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Nota editorial

El rock en el mundo impreso se ha plasmado de muchas y variadas maneras, desde decentes críticos y amantes de la música, hasta fantoches que lo único que hacen es lucrar con la misma, como si esta se tratara de un negocio. Alejados de estos últimos y queriendo entrar en el grupo de estos primeros, se crea esta revista virtual llamada “Disco tk”. ¿El fín?, es claro, poder alcanzar noverdades discografícas de todas las épocas a melomanos de todos los rincones del planeta de forma gratuita. He aquí la primera revista que narra exclusivamente sobre álbums de todas las épocas y todos los géneros que el rock a forjado a lo largo de su vida, dando importancia tanto a clásicos inmortales como a aquellas placas enterrados en lo mas profundo del desconocimiento humano y también a los discos que con el paso del tiempo se han vuelto un culto sagrado entre los escuchas. Los avances de la tecnología, los nuevos-viejos descubrimientos musicales y el amor por llevar a cada genial banda a ese lugar de tu casa donde deben de estar nos permiten hoy presentar ante usted a esta revista de rock que solo cuenta con reseñas de discos, y una historia referida a su portada (hoy, los beatles). Dentro de cada reseña usted encontrara datos interesante sobre cada banda y un link el cual le sirvira para descargar el álbum si es que resulta ser de su interés. Obviamente el fin de la revista no es incentivar la pirateria, sino mas bien llevar a ustedes nuevas melodías, así que siempre aconsejamos, de ser posible, que consigan los discos también de forma física. Desde ya muchisima gracias por brindar un espacio de su tiempo para leer esto y esperamos que la revista logre ser de su agrado e interés.


Sumario


1960 . 1969

Rock and roll / Blues / Jazz / Beat / Soul / Folk / Garage rock / Rock psicodelico / Rock experimental / Proto punk / R&B / etc /

En este nĂşmero

The hollies


los

60’ Count Five Psychotic reaction

White noise An electric storm


Los

60’s

Rock and roll / Blues / Jazz Beat / Soul / Folk / Garage rock Rock psicodelico / Rock experimental Proto punk / R&B / etc

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Pop psicodĂŠlico

Mariposa tecnicolor The Hollies Butterfly (1967)


En la década del ‘50, tras haber creado el rock and roll Estados unidos se vio estancado en un problema de creatividad, muchas bandas se formaban por los extensos territorios Yankees, pero ninguna con el verdadero poder como para sobresalir, ninguna poseía un estigma diferente a lo que en ese momento trascendía por las emisoras radiales; mucho menos luego de que al iniciar el decenio de los ‘60 lo Beatles y los Rolling Stones impulsaron algo conocido hasta el día de hoy como la “invasión Británica”, la primer y única invasión que no trajo mas que alegría para la gente, pero claro, quien sabe un poco de historia entenderá que a los estadounidenses nunca les gusto ser menos que nadie y esto de ver a todo su pueblo cantar melodías ajenas le resulto un tanto inquietante e hiriente. A mediados de los años ’60, muchas bandas amateurs se formaban en los territorios norteamericanos queriendo imitar a sus ídolos, tantos nacionales como ingleses (notese la prescencia del cover “my generation” de los who en

el lp), estos poseían un ímpetu increíble, una energía contagiosa pero poca habilidad musical, es por ello que se los apodaría desde entonces como bandas de “garage” debido al lugar en el que muchas de las mismas se juntaban a ensayar. Lo que identifica a este género por sobre

“Butterfly es algo asi como el “Sgt. pepper...” de los Hollies. Mi disco favorito de ellos, por su soltura y su composición experimental tan bien lograda” otros es la crudeza de sus guitarras, la furia de sus baterías, lo conciso de sus bajos y los alaridos de las voces, algo así como lo que años mas tarde se conocería como punk (incluso muchas bandas que profesaban esta sonoridad fueron catalogadas como abuelos, padres, tíos o algún familiar cercano del mismo). Imagine usted que la cuestión de que por


Los

60’s

Rock and roll / Blues / Jazz Beat / Soul / Folk / Garage rock Rock psicodelico / Rock experimental Proto punk / R&B / etc

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Pop psicodélico

The Hollies Butterfly (1967)

es que quería llegar a algo. Pues bien, entonces ¿qué tiene de diferente Count five y su “Pshycotic reaction” con respecto a otros grupos?, seguramente es el cruce entre la crudeza del garage clásico (“Out in he street”), con el encanto del ritmo de rock and roll común y corriente (“The World”), el atractivo de una guitarra que tira mas para el lado psicodélico y esa voz pasiva y popular (“She’s fine”). Count five intentó por todos los medios llegar a la fama, a poder sonar en todo el globo, pero cuando recién iniciaban todas las puertas

“Butterfly es algo asi como el “Sgt. pepper...” de los Hollies. Mi disco favorito de ellos, por su soltura y su composición experimental tan bien lograda” de las grandes productoras se les cerraban, pero fue gracias al tema que da nombre al disco (y que cierra la cara A) que lograron conseguir un contrato con “Double shot”, una pequeña compañía discográfica de California que se ofrece a grabar un single que contenía dicho tema, sumado a “They’re gone get you”. Como este consiguió la fama necesaria, en 1966 el grupo se puso en campaña para largar su disco debut, pero al igual que muchas bandas de garage se disolvieron luego del poco éxito comercial que estos tuvieron, y cada uno se dedico a proseguir con sus estudios universitarios. el lp), estos poseían un ímpetu increíble, una energía contagiosa pero poca habilidad musical, es por ello que se los apodaría desde entonces como bandas de “garage” debido al lugar en el que muchas de las mismas se juntaban a ensayar. Lo que identifica a este género por sobre otros es la crudeza de

En la década del ‘50, tras haber creado el rock and roll Estados unidos se vio estancado en un problema de creatividad, muchas bandas se formaban por los extensos territorios Yankees, pero ninguna con el verdadero poder como para sobresalir, ninguna poseía un estigma diferente a lo que en ese momento trascendía por las emisoras radiales; mucho menos luego de que al iniciar el decenio de los ‘60 lo Beatles y los Rolling Stones impulsaron algo conocido hasta el día de hoy como la “invasión Británica”, la primer y única invasión que no trajo mas que alegría para la gente, pero claro, quien sabe un poco de historia entenderá que a los estadounidenses nunca les gusto ser menos que nadie y esto de ver a todo su pueblo cantar melodías ajenas le resulto un tanto inquietante e hiriente. A mediados de los años ’60, muchas bandas amateurs se formaban en los territorios norteamericanos queriendo imitar a sus ídolos, tantos nacionales como ingleses (notese la prescencia del cover “my generation” de los who en el lp), estos poseían un ímpetu increíble, una energía contagiosa pero poca habilidad musical, es por ello que se los apodaría desde entonces como bandas de “garage” debido al lugar en el que muchas de las mismas se juntaban a ensayar. Lo que identifica a este género por sobre otros es la crudeza de sus guitarras, la furia de sus baterías, lo conciso de sus bajos y los alaridos de las voces, algo así como lo que años mas tarde se conocería como punk (incluso muchas bandas que profesaban esta sonoridad fueron catalogadas como abuelos, padres, tíos o algún familiar cercano del mismo). Imagine usted que la cuestión de que por cada 20 personas haya una banda no es cosa de hoy en día nomás, antes también existían agrupaciones al por mayor y uno debía de lucirse si


Los

60’s

Rock and roll / Blues / Jazz Beat / Soul / Folk / Garage rock Rock psicodelico / Rock experimental Proto punk / R&B / etc

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Garage

Cuenta regresiva Count five Psychotic reaction (1966)

En la década del ‘50, tras haber creado el rock and roll Estados unidos se vio estancado en un problema de creatividad, muchas bandas se formaban por los extensos territorios Yankees, pero ninguna con el verdadero poder como para sobresalir, ninguna poseía un estigma diferente a lo que en ese momento trascendía por las emisoras radiales; mucho menos luego de que al iniciar el decenio de los ‘60 lo Beatles y los Rolling Stones impulsaron algo conocido hasta el día de hoy como la “invasión Británica”, la primer y única invasión que no trajo mas que alegría para la gente, pero claro, quien sabe un poco de historia entenderá que a los estadounidenses nunca les gusto ser menos que nadie y esto de ver a todo su pueblo cantar melodías ajenas le resulto un tanto inquietante e hiriente. A mediados de los años ’60, muchas bandas amateurs se formaban en los territorios norteamericanos queriendo imitar a sus ídolos, tantos nacionales como ingleses, estos poseían un ímpetu increíble, una energía contagiosa pero poca habilidad musical, es por ello que se los apodaría desde entonces como bandas de “garage” debido al lugar en el que muchas de las


mismas se juntaban a ensayar. Lo que identifica a este genero por sobre otros es la crudeza de sus guitarras, la furia de sus baterías y los alaridos de las voces, algo así como lo que años mas tarde se conocería como punk (incluso muchas bandas que profesaban esta sonoridad fueron catalogadas como abuelos, padres, tíos o algún familiar cercano del mismo). Imagine usted que la cuestión de que por cada 10 personas haya una banda no es cosa de hoy en día nomás, antes también existían agrupaciones al por mayor y uno debía de lucirse si es que quería llegar a algo. Pues bien, entonces ¿qué tiene de diferente Count five y su “Pshycotic reaction” con respecto a otros gr upos?, seguramente es el cruce entre la crudeza del garage clásico (“Out in he street”), con el encanto del ritmo de rock and roll común (“The World”) y corriente, el encanto de una guitarra que tira mas para el lado psicodélico y esa voz pasiva y popular (“She’s fine”). Count five intentó por todos los medios llegar a la fama, a poder sonar en todo el globo,

pero cuando recién iniciaban todas las puertas de las grandes productoras se les cerraban, pero fue gracias al tema que da nombre al disco (y que cierra la cara A) que lograron conseguir un contrato con “Double shot”, una pequeña compañía discográfica de California que se ofrece a

“Count five no es solo una banda de garage, su sonido es mas amable y pop. Tal vez por cosa como esas lograron, a diferencia de sus contemporaneos perdurar en el tiempo” grabar un single que contenía dicho tema, sumado a “They’re gone get you”. Como este consiguió la fama necesaria, en 1966 el grupo se puso en campaña para largar su disco debut, pero al igual que muchas bandas de garage se disolvieron luego del poco éxito comercial que estos tuvieron, y cada uno se dedico a proseguir con sus estudios universitarios.


Los

60’s

Rock and roll / Blues / Jazz Beat / Soul / Folk / Garage rock Rock psicodelico / Rock experimental Proto punk / R&B / etc

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Experimental

Gente del mañana White noise An electric storm (1969)

Los finales de los sesenta fueron sin lugar a dudas el momento de la vida donde la psicodelia empezó a reinar en el mundo musical, la gente, no necesariamente hippie, empezaba disgustar de las melodías de bandas como the beatles, the doors o jefferson airplane, de repentinos éxitos de radio como “Happy together” de los turtle, “Time of the season” de los zombies o “Incense and peppermind” de Strawberry alarm clock, muchas bandas se creaban tras este sonido con el fin de poder hacerse famosos y sonar en los medios, cosa que siempre pasó, pero así y todo siempre existieron esos tipos arriesgados y originales que decidieron traspasar la frontera de lo que la psicodelia podía dar, pocos se arriesgaron a llegar a mas y experimentar con ella, ¿y si eran pocos los músicos con las agallas, talento y aptitud para ello, cuantos podrían ser sus escuchas?, supongo que pocos, y este es el caso de lo que le paso al extremista y enfermizo disco “An electric storm” de White noise. Cuenta la leyenda que un grupo de personas poco común, de esos que aman la vanguardia y que viven su vida de modo diferente allá por el año 1968, mismo año en que Hendrix sacaba su


ultima palca, velvet undergrund iniciaba la historia del noise rock, los Beatles, aun estando peleados daban forma al disco blanco y los poderosos blue cheer dejaban sonar sus guitarras sangrientas (algo que después se conocería como stoner), se encerró en un estudio durante más de un año para crear y armar cada uno de los detalles del álbum. Es notorio a simple oída que el disco posee un trabajo de post producción impecable y una cantidad ilimitada de capas de sonidos que potencia, el efecto alucinógeno que la banda intentó -o creemos intentó- transmitir. Es una placa tan arriesgada que podríamos decir que “The pipper at the gates of dawn” que Pink Floyd creó con dos años de anticipación es solo una musicalización para niños. El disco tiene un bonito e intrincado paradigma, si sacáramos dichas capaz de voces de fondo y los efectos electrónicos de relleno, nos encontraríamos frente a un álbum que sin lugar a dudas sería un hermoso y digno lp listo para ser escuchado por cualquiera, estos hermosos dementes son de esas bandas que nunca sobran en el movimiento roquero, de esos que pueden dar a luz a una maravillosa melodía pop, encantadora y pregnante pero que prefieren utilizar la filosofía de los hermanos Mael (Sparks) y desmenuzan toda clase de encanto o mejor dicho lo

ocultan entre ruidosos sintetizadores y dementes sonidos, porque siendo sincero las melodías rítmicas de los teclados, y las voces principales son simplemente hermosas, en ese caso white noise escapa a la complejidad experimental de Cromagnon y su “Orgasm” de 1969, pero así mismo, si sacamos eso perderíamos el encanto que los ruidos blancos tiene para ofrecernos, del cual este humilde escritor se enamoró. Ya no tendríamos esa rebeldía, ese morbo que la banda nos brinda, perdería muchas palabras que la musicalización os brinda, como por ejemplo el solo de gemidos en “My games of loving” o los sonidos similares a frenadas de autos en “The visitation”. Inicialmente el disco contaba con solo 5 temas (los primeros 5) pero luego de la grabación decidió agregárseles los últimos dos, los temas más largos del disco y también los más dementes y menos tarareables. Dispuesto entre los extraños discos sucumbidos por las masas como el debut de “Silver apple”, el “The parable of arable land” de Red Krayola o el homónimo “July” entre otros, este álbum es una genial muestra de como algo arriesgado puede captar la atención ultrasensitiva de melómanos empedernidos. Pd. Irónicamente no es recomendable escuchar white noise acompañado con ácidos.


1970 . 1979

Rock progresivo / glam rock / space rock / krautrock / punk / post punk / hard rock/ heavy metal / RIO / funk / new wave / etc /

En este nĂşmero

The stooges


los

70’ Caravan

In the land of grey and pink

Warlus Song’s


Los

70’s

Rock progresivo / glam rock space rock / krautrock / punk post punk / hard rock/ heavy metal RIO / funk / new wave / etc

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Proto Punk

(No) fun house The Stooges Fun house (1970)


¿Que función cumplen realmente las portadas de un album?, para iniciar podemos decir que a diferencia de peliculas o libros los discos nos cuentan con una reseña en su parte posterior que introducen al oyente en un ambiente de lo que pueda llegar a oir, sino mas bien este solo cuenta con la ilustracion de su tapa y su contraportada (la cual suele venir acompañada con los nombres de los temas, su duracion y datos de legitimidad, como derechos de autor o codigos de barra entre otros). ¿Pues entonces es la tapa la cual cumple ese rol de paratextualidad que no se ve en resumenes criticos que nos adviertan de que contenido posee el album?, si ese fuese realmente entonces el fruto que debe de sembrar el diseño de una portada debemos de aclarar que no son muchos los discos que pueden describirnos con seriedad y sinceridad lo que el album trama para nosotros, pero “Fun house” de los Stooges si que posee el salvajismo y la energia que el album conlleva. Una superposicion de fotos extremadamente saturadas en colores fuego hacen parecer al vocalista Iggy dentro de una intensa llamarada que

lo aplasta cual ola mientras este se deja sambuyir; Pero no se confunda señor, vea usted la verdad, ese fuego, esa llama, no es nada mas ni nada menos que el mismisimo Iggy. ¿quien mas que el mismo para encender su fuego? y si, en este caso la tapa nos advierte: El contenido del disco es ardiente, explosivo, adrenalinico, una experiencia

“El salvajismo de ‘fun house es sin lugar a dudas el alfa del movimiento punk, no recuerdo haber escuchado otro disco tan incendiario como este hasta entonces” unica e inigualable si ya lo dice el mismo Pop en “dirt”: “...There’s a fire / well, it’s a fire...” (Hay un fuego / bien, este es el fuego) Los stooges, para quien no lo saben, suelen ser llamados y conocidos como los padres (o padrinos) del punk, muchos basan que su música y sus shows estruendosos son en gran parte lo que dio vida a lo que años despues se conoceria como punk. Mas que nada el punk neoyorquino encontró en Iggy a un


Los

70’s

Rock progresivo / glam rock space rock / krautrock / punk post punk / hard rock/ heavy metal RIO / funk / new wave / etc

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Proto Punk

The Stooges Fun house (1970)

mártir legendario. Pero es claro (o mas bien poco claro) que la historia del punk tiene un principio un tanto dudoso, siempre aparece quien afirma una fecha nueva para su nacimiento. Algunos dicen que los Sonics y su debut de 1965(“Here are the sonics”) son ese momento tan sagrado, otros por su parte dicen que los 5 militares vestidos de sacerdotes a los cuales se los suele conocer (o no tanto) como los monks inventaron el genero allá por 1966 con su único disco “Black monk time”; Melomanos enpedernidos encontraron una joya que revela que el nacimiento el punk se haya en

tierra latinoamercianas (algo de lo cual deberiamos sentirnos orgullosos los “sudakas”) con una banda peruana llama Los Saicos. Pero nunca faltaran tampoco quienes afirmen que The who y “My generation” fundaron el género. Y como olvidarse de los obstinados que no escapan a la razón de que hubo un pasado antes de los Ramones y su homónimo debut o de aquel portador de cresta que no escucha otras palabras que no sean las de Rotten en “Never mind the bollock here‘s the sex pistols”. Lejos de advertir verdaderamente cuando y donde se forjo esa fecha del yacimiento del punk desde su debut allá por 1969, de la mano productora de John Cale (ex velvet underground), la enfurecida guitarra de Scott Asheton y la lengua punzante de Iggy Pop (Por esos entonces conocido como Iggy Stooge) los stooges dejan su huella en la historia del género. El homonimo debut de fin de los 60’ dejó en los oidos un cachetazo inesperado y proporciono una visión a futuro de lo que la música y su idiología trancitarían a lo largo de la década, algo así como cuando Lou Reed (ex velvet underground también) sacó la trágica “Berlin” (1973) y nadie entendió su depresivo mensaje y su oscuro contenido, cosa que años despues con la aparición y posterior éxito de Joy division quedó entendido. Pero era claro, en a fines de los 60 y principio de los 70 aun el mundo no estaba listo para el odio, el resentimiento, el descontento, ni la furia punk. Luego del poco éxito de su disco debut la discográfica elektra (la misma que alvergó a gente como “the doors”, “love” o sus contemporaneos “mc5” entre otros) decidió que los stooges debían de tener un productor de segunda mano para su próximo álbum, y fue entonces que Don Gallucci tomó el mando del grupo y ordenó a estos que para grabar este long play simulen estar actuan-


do en vivo como inspiración, y vaya que sirvió, el disco suena tan fuerte como se supone la banda lo hubiera deseado, “Down on the street” y su guitarra así lo ameritan, ¿y los alaridos de Pop? su voz lanza llama como de costumbre. Cuenta la leyenda que Iggy, mientras grababa el disco, iba recorriendo el estudio como si fuese un escenario, corriendo, bailando, gritando, algo que cuando uno escucha el disco puede imaginarlo principalmente en los clasicos “Loose”, “TV eyes”,y “1970” aquellos con mayores destellos punks. Con tan solo 7 temas, este album guarda un fuerte contenido en la ritmica y la lirica, basicamente, la misma linea que ya tenían en su disco anterior. Por lo menos en lo que respecta a la cara A del album,.Los ultimos 3 temas (cara B) dejan un poco a la vista una influencia noise que quiza John Cale apegó a ellos y un saxo anormal que encanta al oyente aparece para no desaparecer hasta el final. Punk suburbano, blues pisoteado, noise en procesion, el segundo álbum de los stooges es el preferido de la mayoria debido a la forma en la que es ejucatado y por lo adelantado al tiempo que aparece, si hasta parece “Dirt” fuera un adelanto de un sucio blues hecho por the birthday party o que “L.A. Blues” saliera de la era No wave de los 80’. Posteriormente la banda grabaría su último album en la década (aunque esta vez con el nombre de Iggy and the stooges) antes de separarse al cual llamaron “Raw power” y que no contaba entre sus filas con la genial guitarra de Ashton. Este se volvió muy conocido por inicial con “Search and destryd” el tema mas épico y memorable de los stooges,que les sirvió para volverse un clásico de los punk y una especie de banda de culto mundial.


Los

70’s

Rock and roll / Blues / Jazz Beat / Soul / Folk / Garage rock Rock psicodelico / Rock experimental Proto punk / R&B / etc

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Canterbury

Tierra de colores Caravan In the land of grey and pink (1971)

Canterbury no solo es la ciudad en donde habita uno de los fantasmas mas reconocidos de la historia, sino que también se trata de una escena musical de finales de los ‘60 e inicio de los ’70 que ha dejado entre ellas a 3 bandas muy grandes e importantes en la historia de la música para que nos entretengamos. Cada una de ellas es muy diversa y tiene una característica principal que lo diferencia de sus pares. Estamos hablando nada mas ni nada menos que de Soft machine, Gong y los hoy presentes Caravan, donde los primeros son una banda mas inclinada hacia lo que el jazz y su improvisación pueden otorgar, Gong es una agrupación de tono más espacial psicodélico, mientras que por su lado, Caravan, muestra una amalgama hermosa entre un bellísimo pop y unas encantadoras sinfonías progresivas. (Obviamente hubo muchas mas bandas de la escena como Arzachel, Hatfield and the north, Matchine Mole o The wilde flowers pero las mismas no llegaron al nivel de las primeras tres.) Es extraño saber que la historia del género y todos sus grupos fueron formados básicamente por los mismos integrantes, las mismas personas que iban ingresando y egresando de los


grupos, es por ello que no es extraño saber que muchos de los mismos formaron parte de mas de una formación, entre ellos se pueden rescatar a quienes fundaron el género: El australiano Daevid Allen quien es mas conocido por formar parte de Gong entre otras, el exitoso Robert Waytt, columna vertebral del primer Soft machine y el local Pye Hasting quien aporta guitarra y voz en Caravan, entre otros (ambos tres estuvieron en The wilde flowers, aunque Allen participó de dicho proyecto cuando aun no tenía ese nombre). La historia de la banda por su parte arranca en 1968 cuando luego de abandonar the wilde flowers Dave Sinclair (teclados), Richard Sinclair (bajo y voz), Pye Hastings (guitarra y voz) y Richard Coughlan (batería) deciden crear este proyecto. El mismo año bajo el sello Verve sacan a la venta su primer y homónimo disco donde ya se empieza a notar la esencia jazz que el Canterbury predica. Luego de 3 años del debut y un disco entre medio (“If I Could Do It All Over Again, I’d Do It All Over You” - 1970) Caravan llega con ánimos para en 1971 iniciar la grabación de lo que hasta el día de la fecha se-

ría su registro conspicuo. Cinco son los tracks que constituyen el long play, la primer cara, compuesta por 4 temas de una esencia pop psicodélica encantadora notoria desde los primeros acordes del encantador tema inicial “Golf girl”, tema que encanta al escucha y lo hace notar que todo lo que vendrá de allí en adelante no será mas que placer musical. Su cara B está compuesta por un único tema llamado “Nine feet underground” que dura unos 22

“Caravan es basicamente, hermoso rock progresivo hecho pop” min y es (talvez) el “peor” del disco, y eso quizá se daba a su larga duración o a que su composición progresiva lo diferencia de su accesible y seductora cara A. Posterior al disco los hermanos Sinclair dejan la banda y con su partida la escencia que Caravan, luego de esto, el resto de la banda recluta nuevos integrantes y su sonido pierde la escencia que supo tener y bajo un manto mas jazzero sacan nuevos discos de gran calibre pero que fueron recibidos friamente por la críticay el público.


Los

70’s

Rock and roll / Blues / Jazz Beat / Soul / Folk / Garage rock Rock psicodelico / Rock experimental Proto punk / R&B / etc

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Blues folk

I’m the Warlus Warlus Song’s (1975-77)

En la actualidad y gracias a los avances de la tecnología es muy simple el hecho de que unos amigos se junten a zapar en una casa y con pocas herramientas (como una computadora, un programa para grabar y un micrófono – cosa que casi todos hoy en día poseen-) puedan grabar un disco (mayormente de baja calidad) para subir a la web y así poder dar rienda suelta a aquel sueño de ser escuchado por miles de personas de todo el mundo, y de tener suerte, llegar a una congregación considerable de gente que le pueda dar sustento a dicho afán; claro, esto se debe a los grandes avances de la tecnología, a la comunicación global que permite el Internet y a la nueva moda de descargas gratuitas que han hecho tan felices a quienes escriben (he incluso han inspirado para la realización de esta revista) y han posibilitado a todos a llegar a donde antes resultaba imposible. Esto es un hecho actual, pero ¿como se consideraría realizar una grabación casera en los años 70’?, cuando el lo fi aun no existía como género establecido y toda agrupación se preocupaba por sonar de la mejor forma (incluso las bandas mas ruidosas y punks tenían dicho cometido).


Bien eso es una respuesta que no les puedo dar, ya que para aquel entonces, quien escribe, aun no existía pero podemos aunque sea suponer una respuesta escuchando esta placa del dúo Francés Warlus que basa su nombre en las comunas francesas y que en este lp dan rienda suelta a su onírico blues psicodélico un tanto abstracto. Richard Maubert (guitarra, bajo, voz y letra) y Pascal Ducourtioux (bateria, teclado, guitarra y coros) acompañados por 3 amigos que participaron en el proyecto (Louis, Pierrot y Thierry) realizan en dos años una placa que va a quedar en la memoria de quien lo oiga por muchos mas años. Y es que su sonido es original, sentimental y llegadero, quizá por la simpatía de sonar mal, tal vez por el hecho de saber que el disco se hizo a todo pulmón o realmente porque son geniales en lo que hacen, eso cada uno lo sabrá, el caso es que este “songs” es un disco diferente, arriesgado y esperanzador, ya que suena como si fuese grabado en el patio de casa por vos y tus amigos. Todo se inicia cuando una guitarra empieza a decir “Listen to the warlus” (no literalmente claro) y de fondo suenan unos extraños pero hermosos ruidos que brindan desde el principio sabores dulces que empapan las papilas auditivas y te hacen pensar “ya está, que buen disco”, bien

a eso hay que sumarle los hermosos blues que el disco tiene mas el esperado y glorioso tema final, “Good night the day”, donde su solo se lleva todas las palmas y ovaciones. Pero eso no es todo, este disco tiene aun mas para decir y entre esos detalles que hacen a un disco mas agradable (o mas molesto). Para lograr terminar Songs se tardaron dos años como mencionamos anteriormente y esto se debe a que las grabaciones se iniciaron en 1975 en una iglesia abandonada y concluyeron en 1977 en una casa de las afueras de parís. Se puede contar también que solo se lanzaron 200 copias del mismo a la calle, en formato vinilo. Incluso, según tengo entendido las mismas fueron regaladas y de alguna misteriosa manera el mismo no se perdió en el tiempo, sino que fue subido a la web gracias a un considerado y oportuno ser y hoy en día no solo llego a los oídos de quienes escriben sino que nosotros ponemos nuestro granito de arena para que esto se convierta en un desierto. Así que si sufrís de aquel mal de no saber que escuchar, de tener ganas de oír algo nuevo y refrescante, con historia y extravagancia, pues entonces estos franceses, su blues, su psicodelia, su folk y porque no su lo fi te dan la receta para curarte de dicho mal.


1980 . 1989

Noise / no wave / synth pop / hip hop / industrial / ambiental / Thrash / doom / black / glam metal / hardcore / rock g贸tico / etc /

En este n煤mero

Joy division


los

80’ The gun club The fire of love

The Wirtschaftswunder

Idem


Los

80’s

Noise / no wave / synth pop hip hop / industrial / ambiental Thrash / doom / black / glam metal hardcore / rock gótico / etc

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Post Punk

He’s lost control Joy division Closer (1980)


Una exhibición atroz -y cercana- de un hombre completamente aislado, dejando su corazón y su alma, buscando la eternidad en veinticuatro horas, intentando usar los pocos medios que le quedan para conseguir una salida, o algo que le de un poco de paz interna, que lo libere de todos sus males y le de algo, al menos, algo de consuelo en esa abrasiva oscuridad interna que el cree que ya no solo es imposible escaparle, sino que le es una tortura sobrellevarla, como si fuera una enorme bestia sobre su espalda de la que no puede liberarse. Básicamente eso -y mucho más- es Closer, de Joy Division, una evocadora carta de suicidio de su líder, Ian Curtis, quien se vio abrumado por sus fantasmas y contradicciones internas y decidió acabar con su vida a la temprana edad de 24 años, en el pico de su talentosa y arrebatadora juventud. Ya desde los primeros y misteriosos redobles de batería de la canción que abre el disco -Atrocity Exhibition- nos damos cuenta que no nos encontramos ante un disco común, de aquellos que al cabo de un tiempo pasan desapercibidos y terminan olvidados juntando polvo virtual, en

cambio, Closer es un disco que marca un punto de inflexión en todo aquel que lo escuche atentamente, ya que pertenece a esa extraña categoría de las obras atemporales en la que pocos discos pueden pertenecer, una de esas geniales expresiones artísticas a las que se vuelve una y otra vez, como si fuera el eterno retorno nietzscheneano. También pertenece a una aun mas extraña categorización, la de los “discos suicidas”, si, aquellos discos que representaron el canto del cisne de su autor, como los geniales Pink Moon de Nick Drake, In Utero de Nirvana o The Holy Bible de Manic Street Preachers, pero, a diferencia de esos discos, Closer no deja absolutamente ningún atisbo de luz, por mas pequeño que este sea, desde la genial sección rítmica del bajista Peter Hook y el baterista Stephen Morris que por momentos parece imprimirle ritmos casi marciales a las canciones, pasando por las cortantes guitarras y teclados de Bernard Summer, hasta por supuesto la profunda y fría voz de Curtis, que por momentos parece poseída por el espíritu del Jim Morrison mas apocalíptico, si bien también a veces parece apartarse del personaje y suena helado, casi como si cantara las letras de otra persona, en un inútil esfuerzo


Los

80’s

Noise / no wave / synth pop hip hop / industrial / ambiental Thrash / doom / black / glam metal hardcore / rock gótico / etc

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Post Punk

Joy division Closer (1980)

de anestesiarse emocionalmente para así dejar de sufrir definitivamente, tratando de posponer el inminente y obvio final Muy pocas bandas han logrado hacer lo que logro Joy Division con tan solo dos discos de estudio oficiales (el debut Unknown Pleasures -1979- y el que nos ocupa) y una recopilación de singles (Substance -1988-), que fue, por empezar, cambiar la percepción de toda una generación (y mas también) de bandas sobre lo

“El salvajismo de ‘fun house es sin lugar a dudas el alfa del movimiento punk, no recuerdo haber escuchado otro disco tan incendiario como este hasta entonces” que se podía hacer dentro de la música oscura, llegando a influenciar a grandes bandas y también a miles de clones que jamás aportaron nada nuevo pero que tenían en su ADN el sonido de los de Manchester de forma mucho mas que evidente. Y más allá de eso, discos como este siempre sirvieron, sirven y servirán para que millones de adolescentes (y no tanto) perdidos, marginados y sin muchos objetivos que seguir viendo en esos héroes musicales algo

para no solo hacer simple escapismo, sino para reflexionar y tratar por todos los medios de salir a flote, aunque acá no hay solos de guitarra liberadores ni estribillos gloriosos para corear en un estadio, no hay sobre saltos de ferbor, ni felicidad lirica, al escuchar, nota por nota y letra por letra de Closer, la catarsis es inevitable. Cerrando la idea, si buscas un disco con un sonido post-punk oscuro, denso y opresivo, que continua la tradición iniciada por ilustres luminarias como la Velvet Underground o la trilogía berlinesa de David Bowie [“Low” (1977), “Heroes” (1977) y “Lodger” (1979)] definitivamente, esta es tu obra ideal. Una pequeña curiosidad: El ultimo disco que escucho Ian Curtis antes de ahorcarse en la cocina de su casa fue The Idiot de Iggy Pop, producido en Berlín por David Bowie durante la misma época en la que el británico estaba grabando su mítica trilogía. Tras la muerte del cantante los miembros restantes del grupo acordaron disolverse sin antes sacar esta placa a la calle. Luego de ello formaron New order bajo un sonar mas electrónico, caracteristico de bandas como kraftwerk (cuenta la leyenda que el mismo Ian era fanatico del sonido de los teutones e incluso de rumorea que fue este mismo el que presento estos sonidos fresco y nuevos al resto de la banda, sonidos que en ese disco hacen una lev prescencia.


Los

80’s

Noise / no wave / synth pop hip hop / industrial / ambiental Thrash / doom / black / glam metal hardcore / rock gótico / etc

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Blues punk

Blues de las armas The gun club Fire of love (1981)

En la actualidad y gracias a los avances de la tecnología es muy simple el hecho de que unos amigos se junten a zapar en una casa y con pocas herramientas (como una computadora, un programa para grabar y un micrófono – cosa que casi todos hoy en día poseen-) puedan grabar un disco (mayormente de baja calidad) para subir a la web y así poder dar rienda suelta a aquel sueño de ser escuchado por miles de personas de todo el mundo, y de tener suerte, llegar a una congregación considerable de gente que le pueda dar sustento a dicho afán; claro, esto se debe a los grandes avances de la tecnología, a la comunicación global que permite el Internet y a la nueva moda de descargas gratuitas que han hecho tan felices a quienes escriben (he incluso han inspirado para la realización de esta revista) y han posibilitado a todos a llegar a donde antes resultaba imposible. Esto es un hecho actual, pero ¿como se consideraría realizar una grabación casera en los años 70’?, cuando el lo fi aun no existía como género establecido y toda agrupación se preocupaba por sonar de la mejor forma (incluso las bandas mas ruidosas y punks tenían dicho cometido).


Bien eso es una respuesta que no les puedo dar, ya que para aquel entonces, quien escribe, aun no existía pero podemos aunque sea suponer una respuesta escuchando esta placa del dúo Francés Warlus que basa su nombre en las comunas francesas y que en este lp dan rienda suelta a su onírico blues psicodélico un tanto abstracto. Richard Maubert (guitarra, bajo, voz y letra) y Pascal Ducourtioux (bateria, teclado, guitarra y coros) acompañados por 3 amigos que participaron en el proyecto (Louis, Pierrot y Thierry) realizan en dos años una placa que va a quedar en la memoria de quien lo oiga por muchos mas años. Y es que su sonido es original, sentimental y llegadero, quizá por la simpatía de sonar mal, tal vez por el hecho de saber que el disco se hizo a todo pulmón o realmente porque son geniales en lo que hacen, eso cada uno lo sabrá, el caso es que este “songs” es un disco diferente, arriesgado y esperanzador, ya que suena como si fuese grabado en el patio de casa por vos y tus amigos. Todo se inicia cuando una guitarra empieza a decir “Listen to the warlus” (no literalmente claro) y de fondo suenan unos extraños pero her-

mosos ruidos que brindan desde el principio sabores dulces que empapan las papilas auditivas y te hacen pensar “ya está, que buen disco”, bien a eso hay que sumarle los hermosos blues que el disco tiene mas el esperado y glorioso tema final, “Good night the day”, donde su solo se lleva todas las palmas y ovaciones. Pero eso no es todo, este disco tiene aun mas para decir y entre esos detalles que hacen a un disco mas agradable (o mas molesto). Para lograr terminar Songs se tardaron dos años como mencionamos anteriormente y esto se debe a que las grabaciones se iniciaron en 1975 en una iglesia abandonada y concluyeron en 1977 en una casa de las afueras de parís. Se puede contar también que solo se lanzaron 200 copias del mismo a la calle, en formato vinilo. Incluso, según tengo entendido las mismas fueron regaladas y de alguna misteriosa manera el mismo no se perdió en el tiempo, sino que fue subido a la web gracias a un considerado y oportuno ser y hoy en día no solo llego a los oídos de quienes escriben sino que nosotros ponemos nuestro granito de arena para que esto se convierta en un desierto.


Los

80’s

Noise / no wave / synth pop hip hop / industrial / ambiental Thrash / doom / black / glam metal hardcore / rock gótico / etc

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neue deutsch welle

Tsunami Aleman The Wirtschaftswunder The Wirtschaftswunder (1982)

Todo el mundo sabe que los alemanes son tipos de temer, muy meticulosos y ordenados, con ideas claras y consizas, que no se andan con chiquitas y que siempre estuvieron a la orden de la vanguardia en todo, políticos, científicos, escritores, pintores, pensadores, deportistas y por sobre todo músicos, los germanos tuvieron todo tipo de representantes que dejaron al país bien parado (o no tanto), pero que siempre dieron que hablar en el resto del mundo. Y en este caso, el de los Wirtschaftswunder no es menor, pero aquí, la agrupación dejá al país teutón muy bien parado frente al resto del planeta. Si usted creía que el nombre mas difícil de pronunciar de una banda iba a otorgársele a Einsturzende neubauten debería entonces de reflexionar sobre su dicha. También desde el país germano llega este cuarteto desconocido de la movida llamada Neue Deustch Welle (–NDW-) que en castellano sería algo así como “nueva ola germana” que trae consigo un bonito híbrido entre el new wave convencional, el industrial, el punk y porque no algo de la electrónica característica de otros teutones como los son los Kraftwerk. Y hablando de estos ya habrán nota-


do para entonces como la portada se asemeja a la que ellos solían usar para sus tapas a final de los 70’, aunque en esta ocasión los miembros de Wirtschaftswunder se parecen más a zombies que a una especie de androides o maniquies que presentaban los padres de la electrónica en sus famosas portadas de “Trans europe Express” (1977) y “die-mensh maschine” (1978). Volviendo a lo importante (la música) y tratando de orientarlos mas podríamos catalogar a estos Alemanes como una amalgama entre sus compatriotas antes nombrados (Einsturzende Neubauten + kraftwerk). Porque aunque no lo crean por momentos estos tipos suenan muy rudimentarios, agresivos y oscuros (y esto se nota muchas veces mas potenciado por el idioma Alemán en el que cantan), tal cual se mostraba la banda de Blixa y compañía pero por otros momentos el teclado y la batería juegan a disfrazarse de aquella bella danza heredada de los de Dusseldorf. El mundo no solo fue injusto con esta banda sino que fue de tal modo con todo este géne-

ro que tiene tanta potencia y apertura como el Krautrock, esta nueva ola de músicos alemanes parece mas bien un tsunami de poder y melodías que rozan el noise y la experimentación en cada sonar de sus instrumentos. En esta placa se destacan los temas iniciales iniciales “Mutter & Valter” y “Kopfgeljager” porque es quizá la primer cercanía que muchos de ustedes tendrán hacia este género renegado del rock y vaya que se encontrarán con una bella sorpresa. “Tappeto magico” y sus alaridos tribales que harán generar una duda en usted de sobre cual podrían de ser las limitaciones musicales de estos Germanos que poco a poco comienzan a enloquecer. Pero le adelanto que en este disco podrá oír desde el jazz de “Madame X” pasando por los bailables “La belle et la bete”, “Erste hilfe” y “Junge leute” (donde estos últimos muestran su fasceta electronica y el primero en cambio, suena mas bien latino, si latino he dicho) hasta llegar a los oscuros “Wildes tier”, “Die parade” y “Zuviel” donde queda en claro una escencia dadaísta. En fin una propuesta diferente, propuesta por muchachos diferentes de una cultura diferente que siempre trae cosas nuevas, frescas y originales para estremesernos.


1990 . 1999

grunge / post grunge / jungle/ rock alternativo / stoner / brit pop / post rock / shoegaze / drone / trip hop noise pop / etc /

En este nĂşmero

Blind melon


los

90’ The klf Chill out

Ween The mollusk


Los

90’s

grunge / post grunge / jungle/ rock alternativo / stoner / brit pop / post rock / shoegaze / drone / trip hop noise pop / etc /

Post grunge

Sopa de letras Blind melon Soup (1995)


Ver a un músico de rock sucumbido ante la vida de adicciones al alcohol o a las drogas es algo cotidiano y que ya a nadie sorprende. Que muera a causa de esto, ya es cliché, si desde los excesos de los años 60 hasta las corrientes tragedias del nuevo milenio el rock siempre se vio entrelazado con conceptos de rebeldía y destrucción (sobre todo autodestrucción) desconsiderada ; en cierta forma, muchas veces los hechos avalan dicha teoría pero no siempre se debe de creer lo que se oye. Shannon Hoon, era un intrépido y variable vocalista y compositor que lideraba la banda Blind Melon, según cuentan allegados era un buen sujeto, pero tenia un problema: como mucho de sus pares había conciliado una fuerte relación con una dama de blanco (léase cocaína) y pese a haber luchado contra dicha adicción e incluso llevar a su medico personal para la gira promocional de este álbum, el día 21 de octubre de 1995 perdió la vida por una sobredosis, luego de esto la banda se separo hasta que en 2006 se

volvieron a reunir los sobrevivientes miembros con Travis Warren como portador de la voz. Pero volvamos mas atrás, todo esto arranca allá por los años 89 en California, cuando 5 muchachos amigos se unen para comenzar un emprendimiento musical al cual denominarían como Blind melon, este proyecto tuvo altibajos y conllevo mucho tiempo y esfuerzo de sus miembros para llegar a alcanzar lo anhelado, a finales de 1992 sale a la calle su primer trabajo, denominado simplemente Blind melon, con el cual lograron alcanzar una respetada y considerable aclamación, lo extraño del mismo era que pese a su poder alternativo y rítmica funk, sorprendió ver como su mayor éxito sería un tema alegre, pop y esperanzador como “No rain”, claro, nadie negaría que es un tema espléndido, incluso yo lo podría escuchar horas sin oir nada mas, pero recordemos que por 1992 todo lo que sonaba por las emisoras era catalogado como Grunge, aun si no lo fuese. Pero llegar a la cima tiene su costo y blind me-


Los

90’s

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Post grunge

Blind melon Soup (1995)

lon lo sabía, con el éxito y las crecientes ventas también empieza a aumentar el consumo de drogas por parte de sus integrantes, a tal extremo que muchas veces Hoon actuaba de forma violenta hacia el publico o incluso la ley (de hecho muchas fechas de la gira fueron suspendidas por casos de dicha índole). Pero si existe algo que blind melon bien sabe hacer es música, y en agosto de 1995, luego de 3 años de lanzar su debut sale a la venta su nuevo álbum Soup, el cual recibió criticas poco favorables, solo por el hecho de ser considerado “mas oscuro” que su antecesor. La contra es que para esa época Shannon estaba dispuesto a vencer su problema con los estupefacientes y se interna en una clínica de rehabilitación, pero la presión que

“Eso de tomar la sopa y crecer fuerte nunca tuvo tanto sentido como cuando escuche por primera vez este album, recuerdo que algo me atrajo, pero nunca supe qué. Aun hoy intento descubrirlo” la (tirana) compañía discográfica ejerce sobre el grupo y la gira que debía de hacerse hacen que Hoon deba de salir de la clínica y llevarse a un medico especialista con él, pero este último resulto ser despedido al poco tiempo lo cual dejo al cantante vulnerable al consumo y fue así que en pocos meses Shannon no resiste mas y muere por causa de la cocaína. En la memoria siempre quedaran sus obra y hermosas letras, su canto y su sensibilidad. Hoy en día, y sabiendo lo ocurrido, es casi imposible no relacionar el álbum con la muerte del vocalista, escuchar “Mouthful of caveties” es

una experiencia hermosa, ultrasensitiva que logra poner la piel de gallina y hasta las lagrimas en los ojos, el juego vocal brindado en dicho tema es espléndido y ni hablar de las guitarras que en todo el álbum no dejan de hacer genialidades, parecieran estar ligadas y encadenadas, cuando una calla la otra aparece, cuando una realiza acordes, la otra toca solos, cuando una suena acústica la otra la acompaña con arpegios, y muchas veces entre ellas se refuerzan riffs o solos, que para variar (y sorpresa también) no son muchos. El disco da inicio con el primer corte de difusión que tuvo el álbum, “Galaxie” un tema poderoso, alternativo, que a diferencia de “No rain” si marca la esencia de la música de blind melon. Pero ojo, no se confunda, blind melon no es solo funk alternativo. Como buena banda californiana también tiene su buena cuota de country y su toque psicodélico en medida justa conmemora su admiración por la música de los 70’. El lp no es minucioso, no busca ser perfecto, no le interesa alcanzar la inmortalidad, solo busca mediante el sentimiento transmitir diversos estados emocionales que van surgiendo, dirigir diferentes mensajes, te lleva de la felicidad hacia la tristeza pasa por la ira y la frustración en un vaivén de emociones que no podés controlar. Y es que eso es lo que uno quiere oir de una banda como blind melon, o por lo menos yo estoy conforme y plenamente satisfecho con eso, con que entreguen un disco que no busca ser lo que no es, sino mas bien actuar con independencia y creatividad propia, un disco con identidad, forjado por la buena interpretación de sus músicos. Salvo por algunas apariciones de cuerdas y vientos que podríamos pasar desapercibidas Soup esta compuesto enteramente por obra de sus 5 integrantes, Brad Smith no solo se encar-


ga de entregar genialidades con sus 4 cuerdas, sino que también de las flautas, los guitarristas Christopher Thorn y Rogers Stevens no solo se bastan con realizar maravillas en las violas sino que también tocan la mandolina y la armónica por un lado y por el otro el piano (respectivamente), toda percusión esta interpretada por Blen Graham y la voz como ya dijimos esta dada por parte Shannon Hoon. Mucha gente alrededor del mundo disfruto de lo que este álbum dejó, pero lamentablemente no la cantidad de gente que realmente merece Blind melon, tildados en la movida grunge fue un punto a favor para ellos (porque logro ubicarlos en el mapa) pero varios en contra, ya que Blind melon se encuentra en otro sendero al que

Pearl jam o Soundgarden transitaban, y en algún sentido su música aun hoy sigue sonando fresca, a diferencia de muchos de sus colegas. Muchos fanáticos y admiradores de músicos hippies de los 60’ como Jimi Hendrix o del hard rock de los 70’ de Led zeppelin o del folk alternativo de Neil Young se sienten encontrados con las melodías de Melon, y ni hablar de los admiradores de Nirvana o Stone temple pilots, por nombrar algunos. Para concluir, si querés escuchar un disco que suene genial; que posea variaciones, que sorprenda y encante en cada escucha, es “Soap” entonces lo que estas buscando, porque sepa usted, que Blind melon dejo la vida (casi de forma literal) en este disco.


Los

90’s

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Ambiental

Tranquilo The klf Chill out (1990)

En la historia de la música, muchas bandas y/o solistas alcanzaron la fama debido a la realización de actos clasificados como “malos” por la mayoría de la sociedad y no por su música, estará en cada uno de nosotros decidir entonces si estos son malos artistas o no, tal vez solo necesitaban de ese empujón mediático para llegar a mostrarse en el mundo, pero en si este no es el punto, el punto es que siempre existe una anomalía para toda regla, y the KLF es quizá la contradicción de este conflicto tabú-éxito. ¿Por qué se preguntará usted?, bien digámoslo así: luego de realizar ese acto “impuro” toda banda sale en los medios, los padres preocupados, los denuncian, pero el negocio ya está hecho y la banda recauda entonces mas plata que antes, solo por ser los “mas rebeldes”; pero el caso es que este dúo, que se presento en los mtv awards y disparo con una metralleta en reiteradas ocasiones al aire (sin dañar a nadie claro está, tampoco son asesinos) se disolvió por motus propio luego del acto, y eso no es todo sino que luego de ello decidieron hacer una quema de todas las libras esterlinas que habían ganado en su carrera.


Estos hechos no están nada alejados de la ideología que uno supone debe de tener una banda con el nombre KLF (Kopyright Liberation Front – frente de liberación de copyright) que piensa que el derecho de autor no es mas que una burda forma de juntar plata, es por ello que en mucho de sus temas estos sujetos utilizaban partes de canciones de otros artistas sin intención de pagar por su uso. Incluso este lp cuenta con alguna que otra porción de obras ajenas pero estará en cada uno descifrar donde y cuando suenan. Bien pero ahora ingresemos a lo que verdaderamente importa, y seguramente donde se llevaran una grata sorpresa, ya que antes de todo estos hechos the klf sacó a principios de 1990 un disco distinto, un álbum con un sentido radical y con un aura nunca antes visto, aunque sea difícil de creer the klf no es un dúo que realiza noise extremo o hardcore punk enfermizo, sino mas bien una banda electrónica que plasmo en este disco su parte ambiental. Incluso el movimiento ambiental tendría otro sentido luego de que “Chill out” pise las calles y esto se debe a que este “viaje en el tren de

la noche” es un disco que realmente usa sonidos de ambiente (bocinas, trenes, ovejas, etc), sonidos entremezclados con melodías suaves y relajantes. Es imposible no notar las influencias que puede tener “The dark side of the moon” de Pink Floyd en este disco, pero tampoco esta de mas dejar de lado aquellos elementos que se puede oír en cualquier viaje. No confunda la situación, esta placa de ¾ de hora no tiene como fin entretenerlo ni generar emociones algunas, sino mas bien darle paz, hacerlo pensar, relajarlo, tiene el poder que pocos álbums alcanzan y es el de generar presencia aun cuando no se note la misma. Es un disco ideal para reflexionar y divagar, 45 minutos ideales para dejar llevar su mente a otros horizontes. Si tu intención está en escuchar un disco que pueda hacerte notar esas palabras que vuelan por tu cabeza, que pueda ayudarte a relajarte en la cama mientras contemplas el techo o que pueda llevarte a donde aun no has estado, tengo que decirte entonces que una de las mejores opciones que podrás encontrar es, posiblemente, este “chill out”.


Los

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Experimental

Ocean man Ween The mollusk (1997)

Que agradable resulta sentarse en un buen y cómodo sillón, frente a un televisor 29 pulgadas, a una distancia considerable para no lastimar los ojos, con una bolsa de dulces en las manos (chocolates, caramelos o los pochoclos si es que sos clásico), y una botella de agua mineral a un lado, mirar la pelicula de bob esponja (si, bob esponja) y pese a disfrutar del film que resulta ser maravilloso disfrutar más con el tema del final, el de los créditos. Porque quien haya visto la cinta y se quedó prendido con esta hasta los créditos del final no les resultará nada extraño el sonar del titulo de esta nota, puesto que lleva el mismo mote que el tema que aparece al finalizar “bob esponja la película” y resulta ser el decimotercer tema de esta placa. Para centrarnos en lo que respecta a la nota vemos a hablar un poco de esta agupación, de este dúo de locos llamado Ween. Estos dos amorosos y palpables dementes basicamente son una banda extraña y amorfa creada en 1984, una banda para los que se arriesgan a todo y los que dicen tolerar todo tipo de sonoridad, Ween es una agrupación delirante que escapa a ese criterio de que toda banda tiene un límite gené-


rico, toda clase de género entra en sus manos y sale convertido en una genialidad original pero siempre gustosa de ser oida -y sentida por sobre todas las cosas-. Desde su primer placa (godweensatan) estos muchachos han sabido manejar elementos diversos como lo son el hardcore, la electronica, la psicodelia, el pop y hasta inclusive el reggae en un tema llamado “Nicole” (pero todo esto en la primer placa, así que a no confundir). Pero mediante corrian los años, los discos y la imaginación Ween cada vez se acrecentaba mas, y es entonces en 1997 cuando se vuelven mas azules y maritimos y deciden desenfundar una placa que muchos de sus escuchas consideran, como su mejor disco aun sabiendo que él misma es quizá una de sus proyecciones mas accesibles; Posterior a “chocolate and cheese” y como una idea de contiguidad a este (idea que posteriormente fracasó) nace “The mollusk” un disco que se convertiría en un álbum “conceptual”, aunque no literalmente ya que si bien todos los tracks tratan sobre temas naúticos no siguen una única historia. Pero si usted es acaso de esas personas que hasta el momento de leer esta nota desconocía por total a la banda de Aaron Freeman y Mickey Melchiondo (o mas conocidos por sus pseudonimos Gene y Dean Ween respectivamente) debo

de adelantarle que en este album se juntan tanto la sátira como la seriedad, y pese a ser de sus mas accesibles creaciones tiene su complejidad y elavoración vanguardista; ahora para quien los conoce pero no escuchó este mollusk, le digo con todo respeto, usted es medio boludo. Todo arranca con “I’m Dancing in the Show Tonight”, canción que parece para niños donde unas voces extrañas nos relatan hechos surrealistas e irónicos para dar paso luego al tema homónimo que da al disco la identidad y que se muestra con un juego electrónico atrapante e hipnótico, por su parte las voces tambien hacen lo mismo, uno de los tantos momentos épicos del disco. ¿Cuales son aquellos otros momentos inperdibles del álbum?, el extravagante rock and roll “I’ll Be Your Jonny on the Spot” o el folk psicodelico “Mutilated Lips” que es el segundo plato fuerte de la placa. Pasando por “It’s Gonna Be (Alright)” o “Pink Eye (On My Leg)” vamos entonces a dar con la tríada final, tercer y último banquete, conformada por el progresivo y emotivo “Buckingham Green”, el pegadizo hitazo antes nombrado “Ocean man” y “She Wanted to Leave (Reprise)” que nos dejará con un mal sabor de boca por saber que el disco a terminado y no habrá más remedio que volver a reproducirlo y crear así un ciclo Ween.


2000 . 2009

Freak folk / electronica / pop / neopsicodelia / garage revival / art rock / chamber / baroque pop / indie / math rock / etc /

En este nĂşmero

Dirty proyectors


los

00’ Sleep Dopesmoker

The horrors Primary colours


Los

00’s

Freak folk / electronica / pop neopsicodelia / garage revival art rock / chamber / baroque pop indie / math rock / etc

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Pop barroco

Voces futuras Dirty proyector Bitte orca (2009)


A mediados de los 60’ cuando la musica contemporanea dió un drástico giro hacia su forma de ser compuesta y comenzó una nueva era para la sonoridad, un disco abrio los ojos (y principalmente los oidos) de todos y propuso una nueva forma de utilizar la voz como medio de interpretacion, si bien los beatles habían impuesto una nueva regla en el juego con “Revolver” esa regla la ampliaron en su “Pet sound” los Beach boys, quienes allá por 1966 modificaron la perspectiva con la que se cantaba y hacían coros, pero a pesar de haber pasado más de 4 décadas de ello, hasta el día de hoy, siguen sin ser muchos los grupos que utilizan este medio para trasgredir en el mundo musical. “Bitte orca” es el sexto y último disco de Dirty proyectors, una banda neoyorkina que en tan solo 7 años a sabido crecer mucho desde su debut y a plasmado su estilo a fuerza de voluntad y originalidad. Bitte orca es también (por lo menos en gustos subjetivos) su mejor obra hasta la fecha, por sus jugados arreglos vocales -los cuales conmemoran al antes mencionado Pet sound- y su instrumentacion inestable. Fue catalogado por muchos críticos y gran parte del publico blogger como uno de los mejores discos del año y

hasta incluso de la década. Conformados por su lider David Longstreth, la bella multiinstrumentalista Angel Deradoorian en samplers, guitarra, sintetizadores, teclados y voces, Amber Coffman en guitarra y voz, Brian Mcomber en bateria, Haley Dekler en voz y Nat Baldwin en bajo, Dirty proyector al igual que muchos de los artistas nacientes pertenece a una nueva ola de músicos independientes que basan su música en influencia en el pop setentoso, y pop britanico de la década del 90 y lo entremezclan con elementos barrocos y musica folk, guiando su sonido en base a los arpegios complejos de una guitarra inquieta y no en base a arreglos electronicos saturados y psicodelicos. Pero eso no lo es todo, la apertura musical de los melomanos empedernidos de hoy (caso de dirty proyetors) hace que una banda no se detenga en tan solo uno o dos géneros y sino mas bien facilita la navegación por caminos intrincados y que antes no se hubiesen mezclados, como por ejemplo el empleo de paisajes ruidosos y complejas atmosferas dignas del noise y el rock progresivo respectivamente. Las voces tanto de David como las de Angel, Amber y Haley son muy diversas e imprimen una


Los

00’s

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Pop barroco

Dirty proyectors Bitte orca (2009)

cantidad ilimitada de colores en los oidos, la bateria de Brian es inquieta y siempre viaja por una corniza, es jugada y peligrosa, en gran parte el sonido experimental del disco se jacta en ella, mientras que las cuerdas (guitarra y bajo) son consizas y perfectas. El disco no oculta nada de entrada, todo esta a la vista cuando la pregnante guitarra de “Cannibal resouse” comienza a sonar, pero no es hasta la aparición de los coros que todo toma color, tras la voz de David, las chicas realizan de las suyas y te brindan un hermoso manjar para tus oidos, lo mismo que “Remade horizon” donde las voces, un poco mas delicadas recuerdan a temas del fabuloso “Illinois” de Sufjan Stevens. Hoy en dia sigue habiendo personas que creen y ven (u oyen) al indie como una musica predecible, para niños, que nada nuevo tiene para brindar al oyente y que es solo cuestion de tiempo para que deje de sonar para siempre. Pero estos se equivocan, quiza algunas (o muchas) bandas pop actuales tengan algunas o todas estos atributos como para hacer pensar que el indie no va a dar bueno frutos, pero no es el caso de Dirty proyectors quienes por momentos hacen de su musica algo indesifrable, compleja y adictiva. La ritmica de “Temecula rise” o la voz desafinada de “The bride” hacen notorio esto, y a su vez dejan entre ver que dentro de la complejidad vive algo encantador. Y es que si la voz de Black Francis hubiese resultada encantadora y grave los pixies seguramente no serian hoy en dia lo grandiosos que son. Otra fuerte diferencia en el sonido de Dirty proyectors con respecto al de sus pares es el uso indicado de las maquinas, (esto no quiere decir que el uso excesivo sea malo, pero muchas veces resulta predesible y sofocante), las cuales muchas veces suenan mas similares a instrumentacion africana que a los tipicos sonidos usados para con los samplers y sintetizadores. “Two Still in the move” o “No

“Eso de tomar la sopa y crecer fuerte nunca tuvo tanto sentido como cuando escuche por primera vez este album, recuerdo que algo me atrajo, pero nunca supe qué. Aun hoy intento descubrirlo”


intention” son fuertes referentes de ello. ¿Puntos fuertes? el álbum cuenta con muchos, pero es quiza la variable y adictiva “Useful chamber” y la forma en que esta cambia, pasa del melodico pop electronico hasta el sombrio minimalismo, llega a las costas del noise y explota en un final adictivo que resulta con el tiempo memorable. El frontman de una banda denominada Sparks, Russell Mael, dijo una vez “Cuando tienes una bonita balada, tienes que intentar desmunu-

zarla”, cosa que Dirty proyectors entendió muy bien y al pie de la letra, porque siempre sobre esa complejidad de la que hablamos se muestra un hermoso tema. Para concluir un poco con la idea podriamos decir a gran escala que Bitte orca trae consigo minimos elementos electronicos de “in rainbow” de radiohead, sombrios sonidos y pegajosas melodias a lo blonde redhead y parte del folk psicodelico que profetan bandas como akron/family.


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Stoner

Sueños ocultos Sleep Dopesmoker (2003)

¿Un solo tema de 63 minuto realmente puede ser un fracaso comercial?, si lo sé, pregunta muy obvia, pero la cuestión está en que este álbum no solo se muestra arriesgado por su extremo, poderoso y monótono sonido, liderado por la guitarra de Matt Pike, sino que también se ve difícil de digerir por la duración que el mismo presenta. Como ya fue mencionado el disco cuenta solo con un tema de hora y minutos, algo que realmente pocos pueden aguantar, mas cuando se trata de un sonar tan pesado como el que proponen en este “Dopesomoker” los “dormilones” de California, pero vale aclarar que pese a que pueda costar en un principio asimilar tanto ruido en tanto tiempo (y mas cuando uno cree que los discos deberían de durar 40 minutos, 50 como mucho) con el paso de las horas, el disco va a poder otorgarle un sabor agradable a las tardes (digo tarde como puede ser día o noche, eso da igual, lo importante es que se escuche). La leyenda cuenta que este poderoso trío consiguió cierta fama tras grabar su segunda placa “Sleep’s holy montain” y fue así que lograron captar la atención de una compañía discográfica importante llamada “London record”, pero ya


todos sabemos, que el mercado musical muchas veces es tirano, y en el camino creativo que ellos plantearon se les fueron interponiendo piedras cada vez mas grandes, piedras que impedían poder lograr sus anhelos. Su anhelo era simplemente, el de poder sacar a la venta este único tema, denominado “Dopesmoker” como el mismísimo álbum pero el sello les dijo que era “invendible” por lo cual les rechazaron la idea. Tercos y obstinados lo volvieron a intentar bajando el tiempo de duración a 52 minutos, dividiendo el track en 6 y poniéndole el nombre “Jerusalem”, pero dicha idea también fue rechazada por London record. Bajo esta impotencia y un poco hastiados por la situación la banda decide en 1997 acabar con sus carreras y disolverse, armando dos agrupaciones diferentes, por su lado el guitarrista formaría una banda llamada “High of fire”, mientras que Al Cisneros (bajista) y Chris hakius (baterista) formarían el experimental proyecto “Om”. -¿Pero como es esto, la banda se disolvió y sin embargo el disco salió a la venta 6 años posterior a ello?, no tiene sentido-Claro que si lo tiene, puesto que la banda se disolvió pero recuerde usted que el disco fue grabado antes de ello. ¿De que otra forma podría entonces la banda mostrar el contenido a la discográfica?, ¿y cómo pudiese esta rechazarlo sin haberlo escuchado?-. Es cierto, el tema de que un track sea de 63 minutos suena tentador para el rechazo pero quien sabe quizá el mismo suena pausado y encantador, claro que este no es el

caso. Bien esto se explica de la siguiente forma, dos años luego de la separación de la banda, un amigo de la misma consulto con cada uno de ellos y el manager para saber si podría largar a la calle las grabaciones que realizaron para “Jerusalem” obteniendo una respuesta afirmativa de los 4 es por ello que en 1999 sale a la venta ese disco bajo el sello “The music cartel” y “Rise avobe record” (para estados unidos y Europa respectivamente) y posterior a ello las grabaciones originales del disco que hoy nos acontece salieron a la calle en 2003 bajo el sello “Tee pee record”. Esto da comienzo con una guitarra solitaria que realiza riff lentos y pesados acompañado de una distorsión muy desvencijado, luego de un tiempo se adhieren a esta el resto de los instrumentos y comienza una catarata de doom y stoner con claras influencias de los viejos y clásicos Black sabbath donde si bien el tempo sigue siendo lento la atmosfera se cubre de una espesura brinda por el ambiente musical. Este mismo tiene momentos en los cuales baja, principalmente cuando queda la guitarra sola, pero básicamente mantiene al escucha en un nivel alto y constante de atención, debido al interesante sonar de su batería. Vale rescatar por sobre la calidad y la originalidad del sonido y el arduo trabajo de organización que tuvo que pasar este power trío para que ensima despues no le acepten la propuesta. ¡Bien por ellos en delirarse la plata que la compañía les dio entonces!


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Shoegaze

Los colores del horror The horrors Primary colours (2009)

Imagínate a Joy Division tocando con unos My Bloody Valentine –vestidos con sobretodos negros en una noche helada, obviamente- con una mas que interesante pulsión kraut, y ahí, -probablemente exagerando un poco- tendrás este sorprendente y gran disco de The Horrors, una banda que a pesar de que su nombre parece venir de su horrorosa estética y su mediocre primer álbum que parecía condenarlos a entrar en el saco de bandas post-punk/garage revival sin un atisbo de personalidad que florecían –y se marchitaban rápidamente- por todos lados en el Reino Unido en la década que pasó, se terminó descolgando con esta obra fantástica que nos ofrece un costado totalmente distinto de la banda, mucho mas maduro y que deja la puerta abierta a futuros lanzamientos que seguramente nos harán pasar mas de algún buen momento. Como dije mas arriba, me gusta describir el sonido de este disco diciendo que son como si Joy Division (o The Sound o hasta The Fall) estuvieran tocando shoegaze con unas guitarras que parecen embebidas en un mar de pedales como los que usaba Kevin Shields (my Bloody Valentine) en sus épocas de gloria musical, sin


dejar de lado la influencia krautrock, que si bien es leve, ahí esta, sino me creen escuchen la canción de mas de siete minutos, “I only think of you”, donde la batería, las guitarras –con efectos por supuesto- y la voz monótona y desganada imprimen un ritmo minimalista al mejor estilo de la Velvet Underground para terminar en unas capas de guitarras y sintetizadores que nos recuerdan a grandes momentos de algunas queridas bandas teutonas. Otro track que para mi merece ser destacado por sobre el resto es “Who can say” que es uno de los mejores ejemplos de cómo estos imberbes británicos son capaces de rescatar la mejor tradición post-punk para cruzarla con aquel glorioso noise pop norteamericano que tantas alegrías nos ha dado en los noventa. En fin, estos alumnos aventajados de los de Manchester han tapado muchas bocas con este gran disco que, quiero pensar, todavía no es su obra maestra, sino que es solo un aviso de lo que con el tiempo podrán lograr si no se desvían de este camino que emprendieron, y si si-

guen agregando y profundizando en las cuotas de experimentación musical, seguramente nos regalaran grandes canciones y discos en un futuro bastante cercano. ¿Dato extra? si, el disco fue producido por Geoff Barrow, Craig Silvey de Portishead y por el famo-

“A diferencia de la gran mayoria de los grupos parece que estos tipos se tomaron las cosas mas en serio y encontraron su camino (excelente camino) en una segunda placa cargada de hermoso pop ruidoso” so director de videos Chris Cunningham (véase “all is full of love” de Bjork, “Only you” de Portishead o “Come to daddy” de Aphex twin) quien luego grabaría con ellos el video de “Sheena is a parasite” y el video de “Who can say”, 1er corte de difusión, fue dirigida por el bajista de Jesus and mary chain (Douglas Hart).


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En este número

Almendra


HIS P NOS HONDURAS Honduras . IDEM Volumen I (2006)


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Pop psicodélico

El fruto del culto Almendra Almendra (1969)


“Muchacha ojos de papel, ¿a donde vas? quedate hasta el alba...” relata la primera oracion del tan recordado y reconocido “Muchacha ojos de papel”; así da inicio algo que aun hoy no tendria un final, y estamos hablando de la carrera de Luis Alberto Spinetta. Almendra era un cuarteto formado por Emilio Del Güercio en bajo, Edelmiro Molinari en guitarra, Rodolfo García en bateria y Luis Alberto Spinetta en guitarra y voz. Se trata de este último como, el plato fuerte (y el postre) del grupo, sus composiciones y su facilidad para la lírica transformo al rock en otra cosa, adelantado a una era en la que luego muchos artistas lo seguirian el Flaco logró captar la atencion de todos con una amalgama entre los lemas de las calles y el vocablo expecifico de los mayores exponentes de la literatura mundial. Nacidos y unido por el amor a la nueva revolución musical denominada Rock and roll, los 4 integrantes de almendra se juntan corriendo el año 1967 para empezar algo que parecia inimaginable. Pero es claro desde los primeros acordes del disco el porque Almendra a logrado llegar a ser un reconocido y admirado disco del pais, y es porque consiste en una interpretacion muy par-

ticular y original de los instrumentos, cosa que Spinetta repetiría durante toda su carrera y unas letras surrealistas magistrales y encantadoras, de ensueño, que llevan a uno a escapar un poco de la realidad y liberar asi su mente. Almendra no solo es recordado por su musica, su iconica portada es quiza junto a la de “Pescado 2” de las mas representativas e incognitas

“Que spinetta es un geniono cabe duda, pero pocos artistas logran una performance tan impecable al iniciar su carrera y la arrastran consigo por 4 décadas” de todas, ¿porque llora “almendra”?, porque su barba parece ser de una tela?, ¿que es lo que tiene en su cabeza?, ¿es acaso una anguila el bicho que aparece en pescado dos? ¿o es un ser con representación un poco mas sexual?, cualquiera fuera el tema es aquí donde se halla el centro de atencion del escucha de Almendra, en la interrogacion, oir Almendra es iniciar un filosofal viaje por la sabiduria. Escuchar las letras del Flaco nos


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Pop psicodélico

Almendra Almendra (1969)

llevan a eso, a pensar, que hermoso lo que dijo, suena genial, pero... ¿qué quiere decir?, decifrar el jeroglífico es tan bello como no encontrar la respuesta. Tomar citas de frases que ejemplifiquen ello sería tan sencillo ya que dentro de cada tema, cada oración se ve tal energía, “...Somos seres humanos sin saber lo que es hoy ser humano...” o “...vemos todos colores, sin saber lo que es hoy un color...” relata “Color humano” pero seré curioso, ¿como se pueden ver los colores sin saber que son los colores?, obviamente la frase es mucho mas extensa que unas cuantas palabras y siguiendo con la tematica de los colores en “A estos hombres tristes” relata “...ponte color que al morir los hombres son blancos, mas blancos...” , otra gran frase, foneticamente correcta

“Almendra, es tal vez aquel álbum que inició con una era de composicion lírica de una madurez y poetizacion especial, y esto se debe a el aura literal del ‘flaco’, estilo que se copio en los ultimos 40 años” y agraciada pero que dice mas de lo que dice realmente; pero Almendra como toda invension Spinetteana se presta para esto, para analizar y enamorarse, para dejar que las ideas fluyan solas en tu mente y que mil explicaciones respondan tus inquietudes. Almendra le canta a la vida, mezclando el pop, la psicodelia, el blues y el hermoso folklore nacional cuenta historias de todo tipo, existenciales, de amor, de vida y de desgracias. La voz de Spinetta acompaña de manera sublime dichas narraciones logrando hasta meter a uno en las historias y sentir lo que cada personaje siente,

algo extraño para la musica, pero no para la literatura. Nueve temas y 37 min de climas, ecosistemas y atmósferas diversas son lo que Almendra trae consigo, desde la progresiva marea de “Color humano”, la poderosa adrenalina de “Ana no duerme” o la trágica “Plegaria para un niño dormido”, la cual cuenta historias que aun hoy se repiten en el país, y que por desgracia parecen ir en aumento y en la que no está demás recalcar la actuación guitarristica de Edelmiro. “Que el viento borró tus manos” y “Laura va” son los dos última temas del disco y también de los mas cortos, pero no confunda, su duración es inversamente proporcional con sus hermosura. “Laura va” por ejemplo, recurda mucho a “She’s leaving home” de los Beatles (escuchece “Sgt pepper’s lovely heart club band”). Un año despues y para recibir una nueva década Almendra decide sacar un nuevo album al que titula “Almendra 2” (creo que varios concordarán conmigo al decir que no sorprende ver la ausencia de originalidad en nombres en una banda tan poderosa en lo que a la intelectualidad corresponda, pero este mote quizá remita a que no solo es el segundo -y último- disco de estudio de la banda, sino porque tambien es un album doble), un poco mas blusero y rockero que este sentimental debut. Ese mismo año, debido a diferencias musicales la banda dejaría de existir como se la conoce y cada uno de sus integrantes formaría diversas agrupaciones: el Flaco, Pescado rabioso y posteriormente invisible, spinetta jade, los socios del desierto y su grupo solista, Edelmiro Molinari hace lo suyo con Color humano, Emilio Del Güercio por su parte se une a Aquelarre junto a Rodolfo García quien ingresa a Tantor años mas tarde.


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Experimental

El país de la libertad Honduras Volumen I (2006)

Desde hace tiempo que vengo oyendo que la gente dice que en este país (Argentina) no se cosecha lo que se siembra, que la cultura musical rockera que se supo formar en las décadas del 60’ y 70’ con bandas como Pescado rabioso, Arco iris, Sui géneris o Manal entre otras, se desploma y se desvaloriza ante la atenta mirada de banditas de poca monta que suenan en todos lados hoy por hoy y que tienen como único fin: la fama y la fortuna. En cierta forma es verdad, pero también dice un dicho “quien busca, encuentra”; y entre esos encuentros está Honduras. Nadie puede negar que el internet y las descargas gratuitas han facilitado a muchos de nosotros (por sobre todo a mi generación) a estar al alcance de todo sin siquiera movernos de nuestras casas, que con un solo clic podemos encontrar, conocer y escuchar a bandas que antes eran totalmente nulas, pero ya nos lo enseña el Yin yang, todo tiene su lado negativo, su desventaja, en este caso la misma es que ahora existen por cada una banda buena (caso de Honduras) cien malas a su alrededor que opacan y dificultan su descubrimiento, es mas fácil para un adolescente que se adentra a navegar por estos mares si-


nuosos dar con bandas rollingas de 3 acordes y no con agrupaciones que se basan en su ingenio para componer y dar forma a nuevos sonidos. Honduras, aparte de ser un país de centro América, es una banda formada en 2005 que mediante el empleo de improvisaciones y buena ejecución de los instrumentos a crecido enormemente conforme pasa el tiempo. Esta es una agrupación influenciada por variadas y diversas corrientes de la historia del rock y en cierta forma revive el espíritu libre y rebelde de aquella joven vanguardia de décadas anteriores (no por nada se hacen llamar honduras libre grupo); Desde atributos Floydianos, hasta viajes cósmicos como los de los mejores Hawkwinds, pasando por el clásico minimalismo al mejor estilo Neu! o incluso minuciosos elementos característicos del primer Black sabbath (cosa que se nota en el riff inicial de “Tarot”), Honduras lo tiene todo, todo lo que la psicodelia y la experimentación lisérgica pueda considerar validero. Formado por un cuarteto (hoy en día sexteto) multi-instrumentalista la banda ensaya matices increíbles y experimentaciones sonoras admirables. Básicamente el disco cuenta con 6 temas largos y variados, todos y cada uno de ellos instrumentales y muy diversos, “Tu mujer te da una maripo-

sa” por ejemplo es reiterativo y pregnante, quizá el mas accesible de todo el disco, mientras que “Ovnindígena” trae consigo una apertura musical increíble, desde una batería jazzera hasta sonidos ambientales característicos del krautrock que en parte trae a mi memoria “Aumgn” de Can. La propuesta de Honduras, no solo es arriesgada en el sentido de que son un grupo difícil de digerir por la música que hacen, sino también que muchas veces, las bandas instrumentales se ven albergadas en un segundo plano por creer que las mismas pueden aburrir en algún momento. En cierta forma eso no está tan errado pero creo que no es el caso de Honduras, ya que apoyándose en cada uno de sus miembros estos muchachos crean un techo rígido, macizo e imposible de tirar abajo haciendo de estos una apetecible y diversa banda. Incluso dos de sus integrantes (Gabriel Falciona, batería y Alejandro Leonelli, al bajo) tuvieron el honor de formar parte de la banda que acompañó a Damo Suzuki en su visita a la Argentina en el año 2009. En síntesis, el debut de esta banda local es ideal para todo aquel escuchar con ganas de alimentarse de algo nuevo, fresco y por sobre todo Nacional (obvio en el caso de que fueses Argentino).

Disco tk 1  

Una revista, todos los dicos

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