Issuu on Google+

ENERO 2013. NÚMERO 1 GRATUITO

HAVALINA

DE ‘JUNIO’ A ‘H’. ANÁLISIS DE SUS CUATRO ÚLTIMOS ÁLBUMES Y ENTREVISTA

ADEMÁS: MUJERES.MARINA GALLARDO. WILHEM & THE DANCING ANIMALS. LE PARODY. JULIO RUIZ. MVNICH. ‘INDEPENDIENTES’


www.jmgrimaldi.com

FOTOGRAFÍA DE J.M.GRIMALDI

ENERO 2013

MUJERES////////////////////////////////////// HAVALINA///////////////////////////////////// MARINA GALLARDO///////////////////////// WHILHELM & THE DANCING ANIMALS//// LE PARODY/////////////////////////////////// MVNICH////////////////////////////////////// INDEPENDIENTES/////////////////////////// JULIO RUIZ///////////////////////////////////

Síguenos en: facebook /gatosfuzz.trece twitter @TreceGatosFuzz issuu /13gatosfuzz


REBELDES CON CLASE UNA ENTREVISTA DE EMILIO J. SÁNCHEZ

FOTOGRAFÍAS DE LOU LE GUILLOUX


Para hacer rock and roll de tanta intensidad a golpe de guitarra limpia, hay que partir de varios elementos básicos: tener actitud, ser un auténtico salvaje con clase, y tenerlos cuadrados. Y de eso, precisamente, es de lo que rebosa ‘Soft Gems’. Garage, rock and roll, punk y actitud, con canciones que nos llevan a escenarios de rebeldía en blanco y negro, y surf bajo el destartalado colorido del Super 8. En esencia, un disco tan cinematográfico como imprescindible.


Hay bandas cuya actitud desborda de tal manera los surcos de un vinilo que, como una patada en la boca, ofrecen algo que trasciende de por sí a la propia música. Mujeres tiene esa actitud, esa capacidad para hacer mover los pies, y sobretodo derrocha personalidad. Es cierto, el encasillamiento en un género como el garage, o el surf, puede ser lo más asequible, lo más rápido; pero ellos ofrecen eso y mucho más, y quizá precisamente se han esforzado en eso mismo cuando grabaron ‘Soft Gems’, su segundo LP. A diferencia de su primer album, también se enfrentan con desparpajo a medios tiempos. Y lo hacen sin despeinarse, manteniendo el tipo y, una vez más, la actitud.

tan siquiera, para sonar insolentemente macarras.

Sí, definitivamente Mujeres suenan como lo harían cuatro tíos de malas intenciones, con la suficiente chulería como para no necesitar ni una pizca de distorsión ni overdrive en sus guitarras, ni una pizca

De eso y de algo más charlamos con Yago Alcover, guitarra y voz de Mujeres...

Así pues, nos sobraban razones para perseguirles con la intención de que aparecieran en este magazine. Y con una ventaja: dado que hace meses que publicaron su último album, ahora podemos charlar con un poco de perspectiva de lo que ha pasado el último año; de sus giras por Europa y Estados Unidos. De la atención mediática que han recibido fuera de nuestras fronteras, que les han agasajado con alabanzas por su sonido fresco y original, y la atención mediática de aquí, que les ha coronado como reyes del underground de la costa este nacional...

13GATOS: Durante este 2012, según he leido aquí y allá crónicas y críticas de vuestros


conciertos y disco, respectivamente, se me ha quedado una duda extraña en la cabeza. Una cierta contradicción. Mientras que ciertos medios tiraban de la comparación con ‘The Black Lips’ y os enconsertaban con el surf-garage más facilón, fuera de España han alabado vuestra aproximación original y personal, muy madura, al estilo. A pesar de que algunos os consideran casi banda de culto en vuestra tierra, ¿creéis que quizá no han profundidado demasiado en vuestras raíces? ¿O quizá se debe a que en España es un estilo que no ha gozado de demasiadas bandas, o demasiada popularidad? YAGO ALCOVER: Es una buena pregunta, seguramente llevábamos bastante tiempo esperándola... Desde el comienzo de todo, en la inocencia que nos rodeaba respecto a las declaraciones y al uso que se da de ellas con tanta ligereza, siempre hablamos de nuestras referencias. Si vamos atrás en el tiempo, os daréis cuenta de que toda esa escena que nos entusiasmó tanto era

prácticamente desconocida en España, por lo menos dentro del mundo indie, y no sólo eso si no que, como suele pasar, trascendió por las cuatro referencias que han podido verse en los macrofestivales. Hay mucho más allí, y el nu-garage y el ahora nu-psychedelia americano ha dado cientos de zancadas a parte de los Black Lips y el impecable catálogo de In The Red. No creo que se pueda exigir una lectura más o menos profunda sobre nuestra música pero sí puedo darte completamente la razón en lo que propones respecto al exterior. En USA, Bélgica, Italia, o Inglaterra, la mirada a nuestra música no ha sido bajo ningun prisma sino yendo de frente a la propuesta. No lo sé tanto por los artículos como por la impresión y el recibimiento del público. Hay una sensación musical distinta, verdaderamente cultural y con una vida propia y extendida incluso generacionalmente.


En casa la verdad que tampoco nos podemos quejar, pues desde el comienzo se nos dio la oportunidad, y hemos trabajado duro para no bajar el listón jamás. Respecto a la cultura y popularidad del estilo pues qué decir... hacemos lo que queremos y obviamente se trata de música física con aires nostálgicos. La nostalgia puede tener más fuerza incluso que el espíritu original. Lo que me parece más triste es la forma en que la gente parece necesitar pautas o guías, lugares comunes para comprender el mundo a toda prisa. Es fundamental detenerse de vez en cuando. 13 GATOS: ‘Soft Gems’ sigue yendo a una velocidad increíble, obligando hasta al más cool antibailarín a mover el pie siguiendo el ritmo. Sin embargo, en temas como ‘Ride a River’ y, especialmente, con la deliciosa ‘I’m Over With You’ habéis bajado un poco la intensidad, a unos medios tiempos más relajados. ¿Es algo preconcebido? ¿Necesidad de darle más aire y variedad al disco? YAGO ALCOVER: Absolutamente. Es difícil hablar de este disco sin referirse al primero y al proceso entre ambos. Con el tiempo el primer álbum nos pareció lineal. Es un disco que recopila todos los temas hechos hasta el momento y con una producción contudente pero de estética poco personal. El segundo

el crecimiento como banda. No sólo para componer sino sobretodo para concebir el concepto del disco, del sonido. Se dice constantemente que somos una banda de garage. Sin embargo no creo que ‘I’m Over With You’ o ‘Soft Gems pt. 2’ sean temas garage, ni tan sólo ‘Seattle Waves’ o hasta ‘Soft Gems pt. 1’, que por cierto no me parece ni retro.

‘...Quisimos volver al rock primitivo, a ese impulso irrefrenable. ...’ Entendemos nuestra música como una energía y actitud con vistas a cierta sonoridad y al retorno del cuarteto pop de canción corta. Ahí, entran muchas posibilidades y en consecuencia, el abanico que propone el álbum sin dejar de lado el ritmo. 13 GATOS: Ésta es una de esas preguntas que pueden gustar, o pueden ser relativamente absurdas. ¿Qué hay de garage en vuestra música, y qué de actitud punk, en el sentido de hacerlo por la vía difícil, es decir, con guitarras sonando cristalinas?

‘...Lo que me parece más triste es la forma en que la gente parece necesitar pautas o guías, lugares comunes para comprender el mundo a toda prisa. Es fundamental detenerse de vez en cuando.’

YAGO ALCOVER: No estoy seguro de cómo definiría el garage. Una de las conclusiones que más me convencen es la del amateurismo. La de generar la música desde la pasión y el impulso irrefrenable. Sin ambiciones, con alegría. Sobretodo, sin talento ni profesionalismo. El punk es nuestra adolescencia, lo que define nuestro puñetazo en la mesa. Nuestras primeras decisiones. Aquello que cuando nosotros cuatro abandonemos nos convierta en cuatro viejos.

disco propone un cambio desde el momento en que se prepara a conciencia, como proyecto que puliremos los cuatro con ese objetivo. Hay que añadir ahí el otro factor,

Lo del sonido limpio tiene que ver sobretodo con lo que decía antes de la estética del sonido. Quisimos volver al rock primitivo, a ese impulso irrefrenable. Con el


EL CONCEPTO DE ‘MUJERES’ COMO CUBATA SOBRECARGADO. iempo te vas sofisticando con el sonido y su funcionamiento pero es esencial conservar la distancia para ver qué es lo más adecuado para los principios de la banda. 13GATOS: Este 2012 os habéis ido a tocar por Europa e incluso al otro lado del charco, y en todos los casos las críticas han sido excepcionales. ¿Cómo podríais resumir las experiencias fuera de nuestras fronteras? ¿Ha habido algo en común en la forma en que os han recibido, ha habido algunas fechas especialmente importantes que no se os van a borrar de la cabeza? YAGO ALCOVER: Como ya dije antes, salir ha sido increíble. Poder viajar y experimentar esas cosas es lo mejor sin duda que nos ha dado la banda. Creo que el momento que todos reservamos en nuestros corazones es todo el transcurso del Sxsw del año pasado. Fue increíble vernos integrados de lleno en la escena garage americana y tener que pelear para defender la propuesta en bolos de 20-25 minutos. El showcase de Get Bent, el de Hardly Art y el de Cmrtyz, lo que más destacaría.

13GATOS: Me encantó ver en un medio británico vuestra explicación de qué cabía esperar de una banda como vosotros, y hacerlo gráficamente con el dibujo de un cubata, e indicar que eso mismo más un extra de alcohol que no cabe en el vaso es Mujeres. ¡Luego es normal que os ganéis fama de gamberros! ¿Podéis repetir el fundamento científico, para así aclarar la duda a nuestros escasos lectores? YAGO ALCOVER: Por supuesto. La idea es que somos como un cubata sobrecargado de alcohol. En esta situación el exceso de alcohol, en vez de derramarse, se eleva por encima del vaso, queda suspendido, flota de una forma extraña rompiendo cualquier ley de la física. Es algo mágico, es cuestión de fe. Es el cubata más cargado del Universo. 13GATOS: Esta pregunta debería ir unida a la primera, pero por no ser pesado con la clásica pregunta, las influencias, la he dejado con cierta maldad para casi el final. ¿Podríais citar tres bandas de antaño que os gusten especialmente, y os hayan podido influenciar y, además, otras temas contemporáneas? Al


hilo de lo anterior, he observado alusiones a bandas como Suicide, que me han sorprendido. Antiguas podríamos citar a Herman’s Hermits vocalmente, a la Velvet por su crudeza y a Los Saicos por actitud. Nuevas a Thee Oh Sees por ser el mejor grupo de directo del momento, a Mikal Cronin por su composición y su forma de estallar y a los Beets por su forma inhumana de trabajar con la austeridad. La música es algo enorme y en la era que vivimos renovar las referencias es fundamental. Como punto de partida es clave y ayuda a la banda a abrir camino. Suicide fue un apoyo clave para el tema que abre el album. 13GATOS: Desde vuestra primera demo, grabada con un solo micro en medio de local, hasta el presente se mantiene al menos una sensación: la de sonar como en un directo, que es la forma más natural de reflejar vuestro sonido. ¿’Soft Gems’ fue grabado con toda la banda sonando al mismo tiempo, en directo, o sencillamente habéis querido buscar ese sonido, aunque lo grabarais por separado, de una manera más ‘convencional’? ¿Hubo una razón especial para trasladar el estudio al campo, y alejarse de la ciudad? YAGO ALCOVER: Siempre grabamos en directo precisamente para mantener esa energía. Es un proceso que nos fuerza tambien a tener que elaborar los temas como algo que empieza y termina en el local. Es decir, la canción nace y muere creandose como algo reproducible por los cuatro en directo. Hacemos overdubs pero poquísimos y sobretodo para mejorar acabados en el disco. Pero la nuestra es una propuesta esencialmente de directo. Puedes oir los discos pero es música de escenario. La casa de campo permitió tener más tiempo y poder hacer el sonido más propio.

Con nuestro material y pudiendo dar vueltas a los temas o incluso cerrándolos o creándolos durante el proceso de grabación. Quisimos tener el máximo control posible y de ahí que exigimos cosas que nos llevaran a salir de un estudio, sus horarios y de la sonoridad de un productor. 13GATOS: ¿Qué versiones soléis tocar en directo? Creo que uno de los temas con los que habéis coqueteado es ‘Run Run Run’ de la Velvet. YAGO ALCOVER: Efectivamente. Hacemos ese tema de la Velvet y también temas de los Saicos como ‘Come’On’ y ‘Demolición’. También versionamos a veces a Jonathan Richman y a los Beatles, y últimamente tocamos una canción de nuestros adorados Kokoshca.

‘...siempre grabamos en directo para mantener esa energía...’ 13GATOS: Desde que ‘Soft Gems’ salió al mercado, han pasado unos meses. ¿Hay ya temas nuevos sonando en el local de ensayo? Evidentemente, con lo difícil que está el marcado, será difícil tener album nuevo de Mujeres durante el 2013, ¿verdad? Después del éxito, cosechado concierto a concierto, paso a paso, y con mucho esfuerzo, durante este 2012, ¿sentís una pizca de presión pensando en la próxima visita el estudio? YAGO ALCOVER: Estamos girando y cuesta ser constantes con los ensayos. Eso dificulta la tarea pero sí, a principios de 2013 sacaremos un EP con cuatro temas originales y seguiremos componiendo. No hemos hablado aún de nuevo disco porque creo que aún le queda vida a ‘Soft Gems’ pero sí que con tan sólo pensarlo viene unas ganas tremendas de ponerse a ello. n


‘Soft Gems’ Actitud, eso es lo que se esconde detrás de este album. Sí, lo he repetido hasta la saciedad, pero no me cansaría de repetirlo al hablar de ‘Soft Gems’. Actitud, y sudor; porque se trata de un disco con una intensidad que tira de espaldas, y eso que, a diferencia de su anterior elepé, podemos relajarnos con algún tema de menos intensidad... Sí, intensidad. Quizá sea ésa la tercera palabra para describir lo que hay en este album. Como digo, la diferencia con su album de debut, es que existe una mayor diferencia de intensidad entre unos temas y otros. El disco no va a piñón fijo, a velocidad de vértigo de principio a fin. Podemos diferenciar temas como ‘Soft Gems pt.1’, que abre el album a una velocidad realmente salvaje; pero por otro lado, nos encontramos con el contraste de ‘Ride a River’, mucho más atemperada, y el punto de rock más adolescente de los 50, con temas como ‘I’m Over With You’. Y precisamente esa varidad de tempos, esa variedad en la paleta sonora que exhiben Mujeres es lo que hace que este disco suene más redondo. Y, desde luego, mucho más único y reluciente en aras de consolidar un estilo propio. Porque, por mucho que la

etiqueta fácil esté ahí, en este ‘Soft Gems’ Mujeres se las ha apañado para darle toda una vuelta de tuerca al manido surf y garage. Esto es rock and roll, en su esencia más primigenia, sin escondites, disfraces ni florituras. Un atajo al pasado, pero sin ñoñerías ni intención alguna de sonar retro. Pero, será quizá por la cinefilia de sus protagonistas, que este album esté tan cargado de tintes cinematográficos. O al menos eso me dicen mis orejas. ‘Ride a River’, que ya citaba antes, o ‘Salvaje’, suenan realmente en blanco y negro; como si se tratase de un western que John Ford hubiera rodado con Link Wray de protagonista. En otras ocasiones, veo colores más desgastados y sesenteros en temas como ‘Far Away’, pero no me atrevería a decir que se trata de revival. Hay en cada tema, de una forma u otra, a veces más o menos sutil, una sensación que me obliga a huir del encasillamiento. Suenan únicos, de veras. Y ya que estaba hablando de ‘Far Away’, trazo un puente al tema con el que enlaza en el album, ‘How I Am’, para comentar otro de los aspectos que más me ha gustado del elepé: el trabajado juego de voces,


muchísimo más juguetón que en anteriores entregas. Aportan un toque melódico unas veces, y en otras es puro gamberrismo. Ahí es donde, quizá, está la actitud punk, la más salvaje. En los coros, y en las guitarras, que a pesar de sonar tan afiladas y cristalinas, son insolentemente macarras. Y en temas como ‘Seattle Waves’, cortan como un viejo cuchillo oxidado, hirientes pero precisas. En esencia, y para los amantes de las etiquetas: se trata de un disco de garage, pero en el sentido más puro, el de aquellos jóvenes estadounidenses educados con el blues, pero con la elegancia del rhythm & blues británico, limpio y bien peinado. Pero eso sí, no se te ocurra cruzar una palabra clave del garage como es el amauterismo en el vocabulario de Mujeres; porque, por si quedaba alguna duda a estas alturas, es la banda que ha firmado uno de los discos más impecables del 2012. n

http://www.facebook.com/mujerestheband http://mujeres.bandcamp.com/


Havalina CERRANDO EL CÍRCULO Desde que la banda madrileña cambió su lengua materna por el castellano, no ha hecho sino encadenar un album perfecto tras otro. Aunque ‘Junio’ fue la carta de presentación de una banda madura en busca de un sonido propio, fue ‘Imperfección’ el disco que agasajó de excelentes críticas a Havalina. Tras publicar en 2012 ‘h’, una reafirmación de su propia identidad musical, a medio camino entre el stoner y la suavidad de las melodías susurradas, la banda parece encaminada a sellar una carrera en innegable ascenso. Repasamos la discografía de la banda, y nos entrevistamos con Manuel Cabezalí para brindar homenaje a una banda en plena consolidación.

UNA ENTREVISTA DE J. SICKSEVEN


Más 10 años de Havalina, toda una década de equilibrios en el panorama musical. Casi un milagro, sobretodo si tenemos en cuenta que el grupo no consiguió algo de notoriedad hasta publicar ‘Junio’ allá por el 2008. Pero si de algo pueden presumir los de Manuel Cabezalí es de constancia, cabezonería y perseverancia, lo cual ha acabado por dejarles disfrutar del enorme hueco que les corresponde en la escena indie nacional. Si tuviéramos que realizar un resumen rápido de la trayectoria de la banda, tendríamos que trazar una línea alrededor del 2007. Hasta ese momento, el grupo respondía al nombre de ‘Havalina Blu’, y como diferencia principal con lo que vendría después, utilizaban el inglés a la hora de componer. Havalina Blu nació de los rescoldos de Sugar Kane, y contaba con Cabezalí y Charlie Bautista como principales estandartes de la formación. Grabaron tres albumes, ‘Uncolored Songs’ (2003), ‘From

Bed to Bed’ (2005) y ‘A Woman or Two’, publicado en 2006. Los tres discos ya muestran a una banda ambiciosa, que crece progresivamente desde un primer LP autoeditado y grabado con sus propios medios, al tercero, que contaba con el respaldo de Junk Records; de una modesta presentación en la Sala Siroco de Madrid, a las 400 personas que asisten a la presentación de ‘From Bed to Bed’ en la Galileo Galilei. Aunque la repercusión es, en todo caso, escasa, consiguen cosechar muy buenas críticas de sus dos últimos trabajos.

‘... si de algo pueden presumir los de Manuel Cabezalí es de constancia, cabezonería y perseverancia...’ Pero, al mismo tiempo, Havalina Blu, y en especial Manuel Cabezalí, comienza a reputarse una buena fama como músicos


de apoyo, acompañando a gente como Cristina Rosenvige. De hecho, Cabezalí sigue en la actualidad colaborando con músicos de la talla de Alex Ferreira o Russian Red.

FOTOGRAFÍA DE DAWIDH AUGUSTO

Y llega el año 2007, y se produce el momento clave que lo cambiaría todo. El momento en que Havalina Blu se extingue, y da paso a una nueva formación, con un nuevo sonido y un cambio aún más extremo: cambiar el inglés por el castellano. Pero no nos precipitemos, porque antes hemos de señalar un par de detalles: primero, que Charlie Bautista abandona el grupo; y los miembros restantes, deciden no sustituirle, sino funcionar como trío. Y lo segundo, que por aquel entonces no sólo tenemos a Manuel Cabezalí en la banda, sino también a Javier Couceiro en la batería, y Nahúm García, que continuaría hasta Imperfección. Por tanto, el primer paso hacia lo que hoy conocemos cono Havalina estaba dado. El siguiente era lógico: simplicar el nombre del grupo.

La ruptura con los últimos seis años de su carrera tiene otra consencuencia inmediata: Junk decide dar la carta de libertad a la banda, que encuentra rápido hogar bajo el auspicio de un nuevo sello, ‘Estoescasa!’.

‘Junio fue mucho más que el cuarto album de estudio de unos Havalina Blu reciclados’ Sin tiempo que perder, durante ese mismo 2007, Havalina comienza a grabar Junio, que supondría la constatación de todos los cambios experimentados. Sin embargo, Junio fue mucho más que el cuarto album de estudio de unos Havalina Blu reciclados, o adaptados a los equilibrios necesarios que la supervivencia les impuso. Junio plasma el advenimiento de un nuevo grupo, en todos los sentidos. No sólo por el cambio en el idioma, si tan siquiera por el recién estrenado formato en trío, sino por el asentamiento de una base sonora que rompe


decididamente con todo lo anterior. Así es, la experiencia anterior, los años y escenarios recorridos, permiten a Havalina redescubrirse y firmar un disco impecable, en el que ya se aprecia el germen de un sonido propio, personal. Para muchos, entre los que me incluyo, Junio no tiene ningún elemento continuista, sino que es, en toda regla, un album de debut; el primero de Havalina, tal y como los conocemos hoy en día. Ahora bien, la ruptura que supone Junio, y que representa a la postre una arriesgada apuesta para la banda, no asienta aún de forma definitiva el sonido que está por llegar. Sin duda, es el tema que da título al album, ‘Junio’, el que mejor representa, con el paso del tiempo, la dirección que irremediablemente seguiría Havalina: riffs de guitarra muy pesados, pero sin renunciar a un envidiable contenido melódico, y una innegable sensibilidad sonora impregnando estribillos que, como mínimo, podrían tacharse de memorables. Pero junto a Junio, también encontramos cortes más amables, como ‘A Golpe de Bisturí’, ‘Noches sin dormir’ o un tema tan cargado de vulnerabilidad como es ‘Siewerdt’. El album es bien tratado por la crítica, sin gozar en todo caso de una gran atención de los medios. ‘Noches sin Dormir’ se convierte en single, y es pinchado en numerosas emisoras independientes, e incluso disfruta de algún coqueteo con radios más cercanas al mainstream. Sin embargo, no todo serían buenas noticias. Durante la gira promocional, Havalina se enfrenta a uno de sus momentos más difíciles como banda, cuando en un concierto en Galicia no aparece prácticamente nadie. El propio Manuel Cabezalí nos lo cuenta: “No vino nadie, de hecho. Y fue muy duro, sí; creo que el


momento más duro de la historia de la banda. No sólo por ese concierto en concreto, sino por el momento en general que estábamos viviendo. Entonces éramos bastante más jóvenes que ahora; habíamos trabajado mucho para sacar ‘Junio’ adelante - y habíamos pasado por bastantes penurias para conseguirlo- y de alguna manera pensábamos que nos merecíamos más de lo que teníamos. Por eso situaciones como la de aquel concierto eran tan duras. Lo cierto es que después de todo eso salimos más unidos que nunca, y compusimos algunas de nuestras mejores canciones de la época (‘Imperfección’, ‘Desinspiración’, ‘Sueños de Esquimal’...) y aprendimos que ser ambicioso no conduce a nada. Además, con el paso de los años otra cosa que yo personalmente he aprendido es que todo el mundo tiene lo que se merece, ni más ni menos.” Haciendo gala de una creativa maquinaria, Havalina no para de componer durante la gira de presentación de Junio. Así, en el transcurso del 2008, tienen compuesto ya el que será su próximo album. Y, nuevamente, la banda muestra su carácter, su honestidad,

y su desgana a la hora de hacer concesiones al mainstream, o a repetir fórmula. A pesar de que ‘Noches sin dormir’ y su elegante sonido pop han recibido una buena aceptación, los nuevos temas vuelven a romper con todo. Nos acercamos a la época de ‘Imperfección’, el LP que cambiaría para siempre la trayectoria de Havalina.

‘... de alguna manera pensábamos que nos merecíamos más de lo que teníamos.’ De forma irónica, o quizá como contraste con lo que estaba por venir, la primera demo de los temas que compondrían ‘Imperfección’ son completados durante un mes de Junio de 2008. Las primeras reacciones son contradictorias. El nuevo material quizá dista demasiado de lo que un cierto y lógico conformismo recomendarían, y el sonido se oscurece y recrudece de forma más que evidente. El trío, casi improvisado hace poco más de un año, da un salto meteórico en su


evolución como banda, y consigue perfilar un sonido que a otros grupos les habría costado un par de albumes más. Pero aunque lo más difícil, componer los temas, ya está hecho, queda la parte siempre compleja a nivel económico: grabar. El, digámoslo así, segundo album de estudio de Havalina, parte de una base muy diferente respecto al anterior. La relación contractual con Estoescasa! se acerca a su fin, y el presupuesto es realmente bajo, por no decir inexistente. En un ejercicio, una vez más, de puro equilibrismo, la grabación se inicia avalada por la mayor independencia y autonomía posibles. La producción corre a cargo de la propia banda, decisión de lo más inteligente que facilita y mucho la tarea de sonar como sólo ellos saben, reduciendo la tarea de explicar a otra persona sonidos que ya tienen en la cabeza. La grabación se deja en gran medida en manos de Manuel Cabezalí, que cuenta con una más que

contrastada experiencia como técnico de sonido; así, aunque las baterías se graban de nuevo en el mismo estudio donde se gestó ‘Junio’, el resto del material se registra en el local de ensayo del grupo, e incluso en el propio dormitorio de Cabezalí, que también se hace cargo de la mezcla final. Como en más de una ocasión ha explicado la propia banda, el modo en que se grabó ‘Imperfección’ les mostró una nueva forma de hacer las cosas, donde el tiempo que se dedica a cada tema no depende de cuestiones de presupuesto; y lo mismo se aplica a la mezcla, que se deja reposar en el ordenador de Manuel Cabezalí el tiempo que resulta necesario hasta alcanzar el resultado perfecto. El diseño del album también corre a cargo de la banda. Con fotografías de Nahúm García, entonces bajista de Havalina, adquiere el toque final de contraste y


FOTOGRAFÍA DE J.M.GRIMALDI www.jmgrimaldi.com


oscuridad respecto al colorista ‘Junio’. Al hablar con Manuel Cabezalí sobre si todas estas decisiones de autogestión eran relativas a una falta de presupuesto de la banda, o un gesto para reafirmar su independencia ante la vorágine del propio mercado musical, su respuesta es clara:

Tras salir de Estoescasa! y fichar por Origami Records, sello con el que aún hoy en día siguen trabajando, ‘Imperfección’ ve la luz en 2009. Es entonces cuando Nahúm García abandona la banda, dejando paso a Ignacio Celma, actual bajista de la banda. Por tanto, nos encontramos ya con la formación

“Más bien lo segundo. Claro está, no teníamos presupuesto real para hacer nada más, pero éso era lo que queríamos hacer. Teníamos muy claro que tenía que ser yo el que produjera el álbum, porque había una manera muy concreta de sonar que nos gustaba y que yo sabía hacer. Es difícil explicarle a un técnico de sonido o productor cómo quieres sonar y no marearle la cabeza demasiado, cuando tú lo tienes muy claro. En esos casos, en lugar de darle la tabarra a nadie lo mejor es ponerte tú a los mandos y saber cómo se siente.”

‘Teníamos muy claro que tenía que ser yo el que produjera el álbum, porque había una manera muy concreta de sonar que nos gustaba y que yo sabía hacer.’ definitiva de Havalina, tal y como la conocemos hoy en día.


¿Y cómo suena el segundo album? Como el perfecto contraste con lo que había hecho el grupo anteriormente. ‘Imperfección’ suena denso, oscuro y con poderosos matices en blanco y negro. La voz de Cabezalí encuentra su propio sitio en el sonido de la banda, y respecto a su propio matices, entremezclándose en ocasiones como un instrumento más. Las guitarras suenan increíblemente sucias, con una contundencia que, a pesar de todo, no desplaza la carga más melódica que define el sonido del grupo como tal. Las letras muestran un carácter más maduro, a veces cargadas de un irrefrenable erotismo, en otras tan opresivas como dulces. ‘Imperfección’ está teñido en cada surco por una de las que, a partir de ahora, serán la constante del trabajo de Havalina: el contraste. El album, que en un principio muestra un sonido tan salvaje, sucio y áspero que

parece ser un suicidio comercial respecto a su anterior trabajo, comienza a funcionar rápida e inexorablemente bajo el halo de la mejor publicidad: el boca-oreja, si se me permite decirlo así. Y cuando un album sin demasiada publicidad empieza a caminar, sin detenerse, paso a paso, es prácticamente imparable. El momento más dulce del año tiene lugar en la Sala Sol, que registra un lleno absoluto. Havalina presenta de forma oficial su nuevo album, con un público que lleva al grupo en volandas. ‘Incursiones’ se erige como el himno más coreado de ‘Imperfección’, grabándose de hecho un videoclip del tema. El éxito, sin ser masivo, empieza a acompañar a la banda. Su presencia en los medios se hace más que evidente, las críticas del album son excelentes, y comienzan a forjarse fama de grupo difícilmente clasificable. El reconocimiento es tal que,


durante el año siguiente, son nominados en Los Premios de la Música, como mejor banda de rock alternativo. A pesar de que la gira de ‘Imperfección’ les hará recorrer gran parte de la geografía nacional, la banda se las apaña para gestar la composición de un nuevo album. Durante el 2010 se anuncia que Havalina entrará de nuevo en estudio, para grabar ‘Las Hojas Secas’. Aunque el éxito que ha cosechado el grupo no es masivo, su posición en el panorama indie es envidiable, y cada concierto significa un puñado más de fieles a su haber. La grabación de ‘Las Hojas Secas’ tendrá lugar en los estudios El Lado Izquierdo, donde suele trabajar Manuel Cabezalí, y contará a los mandos con su socio y amigo Dani Richter. Aunque pudiera parecer que la banda abandona la línea de trabajo iniciada con ‘Imperfección’, nada más lejos de la realidad. Con excepción del local de ensayo, quizá sean estos estudios el lugar más parecido a la ‘casa’ de Havalina: ‘El lugar donde uno graba es muy importante. No solamente el lugar, sino también el ambiente de trabajo, la profesionalidad y la sensación de que todo es fácil. En ese sentido, como bien dices, El Lado Izquierdo es como una segunda casa, en la que además hay una persona maravillosa, Dani Richter, que también resulta ser un maravilloso ingeniero de grabación. Es por eso que trabajamos ahí. Nos gusta hacer las cosas a nuestra manera y “en familia”.’ El sonido de ‘Las Hojas Secas’ es una lógica evolución desde ‘Imperfección’, si bien la apuesta sonora se radicaliza. El sonido es aún más potente, potenciándose las aventuras instrumentales de la banda, y existe una pesadumbre general empañando cada corte del disco. Quizá en el tema inicial,

‘Desierto’, es donde se destapa de forma más cruda la intensidad, casi agobiante, que se presenta en ‘Las Hojas Secas’. Al mismo tiempo, hay una mayor sensación de espacio, de amplitud, como si abandonáramos el dormitorio que sirve de portada en ‘Imperfección’, para sentirnos en el inescrutable y desasosegado vacío desértico que adorna la carátula de este album. En todo caso, hay una cadencia más constante en el hilo conductor del disco, no hay tanta explosividad o visceralidad como en el anterior, pero lejos de ser algo negativo, se convierte en todo un signo de asentamiento, tanto en la composición como en la forma de trabajar. Incluso manteniendo los contrastes que caracterizan a la banda, ‘Las Hojas Secas’ suena realmente homogéneo.

‘Nos gusta hacer las cosas a nuestra manera y en “familia”...’ El lanzamiento del disco, a diferencia de los anteriores, tiene una fecha marcada en el calendario del público y de los medios musicales. Por primera vez, la banda ha trabajado con una cierta presión, y con unas ciertas expectativas acerca del rumbo que tomará Havalina con su nuevo trabajo. A pesar de que ‘Las Hojas Secas’ es uno de esos albumes que requiere de varias escuchas, la crítica se deshace en elogios. Los seguidores que el grupo ha ido acumulando poco a poco quizá tarden algo más en apreciar, en su justa medida, la complejidad sonora del disco, pero las presentaciones en directo no dejan dudas a nadie. Havalina se ha vuelto a sacar de la manga una nueva joya, un disco completo sin puntos débiles, rico en matices y, una vez más, sin conformarse con nada, sin repetir fórmula. Con el disco disponible desde el mes de octubre, el grupo se lanza los siguientes


FOTOGRAFÍA DE DAWIDH AUGUSTO


FOTOGRAFÍA DE NGORO PHOTO meses, especialmente durante el 2011, a iniciar de nuevo una extensa gira por todo el territorio nacional. La maquinaria de Havalina funciona como un auténtico rodillo, y la forma en que ha encajado Ignacio Celma convierten a la banda en un mecanismo bien engrasado, de funcionamiento perfecto, y que no parece sufrir el agotamiento de un imparable calendario, plagado hasta la extenuación de conciertos. Y de entre todas las fechas que plagan la gira, debemos destacar tres noches. Tres actuaciones maratonianas, donde la banda se rinde a sí misma un homenaje por su década en la escena, pero también una forma de agradecer a la afición el punto al que habían sido encumbrados. Así, Havalina volvió a la sala donde dieron su primer concierto, la Siroco, y durante tres noches seguidas repasaron, íntegro, su repertorio: cada noche, un album. Junio, Imperfección, Las Hojas Secas, y bises que incluían temas de la

época de Havalina Blu, o joyas como Dream Brother de Jeff Buckley, o Iron Man de Black Sabbath, además de adelantar varios temas de su siguiente album, que ya estaba en pleno proceso de composición. El ritmo frenético no paraba. En la última de las tres noches, y a traición, Ignacio Celma da una sorpresa a sus dos compañeros en medio del concierto. En secreto, y durante los últimos meses, varias bandas de la escena nacional, como Vetusta Morla, Depedro o Alex Ferreira, se han lanzado a seleccionar diferentes temas de la reciente discografía de Havalina, adaptándolos y retorciéndolos para quedar enmarcados en su personal prisma y sonoridad; en palabras de Manuel Cabezalí, ese momento fue, sin duda, el más hermoso de toda su carrera. El transcurso del año 2011 se esfuma con los ecos del reciente homenaje, y el año siguiente no permite a la banda ni un día de


respiro. Se confirma su participación en el prestigioso festival Sonisphere 2012, y con el verano comienza la grabación de su siguiente album. El formato inaugurado para ‘Las Hojas Secas’ , en cuanto a la forma de planificar la grabación, se mantiene. Dani Richter sigue trabajando como ingeniero de sonido en El Lado Izquierdo, y el propio grupo se hace cargo de la producción. Havalina mantiene informados a sus seguidores, vía redes sociales, del proceso de grabación. El ritmo de trabajo es tan alto que incluso hay quienes se sorprenden al ver que, una vez más, el grupo está en estudio, grabando un disco nuevo. En tres años, tres discos. Una cifra sorprendente, y muy poco habitual en los tiempos que corren. Ahora bien, dejaremos al último album del grupo, tenga su propio espacio y protagonismo. Por ello, a renglón seguido, analizaremos ‘h’, junto a las palabras de Manuel Cabezalí. Y es que, sin duda alguna, no hay mejor forma de cerrar un reportaje

sobre la trayectoria de una banda que, a modo de colofón final, analizar el último LP de la misma; y hacerlo a sabiendas de que, se trata de la mejor obra del grupo. n

http://www.havalina.es/ https://twitter.com/havalinamadrid http://www.facebook.com/ HavalinaMadrid

FOTOGRAFÍA DE DAWIDH AUGUSTO


FOTOGRAFÍA DE KARLOS SANZ


FOTOGRAFÍA DE DAWIDH AUGUSTO


‘h’ DULCES Y BRUTALES CLAROSCUROS El último album de Havalina es tan sobrio como su propia portada indica. Pero nada más lejos de la sencillez que a primera vista suscita, ‘h’ conlleva toda una declaración de principios. La autoafirmación como banda, pero también el profundo contraste que se desprende de cada uno de los cortes que conforman el album. Tan sesgado como el blanco sobre negro, el paso de la calma a la delicadeza más radiante transcurren sin descanso, sin previo aviso, como en una vorágine de sensaciones encontradas. ‘h’ es más visceral que ‘Las Hojas Secas’, con un sonido más perfilado y delicado. No hay una brutalidad tan desbocada en general, sino que aparece bien distribuida y dosificada; ‘h’ no es un caballo salvaje sin más, sino que sabe bien cuándo cabalgar. El comienzo del disco, mediante ‘Norte’, crea mucho más espacio y una cadencia más sobria que la desesperanzada ‘Desierto’. Desde el inicio, la diferencia es clara. Más claroscuros, sí; pero una menor pesadumbre. ‘La Antártida Empieza Aquí’ rebosa por todos sus poros la fórmula secreta que Havalina se ha encargado de inventar: el bajo transmite una tensión creciente, una vibración ascendente que no para de golpear

graves, arropando la delicada voz de Manuel Cabezalí, que parece casi susurrar, para llegar a un estribillo donde la opresión deja paso a un océano de amplitud. Me encanta este segundo corte del album, porque define de una forma tan clara y perfecta lo que es ‘h’ en esencia. La sensación de cohesión es brutal, la banda respira como un todo en cada guiño, en cada estructura; la madurez y solidez de Havalina alcanza su cénit.

‘La Antártida Empieza Aquí’ rebosa por todos sus poros la fórmula secreta que Havalina se ha encargado de inventar Al preguntar a Manuel Cabezalí si esa cohesión se debe a una mayor aportación de Havalina como conjunto, como grupo, a la hora de componer, su respuesta no deja margen de duda: “Tenemos una maquinaria más engrasada que nunca a la hora de crear y arreglar, y es verdad que cada vez hay más trabajo de banda y menos trabajo individual a la hora de crear los discos. Con ‘h’ hemos tenido diferentes procesos de creación; unos eran más de banda, otros más de dormitorio,


pero al final todos confluían de un modo u otro en el local de ensayo y en el estudio, y pasaban por ese filtro que hace que todo suene a como suenan las cosas en Havalina.” De los claroscuros de Havalina dan buena fe las guitarras del album. En ocasiones, aparecen adornadas con un hipnótico efecto de ‘chorus’, salpicando de toques épicos

permite el lujo, digámoslo así, de grabar el tema más breve de su carrera, ‘Viaje Al Sol’. ¿No hablábamos acaso de claroscuros? ¿Se debe ello quizá a que Havalina no se cierra a nada? ‘Yo diría que vivimos nuestro momento de mayor apertura en lo que a música se refiere. Hemos llegado hasta aquí siendo muy libres de

‘Hemos llegado hasta aquí siendo muy libres de hacer lo que queríamos en cada momento, y ahora que nos sabemos seguros de haber hecho lo correcto, seguimos ese camino con mayor ánimo.’ varios temas; en otros momentos, es tan contundente, afilada y salvaje como nunca antes. Las generosas derivas instrumentales en que se aventura Havalina en este album, como es el caso de ‘Animal Dormido, Animal Despierto’ o ‘Música Para Peces’, dan buen ejemplo de una riquísima paleta sonora, con incursiones tan oníricas que parecen hacer flotar a su alrededor a la propia música. Y como un nuevo contraste, el grupo se

hacer lo que queríamos en cada momento, y ahora que nos sabemos seguros de haber hecho lo correcto, seguimos ese camino con mayor ánimo.’ Como punto final a la entrevista con Manuel Cabezalí, no pudimos evitar preguntarle por la forma en que ‘h’ ha sido recibido por el público, fundamentalmente en los directos, que es sin lugar a dudas el


punto fuerte de la banda: ‘Los temas de ‘h’ son animales de directo, desde luego. Todos ellos se han arreglado en el local de ensayo, tocando todos a la vez, y algunos de hecho han surgido ahí mismo. Están funcionando muy bien en los conciertos y la verdad que a ese respecto, tenemos un público maravilloso, en general nos hacen sentir muy queridos. Hacemos música de corazón, de verdad, sin esperar grandes cosas a cambio, y creo que eso la gente que nos sigue lo percibe y lo admira y agradece. Me parece que nuestros conciertos, como experiencia global, están siendo de una calidad humana asombrosa.’ ‘h’ es el disco más completo y maduro de

Havalina, y la forma perfecta de cerrar un círculo que empezó no ya con ‘Junio’, sino especialmente con ‘Imperfección’. Representa de forma precisa a una banda que se encuentra en plena forma, viviendo una incontenible progresión, en la que cada pieza encaja de forma perfecta, para permitirnos saborear un disco del que se desprende un sonido decididamente personal, único, manufacturado de forma magistral por una banda en estado de gracia. Ahora toca, cómo no, defenderlo en directo. Y en directo, Havalina son imparables. Más de diez años, y aún elevando más y más el nivel con cada album. Ojalá lleguen otros diez. n

IMPRESCINDIBLES de Havalina Antes de despedir a Manuel Cabezalí, le pedimos que, a modo de divertimento, nos confeccionará una pequeña lista de temas ‘imprescindibles’ de Havalina. En concreto, que eligiera 3 cortes de cada uno de sus últimos cuatro albumes, para elaborar una lista de doce canciones:

‘Junio’

‘Imperfección’

‘A golpe de bisturí’ ‘¿Dónde irán?’ ‘Junio’

‘Incursiones’ ‘Sueños de Esquimal’ ‘Desinspiración

‘Las Hojas Secas’

‘h’

‘Tu Ciudad’ ‘Objetos Personales’ ‘Ley de la Gravedad’

‘Norte’ ‘El Estruendo’ ‘Música Para Peces’


FOTOGRAFÍA DE KELA GONZÁLEZ


Marina Gallardo CORPORAL, no CONCEPTUAL La andaluza vuelve con un nuevo album, maduro y sobrio. Repite discográfica en su nuevo lanzamiento (Foehn) y sorprende con la seguridad y claridad con la que concibe un disco compacto, cargado de sutilezas, y de versos sostenidos en la delicadeza de una voz que flota, hipnótica, sobre una banda que parece sonar en directo, sin trucos, sin escondites. Analizamos en profundidad el grandioso “This Is The Sound” y charlamos con Marina Gallardo.

UNA ENTREVISTA DE EMILIO J. SANCHEZ


En abril de 2008, Marina Gallardo debutó en el panorama musical con ‘Working To Speak’; un album que, enseguida, cayó bajo la etiqueta del indie folk. Era el mismo año en que, por ejemplo, debutaba Russian Red, así que no es de extrañar que una chica algo tímida, con una guitarra acústica, levantara enseguida el polvo de la etiqueta, sin dejar de ver mucho más.

sorprendente.

La cosa cambió ligeramente en 2010, año en que Marina Gallardo publica un disco bien, tratado por la crítica, ‘Some Monsters Die and Others Return’, que dejaba entrever un talento aún por descubrir, pendiente de alcanzar una madurez que se vislumbraba en algunos inspirados cortes del album. Es cierto que lo de tacharla de indie folk seguía, pero también ciertas críticas intuían la alargada sombra de Beck en ciertas pinceladas. En todo caso, bajo temas como ‘Golden Ears’ había eso y mucho más para rascar.

Gallardo, para que nos hable un poco acerca de qué hay dentro de su último album, cómo fue el proceso de composición y grabación, y qué hay detrás de sus letras.

Hace apenas unos meses, en la recta final de 2012, llegó el tercer album de la andaluza: ‘This Is Sound’, con el que Marina ha dado un decidido paso adelante, con un album corporal, directo e hipnótico. La evolución y ruptura que supone este elepé es, sin duda,

Así pues, con unas cuantas preguntas en las manos, nos entrevistamos con Marina

Marina da un decidido paso adelante, gracias a un album corporal, directo e hipnótico.

13GATOS: El sonido y las formas en ‘This is the sound’ suponen una clara evolución respecto a tus dos albumes anteriores. ¿Qué es lo que ha sucedido durante estos dos últimos años para dar este giro en la forma de componer, de producir y orientar el nuevo disco? MARINA GALLARDO: Mi forma de componer antes era más en base a una guitarra que otra cosa. Lo que buscaba en las canciones era esencialmente desnudez. Por eso, creo que las canciones que antes componía eran más “miniaturas” que canciones desarrolladas.


Desde hace unos años, la intención es otra, no ha habido prisa por cerrar una canción, sino que he jugado con ellas y las he desarrollado con tiempo, disfrutando cada proceso. También es cierto que ahora me atraen más las estructuras más repetitivas, disfruto entrando en ese trance, y me siento como muy libre. Experimento más con las canciones, en definitiva, y no tengo miedo de ver por dónde puede llevar un camino u otro, porque así aprendo lo que verdaderamente me gusta hacer. Creo que el directo ha influido mucho, estar con la banda, y que en lo personal también ha habido cambios importantes. Ahora me siento más tranquila, más relajada, tanto componiendo como interpretando. 13GATOS: Con tu album de debut, ‘Working to Speak’, e incluso con ‘Some Monsters Die and Other Return’, recibiste críticas positivas, aunque siempre hubo una tendencia a encasillarte en un estilo folk. Sabemos que uno de tus maestros es John Fahey, pero aún así... ¿cómo sobrellevaste esa manía a enlazarte con otras cantantes de música muy diferente a la tuya? MARINA GALLARDO: Pues lo llevé regular, pero obviamente mi opinión es la que importa. Llegó un momento en el que me dio bastante igual y simplemente me centré en lo mío. 13GATOS: Aunque es una pregunta difícil de responder, siempre acaba cayendo en las entrevistas... ¿Cómo es el proceso de composición? ¿En qué medida los temas cobran forma en tu cabeza, como directora de orquesta, y de qué forma participa el resto de los miembros del grupo? MARINA GALLARDO: Depende. Hay canciones que salen en base a la voz, otras en base abatería, cajas de ritmos, teclados o piano. Según me vaya apeteciendo. Por ejemplo,

‘The War Inside’ la compuse en base a una caja de ritmos, con la voz. Luego, cuando las vi con la banda, empezamos a darle forma. Se me ocurrió la idea del rodhes, así que Nacho y yo empezamos a probarlo encima de la maqueta que había grabado. Luego Isidro tuvo ideas para el bajo. Todos han ido aportando lo que creían mejor para la canción. Esto ha sido un proceso largo de ensayo y error. Luego, lo único que importa, es qué se siente cuando se escucha. A partir de ahí, todo es depuración de sonido y de arreglos. 13GATOS: La formación actual de la banda que te sigue parece más estable, y más compacta. ¿Ha sido ello una razón más para el nuevo sonido de este disco?

‘...desde hace unos años, no ha habido prisa por cerrar una canción, sino que he jugado con ellas y las he desarrollado con tiempo, disfrutando cada proceso...’ MARINA GALLARDO: Por supuesto. La banda interpreta y piensa en la canción como si fuera suya. A veces sale bien, a veces sale mal, y hay que rehacer muchos arreglos, o el concepto de canción. Estamos hablando de canciones que he compuesto sola pero que luego se han desarrollado en arreglos con la banda. En el estudio cambiaron algunas canciones porque no me gustaban los arreglos que hacíamos en los ensayos. Estando en el estudio se ve con más claridad y el sentimiento es crucial. En otras canciones no hizo falta, como en ‘Going To Die’, todo ya fluía. 13GATOS: A la hora de elegir el estudio de grabación, La Mina, qué razones te llevaron a grabar allí. ¿El entorno, el sonido? ¿Había


una idea clara y preconcebida de cuál debía ser el sonido, o durante el proceso de grabación y producción se tomaron decisiones realmente drásticas? ¿Cuánto tiempo duró la grabación? ¿Puedes contarnos algún detalle interesante de la misma? MARINA GALLARDO: Ya había hablado con Raúl acerca de lo que tenía en mente con este disco a nivel de sonido, quería tener la libertad de poder grabar y mezclar con tiempo, no quería prisas. La experiencia con los otros dos discos, grabados en 5 días cada una, no fue demasiado buena. Yo suelo ponerme nerviosa cuando grabo, necesito espacio, y ya luego me voy sintiendo mejor. Raúl me conoce bien y sabe todo esto, ha conseguido que me sienta segura de lo que estaba haciendo en todo momento. Él tenía el equipo, la situación y un gran talento. 13GATOS: En ‘Going to Die’ se respira una tensión que roza lo dramático, quizá uno de los momentos más oscuros del disco, y justo ahí aparece el verso “This is the sound of music”... ¿Fue una casualidad titular así el album, tras componer el tema? MARINA GALLARDO: No fue casualidad, fue intencionado. Creo que esa frase concentra muy bien la vitalidad que respira el disco: “Your breath are waves, this is the sound of music”. 13GATOS: En este album nos encontramos con una voz que a veces parece fundirse con la música, como un mantra hipnótico, y más asentada en los registros graves. Al comparar estos temas con canciones como ‘Nora’, nos surge la duda... ¿Marina Gallardo va día a día encontrando su propio registro, su forma de concebir su propia voz, o es una adaptación al espíritu de los nuevos temas? ¿Ha sido deliberado tratar de proyectar la voz como un instrumento más?

MARINA GALLARDO: Es inevitable que, con el paso de los años, yo vaya conociendo cada vez mejor mi voz como instrumento. Ahora me siento con más fuerza, más relajada, más centrada en el cuerpo cuando canto. También es cierto que soy una persona tímida y a veces bastante insegura. Estar dos años sin parar de dar conciertos me ha ayudado mucho a desenvolverme e ir ganando seguridad en mí misma. Cuando escucho mis discos anteriores percibo mucha tensión. Y eso es algo en lo que he estado trabajando mucho estos dos años: dejar a un lado la timidez, disfrutar y estar plenamente concentrada en las canciones. De eso se trata. Digamos que he madurado y sigo madurando.

‘...cuando escucho mis discos anteriores percibo mucha tensión. Y eso es algo en lo que he estado trabajando mucho estos dos años: dejar a un lado la timidez, disfrutar y estar plenamente concentrada en las canciones....’ 13GATOS: Respecto a la producción, especialmente en la sección rítmica, y esto es quizá algo personal, he percibido unos sonidos clásicos que me recordaban a la obra de Gainsbourg. Esas baterías profundas, y setenteras. Me parece que Serge Gainsbourg es una de tus influencias, y que últimamente has estado bastante cercana al kraut y al dub... Echando un vistazo al album, después de este par de meses, ¿qué música de la que escuchas crees que se refleja más claramente? MARINA GALLARDO: A la hora de grabar se tomaron como referencia sonidos de los setenta. Serge Gainsbourg fue uno de ellos, como también fueron Can o los primeros discos de John Lennon. Precisamente, donde


FOTOGRAFÍA DE IGNACIO SÁNCHEZ

(EL ENANO RABIOSO)


FOTOGRAFÍA DE IGNACIO SÁNCHEZ

(EL ENANO RABIOSO)


más nos centramos, fue en el sonido de las baterías. Y creo que en canciones como ‘So Glad’ es donde se ve más ese gusto por el dub. 13GATOS: Letras como la de ‘Longer Days’, con frases “I’m back to the river where whatever looks fine then I breath and turn myself into a big wave”, me han llamado y mucho la atención, por no hablar de ‘Cold Eye’. ¿Qué hay detrás de tus textos? MARINA GALLARDO: Cada canción es un mundo, pero sí es cierto que la naturaleza es un motor común en mis textos. A veces se plantea como un refugio y otras como algo hostil. Creo que el disco, en general, habla del amor y del miedo a la muerte, en una multitud de imágenes y sensaciones distintas. ‘Longer Days’, en concreto, la compuse cuando trabajaba mucho y plantea la necesidad de tener más tiempo para hacer las cosas que verdaderamente me hacían feliz.

FOTOGRAFÍA DE DANI CANTÓ

Convertirme en ese río imaginario, donde todo fluye y se muestra aislado del ritmo de nuestros días, es algo así como un refugio que me libera de toda la tensión que voy acumulando. Con el amor ocurre lo mismo, como también se plantea en ‘Cold Eye’. 13GATOS: Hablando con otros músicos, es curioso ver cómo cada album, tras ser publicado, provoca diferentes efectos. Hay quienes con escucharlo una vez tienen suficientes, quienes lo escuchan mil veces y disfrutan recordando el proceso. ¿Qué sensación te provoca a ti? ¿Alguna diferencia respecto a los dos anteriores? MARINA GALLARDO: Es la primera vez que estoy satisfecha por completo con lo que he hecho. Y estoy muy contenta con el resultado y el trabajo que hemos hecho todos. n


‘This Is The Sound’ Corporal, directo, hipnótico. Tanto como para conseguir que un poco de la magia que contiene este disco se desborde, a cada escucha, de entre los surcos del elepé que contiene ‘This Is The Sound’. Quizá pudiera tomarse por un título ligeramente pretencioso, pero desde luego que ahí, en el interior de este disco, está el sonido de Marina Gallardo. El sonido que ha alcanzado tras evolucionar a pasos agigantados, tras alcanzar cierta tranquilidad y madurez, la suficiente como para sujetar, esta vez sí, las riendas de la grabación, y con ellas la de su propia seguridad ante el micrófono. ‘The War Inside’, primer corte del LP, y que ya sirvió de tema de adelanto, da buena muestra de las bondades y oscuridades de lo que queda por escuchar. Una sección rítmica profunda, simple y ligeramente aderezada por sutiles ráfagas de instrumentalidad, rozando un trip-hop minimalista y directo, dejando espacio suficiente a la voz de Marina para susurrar, casi como un mantra, los elaborados textos, cargados de reflexiones a las que merece la pena echar un vistazo. Su voz resuena con fuerza, y con una recobrada seguridad y sonoridad. Mientras esbozo una sonrisa con las guitarras cargadas de fuzz y espíritu garajero de ‘The Swimmer’, no puedo más que alabar la elaborada producción del disco. Sencilla,

coherente con lo que la banda quiere expresar, delicada con los detalles, y llena de espacio. Siento la música cercana, casi en directo, transparente y equilibrada. Y es que, para un disco de estas características, la producción, dirigida por la propia Marina y Raúl Pérez, es más que acertada. Los temas más directos, y de los que más fácil resulta enamorarse en la primera escucha, aparecen enlazados; ‘Cold Eye’ y ‘Longer Days’ muestran la voz de Marina en su mejor momento. La melodía vocal adquiere mayor protagonismo, aparecen más diferenciada respecto al resto de instrumentos. Muy diferente es la aproximación a ‘Going To Die’, donde se crea un bucle increíblemente hipnótico, casi un trance donde la voz se funde con la música, en progresiva y tensa ascensión. Sí, ‘Going To Die’ es el momento de clímax, con una opresiva y agónica espiral que no para de crecer, de crecer y envolverlo todo, para sumirse en la más sorprendente calma. Quizá, sólo quizá, eche en falta una mayor instrumentación orquestal, que habrían convertido este album en el ‘Ballade de Melody Nelson’ de la andaluza; pero aún así, la sonoridad, personalidad y madurez que exhibe Marina Gallardo en ‘This Is The Sound’ no hacen sino convertirlo, sin temor a confundirme, en uno de los mejores álbumes del 2012. Brillante. Vibrante. n


ENTREVISTA DE EMILIO J. SANCHEZ

Wilhelm & The D

FOLK CIRCUNSTANCIAL, HARDCORE VOCACIONAL


FOTOGRAFÍA DE TOMOYUKI HOTTA

Dancing Animals

‘The War Of Species’, su album de debut, nos ha descubierto a una de las bandas más interesantes y únicas de los últimos tiempos. Su instrumentación, encuadrada en un contexto folk, nos escupe con insolencia una rabia y energía punk y hardcore, y da como resultado una mezcla a la que es difícil resistirse. Nos entrevistamos con Helen, y echamos un vistazo a qué tal les ha ido el año desde el lanzamiento de su disco.


Escuchar el primer album de Wilhelm & The Dancing Animals, ‘The War Of Species’ (Origami, 2012) ha sido, sin duda alguna, una de las más gratas sorpresas del pasado año. Desconcertante a la vez que genial, fresco y cargado de ideas nuevas, y esgrimiendo con soltura una irreverente rebeldía a la hora de poder ser encasillados en una etiqueta. Folk, sobretodo he leído que se les colgaba el cartel del folk. Pero bajo esa primera lectura, hay mucho más. Un corazón hardcore y punk que late con fuerza, y lleva en volandas unos temas tan redondos como optimistas. Obviamente, no podíamos dejar pasar justo eso, el tema de las etiquetas y demás, para nuestra primera pregunta, por eso de empezar disparando a bocajarro. A fin de cuentas, se les ha comparado mil veces con bandas como Los Campesinos! o Arcade Fire, cuando realmente hay con ellos una simple casualidad instrumental y sonora, quizá por coincidencia de influencias y poco más. Nos

interesa más saber qué grupos han influido en su corazoncito hardcore, pensando por ejemplo en bandas como At The Drive In, o su pasión por la música escandinava, Lukestar sin irnos más lejos: “Este tema de las comparaciones es algo raro y difícil de contestar. No nos importan las comparaciones con ningún grupo, pero hay algunas que nos hacen más ilusión. Los Campesinos! Los escuchamos mucho después de componer nuestras canciones, no nos gustan especialmente, pero entendemos que quizás a nivel conceptual e incluso visual, se nos comparen. No deja de ser una comparación un poco superflua, pero se entiende. Personalmente, fue en el Kutxa Kultur Festival cuando les vi, y pensé : Ah, claro, una chica con un teclado, un chico gritando… ahhh, vale. Pero de verdad, que antes de eso, ni idea. Arcade Fire, tanto Guille como yo los hemos escuchado. Cuando nos comparan con ellos a mí me resulta un poco raro, porque algo tan importante como las voces en Arcade


Fire, creo que no tienen nada que ver, pero oye… adelante con las comparaciones, ojalá acabemos pareciéndonos a ellos en cuanto a público (risas). At The Drive In es una banda que ha escuchado Guille, y que cree que ha podido inspirarle lo mismo a él que a los benditos Campesinos!, y ese tipo de comparación sí que demuestra que se le ha visto a nuestra banda un lado hardcore (o bueno, inspirado en...), que no es lo suficientemente explícito y claro como para que lo vea todo el mundo. ¿Sabes qué pasa? Que no nos importa demasiado, nosotros haremos seguro con otras bandas comparaciones igual de sin sentido o con sentido que todas las que nos han hecho a nosotros, y no pasa nada, es lo más normal del mundo. Nos da un poco igual.  El rollo escandinavo sí que nos gusta, pero no significa que nos parezcamos más, ojalá, ¡pero a saber! Lukestar, Team me, Yoyoyo Acapulco, incluso JR Ewing y mil más, esos sí que son grupos que han sido casi homenajeados en nuestras canciones. Los otros no, pero a saber, igual nos ha salido un homenaje a Hola a Todo El Mundo sin querer! (risas)” Una de las peculiaridades de este proyecto fue su evolución, desde el dormitorio a fichar por un sello independiente como Origami, uno de los más destacados y sólidos a nivel nacional. Y digo lo del dormitorio porque, en un inicio, las canciones fueron compuestas fundamentalmente por Guille, contando con la colaboración y beneplácito de Helen, como un proyecto casi personal, de intramuros. Pero el resultado fue tan bueno que, ante la necesidad de grabar los temas, y de presentarlos en directo, se hacía necesario el respaldo de una banda, los Dancing Animals. Pero, remontándonos al principio, ¿cómo surgió todo?

“Creo que la clave está en que tanto Guille como yo somos aficionados a estar en casa, con gatos, ordenador, música y demás. Creo que lo único que había claro es que Guille quería hacer algo distinto a tocar la batería, y se puso a ello. Me enviaba canciones por mail, y yo flipaba… así que cuando (sin preguntármelo siquiera) dio por hecho que yo también iba a formar parte de esta nueva cosa a la que se estaba dedicando cada vez más tiempo, no me pudo hacer más ilusión. 

Lukestar, Team me, Yoyoyo Acapulco, incluso JR Ewing y mil más, esos sí que son grupos que han sido casi homenajeados en nuestras canciones. Y bueno, al principio sólo era eso. Yo siempre pienso que Guille en el fondo sí que pudo prever un poquito de lo que luego vino (él lo niega ja ja), sobre todo por la dedicación que tuvo hacia todo esto desde el principio. Hacia ritmos hasta dormido, y no es un decir. (risas)” Y ahora, después de grabar el album juntos como banda, y girar por toda la Península dando multitud de concierto... ¿ha cambiado en algo la forma de componer nuevos temas? ¿O sigue siendo Guille quien lleva la batuta? “La base de las canciones la hace Guille, eso ha sido y probablemente siga siendo así. Pero al margen de la base… ¿cuántas cosas más hay en cualquier canción? Bueno, pues en una de las nuestras hay eso elevado al cubo. No estoy echándonos flores descaradamente, pero para bien o para mal, la sencillez de forma no es lo nuestro, y nuestras canciones están casi en constante evolución. Y ahí es donde ahora entran Iñigo, Kiko, Have y Josh. Intentamos que cada instrumento sea cada vez más propio de quien lo toca, y hacer que confluyamos los seis en el proceso de cada canción. Es difícil,


FOTOGRAFÍA DE TOMOYUKI HOTTA creo que somos muy exigentes con el sonido que queremos y el que no queremos ni ver… pero no siempre es fácil llevarlo a cabo, qué le vamos a hacer? Pues dedicarnos, mucho y mucho más.” En eso estamos totalmente de acuerdo. Los temas pueden parecen y sonar sencillos a la primera escucha, pero enseguida notamos la variedad de pequeños arreglos y detalles, el fantástico juego de voces, y la interacción de mil instrumentos, algunos de ellos sorprendentes. En el disco, de hecho, se aprecia de una forma muy singular todo ese juego de arreglos, y tiene un sonido muy personal. ¿Qué me puedes contar sobre la grabación del disco, sobre la elección de los Estudios Montreal, y el trabajo de Hans Krüger a los mandos? “Elegimos Montreal Studios porque Hans Krüger es especial para nosotros, como productor y como amigo. Y el resultado no dejó lugar

a dudas. Guille ya era amigo de Hans, y conocía su manera de trabajar; además ya había grabado allí con Antigua y Barbuda. Guille también se ha dedicado a la masterización y comparte con Hans muchas ideas acerca de la producción de los discos, con lo cual hubo una complicidad especial a la hora de confiar en Hans para muchas cosas, y también para que nosotros pudiéramos opinar, preguntar, y dar la chapa todo lo que pudimos.” Tras grabar el disco, fichar por Origami, y ver que el resultado de vuestro trabajo era realmente bueno, y las primeras críticas apuntaban en la misma dirección... ¿Hubo alguna expectativa en cuanto a qué iba a pasar, o ha sido todo una gran sorpresa? “Una idea clara en cuanto al resultado no hemos tenido en ningún momento, en ningún aspecto. Sorpresas hemos tenido casi todos los días, o semanas, o meses, desde que esto


empezó. La última es que nos van a sacar una edición especial del disco en Japón, y fue hace unas semanas… Nadie nunca pensó que esto seguiría este camino, y a día de hoy no sabemos cuánto tiempo nos va a ir bien, hay mil grupos que han llegado a donde estamos nosotros, y mucho más lejos… y en un año o dos lo tenían todo mucho más jodido. ¿Quién sabe? Nosotros no, ni antes, ni ahora.” Cuando vayamos a veros en directo... ¿qué diferencias podremos encontrar con el sonido de vuestro album? ¿Potenciais más el lado folk, o sale la rabia más punk y hardcore? “Inevitablemente, sale el punk. Tampoco lo potenciamos. Es el punk entendido como espectáculo, no como ideología (que ya me da miedo todo). Somos seis personas y todos disfrutamos mucho de los directos. Hay un eje fuerte en los instrumentos de cuerda que hacen que los directos sean más extremos que el disco. Hemos notado sorpresa por parte del público, en varias ocasiones, probablemente porque se esperarían algo más suave.  También hemos hecho acústicos (uno de ellos para niños), y puede que entonces suene más folk.” Llega el momento de preguntar por uno de los pequeños mitos, o mejor dicho para no ser exagerado, afirmaciones que aparecen de forma recurrente sobre vosotros en alguna que otra crítica, o artículo sobre el grupo. ¿Qué hay acerca de vuestro lado ecologista? ¿Es cierto, realmente subís al monte de vez en cuando a dar un paseo, o no es más que un recurso facilón en el que se ha caído por pura inercia? “Vivimos en una casita hecha de hojas, en lo alto de un árbol que se encuentra en la cima de un monte y custodiada por unicornios.  No sé si es un recurso facilón, no sé qué

no sé qué es. Nunca hemos mentido, vivimos en el centro más centro de Pamplona, vamos al monte lo mismo que cualquier otra persona a la que le guste el monte (ojo, el monte, no el montañismo, a ver si ahora vamos a ser alpinistas), o el campo, o el río, o la playa, cualquier domingo de relax. Hemos hecho vídeos en el monte porque el paisaje es bonito, y le gusta a casi todo el mundo, no hace falta ser un hobbit. Sí, lo más importante es el tema animal. ¡Nos gustan los animales! Sí, nos gustan! gatos perros cerdos terneras ratones ciervos patos y todos! Nos gustan más que muchas personas, no para comer  (las personas tampoco), y lo decimos y lo seguiremos diciendo y nos da igual si está de moda, si no, si es de hippies, o de duendes. Y se puede sentir un odio extremo hacia las prácticas que se llevan a cabo con los animales en este mundo (me da igual para el espectáculo,

Hay un eje fuerte en los instrumentos de cuerda que hacen que los directos sean más extremos que el disco. Hemos notado sorpresa por parte del público, en varias ocasiones, probablemente porque se esperarían algo más suave.  que para la industria alimentaria, que para la investigación, que para la moda), sin ser por ello…no sé, David el Gnomo.  Así mismo digo, que dentro de nuestra banda hay cuatro personas que no participan de estas ideas. Y nos queremos. (Ojo, nos queremos, pero nos somos hippies, ¿eh? Hay quien tiene iPhone y todo).” No sé si os gustará o no, pero si hay algo que me encanta es que sois un claro ejemplo de independencia. No os importa afirmar


que el hecho de que el disco vaya mejor o peor no os quita, en cierta medida, el sueño, porque no queréis vivir de esto. ¿Quizá el único futuro posible para un músico realmente ajeno a modas y pliegues comerciales pasa por tener un sustento económico desligado de la propia música? “No sé si el futuro de un músico ajeno a las modas pasa por ahí y no sé si somos un grupo realmente ajeno a modas y pliegues comerciales. Todos conocemos grupos realmente underground y nosotros no lo somos (ni queremos serlo, trabajamos por el éxito que podemos estar teniendo). Lo cierto es que nuestro sustento económico no es la música, por supuesto. Y es, precisamente, esta no dependencia, la que hace que sea posible cierta comodidad, supongo. La verdad es que mientras digo esto, me estoy dando cuenta de que en una semana seremos una banda casi al completo en paro, (qué risas, ¿eh?). Igual hay que cambiar la pregunta. No, ahora en serio. No dependemos de la música para comer, apenas influiría en nuestra cuenta bancaria el hecho de que el disco fuera bien o mal, pero tampoco vamos a mentir, sí nos quitaría el sueño. Puede que no sea nuestro sustento económico, pero quizás sí sea (para mi, al menos) casi todo lo demás.” Para terminar: aunque el disco está muy reciente, y es abusivo preguntarlo. ¿Ha habido ya tiempo para que surja algún nuevo tema, o ahora está toda la energía concentrada en la extensa gira nacional que tenéis entre manos? “Tenemos un par de temas nuevos, uno de los cuales vamos a grabar la semana que viene, también con Hans, para la edición japonesa del disco. Se llama “Jungle Army” y llevamos tocándola bastante tiempo en los directos, la otra también. Además, tenemos otras dos ya muy avanzadas;  aún tienen que dar muchas vueltas, pero ya estamos pensando en el

siguiente disco.” Sólo señalar un detalle: la entrevista se realizó a mediados de diciembre; así que, a estas alturas, el nuevo tema de Wilhelm & The Dacing Animals está ya registrado en estudio. De hecho, vía redes sociales, hemos tenido constancia de algún experimento alocado por parte de Hans Krüger, que incluía pasar por un filtro espacial una mandolina. Hasta que no podamos escuchar el tema, no saldremos de la duda de si el experimento afloró o se quedó en mera conjetura noctámbula.

‘No dependemos de la música para comer, apenas influiría en nuestra cuenta bancaria el hecho de que el disco fuera bien o mal, pero tampoco vamos a mentir, sí nos quitaría el sueño.’ Lo que sí me alegra es que la banda esté en pleno proceso de expansión al público y, al mismo tiempo, de composición. Es decir, sembrando el pequeño germen que les lleve a un nuevo album, y os aseguro que cruzo los dedos para que cuando llegue, mejor pronto que tarde, esté al mismo nivel que este ‘The War Of Species’, manteniendo las señas de identidad de una banda que, ya en su primer disco, ha conseguido sonar de forma tan particular, reconocible y personal.n http://wilhelmandthedancinganimals. bandcamp.com/ http://www.myspace.com/ wilhelmandtheanimals http://wilhelmandthedancinganimals. tumblr.com/


PRร“XIMOS CONCIERTOS

Wilhelm & The Dancing Animals

18 de enero: Auditorio, Castellon 26 de enero: Sala Razzmatazz, Barcelona 8 de febrero: Murcia 9 de febrero: Alabacete 1 de marzo: San Sebastiรกn 2 de marzo: Huesca


FOTOGRAFÍA DE TOMOYUKI HOTTA


FOTOGRAFÍA DE CLAUDIA OCHOA


‘The War Of Species’ ¿Estáis en la lista de los que, alguna vez, habéis comprado un disco sólo por la portada, sin saber lo que os esperaba dentro? En ese caso, echar un vistazo a la del album de Wilhelm & The Dancing Animals os dará un par de ideas de lo que late dentro, deseando sonar; un disco cargado de imaginación, sorpresas, pinceladas coloristas y optimismo folk, enmarcado por un contagioso y gamberro espíritu hardcore. Y precisamente ese lado más salvaje es el que no podemos desdeñar. Con lo encorsetado que está el panorama indie en ocasiones, que a uno le llegue este disco bajo la recomendación y etiqueta de ‘folk’, y se encuentre con unas canciones tan diferentes a casi todo, y con tanta energía desbordándose en cada tema, no es sino síntoma para sonreir, al menos por un rato. Me sorprende, y mucho, que con un album de debut, a pesar de las tablas que tengan algunos de los componentes de esta aventura, el sonido sea tan personal, tan diferente. Los nueve cortes de este disco llaman la atención, además, por la increíble atención a los pequeños detalles. A pesar de la aparente sencillez de los temas, merece la pena agudizar las orejas para entender que no hay

nada dejado al azar, aunque en directo el grupo derroche la actitud de estar viviendo una gran fiesta sobre el escenario; les gusta lo que hacen, pero lo que hacen está perfectamente manufacturado, artesanalmente. El juego de voces es una auténtica delicia, una perfecta contraposición. Y mientras los teclados arropan toda la música como un dulce colchón, toda la parafernalia acústica, tan variada como imprescindible, suena con tanta fuerza y decisión que, en ocasiones, me dan ganas de hacer el heavy en la intimidad de mi casa, interpretando ritmos invisibles en mi air mandolina. De entre los temas que componen ‘The War Of Species’ es difícil elegir un puñado de ellos como destacados. La sucesión, corte tras corte, es magistral; desde la enérgica Wake Up conque arranca el disco, a la deliciosa The Fall, hay todo un maravilloso bosque encantado, nunca mejor dicho, de temas por descubrir. Me fascinan los registros de Twice Alone, y me quedo atónito al dejarme embriagar por un tema tan elaborado como Ten Go. Sin duda, uno de los mejores discos del pasado 2012, que recomendaría a ciegas. Sí, adoro a Wilhelm y a sus animalitos danzarines. n


Le Parody LA BANDA SONORA DE NUESTRAS VIDAS

UNA ENTREVISTA DE EMILIO J. SÁNCHEZ

FOTOGRAFÍAS DE BEGOÑA OLAVARRIETA G.


Amor, desamor, baile. Revolución. Sole Parody arma con cuidado, en torno a sentimientos universales, una banda sonora que, más que cinematográfica, es autobiográfica. Pero precisamente porque habla de sentimientos que nos golpean y acunan a todos, a partes iguales, hace lo más difícil: componer una banda sonora que podría ser también la mía, y la tuya...


‘Cásala’, el primer LP de Le Parody, es una de esas joyas sonoras que escasean, y que conviene mimar. Y, como es menos frecuente aún, este pequeño puzzle de emociones, que han fabricado en su imaginación Sole Parody y el trompetista Frank Santiuste, se ha dado a conocer de forma tímida pero constante. Tanto que que, tras cerrar el año, Le Parody no suena tan desconocido a las orejas de mucha gente. Tanto que aparecen en varias listas de grupos emergentes del 2012, en la de los mejores discos... y no sólo aquí, sino que en México, muy lejos de donde esta ‘Cásala’ se gestó, ha sido también tenido en cuenta al elaborar las mismas listas. Con mil y una preguntas en el bolsillo nos entrevistamos con Sole Parody. Y ella,

risueña y muy atenta, nos respondió a todas ellas sin escatimar en detalles. Así da gusto. TRECEGATOS: Puede que sea algo obvio por el subtítulo del album, ‘soundtrack by...’ , pero no podemos dejar de imaginar que parte de este disco se ha compuesto como una verdadera banda sonora de tu día a día, con los pequeños retazos y loops, y esas “frases robadas” surgiendo, tomando forma y cogiendo sitio en el pequeño puzzle de texturas de este disco. ¿Tiene ese punto autobiográfico, o nos estamos yendo por las ramas de la imaginación? SOLE PARODY: Sí y no. Lo de “sound track” remite a cierto sentido cinematográfico, eso es verdad, pero quería referirme más bien a que todo el disco funciona como


una unidad, las canciones son parte de una misma historia, podrían haber sido sacadas de la misma “película”. Y podría considerarse autobiográfico porque hablo desde mí, pero también podría ser la banda sonora de la vida de cualquier otra persona, los temas que salen son universales (el desamor, el trabajo, la revolución, el baile...) TRECEGATOS: Aunque actualmente la formación tiene toque de dúo, pareces no estar cerrada a nada con este proyecto. ¿Hay algún plan de continuar con una banda más numerosa, o con un estilo diferente en el futuro? O, sencillamente... no hay ningún plan más que vivir el momento, y hacerlo como lo sientas. SOLE PARODY: La verdad es que no puedo saber en ese sentido cómo va a ser la cosa en el futuro, pero tampoco es que no haya un plan. Ahora mismo el formato es de dúo porque para tocar las canciones completas en directo hacemos falta dos músicos. Si en un futuro compusiera cosas con más instrumentación, supongo que pasaríamos a buscar más gente para los directos, o también podría pasar al contrario: que me pusiera a colaborar con alguien que tocara determinado instrumento y eso condicionara la composición de futuras canciones. Ahora mismo, como dices, estoy “viviendo el momento”, pero por la sencilla razón que... ¡desde que salió ‘Cásala’ no he tenido tiempo de pararme a pensar en el futuro! Digamos que es un “carpe-diem” forzoso. TRECEGATOS: Hay algo que realmente me sorprende del disco. Al echar un vistazo a las letras, me transmiten una cierta melancolía, especialmente en temas como ‘PAIN KILLER (la felicidad)’, pero sin embargo el album me transmite una profunda sensación de optimismo. Es

perfecto para alegrarme el día, o caminar por la calle sintiéndome como el protagonista de una colorista comedia musical. ¿Es Sole Parody francamente optimista, o el disco es en sí una píldora para combatir los pequeños retazos de melancolía que te invaden? SOLE PARODY: Es interesante esta reflexión... No sé bien cómo explicar esa mezcla de sensaciones sin entrar en el terreno de lo personal, aunque supongo que al final sí que está íntimamente ligado a lo musical, en mi caso. Cuando aprendes a manejarte con una personalidad maníaco-depresiva lo normal es vivir entre melancolías

‘...podría considerarse

autobiográfico porque hablo desde mí, pero también podría ser la banda sonora de la vida de cualquier otra persona, los temas que salen son universales (el desamor, el trabajo, la revolución, el baile...).’ devastadoras y arranques de optimismo desorbitados. El reto, en lo personal, es entender que eres las dos partes, tanto la buena como la mala. En lo musical, eso se traduce no caer en hacer canciones pasajeras, es decir, canciones totalmente melancólicas o totalmente eufóricas, porque eso son estados de ánimo que sabes que pueden cambiar rápidamente. Yo quería que las canciones contuvieran todo, y que todo sonara a la vez: la tristeza y el optimismo, la lentitud y la velocidad, ritmo, melodía, folclore, electrónica... En fin (que me desvío de la pregunta), lo que sí tengo claro, en cualquier caso, es que un disco puede reflejar todo eso, aclararlo, y hasta “exorcizarlo”, pero no es una píldora, no tiene nada que ver con una terapia. Las


cosas que haces no solucionan lo que eres, creo. TRECEGATOS: “TIP TOE” tiene un punto folclórico, en su letra, que bien podría valer para una bendita copla del nuevo siglo, por no hablar de “PITY PARTY”. ¿Hay algo de ello en tus canciones? SOLE PARODY: Sí sí, por supuesto, lo folclórico es totalmente intencionado. El dilema era, ¿cómo escribir letras personales pero sin caer en el narcisismo tonto de pensar que las cosas que cuento me pasan sólo a mí? La clave la encontré en las letras de los folclores. Copla no escucho tanto, pero sí mucho flamenco, y rancheras mexicanas, boleros... Las letras del flamenco sin ir más lejos hablan todo el rato del “yo” y del “tú”, pero son “yoes” y “túes” universales. Yo quería hacer algo parecido, así que me puse a imitar esa manera de expresarse. TRECEGATOS: En el 2008 publicaste en Ediciones Trashumantes un libro de poesía. ¿Planeas escribir algo en el futuro, o tu poesía se circunscribe actualmente únicamente a tus letras con Le Parody? SOLE PARODY: Escribía antes de hacer música, desde pequeña, y nunca he dejado de hacerlo. Quiero en un futuro próximo acabar un libro con unos textos que estuve escribiendo en Estados Unidos, pero ahora mismo la música me tiene el tiempo totalmente absorbido. Las letras de Le Parody para mí no son poesía, quiero decir que fuera de las canciones no se sostienen del todo, sólo se entienden bien formando parte de la música. Encajan en las melodías, se combinan con los silencios, y dependen de la nota en que las canto o de cómo divido las estrofas. La poesía creo que es mucho más compleja porque tiene que hacer todo eso con sólo lenguaje.

TRECEGATOS: El disco tiene unas texturas deliciosas que se sobreponen una sobre las otras, hasta crear un sonido muy trabajado y compacto. En directo, ¿qué diferencias habrá con lo que podemos escuchar en ‘Cásala’? ¿Más minimalista, más energético? ¿O tenéis las suficientes manos y habilidad como para armarlo todo en directo de una forma parecida? SOLE PARODY: En directo lo que pasa es que se introducen siempre un músico y un instrumento nuevos: el técnico de sonido es ese tercer músico y las condiciones acústicas de la sala y del equipo de sonido, el nuevo instrumento. Como lo sacamos todo por línea, según sean las PAs de cada sitio sonarán más o menos nítidas las bases,

‘El dilema era, ¿cómo escribir letras personales pero sin caer en el narcisismo tonto de pensar que las cosas que cuento me pasan sólo a mí?’ se sentirán más o menos los graves, tendrá más o menos matices el sonido del ukelele... Todo depende de eso, y de cómo haga la mezcla la técnico de sonido. En teoría podría sonar todo igual que en el disco, las bases las mando todas con el sampler, y luego la voz, la trompeta, el metalófono... salvo algunos elementos puntuales que metió César en algunas canciones, todo lo llevamos al directo. En la práctica, aunque la esencia es siempre la misma, cada concierto suena distinto. Era algo que me daba mucho miedo al principio, pero que finalmente he integrado como parte del “show”. Sí, estaría genial controlar como tiene que sonar todo, llevar un técnico nos daría mucha tranquilidad. Pero en parte este proyecto va de hacer música con lo que se tiene a mano, de integrar elementos que


me encuentro, y de hacer que la gente participe activamente en él. Y la inmensa mayoría de técnicos con los que hemos trabajado en directo se han implicado a fondo, han aportado cosas. Yo doy indicaciones básicas de como me gusta que se ecualice el ukelele, y de los volúmenes que debía de tener cada instrumento en la mezcla, y nos aseguramos de escucharnos bien dentro para estar cómodos, pero lo que suene fuera está totalmente en sus manos. Yo, claro, nunca he visto nuestros conciertos desde fuera, pero creo que para la gente que no nos ha visto nunca, por lo que me comentan luego, suelen ser más energéticos de lo que esperaban. TRECEGATOS: Volviendo al sonido del disco,

hay temas donde parece que la voz quiere sonar como un instrumento más, alejada del plano principal, y queriendo fundirse con toda la música para formar un todo. ¿Había una idea muy clara de cómo queríais sonar, o bien os dejasteis llevar un poco durante el proceso de grabación y mezcla? SOLE PARODY: La producción es obra de César, para mí uno de los mejores profesionales de esto con los que se puede trabajar en Madrid. Llegamos a ese sonido después de largas conversaciones y pruebas y mezclas y más mezclas para conseguir levar las maquetas que yo le mandaba (que grabo con el micro del portátil...) a un sonido más limpio pero sin que perdieran el toque lo-fi. Lo de la voz... es una de las cosas a las


que le he dado más vueltas. La meta sería exactamente esa, no sólo que sonara como un instrumento más sino usarla como un instrumento más. Creo que esto todavía no lo he conseguido del todo, la voz a veces destaca más que los otros elementos, no por el sonido sino por las letras, por la forma de cantar, no sé. Es algo en lo que tengo que seguir trabajando. TRECEGATOS: ¿Cómo es el proceso de composición y montaje inicial de los temas? En este disco, ¿cuál ha sido la aportación de Frank Santiuste a la composición? ¿Tenías los temas ya finalizados, y ha colaborado en los arreglos, actuando tú como ‘directora de orquesta’? ¿O has llegado a componer pensando específicamente en cómo sonaría con su trompeta? SOLE PARODY: Suelo empezar componiendo ritmos, y luego probando distintas melodías sobre esos ritmos con la voz y el ukelele. Casi siempre voy grabando maquetas a la vez que compongo, porque concibo los temas de una forma muy plástica y necesito visualizar las estructuras. De hecho para entenderme con Frank, cuando empezamos a tocar juntos y le enseñaba los temas, muchas veces le dibujaba “mapas” para que viera donde entraba y salía la trompeta, y las intensidades que yo tenía en mente. La cuestión es que él llegó cuando la mayoría de las canciones estaban ya compuestas, arreglos de trompeta incluidos, pero Frank tiene una cosa que me encanta y que hace que sea tan fácil trabajar con él: es un intérprete profesional. Cualquier cosa que toque, aunque no la haya compuesto él, la hace suya, suena personal, le sale de dentro. Y luego sí que hay trozos que ha aportado él, las partes improvisadas de ‘your nation’ y ‘your song’, por ejemplo que me encantan por eso, porque varían cada vez que las tocamos y es como si él respondiera


con la trompeta a las cosas que yo canto con la voz. TRECEGATOS: En Le Parody parece tener una cierta importancia la casualidad. Lo decimos en tanto que, tras participar ambos en un concurso para ir a tocar a Cuba, os conocisteis Frank y tú; de forma que una primera casualidad ha tenido mucho que ver en tu música en este momento. Y en segundo lugar, el nombre surge, en parte, porque en el cartel de un concierto vuestro, anunciado como Sole Parody, un defecto de imprenta lo dejó en “Le Parody”, lo cual sonaba tan bien que lo hicisteis vuestro. Da la sensación de que los planes no están en tu agenda, y de que te dejas llevar por cada guiño que te ofrece la vida. ¿Hay alguna otra casualidad en tu forma de empezar a hacer música, en coger el ukelele o programar bases? Y una pregunta dentro de la propia pregunta... ¿Algunos de los loops y samples cinéfilos que hay en este disco tienen algún origen especialmente destacable, por la casualidad o lo inesperado?

SOLE PARODY: Bueno, con respecto a lo primero yo más que de casualidades hablaría de aprovechar las oportunidades. O de entusiasmos. No sé si es casualidad que esté rodeada de profesionales tan buenos, pero el caso es que cuando me entusiasmo con alguien lo que quiero es hacer cosas con esa persona. Frank apareció de pronto y justo en el momento preciso, una semana después de que Gonzalo (el anterior trompetista) decidiera dejar el proyecto, y con unos cuantos conciertos importantes a la vista. Historias parecidas tengo con César o con Miguel, el diseñador del disco, o con tanta gente que me he ido encontrando por el camino, pero no son del todo casualidades. Nadie cae del cielo. Yo pregunto mucho y busco mucho, activamente. Con respecto a los loops, las frases están todas escogidas y colocadas a propósito en las canciones para completar o contradecir lo que cuentan las letras, ahí hay poca casualidad. Sí fue más fortuito el origen de loops sin texto, por ejemplo el de ‘Pity Party’: grabé el audio de un vídeo en que salía un grupo de personas gritando


en árabe, al reproducirlo en el programa de grabación que uso estaba la opción de loop activada en unos segundos del principio, empezó a sonar el mismo trozo una y otra vez y me di cuenta que el llanto del niño sonaba como una especie de melodía (que es la que luego intento imitar con los coros de esa canción). También hay un loop en ‘Family Trip’ que sacó César de una pista de banjo. Yo me había concentrado tanto para grabarlo que me había pasado la canción casi sin respirar, y en cuanto terminó cogí aire y me salió un ruido raro. En vez de borrarlo, lo incorporamos al tema. Casualidades... bueno, sí. Pero todas ocurren mientras se está trabajando.

vive también aquí en Madrid haciendo música, poesía, arte. Cásala remite a eso, a “la casa”. Luego, de manera anecdótica, cuando me puse a buscar un título para el disco, como uso muchas veces falsas traducciones inglés-español, me puse a mirar cómo sonaban en español los títulos de discos extranjeros que me gustaban. Por ejemplo, “Marry Me” (de St. Vincent) podría ser literalmente “cásame” en lugar de “cásate conmigo”. Me pareció curioso, me dio una idea. En sentido irónico, tengo esa edad en la que antes a las mujeres se las casaba. Bien, (pensé), pues este es mi casamiento, mi forma de “sentar cabeza”: hacer un disco, este disco. Y por último,

TRECEGATOS: ¿Cuál es la mayor diferencia entre las canciones más antiguas, que contenía ‘Párala Vértigo’, y las más novedosas que completan ‘Cásala’?

‘Casualidades... bueno, sí. Pero todas ocurren mientras se está trabajando.’

SOLE PARODY: Yo noto una diferencia entre las primeras canciones que compuse, las de ‘Párala Vértigo’, y las últimas. Me di cuenta tocándolas en acústico: las antiguas eran más pop, tenían melodías más predecibles o más pegadizas (como ‘Love Me’ o ‘Tip Toe’), las nuevas me cuesta hacerlas sólo con voz y ukelele, los elementos electrónicos tienen más peso. Pero todos los temas tienen relación entre sí, un mismo estilo, forman un todo.

el tema de la sonoridad, que para mí es tan importante como el significado. Buscaba una palabra musical. A un nivel muy básico, ¿cuál es la onomatopeya que primero se te viene a la cabeza cuando piensas en canciones? Pues, “la la la”, ¿no? “Cásala” tiene esas tres “áes”. Además me gustan las esdrújulas, los imperativos, los uso mucho. Tanto en el título del anterior EP (‘Párala...’), como en letras de muchas canciones (tócala, ábreme...). Me suenan a palabras de acción.

TRECEGATOS: Una pregunta que bien podría haber sido la primera, pero somos tan olvidadizos como para dejarla para el final... ¿Hay algún motivo especial para que el disco se llame’Cásala’? SOLE PARODY: Sí, por supuesto, hay varios. Primero, buscaba una palabra que fuera representativa de todo el proceso de hacer este disco, darle contexto. Y el contexto del disco ha sido la casa en la que vivo, la familia de la que me rodeo de gente que

TRECEGATOS: Finalmente, para terminar de abusar de tu paciencia, nos gustaría que nos contaras un poco tu punto de vista sobre el precio libre de tu album, que nos parece una iniciativa realmente maravillosa. SOLE PARODY: Bueno... es largo de explicar, en el tumblr de ‘Le Parody’ puede encontrarse un post que escribí al respecto. Se trata de creer que es posible vivir y crear en una comunidad de gente que se cuida


y se preocupa por ti, que no te deja tirada y te ayuda a salir adelante. Es un ejercicio de confianza. La hipótesis: si te gusta el disco, y sabiendo que necesito dinero para subsistir y poder seguir haciendo música, querrás voluntariamente aportar algo para hacer eso posible. Y si no puedes (o no quieres) por cualquier razón aportar algo, eso es cosa tuya. Yo no te voy a criminalizar por llevártelo a cero euros. Además ahora mismo me interesa que se difunda lo más posible, y hacerlo tan accesible ha permitido que en un mes se haya descargado más de 700 veces. No es sólo la cuestión de pensar lo bonito que es que haya 700 personas con tu disco en el iPod, sino que también tiene la parte práctica de saber qué acogida real está teniendo, y por ejemplo estimar cuánta gente vendría a los conciertos, que es con lo que hoy día los músicos podemos ganar algo de dinero. Por otra parte, es mi posicionamiento frente al interminable debate sobre la distribución digital de música, y más aún, sobre el valor económico de las cosas... Pueden hacerse copias ilimitadas del disco, entonces... ¿cómo calculo el precio? Y en realidad, ¿cuánto me ha costado a mí hacer el disco? ¿Cómo lo valoro? En realidad son preguntas sin respuesta, no tengo la solución. Sí la intuición de que encontrarla depende de cambiar radicalmente el sistema, por lo menos en lo que respecta a la industria de la música. n

http://leparody.bandcamp.com/ http://leparody.tumblr.com/ https://www.facebook.com/leparody https://twitter.com/soleparody


‘Cásala’ La personal banda sonora vital, con todos sus pequeños matices, que ha elaborado Le Parody no ha pasado, ni podía pasar, sin hacer ruido tras su publicación. A pesar de caminar con pasos tranquilos, relajados y descalzos, el eco que ha alcanzado durante el pasado año ‘Cásala’ es casi sorprendente. Y aún queda lo mejor, el recién inaugurado 2013. El album está cargado de, precisamente, vitalidad, energía; una energía que casi nos trasciende, erigiéndose como un optimismo colectivo. Sí, hay revolución, baile,... pero entendiéndolo todo en el sentido del folclore más ancestral, de bailar juntos para espantar las penas, las desilusiones. Y es que, aunque hablemos repetidamente de optimismo, es en el sentido de una alegría más elaborada que la simple fiesta, sin más. ‘Cásala’ es como un abrazo o una palmada en la espalda para consolar una desilusión, o la sabiduría de enfrentarse a los pequeños guiños de tristeza de cada día, o el baile porque sí, en el sentido más lúdico. Sólo así se entiende que, ya desde el arranque, con ‘La Herida’, que podría sonar tan, tan profundamente melancólica en otros casos, se perciban unos ecos tan sonrientes. Y es que,desde esas palmas digitales

con sabor tan mediterráneo conque se inicia ‘Cásala’, la sensación es única y casi contagiosa. Se lo comentaba a Sole Parody durante la entrevista, y no se me ocurre una mejor forma de describir lo que me transmiten los diez maravillosos cortes que componen el LP: con ‘Cásala’ sonando en mis auriculares, caminar con la calle me hace sentir como el protagonista de una colorida comedia musical. Aunque todo es posible al girar una esquina, también es posible que no ocurra nada, y el saber valorar la pequeña gracia que nos otorga un día cualquiera es la clave para mirar, con cierto optimismo, todo lo que llamamos ‘cotidiano’, que es, al fin y al cabo, lo que nos rodea. La varita mágica de Sole Parody dirige, con su ukelele y samplers en apariencia imposibles, un disco en el que, por norma general, la libertad se percibe en todos los temas. Las estructuras huyen de lo convencional, no hay un estribillo marcado y reconocible; en todo el album hay una sensación de conjunto, de fusión de los temas entre sí. Y arropando cada corte, de forma elegante, la trompeta de Frank Santiuste. A veces sutil, a veces dominante e incontestable, el cubano desprende unas buenas dosis de hipnosis y magia; en temas como ‘LOVE ME ‘(la


PRESENTACIÓN OFICIAL ‘CÁSALA’ 9/02/2013

SALA SOL necesidad)’, sus melodías son, sencillamente, deliciosas. ‘Cásala’ es, en resumen, el abrazo sonriente y perfecto entre el folclore más pasional, aderezado por la analogía de un ukelele y una trompeta, y la tecnología de samplers y ritmos, que incluso siendo digitales, abofetean con insolente calidez a base de sonidos que, al menos a mí, me recuerdan por momentos a taconeos y palmas. Y, ante todo, es una peculiar banda sonora, que muestra el estado anímico y creativo de Sole Parody. Una banda sonora que, como un lienzo en blanco, tiene espacio para acoger nuestros propios estados de ánimo y acunarlos con una formidable sonrisa. n


S

Mvnich BUSCANDO NUEVOS SONIDOS Denso, atmosférico. El album de debut de los gallegos, ‘INA’, es generoso en crear texturas que se desenvuelven con facilidad bajo el shoegaz y el postpunk más espacial. Tras unas exitosas y bien distribuidas demos, Mvnich mueve ficha en la búsqueda de un nuevo sonido, nuevas influencias, y un merecido hueco en el panorama indie. Mientras charlamos con Fran Nóvoa, guitarra de la banda, le damos un repaso a ‘INA’.

UNA ENTREVISTA DE J. SICKSEVEN

FOTOGRAFÍAS DE DAVID TOMBILLA


Mvnich representa, sin duda, una de las más agradables sorpresas nacionales de la última recta del pasado año. Y no sólo por el buen material que alberga ‘INA’, su debut en forma de larga duración, sino por la claridad de ideas, excelente producción y sonido del album. Con ganas de repasar este último año de los de Vigo, entrevistamos a Fran Nóvoa, guitarra de Mvnich. Y aunque no es de esos que derrochan sus energías en largas respuestas, el de la telecaster sí que sintetizó bien las experiencias y sensaciones de una banda que, ahora mismo, está en un momento de plena autoinvención. 13GATOS: Sinceramente, vuestro primer LP nos ha sorprendido muy gratamente, porque a nivel de producción, sonido y claridad de ideas, muestra un trabajo intachable para un debut. Con vuestra demo anterior, ya conseguisteis moveros y mucho por bastantes certámenes y concursos, con cierto éxito. Ahora que tenéis un disco debajo del brazo, qué diferencias más notables

eis en comparación al trabajo maquetero de promoción, y qué tal está siendo la acogida de público y crítica. FRAN NÓVOA: Pues prácticamente no hay muchas diferencias. El proceso de autoproducción ha sido similar tanto en el disco como en las maquetas, sólo que en el disco la inversión ha sido mayor. La promoción ‘autoproducida’ es realmente jodida. De vez en cuando te llega a alguna crítica buena o te pinchan en algún sitio, pero a estas alturas de temporada hay poca oferta para moverse. Sí, esperamos que se deba al hecho de ser ésta época del año y que cuando llegue el verano salga algo jugoso. Una gira mundial, por ejemplo. 13GATOS: Ciertos medios, al hablar de ‘INA’, hacen refererencia sobretodo al post-punk y el shoegaez como hilo conductor de vuestros temas, a bandas como The Horrors, Joy Division, S.C.U.M... Incluso me atrevería a sentir algo de los Stones Roses en ‘The


Outside Gohst’ o del protopunk de los Stooges en la guitarra que inicia ‘Silver Rain’. ¿Qué hay de cierto en todo ello? ¿En qué gustos coincidís los miembros de Mvnich? ¿Cuáles son los extremos musicales que no compartís?

cohesión y madurez del grupo a la hora de definirlo?

FRAN NÓVOA: Algunas de las bandas que citas las hemos mencionado nosotros mismos como influencias. Preferimos dejarlo claro antes de que venga alguien a tocar las pelotas.

13GATOS: Si no me equivoco, estuvisteis varios meses grabando en Bilbao, con Xabier Eguía y Jon Aguirrezabalaba. Normalmente, las bandas que graban su primer album, tienen que conformarse con unos pocos días o un par de semanas a lo sumo para grabar. Parece que habéis planeado con calma cada fase hasta llegar a ‘INA’. ¿Teníais muy claro cómo debía sonar todo, o hubo tiempo durante la grabación y mezcla para incorporar nuevas ideas a los temas, y planear una nueva producción diferente a lo que traíais?

Creo que la lista de grupos es más larga en las diferencias que en las coincidencias. De esa tensión también pueden salir cosas interesantes. 13GATOS: Me gusta la idea de que hayáis buscado un nuevo sonido para este debut, que queráis apartaros de cierto patrón previsible. ¿Cómo ha sido esa labor? ¿Hasta qué punto hay un elemento de consciencia en vuestro sonido, y hasta dónde ha llegado la propia

FRAN NÓVOA: Sería un poco absurdo sintetizar cómo hemos hecho ese cambio, es fruto de muchos factores espontáneos.

FRAN NÓVOA: Unos lo tenían más claro que otros, y en cierta medida retrasó un poco la grabación. Sí que hubo un proceso de


preproducción, y si no fuese por eso quizá hubiese durado uno o dos años más. 13GATOS: La producción es muy generosa con los espacios, con las texturas y los detalles. Hay un contraste entre la sensación de que es un sonido realmente complejo, y la de que existe una cierta inteligente sencillez instrumental, que juega con muchas capas que se sobreponen. Me encanta la forma en que los teclados entran y salen y juegan sobre la base de las guitarras. En directo, ¿qué diferencias vamos a encontrar respecto a la elaborada producción de ‘INA’? FRAN NÓVOA: Los planos de cada instrumento y de cada sonido son muy difíciles de establecerlos, según la grabación, en un directo. Seguramente en cada concierto sonemos algo diferente y eso puede darle un poco de dinamismo. ¡A ver si es cierto que nos encontráis!

13GATOS: Sois un buen ejemplo de tener las cosas claras, de ser coherentes con lo que queréis conseguir, y de que la mejor forma para lograrlo es el trabajo. Para este disco, autoeditado para el que tenga dudas, habéis gestionado todo a través de vuestro propio sello, por decirlo de alguna manera. ¿Me podéis contar un poco en qué consiste Jupink Records? ¿Hay intenciones de ampliar el catálogo y que albergue a más bandas? FRAN NÓVOA: Antes de nada decir que no es una marca registrada, así que no os lo toméis muy en serio. Lo que sí es cierto es que hemos montado algo para poder hacer las cosas ‘bien’. Pero nada más, de momento. 13GATOS: ‘Dream K’ es una forma increíble de cerrar el disco. Es realmente oscura, un instrumental realmente hipnótico. En directo, ¿cómo la encajáis? ¿La utilizáis como un lienzo en blanco para vuestras improvisaciones, o realmente tiene una estructura realmente fija?


FRAN NÓVOA: La composición de ese tema no ha sido fruto de improvisación, pero últimamente en directo suena como si lo fuera. Eso...¿es bueno? 13GATOS: ¿Cómo es el proceso de composición? ¿Hay algún miembro que suela llegar al local con las ideas iniciales, más o menos desarrolladas, o bien os dejáis llevar por improvisaciones? FRAN NÓVOA: Salvo un tema, el resto han surgido de ideas preconcebidas. Algunos han sufrido más modificaciones que otros pero lo básico se ha mantenido. 13GATOS: ¿Cuáles son los planes inmediatos que tenéis a partir de ahora, especialemente con ‘INA’ debajo del brazo? ¿Hay una gira interesante en 2013?

FRAN NÓVOA: Hemos editado el álbum en vinilo y lo estamos distribuyendo en algunas ciudades de Galicia. En lo referente a conciertos citaremos a Aznar y su ‘’estamos trabajando en ello...’’ 13GATOS: De nuevo, vuelvo a traer a colación dos nombres: Xabier Eguía, Jon Aguirrezabalaba, y sumo un tercero, Jamal Ruhe. ¿Cuál es el granito de arena, o piedra en su caso, que ha aportado cada uno a ‘INA’? FRAN NÓVOA: Xabi, conocimiento y paciencia. Jon, ideas y optimismo. A Jamal no lo conozco personalmente pero seguro que es un tío majísimo.n www.munichsound.es https://soundcloud.com/munichsound/ sets/ina


‘INA’ Como acabamos de constatar, de la mano de Fran Nóvoa, la honestidad es la seña de identidad de la banda. Y aunque el album responde a una necesidad, y a una propuesta valiente de buscar una nueva forma de sonar como banda, de apartarse de las marcadas corrientes y etiquetas que inundan el mainstream, e incluso el panorama indie, también es cierto que Mvnich no esconde ni sus cartas ni sus influencias. Sí, ya las hemos mencionado antes, e incluso podría recurrir a la típica frase de ‘mezcla en una cocketera a...’, pero me conformaré con decir que, de una forma u otra, los retazos que recuerdan a The Horrors, Joy Division, S.C.U.M. y familia están en ‘INA’, pero a la vez no aparecen de forma evidente. Mvnich no evita hablar de influencias, pero el trabajo que han realizado con los temas del album ha dado como resultado que, de forma incontestable, disfruten de una sonoridad propia. Estoy convencido, tras escuchar repetidamente los cortes que componen este LP, que este grupo tiene ese ‘algo’, indescriptible a veces, que les permitirá crecer año tras año. Lo reconozco, tengo esperanzas, y muchas, en el futuro de Mvnich.

Pero no adelantemos acontecimientos, y hablemos de su enorme album de debut. ¿A qué suena, qué se esconde dentro, qué hace que nos guste, y tanto, este LP? En primer lugar, y sin duda alguna, uno de los primeros elementos de sorpresa es la excelente producción. Se nota, y mucho, que detrás del trabajo de la banda con Xabier Eguía y Jon Aguirrezabalaba, amén de la masterización de Jamal Ruhe, hay una planificación de meses, una exhaustiva búsqueda que no sólo ha evitado dejar al azar ningún segundo de este album, sino que además ha querido capturar con frescura los momentos de magia de una banda que, sabedora de la claridad y personalidad de su sonido, ha querido reflejar y explotar adecuadamente sus virtudes. La sensación general que transmite ‘INA’, su hilo conductor, está marcada por la densidad, pero al mismo tiempo transmite una inmediata atmósfera de amplitud, de sonoridad revosante de espacio. Y además, una bendita cohesión poco corriente en el estreno discográfico de una banda. Desde el primer instante de ‘Magnicide’ a los últimos estértores de ‘Dream K’ , ‘INA’ constata el


milagro de estrenarse en la escena musical con un sonido heterogéneo, reconocible y generoso con los mil matices y texturas que arropan, cuidadosamente, cada uno de los diez cortes del album. Por decirlo de alguna manera, es un disco que respira, que se escapa de la tendencia a sonar un tanto sintético, sobretodo en el ámbito musical en que podríamos encuadrarlos. Un buen ejemplo de ello es una joya, en cuanto a producción se refiere sobretodo, como ‘Satin Dolls’. En éste, el segundo tema del disco, hay espacio para guitarras embarradas entre una muralla de fuzz, teclados de sonido más lúdico, y voces que coquetean con todos los registros que alcanza Guillermo Zapata, cantante de Mvnich. Y todo ello, con una insultante solvencia y soltura. Aparte del que acabo de citar, merece y

mucho la pena escuchar ‘Magnicide’, ‘Bigger Soul Than My Heart’, ‘Learn About’ y ‘Silver Rain’, que quizá muestra el lado más salvaje de la banda. Y si a estas alturas quedaba alguna duda... Si de un disco de diez temas, destacamos la mitad, ¿no es ése el mejor síntoma de que es realmente bueno? Si no incluiste a Mvnich como banda emergente del pasado año, espera a ver cómo crecen este 2013. Prometen, sólo es cuestión de tiempo.n


S

José A. Rueda CELEBRANDO LOS VEINTE AÑOS DE INDIE El pasado mes de diciembre se estrenaba el documental ‘Independientes’, que realiza un merecido repaso a la escena independiente nacional, desde que comenzó a caminar, casi a gatas, allá por el año 92. José A. Rueda, el aventurero cinematográfico que ha llevado el proceso adelante con delicadeza casi artesanal, nos cuenta un poco más acerca de su indiemetraje.

UNA ENTREVISTA DE EMILIO J. SÁNCHEZ


FOTOGRAMA DE ‘INDEPENDIENTES’ José A. Rueda podría ser calificado, sin miedo a confundirse, como un artesano audiovisual. Durante varios años, con paciencia y buen hacer, ha ido armando las piezas de un documental que, para qué negarlo, se necesitaba. Lo necesitaba, al menos, la escena indie nacional. Su obra es directa, y responde al escueto pero clarísimo título de ‘Independientes’. Y en un ejercicio de honestidad, y siguiendo las directrices de lo que le ha motivado a enfrascarse en esta tarea, ha colgado de forma gratuita el documental tanto en Youtube como Vimeo. A fin de cuentas, detrás de ‘Independientes’ no hay ánimo lúdico alguno; tampoco ningún apoyo. Sólo tenacidad e ilusión por llevar adelante una idea, un proyecto que, aunque ambicioso en un inicio, ha resuelto de forma directa y magistral. Quizá sea por mi desconocimiento de lo audiovisual, del misterio que me supone la labor de filmar un documental y montarlo, pero el trabajo que ha tenido que realidad José A. Rueda se me antoja enorme. Casi

como una suerte de pequeño Orson Welles indie, ha desarrollado todas las tareas que se requerían: contactar con músicos y periodistas, guionizar el metraje, rodar... y luego el montaje. Y quizá por ese desconocimiento, lo mejor sea hablar con él, dejar que nos cuente qué ha habido detrás de esta hora de duración de ‘Independientes’. 13GATOS: La primera pregunta tiene que ver con los apoyos que has recibido para poder rodar ‘Independientes’. Según he podido leer, había en un comienzo una productora sevillana, llamada ‘Secuencia’ que te ayudó en un primer momento. ¿Cuál ha sido, exactamente, el papel de ‘Secuencia’ en esta historia? JOSÉ A. RUEDA: ‘Secuencia’ es una empresa pequeña, con la que teníamos un cierto compadreo, y tenían un equipo de vídeo que dejaban a nuestra disposición. Yo tenía la idea del documental desde hacía un tiempo, y ellos me dijeron que tenía ahí el equipo para lo que quisiera, así que eso fue lo que necesitaba para animarme. Es por eso


que el apoyo de ‘Secuencia’ ha sido importantísimo, pero aparte de eso, ha sido un proyecto totalmente individual. 13GATOS: La otra empresa que también suena es la llamada ‘La Fabriquilla’, aunque creo que es algo más personal, más tuyo... JOSÉ A. RUEDA: Es algo normal en el mundo audiovisual crear, inventar, nuestra pequeña empresa, con aspiraciones de que se convierta en algo serio. Yo, en este caso, lo he tomado como un sello, como es el caso del indie y los sellos discográficos, cuando autoeditan sus trabajos y crean ese sello para sacarlo. Es un sello de carácter audiovisual, de corte artístico, más que empresarial. 13GATOS: Aparte de lo que comentábamos de ‘Secuencia’ y su apoyo más logístico, ¿ha habido gente que te haya ayudado de una forma más personal en el proceso de grabación y montaje de ‘Independientes’? JOSÉ A. RUEDA: La colaboración más importante ha sido la de Rubén Ruiz Hurtado, que aparece en los créditos como director de fotografía. También aportó su cámara, que se sumaba al equipo de ‘Secuencia’. Es una pequeña cámara, la que hace los planos alternativos; es de menor calidad, no es HD. Y aparte de material, también aportó sus planos, sus ideas... Aunque no estuvo en todas las entrevistas, sí que aparece en la mayoría, y ha sido la única colaboración fija. Aparte de Rubén, ha habido otros colaboradores puntuales, ya que casi toda la gente que me rodea pertenece al mundillo audivisual; así que siempre había alguien que nos echaba una mano, nos dejaba equipo, micrófonos... En todo caso, no ha habido un personal fijo... Había gente que ha estado en una sola entrevista, u otros como Alfonso, que me ayudó con los créditos, y con el sonido en algunos momentos concretos.

13GATOS: Y hablando del montaje, ¿también te has encargado de él personalmente? JOSÉ A. RUEDA: Ha sido una locura, dado que mi ordenador no estaba para muchos trotes (risas). Preferiría no haberlo hecho yo mismo, porque cuando el director o productor se encarga del montaje, normalmente no se rige por criterios puramente objetivos. Por ejemplo, en el caso del productor, muchas veces incluye un plano o entrevista por el esfuerzo económico que supuso grabarlos,... Por eso quería que el montaje lo hiciera una persona ajena, a quien diera una seria de directrices, y luego tomara él las decisiones, de forma más objetiva, sobre cómo resultaba mejor... Al final, como no quise

‘...preferiría no haberlo hecho yo mismo (el montaje), porque cuando el director o productor se encarga de ello, normalmente no se rige por criterios puramente objetivos...’ enmarronar a nadie, me encargué de ello personalmente... Pero intenté meterme en el papel del montador, y obviar el del director y productor. 13GATOS: Durante el tiempo que te ha llevado finalizar el documental... ¿ha habido algún momento de desánimo, de pensar que no ibas a terminarlo por lo complicado del proceso, y de verte algo solo? JOSÉ A. RUEDA: Ha habido un parón largo, de un año, pero se debió a que, aunque por entonces vivía en Sevilla, estuve en Bulgaria estudiando con una beca. Sí es cierto que, cuando volví, alrededor de 2010, y retomé


FOTOGRAMA DE ‘INDEPENDIENTES’ el proyecto, el esfuerzo fue mayor de lo que pensaba. Sobretodo a la hora de guionizar, ordenarlo todo, mis ideas, la forma de contar la historia... Ello me provocó una cierta sensación de agobio, y luego estuvo el montaje, por los problemas informáticos...

narrador, como algo externo a lo que se cuenta, y centrar ese papel en Julio Ruiz.

13GATOS: Uno de los elementos que más me han gustado del documental es el papel de Julio Ruiz. Es, a la postre, el único personaje que, sin ser músico, aparece en ‘Independientes’, y realmente es como el hilo conductor, el narrador que otorga cohesión a la historia...

JOSÉ A. RUEDA: La idea era ésa, evitar caer en el recurso de la voz en off, que en este tipo de documentales musicales no pega nada. Además, al estar compuesto casi exclusivamente de entrevistas, no quería que resultara pesado... Por eso encontré en Julio Ruiz la persona perfecta para avanzar en la historia, de año en año, aunque quisiera evitar también una narración lineal.

JOSÉ A. RUEDA: Fue la última entrevista que se hizo, sobretodo a raíz de que Maga me hablaron de él como impulsor del indie. No tenía pensado que fuera ese hilo conductor, pero resultó ser la entrevista más larga, y se erigió como un auténtico libro abierto sobre la escena musical... Resumiendo toda la historia desde la movida, hasta en nacimiento del indie y su asentamiento... Así que lo tuve claro, cuando realizaba el guión, de evitar el corte clásico de documental con una voz en off como

13GATOS: Ese recurso nos ha gustado, hace el documental más llevadero, consigue que todo fluya de una forma muy natural...

13GATOS: Y siguiendo con la lista de personajes que protagonizan ‘Independientes’... ¿cómo te las apañaste para contactar con ellos? ¡Porque se trata de grupos y solistas de primera fila! JOSÉ A. RUEDA: Ha sido relativamente fácil. Al principio, cuando se me ocurrió la idea, tenía pensado contactar con los grupos a través de una amiga en Sevilla, que por


entonces organizaba allí conciertos... quería aprovechar cuando algún grupo fuera a tocar para entrevistarles... Sin embargo, cuando me arranqué con el documental, vinieron Los Planetas a tocar a Huelva, y vía correo electrónico, contacté con su manager, que no puso pega alguna. Aunque finalmente J. prefirió no participar, el resto se ofreció sin problema. Y quizá el hecho de contar con ellos fue una ayuda para el resto de las entrevistas. También contacté con gente como Antonio Luque o Julio Ruiz vía MySpace, cuando MySpace era lo que era (risas)... En otros casos fue a través de agencias de contratación... Sólo tuve un no, y en otro caso no se pudo realizar la entrevista porque fue imposible buscar una fecha.

del indie nacional, es decir, Nacho Vegas, Los Planetas y Sr. Chinarro. Y aunque finalmente el documental se centra en los 90, mi intención era contar la historia de los veinte años del indie en España, e incluir también más material de la década del 2000, como momento de consolidación de los grupos del panorama independiente,

13GATOS: Y respecto al criterio para elegir a los protagonistas, ¿estuvo marcado por tus propios gustos y preferencias, o intentaste ser objetivo para darle sentido a la historia, a la evolución de la escena indie?

a excepción de Lori Meyers, por ejemplo... También hubo casos como el de Maga, que los elegí también como representantes de esa segunda década, pero al descubrirme toda su trayectoria anterior, acaban revelándose más como un grupo de los noventa... En el caso de Los Enemigos, fui buscando la opinión de un ingeniero de

JOSÉ A. RUEDA: He intentado ser objetivo, sobretodo a la hora de elegir el ‘triunvirato’

‘...así que lo tuve claro, cuando realizaba el guión, de evitar el corte clásico de documental con una voz en off como narrador, como algo externo a lo que se cuenta, y centrar ese papel en Julio Ruiz...’

FOTOGRAMA DE ‘INDEPENDIENTES’


RODAJE DE ‘INDEPENDIENTES’


RODAJE DE ‘INDEPENDIENTES’ sonido, pero también cambió la cosa, y fue una entrevista que se centró en el puente con la movida, con la escena de los 80, de lo que llama Julio Ruiz el ‘preindie’.

una historia sin centrarme en una época en concreto... Eso tiene, al mismo tiempo, un peligro, y es que al hablar de los noventa puedo hacerlo de una manera más objetiva que acerca del presente...

13GATOS: Otro detalle que me gusta del metraje: no se centra en los, por decirlo de alguna manera, ‘años dorados’ del indie, en los años 90... sino que se sigue una línea continuista hasta al presente, como si lo mejor estuviera por venir. También el hecho de que no cuentes el nacimiento de la independencia musical en España como si naciera de la nada, sino que partes, como decíamos antes, de la ‘movida’... Y especialmente, que no se intuye nostalgia alguna, lo cual me parece un gran acierto.

Así, por ejemplo, al repasar la escena actual, y en un plazo de tiempo tan pequeño, se ha quedado el documental algo raro o desfasado, por eso de hacer todos los grupos mención a MySpace como herramienta, cuando ahora mismo ha perdido bastante presencia.

JOSÉ A. RUEDA: Aunque no hay una intención de evitar la nostalgia, sí la hay de hacer un repaso a la evolución de los grupos, del inglés al castellano... Quizá, en ese sentido, me quedé corto de material para hablar de la segunda década, la del 2000-2010, y con ello del asentamiento de la escena en España,... pero en todo caso quería contar

13GATOS: A fin de cuentas, la evolución de internet es vertiginosa, y de un año a otro todo cambia. Quizá lo importante sea quedarse con la trascendencia del medio para la escena indie, y no sólo con MySpace de forma concreta. JOSÉ A. RUEDA: Claro, mi pregunta hablaba de internet en general como medio, pero en ese momento todos contestaron acerca de MySpace, del boom que supuso en ese momento, y del éxito de Russian Red y Vetusta Morla por entonces, sobretodo a


través de allí. 13GATOS: Una pregunta a título más personal... ¿qué grupo te marcó más de esa época, y en cierta medida es el culpable de que, con los años, te metieras en esta aventura?

trailer, tuvo bastante movimiento. Y el documental, aunque fue ignorado por algunos medios en un comienzo, ahora ha aparecido en medios como Rolling Stone o Mondo Sonoro... 13GATOS: Por el momento, cualquiera puede

JOSÉ A. RUEDA: El primer grupo que yo conocí fueron Los Planetas, cuando publicaron ‘Unidad de desplazamiento’... y es que yo en los noventa era más un niño que otra cosa (risas). Recuerdo ecos del ‘Chupchup’ de Australian Blonde, o Astrud... Así como aquellos grupos que quizá surgieron abusando un tanto de la comercialidad...

‘...si por ejemplo TVE me ofreciera emitir el documental, lo aceptaría siempre y cuando no se modifique la obra. Es como el símil del grupo indie que ficha con una multinacional.

13GATOS: A pesar de que ‘Independientes’ lleva poco tiempo disponible, ¿qué tal está siendo la acogida por parte del público y los medios?

ver, gratuitamente, vía Youtube o Vimeo, el documental. ¿Estarías también abierto a que se emita en televisión, si alguien te lo ofreciera?

JOSÉ A. RUEDA: Viendo la acogida, estoy bastante contento. Ya cuando colgué el

JOSÉ A. RUEDA: Extrapolando la actitud independiente, si por ejemplo TVE me

FOTOGRAMA DE ‘INDEPENDIENTES’


ofreciera emitir el documental, lo aceptaría siempre y cuando no se modifique la obra. En todo caso, no tengo interés lúdico alguno. Es como el símil del grupo indie que ficha con una multinacional. 13GATOS: Para terminar, me gustaría preguntarte por tus proyectos futuros... si tienes algo en mente, o si por ahora prefieres centrarte únicamente en ver qué tal funciona el documental que acabas de terminar... JOSÉ A. RUEDA: A raíz de la acogida del documental, aunque no sienta ni presión ni obligación, si me gustaría realizar algún otro proyecto musical. Es algo muy concreto y específico, pero que me gusta... De hecho, colaboro con una página web, El Enano Rabioso, que cumple ahora su décimo aniversario... Está en el aire rodar un documental sobre ese aniversario, e incluso me han propuesto cosas sobre la escena musical de ciertas ciudades, y además me he ofrecido a colaborar en ciertos proyectos ajenos... Incluso tengo en la cabeza determinadas ideas por desarrollar... n

FOTOGRAMA DE ‘INDEPENDIENTES’


S

‘Independientes’ Comenzaba la entrevista con José A. Rueda, director y responsable de ‘Independientes’, diciendo que su documental es una obra que el indie patrio necesitaba. Un documental que no sólo repasa las dos décadas pasadas, sino que además atisba en los últimos extertores de la movida su origen, y deja la puerta abierta hacia un futuro basado en la libre distribución, y el uso de internet y las nuevas tecnologías. El comienzo de ‘Independientes’ es realmente brillante. El dial de una radio, barriendo de un lado a otro, buscando una emisora entre el desierto del ruido blanco y las constantes referencias a la movida... a sus últimos coletazos, y a la tediosa memorabilia y ensalzamiento de la escena musical de los 80... y de pronto, sin más, aparece la voz de Julio Ruiz. Disco Grande, Radio 3. El oasis, el punto primigenio que serviría de altavoz, el altavoz que retransmitiría el justo momento en que estallaría todo. A partir de ese momento, será el propio Julio Ruiz el narrador indirecto de la historia. No hay voz en off, como nos indicaba José A. Rueda. No, la historia fluye de forma natural. En la voz de quienes protagonizaron el eje de esta historia. O mejor dicho, sin hablar del pasado: de quienes la protagonizan. Porque ‘Independientes’ no muestra una historia finalizada, sino que es el retrato inacabado de una corriente musical, el llamado indie, que se encuentra en plena forma, que mira hacia el futuro con la misma insolencia que 20 años atrás, sin

quebrarse en su creatividad. Precisamente los mil y un conceptos de qué entiende cada protagonista del término indie sirve también de hilo conductor del documental. Para saltar de época a época, para recordar unos años 90 en los que confrontaban los grupos que trabajaban con pequeños sellos, de carácter underground, con aquellos que fichaban por grandes multinacionales; para recordar cómo ciertas bandas necesitaron más de una década para consolidarse en la escena musical; o para fijar, con claridad, la evolución de las bandas desde el uso del inglés, y la influencia marcadamente anglosajona, a la reivindicación de un indie nacional propio, en castellano. Y todo ello con entrevistas en los que se percibe la sinceridad y comodidad de los músicos, con imágenes en directo rodadas en exclusiva para este documental; y una lista nada desdeñable de protagonistas: Los Planetas, Nacho Vegas, Lori Meyers, Sr. Chinarro, Maga, Lagartija Nick... Pero ante todo, la grandeza de ‘Independientes’ es evitar la cuadratura de un documental nostálgico, uno que considerase que una época (la que nació en los 90s) hubiera finalizado. ‘Independientes’, en cambio, muestra la línea vital del indie, oteando en su origen, para entender mejor su presenta, y también su futuro. Porque lo mejor, nos dice el presente, está por venir. n


S

Julio Ruiz LA VOZ DEL INDIE Quizá resulte curioso, pero si tuviéramos que realizar una encuesta de las que tanto gustan a Julio Ruiz, una de ésas al estilo de la superbanda indie del año, pero referente a cuál es la voz por antonomasia del panorama independiente nacional, más de uno votaría la suya. Humilde, honesto y con extrema sencillez, su carrera periodística quedará para siempre marcada por haber acunado y ayudado a crecer, como a un hijo, al movimiento indie patrio.

UNA ENTREVISTA DE J. SICKSEVEN


27 de marzo de 1971. Una fecha lejana, que en breves cumplirá su cuadragésimosegundo aniversario. Y justo ese día, tan lejano en el calendario, un joven Julio Ruiz, con 18 años y algún disco de MC5 y Moody Blues bajo el brazo, estrenaba en Radio Popular un programa llamado Disco Grande. Cuarenta y dos años desde entonces, todo un milagro en estas tiempos, en los que lo audiovisual, lo mediático, corre a toda prisa, donde es difícil encontrar programas que aguanten tan siquiera un par de años. Y lo más importante, sin plegarse en momento alguno al mainstream, a lo comercial, a lo que debería sonar, a lo que quizá tenga un público más amplio y generalizado... o más facilón. Pero, sin duda, el momento de mayor trascendencia en su carrera lo marca el nacimiento de la música indie en España. Julio Ruiz, quizá por instinto, quizá porque su nariz le indicaba que había algo original, creativo y fresco surgiendo de una nueva generación, le prestó su apoyo, y hasta su

peculiar ‘etiqueta’. En medio de aquella ola musical noventera, Julio Ruiz fue para muchos un soporte, al mismo tiempo que una referencia. Además, ha protagonizado una forma muy personal de hacer radio. Una fórmula que nace de su propia pasión por lo que hace, amén de una conexión constante con su público. Las votaciones anuales por parte de los oyentes (la afición) para seleccionar la mejor maqueta (o EP hoy en día) del año, los mejores discos nacionales e internacionales (de aquí y de fuera), el supergrupo indie... Sí, cuarenta y dos años haciendo el programa de radio que él quiere. Normal que, para estrenarnos, hacer esta entrevista express nos haya hecho tanta ilusión, al menos a título personal. Ojalá hayamos estado, al menos un poco, a la altura de las circunstancias. 13GATOS: ‘All you need is love’ de The


Beatles, por unas 65 pesetas de las de entonces, y un single de The Troggs tan coreable como ‘With a girl like you’ creo que marcaron el inicio de la inmensa colección musical de Julio Ruiz. No vamos a preguntar por el número de LPs, en vinilos, cedés y demás que posees, pero sí un par de cosas sobre tu colección: ¿Cuál es el disco que tienes más veces repetido, por cuestiones de puro capricho y fetichismo, y qué album podría sorprender a quienes te siguen en Disco Grande, por eso de pertenecer a un estilo muy alejado de la música que sueles programar?

oído.. o la suerte... Y es un placer ver cómo artistas que dieron sus primeros pasos en el programa hoy son grandes en el territorio indie o incluso más allá. El caso de Los Planetas es especialmente significativo.

JULIO RUIZ: El primer álbum de Bowie con seis portadas diferentes... de distintas ediciones... Por homenaje a mi madre, gran paladeadora y conocedora de música, y a su tierra, guardo el single de “Carretera de Asturias” de Antoñita Moreno.

JULIO RUIZ: Afortunadamente, los censores de radio de la época ni se enteraban si poníamos una canción prohibida, o mejor

13GATOS: Sólo a título de ejemplo, ponemos encima de la mesa un par de fechas: 1992 y 2010. En el primero, suena la primera demo de Los Planetas, lo cual acabaría detonando en que ‘Mi hermana pequeña’ fuera elegida canción del año. En 2010, Disco Grande dedica un programa íntegro a desgranar ‘Una Ópera Egipcia’ de los de Granada. Han pasado casi dos décadas, y un grupo que empieza a sonar en tu programa ha tenido tiempo de sobra para erigirse en el quizá más destacado, a nivel nacional, del rock independiente. Está más que claro que si algo te identifica es tu apuesta por la escena musical, incluso por grupos noveles. ¿Qué sientes al echar la mirada atrás, y ver cómo han evolucionado esos grupos a los que diste un hueco en tu programa? JULIO RUIZ: Me enorgullezco de que desde Radio 3, RNE, la radio pública, apoyemos las propuestas que en principio apenas sean maquetas. Ahí manda el buen ojo u

13GATOS: En el año 1971 comienza tu andadura con Disco Grande, pinchando a bandas como MC5, algo poco menos que atípico en la España de la época. Hasta que, a finales de 70, no se inicio la transición política hacia la democracia, ¿tuviste algún problema en cuanto a la música que pinchabas?

‘...me enorgullezco de que desde Radio 3, RNE, la radio pública, apoyemos las propuestas que en principio apenas sean maquetas...’ dicho, un disco prohibido en España (ya fueran los Stones, Lou Reed o los Kinks). O no se enteraban o hacían la vista gorda... 13GATOS: Supongo que no hay recetas mágicas, e incluso que mirar hacia atrás y encontrarse con más de 40 años a las espaldas es sorprendente, por lo rápido que pasa el tiempo. ¿Pero qué elementos crees que te han permitido estar en antena todo este tiempo, y ser en cierta medida un referente para el movimiento indie nacional? JULIO RUIZ: Mi pasión por lo que hago. Hay gente que no lo sabe pero hasta hace cinco años yo no he vivido de Disco Grande. O no cobraba en aquellos tiempos o la colabora-


ción en pago era mínima o insuficiente para vivir de ello. Por eso tuve que hacer otras labores relacionadas con el periodismo en prensa escrita o tele. Pero, vamos, hoy ya sí que soy trabajador fijo en RTVE y sigo teniendo la misma emoción y ganas que el primer día. Mi trabajo me entusiasma. 13GATOS: Desde que la ola de lo que llamamos, para bien o para mal, indie se inició a finales de los 80, principios de los 90, hasta ahora, ¿crees que ha cambiado algo la consideración de los grupos que se encuadran bajo esa, digamos, etiqueta? Porque en los 90, al menos en nuestra opinión, parecía querer negárseles a las bandas pioneras en hacer cierto tipo de música, su valía y trascendencia. Digamos que no disfrutaron del reconocimiento contemporáneo que, antaño, se les dio a las bandas que encabezaron la ‘movida’. JULIO RUIZ: Ésa es una vieja batalla que a veces abandero. Los grupos noventeros no han tenido el mismo trato que los ochenteros. Y no es justo. Parece que ahora con la perspectiva las cosas se van poniendo en su sitio. 13GATOS: Aunque muchos se plantean si internet es o no algo positivo para la música, o mejor dicho, para la concepción clásica de la industria musical, es interesante ver que nunca se ha considerado una amenaza para la radio, que ha sabido adaptarse a los nuevos medios. A pesar de que a golpe de un solo click encontremos toneladas de bandas nuevas por descubrir, perfectamente catalogadas en Spotify, por ejemplo, ¿qué aporta la radio al oyente, que permite que conviva con tales medios sin debilitarse, sino quizá todo lo contrario? JULIO RUIZ: Efectivamente, hoy en día, el oyente ávido puede encontrarse con mil y una propuestas a golpe de click... A la radio

y a determinados programas que apostamos por lo nuevo/no-descubierto nos queda el papel de lo que llaman prescriptores. O sea, desbrozar. Y quizás la autoridad para que luego haya quien diga...”oye que a los (pongamos aquí un nombre emergente) los está poniendo (pongamos el nombre de un programa)” 13GATOS: ¿Cuál ha sido la última vez, con una banda nacional y/o de fuera, que te has quedado realmente sorprendido pensando en lo increíblemente bueno que era lo que estabas escuchando? JULIO RUIZ: Voy a referirme al último grupo maquetero triunfador en mi programa. Doble Pletina tenían (tienen) algo. Lo mismo que en tiempos Los Planetas, Facto

‘...Hay gente que no lo sabe pero hasta hace cinco años yo no he vivido de Disco Grande....’ delafé..., Layabouts, Dar Ful Ful.... 13GATOS: Maldita sea, nos enrojecemos al hacer una pregunta tan típica, pero... se cierra el 2012, y llega algo tan clásico y bien seguido por tus oyentes como rememorar el año: votaciones a mejor banda de aquí y de fuera, banda indie con los mejores músicos... A título personal, ¿qué destacarías especialmente de los últimos 365 días? JULIO RUIZ: He visto últimamente dos grandes conciertos, cada uno de su palo, el de Jack White y el de Los Planetas. Valgan -y lo he hecho adrede- dos referencias del mainstream indie. 13GATOS: ¿Cómo surgió la idea, o el primer


G.A.T.O.? ¿Hay alguno de ellos que rememores de forma especial? JULIO RUIZ: Pues... si venían los ilustres por el programa a hacer entrevista (hace veintitantos años, en los noventa´s) si dejáramos una guitarra en un rincón del estudio como cebo para que la charla se acabase con una coplilla. Así cayeron nada menos que Thom Yorke Radiohead y Damon-Coxon Blur. Por eso lo de grabación a traición original. Hoy las g.a.t.o.´s ya no son a traición y las guitarras se las traen puestas los invitados. 13GATOS: Para terminar, una pregunta que prácticamente soslaya premios, años en antena y consejos sobre cómo estar en la vanguardia radiofónica... Vayamos a los sentimientos, a las sensaciones y experiencias vividas,... ¿Qué momentos inolvidables se te vienen a la cabeza? Ya sean

más o menos trascendentales... A nosotros se nos vienen a la cabeza dos: el día que convenciste a Thom Yorke para marcarse, como contabas antes, con una guitarra prestada, un tema nuevo entonces como ‘Bullet Proof ’... o llevar a las Breeders en coche a tomar una copa en la Sala Maravillas... JULIO RUIZ: Valen esos dos, pero unamos la entrevista inacabable (porque estaba muy a gusto) a Keith Richards; Bryan Ferry y yo, ambos con traje y pajarita; Cerys Matthews, de Catatonia, y yo, sorteando charcos y barros en el festival de Glastonbury; Evan Dando, Lemonheads, en pijama, porque le perdieron la maleta en el avión, haciendo una g.a.t.o.; Noel Gallagher llevándose a su casa merchandising de mi Atleti... ufff... muchas anécdotas... n



13 Gatos Fuzz - Enero 2013