti


+ Hemisferio derecho, de la serie Sets. 120 x 160 cm, 2004. Toma directa con c谩mara de placa, impresi贸n lambda, edici贸n de 5


+ 14 d铆as, de la serie Sets. 120 x 160 cm, 2004. Toma directa con c谩mara de placa, impresi贸n lambda, edici贸n de 5


+ Sabater Hnos., de la serie Collages. 45 x 71 cm, 2008. Collage digital, edici贸n de 10


+ Teatro Nacional Cervantes (taller de escenograf铆a), de la serie Collages. 45 x 71 cm, 2008. Collage digital, edici贸n de 10


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+ mundo creativo

Texto: Ricardo Sametband

gadgets

Apple iPhone 4S

Amazon Kindle Fire

Con dos millones de unidades reservadas en los primeros días de preventa, el iPhone 4S es un éxito asegurado. El equipo mantiene el diseño de su antecesor, pero suma un chip de doble núcleo, una cámara de 8 megapíxeles que graba video en Full HD, hasta 64 GB de almacenamiento y Siri, un asistente personal digital, al que es posible darle órdenes verbales. En Estados Unidos, su precio llega a los U$S 400. + www.apple.com

El gigante de las ventas online dio un paso más en el mundo de los dispositivos, al presentar su tableta Kindle Fire, un dispositivo que corre una versión propia de Android y tiene una pantalla táctil de 7”, chip de doble núcleo a 1 GHz y acceso directo a todos los servicios de la compañía (venta de aplicaciones, de música, de libros y de películas, entre otras cosas). Su precio en los Estados Unidos es de U$S 199. Salió a la venta el 15 de noviembre. + www.amazon.com/kindle

Lenovo IdeaPad K1 La oferta de tabletas es fuerte en el país, y ahora se amplía con la IdeaPad K1; como buena parte de sus competidoras, tiene una pantalla táctil de 10,1” y resolución 1280 x 800 píxeles, Android 3.1 con Flash de Adobe, un chip Nvidia Tegra 2 a 1 GHz de doble núcleo, 1 GB de RAM, 32 GB de almacenamiento interno, salida HDMI, ranura microSD, cámara de 5 megapíxeles y 13,3 mm de grosor. Su precio local es de 3599. + www.lenovo.com/ar/es/

Nokia 701 Aunque su foco a futuro será con equipos que usan Windows Phone 7 Mango, Nokia sigue ampliando su gama media con móviles Symbian^3, pero con la actualización Belle, que mejora aspectos gráficos y de interacción, para acercarlos a lo que ofrecen Apple y Android, y lo hace con equipos como el 701: chip a 1 GHz, 512 MB de RAM, pantalla multitáctil de 3,5”, cámara de 8 megapíxeles que graba video en alta definición y 8 GB internos. Según la compañía, su panel LCD IPS (como el del iPhone) es el más luminoso del mundo. Saldrá a la venta en el último trimestre del año. + www.nokia.com.ar


+

mundo creativo 141 gadgets

LG Cinema 3D Smart TV La compañía surcoreana presentó tres televisores 3D: el modelo LW5700 (42” y 47”), con LEDs Full HD y conexión Wi-Fi, puertos USB y HDMI, y conexión a Internet para acceder a servicios de noticias, redes sociales, videos 3D en línea y otras fuentes de contenido online, llamado Smart TV; y los modelos LV3700 y LW4500 (sin Smart TV). El LW5700 de 42” tiene un precio local de $ 13.999. + www.lg.com/ar

Sony WHG-CX5iP Son cada vez más populares los sistemas de audio que toman a los reproductores digitales como su fuente principal de música. Pero todavía hay quienes cuentan con una enorme discoteca en CD, y a la vez tienen contenido en MP3. Para ellos, una alternativa es el equipo de Sony, que puede colgarse de una pared y cuenta con un conector para iPod o iPhone, bandeja de CD, puerto USB para otros dispositivos y parlantes, con una potencia total de 50 watts RMS. El precio local es de $ 1799. + www.sony.com.ar

ViewSonic PLED

Samsung SSD serie 470

Los avances en la iluminación LED permiten nuevos proyectores como los PLED que ViewSonic presentó en la Argentina, que son más eficientes en el uso de energía y, por lo tanto, posibilitan diseños más pequeños, como los modelos W200 y W500. Ambos tienen 20.000 horas de vida útil, son capaces de proyectar imágenes 3D con una resolución máxima de 1366 x 768 píxeles, tienen un puerto USB y lector de tarjetas SD. El W500 tiene un puerto HDMI y 1 GB interno para almacenar archivos, y el doble de brillo que el W200, con 500 lúmenes. + www.viewsonic.com

Los discos de estado sólido siguen ganando adeptos entre quienes buscan un reemplazo para el disco rígido tradicional, aprovechando su mayor velocidad para leer datos, menor consumo energético y excelente durabilidad. Samsung, que hace poco se desprendió de su división de rígidos magnéticos, incursiona en el país con su serie 470. El modelo de 256 GB tiene un precio en los Estados Unidos de U$S 290 (también hay modelos de 64 y 128 GB). + www.samsung.com/ar/

GPS Navigator BT y Navigator 5” de X-View Los nuevos navegadores de X-View traen precargados los mapas de Argentina, que se suman a los de 85 países en 6 continentes, siempre con el sello de Navteq, la compañía líder en el mercado mundial de datos para mapas digitales, de tráfico y localización. Poseen software NDrive 10, que ofrece una forma de navegación rápida y fácil de usar: es posible buscar una dirección sólo escribiendo las primeras dos o tres letras. Cuentan con una actualizada y confiable base de datos de puntos de interés y organizan el viaje con tiempos estimados de llegada, y el cálculo de la duración exacta del trayecto. A su vez, información de audio y visual para un viaje más confortable y seguro. El modelo Bluetooth posee pantalla de 4.3” wide screen y cuesta $ 899, mientras que el modelo con pantalla de 5” asciende a $ 999. + www.x-view.com


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+ mundo creativo

vehículos

Texto: Elvio Orellana Estos autos y más encontralos en Deautos.com

Renault Duster La habíamos visto como adelanto en la última edición del Salón del Automóvil de Buenos Aires. Pero finalmente en octubre, pudimos probaría en la ciudad de Salta, durante su lanzamiento. Nos referimos a Duster, la pequeña SUV (Sport Utility Vehicle) que está concebida sobre la plataforma del Sandero, y que se caracteriza por sus dimensiones muy compactas (4,3 m de largo y 1,8 m de ancho) y su peso moderado (1.202 kg en versión 4X2 y 1.353 kg en versión 4x4). Estos atributos, sumados a una

distancia de 221 mm con respecto al suelo, un recorrido generoso de sus suspensiones y un sistema de tracción derivado de modelos como el Renault Koleos y Nissan Xtrail, ubican a Duster un peldaño más arriba de sus rivales más directos. Está disponible en versiones 4x2, con un motor de 1.6 (110 cv) y de 2.0 (140cv). Sus precios arrancan en $ 84.990 y asciende hasta los $ 110.650. + www.renault.com.ar

Peugeot Hoggar y 408 Sport La inconfundible estética que caracteriza al Peugeot 207 para su parte frontal, ensamblada a una amplia caja que permite transportar una carga útil de 650 kg, proveniente de la plataforma del utilitario Partner. Así es, en resumidas cuentas, la Hoggar, la nueva integrante de la firma del león, por medio de la cual, la marca vuelve a incursionar en segmento de las pick up. Disponible con una sola motorización naftera de 1.6 litros de 16 válvulas y 106 caballos, la Hoggar llegó para combatir contra la Fiat Strada, VW Saverio y la Chevrolet Montana. Su precio arranca desde los $ 69.200 y llega hasta los $ 77.900 en la versión Escapade.

+ Peugeot 408 Sport

La otra novedad de Peugeot, cuyo lanzamiento se concretó hace poco, es la versión más deportiva del 408, denominada Sport. El principal responsable de este último apelativo es su motor 1.6 THP, que utiliza el Peugeot 207 GTI, el RCZ y los Citröen DS3 y C5, como para enunciar algunos. Su rendimiento en el 408 es de 163 caballos a 6.000 rpm. Otro accesorio que suma deportividad a esta versión, son sus llantas de 17 pulgadas. No así, su caja secuencial Tiptronic de 6 velocidades, que podría haber sido manual, considerando el carácter que se le quiso dar. + www.peugeot.com.ar


+

Estos autos y más encontralos en Deautos.com

Fiat Punto

Conocido por estas latitudes, el Punto fue uno de los modelos que Fiat exhibió en el Salón de Frankfurt. Es que para el año que viene, la marca italiana tiene planes de someterlo a un leve rejuvenecimiento estético, aunque el verdadero cambio estará por dentro. Un nuevo motor de 2 cilindros TwinAir turbo de 85 CV es la gran novedad que equipará a este ícono de Fiat. Su desembarco en nuestro país está previsto para el año que viene, sumándose a las motorizaciones ya existentes. + www.fiat.com.ar

mundo creativo 143 vehículos

Nuevo Chevrolet Aveo Lanzado en el año 2008 y convertido en la actualidad en el sedán más representativo de la marca del moño, el Aveo se exhibe ahora con nueva estética. Denominado Aveo G3, haciendo referencia a la tercera generación del modelo, el sedán más chico de Chevrolet exterioriza una imagen más a tono con el resto de los modelos globales de la marca. Así, toma protagonismo en su frontal su extensa parrilla, paragolpes nuevos y faros que se adaptan a la nueva estética. Donde no hubo novedades fue a nivel motorización, de modo que el conocido naftero 1.6 de 16 válvulas de 103 caballos es el impulsará a este rejuvenecido modelo que, por el momento, no dispone de un precio oficial. + www.chevrolet.com.ar

Ducati Diavel AMG Special Edition

Mini Coupé

Cuando aún no se ha cumplido el año desde la llegada de la Diavel a los concesionarios, Ducati ha anunciado una nueva versión de esta moto: la Diavel AMG Special Edition. Fruto de una colaboración que empezó hace un año entre la fábrica de motos italiana y la división deportiva (AMG) de Mercedes, la Diavel AMG está basada en la versión más exclusiva de la gama actual, la Diavel Carbon. Se destacan de este modelo sus llantas de 5 radios, salidas de aire en fibra de carbono y aluminio, y un escape deportivo que recuerda a las versiones AMG de Mercedes-Benz. + www.ducati.com

Pionera en el segmento de los coches pequeños, la firma Mini presentó al mundo su última invención: el Mini Coupé. Se trata de un biplaza que dejó la etapa de los bocetos para hacerse realidad. Entre sus principales atributos, se destacan su diseño deportivo, su poco despegue del piso, y la posibilidad de que cada usuario pueda personalizar sus colores para el exterior, elementos decorativos y diversas variantes de tapicerías y colores para el interior. El Mini Coupé saldrá con una amplia gama de motores, destacándose el de 122 CV, 184 CV y el más potente de 211 CV. + www.miniargentina.com | www.mini.com


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+ english summary Ferran Adrià The Reinvention of Cookery

Translated by: Lucrecia Bertani

Pages 60-64

The man who reinvented the culinary techniques and the experience of eating, and who also created and directed elBulli, the Best Restaurant of the World for four consecutive years, came to Argentina. The Catalan Ferran Adrià was in our country as part of a tour together with Telefónica, and he dazzled us with his inexhaustible creativity and energy. Excited about design, the Catalan chef relived his acceptance of the Lucky Strike Award 2006, granted by the Raymond Loewy Foundation, one of the most prestigious in design, also given to Philippe Starck, Donna Karan, Michael Ballhaus and Karl Lagerfeld. According to Adrià, cookery has definitely established itself as a new design discipline with this recognition. “It was essential that I could one day be together with these names. This is the acceptance of cooking as a creative cultural event.” In 2010, Adrià publicly announced that elBulli would remain shut down to the public during two whole years, although its doors would still be open as a research workshop. He also stated that in 2014 it would turn into a foundation devoted to encourage gastronomic creativity. Martín Azúa Supreme Resources

Pages 66-69

He came to Buenos Aires for the first time to be part of Inspiration Day. He is a nice and calm speaker as well as a conceptual thoughtful thinker. He always adds a conceptual and detailed set out to the projects he has been entrusted with and that he later transfers to the pieces he creates while constantly thinking of the idea that “Design is also useful to make questions to us”. His works are exhibited in museums such as Vitra Design Museum and the MoMA of New York. It is in this city where his Casa Básica, designed in 1999, stands: a metallic fabric that gets inflated with just the human body’s heat, becoming the smallest space to possibly live in. This work expresses and idea that keeps him awake: to live in austerity. His clients are as important as Vibia, Camper, Porcelanosa, Nanimarquina, Roca and the eccentric and best chef of the world, Ferran Adrià. He has been honored with different awards like the Ciudad de Barcelona (2000) and the AD distinction for the best Spanish designer (2010). “Let’s say we all have our imagination, but working with it in real things… that’s what design is about”. Olafur Eliasson I Perceive, You Perceive, We Perceive

Pages 70-73

He creates suns, rainbows and glaciers inside museums, and giant kaleidoscopes or waterfalls in urban sites. He exhibits his pieces in the most important museums, his works are part of the biggest art collections and his spectacular projects take part around the world. This year he is the guest of honor of the 17th edition of SESC_Videobrasil International Festival of Contemporary Art, which takes place in Sao Paulo until January 2012. Known for his installations that recreate immaterial objects and sensations such as wind, fog, dazzle or heat, Eliasson’s interventions awakes everyone’s interest, beyond the contemporary art circuits. He is constantly experimenting with different projects that require a growing direct contact of the art piece with its urban environment. Sacha Lakic Moving Design

Pages 74-76

Acclaimed as one of the most original contemporary designers, Sacha Lakic was in Buenos Aires to open Roche Bobois´ 3rd store in Puerto Madero. An aerodynamic sideboard, a dining room table made of lacquered glass, fiber and carbon, a sealike bed with integrated nightstands, or a chest of drawers

with shock absorber rails, are some of Lakic´s state-of-the-art works. Motorbikes, cars and airplanes are his main inspirations, the origin of his passion for design, the leitmotiv of his everyday energy. “I like my creations to be emotional. Thus, I put my own soul in the products I design,” he says with full engagement. United Unkown Conscious Art and Activism

Pages 78-80

A Greek ex butcher, an old employee at Macromedia, a biology doctor and a parapsychologue. They are United Unknown, a group of strangers that have plucked up their energies and resources to enrich social conscience through art. They create all kind of projects and actions with the only aim of shaking people’s minds and getting their adrenaline going. Narciso Rodriguez Ready to Wear

Pages 82-83

Net, elegant, and modern design that considers the woman’s body line and takes functionality as a main inspiration. Rodriguez has been shaping this from the very beginning, when in the 80’s he worked in design teams for Anne Klein and Calvin Klein. With over twenty years in fashion, Rodriguez is the heritage of the American style, and his collections are still chosen by women who do not seek to look so obviously simple. “I want to create clothes that are a reflection of today and that are optimistic about the future”. International Design Festival in Buenos Aires Pages 84-88 Celebrating (and Rethinking) Design From October 28th to the 30th, the International Design Festival in Buenos Aires, in its third edition, was presented as an opportunity to think about this discipline in a more conceptual and even philosophical way. Thus, under the altruistic theme “Come to think the city in which we want to live,” the gathering was proposed as a “meeting, conversation, dialogue and exchange, so that each neighbour could consider how design enhances his or her life.” During the three days of exhibition, the neighbours could draw, talk about fashion, ecology, corporate social responsibility, attend lectures, express themselves on clothes, and watch parades. For the professional audience, over five hundred participants enjoyed the conferences of Paula Zuccotti, from Seymourpowell (England), John Kayser and Analia Cervini of TotalTool (Argentina), Bryan Boyer of Sitra (Finland) and Chris Domina of IDEO, one of the stars of the show, being IDEO one of the most exclusive design firms and renowned all over the world. Regarding the direction that design should take today, Domina said that “The jump would go from designing an object to having a design thought, and what this can do about innovation. Using the tools and methodologies of traditional design to solve other problems”. Frankfurt Motor Show German Power

Pages 90-91

Classed as being the world’s biggest motor show, the German fair had its 64th Edition, of which around 900 exhibitors took part. Some of the novelties were BMW’s presentation of their future through the new i3 model, an electric car of four seats and 150 km of autonomy; and the i8 model, a sport hybrid. Both cars will be released into the market in 2014. Citroën showed Tubik, a MPV prototype with nine seats that seeks to preserve the level of features of a modern sedan. Ford amazed everyone with its new Evos Concept, a pluggable hybrid that allows drivers to interact with the environment (traffic conditions, weather forecast, social networks or work schedules.) London Design Festival Experimental Design: More than Products

Pages 92-93

Innovation and attitudes towards change took place in last edi-


english summary tion of 100% Design Fair, within the London Design Festival. The world of design is at a new stage of attraction for materials. Nowadays, beyond technical descriptions, new applications, new finishes and even new materials are being discussed. At the same time, contemporary design is recovering and emphasizing the value of the experimental work as well as of the finished product. There was a strong interest in prototypes as, apart from being an attractive object to the public, they reflect their creators´ potential and are essential when making production decisions. Absolut Art Gallery Catalyst for Creations

Pages 94-95

The last art project of Absolut, the Absolut Art Gallery, opened its doors in Buenos Aires, from September 9th to the 14th. Twelve emerging local artists shared their vision of the emblematic bottle of this well-known vodka. Liniers, Claudio Roncoli, María González Castillo, Augusto Zaquetti, Alexis Minkiewicz, Mariana Sarraute, Dani Lamarque, Dana Ferrari, Lucía Vera, Juanita Sánchez and Esteban Leiman were some of the artists involved. They all put into play all their creativity to create on the iconic Absolut bottle. Using Technology to Work (and Not the Opposite) Pages 96-97 This is the great paradox of digital technology: the same tool that enables us to establish with just a click a free conversation with audio and video with someone in any part of the world and that also allows us to gain access to an almost infinite amount of information about the most abstruse matters, is the same tool that seems to force us to work 24 hours a day, to constantly keep an eye on our emails, to answer chats no matter where we are, or to share things with other people in social networks. Some tips to turn around the situation are: to impose limits, to establish working hours, to define priorities, and to avoid as much as possible mental dissipation. Later, one should resort to measures such as the system that has been adopted by a great part of the digital world since 2005, which is known as GTD, Getting Things Done. The basics of GTD is to delegate (basically right down) certain unresolved tasks, and when they should be solved in order to unburden the mind and let it spend its energy in more productive things. Casa FOA A Classic Has Returned

Pages 98-103

This is an event of architecture, decoration, and landscaping who gathers the greatest number of visitors in the country. This time, the 28th edition of Casa FOA took place at the headquarters building of the CMD in Barracas, from September 9th to October 10th. A way for architects, decorators, designers and landscape artist to give back to the city all that it has given to them. This time, the honour was for factories, bridges and other southern buildings. “We want more people to get to know the southern part of the city,” said Inés Campos Malbrán, director of Casa FOA together with Mercedes Campos Malbrán de Guerrero, in order to reinforce the concept. London Fashion Week Fashion under an English Sky

Pages 106-107

From September 16th to the 21st, the British capital was the setting for one of the most expected fashion weeks. Six days of runway shows, showrooms, presentations, installations and videos. Five days devoted to women’s fashion and one to menswear. Among the most distinguished, Craig Lawrence’s proposal stood out, which included knit apparel combined with other textiles and prints, together with the collaboration of Swarovski. This was shown in the Portico Room, in the Somerset House sector, a much more intimate place than other runways, where one could really appreciate every detail closely.

Culture in Miami Booming Art

+ 145

Pages 108-111

Almost universally, Miami represents the beach, the sun, palm trees and shopping. However, many times during the year, the Greater Miami Convention & Visitors Bureau plans as a way of spreading, a cultural tour for international correspondents called “Express Yourself! The Art, Culture + Architecture of Miami”, to show the press that Miami offers an artistic scene of its own, many times not known by the majority of visitors. Four days overflowing with innovative hotels, dazzling theaters, expanding museums, entire neighborhoods wallpapered with art, and a great many of Cuban, Asian and Mexican food. The contemporary art collection and the Rubell Family Wynwood Art District stood out, which supports, calls, and exhibits legal graffiti artists displayed on the walls of this area of Miami. The Federation of Light

Pages 118-123

The Argentine designer Juan Manuel Brandazza surprised us with an installation-performance which started from the Florida headquarters of the Cultural Center of Spain in Buenos Aires that had a lot to do with parades and magic acts. Dressed in the Brandazza summer collection, the models or members of “The Federation of Light” -which were part of the procession-, reached San Martin Square, to delight the audience with a colorful yoga class. All this was accompanied by the music of DJs Charisma, Gary Rock & Ichd and within the first Inspiration Day. TRImarchiDG A Decade in Design

Pages 124-126

TRImarchiDG turned ten years old, and celebrated it with a new edition of its traditional international meeting, in which David Carson, Ian Anderson, Elliot Tupac, Jeremyville, Big Active, Dr. Alderete and Hojun, among others, were part of. Graphic design, illustration, music and colours tinged Mar del Plata during three days of pure creativity. Over 5000 designers, multiple conferences, workshops, exhibitions and special guests were the main ingredients of the celebration. Frank Memelsdorff Pages 128-132 “In Design I Do Everything except Designing” One of the most interesting design creators we had had in Argentina and outside as well. As a young engineer, he worked as secretary cofounder of the CIDI, Center for Research in Industrial Design, responsible for awarding the label of Good Design, which enabled the creation of an authentication system with mentions and awards for quality and design of local industrial products, including the outstanding company Siam Di Tella. Then, Frank was responsible for the industrial design area of this company, designing or redesigning models of refrigerators, washing machines, irons and fans. He also led Agens, an advertising agency that horizontally integrated industrial and graphic design together with advertising, in a single corporate speech. In Barcelona, he created R&M, Rolando & Memelsdorff, a media company that accompanied the thriving growth of corporate enterprises of the Iberian country. Since his return to Buenos Aires in 2007, he is fellow and benefactor in the INTI, and consultant for different institutions. While he is 82 years old, his energy shows that his greatest virtue is to learn and share the teaching that life gives to him daily. Photographic portfolio Alejandra Urresti

Pages 135-139

She studied architecture at the University of Buenos Aires. She was part of training workshops with Alejandro Kuropatwa, Martin Weber and Dino Bruzzone, among others. She individually exposed at the Régional Centre D’Art Contemporain, the Ernesto Catena Gallery of Contemporary Photography and the Centro Cultural Ricardo Rojas. She achieves images of the highest resolution with great visual impact, through enigmatic compositions. +


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La cortesía del verdugo Así se denomina el largometraje en Full HD de 113 minutos, producido y dirigido por Fabián Díaz, en Pergamino, Provincia de Buenos Aires, en 2011. El relato habla de seres inacabados, de su deseo de completarse y de lo que están dispuestos a hacer para llevarlo a cabo. También habla de la percepción. El tono emula el viejo estilo de la escuela americana -el tiempo empuja los hechos y el montaje-, pero también, el experimental. Participaron del film: Diego Ensinck, Ramiro García Laplaza, Marcelo Saltal y Verónica Mc Loughlin (actuación), Cristian Ferreira da Cámara (dir. de fotografía), Mariano Abrate y Fabián Díaz (música), Fabián Díaz y Fernando Balsa (montaje), Ernesto Figge y Gastón Álvarez (sonido directo), Fernando Balsa y Fabián Díaz (postproducción de sonido), Jeremías Lentini (maquillaje y efectos especiales). En la búsqueda de exhibirlo en algún festival afín a su naturaleza independiente, puede verse un adelanto tanto en YouTube como en Vimeo: http://www.youtube.com/watch?v=FprqGK5uU7U&feature=share http://vimeo.com/30201570 +



Revista 90+10 #35