INDIEFERMAG Nº 26. Noviembre 2013

DOSSIER ARCADE ICONA POP / THE FENECH-SOLER / KOSTROK / DJ SUIT

ARCADE FIRE

FIRE REVIEWS BABYSHAMBLES / ANNA CALVI / PEARL JAM / THE STRYPES TOXIC AVENGER / FUZZ / IZAL / SUB FOCUS / SLEIGH BELLS / KOKOSHCA DARKSIDE / BETUNIZER / DR. DOG ENTREVISTAS THE TOXIC AVENGER CRÓNICA GRANAPOP 2013 ICO TOP OCTUBRE Y MUCHO MÁS

ÍNDICE

INDIEFERENCIA MAGAZINE

Dossier y review del mes Arcade Fire: “Reflektor” 4

Reviews The Strypes: “Snapshot” 10 Icona Pop: “This is... Icona Pop” 12 Babyshambles: “Sequel To The Prequel” 14 Sub Focus: “Torus” 16 The Toxic Avenger: “Romance And Cigarettes” 18 Izal: “Agujeros De Gusano” 20 Darkside: “Psychic” 22 Sleigh Bells: “Bitter Rivals” 24 Fenech-Soler: “Rituals” 26 Entrevistas

The Toxic Avenger 28 Kostrok 30 Dj Suit 36

Crónicas

Granapop 2013: 3,4 & 5 de octubre 40

Ico Top Ico Top octubre 2013 44 Indiespensables Tops octubre 2013 48

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ARCADE FIRE | DOSSIER Y ANÁLISIS DE “REFLEKTOR” Por Jaime Mateo Herrero

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DOSSIER | ARCADE FIRE Arcade Fire han marcado un antes y un después en la historia del rock de comienzos del siglo XXI. Si hay una banda que ha sabido mantener el listón después de un debut espectacular, contentar a la gran mayoría de la crítica y llenar estadios de todo el mundo, ellos son los canadienses liderados por el matrimonio formado por Win Butler y Régine Chassagne. Tras la consolidación de la banda de Montreal a finales de 2003 y editar un homónimo EP, los canadienses ficha-

Arcade Fire (2003), folk con pinceladas barrocas

ron por el sello independiente Merge Records y comenzaron a componer el que sería ya no uno de los debuts del año sino uno de los discos que marcarían la década pasada, compartiendo podio con las obras maestras "Kid A" y "Is This It". Después vendrían "Neon Bible" y "The Suburbs",discos que no superan el debut pero con el nivel que se les exigía, convirtiéndoles en los músicos más meritoriamente laureados del rock alternativo actual.

bles gritos al unísono. Todo lo demás son pasajes sonoros que beben de Neutral Milk Hotel, con letras nostálgicas y momentos ascendentes que explotan en un tremendo final como la que cierra "Vampires/Forest Fire".

Funeral (2004), cantarle a la muerte

El autoeditado EP de Arcade Fire, que más tarde sería remasterizado por Merge ante la petición de los fans, sienta las bases de la música de los canadienses. Meticulosos como ellos solos, Win Butler y Régine Chassagne se arman de una gran variedad de instrumentos para componer canciones folk, de cuidada producción y contenida emoción. Aunque el peso de las voces cae del lado de Win, Régine ya toma el protagonismo en alguna canción como la barroca "I'm Sleeping in a Submarine". Encontramos también en este EP el que sería uno de los singles de su segundo disco, la combustible "No Cars Go" y algo recurrente en las canciones del grupo, los reconoci-

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La obra magna de Arcade Fire llegó en un momento determinado. Después del fallecimiento de varios familiares de los componentes del grupo (el abuelo de Win, la abuela de Régine y la tía de Richard), los canadienses utilizaron el concepto de la muerte como hilo conductor de "Funeral".Este disco podría haber sido una labor de una pretenciosidad enorme pero lo que consiguió Arcade Fire, y el tiempo lo dirá, fue una obra de arte universal de un calado emotivo sin precedentes, es decir, música con mayúsculas.

Si bien es difícil destacar por encima del resto algún tema del disco, el primero y carta de presentación, "Neighborhood #1 (Tunnels)", vendría a ser la pieza clave ya no de "Funeral" si no de toda la discografía de Arcade Fire. "Tunnels" es Win Butler desgarrándose la voz acompañado de la orquesta perfecta que forman sus compañeros, que esta-

llan de pasión en un final sublime.

El resto del disco contiene más canciones explosivas ("Neighborhood #2 (Laika)" o "Neighborhood #3 (Power Out)") y medios tiempos preciosos como "Une Annè Sans Lumiere" o la bellísima y tristísima "Crown Of Love". Incluso cuando las letras son lo más sencillo del mundo, Arcade Fire consigue explotar sus cualidades componiendo una de sus más redondas canciones, "Rebellion (Lies)".

Y a pesar de empezar siendo una banda desconocida, destinada a pisar salas pequeñas y escenarios intimistas, la banda ya apuntaba maneras para convertir sus canciones en himnos que serían coreados en todos los estadios del mundo, véase "Wake Up".

ARCADE FIRE | DOSSIER Y ANÁLISIS DE “REFLEKTOR”

Neon Bible (2007), el versículo más siniestro

En su segundo disco, Arcade Fire se salieron un poco por la tangente.

"Funeral", a pesar de hablar de la muerte, lo hacía de manera luminosa y alegre a base de canciones poderosas que estallaban de júbilo en seguida. Todo eso brilla por su ausencia en "Neon Bible", disco muy arriesgado que confirmó que los canadienses saben jugar bien sus cartas.

Ya desde los inicios con "Black Mirror" uno parece encontrarse en el interior de una fría catedral gótica, rodeado de una vorágine de melodías que intercambian la ornamentada instrumentación por sintetizadores. La lánguida "Neon Bible" es otro de esos temas oscuros que estremecen como también lo hace "Ocean Of Noise". Y aunque la mayoría de canciones del disco parecen compuestas en el mismo inframundo, alguna hay que retoma la luminosidad del debut como "Keep The Car Running", eso sí, conteniendo la angustia, sin hacer que estalle en ningún momento.

Pero este disco, que fue compuesto en el interior de una iglesia con órgano además, nada en un océano de letras místicas, religiosas más bien. Es en "Intervention" cuando Win Butler reza el ya famoso "Wor-

king for the church while your family dies" y el disco alcanza ya mayor categoría. También encontramos a Régine al mando de "Black Wave / Bad Vibrations", mezclando versos en inglés y francés, otra de las señas de identidad del grupo.

En la recta final del disco aparece "No Cars Go" y la simetría con "Rebellion"en "Funeral" salta a la vista.

Letras simples que dan lugar a uno de los mejores temas que tiene el grupo. Por otro lado "The Well And The Lighthouse" y sus giros de ritmo le mantienen a uno en vilo hasta que llegan los "resurrected..." y todo comienza a difuminarse como la niebla de ese océano donde no llegan los coches ni los barcos.

The Suburbs (2010), cualquier tiempo pasado fue mejor

El disco más conceptual de Arcade Fire llegó en 2010 y se convirtió en el éxito que les lanzó a la fama mundial, muy a pesar de los fans acérrimos de "Funeral". En los periódicos de todo el mundo se repetía la noticia de que los canadienses habían dado el mejor directo del año en x ciudad. Arrasaron allá por donde pasaron y fuimos muchos (yo incluido) los que nos subimos al carro con este disco.

Lo más gracioso de todo es que "The Suburbs" no es que sea el disco más accesible del mundo.

Quitando el single "Ready To Start", el resto de canciones no son precisamente un "Rebellion". En cualquier caso, la retrospectiva que nos plantea Arcade Fire en "The Suburbs" es una experiencia que no se te olvidará. Al menos porque es inevitable identificarse con este viaje y sus paradas; nostalgia por la adolescencia en los suburbios de cualquier ciudad, la vuelta a la misma después de décadas y encontrarlo

todo irreconocible, y los recuerdos que siguen ahí en cada parque, esquina o tienda...

Desde el exquisito comienzo de "The Suburbs" hasta "Sprawl (Flatland)", la compleja instrumentación hace gala en cada canción y los tiempos muy medidos ponen la guinda a los temas. Hay grandes momentos en este disco; la explosión de sonido de "Ready To Start" o "Empty Room", los inquietantes teclados de "We Used To Wait", el trepidante ritmo de "City With No Children", los inconfundibles "rococo rococo"... En este disco Arcade Fire demuestran que son un grupo con amplios horizontes, capaces de coquetear con la electrónica y sacarse de la manga la irresistible "Sprawl II (Mountains Beyond Mountains)", en la cuál Régine nos invita a salir al jardín de casa y ponernos a bailar.

Sin embargo, también hay que decirlo, "The Suburbs" cuenta con algunos temas que se podrían tachar de relleno. Dieciséis canciones en total que podrían alargarse más de la cuenta en momentos como "Half Light I" o "Suburban War". Es por ello que el disco queda por debajo de los anteriores, siendo aún un gran disco y por el que vale la pena seguir apostando por el futuro de los canadienses.

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ARCADE FIRE REFLEKTOR / 2013

Después de tres largos años desde su anterior disco “The Suburbs” y varias semanas de bombardeo mediático, Arcade Fire nos traen un renovado sonido con su cuarto disco, desconcertante e incasillable en nada hecho antes por el grupo. Ya el primer adelanto, el single “Reflektor”, dejaba bien claro por dónde iban los tiros en este nuevo episodio de la banda canadiense. Fuera violines, dentro sintetizadores. Y todo ello debido en gran parte a James Murphy (L.C.D. Soundsystem), que ha puesto la marca de agua a cada tema de “Reflektor”.

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Estamos ante un doble álbum (ambicioso), con canciones de una media de más de cinco minutos (arriesgado cuanto menos) y una especie de interludio que separa ambas, “Here Comes The Night II”. Tras una rápida escucha lo primero que llama la atención es el desenfrenado ritmo bailable de gran parte del disco, sobre todo en la primera parte. La colaboración con David Bowie es un gran aliciente del sobresaliente single “Reflektor”, así como los versos en francés de una Régine ya sobrada con eso de los coros. El otro gran single por excelencia es, sin duda, “Afterlife”.

Efectivamente, de los creadores de “Rebellion”, “No Cars Go” y “Sprawl II” llega ahora el tema más sencillo, pegadizo e inmediato que ha compuesto Arcade Fire. La épica de “Tunnels” hace alguna discreta aparición en “Reflektor”, y combinada con el rock más potente del disco hace de “Joan of Arc” un nuevo himno del grupo canadiense.

Como he dicho, hay una clara diferencia entre la primera parte del disco, donde Arcade Fire se lanza a la pista de baile con más o menos acierto en cada tema (destacan “Here Comes the Night Time”y, sobretodo, “Normal Person”), y la muy interesante, y en mi opinión superior, segunda parte. Y es que “Awful Sound (Oh Eurydice)” y “It’s Never Over (Oh Orpheus)” forman el tándem perfecto a pesar de alargarse innecesariamente. La primera lleva la etiqueta de canción más lenta y emotiva en un disco donde el intimismo brilla por su ausencia. Si bien tarda en arrancar,

una vez que lo hace, encontramos al Butler más melódico. Por otro lado, “It’s Never Over…”cuenta con varias partes que se entrelazan en uno de los temas más completos del disco. Cabe destacar también la sugerente “Porno” que llama la atención, aparte de por el nombre, por ser uno de los temas que mejor recupera el tono siniestro de “Neon Bible”, sí, ese que también ha pasado a mejor vida. Para terminar el disco tenemos por un lado la ya mencionada “Afterlife”, que no se entiende muy bien que hace en esa posición del setlist (¿es otro reflejo?), y “Supersymmetry”, once minutos “calma sintética” para acompañar la resaca después de tanta fiesta.

Después de reposar el hype y ver “Reflektor” con perspectiva, uno se da cuenta de que el cuarto disco de Arcade Fire peca de alargar las canciones sin necesidad y de querer arriesgar con un sonido diferente que en ocasiones convence y en otras siembra todas las dudas por, hablando en plata, cansino. Al final “Reflektor” no es el disco del año que todos esperábamos pero es un disco notable, desconcertante y polémico como lo han sido los nuevos de Daft Punk o The Knife. y que si no viniese de los creadores de “Funeral” o “Neon Bible” sería una de las sorpresas del año. Pero claro, la sombra de los túneles es demasiado alargada y, sinceramente, ¿quién quiere ver a Arcade Fire bailando en una playa de Haití pudiendo verles en una catedral gótica tocando, se me ocurre, un órgano?

REFLEKTOR | ARCADE FIRE

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REVIEW

THE STRYPES Por Jesús Daniel Marín

Enfundaos los pitillos, la chupa de cuero y tened a mano el peine para arreglaros el tupé continuamente como si fuerais el mismísimo John Travolta en “Grease”. Y todo esto porque The Strypes vienen desde Irlanda dispuestos a romper caderas a base de rock and roll.

Desde los primeros acoples de guitarra de “Mystery Man” sabemos que la escucha de este disco no va a ser un viaje tranquilo. Y así lo corrobora “Blue Collar Jane” y su frenético estribillo. Cambio de marcha para enfrentarnos a la blusera “What the People Don’t See” en la que los solos de harmónica cobran un especial protagonismo y que a partir de este corte, van a ser uno de los puntos más fuertes del disco.

Trallazos guitarreros como “She’s So Fine” pueden haber sido el motivo por el cual los Arctic Monkeys han elegido a The Strypes como teloneros de su gira. Aunque al avan-

zar por el disco nos llevan de cabeza a las zonas pantanosas de Luisiana mientras suena “Angel Eyes” que recuerda bastante al trabajo de uno de los grupos nacionales más interesantes en la actualidad, Guadalupe Plata.

Y de nuevo, harmónicas, baterías aceleradas y frenetismo en la garganta es lo que encontramos en “Perfect Storm”. Dos minutos escasos de canción y no hace falta más para volverse loco, como la juguetona “You Can’t Judge a Book by the Cover”, plagada de sonidos rockabilly y perfecta para bailar un buen rock and roll junto a vuestra pareja. “What A Shame” es una bomba de relojería que explota a partir del solo de batería del final, donde se demuestra la calidad instrumental de estos chavales irlandeses.

base de desgarradas voces y un final de canción que quiere poner el broche al disco. Pero aun así, falta una joya llamada “Rollin’&Tumblin” en la cual, y de forma definitiva, la harmónica destapa todo su potencial acompañando a la melodía de la canción en su totalidad e incluso permitiéndose picarse a solos con el guitarrista. Esto es rock and roll.

En definitiva, un coctel mortal entre Dr. Feelgood, Chuck Berry, los Rolling Stones más salvajes y unas gotitas de un revival mod que con un solo disco ya han conseguido llegar al número 5 en las listas del Reino Unido. ¡Qué discazo!

Encarrilando el final del disco aparece “Hometown” que podría haber sido el single perfecto para presentar éste disco de no ser por la elegida “Blue Collar Jane”. Con un estribillo cargado de fuerza, lo que no despega de los oídos es un brutal y directo riff de guitarra que machaca una y otra vez. “Heart Of The City” es el preludio a una despedida que nos va preparando a Noviembre 2013 INDIEFERENCIA MAGAZINE 11

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REVIEW

ICONA POP Por Álvaro Hernáez

¡Advertencia a navegantes! Éste es un álbum pop facilón, sin prejuicios ni pretensiones, orientado a que la gente pase un buen rato escuchándolo y bailándolo. Y, desde luego, desde esta perspectiva, Icona Pop han conseguido lo que perseguían: despreocuparnos y hacernos esbozar una sonrisa, mientras marcamos el ritmo de sus pepinazos con el pie por debajo de la mesa.

Que este par de suecas no han venido al mundo musical a revolucionar la forma de hacer música está claro, ni tampoco son grandes poetisas del amor moderno. No, son Caroline y Aino, una pareja de animadas chicas de Estocolmo que han venido a hacernos bailar y a reivindicar el rollo-bollo en la escena pop, tan copada siempre de aroma gayer que a veces nos hace olvidar que ellas también existen.

Obviamente, ellas están aquí gracias al cañonazo de salida que supuso “I Love It” en su proyección internacional. La canción, que lleva más de un año sonando en radios,

sesiones y baretos varios, es una ruptura en modo destroyer, cargada de reproches, coches estampados en puentes y profundérrimas metáforas (que adoramos, como buenas nineties bitches que somos). Y lo que es más, ha sido uno de los pocos temas capaces de sobrevivir dignamente a una versión caspapop, sintiéndolo por las Nancys Rubias. We don’t care, we love it…

Con esta premisa, y con la intención de no quedar estigmatizadas por la etiqueta de one-hit-wonder, las suecas han recogido lo mejor de su material previo (los cinco primeros temas) y los han acompañado de seis nuevas creaciones para éste su primer álbum internacional, con una conclusión resultona y honesta. De entre las joyas discotequeras previas, destaca la inmensa “Ready For The Weekend”, con buena dosis de zapatilla y voz apitufá para abrir el tema, o “We Got The World”, donde vuelven a demostrar que saben lo que hacen (vídeo partyhard, como una continuación natural del que se marcaron para “I Love It”). “Girlfriend” toma el testigo de ambas, como una despreocupada declaración de amor tortibóller, confesándonos que sólo se necesitan la una a la otra en este mundo de pecado. Eso sí, lo que ellas hayan contribuido al vicio en el mundo se lo guardan, suponemos que para su próximo disco.

Las nuevas producciones que nos regalan cogen un poco de aquí y de

allá. Por ejemplo, se intuyen sonidos noventeros en “In The Stars”, de la que recomendamos el Galaxy Mix (mucho más interesante que la original).“On The Roll” sigue con la fiesta, con más discoteca, saltos en marcha de trenes, poses de rockstar y mucho tututuru tuturu, levantándose como el pepino “de nueva creación” más interesante que encontramos en el disco. En “Just Another Night” bajan las revoluciones (después de siete trallazos seguidos se agradece), para marcarse el pseudo-baladón del disco, con un cierto estilo Miley Cyrus wannabe envolviéndolo todo. “Hold On” recobra el espíritu previo, para continuar con la llama encendida en “Light Me Up”, sus coros a medio tiempo y su buena dosis de autotune, y finalmente cerrar el disco con “Then We Kiss”, divertida, enérgica y buenrollera.

En resumen, “This Is… Icona Pop” es eso, Icona Pop en estado puro, un álbum de pop electrónico, fiestero, sin ningún tipo de artificio, que va al grano en el tema de venirse arriba. Y, ojo, no desmerecemos el trabajo de estas chicas, pues muchísimas grandes figuras del pop internacional tratan de buscar un producto como éste sin ningún éxito, y unas recién llegadas han sabido dar en el clavo sin demasiado esfuerzo, con una producción modesta y nacida (parece mentira) en la escena alternativa pop escandinava. Chúpate esa, Lady Gaga.

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BABYSHAMBLES Por Quique Gómez

Muy a mi pesar, el tercer álbum de Babyshambles ha pasado sin pena ni gloria por muy pocos medios de comunicación, tanto digitales como impresos. Seis años han pasado desde el genial “Shotter’s Nation”, el que sucedía al esperanzador debut post-Libertines titulado “Down In Albion” (2005). Pero el verdadero problema es que… tampoco los echábamos de menos. La triste apatía que da en 2013 enfrentarse a un nuevo disco del cuarteto londinense es preocupante, pero tampoco es justo hacerle semejante boicot a los de Pete Doherty, ese incomprendido geniecillo que en su trayectoria profesional ha aparecido, injustamente, más en la prensa sensacionalista que en la musical.

“Sequel To The Prequel” es un disco que, realmente, pasa del decente sin llegar a impresionar, pero que si te gustaba lo que hacían antes, te va a dejar más que satisfecho, pues no hay ningún cambio de registro en absoluto. Más de lo mismo… pero sin “Fuck Forever” o “Delivery”. Y he ahí el único problema: la falta de ese par de irresistibles singles a los que Doherty nos acostumbraba, tanto con The Libertines como con su banda actual. “Maybeline” es un intento pero se queda en quieroy-no-puedo; a “Nothing Comes To Nothing”, el single, le falta chicha; el estribillo de “Farmer’s Daughter” da un poco de fatiguilla; y “Fireman” es un clon mediocre de The Clash. Pero, paradójicamente, ahí se acaban las críticas, porque estos nuevos Babyshambles empiezan a molar cuando menos te lo esperas.

El adictivo ritmo de “Fall From Grace” es un buen ejemplo; o esa callejera “New Pair”, la cual lleva tatuada el sello Doherty que hasta recuerda a ese otro incomprendido “Grace/Wastelands” (2009) que firmó en solitario; la que da nombre al álbum es puro cabaret brit, una canción genial; y “Dr. No” es la guinda del pastel, rozando el reggae y haciéndonos pensar que, definitivamente, se ha cambiado de droga.

El final de disco está un poco a medio camino, en mitad de la tabla.

“Penguins”, pese a destacar, habría tenido una marcha más de velocidad en épocas pasadas, cosa que no le vendría nada mal; “Pic-

ture Me In A Hospital” y “Seven Shades Of Nothing” suenan a buenos rellenos y “Minefield”, la que cierra, busca la épica (sin encontrarla) cuando ya está todo dicho.

Este tercer disco de Babyshambles lucha por buscar un hueco que hace tiempo no tiene, una identidad perdida hace años, pues darle continuación tantos años después a un disco tan superior los deja un poco en medio de ninguna parte. Sobre todo cuando el propio Pete parecía empezar una lógica y prometedora carrera en solitario. El problema es que, en el fondo, es un cacho de pan, y no quiere dejar a sus amigos atrás. Yo, como enamorado fan suyo, tampoco lo pienso hacer nunca. Su magia no desaparece así como así y sus discos siempre tienen donde rascar. Éste no es una excepción.

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REVIEW

SUB FOCUS TORUS

Por Álvaro Hernáez

Siguiendo en la tónica de un año 2013 plagado de grandísimas producciones electrónicas que coquetean con el deep house o el dubstep, Sub Focus presenta su segundo álbum, un popurrí de referencias, estilos y voces, con sus claroscuros, que nos recuerda que se pueden gestar grandes melodías pensando en la pista de baile.

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Desde luego que 2013 pasará a la historia como el año en el que las producciones dance se hicieron un hueco entre los grandes de la música de la escena alternativa. Comenzando por esa maravilla hecha disco que es “Settle” de los Disclosure (injustos no-ganadores del Mercury Prize, según mi humilde opinión), siguiendo por la sensibilidad que los Rudimental han sabido transmitir en los temas de su “Home“, nos topamos con “Torus“.

El segundo disco del productor y DJ Sub Focus (pseudónimo con mucho más gancho que su nombre original, Nicholas Douwma) es una consecución un tanto anárquica de todo lo que se ha puesto de moda este año. Tenemos grandes pepinos dubstep, tímidas pero convincentes incursiones house y medios tiempos llenos de sensibilidad que ya querrían para sí gente como The Sound of Arrows. Lo malo de toda esta mezcla es que Sub Focus parece querer ir a muchos sitios y no termina por llegar del todo a ninguno, siempre desde la convicción de que, si este disco se hubiese publicado a principios de año, estaríamos hablando de uno de los trendsetters más importantes de los últimos doce meses, porque calidad tiene y mucha.

El disco se abre con la canción que lo da nombre, “Torus”, donde Sub Focus se aproxima a la frescura del estilo de Madeon, el niño prodigio del dance, en una futurista e interesante fusión de ritmos dubstep y electrónica que sienta bien las bases de lo que nos encontraremos después. A continuación nos topamos con “Safe In Sound”, mucho menos resultón, en donde una voz muy a lo “El Quinto Elemento” se apropia descaradamente del mítico grito de guerra del “Sleepyhead” de Passion Pit, para embadurnarlo con lo más generalista del dubstep.

Sin embargo, toma el testigo uno de los grandes aciertos del álbum, “Endorphins”, con la colaboración vocal de Alex Clare (quien ya tiene mucho camino andado en estos te-

rrenos, tanto en solitario como con Rudimental). Aquí, a diferencia del anterior tema, Douwma sí consigue sacar lo mejor de su vocalista y fusionarlo con un sonido electrónico mucho más templado, con un resultado más que correcto (por algo ha sido el tema con más éxito en UK, alzándose con un digno top 10 en mayo de este año). Después, “Out Of The Blue” continúa con la intención de los temas anteriores, también con notable maestría. Las voces corren a cargo ahora de Alice Gold, y el sonido, aunque también dubstep, se diferencia del resto por ganar en energía y conseguir sacarnos ese zapateo nervioso que pocas veces consiguen las canciones de este estilo.

El ambiente cambia súbitamente con “Twilight”, con el que bajamos las revoluciones y nos olvidamos del zapatilleo predominante hasta ahora. Un medio tiempo chill-electrónico, sutil y ligero, que nos transporta a un amanecer en una playa de aguas cristalinas. Bien relajados, de repente nos encontramos con otro cambio más de estilo, en este caso hacia el house de “Close”. De nuevo, un tema bien ejecutado, sensual, con la voz de otro referente reciente en el estilo, el jovencísimo MNEK. Escuchando este “Close”, nos pasa como ya nos pasaría escuchando algunos temas de los Rudimental: no entendemos por qué los DJs ingeleses de esta generación no abrazan el house sin tapujos, ya que saldrían ganando francamente con el cambio. Sin embargo, probablemente para llevarnos la contraria a los que pensamos así, a continuación nos encontramos con más dubstep en “Turn It Around”, otra de las joyas del álbum (con Kele de Bloc Party prestando su voz). De subidones magistrales y sensibilidad palpable, es otro de los “síes” rotundos del disco. El trabajo continúa con el enésimo cambio de ritmo, esta vez volviendo a la esencia de “Twilight” con “Out Of Reach”, un nuevo interludio tropical.

Después, pues más dubstep, pero con tonos más convencionales. “Falling Down” nos trae la faceta menos original de Sub Focus, pues es una copia un tanto descarada del sonido de Skrillex, que termina bastante mal parada en la comparación.

Y, de repente, nos topamos con la repentina vuelta a los 80′s que supone “Turn Back Time”. Bien construida (aunque echando en falta un buen estribillo, porque esa ruptura maquinera que aparece de entre la nada no convence), nos lleva 30 años atrás entre claroscuros, para traernos de nuevo a 2013 a continuación, con más dubstep random en “You Make It Better”. Le sigue la intensa “Tidal Wave”, que sí continúa por una vez en la línea del tema anterior, con la magnífica voz de Alpines como total protagonista y como interesante puente para la guinda del pastel. Nos referimos al magistral “Until The End”, bien ejecutado vocalmente por la omnipresente Foxes, que sirve para escribir

el punto final al disco, trayéndonos de nuevo a la calma.

El gran problema de este “Torus” es el desconcierto que muchas veces nos genera tanto batiburrillo de estilos tan mal hilado entre sí. Porque sería injusto decir que este disco es mediocre, ya que pocos artistas saben sacar tanto jugo al manidísimo dubstep, o marcarse casi sin querer un par de medios tiempos y de temazos deep house muy respetables. Sin embargo, el encontrar algunos temas que no aportan realmente nada al conjunto le ha pasado factura. Esperemos que en sus próximos trabajos se deje llevar más por las musas que le trajeron “Turn It Around” o “Close” y que se deje de hacer imitaciones de Skrillex, que para eso ya tenemos a una infinidad de productores mediocres subiendo sus mixes a Youtube. En ocasiones, sale más rentable hacer un EP redondo que un LP con interrupciones prescindibles.

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REVIEW

THE TOXIC AVENGER Por F. Javier Moreno

Simon Delacroix vuelve con su segundo álbum de estudio enfundado en el traje de The Toxic Avenger, como no podía ser de otra manera. Un nuevo álbum muy elegante y variado en estilos, que hacen de “Romance And Cigarettes” el trabajo más maduro del parisino hasta la fecha.

“Romance And Cigarettes” es el esperado nuevo disco de The Toxic Avenger. El trabajo más maduro y ecléctico hasta la fecha del artista francés. Un álbum que es un auténtico viaje por una pantonera de colores en cuanto a sonidos se refiere.

Rock, hip hop, electro pop y como no, la electrónica más contundente e hipnotizante que solo Simon sabe crear. Y sobradamente podemos meterle en el top de artistas de electrónica francesa junto a grandes como Daft Punk, Justice y Vitalic.

En este nuevo disco han participado artistas como Play Paul (hermano de Guy-Man / Daft Punk). José Reis Fontao (Stuck in The Sound), Disiz o Lexicon, los cua-

les han puesto las pinceladas de hip hop al disco.

El electro pop es uno de los puntos fuertes del nuevo disco, y así lo demuestra Simon en el single machaca pistas“Romance And Cigarettes”, la popera “Say My Name”, “To The Sun” o una de las mejores del disco,“Something Evil”. Un tema totalmente mágico que lo tiene todo. Desde los sonidos más románticos y llenos de nostalgia, hasta esos tonos electro que te aceleran el corazón. Conociendo a The Toxic Avenger sabemos que no todo es electro pop, y como no podía faltar en un trabajo suyo, la inyección de éxtasis electrónico no podía faltar. Esos ritmos que nos ponen la piel de gallina, endiablados, el aumento de los bpm mientras conducimos por las carreteras de montaña sintiendo las vibraciones martilleantes en nuestro cuerpo.

La adrenalina más pura y adictiva.

Ese importante tramo del disco está protagonizado por “Chase I”; la oscura y embriagadora “Speed” y “Artificial Lights”, una de las más fieles al sonido The Toxic Avenger y a la vez novedosas por esos versos rapeados. Y como no, “Eyes”, el motor tenebroso que alimenta el alma de “Romance And Cigarettes” de una manera tétrica. No todo iba a ser tan romántico y dulce. Encima tiene un tramo “Blue Monday” de New Order, que sea o no un home-

naje de forma intencionada, aumenta el orgasmo digital.

Para completar un álbum redondo tenemos dos canciones completamente opuestas. La primera es la electro rockera “This Means War”, que nos recuerda de una forma inevitable a The Black Keys y las guitarras de Marilyn Manson.

Mientras que por otro lado tenemos otra de las mejores canciones del disco, “Let Me Go”. Unos coros infantes que acompañan al perfecto estribillo y que nos lleva al punto más álgido del disco. Sin parar de bailar, envuelto en guitarras rockeras y funkys a partes iguales. Al ritmo a medio tiempo de un solo de batería electrónica que hace acto de presencia a mitad del tema y hasta su irremediable final. Todo un viaje cósmico a los 80s más eléctricos y electrónicos que jamás pudimos imaginar.

Indudablemente Simon Delacroix ha creado uno de los discos de electrónica del año. Elegancia, sobriedad y descaro a partes iguales.

Ha alcanzado una madurez exquisita, siendo este tan solo su segundo largo. El Vengador Tóxico está de vuelta para salvarnos a todos, y lo hace en mejor forma que nunca.

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REVIEW

IZAL AGUJEROS DE GUSANO Por Belén Martínez Saiz

Izal han querido definir su nuevo “Agujeros de Gusano” como un viaje, y ciertamente esta expedición está llena de paisajes que quitan el aliento, momentos en los que apretar, subir las revoluciones, otros para dejarse llevar cuesta abajo, sentir el aire y sobretodo respirar. Esta aventura, exigirá nuestras ganas de seguir en las primeras escuchas (llama la atención el número de reproducciones de los primeros temas que doblan a los últimos en su streaming en Mondosonoro) pero sin duda dejará la sensación de agotamiento y satisfacción a la que nos tienen acostumbrados Izal.

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Total acierto empezar con “Despedida”; como en una película, nos adentramos en un mundo que nos recibe con cambios de ritmos y adictivos juegos de adjetivos que recogen el testigo de “Magia y Efectos Especiales”, y que a continuación nos deja el comienzo más bizarro del disco en“Asuntos Delicados”, una carrera guitarrera y la locura que augura en los directos este tema no puede ni predecirse, un bucle de fuerza que viene a darlo todo, dejar de lado los asuntos delicados y gritar, eso seguro.

“Hambre” fue el primer single oficial para este disco, visceral como ellos la definen, un poco animal, y pegadiza, es la primera que nos anima a bailar un ritmo facilón que acude a nuestros instintos. Como también se convierte en una auténtica droga “Pánico Práctico” la cuarta etapa de este viaje donde Izal prueba cosas nuevas, Mikel explora con un buenísimo resultado un nuevo registro vocal y lo único que se le puede criticar a esta incursión izalera más pop es el estribillo, que queda por detrás del nivel de la canción en general, demasiado simple tal vez…

Nudo del viaje y hora del segundo single que otorga título al disco, “Agujeros de Gusano” que para el que no lo sepa Wikipedia lo define como un “«atajo» a través del espacio y el tiempo”. En este canto a la felicidad aparece un pequeño gran amigo que tanto les caracteriza, el ukelele; así este oasis de luz une toques internacionales, y hasta una trompeta consiguiendo seguro un directo muy vital y terminando de una forma sublime en un emocionante susurro final. Para seguir con la delicadeza con la que acababa “Agujeros de Gusano”, “Palos de Ciego” empieza en la expresión mínima; de forma sensible y franca este crescendo levanta el ánimo; combinación perfecta de guitarra y

piano que van de la mano de una letra cercana y firme.

Desde luego Izal quieren sacar el máximo partido a esta próxima gira, y eso se ve claramente en canciones como “Ockham”. Directamente en su letra encontramos explicación al título, “la más fácil será la solución”. Así, como fórmula fácil y efectiva, la intensidad juega un papel esencial en esta canción y el factor de la sencillez en un “uoh oh” sí; es una buena solución.Para mi sorpresa, “Jenna Fischer” la canción elegida para pedir su crowdfunding, y que partía como clara favorita de este disco, es quizás una de la que más refleje eso mismo, su producción. A mi gusto, acostumbrada a su versión en directo, la base funky y un ligero aturullamiento de elementos resta efectividad. Aún así, confieso que me sigue cautivando la voz de Mikel con ese chasquido en “deja de brillar en el espacio”.

“A los que volveremos” sería una aleación del “Qué bien”y “A nuestros rincones” de su anterior disco; un paseo, que asegurará una sonrisa, típica de las canciones que te hacen sentir bien. Y aunque ya conocíamos “Tóxica”, estos 4 minutos han renacido, hay que escucharla alto, dejándose envenenar, que nos inunde y deseando que ojalá a nosotros tampoco nos curen.

Como curioso final, encontramos una trilogía;“Epílogo I. La duda razonable”, “Epílogo II. La caída del Imperio” y “Epílogo III. Resurrección y venganza”, reflejo de nuestro día a día, Izal, reivindicativos y originales cuentan una historia familiar, soñada y con ganas de venganza y rabia que sigue una estructura relajada y que se me antoja algo en sus comienzos a las melodías de “La Oreja de Van Gogh”, la que por aquel entonces era la original. Anécdota a parte, el toque Izal aparece y construye emo-

ciones marcadas por letras empíricas y ritmos medidos a la perfección. Acaba así, “Agujeros de Gusano” con un epílogo en forma de discurso y un “arriba despertad” tan necesitado como creciente en estos días.

Así, acaba el viaje que, aunque esta vez no haya traído regalos, nos deja como souvenirs lecciones humanas, de relaciones, como no, de leyes que inevitablemente se repiten y una sensación que solo queda experimentar en directo, con ellos, artífices de estas historias tan suyas y nuestras que nos cautivaron y que tan bien exprimen. Si algo es bueno, ¿para qué cambiarlo? en este segundo disco volvemos a encontrar cambios de ritmos, letras cercanas aunque quizás menos intensas y temas que invitan a bailar. Izal saben lo que hacen, de lo que son capaces y quien sabe, mejor aprovechar al máximo este disco con ese espíritu Carpe Diem que ellos profesan y procurar estar preparados para lo próximo; han llegado fuertes, se han hecho un hueco y pretenden mantenerlo guste a muchos o a pocos.

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Encontrar palabras para definir la sensación en la que te embarcas en el momento en el que “Psychic” comienza a sonar se antoja difícil, pero creo que la que mejor lo define es “ingravidez”. Esta aventura

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cuasi-instrumental es toda una lección magistral sobre cómo transmitir descargas de emociones a través de místicos ecos, armonías electrónicas y repentinas guitarras. Una burbuja de intensidad para sentir.

REVIEW

DARKSIDE Por Álvaro Hernáez

Darkside es el proyecto colaborativo entre Nicolas Jaar, una especie de DJ/experimentador en electrónica deep, y Dave Harrington, multiinstrumentista. Es el resultado de la estrecha unión musical entre ambos, nacida de fugaces colaboraciones puntuales y del descubrimiento de que su talento por separado se complementaba para dar un giro inesperado, diametralmente distinto a sus puntos de partida. Este “Psychic” es su primer largo, después del calentamiento que supuso para ambos un primer EP, “Darkside”, y la magistral revisión que se marcaron del “Random Access Memories” de Daft Punk (que se puede disfrutar en su cuenta de SoundCloud). Como recomendación, éste es un disco que se debe descubrir a oscuras, en paz, con los cinco sentidos preparados para disfrutar esta plácida e intensa montaña rusa musical.

El disco lo abre “Golden Arrow”, once minutos de introducción al ambiente que nos proponen, que son una tentadora invitación al “lado oscuro” con el que ellos mismos se bautizan. Cuatro minutos y cuarenta y cinco segundos tarda en aparecer el beat que marca el ritmo del cuerpo del tema, un tiempo en el que las distorsiones y las armonías te van meciendo para colocarte justo en ese estado mental que se necesita para disfrutar de lo que vendrá a continuación. Aparecido el ritmo, un inquietante punteo va rompiendo poco a poco la calma, para

introducir los místicos ecos que finalmente nos hacen despegar del suelo. “Golden Arrow” se apaga paulatinamente para entregarnos a “Sitra”, un inquietante interludio a base de piano distorsionado, que nos lanza flotando hacia “Heart”. Ésta arranca con una percusión tribal a modo de ritmo militar, rota finalmente por la guitarra y la voz de Harrington, acompañada de armonías espaciales para el intenso latido de este corazón estelar.

Acto seguido se abre el tema más intenso del largo, esa maravilla que es “Paper Trails”. Comienza con un sensual punteo de guitarra, introduciendo los graves vocales de Jaar, que son los grandes protagonistas del tema. Una canción que destila sexualidad por los cuatro costados, marcada por un pulso electrónico creciente a medida que avanza. Darkside consiguen aquí un orgasmo próximo a los míticos solos de guitarra de los “Tubular Bells” de Mike Oldfield, que se desvanece finalmente entre gotas de lluvia. Con más percusión tribal se abren los ocho minutos de magia de “The Only Shrine I’ve Seen”, que crecen inquietantes junto con flotantes tintineos hasta desaparecer. El falsete de Harrington recoge el testigo en una repetición que se vuelve hipnótica, acompañada de guitarras, rugidos y una especie de piano, cuyos sonidos pueden romperse súbitamente en cualquier momento. Pura esquizofrenia musical.

“Freak, Go Home” es más experimentación musical, que comienza con un ritmo marcado. Éste se va fundiendo progresivamente en un zumbido de voces que perturban cada vez más la quietud anterior, que terminan desvaneciéndose entre ecos y ruidos metálicos. A continuación, “Greek Light” nos conduce a través de un claustrofóbico pasaje de campanas lunares, que explota en la guinda final del disco, “Metatron”. Ésta es una consecución de vibraciones con sabor a guitarra, con olor a tímidos punteos de cuerda, que se entregan a la locura de las voces que aparecen de la nada y a la nada que termina envolviéndolo todo en el fundido a negro final.

Este ha sido mi viaje por “Psychic”, que desde luego podría no parecerse en nada al que cada uno pueda experimentar. Pero es precisamente eso lo que quería transmitir: que experimentéis. Que escuchéis esta maravilla, que os dejéis seducir por el mensaje telepático de este par de músicos neoyorkinos. Porque cuando alguien es capaz de recoger una pequeña parte de la magia hecha música, se merece que otros nos atrevamos a adentrarnos en esta mística conexión dirigida a la mente.

A la psique.

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SLEIGH BELLS | Bitter Rivals | 2013 Por David G. Altarejos

Sleigh Bells ha vuelto. Tres discos en los últimos cuatro años para el dúo neoyorquino, y sólo un año después de su “Reign of Terror”. Bastante prolífica esta gente. Vuelven con su noise-pop cargado de guitarras machacantes y sintetizadores a cargo de Derek Miller y la voz angelical de Alexis Krauss.

Como leí hace poco, Sleigh Bells es una cheerleader con un camión robado a 150 km/h por la autopista. La descripción se aproxima bastante.

Deslumbraron con “Treats” (2010), un álbum fresco y original, mezclando el pop típico de las girl-bands por parte de Alexis y los riffs machacantes de Derek. Ahora, cuatro años después, sigue siendo “más de lo mismo”, aunque entre medias haya habido un pasito hacia el lo-fi en su segundo álbum. No por ello deja de ser un álbum notable, pero no tiene la frescura con la que se presentaron en 2010. En esta ocasión, todas las letras han estado a cargo de Alexis, y en algunas de ellas se nota su pasado más popero. Aún así, siguen siendo pegadizas de narices. Buen ejemplo de ello es “Young Legends“, hacia la mitad del disco.

El disco abre con “Bitter Rivals“, single del álbum, que abre con una guitarra tranquilita y rompe tras unos segundos dando rienda suelta a la guitarra del señor Miller y a los vocales de la señorita Krauss. Buena

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canción, cañera, pegadiza y bailable. En general, todas las canciones son bastante cañeras (dentro de lo que es el pop, de ahí el buen término noise-pop), a excepción de “To Hell With You” y “24” casi al final del disco y que dejan aislada a “Love Sick“, la encarga de cerrar el LP y que tiene una buena muestra de lo que es Sleigh Bells: guitarras pesadas, sintetizadores y buenas vocales.

Entre medias, hay que destacar canciones como la que sucede al single, “Sugarcane“, “You Don’t Get Me Twice“, ”Sing Like A Wire” o la anteriormente mencionada “Young Legends“. La única parte negativa la encontramos en la canción “Minnie” que si bien tiene madera para ser una buena pista, le falla ese estribillo que dice “Minnie, Minnie, go count your pennies, I’m sorry to say you don’t have many“.

En líneas generales se trata de un buen álbum. ¿El problema? Que llevamos 3 álbumes con el mismo sonido sin mucha evolución. No es necesariamente malo, pero se echa en falta un poco de innovación. Como he comentado antes, un buen álbum para escuchar mientras vas con tu camión robado a 150 km/h por la autopista.

Si esa opción no se contempla, también va bien para animar una mañana aburrida y somnolienta o despejar un poco la resaca dominical.

I N D I E Q U E TA S ¿Tienes una banda?

Entonces estás en la sección adecuada. En este espacio tratamos de ayudar a esos grupos musicales que están comenzando y quieren darse a conocer, quieren que la música que han creado con tanta pasión sea escuchada por la mayor cantidad de personas posible.

¿Cuáles serán promocionadas?¿Qué sacan de beneficio las bandas?

Una vez que escuchemos la maqueta en la redacción los discos autoproducidos/maquetas/EPs que recibamos en nuestro correo, elegiremos las que más nos gusten y serán promocionadas mediante una pequeña review que será publicada en la web, como también en nuestra cuenta de twitter y Facebook de la revista. En esta review hablaremos sobre la banda y la maqueta. Además las 5 mejores maquetas de cada mes saldrán en la revista del PDF mensual en su sección correspondiente.

El estilo musical nos es indiferente, aunque debería encajar dentro de los que solemos hablar en la revista: indie, rock, rock alternativo, post-rock, shoegaze, indietronica, dreampop, psicodélica,..etc.

¿Qué es necesario?

Tener un disco autoproducido/EP/Maqueta. Mínimo 2 canciones.

Tener vuestro trabajo colgado en Soundcloud o Bandcamp.

No tener sello discográfico.

¡Envíanos vuestro trabajo!

Las demos/maquetas/EPs nos las tenéis que enviar a esta dirección de correo: indiequetas@indiefermag.com

REVIEW

FENECH-SOLER RITUALS (2013)

Armonías dulces y ligeras con corazón británico. Ritmos pegadizos, de inspiración electrónica, pero que trascienden mucho más allá de las pinceladas energéticas que destacan en la primera escucha. Injustamente infravalorados, Fenech-Soler han venido a pelear para quedarse, y con éste su segundo disco hacen grandes méritos para conseguirlo.

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Por Álvaro Hernáez

Allá por 2010 comienza la andadura de estos cuatro chicos de un minúsculo pueblo del interior de Inglaterra, prácticamente salidos de la nada.

Apuntan maneras con su disco debut homónimo, discreto y correcto, en donde definen sus líneas maestras, si bien les faltaba el gancho de una producción más profunda y meditada, o directamente tirarse a la piscina electrónica sin complejos. Se nota un marcado salto en madurez en este “Rituals”, no sabemos si por las tablas de la experiencia o por el revulsivo que supuso en el grupo el trance queBen Duffy, uno de los fundadores del mismo, atravesó al ser diagnosticado de cáncer en 2011. Por suerte, tanto él como el espíritu de la banda resurgieron fortalecidos tras su recuperación, afrontando posteriormente una intensa gira en 2011 y la producción de este trabajo

en 2012. Y lo que nos alegramos.

Sin perder en ningún momento de vista la electrónica, en donde se mueven como pez en el agua, Fenech-Soler nos invitan a viajar en una experiencia que comienza intensa, que nos agita y estimula durante la travesía musical, que nos pausa sutilmente para tomar aire en algunos momentos, y que nos deja marchar en una nocturna y extraña quietud. Abre el disco “Youth”, in crescendo, electrónica y delicada como su intensa letra, dando paso a la gran joya de este disco. Ésta es sin duda “All I Know”, el que fuera single anticipo del álbum (publicado hace casi un año), que nos hace bailar de forma magistral mientras narra una frágil historia de amor de verano, que se escapa entre los dedos ante la impotencia de quien la retiene. Con un subidón de ener-

gía caleidoscópica, plagado de sintetizadores, termina en todo lo alto, poniendo el listón muy arriba al resto de producciones del álbum.

“In Our Blood” se empapa a continuación del mismo aroma que impregna muchas otras partes del disco, para poner banda sonora a esas tristes noches de fiesta que no queremos que acaben, en las que preferimos ahogarnos entre el bullicio de una discoteca que volver a casa a enfrentar la realidad. “Last Forever” toma el testigo (tras la breve introducción que supone el interludio “Ritual I”), en la que dan la vuelta al anterior espíritu y hablan de huir con un amor fugaz, transmitiendo una gran sensibilidad a través de interesantes acordes distorsionados. La electrónica entra de lleno después con “Somebody”, donde los bajos cobran tanta relevancia como en los temas más interesantes de su primer largo, cobijados por dulces arpas para el puente central y por una comedida explosión electrónica en el tramo final.

Rituals también quiere demostrar en algunos momentos que el grupo es perfectamente capaz de emocionar, siendo “Fading” el mejor ejemplo de ello. Un medio tiempo épico, de constantes referencias a la naturaleza, que se va abriendo paso como una balsa que flota entre plácidas aguas y que va disipando densa niebla a medida que avanza, siguiendo al Sol como una estrella que se apaga (como ellos mismos cantan). Volvemos a recobrar la energía con “Magnetic”, pero sin dejar atrás toda la simbología y la intensidad de las letras, que vuelven a estar cargadas de noches magnéticas que se apagan y encienden intermitentemente hasta explotar. Ya en la parte final del disco, FenechSoler nos dejan relajarnos, proceso que comienza con “Maiyu”. El tema quiere ser una transición a la conclusión épica que nos tienen preparada para cerrar el disco, pero que,

en mi humilde opinión, queda desmerecida por los inmensos 7+1 temas previos. “Two Cities” recoge esta intensidad contenida, barnizada de nuevo por los sonidos que el grupo ideó para este largo, que se ve interrumpida por el segundo interludio del disco (“Rituals II”, que quiere ser la versión comedida e instrumental de “All I Know”, que nos deja envueltos en una sugerente brisa invernal). Finalmente, cierra el álbum “Glow”, que sí que es cierto que transmite más intensidad que los dos temas precedentes, pero deja una agridulce sensación de desganada continuidad porque, aunque hable de brillar y destellar, brilla bastante menos que muchos de los temas previos.

Como conclusión cabe decir que Fenech-Soler han sabido dar un importantísimo salto cualitativo en este segundo trabajo, que contiene siete grandísimos himnos, en los que demuestran que la sensibilidad y la electrónica más energética pueden

darse la mano perfectamente si se dispone del talento suficiente. Lástima esa “conclusión inconclusa” para la parte final del mismo, porque realmente tenemos entre nuestras manos a una de las propuestas más interesantes salidas del mundo electro pop en los últimos meses, que quedaría redonda con un broche a su altura. De todas formas, personalmente, espero ansioso el ver cómo explotan en el futuro esta dirección electro-mística que han tomado que, con un poco de suerte, en un par de años podría deleitarnos con una joya de las que marcan un antes y un después. Estaremos pendientes…

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ENTREVISTA

THE TOXIC AVENGER Por F. Javier Moreno & Jesús Daniel Marín

Con motivo de la publicación del nuevo disco de The Toxic Avenger, hemos podido entrevistar al artísta que se encuentra bajo la máscara de tan misterioso vengador. A continuación podéis leer todo lo que nos habla Simon Delacroix sobre su nuevo disco “Romance And Cigarettes” o cuando está de gira entre otras cosas.

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THE TOXIC AVENGER ENTREVISTA - Creemos que la mayoría de nuestros lectores ya saben os conocen, pero puedes decirnos quién eres y qué tipo de música hacéis.

Soy Simon, tengo 31 años y mi nombre musical es Toxic Avenger. Me gusta componer música con mi ordenador y jugar a videojuegos antiguos.

- Muchos artistas cambian su sonido y evolucionan a lo largo de los años. ¿Dirías que tu música es la misma pero las canciones han cambiado? ¿Han cambiado ambos? ¿Cómo calificas tu evolución?

Cuando tenía 22 años quería hacer metal con sintetizadores pero ahora con 30 años uno sigue queriendo sonar fuerte pero se da cuenta de que se ha vuelto más romántico, y eso me avergüenza un poco.

- ¿Qué tipo de música escuchas ahora?

Escucho a Daniel Avery casi cada día… y luego siempre escucho canciones de The Cure (“Cold” o “A Forest” por ejemplo) y de The Smiths (“Everything”).

Otros géneros que escucho es el No Wave, que no es lo mismo que New Wave.

- ¿Qué tipo de artistas han marcado tu vida?

Jean Michel Jarre, Daft Punk durante su etapa “Homework”, Space, Moroder, Vitalic, John Carpenter…

- ¿De dónde te viene la inspiración al hacer música? ¿De la electrónica o más del rock?

Bastante más del rock… o si es electrónica, la de los 70. Como la de esa banda llamada Space, que me sirve de inspiración cada día.

- ¿Cómo fueron los comienzos de creación de “Romance and Cigarettes?

Quería hacer lo que los niños de los 80 llamaban música “futurista”, esos niños que se ponían gafas 3D y decían “wow dude cooooool”.

- ¿Encontraste alguna dificultad al componer el disco? ¿No terminabas de ver salida a alguna canción?

Supongo que “Let Me Go” fue la más difícil… creo que hice como seis versiones de esta canción.

hecho hasta ahora como “To The Sun”, “Something Evil” o “Romance And Cigarettes”. ¿Podemos esperar que tu sonido continue en esta senda en próximos trabajos? ¿Te sientes a gusto en este ámbito?

Me siento muy cómodo. Ya no compito con los demás a ver quién suena mejor o más violento, o quién hace locuras más grandes. Ya no me preocupa esto, ahora sólo quiero hacer canciones bonitas de electrónica.

- Si tenemos que elegir dos canciones de este nuevo disco, elegiríamos “Chase Pt.1″ y “Speed” porque ellas tienen un sonido particular. ¿Puedes contarnos algo más de ellas?

Me encanta “Speed”, sería seguramente una de mis favoritas también. Y, curiosamente, fue una de las más fáciles y rápidas de componer.

- ¿Cuáles son tus canciones favoritas del disco?

Diría que “Speed”y “Run Hide”.

- ¿Algún sitio que no hayas tocado y quisieras?

¡Japón! Me muero de ganas de ir allí. Y, curiosamente, me encanta Grecia y tampoco he tocado allí.

- ¿Tienes algún ritual para antes de salir al escenario?

Beber unos pocos vasos de un buen vino rojo francés.

Me ayuda a saltar al escenario.

- ¿Qué planes tienes para 2014? ¿A lo mejor algún tour por Europa o festivales de verano?

Eso haré, una gira durante todo el año.

- Muchas gracias por tu atención Simon. Esperamos que “Romance And Cigarettes” consiga un gran éxito por todo el mundo. De verdad que creemos que es un gran disco. Como despedida, ¿te gustaría decirle algo a nuestros lectores?

Si os gusta mi disco y sois pobres, ¡robadlo! Si os gusta y sois ricos, ¡por favor comprad dos! Si no os gusta mi disco, es que vuestra madre es Sylvester Stallone.

Besitos.

- En “Romance And Cigarettes” hemos visto algunas de las canciones más electro-pop que has Noviembre 2013 INDIEFERENCIA MAGAZINE 29

KOSTROK ENTREVISTA

Por Jesús Daniel Marín

it casi h n u o , creand rgo y ten” w o N t n “R i g h ellos la o n c o s c o i r e ro l o d a l P a b r . a ó y i h r s r s a u p u d i mo do pist nos oc a e e s gua. u s a n r q r e e l a u o q d a l n o l a n Han si todo pelos e provech a n A c i . s r o o t n p c o r e p e rf ntamos s nos contesta u g e r p dido, les do es que ello to mejor de

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KOSTROK ENTREVISTA Lo primero y principal, ¿de dónde viene Kostrok y cuándo decidisteis empezar con esta locura?

Adrián: Yo empecé el club en marzo de 2010 y empecé a trabajar en solitario, venía de otras cabinas y había pinchado desde tiempo atrás y a los cuatro o cinco meses de empezar el club conocí a José y entre los dos nos dimos cuenta que había que darle una vuelta de tuerca a Kostrok Club respecto a imagen, a comunicación…

José: Sí, yo entré como director creativo y llevaba el tema de la historia gráfica, las fotos…

A: Buscar un poco ese golpe sobre la mesa en un momento en el que teníamos la sensación de que en Valencia hacía falta algo un poco revelador y empezamos a currar en el club y después del club nos dimos cuenta que estábamos muy compenetrados.

J: Nosotros no nos llamábamos Kostrok todavía. Nos fuimos a pinchar por ahí en una gira que hicimos por Europa en el verano de 2011 y nos dimos cuenta que nos gustaba cómo pinchábamos juntos, que estábamos a gusto y el punto medio que hacíamos los dos estaba muy bien. Así que decidimos llamarnos nosotros Kostrok y empezar a tope juntos.

A: Eso fue a finales de 2011. Cerramos el club dejando fiestas puntuales pero nos dimos cuenta después de la gira que teníamos que empezar a producir, que era lo único que nos podía haber diferenciado de otros grupos o de dj’s o de lo que había en la escena ese momento así que empezamos a currar.

J: Ya no podíamos estar pendientes de organizar fiestas, sino que estábamos más centrados en el estudio.

¿Qué ofrece Kostrok a la escena musical actual? ¿Y qué influencias podríamos encontrar en vuestro trabajo?

J: Bueno, pues es como un poco lo que faltaba en España. Prácticamente el mundo entero ha evolucionado ya desde el boom de Strokes, Arctic Monkeys y Franz Ferdinand. Hace años que fuera se estaba renovando ya esto con nuevos sonidos mucho más electrónicas y aquí en España se hace música que mola y que nos gusta pero hacía años que no pasaba algo realmente nuevo o innovador que no se hubiera escuchado todavía. Yo creo que lo que aportamos es el relevo generacional y que estamos a la altura de lo que está sonando fuera.

A: Sí, por ahí va.

J: Los únicos grupos que nos han influenciado más del rollo indie pueden ser Foals pero ya ni siquiera pertenecen a esa generación. Hablaba de los grupos de antes porque son la década anterior en cuanto a género por así decirlo. ¿Es un subidón que un sello grande como Parlophone os dé su apoyo? ¿Esto os ha abierto alguna puerta a la hora de enseñar Kostrok al mundo?

A: Esto lo hemos comentado muchas veces. Muy bien dicho que es un apoyo. Antes de llegar a Parlophone nosotros trabajábamos con nuestro equipo base con el que trabajamos día a día. Y cuando llegamos a Parlophone y les presentamos nuestro proyecto con las cosas muy claras y les gustó. Entendían la forma en la que queríamos trabajar y nos apoyaron pero realmente cuando tu producto gusta es cuando puedes recibir este apoyo. Hoy en día hay una masificación de la información, a la gente le llegan muchos proyectos y que escuchen una cosa u otra depende muchas veces de quien te lo manda, entonces tuvimos suerte de que Parlophone nos abriera determinadas puertas que nos han venido muy bien para acabar el proyecto como nosotros teníamos en mente.

J: Sí, básicamente la idea es que nosotros no habríamos podido hacer lo que queríamos sin el apoyo de Parlophone o de una multinacional. Más que nada porque nuestra idea era poder trabajar con gente de fuera y poder sonar fuera, a lo grande y sin una multinacional esto es muy difícil. Porque si estas en una indie por muy bien que te traten a veces no tienen los contactos necesarios para que te mezcle Julien o Yuksek y si levanta el teléfono alguien de Parlophone no es lo mismo…

A: No, probablemente el resultado sería el mismo pero con un camino mucho más árido de insistencia. La verdad es que fue todo muy fluido y desde el momento que empezamos a trabajar, han sido muchos factores.

J: La verdad es que sí que ayuda, pero es exactamente lo que estábamos buscando.

“Right Now” es un pelotazo que ha funcionado perfectamente desde el momento en el que salió y en los sitios más inesperados, desde la radio más típica hasta ser sintonía de cabecera en los partidos de playoffs NBA en Latinoamérica. ¿Cómo os sentís por haber llevado una sola canción tan lejos?

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ENTREVISTA KOSTROK de Yuksek. ¿Esto es algo que teníais claro desde el principio o ha sido un lujo que no terminabais de creeros?

J: No, lo teníamos en mente completamente. De hecho, casi todo lo que ha pasado lo teníamos en mente. El hecho de que Yuksek haya hecho el remix ha sido algo genial y ha tenido una repercusión muy buena pero también ha habido otra gente que nos ha dicho que no, porque no tenía tiempo o lo que sea.

J: Es estupendo que la música que haces se pueda escuchar fuera del atlántico, más allá de las fronteras de nuestro país. Visto desde fuera impresiona pero nosotros no estamos realmente contentos con el alcance que hemos tenido, no por nada porque uno siempre quiere más y aunque ha sido genial ahora estamos intentando trazar vías y caminos para llegar más lejos y que suene más fuerte. No nos hemos saciado pero que quede claro que estamos muy contentos.

Ante semejante acogida, ¿cuándo podemos esperar más música de Kostrok? ¿Os lanzáis directamente al disco o puede que haya algún EP más en el camino?

A: Esto realmente es un debate interno que tenemos.

Como planning tenemos acabar la gira de “Right Now” que terminará en enero y después de eso te puedo decir que a lo mejor viene un single, dos singles… ¡o te saco tres discos! No, esto es broma. Seguramente vayamos a por el single a mediados de febrero pero te puedo decir eso y luego no suceder. Terminaremos con la gira y sí que tenemos material, pero lo primero es terminar con la gira.

J: El disco la verdad es que sí que nos cuadra bastante porque todas las canciones que estamos haciendo forman un conjunto muy cerrado y algo muy sólido pero seguramente y una vez acabada la gira presentemos otro single y después ya iremos a por el disco o ya veremos.

Una de las remezclas de “Right Now” corre a cargo

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A: Venimos un poco al tiempo de lo que has comentado antes sobre Parlophone. Ellos preguntaron a otros artistas que nos gustan pero a lo mejor no estaban en el momento de hacer remixes pero no tenían tiempo para ello. A Yuksek le gustó el tema y tenía espacio para hacerlo en ese momento y obviamente, no íbamos a decirle que no. Lo mismo pasó con MSTRKRFT y Discodeine y la oportunidad de trabajar con Yall que teníamos desde hace tiempo pensado, que son colegas nuestros y nos gusta mucho lo que hacen tanto en audiovisual como en directo.

¿Qué os parece la inmediatez de la era digital como herramienta de promoción para los artistas? ¿Supone un cambio de modelo para el negocio musical?

J: Esto es muy interesante. Hay dos cosas: la primera puede ser mala porque ahora puede sacar cualquier cosa con un Soundcloud, un twitter, cualquier chorrada que tengas, puedes ponerte a sacar música y esto deriva en una saturación del mercado. La parte buena se divide a su vez en dos partes también: hay mucha más oferta, que puede ser algo bueno. Y la segunda es que esto hace efímeras las cosas malas y duraderas con razón las cosas buenas. Que haya tantas cosas es un caldo de cultivo muy bueno, una especie de selección natural.

A: Yo lo único que veo relacionado con las redes sociales es esta burbuja que se ha creado en torno a seguidores y demás… hay demasiada importancia en el mundo de los promotores y creo que se ha creado algo similar a la burbuja inmobiliaria con el hecho de tener más o menos followers. Una especie de corrupción donde cada uno hace lo que le da la gana y es un poco lo que veo menos noble de las redes sociales. Realmente debería ser un orgullo que tus seguidores suban e interactúen cuando tú haces cosas o en las épocas en las que estás más activo…

J: Creo que se refiere a la compra de fans.

A: Sí, es algo que últimamente estoy viendo en demasiados sitios. Y no sólo hablo de música. Es una chorrada, pero me parece que no hace falta alterar la realidad.

J: Es una cuestión como de ego, en plan ¿cuánto creo yo que la peto? Bueno pues entonces me pongo tantos fans. Muchas veces nos han dicho que cómo podemos tener sólo cuatro mil seguidores, pero son seguidores de verdad.

A: Y encima está comprobado que luego, artistas que son seguidos por muchos seguidores que después tienen un 16% de veracidad en sus followers. Que siempre ha sido así, antes cuanta más pasta soltaba más sonabas y así era. Pero creo que se frivoliza mucho, con lo bonito que podría ser que pudieras establecer un diálogo con tu artista, aunque haya un community managerde por medio y es como que se viola esa relación con tanta tontería.

Y hablando de negocio, la política parece que quiere tirar por los suelos la cultura en España. ¿Qué opinión tenéis al respecto de las subidas de IVA, cierre de salas, ajustes de horarios…todas estas trabas que se le ponen hoy día al directo?

A: Yo creo que está en lo mismo de la selección natural.

Me explico, hemos vivido una época de bonanza y no se miraba todo hasta el último céntimo. Pero ahora, con el tema como está, pues se lleva todo más al milímetro.

Pero además, es una putada el 21% de IVA y para nosotros como artistas que trabajamos con nuestras facturas y con la ley es bastante jodido.

J: El hecho de que la música no se considere cultura me parece aberrante.

A: Sí, pero el cine también tiene el 21% de IVA. Si está claro que todo es una mierda, pero el cierre de salas… hay salas que están facturando. Las salas pequeñas que han trabajado bien facturan menos pero siguen adelante con el negocio, aunque es una situación jodida en general. Sin embargo, el que no ha podido adaptarse, pues se ha visto obligado al cierre.

J: Yo estoy completamente en contra del 21%. Moralmente, me parece un error y creo que es una falta total contra la sociedad.

La cultura de club en la zona levantina tuvo su auge histórico con la ruta del bakalao. ¿Estamos viviendo un renacimiento ahora de aquella época, pero más orientada hacia la electrónica y el indie?

KOSTROK

J: La verdad es que nos hemos encontrado tocando en clubs que reabrían después de diez años o cosas así.

Y sí, estuvimos por ejemplo programando en Chocolate y te das cuenta que esa infraestructura y ese sonido y todo el tiempo que ha estado desaprovechándose… hay mucha cultura de música en directo. Y es lo que comentábamos del cambio del panorama discográfico porque la gente realmente quiere ver a sus artistas favoritos. Entonces en cierto modo la gente se está empezando a interesar por la música en directo.

Vamos con una ronda de preguntas rápidas: ¿Música que suena en la furgoneta? ¿Concierto más especial? ¿Sitio donde os gustaría tocar? ¿Alguna manía antes de una actuación? ¿A quién os gustaría remezclar?

J: Ahora mismo veníamos escuchando Kings of Leon.

Pero suena de todo.

A: Daft Punk, Justice, Sigur Ros…

J: Concierto, el de las Torres de Serrano. Organizamos un concierto para amigos y seguidores del Mini Club en Fallas de 2012 y cuando empezamos a probar sonido y demás, empezó a llegar gente y gente y había más de diez mil personas allí. Se colapsó la zona, no podían pasar los coches y se nos fue de las manos.

A: El concierto duró una hora porque la gente tiraba petardos, movía los coches… Fue un concierto gratuito que organizamos nosotros, nos dejaron una licencia en una falla y lo montamos allí.

A: Tampoco te creas que nosotros somos muy fans de los sitios. Es depende de cada sitio, donde vayas. El ambiente y demás… Nos apetece Estados Unidos y vivir toda la fiebre del EBDM. J: Japón, a mí me gustaría ir a Japón.

A: Los clubs los hace la gente. Por mucha fama que tenga un sitio, si no está la gente adecuada…

J: La verdad, no somos maniáticos.

A: Tenemos una cabina que es un monstruo para montar y aunque tengamos ayuda para montarla, siempre tenemos algún tipo de calvario. El dj es menos maniático que el grupo. Estamos ofreciendo dos bolos en el mismo día…

J: A mí sí que me gusta estar tranquilo… Estar un rato repasando cosas, sin molestias.

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ENTREVISTA KOSTROK

A: Precisamente estábamos mirando hoy.

J: No queremos hacer un montón de remixes, queremos que sean contados y con artistas muy especiales.

A: A Crystal Fighters, con esa medio conexión española que tenemos y que han venido mucho a Valencia y hay buen rollo, pues nos haría ilusión.

J: A mí porque me guste su música quizás Foals. También cuando pienso en un remix pienso en canciones que no sean del estilo que hacemos, porque si son del mismo estilo ya está la canción original. Me gustaría algo que fuera de otro estilo incluso canciones así más comerciales pero que sean estilos diferentes al nuestro.

J y A: Phoenix, seguramente.

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Muchas gracias por habernos contestado. Si queréis decirle algo a nuestros lectores, es el momento.

J: Agradecer a la gente que os lee que os lean. Porque estamos intentando contar siempre con gente de España para intentar impulsar el hecho de que parece que siempre hablábamos de cosas de fuera y mola mucho ver como cada vez más los medios hablan con la gente de España y darle importancia a las cosas que hacemos aquí es valorar el producto y hacerlo crecer. Entonces, agradecerles que lean medios españoles que apoyan a artistas españoles.

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DJs ESCENA NACIONAL Entrevista a DJ SUIT Por Jesús Daniel Marín

El mes pasado dimos inicio a la zona de dj's de INDIEFERMAG con los Estereobrothers.

Ellos nombraron a Suit en su entrevista y desde ese momento y con las ganas que teníamos de que apareciera en nuestras páginas, nos pusimos en contacto con él y amablemente ha respondido a nuestras preguntas. Veamos qué tiene que contarnos.

- La primera pregunta es obligada. Cuéntanos un poquito quién es Suit y de dónde viene.

Suit, como tal, es muy jovencito ya que nació hace unos tres años aquí en Alicante tras haberme comprado un traje para la boda de unos buenos amigos. Al llegar a

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casa me lo volví a probar y me dieron ganas de ponerme a pinchar, algo pasó ahí… quizá necesitaba sumar un cambio más en mi vida, no lo sé… pero eso dio pie a Suit. Anteriormente llevaba más de diez años pinchando como DJ_AL (de ahí que mi fan page de Fb se llame como se llama) con un estilo más indie pop,

DJ SUIT / ENTREVISTA algo más gamberro, pero Suit es más sutil, elegante, fino, electrónico, profundo... aunque con la misma pasión por la buena música.

- ¿Dónde podemos encontrar a Suit pinchando y que proyectos tienes en mente?

Actualmente me podéis encontrar en diversos sitios ya que mantengo residencias en Artespiritu (Alicante), Second Floor (Alicante) y Rooms Le Club (Elche).

También formo parte de Rockers Club (Alicante) aunque ahora mismo estamos de descanso, tras un verano increíble, para volver con fuerzas enseguida. A parte de los clubs, acaban de anunciar que formaré parte del cartel del próximo Spring Festival Alicante… a ver si cae alguno más. Mis proyectos más ambiciosos van encaminados a la producción musical y al booking de artistas internacionales, para montar nuestras Y Este Finde Qué Parties por distintas ciudades españolas.

- Este verano has sido residente de Rockers Club, uno de los puntales de referencia en lo que a alternativas musicales se refiere en Alicante e incluso en la Comunidad Valenciana. ¿Cómo ha sido la experiencia? ¿Crees que se debe arriesgar para conseguir unos resultados como los que habéis tenido en Rockers?

Como comento… ha sido increíble. Tras haber trabajado muy duro el verano anterior en un emplazamiento distinto, este año no había que bajar la guardia y así ha sido, todo el equipo se ha volcado con el proyecto y hemos posicionado el club donde se merece, como bien dices, siendo una gran referencia en la Comunidad Valenciana como mínimo.

- Cuéntanos un poquito de tu experiencia como dj… ¿algún lugar mágico donde has pinchado? ¿Un club al que no volverías ni loco? ¿Tu mejor compañero de sesión?

Más que lugares mágicos, por ahora he tenido momentos o noches mágicas… algunas de ellas han sido por ejemplo cuando he tenido el honor de poder pinchar con The Magician, Moullinex o Alex Metric, artistas a los que aprecio mucho profesionalmente y de los que suelo pinchar algún tema suyo en casi todos mis sets.

Otro tipo de momentos han sido cuando he compartido cabina con Venice Beach (Francia) o Salón Acapulco (Mexico) en nuestras propias YEFQ Parties, que si no fuese por nuestro empeño no hubiera sido posible escucharles por Alicante o Valencia. La verdad es que aún no me he encontrado un sitio al que no quisiera volver, aunque sí que ha habido noches que no quiero

que se vuelvan a repetir en mi vida. De toda la gente con la que he pinchado, fuera a parte de los grandes artistazos, me quedo con mis hermanos de fechorías Bryan (Rockers) y Acid Pimps (Vicious Radio, Mallorca). La verdad es que desde el primer momento se creó una complicidad musical increíble en ambos casos y eso ha forjado una buenísima amistad tanto en lo profesional como en lo personal. Así que, como no me podía aguantar, el próximo 16 de Noviembre nos hemos juntado los tres para pinchar en Second Floor (16:30h-22:30h Segunda planta Mulligans, Alicante)… eso va a ser mítico, ya veréis.

- Actualmente vemos que proliferan djs por todos lados, ¿cómo ves el panorama en España en la actualidad? Y ahora concretando un poco más, ¿qué tal está el tema por Alicante?

A mi parecer es positivo que siempre haya nuevos djs en el mundillo… esto aporta frescura, nuevos puntos de vista… como quizá pasó conmigo en el momento en el que Suit estaba empezando. Pero uno de los problemas que veo es que a día de hoy se quiere todo desde el primer momento, como por ejemplo ganar una buena cantidad de dinero, pinchar en los mejores sitios, etc.

Creo que debieran dar los pasos poco a poco, definirse mejor, creándose su propio estilo donde se encuentren cómodos y poder evolucionar… no ir a cualquier sitio pinche lo que se pinche por rellenar nombres en un Noviembre 2013 INDIEFERENCIA MAGAZINE 37

Entrevista a DJ SUIT

dossier y acabes pinchando para un público que no entienda tu trabajo, esas noches son las peores. En Alicante hay una buena cantidad de djs emergentes a tener en cuenta como son Impulse Spy, Half An Hour, Barbarela Dj's o Dj Freazer.

- ¿Qué consideras indispensable para un buen dj?

Sencillo… ser uno mismo y que disfrute con cada play como si fuese el primero.

- Sabemos que estás involucrado en un colectivo llamado “Y Este Finde Qué” con el que además de llevar un blog, organizáis fiestas e incluso estáis publicando material de diferentes artistas. ¿Cómo surge ser parte implicada en esto y qué podemos esperar de YEFQ?

Más que un colectivo somos un blog que ha evolucionado a algo más, fuera de los caracteres de una web.

Llegué a éste porque estaba buscando nuevos estilos y tendencias que antes se le escapaban a mi parte más indie y me encontré de lleno con una mezcla nu disco, indiedance, house y synth, por mencionar algunos de los estilos que maneja el blog. La entrada al blog vino por el apoyo que fui dándole desde que empecé a seguirlo y por mi afán de hacer cosas nuevas en la vida, no me puedo estar quieto. YEFQ creo que está en un buen momento de cambio y prueba de ello son, como mencionas, las fiestas que montamos y la creación de nuestro propio sello con artistas emergentes de cualquier parte del mundo.

- Hablando de YEFQ y teniendo en cuenta la etiqueta YEFQ Records, ¿te ha picado el gusanillo de la producción y la creación de temas propios?

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Como os he comentado es uno de mis principales proyectos para esta 2013/14… así que, estad atentos.

- Acabas de empezar la aventura de gestionar la segunda planta del Mulligans en Alicante con un proyecto llamado Second Floor, destinado a poner una nota diferente en el “tardeo”. ¿Crees que el público va a saber entender la propuesta y va a responder bien?

Bueno, gestionar no es la palabra… formo parte del equipo que lo dirige como dj residente pero es cierto que me apetecía mucho empezarlo y con el que estoy algo volcado en estos momentos para el público que busca algo más al clásico "tardeo". Tenemos muchas ganas nosotros, un buen club y mucha gente que nos sigue… qué más se puede pedir.

- Y para terminar, un poquito de ilusión. ¿Dónde te gustaría llegar con el proyecto de Dj Suit y qué metas te planteas a medio plazo?

Pues, sin lugar alguna, la ilusión me ha hecho llegar a donde estoy en estos momentos y mis "siguientes ilusiones"… espero que lleven a Suit a distintos países y que pueda desarrollar su sonido en grandes clubs que, por ahora, no le son de fácil acceso como pueden ser la Razzmatazz o el Apolo de Barcelona, y el Wanderlust de París donde grandes productores y djs que admiro suelen pinchar.

LAS 10

RÁPIDAS DE IFM 1. Dj favorito

Aunque sea un productor y no solo dj, las últimas sesiones de The Magician son geniales.

2. Grupo favorito (nacional e internacional)

Grises (Bilbao) - Disclosure (UK)

3. Dj emergente a seguir

Aunque también producen, Kaspar&Hauser en Dj Set están dando de qué hablar.

4. Grupo emergente a seguir

Grushenka (Barcelona)

5. Sala o club que nunca defrauda

Rockers Club

6. Disco del 2013 (nacional e internacional)

"No se alarme señora, soy soviético" de Grises "Settle" de Disclosure

7. Tema del 2013 (nacional e internacional)

"San Francisco" de BeGun - Careless (Original Mix) de Dusky 8. Tema que nunca falta en tus sesiones

“You Don't Know Me" de U-Tern

9. Festival indispensable

Spring Festival

10. Frase de fiesta mágica

¡Id enfriando el Jager!

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Por Guillermo J. García

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CRÓNICA GRANAPOP 2013 3, 4 & 5 DE OCTUBRE

Por Belén Martínez Saiz

Un buen puñado de artistas, una buena causa y una ciudad preciosa es lo que ofrece este pequeño festival. Una combinación perfecta para un fin de semana en el que descubrir nuevos grupos y poder disfrutar de otros veteranos.

El Granapop nace del sueño de poder usar algo tan pasional y sentimental como la música para ayudar a los demás; en todas sus ediciones ha tenido carácter benéfico y este año le tocaba a Aldeas Infantiles. En tres noches amenizadas por Juanjo Rengel como speaker y con las ilustraciones en la sala Plantabaja de Paula Sifora, la música fue la excusa perfecta, cada grupo tocó alrededor de 7 canciones y con más de uno nos quedamos con ganas de más, pero oye, lo bueno si breve…

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GRANAPOP 2013

3/10/13 La inauguración, presentaciones y toma de contacto

Después de el viaje y tras un breve descanso y toma de contacto con la zona, llegaba a Polaroid tarde, no pude disfrutar de Antonio Arias pero conseguí llegar, eso sí, a la mitad de The One And the Other, (ganadores del concurso de bandas emergentes) que ni cortos ni perezosos encaraban el Granapop con fuerza y actitud, en un escenario improvisado que iba haciendo de banda sonora para los primeros y poquitos saludos de los que nos juntábamos en la sala. Tras ellos, los locales The Miskins Ronson al 50% eran una de las sorpresas de la noche, aunque pronto dejaron llegaron Trepàt también de Granada, lo que se transformó en un aumento de asistentes que ayudaba a sentirse un ambiente familiar. Pudimos disfrutar de una actuación muy decente y de su original éxito “Ruperto sal a bailar”, aunque Ruperto no se encontraba esa noche y aún no había demasiados bailes.

Pero la auténtica sorpresa de la noche vino de Aranjuez, Rufus T. Firefly rescataron “La historia de nuestra obsolescencia programada”, de su primer EP, para comenzar su pequeña presentación al sur haciendo girar las cabezas y dejando a los asistentes boquiabiertos; con la atención ya puesta en ellos siguieron con éxitos de su disco “Ø”como “Incendiosuicida”o “El séptimo continente” con los que seguro consi-

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guieron enamorar a más de un asistente y aprovecharon la ocasión para cerrar presentando un nuevo tema que probablemente disfrutemos en su próximo disco.

Para el funcionamiento del estilo Granapop, tocaba frenar, y para ello salieron Plastik Frostik Machine en formato acústico acompañados con palmas y breves presentaron alguna novedad.Toulouse cerró la noche, (con un solo miembro) y en acústico interpretó temas como “A oscuras”. Para animar la noche, nos quedaron Le Marchand de Sable y Juanpopp a los platos.

4/10/13 La noche más Pop

En la primera noche de Plantabaja, también tarde, Mi Pequeña Radio abrían la noche, tras ellos Kuve, con una auténtica apuesta por el pop más tradicional, salieron con muchas ganas y consiguieron contagiar el buen rollo al público con sus canciones más conocidas “Singapur” y “Dando Vueltas”. Con Mechanismo una versión más elegante y melódica tomó la sala al ritmo de “Home” o “Still” entre otras, para dejar luego paso a Jack Knife que ya contaban con una sala más llena y se metieron al público en el bolsillo tocando su EP al completo y presentando nuevas canciones, fueron actitud y sin duda, un calentamiento perfecto para una de las joyas de la noche.

Full era una de las principales razones para más de uno de los presentes, las primeras filas se llenaron y los sevillanos sudaron la camiseta, literalmente, sintiéndose queridos y coreados interpretaron una selección de su disco “Mi primer atraco” con canciones triunfantes como “Distintos”y lujazos que quitan el aliento como“Inmortales”. Y decía una de las joyas porque la otra fue poder disfrutar de un acústico como nunca antes había visto de la mano de La Sonrisa de Julia , con dos guitarras, Marcos y Raúl emocionaron, nos hicieron bailar y mover las caderas al ritmo de “Muévelo” y para el broche final, tras la insistencia del público nos regalaron tres versiones: “Hallelujah”, “I Want To Break Free” y acompañados por Kuve en“Roxanne”.

La fiesta siguió en Plantabaja con Eme Dj que trajo una sesión algo light y NO Dj, y aunque la post-fiesta seguía en Polaroid con Varry Brava Dj set una servidora ya estaba agotada, así que tocaba irse a la cama con los movimientos de caderas de Marcos aún en la cabeza y por supuesto feliz.

5/10/13 La traca final

Un cartelazo nos tenía preparado el Granapop en esta última noche; aunque acusó el mayor retraso de los 3 días, todos sabíamos que todo llegaría y el reloj no importaba. Wiggum abrieron la noche recogiendo el sonido más pop-rock de la noche anterior con canciones que sonaban divertidas y bailables como “Amarillo” o “El caminar” que se quedaron pequeñas ante la falta de público, con Niño Burbuja los tímidos bailes empezaban a aparecer y con un sonido amable consiguieron calentar el ambiente para la llegada de Bravo Fisher!

Como un huracán subió las revoluciones y enseñó lo que es una grandísima actitud como frontman incluso bajándose a bailar con el público. “39”, “Miradas” y “Sanseacabó” entre otras con una versión de “Videogames” de Lana del Rey gustaron, mucho. Aunque la fiesta ya se antojaba bailonga, la fusión es parte también de este festival y Pasajero salieron al escenario dispuestos a dar buen uso de sus guitarras, con una buenísima selección de sus canciones el culmen vino con la colaboración de Juan Alberto y Andrés de Niños Mutantes en “Borro mi nombre”, un momentazo que seguro queda en nuestras retinas junto con el final en “Autoconversación”.

Ahora sí, la explosión llegaba de la mano de Grises , divertidos como siempre tal y como bien dijo Amancay nos regalaron un concierto “breve pero intenso”, “Todo irá bien”, “Wendy”, “Parfait” y un último “Daiquiri” entre otras pusieron a todos los asistentes a bailar.

Para bajar el ritmo volvieron a salir Wiggum en formato acústico esta vez y entre otras interpretaron una declaración de amor que resultó una perfecta presentación para la siguiente artista. Tras los fuegos artificiales vienen los “oh” de admiración, de los que fue totalmente responsable la dulcísima Alondra Bentley ; delicadeza, sinceridad y estilo pueden usarse para definir perfectamente el recital que nos embelesó. Incluso ella reconocía que era un milagro que ninguno de los presentes se durmiese viéndola, pero en lugar de dormir gracias a ella lo que hicimos fue soñar despiertos.La música en directo acabó, y para la última noche de Granapop Corrientes Circulares Dj set, y Pin&Pon Djs en Plantabaja junto con We Are Not Djs e Indiepollas (confeti y anonimato incluido) fueron los encargados de poner banda sonora a los adiós y últimos “te invito” de este año.

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I C O T O P OCTUBRE 2013 Por Quique G贸mez

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Ico Top | INTERNACIONAL Anna Calvi One Breath

Menuda culebrilla está hecha Anna Calvi. Y no lo digo por la escala de su físico, sino por cómo te regatea la cabrona casi en cada canción que hace.

Cuando crees que te va a salir por un lado, te parte la cintura y aparece por el otro. La menuda artista británica cuenta con el factor sorpresa en mayor medida aún que en su disco de debut. A priori parece imposible, ya que la frescura de los primeros álbumes siempre es difícil de superar, pero “One Breath” representa el auténtico manual de cómo hacer bien las cosas.

Tanto, que consigue quitarse de encima las comparaciones que la posicionaban en la senda de PJ Harvey (la cual ya dejó el rock épico aparcado hace años).

Claro, comparar a alguien con PJ Harvey es sinónimo de salir perdiendo. Y tampoco es plan.

Eso sí, “Love Of My Life” parece un homenaje a “Uh Huh Her” (2004).

Los incontestables primeros singles (“Suddenly” y “Eliza”), muy bien colocados al principio del disco, no dejan de ser algo

continuista con su “Anna Calvi” (2011). Y es precisamente por eso que veo bien la idea de ponerlas al principio, al fin y al cabo, es la mejor carta de presentación: “Soy Anna Calvi, me conocéis por ésto… pero ahora veréis (hijosdeputa)”. Dicho y hecho: “Piece By Piece” no tiene absolutamente nada que ver con lo que conocemos de ella. Una canción rota, casi minimalista e improvisada, donde lo interesante es descubrir el porqué de ese título. “Cry” nos devuelve a la Calvi de poderosa voz (¿de dónde la saca?) y fulminante fiereza rock, donde esa elegante guitarra que deslumbraba en su debut empieza a aparecer de forma descarada para quedarse en lo que queda de álbum.

El mes pasado hablábamos del deseo de escuchar a Janelle Monáe en la banda sonora de alguna película de un supuesto agente secreto británico. “Sing To Me”, con sus coros y arreglos de música clásica, casi nos obliga a imaginarnos la escena más emocionalmente fuerte de James Bond. Pero no con Daniel Craig de protagonista, no… sino con el guapo de Pierce Brosnan, porque aquí la belleza cuenta más que el músculo.

Para fuerza ya tenemos “Tristan”, una bestia que despega hacia mitad de canción y que podría durar el doble. El tema que

da nombre al disco es el que mejor representa los dribblings de los que hablaba al principio, porque imaginando otro supuesto subidón rock, la colega se marca un verdadero abuso de épica clásica de no sé cuántos músicos.

Lo acojonante del segundo disco de Anna Calvi es que, después de semejante despliegue, todavía guarde ases en la manga.

“Carry Me Over” recupera esa otra vertiente cabaretera; “Bleed To Me” aúna susurros, vozarrón de piel de gallina y góspel (casi nada); y le coge el gusto, porque con “The Bridge” repite escenario sagrado. ¿Ganas de más? Infinitas.

La única rama que se le puede echar en falta es la del flamenco, presente de forma camuflada en alguna que otra canción anterior (“Rider To The Sea”), pero la gama de recursos ahora es muy superior. El disco es tremendo, sí, pero mirándolo por otra parte, ya podría grabar un mojón de disco, que yo me iba a emocionar igual por culpa de esa VOZ. La Jeff Buckley de esta generación. Palabras mayores.

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Polvo / Siberia

Qué difícil decidirse entre este “Siberia” y el anterior “In Prism” (2009). El retorno a los estudios del cuarteto de Carolina del Norte en 2008, tras más de 10 años de silencio, se rompía con un disco espectacular que callaba esas bocas que defendían que su carrera nunca sería lo mismo que a mediados de los ’90, cuando editaron los imprescindibles “Today’s Active Lifestyles” (1993) y “Exploded Drawing” (1996). La reunión supuso, además, volver a los orígenes y fichar por Merge. En aquel “In Prism” había de todo, o por lo menos, de todo lo que se podía esperar de ellos, tan dominadores de todas las vertientes de lo que entendemos como rock alternativo (y noise, hard-rock, indie, grunge, etc…). Este “Siberia” suena muy en la misma línea (buenas noticias) pero dividiendo su propio discurso en una parte más potente y de más peso en el total (unas dos terceras partes), y otra más improvisada, donde “Old Maps” lidera esta idea diferenciadora. Soberbios.

Fuzz / Fuzz

Para quien no lo conozca, Ty Segall es el tío más productivo del panorama independiente actual. Por encima incluso de Thee Oh Sees y sólo comparable a los tiempos mozos de Prince. Su carrera en solitario comenzó en 2008 y ya le ha dado tiempo a editar ocho álbumes en solitario (acaba de cumplir 26 años). El último, hace tres meses. El anterior hace justo un año. Toca la batería, la guitarra y canta en sus discos. Y, por si fuese poco, está involucrado en varios proyectos más, como The Traditional Fools, The Perverts, un disco junto a Mikal Cronin o estos nuevos Fuzz, su vertiente más garajera. Aquí no hay momentos de calma o transición como puede haber en sus discos, sino que es, directamente, tralla.

Rock, psicodelia, garaje y lo-fi en 35 minutos sin descanso. Una bomba. Tiene hasta el detalle de justificar las canciones más largas con unos finales del tipo Led Zeppelin o Jimi Hendrix (“Loose Sutures” o “One”) que quitan el hipo. Un superdotado.

Dr. Dog / B-Room

Desde que en 2001, esos estudiantes de arte de Filadelfia llamados Raccoon se cambiasen el nombre por el de Dr. Dog, no han parado de crear música y editar discos a cascoporro.

El ritmo de grabación está casi en disco por año. “B-Room” viene a suceder a “Be The Void” (2012) y subir un peldaño más en calidad en ese inagotable laboratorio donde parece que no se acaban las ideas. La fórmula continúa siendo la misma: pop-rock de los ’60, con técnicas analógicas de esa misma época y, por supuesto, regustillo lo-fi que tira para atrás. El objetivo es, descaradamente (he aquí la única pero evidente pega) parecerse a los inimitables Love y su atemporal “Forever Changes” (1967 y, para un servidor, mejor disco del siglo XX). La psicodelia aquí es mucho más moderada, más inocente. También es cierto que los contextos no tienen nada que ver, pero no se puede negar que este sexteto se lo curra una barbaridad. Van hacia arriba, ojo. A ver dónde acaban.

Pearl Jam / Lightning Bolt

Qué fácil es criticar a una banda consagrada venida a menos. Pearl Jam, la antológica (sí) banda de Seattle edita nuevo álbum y ya hay preparados no sé cuántos textos que lo pondrán a parir incluso antes de haberlo escuchado. A “Lightning Bolt” le ha vuelto a ocurrir, como ya sucediera con el inferior “Backspacer” (2009). No creo que estuviese justificado semejante linchamiento en ese momento, pero mucho menos que se repita la misma situación ahora con su décimo álbum de estudio. Los culpables (junto a otros míticos) del nacimiento del grunge, los autores de “Alive” y “Jeremy”, esa banda con el mejor vocalista de siempre… está claro que no volverán a firmar un “Ten” (1991) o un -infravalorado y para mí el mejor- “No Code” (1996), pero eso no da derecho a nadie a tratarlos con el desprecio de esa llamada “prensa especializada”. A la mierda todos, ¿qué cojones esperaban? El disco contiene detalles de los mejores Pearl Jam de toda la vida, y eso ya lo justifica todo.

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Ico IcoTop Top| NACIONAL | NACIONAL

Kokoshca / Hay Una Luz

sólo en el sonido, sino en algunas letras que van desde esa dupla granuja y aparentemente inocente (“Directo A Tu Corazón” y “Jon Y Yo”) hasta los versos más irónicos e hirientes a cargo de Amaia Tirapu (“Sigue El Ritmo” o “Prefiero Golpes”).

Hay algo en este tercer disco de los navarros Kokoshca que los hace sonar modernos a la vez que antiguos. Aquí hay tanto de indie actual como de clásico pop-rock ochentero, el de Aviador Dro, Parálisis Permanente o Derribos Arias. La Movida madrileña no está presente

El trío lo completan Iñaki López y Javier Aznárez, y sus 10 nuevas canciones dejan en ridículo a las de los primeros “Únete A Kokoshca” (2008) y “La Fuerza” (2010). Porque donde antes había buenas ideas, ahora hay temazos. Y ya no sólo el hecho de escoger una canción al azar es acertar 100%, sino que queda ese poso, ese regusto de buen sabor al escuchar el álbum al

completo. Aquí se han hecho las cosas bien, y no de forma irregular precisamente. Deja huella.

El repaso histórico que Kokoshca le dan al pop patrio desde esa ochentera época es tal que incluso caben comparaciones de fuera, siempre de la misma época, como el reconocido amor a Yo La Tengo o al tristemente recién fallecido Lou Reed.

“Hay Una Luz” arriesga donde otros ni se atreven a asomarse y cubren así un importante hueco que dábamos por enterrado, pues el descaro de cantar así algunas canciones en español es, por lo menos, de tenerlos bien gordos.

Puput / Puput

El debut de Puput es una de las sorpresas de la temporada. Los cincuenta y pico minutos de este álbum están llenos de magia de la buena, de dreampop de salón y de slowcore de categoría. Está también lleno de referencias que van desde Mercury Rev a Beach House pasando por Piano Magic o Low. Estos manresanos han dado con la tecla en esta banda y espero que duren muchos años, ya que provienen todos de bandas paralelas (Toia, Gossos y Plouen) de poco alcance fuera de Cataluña. La escena indie de allí casi nos obliga a emparentarlos con bandas como Cuchillo, pero estos Puput casi los duplican en número, por eso el resultado es mucho más flotante y vaporoso. Las canciones son de largo recorrido (la más corta y popera, “Flirts”, dura cuatro minutos y medio), así que los crescendos están a la orden del día. Mucha épica bien guiada sin caer en el plomazo y dejándolos a la altura de los más grandes.

Betunizer / Gran Veta

Casualidades de la vida (no es la primera vez que ocurre): el anterior álbum de los valencianos Betunizer quedó un puesto por debajo en el top de abril de 2012 con respecto al debut de Fira Fem. Este mes, la continuación de “Aedificatoria” no está a la altura y “Gran Veta” le gana la partida. Y no es que este disco sea mejor que “Boogalizer”, pues estarán a la par, pero sí mantiene el tipo en cuanto a regularidad. De hecho, es menos divertido, sí, pero más completo también. Han madurado de una forma en la que aún siguen siendo los amos en el territorio funk pero pudiendo contentar a un sector mayor de público, ya no sólo el friki. La propuesta es la misma, pero el factor baile pierde algo de terreno con respecto al del rock. Esto es más guitarrazos y, sobre todo, más contundencia en el bajo. Además, la sola presencia de “El Ritmo Que Tú Tienes” justifica la aparición de esta banda aquí. ¡Vaya temarral! De la portada no hablo porque no hace falta.

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INDIESPENSABLES: Octubre 2013

Quique Gómez

Jesús D. Marín

F. Javier M. Bel

DISCOS

CANCIONES

DISCOS

CANCIONES

DISCOS

CANCIONES

1. Anna Calvi - One Breath 2. Polvo - Siberia 3. Sleigh Bells - Bitter Rivals 4. Kokoshca - Hay Una Luz 5. Arcade Fire - Reflektor

1. Arcade Fire - Reflektor 2. John Newman - Tribute 3. Fuzz - Fuzz 4. Izal - Agujeros de Gusano 5. The Toxic Avenger - Romance And Cigarettes

1. The Toxic Avenger - Romance And Cigarettes 2. Albert Hammond Jr. - AHJ EP 3. Fuzz - Fuzz 4. Night Beats - Sonic Bloom 5. Red Fang - Whales And Leeches

1. Sleigh Bells - Bitter Rivals 2. Cass McCombs - Morning Star 3. Dr. Dog - Rock & Roll 4. Arcade Fire - We Exist 5. Betunizer - El Ritmo Que Tú Tienes

1. Mogwai - Remurderer 2. Arcade Fire - Normal Person 3. The Toxic Avenger - Say My Name 4. Cut Copy - We Are Explorers 5. Los Campesinos! - Avocado, Baby

1. The Fratellis - Jeannie Nitro 2. Albert Hammond Jr. - Rude Costumer 3. Night Beats - At The Gates 3. Miles Kane - I Dont Need You At All 4. Wolfgang Gartner & T. Trash - Hounds Of Hell

David G. Altarejos DISCOS

CANCIONES

Joaquín Ollero

DISCOS

CANCIONES

Jaime M. Herrero DISCOS

CANCIONES

1. Albert Hammond Jr. - AHJ EP 2. Arcade Fire - Reflektor 3. Sleigh Bells - Bitter Rivals 4. Cults - Static 5. Best Coast - Fade Away EP

1. Son Lux - Lanterns 2. Arcade Fire - Reflektor 3. Mutual Benefit - Love's Crushing Diamond 4. Darkside - Psychic 5. The Range - Nonfiction

1. Arcade Fire - Reflektor 2. Darkside - Psychic 3. Onehotrix Point Never - R Plus Seven 4. Of Montreal - Lousy with Sylvianbriar 5. Fuzz - Fuzz

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1. Arcade Fire - Afterlife 2. Albert Hammond Jr. - Rude Costumer 3. Cass McCombs - Morning Star 4. Sleigh Bells - Bitter Rivals 5. Cults - I Can Hardly Make You Mine

1. Arcade Fire - Afterlife 2. Son Lux - Lost It To Trying 3. Cass McCombs - Brighter 4. Sky Ferreira - 24 Hours 5. Darkside - Paper Trails

1. Los Campesinos! - Avocado, Baby 2. Of Montreal - Belle Glade Missionaries 3. Arcade Fire - Normal Person 4. Cut Copy - We Are Explorers 5. Best Coast - Who Have I Become

REDACCIÓN

Ander Simón, Quique Gómez, Joaquín Ollero, F. Javier Moreno, Jesús Daniel Marín, David García Altarejos, Alejandra Otero, J.N. Carretero, Jaime Mateo Herrero, Daniel López, Sergio Herguedas, Martín, Albert Cornella Font, Guillermo J. Garcia, Álvaro Hernáez y Belén Martinez Saiz.

DISEÑO & MAQUETACIÓN

F. Javier Moreno

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AGRADECIMIENTOS

Foto Sleigh Bells de GQ Magazine Foto de la crónica Granapop 2013 por Rafa Marchena / Mondosonoro Fotos de Kostrok por Chus Antón

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contact@indiefermag.com En INDIEFERENCIA Magazine tenemos el fin de divulgar información sobre la música que nos gusta. Desde los grupos más destacados de la escena hasta las nuevas bandas que aún son desconocidas por la mayoría del público.