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HUMANIZE magazine Issue 21

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s julio de 2013. ¡Qué par de meses tan increíbles! ¡Vaya año! Si estas leyendo esto, algún día le contarás a tus nietos o tus sobrinos y cualquiera de las futuras generaciones que estuviste aquí. Viviste y sentiste el verano del 2013. Llegaste a ver historia, te sentaste en los escalones del Tribunal Supremo de Estados Unidos el 26 de junio y lloraste, te sentaste en un café en Indianápolis, con tu futura mujer delante, y tu cara se lleno de lágrimas y gritaste “¡POR FIN!” y nadie, nada, todo, silencio. Pasó. Este número es para cada uno de vosotros que por fin pueden saber de lo que realmente va esta vida. Sé feliz, las cosas buenas pasan, PASAN. Pasarán. Issue 21 es para quienes nunca se rindieron, nunca te rindas. La esperanza es gratis, es libre. Ahora tú también eres libre. Disfruta.

It’s July 2013. What an incredible past couple of months! What a year! If you are reading this, you will tell your grandchildren or your nephews or anyone from future generations one day that you were here. You lived and felt the summer of 2013. You lived to see history, you sat in the steps of the Supreme Court of the United States on June 26 and cried, you sat in an Indianapolis café, your future wife in front of you, and you wept and screamed “FINALLY!” and no one, nothing, everything, silence. It happened. This issue is for every single one of you who can now know what this life is all about. Be happy, good things happen, THEY DO. They will. Issue 21 is for those of you who never gave up, never give up. Hope is free. You are now free, too. Enjoy.

Karla D. Romero

HUMANIZE magazine Directora // Editor Karla D. Romero

karla@humanizemag.com

Diseño y Fotografía // Design and Photography Belma Hernández-Francés León belma@humanizemag.com

Colaboradores // Contributors Irene A. Canalís Iñigo Martínez Natalia García Eduardo Arrufat

Publicidad // Advertising advertising@humanizemag.com

Portada // Cover: Ted Oonk

Preparó este delicioso número // Prepared this delicious issue

Humanize Magazine es una publicación independiente, sin pertenencia a grupo, colectivo o asociación. No se hace responsable de la opinión de sus colaboradores. Prohibida la reproducción parcial o total de cualquier contenido// Humanize Magazine is an independent publication that does not belong to a collective group or any association. It does not take responsibility for it contributors’ opinions. The reproduction of any content is prohibited.

C o nt e N i D o C o nt e Nt .. 6 Michael Canitrot 12 eve takes the reins 18 raymond depardon 24 pablo gonzalez -trejo 38 Nick nazzaro 50 ted oonk 68 i'm son hungry 78 Laura perez calle 80 Jacob Sunderlin

MICHAテ記 CANITRO Por // By: Karla D. Romero

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Desde sus famosas fiestas “So Happy in Paris?” hasta tu ultimo éxito “Leave Me Now,” Michaël Canitrot encarna la esencia de la música dance. Canitrot es por excelencia el productor y artista francés de suma importancia, con una mezcla diversa de ritmos de house y pop. Y ahora, ha sido Humanizado. Esta es nuestra entrevista con el DJ oficial del Festival de cine de Cannes. From his infamous “So, Happy in Paris?” parties, to his latest hit “Leave Me Now,” Michaël Canitrot fully embodies the essence of dance music. Canitrot is the quintessential French dance producer and artist, with a diverse blend of house and pop rhythms and beats. And now, he has been Humanized. This is our interview with the Cannes Film Festival official DJ. Cuentanos un poco sobre tí. ¿De qué parte de Francia eres? ¿Cuál es tu experiencia con la música? // Tell us about yourself. Where in France are you from? What is your musical background? Soy DJ/ productor de París, Francia. Estudié música como bacteria pero ser DJ era mi pasión. I m a DJ/Producer from Paris, France. I had a musical formation as a drummer but DJ’ing was my  first passion! ¿Cuándo fue la primera vez que te interesaste en ser DJ? // How did you first become interested in being a DJ? Muy pronto en realidad, tenía 10 años. Tenía muchos vinilos en casa ya que mi padre era DJ en la radio, y yo estaba con él todos los fines de semana. Quite early actually, I was about 10. I had many vinyls at home since my dad was DJ on a radio station, and I was with him all the weekends long in the studio. ¿Cómo ha influenciado tus raices en tu música, si es que lo ha hecho? // How has your background influenced your music, if it has done so at all? En mi casa mi madre ponía mucha “música negra”, como Stevie Wonder, Marvin Gaye o Michael Jackson. Mi padre era un gran fan del rock, seguía a grupos como AC/DC hasta los Beatles. Con estas influencias, cree mi propio estilo, me gusta pensar que mi música es una mezcla de estas tendencias con un toque electrónico. At home my mother played a lot of “black music,” like Stevie Wonder, Marvin Gaye or Michael Jackson. My father was a big fan of Rock music, following bands like ACDC to the Beatles. With these influences, I had to create my own style. I like to consider my music like a mix of all these trends with an electronic touch. ¿Cómo te empezaste a interesar por la música house, disco y pop? ¿Tienes alguna influencia musical? ¿Y en otras áreas? // How did you become interested in house, modern disco and pop music? Do you have any specific influences in music? And in other areas?

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Cuando escuché el primer disco de Daft Punk. Pero antes me gustaban grupos como Radiohead que usaban mucho tratamiendo electrónico a sus producciones. When I listened to the first album of Daft Punk. But before that I was very interested in bands like Radiohead who use a lot of electronic treatment in their productions. Tu nuevo single “Leave Me Now” ¡es una pasada! Me hace levantarme de la silla cada vez que la escucho. Tiene mucho sentimiento, los ritmos, melodías…son perfectos. Háblanos del nuevo single y de lo que viene. // Your new single “Leave Me Now” is badass! It pumps me up every time I listen to it. It definitely has a great feel to it, and the rhythms, melodies and beats are just perfect. Tell us about this new single and what’s to come. Quería crear una mezcla entre pop-rock con mi toque club y electrónico. El reto era que fuera eficiente en los clubs pero también que fuera guay escucharlo en el coche. Estoy muy contento de leer todo los mensajes y el apoyo que vienen de las redes sociales. Esto es el primer estracto de mi disco que llegará en 2013, así que ¡escúchenlo! I wanted to create a mix between a Pop-Rock song reworked with my club and electronic touch. The challenge was to be efficient in clubs but also cool to listen to in your car. I’m very happy to read all your messages, your supports coming on the social networks. This is the very first extract of my album to come later in 2013, so listen up!  Una de las primeras cosas de las que me di cuenta sobre ti, a parte e la música, es tu sentido de la moda. ¿Qué conección hay entre tu, la música y la moda? // One of the first things that I noticed about you, aside from your music, is your fashion sense. What is the connection between you, your music and fashion? La moda y la música son dos formas artísticas distintas que pueden trabajar juntas perfectamente. He hecho muchas mezclas para marcas de moda como Cartier, D&G, Chanel, Dior… Para mi es natural pensar en la música con una imagen en mi cabeza, por eso siempre me ha atraído la moda. Fashion and music are two different artistic expressions that could work perfectly together. I had done many mixes for Fashion brands like Cartier, D&G, Chanel, Dior in the past… For me it’s very natural to think about music with a image in my mind, that’s why fashion was always very attractive to me.   Has pinchado en toda las partes del mundo (incluso en mi país natal, ¡España!) e también en ¡la Torre Eiffe! ¿Sabrías decirnos cual es el mejor? // You have played all over the world (even in my native Spain!) and even in the Eiffel Tower! Do you have a particular place that stands out as the best?

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Tengo muchos recuerdos imborrables de Asia, en particular de Tokio. Me encanta la gente japonesa, son unos espectadores impresionantes. Pero Brasil para mi, hasta el momento, es mágico. Empecé a actuar hace dos años, tocando en clubs pequeños con 300 personas. Y ahora lleno sitios como Green Valley, Pachá, P12… I have so many unforgettable memories from Asia, and particulary in Tokyo. I do really  love Japanese people, they make such a great audience ! But Brazil is magic for me at the moment. I started to perform there about two years ago, playing in small clubs of around 300 persons. And now I’m booked in massive venues like Green Valley, Pacha, P12… ¿El peor? // The worst? No lo quiero recordar, ahora mismo intento ir a las fiestas que más me emocionan. I don’t want to remember, and now I’m trying to do only parties I’m excited to go to. Cuéntanos un poco sobre tus fiestas “So, Happy In Paris? // Tell us a bit about your “So, Happy In Paris?” parties. “So, Happy in Paris?” es una fiesta que simboliza lo glamuroso y chic de París. Siempre he intentado en esforzarme para unir la música, con efectos visusales y presentar a nuestros fans el ambiente más completo entre el artista, la música y el diseño que usamos…Es una experiencia en un club con una mezcla de energía y amor-directo y simple.   “So, Happy in Paris ?” is a musical party concept which symbolizes Paris’ glam and chic. I have always put a lot of efforts in marrying music, visuals and introducing our fans with the most complete ambiance between  the crowd, the artists, the music, the design of the venues we use… It’s a clubbing experience with a mix of energies and love – straight-forward and simple. Tienes una discográfica, Amie Music ¿Por qué deciste crear una discográfica?¿Cuáles son tus planes para ella? // You have a music label, Aime Music. Why did you decide to create your own label? What are your plans for the future of the label? Decidí crear una discográfica para sentirme libre cuando quiero sacar la música que quiero, cuando quiero y donde quiero. Y también para firmar y promocionar a otros talentos. En el futuro, quiero centrarme en esto, y sacar pocos proyectos que sean excitantes. I have decided to create Aime Music to be free to release the music I want, how and when I want to. And also to sign & promote others talents. In the future, I just aim to stay focus on this motto, only releasing a few and exciting projects. Cuéntanos sobre las colaboraciones que haces con otros artistas y organizaciones. ¿Cuáles han sido tus mejores experiencias? //

Tell us about collaborations you do with other artists and organizations. What have been some of the best experiences in that aspect? Ahora estoy trabajando en un nuevo proyecto llamado “Reepublic”. Es un grupo de 5 djs francees y un productor: Sebastien Benett, Antoine Clamaran, Tristan Garner, Gregori Klosman y yo. Nuestro primer single se llama “Turn Off The Light” y fue firmado para Universal. Es muy emocionante compartir esto con amigos. I m working now on a new project called “Reepublic.” It’s a band between five french DJs & producers : Sebastien Benett, Antoine Clamaran, Tristan Garner, Gregori Klosman and myself. Our First single “Turn Off The Light” was signed by Universal. It’ s really exciting also to share this kind of emotion with some friends. ¿Tienes algún artista favorito con el que quieras colaborar? ¿Por qué? // Do you have a favorite artist right now that you would love to collaborate with and why? Me encanta el ritmo de Azealia Banks ahora, musical y visual. Es muy sofisticado. I really like the vibe from Azealia Banks at the moment, musically and visually, it’s very sophisticated. De todos tus trabajos (DJ, productor, organizador de eventos, etc) ¿Cuál es tu favorito? // Out of your various jobs (DJ, producer, party-maker, etc), what’s your favorite and why? ¡Todos! Todos se complementan y son parte de lo mismo. ¡Esta es mi vida y lo que soy no renunciaría a ninguno de ellos! Pero entre nosotros, me encantaría ser jugador de fútbol, va muy bien con las chicas…Soy muy fan del fútbol pero tristemente no tengo el físico adecuado. All of them! They all complete each other and are a part of the same thing. This is my life and who I am and I would not renounce to any of them! But secretly, I would have loved to be a soccer player, works very well as well with the girls… I’m a big fan of soccer but sadly I haven’t got the right physique! ¿Qué tienes planeado para el futuro cercano? // What do you have planned for the near future? Trabajar en mi nuevo single y en mi álbum, seguro. Ahora, tengo una gira muy grande por Europa. ¡Así que no dudes en entrar en Facebook y Twitter para estar al tanto! Working on a new single, and my album for sure. I have a big tour coming in Europe. So don’t hesitate to stay in tune to get some regular updates from me on Facebook or Twitter! https://www.facebook.com/michaelcanitrotofficial https://twitter.com/michaelcanitrot

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El Jardín entre bambalinas The Garden Behind the Camera Por // By: Eduardo Arrufat Fotos // Photos: Alberto Díaz Entre las 100 películas más taquilleras de la historia, no se encuentra ninguna dirigida por una mujer. A lo largo de la historia de los Oscars, la Academia, sólo ha nominado a cuatro mujeres en la categoría de Mejor Director y una sola vez en sus 85 años de historia, una mujer se ha hecho con la estatuilla; fue Kathryn Bigelow con “En tierra hostil” (2009). Out of the 100 highest grossing films of all times, not a single one has been directed by a woman. Over the history of the Oscars, the Academy has granted only four nominations to female directors and only once in its 85 years has a woman win the statuette; it went to Kathryn Bigelow for “The Hurt Locker” (2009). Si ni el público ni los críticos han preferido el cine manufacturado por mujeres durante este tiempo, significa esto que Hollywood está condenado a ser un templo por y para el hombre para siempre? Reconocerán algún día los magnates de las grandes productoras el valor artístico y humano que aportan las mujeres al negocio? En conclusión, podría Hollywood sobrevivir a una toma de poderes femenina? If neither public nor critics have favored female crafted cinema over the ages, does it mean that Hollywood is doomed to be male-driven forever? Will studio moguls recognize the artistic and human value added by women? In conclusion, could Hollywood survive a female takeover?

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Eva tom

Eve tak

ma las riendas

kes the reins

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Eva fue expulsada del Jardín del Edén por tentar al hombre a que alcanzara su deseo prohibido. Por esto tuvo que sufrir al otro lado de los muros y ver como el manzano quedaba intacto. Al igual que en el Génesis, las mujeres han sido generalmente apartadas y dejadas a las puertas del éxito Hollywoodiense, pero al contrario que en el pasaje bíblico, en este cuento, el poder femenino probara ser más peligroso que la mordida de una serpiente. Eve was expelled from The Garden of Eden for tempting a man to reach its forbidden desire. For it she had to suffer outside of its walls and watch how the apple tree was left untouched. Just like in the Genesis, women have been generally left outside the gates of Hollywood success, but contrary to the Biblical story, in this tale, girl-power will prove to be mightier than the snake’s bite. Corría 1979 cuando una joven pero trabajadora y ambiciosa secretaria llamo la atención de Steven Spielberg. Su nombre era Kathleen Kennedy. Por ese entonces Kennedy no tenía la experiencia en producción necesaria pero con su voluntad para salir adelante se gano la admiración de Spielberg y se convirtió así en su productora ejecutiva en todas sus películas hasta su reciente ascenso como consejera delegada de Lucasfilm tras la adquisición por parte de Disney. Se calcula que Kennedy sea la productora de Hollywood más exitosa en taquilla solo por detrás del mismísimo Spielberg. It was 1979 and a young but hard-working and ambitious secretary came to the attention of an up-and-coming Steven Spielberg. Her name was Kathleen Kennedy. At the time Kennedy had no proper production experience but with her will to step up, she gained Spielberg’s admiration and ended up being his executive go-to producer until recently when she became head of Lucasfilm under the Disney acquisition. Kennedy is reported to be Hollywood’s most financially successful producer to date, only second to Spielberg himself. “Cree en ti misma y piensa que realmente puedes conseguirlo. En realidad es un objetivo que cualquier mujer puede tener, igual que cualquier hombre.” - Kathleen Kennedy recibiendo el Crystal Award for Women in Film 1995 “Believe and set your sights on the fact that you can do it. It’s certainly a goal any woman can have, just like any man.” Kathleen Kennedy upon receiving the Crystal Award for Women in Film 1995 Las historias de auto superación son material de películas de deportes y discursos de graduación; las mujeres de Hollywood sin embargo, necesitaran mucho más que una magnífica obra de arte si aspiran al reconocimiento de sus compañeros de profesión y del público en general. La película deberá tratar ciertos temas, girar en torno a ciertos personajes y en general tener ese cierto regustillo si quieren poder asegurarse financiación de cualquier estudio. El tema principal debe ser atractivo para los hombres, los personajes principales deben de ser hombres y debe llegar a los sentimientos compartidos por el público masculino. Los lectores pueden hacer la prueba de Bechdel para llegar por si solos a la conclusión del favoritismo de géneros que hay en el cine. Simplemente pregúntense

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cuando fue la última vez que vio una película que cumple los tres siguientes puntos: 1. Aparecía un personaje principal femenino 2. Introducía un segundo personaje femenino hablando con la protagonista 3. El tema de conversación entre ellas no giraba en torno a los hombres Varias películas pasarían la prueba, pero cuanto más alto se sienta la película en la lista de las más vistas o con la relación de financiación contra recaudación, menos posibilidades tiene de ni si quiera cumplir dos de los tres puntos de la prueba de Bechdel. Inspiring stories are for sports movies and commencement speeches. For Hollywood women, however, they need much more than a magnificent piece of art if they want recognition from their fellow peers and the general public. The movie will have to address certain topics, revolve around certain characters and in general have a certain feeling to it if they want to secure financing from any studio. The central theme has to be interesting to men, the main characters have to be men and the feeling has to be pleasing to men. Readers can do the Bechdel Test to come to the conclusion on her/his own that there is a gender bias in films. Simply ask yourself when was the last time you saw a movie that comply with the following three conditions: 1. Had a main female character 2. Featured a second female character talking to the main female character 3. The conversation topic did not revolve around men Many films will pass the test, but the higher the movie sits in the list of most watched or with the highest financing to grossing ratio, the less chances it has to even tick two out of three in the Bechdel test. La filmografía de la oscarizada Kathryn Bigelow incluye muchas películas que no superarían el test, y “En tierra hostil” está entre ellas. Sin embargo, su retrato de la vida de las unidades anti explosivos del ejercito de EE.UU. en Iraq es una obra maestra en sí misma. En parte, cubre considerada la primera bandera de conquista plantada en tierra hostil. Al igual que el héroe de la película, Bigelow se adentro mas allá en los dominios desconocidos de la Academia para arrebatarle el espadachín dorado a su ex-marido de una forma más que merecida. Oscar winner Kathryn Bigelow’s filmography feature many films that won’t pass the test, and “The Hurt Locker” is among them. However, her work directing the portrayal of the US bomb squads work in Iraq is a masterpiece on its own. It may be considered the first conquering flag planted on hostile soil. Just like the hero in the movie, Bigelow went further than ever into the unknown and hostile land of the Academy to snatch the golden swordsman from his ex-husband in a more than earned way. “Si hay una resistencia especifica a que las mujeres hagan películas, yo me limito a ignorarla como si fuera un obstáculo por dos razones: No puedo cambiar mi sexo y me niego a dejar de hacer películas. Es irrelevante quien o que dirige una película, lo importante es que sientas un impulso de respuesta al

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verla o no. Deberían haber más mujeres dirigiendo; creo no hay suficiente concienciación de que es posible. Lo es.” - Kathryn Bigelow en una entrevista de 1990 para The Tech con Michelle Perry. “If there’s specific resistance to women making movies, I just choose to ignore that as an obstacle for two reasons: I can’t change my gender, and I refuse to stop making movies. It’s irrelevant who or what directed a movie, the important thing is that you either respond to it or you don’t. There should be more women directing; I think there’s just not the awareness that it’s really possible. It is.” - Kathryn Bigelow in a 1990 The Tech Interview with Michelle Perry. Este ano la lista de nominados para el Oscar a mejor director fue muy controvertida, no por quien había sido incluido, sino por quien había sido dejado fuera. La Academia, con los votos de sus más de 5.000 miembros, tuvo la oportunidad de quitarse a sí misma la etiqueta de misóginos, pero nominar “La Noche Más Oscura” a la mejor película, mejor actriz principal, mejor guion e incluso mejores editores y dejar fuera al Maestro que ha orquestado todo, ha sido un mal paso. No se trata de nominar a mujeres directoras porque si, se trata de cambiar la percepción general de que todos los grande directores son siempre hombres. This year’s Oscar nominee’s line-up for the director’s category was very controversial, not because of who was in, but for who was left out. The Academy, with its over 5,000 voting members, had the chance to free themselves from its aging misogynistic tag, but having “Zero Dark Thirty” up for the best movie, best leading actress, best screenwriter and even editors while leaving out the Maestro that orchestrated it all was a failing move. It is not about getting female directors nominated just because. It is about trying to change the general perception that all great directors are only men. Por suerte, las mujeres no están solas cuando se trata de enfrentarse a los críticos y dar al publico lo que les gusta, también se trata de educar su paladar. El escritor y director Joss Whedon ha sido siempre reconocido por sus personajes femeninos con carácter, en parte llenan una demanda un mercado muy poco atendido por los contenidos generalistas, concentrándose en las mujeres por los valores que ponen en pantalla y no solo porque tengan una cara bonita. Luckily, women are not alone when it comes to facing the critics and feeding the public what they like, it is also a matter of educating their taste. Writer/Director Joss Whedon always has been recognized for his strong female characters, part of it could be to fulfill and empty market gap in current mainstream media, addressing females for the values they add to the picture and not just for having a pretty face. “No escribo mis personajes femeninos solo para otra gente. Tengo el deseo de verlas en nuestra cultura - un deseo que rara vez fue cumplido en mi niñez. Excepto por James Cameron ocasionalmente”. - Joss Whedon en San Diego Comic-Con en 2011. “I’m not just writing from the female characters for other

people. I have a desire to see them in our culture -- that was not met for most of my childhood. Except occasionally by James Cameron.” - Joss Whedon at the 2011 San Diego Comic-Con Si mas y mas escritores y directores masculinos siguieran esta tendencia, quizás el publico general empezaría a asimilar que si una mujer puede estar al mando delante de la cámara, quizás también podría sobresalir en su trabajo tirando de los hilos y dando órdenes desde la silla del director. If more and more male writers and directors would follow this trend, maybe the general public will start considering that if women can be in charge when acting in front of the camera, maybe they could also excel when pulling the strings and calling the shots from the director’s chair. Todo el mundo debe cambiar la percepción del papel de la mujer en la sociedad antes de que el cine o cualquier otra forma de arte pueda liberarse de esta opresión. Pero, podría una mayor demanda de cine hecho por mujeres tener un efecto positivo sobre el papel de la mujer en el desarrollo del siglo 21? Everybody must change their perception of women in society before cinema and any other forms of art can get rid of this oppressing situation. Could a higher demand for female crafted cinema have a positive effect on the role of females in the development of the 21st century?

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RAYMOND DEPARDO 18 HUMANIZE

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La filmaci贸n en libertad Freed Film Por // By: Natalia Garc铆a Traducci贸n // Translation: Karla D. Romero

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Raymond Depardon nació en un pequeño pueblo francés, Villafranche sur Saône, en el 1942. Cuando contaba con tan sólo 17 años ya trabajaba como fotógrafo (con nómina) en París. Entró en el mundo audiovisual cubriendo conflictos bélicos y filmando reportajes. A los 21 años rodó su primer reportaje, Venezuela (1963). A partir de ese momento convivirá con ambos modos de retratar y captar la realidad: a través de la imagen fija y la imagen en movimiento. Raymond Depardon was born in the small French town of Villafranche sur Saône in 1942. At the young age of 17, he was already working as a professional photographer in Paris. He entered the audiovisual world by covering wars and filming conflicts. At 21 he filmed his first report called Venezuela (1963). From that moment on, he has lives with both of those methods of portraying and capturing reality: through a still image and a moving image. Fue uno de los fundadores de la agencia Gamma (1966) y desde 1979 es miembro de Magnum. En 1982, con su película documental San Clemente, se sitúa como director de cine de referencia. He was one of the founders of the Gamma agency in 1966 and since 1979 he has been a Magnum photographer. In 1982, with his documentary San Clemente, he became a reference as a film director. Su cine se podría considerar como un cine directo (Frederick Wiseman), tardío, en el que asume esa manera de filmar del cine directo, pero haciendo una relectura. Igual que Wiseman, considera que el sonido es muy importante, que guía a la filmación, le da sentido y fuerza para la escena cuando el personaje se halla fuera de campo, con el plano vacío. A lo que reniega el cineasta francés del cine directo es la recreación de escenas que no han sucedido, es decir, “inventarse” la escena que pudo ser o que fue pero no se filmó. Escenas que se construyen en la sala de montaje con el material bruto filmado. His work could be considered direct film (Frederick Wiseman), late, where he assumes the form of direct film, but by doing a re-lecture. Just as Wiseman, Depardon considers sound to be very important, as it guides the process of filming, it gives the scene sense and strength when the character is off camera, with an empty shot. What the French filmmaker refuses to apply from direct film is the recreation of scenes that have not occurred. In other words, he doesn’t “make up” scenes that “could have been,” or that did occur and were not filmed. Scenes that would have to be constructed on a set with raw filmed material. La fórmula de Depardon radica en ser paciente y observador, aguantar el plano hasta que el personaje baje la guardia y se muestre tal cual es. En su primer largometraje, “Une partie en campagni”e (sobre la campaña electoral hacia la presidencia en Francia de 1974, donde se disputaban Valéry Giscard d’Estaing, el retratado, y François Mitterand) es un claro ejemplo de ello, un documental que será censurado y que se estrenará 28 años después.

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Depardon’s formula consists in patience and observation, to hold the shot until a character lets their guard down and shows how they really are. In his first full-feature film, “Une partie en campagnie” (a film about the French presidential election campaign in 1974, where Valéry Giscard d’Estaing, the candidate depicted in the film, and François Mitterand were running) is a clear example of that, a documentary that was censored and released 28 years later. Con su cámara se adentra a lugares donde nadie se atrevería a ir o estar rodando. En su cortometraje dentro de la serie “Contacts” se describe: “Me gusta observar… Un fotógrafo es un voyeur. Yo soy un voyeur, quien mira lo que a la gente no le gusta ver”. With his camera, Depardon enters where no one else dares to go, let alone shoot. In his first short film, which was part of the “Contacts” series, he describes himself: “I like to observe… A photographer is a voyeur. I’m a voyeur who looks at what people don’t like to look at.” Es capaz de estar sentado horas en un rincón, sin moverse, haciendo planos fijos y a distancia. En “Urgences”, tras largos momentos de espera, en un lugar donde había que filmar de forma inmediata, los acontecimientos sucedían de imprevisto, retrata a aquellos que el orden público considera como “locos”. Alcohólicos, drogadictos, pobres… que llegan a la sala de urgencias del hospital. Gracias a ese retrato basado en el tiempo, nos muestra a aquellas personas que viven con otro ritmo de vida, ya que su tiempo parece que se haya parado. He is able to sit for hours in a corner, without moving, shooting a static shot from a distance. In “Urgences,” after long moments of waiting, in a place where it was necessary to film immediately, everything happened in an unexpected way, he films the depiction of those who society considers “crazy.” Alcoholics, drug addicts, the poor… who go to the emergency room. Thanks to that portrayal based on time, he shows us those people who live with a different rhythm of life, since it seems as if they were frozen in time. Depardon da y ofrece esa espera que necesitan, para que nosotros, espectadores, les acojamos, les admiremos y veamos lo entrañables que son. Ya no vemos a una persona loca, vemos a alguien preocupado, solo, con el que sentimos empatía o incluso podemos vernos reflejados. Los planos son fijos, a penas hay montaje. Con anterioridad, el cineasta había realizado una serie de fotografías en hospitales psiquiátricos y sentía algo personal que le motivaba para darles voz y averiguar de donde venía y quienes eran aquellos que acababan en dichos lugares. El resultado es el ofrecido: cualquier persona. Depardon gives and offers that wait that they need, so that we, the spectators, take them in, admire them and see how endearing they are. We no longer see a crazy person, we see someone who is worries, alone, with whom we feel sympathy and even see ourselves reflected in them. The shots are static; there is barely any editing. Prior to making this film, Depardon had taken a series of photographs in psychiatric hospitals and felt something personal that motivated him to give them a

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voice and find out where it came from and who were those people that ended up in those places. The result is what is seen: anyone. La cámara como cómplice o enemiga del retratado en “Faits Divers”, “Délits Flagrants” y en “10è Chambre-Instants d’audience”, aunque ésta no interviene, simplemente está. El hecho de estar, hace que aquel que se muestra quiera establecer una relación con quien está detrás de la cámara (ya sea el cineasta o el espectador), dejando de lado la soledad en la que realmente vive. Tres largometrajes que dialogan entre sí. “Faits Divers” gira casi todo el largometraje en cuestiones que se tratarían desde una comisaría de policía. “Délits Flagrants” es la entrevista entre el presuntamente culpable (de pequeñas faltas o delitos) y su abogado. Y “10è Chambre-Instants d’audience” es lo que ocurre en una sala de juicio. The camera as an accomplice or enemy in the portrayed “Faits Divers,” “Délits Flagrants,” and in “10è Chambre-Instants d’audience,” although it does not intervene, it is simply there. The fact that it is there makes the person being filmed to want to develop a relationship with the person behind the camera (whether it be the filmmaker or the audience), putting aside the loneliness of their real life. Three feature films that converse amongst themselves. “Faits Divers” revolves around issues dealt with in a police station. “Délits Flagrants” is the interview between the accused (misdemeanors and infractions) and their lawyers. And “10è Chambre-Instants d’audience” is what takes place in a courtroom. En “Profils paysans” y “Vie modern”, rodadas con siete años de diferencia, retrata a aquellos que son prácticamente invisibles en la vida cotidiana urbanita o medio urbana. Se traslada al mundo rural, a pequeños pueblos en los que, se podría decir, cada pueblo o casa es un país. No filma en un lugar elegido al azar, Depardon como buen conocedor de la vida de campo, sabe cual es la estancia más íntima de la casa: la cocina, lugar dónde solo los muy allegados acceden. Perfiles de campesinos jóvenes, mayores y de mediana edad. Aquí sí que hay un diálogo entre cineasta y personajes. Depardon pregunta, guía la conversación, pero nunca sale en plano. “Vie modern” (2008) es la vuelta a los lugares donde rodó “Profils paysans” (2001). Es el qué fue de ellos, ¿siguen igual? ¿se han ido del campo? In “Profils paysans” and “Vie modern,” filmed seven years apart, portray those who are practically invisible to the rest of the everyday lives of urban and semi-urban societies. It shifts to a rural setting, to small towns where, one could say, each town and home is its own country. He does not film in a random place, Depardon, well acquainted with rural life, knows where the most intimate place in a home is: the kitchen, a place where only very close to each other gather. Profiles of young, middleaged and old farmers. Here, there is definitely a dialogue between filmmaker and characters. Depardon asks the question, guides the conversation, but never the shot. “Vie modern” (2008) is the return to the places where he filmed “Profils paysans” (2001). It was the, “Where are they now?” Are they the same? Have they left the country? La última película documental realizada por Raymond Depardon es una especie de autobiografía, codirigida con su esposa

Claudine Nougaret. Fue ella que, a raíz de encontrar antiguas latas de las películas, le propuso la idea de hacer un recorrido de su carrera con aquel material descartado. Así, Claudine y Raymond realizan un viaje en el tiempo y un trayecto por la Francia actual. Se establecen dos tiempos: el actual que nos muestra al director retratando, con su cámara de gran formato, espacios de su país, y el pasado a través de un material inédito que fue desechado en la sala de montaje, de sus películas. Una entrañable y curiosa película llamada “Diario de Francia” (2012) en el que se redescubre al fotógrafo-director a través de sus memorias, donde convive la voz de una historia de amor y la historia del siglo veinte. The last documentary film directed by Raymond Depardon is somewhat autobiographical, co-directed with his wife, Claudine Nougaret. It was she who, after finding old cans filled with film, proposed the idea of putting together an overview of his work with that discarded material. Claudine and Raymond take a trip in time and a trajectory through today’s France. Two time periods are established: the current one that shows the director depicting spaces in his country with a large format camera, and the past through unedited material that was tossed to the side in an editing room, of his own films. It is an intimate and curious film called “Journal de France” (2012; “Diary of France” in English) where the photographer-director is rediscovered through his memories, where the voice of a love story and of the twentieth century live in unison. Se puede decir, para concluir, que Raymond Depardon en cine filma instituciones para narrar historias personales y en fotografía retrata personas para mostrarnos la vida de un país. To conclude, it could be said that Raymond Depardon, in film, shoots institutions to narrate personal stories and, in photography, he creates portraits of people to show us the life of a nation.

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gonzรกlez PABLO trejo Por // By: Karla D. Romero

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Nacido en Cuba en 1973, la obra de Pablo González-Trejo refleja una multitud de voces y todas son suyas. Con una educacion que le llevo de Cuba a Venezuela, de ahi a Estados Unidos, después otro ajuste a Francia, y otra vez de vuelta a EEUU, hasta volver a Francia en 2007 (donde reside actualmente), González-Trejo ha combinado la inocencia de su vida en Cuba y su tiempo en EEUU, lo cual se puede ver en las referencias a la cultura popular en algunas de sus pinturas, con aspectos de la seriedad y constante innovadora cultura francesa, también visible en su obra. Actualmente tiene un estudio en Paris y forma parte de la comunidad artística, con proyectos como Desfigurar Arte, donde desfigura literalmente las caras de varios personajes icónicos como Marilyn Monroe y varias figuras políticas de todo el mundo.

Born in Cuba in 1973, Pablo González-Trejo’s work reflects a multitude of voices that are all his own. With an upbringing that took him from Cuba to Venezuela, then to the United States, then another readjustment to France from the U.S., and then back to France in 2007 (where he lives today), González-Trejo has combined the innocence of his time in Cuba and his time in the U.S., seen in his pop-culture references in several of his paintings, with the seriousness and ever-changing aspects of French culture, also visible in his work. He owns a studio in Paris and is an active part of the art scene, with projects such as the Defacing Art Project, where he literally defaces a wide range of iconic individuals, such as Marilyn Monroe and many political figures from across the globe.

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nick nazzaro Por // By: Karla D. Romero

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Nick Nazzaro es un ilustrador nacido y criado en Boston, Massachusetts (EEUU). Como hijo de dos artistas, se ha pasado la vida dibujando y siempre ha sido rodeado por apoyo familiar. Fue a la Academia de Arte de Boston durante el instituto para desarrollar su pasión. Durante esos años, fue decidido que iba a ser artista, sí o sí. Actualmente está estudiando en el Art Institute de Boston para obtener una licenciatura en bellas artes y terminará en mayo del 2014. Su obra está basada en varias narrativas, de temas sociales a mundos imaginados. Fuera de la universidad, Nick ha ganado varios premios por su obra y este año tendrá varias exposiciones en Boston, Nueva York y Tel Aviv. Nick Nazzaro is an illustrator born and raised in Boston, Massachusetts. The son of two artists, he grew up drawing with nothing but support. For high school, he attended Boston Arts Academy to further develop his passion. During those years it was decided he would become an artist, no matter what. He is currently earning his BFA as an illustration major from the Art Institute of Boston and should graduate May of 2014. His works are based on various narratives, ranging from social issues to imagined worlds. Outside of school, Nick has won numerous awards for his artwork, and this year he will be showing at galleries in Boston, New York, and Tel Aviv.

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TED oonk Por // By: Karla D. Romero

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¡Hola Ted! ¡Muchas gracias por hacer esta entrevista! Así que eres una artista holandesa que vive en Bélgica. Cuéntanos un poco más sobre tu historia. // Hi Ted! Thank you very much for doing this interview! So, you’re a Dutch artist / photographer living in Belgium. Tell us more about your background. Honestamente, esta pregunta siempre me parece difícil porque nunca sé cuando empieza mi historia y cual es su relevancia. En general te puedo decir que me crié en Tailandia y Omán, que vine a Holanda cuando tenía unos nueva años. No existe una gran conexión entre Holanda y su cultura para mi. Para explicarte por qué vine a Bélgica, tengo que empezar con mi educación. Después de hacer un Máster en fotografía, decidí aumentar mi conocimiento visual, estético y en estudios de cine en la Universidad de Amberes. Sentía que necesitaba más teoría en relación a mi obra y sus conceptos. Después de terminar el Máster, decidí quedarme y trabajar en Bélgica y es estupendo, por ahora. To be honest I always find this a difficult question, because I never know when a background starts and what the exact relevance of it is. In general I can tell you that I grew up in Thailand and Oman, I came back to the Netherlands when I was around nine. A strong connection with the Netherlands and its culture is quite absent. To tell you more about why I came to Belgium I have to start with my education. After my professional Master in photography I decided to deepen my knowledge in visual, aesthetics and film studies at the University of Antwerp. I found I needed more theoretical background in relation to my work and its concepts. After I finished my academic Master I decided to stay and work in Belgium and it’s great, for now! ¿En qué momento te empezó a interesar la fotografía? // How did you first become interested in photography? No, no empece cuando era pequeña, y no, ni mi padre ni mi abuelo me regalaron una cámara antigua. No tengo una historia extraordinaria relacionada a mi relación con la fotografía. Empecé en la academia de arte y después de un año pintando, dibujando y haciendo serigrafías, etc., empecé a usar la fotografía poco a poco para archivar mi obra y lo usaba como material de boceto. A partir de eso, la fotografía se ha convertido poco a poco en una extensión de mi misma. No, I did not get started when I was still a little kid, and no, I didn’t get an old camera from my father or grandfather. No extraordinary story about the history of my engagement to photography. I started the art academy and after one year of painting, drawing and silk screening etc., I slowly start using photography to archive my other work and use it as sketch material. From that point on photography just slowly grew as were it a part and extension of myself. ¿Cuál es tu cámara preferida y por qué? ¿Usas otras cámaras? ¿Cuáles?// What is your favorite camera and why? Do you user other cameras? Which ones? Mi Hasselblad. El negativo es de 6x6 centímetros, así que son cuadradas y en efecto iguales y sin preferencia. Una pequeña noción conceptual, la cual me parece interesante y también está

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presente en mi obra. Para mi video y bocetos, uso una Canon 5D MII, siempre me siento muy afortunada cuando la uso!

these images embody underlying themes that are present in a lot of my work and hadn’t yet been appointed.

My Hasselblad. The negatives are 6x6 centimeters, so they are square and therefore equal and without preference. A small conceptual notion which I think is interesting and also present in my work. For my video, commissioned and sketch work I use a Canon 5D MII, always feel very lucky to use it!

¿Tienes alguna influencia directamente de la fotografía? ¿Quién? Y, ¿por qué? // Do you have any influences in photography? Who and why?

Cuéntanos sobre tu hermana y su obra fotográfica. // Tell us about your sister and her photographic work. Mi hermana pequeña, Pim, tiene Síndrome de Down. En 2009 empecé un proyecto grande titulado “Esto no es sobre ti”, sobre mi hermana y conceptos de estigmatización, caracterización y estándares en general. Para investigar y para darle voz a mi hermana, le di una Polaroid y le dejé sacar fotos, conocido como el sub-proyecto, “Percepciones instantáneas”. Estas fotos son tan importantes como las mias. Es interesante para mi como su hermana ver lo que ha ella le parece importante para fotografiar. Al final, sigue siendo un misterio a la hora de saber el por qué de cada cosa que fotografía. Ese concepto en si es lo que hace que este sub-proyecto sea poderoso e interesante. Pero mds importante auun es el hecho de que es arriesgado llegar a alguna conclusión con estas imágenes. La verdad dolorosa es que seguramente nunca sepa lo que ocurre en su cabeza. Lo único que puedo hacer es mostrar sus imágenes con las mías para componer un componente entero mejor. My youngest sister, Pim has Down Syndrome. In 2009 I started with the large project “This is not about you,” which is about my sister and concepts of stigmatization, categorization and standards in general. In order to do research and also let my sister speak I gave her a Polaroid camera and let her shoot, known under the sub-project “Instant Perceptions.” These photos are as important as mine. It is interesting for me as a sister to see what she considers worth photographing. In the end it’s still a mystery to understand why she took pictures of one thing and not another. This is also the strong and interesting part of this sub-project. But more important, it is risky to draw conclusions from these images. The painful truth is that I’ll probably never know what’s going on in her head. The only thing I can do is show them together with my photographs to compose a better whole. ¿Qué te motivo a sacarle fotos a tu hermana? // What motivated you to start taking pictures of your sister? Empecé a retratar a mi hermana hace unos seis años. Era una manera de ver como se hacía mayor y ver la evolución de su cuerpo y su cara. Lo vi como un archivo mas de memoria para mi familia, y porque pienso que es preciosa, por supuesto. No sabía entonces lo que hacer con todo ese material, hasta que me di cuenta de que estas imágenes personificaban temas subyacentes que están presentes en mucha parte de mi obra y aún no habían sido asignados. I started about six years ago with portraying my sister. It was a way to remember her growing up and see the evolution of her body and face. I saw it as an extra archive of memory for my family, and of course because I think she is beautiful. I didn’t know yet what to do with all the material, till I found out that

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Influencias… algo difícil. En general, creo que la fotografía es como una memoria colectiva. Algunas fotos siempre te van a recordar algo y otras menos. Normalmente me inspiran diferentes partes de obras artísticas, siento una conexión con una pequeña parte de una obra. En general me inspiran más el cine y los vídeos. Me muevo con la historia, el estilo y la duración y así capto elementos que conscientemente o no me inspiran. Influences… difficult question. I think in general photography is like a collective memory. Some photos will always let you think of something and others less. I usually get inspired by different parts of artworks, I feel a connection with a small part of a work. In general I’m more inspired by movies and videos. I move along in the story, style and duration of it and therefore grasp elements that conscious or not inspire me. ¿Tienes un proceso de composición cuando sacas fotos? Si es el caso, ¿nos lo podrías explicar? // Do you have a composition process when shooting? If so, could you describe it? Para nada. Puede ser descrito como un proceso fluido, así que no, no tengo un proceso. Lo que te puedo decir es que al ver mi obra, es muy directa, derecha y enfrente del sujeto. Pero creo que para captar eso tienes que moverte y sentir lo que te parece mejor. Si conoces al sujeto/concepto y estas completamente dedicada a ello, fotografiarlo será algo innato. Not at all. It can be best described as a fluent process, so no I don’t have a method. What I can say is that looking at my work it is very straight forward, mostly direct and in front of the subject. But I think you partly have to go by moving around and feeling what’s best. If you know you subject/concept and are completely dedicated to it photographing will go without saying. Has hecho mucho más que fotografiar, como vídeo arte. Cuéntanos un poco más sobre esto. // You’ve done more than just photography, such as video art. Tell us a bit more about this. Mi práctica artística es un proceso punteado e intertextual, aunque mi aprecio hacia la fotografía es inmensa. Por regla general, mis fotos son un punto de partida y de ahí es un proceso flexible y sin estructura. El video cuenta una historia diferente que no se puede contar con fotos. En mi obra, el video tiene un carácter mas reflectado y examinante, y tengo que reconocer que mi práctica está cambiando un poco en un sentido menos fotográfico y conceptual. My art practice is a stippling and inter-textual process, although my appreciation of the medium photography is great. Mostly my photos are a starting point and from that on it is a flexible and unstructured process. Video tells a different story which can’t be told by photos. In my work, video has a more

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reflective and examining character, and I have to say that it seems my practice is changing a little in a less photographic and conceptual way.

interesting because it focuses on our categorized thinking. I started and still do question myself, is it even possible to understand her view by classifying her images?

Cuéntanos sobre los diferentes lugares donde has hecho fotos. ¿Cómo y por qué has elegido esos lugares? // Tell us about the different locations you’ve photographed. How and why did you choose these places?

Has viajado por todo el mundo y has fotografiado una gran variedad de lugares. ¿Cuál ha sido tu preferido y por qué? // You’ve travelled the world and photographed a wide variety of places. Which was your favorite and why?

Todos los lugares donde he estado han sido en el contexto de algún proyecto especial. Viajar a una localización tiene que añadir valor y ser una necesidad para el proyecto. Por ejemplo, mi viaje a Orlando, Florida fue bajo el contexto de una obra que hice sobre el derrumbado hospital pediátrico y psiquiátrico de niños “Sunnyland”, el cual fue cerrado por abuso de los niños. Debido a los temas generales de mi obra, esto me intrigaba y así empezó el proyecto. Para mi era importante viajar a este sitio en particular porque había mucho que contar, especialmente sobre la extraña sensación del lo que queda del sitio, vacío y los supuesto fantasmas que siguen ahí. Quería sentir esto así que, ¡tuve que ir! All the places I have been to were in the context of a special project. Traveling to a location has to add value and be of necessity for the project. For example, my journey to Orlando, Florida was in context of a work a made about the demolished psychiatric children’s hospital “Sunnyland,” it was shut down for child abuse. Regarding the general themes in my work this was intriguing and so my project started. For me it was important to travel to this specific site because there were many remaining stories, especially about the uncanny feeling of the remaining empty site and possible ghosts who are still warding. I wanted to feel this myself and therefore I had to go there!

En realidad no. Creo que como viajera o invitado temporal, a veces es mejor no tener un lugar preferido. Esto influye tu experiencia y la manera en la que ves los sitios, te quedas enrollado en comparaciones constantes. Sí es verdad que tengo pasión por algunos paisajes. El vacío de ambientes en algunos países árabes me emociona, las características de un desierto cercano tiene un lugar especial en mi mente. También he estado en China un par de veces, un país que me intriga muchísimo.

¿Cuál es la historia detrás de “Percepciones instantáneas”, tu libro de fotografía? // What’s the story behind Instant Perceptions, your photography book? La publicación de “Percepciones instantáneas” contiene fotos hechas exclusivamente por mi hermana, Pim. Este proyecto empezó para intentar entender su punto de vista, el mundo que le rodea, pero también a nosotras como familia. Así que en el verano del 2009, le di una Polaroid. No habían restricciones y podía capturar lo que quisiera. En el proceso de entender, analizar y reflejar sobre sus imágenes, las estructuré en categorías, como “family por Pim”, y “cosas por Pim”. Un método que de alguna manera es restrictivo y por lo tanto interesante porque se enfoca en nuestra manera de pensar en categorías. Me preguntaba y sigo pensándolo, ¿a caso es posible entender su punto de vista a través de la clasificación de sus imágenes? The publication “Instant Perceptions” contains only photographs made by my sister Pim. The starting point of this project was to try and understand her view, the world around her but also on us as a family. So in the summer of 2009 I gave her a Polaroid camera. There were no restrictions and she may capture anything she liked. In the process of understanding, analyzing and reflecting on her images I structured them in categories, like “family by Pim,” “friends by Pim,” and “stuff by Pim.” A method that is restrictive in a way and therefore

Actually I can’t tell. I think as a traveler or temporary guest sometimes it is best to not have a favorite. This influences the way you look and experience, you’re caught up in a constant comparison. I do have a love for some landscapes. The emptiness of the environment in some Arabic countries gets to me, the characteristics of the desert hereby beholds a special place in my mind. I also have been to China a couple of times, which is a country that intrigues me very much. En agosto parte de tu obra va a estar en el Museo de Arte Contemporáneo de Indianápolis y tenemos muchas ganas de verlo. ¿Tienes otros proyectos planeados que podamos esperar en un futuro? // In August some of your work will be in the Indianapolis Museum of Contemporary Art and we’re very excited to have it here! Do you have any other future projects that we should look forward to? ¡Si! En octubre viajo a Seúl, en Corea del sur para hacer una residencia artística en el Estudio Nacional de Arte, cuyo programa pertenece al Museo Nacional de Art Contemporáneo de Seúl. Fui elegida con una propuesta para hacer un proyecto para encabezar un archivo (¡el tipo de archivo es un secreto aún!). Estaré allí durante tres meses y viajare a China y a Australia para trabajar y hacer exposiciones. Yes I do! In October I’ll travel to Seoul, South Korea to do an artist in residency at the National Art Studio which is the residency program of the National Museum of Contemporary Art in Seoul. I was selected with a proposal for a large new project on starting an archive (still a little secret what kind of archive!). I’ll stay for three months in Seoul and probably travel along to China and Australia for future exhibitions and work! Y por fin, ¿cuál es tu comida preferida? ¡De lo que se come se cría! // And finally, what’s your favorite food and why? You are what you eat! Me gustan muchos tipos de comida y me crié comiendo de todo. Pero si tuviera que elegir, me harías feliz con gambas y comida tailandesa en general. I’m fond of a lot of different kind of foods and grew up eating everything. But if I have to choose you can make me happy with shrimp and Thai food in general.

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Por// By: Belma H-F León Fotos // Photos: Belma H-F León Ilustración // Illustration: Irene A. Canalís Traducción // Translation: Karla D. Romero En las recetas de este número he explotado, literalmente, a mi madre. Ha sido la que ha elegido los platos y los ha elaborado. Yo a su lado, observaba y grababa sus pasos. ¡Gracias, madre! In this issue’s recipes I’ve literally exploited my mother. She was the one that chose the food and made it. I watched and recorded her steps by her side. Thanks, mom! Si hay un plato que me vuelve loca es la tortilla. Y si viene por partida doble, muchísimo mejor. En esta ocasión tenemos una tortilla de papa y jamón sobre otra de calabacín, acompañado de una salsa de tomate casera. Sólo puedo decir: IM-PRESIONANTE.

1 Lavamos y cortamos el calabacín en dados // Wash and cube the zucchini

If there’s one dish that drives me crazy, it’s the Spanish omelet, also known as Tortilla Española (Tortilla from Spain). And if there are two, even better. For this recipe, we have a potato and ham Tortilla Española stacked on top of a zucchini Tortilla Espanola, accompanied by a homemade tomato sauce. I can only say: IM-PRESSIVE.

3 Pelamos las patatas y la cortamos en trozos pequeños // Peel the potatoes and cut into small pieces

4 Retiramos el calabacín y escurrimos

bien el agua // Remove the zucchini and drain well

Ingredientes // Ingredients • 6 huevos grandes // 6 large eggs • 3 papas grandes // 3 large potatoes • 2 calabacines medianos // 2 medium zucchinis • 2 cebolletas // 2 scallions • 3 lonchas de jamón // 3 slices of cooked ham • Aceite de oliva // Olive oil • Sal // Salt

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2 Ponemos agua a hervir con un poco de sal y añadimos el calabacín, guisamos durante unos 10 minutos // Boil the zucchini with a pinch of salt for about 10 minutes

8 Batimos 3 huevos y añadimos una parte de la cebolleta, la papa y el jamón //Beat 3 eggs and add part of the scallions, potatoes and ham

10 Calentamos la sartén con un chorrito de aceite. Cuando esté caliente ponemos la primera tortilla. La dejamos hacer bien por un lado para luego darle la vuelta. Hacemos lo mismo con la otra // Warm some olive oil in a pan. When it’s hot, place the first tortilla mix and let it cook well on one side in order to turn it later. Do the same with the other tortilla mix

5 Freímos las papas // Fry the potatoes

6 Cortamos la cebolleta en dados, la doramos en la sartén y retiramos // Cube the scallions, fry until golden and remove from pan

9 Hacemos los mismo en otro 7 Cortamos el jamón en dados pequeños // Cube the ham into small pieces

recipiente con los otros huevos y añadimos el resto de la cebolleta y el calabacín. Mezclamos bien // Do the same with the rest of the eggs and add the remaining scallions and the zucchini in a separate bowl. Mix well Presentamos las tortillas una encima de la otra, en medio podemos colocar la salsa que más les guste. En este caso una buena salsa de tomate casera // Place one tortilla on top of the other and in between you can add whatever sauce you like most. In this case, a delicious homemade tomato sauce ¡Qué aprovechen! // Enjoy!

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Ingredientes // Ingredients • 1 tableta de chocolate intenso de postre // 1 tablet of baker’s dark chocolate • 5 huevos // 5 eggs • 2 cucharadas de cacao amargo // 2 tbsp. bitter cacao • 1 chupito de licor de naranja // 1 shot of orange liqueur • Jugo de una naranja // Juice from one orange • 50g de mantequilla // 50g of butter • 100g de azúcar // 100g of sugar • 100g de nueces // 100g of walnuts

Por// By: Belma H-F León Fotos // Photos: Belma H-F León Ilustración // Illustration: Irene A. Canalís Traducción // Translation: Karla D. Romero Soy adicta al chocolate, no lo puedo evitar, pero sobre todo del chocolate negro y del que queda a medias entre el de leche y el negro. El chocolate con leche y el blanco para ustedes.

2 Separamos las claras de las yemas // Separate the egg whites from yoke

1 Ponemos la tableta de chocolate al baño maría junto con el chocolate amargo y la mantequilla // Place the chocolate tablet with the bitter chocolate and the butter in a double boiler

I’m a chocolate addict, I can’t help it, but especially dark chocolate and the one in between dark and milk chocolate. You guys can have white and milk chocolate. Este es uno de mis postres favoritos, lo hacía mi madre desde que era pequeña. Y es ella la que se ha encargado de hacerlo mientras yo no perdía detalle de sus pasos. This is one of my favorite desserts, my mother has been making it since I was a little girl. And it was her who has made it for this issue while I paid close attention to each step. ¡Gracias madre por ayudarme con las recetas de este número! Thanks for helping me with the recipes in this issue! Aquí va la receta del Bombón Gigante, ¡yuuum! Here is the Giant Bonbon recipe, YUM!

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3 Batimos las claras hasta que estén a punto de nieve // Beat the eggs to form peaks

4 Añadimos el azúcar y seguimos

8 Cuando terminemos de poner las yemas, añadiremos poco a poco el chocolate. Con una espátula de silicona vamos a ir mezclando despacio, haciendo movimientos envolventes (es muy importante que los huevos no se bajen, para no perder la textura) // When we’re done pouring the yokes, add the chocolate little by little. With a silicone spatula, mix slowly, making circular movements (it’s very important that the eggs don’t sink, in order to not lose the texture)

batiendo // Add the sugar and keep beating

5 Una vez el chocolate esté derretido le añadimos las nueces, el licor y jugo de naranja y revolvemos // Once the chocolate has melted, add the walnuts, liqueur and orange juice and mix well

7 Seguido, añadimos en las claras las

yemas poco a poco mientras batimos despacio, para no perder la textura // Then we add the yoke into the egg whites little by little while beating slowly, in order to not lose texture

9 Una vez este bien mezclado, lo ponemos en unos cuencos y los metemos en la nevera a enfriar un mínimo de tres horas // Once it’s mixed well, pour into several bowls and place in the fridge for a minimum of three hours ¡A disfrutar! // Enjoy!

6 En las claras a punto de nieve rallamos una naranja (sin llegar a la parte blanca, que amarga) // Grate orange peel in the stiff egg whites (without reaching the white part of the orange, it’s too bitter)

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19 Por // By; Laura P茅rez Calle Traducci贸n // Translation: Karla D. Romero

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Llevo varias horas intentando desprenderme de este olor a canción triste. Parecía fácil.

For several hours I’ve tried to get rid of that sent of a sad song. It seemed easy.

Me he quitado el reloj esta mañana y lo he dejado en la estantería del baño, entre peines y cremas, para que descanse.

I took off my watch this morning and left it on a shelf in the bathroom, between combs and lotions, so it could rest.

He caminado algunos metros durante el día muy abierto, muy lunes. He caminado pensando que, a veces, no tengo nada que decir.

I walked a few meters during the day so open, so Monday. I walked thinking that, sometimes, I have nothing to say.

En días como hoy de repente acierto, y sé que estoy molesta.

On days like today I’m right all of the sudden, and I know I’m bothered.

Es una forma de rabia. Como intentar explicarle a alguien lo que está sonando. Como encontrar en la soledad una costumbre y un refugio, normalizar, saber que no es un drama.

It’s a type of rage. Like trying to explain to someone what that sound is. Like finding in loneliness a habit and a refuge, normalize, to know that it’s not a drama.

Hoy simplemente me he cambiado el pelo para sentir lo mismo.

Today I simply changed my hair to feel the same thing.

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“TU, YO, JOE SCHMO, Y CUALQUIERA QUE HAYA SIDO EXPUESTO A MICHELANGELO”: UNA CONVERSACIÓN CON ESTEBAN DEL VALLE Y JACOB SUNDERLIN “ME, YOU, JOE SCHMO, AND ANYONE WHO HAS BEEN EXPOSED TO MICHELANGELO”: A CONVERSATION WITH ESTEBAN DEL VALLE AND JACOB SUNDERLIN Parte II - Part II Traducción // Translation: Iñigo Martínez

EDV: Sí, ¿cómo es esa frase tan genial? “No puedes juzgar una filosofía a través de aquellos que la usaron equivocadamente”. Pero la belleza del arte es que nunca ha habido nada considerado como arte erróneo en la historia. Pero la evolución del arte ha sido un movimiento activo dirigido hacia esa idea de que no hay un arte erróneo. Como resultado, no hay ninguna institución que haya oprimido a la gente por nosotros. Hay vocaciones muy fuertes en religión, política, instituciones organizadas - la educación por ejemplo, los educadores son muy vocacionales - pero lo que estaba diciendo es que el arte está libre de cualquier bagaje institucional o relación con la historia de opresión, lo que le permite reflejarse en el caos, lo sublime, etc. y nos ayuda a aceptar y comprender las cosas. Los Medici claramente orientaron el Renacimiento y de este modo el resto de nuestra historia, pero el hecho es que las interacciones con el trabajo que ellos promocionaron son tan variadas, que yo, tú, Joe Schmo y cualquier persona que haya sido expuesta a Michelangelo tiene una relación diferente con él fuera de la ideología. Por ello, es casi como si el arte fuera una antesala para poder comprender lo sublime. EDV: Yeah, what’s the great quote? “You can’t judge a philosophy by those who have used it wrong.” But the beauty of art is that there’s never been labeled a notion of wrong art, historically. But the progression of art has been an active movement toward that idea that there is no wrong art. As a result, there is no institution that has oppressed people for us. There are high callings within religion, politics, organized institutions—education, educators have a high calling—but I think what I was saying is that art is free of institutional baggage and relationship to a history of oppression that allows it to reflect on chaos/sublime, etc., and help us digest things. Of course art has been a product of institutions. The Medici family clearly dictated the renaissance and thus the rest of our history, but the fact is the interactions to the work advocated through them has been so accessible that me, you, Joe Schmo and anyone who has ever been exposed to Michelangelo can have a relationship to it outside of ideology. As a result of that, it almost seems like art is the forefront of digesting sublime. Tengo una pregunta en dos partes; cuál es la relación entre la escritura y el caos/lo sublime, y cómo se relaciona con el papel de lo ordinario. I have a two part question: how to place writing in relationship to chaos/sublime, and how do you relate it to the role of the ordinary. JS: ¿Qué es lo ordinario? Esto va a sonar un poco hippy, pero me da la impresión de que lo sublime es bastante ordinario. Para mi, al menos, es así. El sentimiento más extraño y alienante es el aburrimiento, que es al mismo tiempo el sentimiento humano más común. Del aburrimiento surge la escritura. El deseo de comunicarse con algo más allá, porque estás lleno de masa existencial, eso viene representado por un papel en blanco que llenas de palabras. Asumes que estás diciendo algo que se necesita decir. Incluso si la respuesta es “Porque lo necesito”, estás haciendo algo que necesitas hacer, porque de otro modo, por qué lo harías. Eso viene de la frustración producida tanto por lo normal como por lo excepcional. Porque, eso es lo que es la escritura. JS: What is ordinary? This is kind of going to sound hippy-dippy, but I feel like the sublime is pretty ordinary. For me, at least,

that’s true. The most abnormal and alien feeling is boredom, which is also the most normal human feeling. Boredom is where writing comes from. The desire to communicate with something beyond, because you’re filled with existential goop, this is represented by blank paper that you fill with words. You’re assuming that you’re saying something that needs to be said. Even if the answer is “Because I need to” then you’re doing something that you need to do, otherwise why would you do it. That comes from a frustration with both the normal and the exceptional. Because, that’s what writing is. EDV: Joder. Eso me deja alucinado. ¡Qué locura! {Risas} EDV: Whoa. That blew my mind. That’s crazy. [Laughs] JS: {Risas} No sé. Cuando pienso en escribir solo puedo pensar en proceso. Cómo fue escrito y de dónde viene. Esa es mi primera pregunta siempre que leo algo: ¿Por qué se escribiría esto? ¿Por qué alguien se sentaría en su mesa y pensaría que yo necesito leer esto? JS: [Laughs] I don’t know. When I think about writing I can only think about process. How it was written and where it’s coming form. That’s my first question any time I read something: Why would this be written? Why would anyone sit down and think that I needed to read this? EDV: ¿En serio? ¿Eso es lo primero que te preguntas al leer? EDV: Really? That’s your first question when you read? JS: En general. Por qué alguien pensaría que tengo que leer eso. A lo mejor es solipsismo. JS: Generally. Why would anyone think that I needed to read this. Maybe it’s solipsistic. EDV: Mola mucho esa pregunta. Cuando miro algo no creo que nunca me haya hecho esa pregunta. {Risas} EDV: That’s a really cool question. When I look at something I don’t think I ever ask that question. [Laughs] JS: ¿Pero sabes lo que quiero decir? JS: Do you know what I mean though? EDV: Ahora sí. Has cambiado mi vida con ese precepto. {Carcajadas}. No creo que nunca haya mirado a una pintura y haya pensado, “¿Por qué alguien sentiría la necesidad de hacer esta pintura?” EDV: I do now. You changed my life with that statement. [Laughter] I don’t think I’ve ever looked at a painting, though, and thought “Why did someone feel the need to make this painting?” Lo que sí que es interesante - y perdona, pero necesito que sigas hablando de esto - lo que sí es que es una locura es de dónde vienes, y lo que estábamos hablando antes en el bar, sobre el entrenamiento vocacional este... What’s really interesting is—and I’m sorry, I really need you to talk more about this—but what’s crazy is your background, and what we were talking about at the bar earlier, about the vocational training thing… JS: Ya JS: Yeah.

EDV: ...y la peluquera... EDV: …and the hair stylist… JS: Ya JS: Yeah. EDV: ....que cuando una persona entra con un teñido horrible, su primera pregunta es “¿Qué intentaba hacer esta persona?” Ese era un pensamiento muy específico que surge como resultado de esa profesión. Casi como si un pensamiento tan abstracto pudiese venir de un estilo de vida tan mundano en general. Es una cuestión muy práctica. Pero como un artista, casi nunca pienso eso. {Risas}. Pero esa es tu primera pregunta. “¿Por qué alguien hace esta mierda?” EDV: …that when a botched dye job comes in, her first question is “What was this person trying to do?” That was a very specific thought that came as a result of that profession. It almost seems like such an abstract thought can come by a very hands-on way of life in general. That’s a very practical question. But as an artist, I rarely think it. [Laughter] But that’s your first question, “Why does somebody make this shit?” JS: {Risas} ¡Sí! Si comparas a un artista con cualquier otra profesión - carpintero, electricista, político, conductor de autobús. ¿Por qué esta persona está conduciendo este enorme vehículo en una ruta fija, cada día a la misma hora? Pues porque la gente necesita trabajar. Hay una respuesta. ¿Por qué este artista parece pensar que se tienen que hacer las cosas de esta forma específica? Eso me llama la atención. JS: [Laughs.] Yeah! If you put artist alongside any other profession—carpenter, electrician, politician, bus driver. Why is this person driving a gigantic vehicle in this set route every single day at the exact same time? Well, because people need to get to work. There’s an answer for it. Why does this artist seem to think they need to set down things in this particular way? That’s of concern to me. EDV: ¿Cómo solucionas eso en tu escritura? EDV: How do you satisfy that in your writing? JS: No tengo ni idea. Es una lucha cada vez, porque siempre estoy pensando que es inútil. No hay una razón. Estoy siendo indulgente JS: I have no idea. It’s a struggle every single time, because I’m always thinking that it’s totally useless. There’s no kind of reason. I’m being indulgent. EDV: ¿Es una preocupación cuando empiezas? ¿En plan, por qué estoy escribiendo esto para empezar? ¿O esperas que surge como resultado del proceso? EDV: Is this a concern when you begin? Why write in this first place? Do you hope it happens as a result of the process? JS: Ya. Creo que es el proceso. Porque el proceso es divertido. Es el proceso de hacerme a mi mismo reír, o sentir algo. JS: Right. I guess it is process. Because the process is fun. It’s the process of making myself laugh, or making myself feel something. Anoche, me desperté en mitad de la noche y no me pude volver

a dormir porque tenía esta curiosa frase en la mente, que decía: “Siempre le digo a la gente que las ballenas no existen” y no podía dejar de pensar en eso. Me hacía reír pensar en alguien diciendo esa frase en voz alta. ¿Por qué pensaría alguien eso? “Siempre le digo a la gente que las ballenas no existen”: Me tuve que levantar y trabajar en eso. ¿Cómo conseguirían probárselo a los demás? ¿Qué les dirían? Así que trabajé en eso, y me sentí genial. Last night, I got up in the middle of the night and couldn’t sleep because I had this funny line in my head, which was “I keep telling people whales don’t exist” and I couldn’t stop thinking about it. It made me laugh to think of someone saying that out loud. Why would someone think that? “I keep telling people whales don’t exist”: I have to get up and work on that. How would they go about proving it to other people? What would they say? So I worked on it, and it felt really great. El problema para mi una vez que ya he tenido la experiencia de ponerlo en el papel, es decidir si lo hice o no por un motivo, si valió o no la pena, ese es el proceso de revisión, posterior al hecho. The issue for me now that I’ve had that experience setting it on paper, I have to decide whether or not there was a reason that I did that, whether or not it was worthwhile, and that’s the revision process, after the fact. EDV: Lo que me llama la atención aquí es la noción de que lo ordinario sea lo sublime. Eso tiene mucho sentido en lo que empiezo a aprender en el campo de la escritura. Como escritor eso es esencialmente lo que se siente. Para poder escribir algo en palabras comunes, tiene que ser de algún modo extraordinario para ti hacerlo. EDV: What I’m drawn to in this is the notion of the ordinary being the sublime. That makes sense so much in what I’m coming to learn in the writing field. Essentially, as a writer that’s exactly what it seems like. In order to put something down in regular words, it has to be in some way extraordinary for you to do it. JS: Nadie quiere oír: “Me levanté por la mañana y me aburría, me pajeé y me tomé el desayuno..” JS: No one wants to hear, “I woke up this morning and I was bored and then I jacked off and ate breakfast…” EDV: ¡Sí que quieren! Pero quieren que suene increíble. {Risas} EDV: But they do, they just want it to sound amazing. [Laughs] JS: ¡Exacto! JS: Exactly! EDV: O mejor, quieren oírlo de modo que les ayude a recordar que eso es lo que hacen y que hay una razón para que lo hagan. A lo mejor lo sublime - y ya estamos usando esta palabra de forma incorrecta seguramente - lo extraordinario es de hecho la no-noción de la pregunta por qué. Lo ordinario proporciona lo extraordinario, porque lo extraordinario surge al preguntar por qué a lo ordinario. ¿Por qué me desperté? ¿Por qué me masturbé? Eso es lo extraordinario. Eso es lo caótico. Eso es lo sublime. EDV: Or, rather they want to hear it in a way that helps them remember that’s what they do and there’s a reason that they

do it. Maybe the sublime—and at this point we’re probably using the word completely incorrectly—but the extraordinary is actually the zero-notion of the why question. The ordinary provides the extraordinary, because the extraordinary is the why question to the ordinary. Why did I wake up? Why did I jack off? That’s the extraordinary. That’s the chaotic. That’s the sublime. JS: Eso es jodidamente fuerte. JS: That’s fucking heavy. EDV: {Risas} EDV: [Laughs] JS: Te hablé de Joe Brainard, ¿no? Fue igualmente conocido como poeta y como artista visual. Hizo unos dibujos de un personaje llamado Nancy... JS: I told you about Joe Brainard, didn’t I? He was maybe equally known as a poet and a visual artist. He drew all these pictures of the cartoon character Nancy… EDV: ¡Ah sí! Cuéntame más. Lo recuerdo. EDV: Oh yeah. Tell me more of that. I remember that. JS: Uno de titula “Si Nancy fuera un chico” - Nancy era un dibujo animado de los años cuarenta que era solo una chica blanca de pelo rizado que hacía varias cosas - y el dibujo era solo Nancy levantándose la falda para mostrar que tenía un pene. Ya está. Otro se llama, “Si Nancy fuera un cenicero” y tiene el filtro de un cigarro metido en la boca. Esos son algunos de ellos. JS: One is titled “If Nancy Were a Boy”—Nancy was this was a cartoon from the forties that was just a curly-haired white girl doing various things—and the painting is just Nancy lifting up her skirt to reveal she has a penis. That’s it. Another is called, “If Nancy Were an Ashtray” and she has a cigarette butt stuck in her mouth. That’s some of them. Tuvo mucho éxito haciendo cosas del estilo, cosas similares, al estilo de Warhol, dibujando compulsivamente etiquetas de 7-Up. Hacía recitales de poesía junto a poetas muy experimentados, y leía el diario escrito en un viaje de autobús de Greyhound de una ciudad a otra. Y solo iba de cómo se aburría en él. Cómo pensaba en pedir un Bloody Mary, o no pedirlo. Tomar esta pastilla, o no tomar esta pastilla. Flirtear con este tío, o no. Es al mismo tiempo totalmente familiar para ti por tratarse del minuto a minuto normal de se una persona, pero no arte. Lo leo y pienso, “Me siento identificado, ¿pero es esto un poema?”. He was really successful doing things like that, similar things, Warholy things, drawing 7-Up labels compulsively. He would do poetry readings alongside really experimental poets, and would read a straight-up journaling of a Greyhound bus trip from one town from another town. And it was just about how he was bored. How he was thinking of ordering a Bloody Mary, or not ordering a Bloody Mary. Taking this pill, or not taking this pill. Flirting with this guy and not. It’s at once both totally familiar to you as being the normal minute to minute of being a human, but not art. I’m reading it and thinking, “I can relate to this, but it is a poem?” Esto no es algo que encuentre en el ámbito artístico de mi

vida, y para que esté en ese ámbito - que es lo que él hizo, él dijo voy a ir a este recital y voy a leer este diario. Lo más famoso fue “Yo recuerdo” y eran ciento cincuenta páginas de él diciendo frases que comenzaban con “Yo recuerdo”. Como, “Yo recuerdo el sonido de unas puertas cerrándose de golpe” o “Yo recuerdo lo bueno que es un vaso de agua después de tomar helado de vainilla”. Todas estas cosas se presentan de forma más o menos igual, y se les da un peso equitativo, dispersadas equilibradamente a lo largo de una extensa disertación. This isn’t something I encounter in the artistic quadrant of my life, and to put it in that quadrant—which is what he did, he said I’m going to do these readings and read this journal. His most famous thing was called “I remember” and it was a hundred and fifty pages filled with little sentences that all started “I remember”. So, “I remember the sound of screen doors slamming.” Or “I remember how good a glass of water is after vanilla ice cream.” All of these things are presented as being more or less equal, and they’re given equal weight, evenly dispersed across this long sprawling thing. EDV: Se parece aunque no sea completamente a los objetos encontrados de Duchamp. Un registro ordinario del lenguaje, como el lenguaje existe en la realidad como objetos encontrados. Como una simple recolección, un simple gesto o un saludo. “Hola, ¿cómo estás?” como un objeto encontrado lingüístico. EDV: It seems not completely similar, but sort of like Duchamp’s found objects. The ordinary record of language, how language would exist in reality as a found object. As a simple recollection, as a simple gesture or greeting. “Hello how are you?” as a linguistic found object. Algo interesante para mi - estábamos hablando antes de Einstein y de cuál es la verdad que yace en nuestra existencia que es tan simple, tan profunda que ni siquiera sabemos que es una verdad todavía. Nancy situada en una situación peculiar de pronto añade a Nancy toda una serie de críticas lingüísticas y sociales, y en ese momento puede ser apreciada por el mundo del arte. Ese es el primer paso. El segundo paso no es solo pensar en el logro que eso supone, si no en reflexionar sobre ello. El primero paso es hacerlo, lo que origina un efecto. El segundo paso es reflexionar en el efecto. Y - ahora esto es una paja mental - creo que el tercer paso podría ser asimilar todo eso y sacar algo nuevo diferente. ¿Qué es el tercer paso? Mucho del arte se queda realmente en el primer-segundo paso, unodos bofetada y K.O. Parece que con frecuencia el tercer paso es accidental. En artistas que innovan al mismo tiempo que reflexionan sobre su existencia genuina. Parece que sucede en estas mentes maravillosas que vivían unas vidas bizarras de creadores con mucho talento. El tercer paso proporciona un espacio completamente trascendental que proporciona no solo una crítica cultural si no también un nuevo modelo en el que vivir. One interesting thing to me—we were talking previously about Einstein and what is the truth that underlies our existence that’s so simple, so profound that we don’t even know it’s a truth yet. In the art world, the tendency seems to be one or two steps removed from the content, and it’s criticality. Nancy placed in an odd situation all of the sudden charges Nancy with all these linguistic critiques or social critiques, etc., and now she can be appreciated by the art world. That’s the first step. The

second step is to think about not just the achievement of that, but to reflect on it. The first step is to do it, which makes things happen. The second step is to reflect on that thing happening. And—just bullshitting right now—I think the third step might be digesting both and coming up with something different. What is that third step? So much of art and writing is really this one-two step, one-two punch and then knockout. It seems like frequently that third step happens accidentally. In artists that innovate at the same time as reflecting on their genuine existence. It seems to happen in the great minds that were living these bizarre lives of really talented creators. That third step provides a completely transcendental space that provides not only that cultural critique but it also created a whole new standard in which to live. Creo que potencialmente podría haber un cuarto paso. Recuerdo, en la película de Ed Harris sobre Pollock, la escena de introducción es una de mis escenas favoritas en el cine, identificada al menos con mis pasiones. Pollock está subiendo las escaleras con su cuñado, está muy borracho, y se va cayendo, y su cuñado que también está borracho, le va arrastrando por las escaleras. Y Pollock comienza a gritar, “¡Que le jodan a Picasso! ¡Que le jodan a Picasso! ¡Ese cabrón lo hizo todo!”.. Esa idea de “Que le jodan a Picasso”. Pero existe otra perspectiva histórica en la que se puede decir, “Menos mal que existe Picasso”. Yo puedo mirar a Picasso. Picasso no tenía un Picasso al que mirar. I think there’s a potential fourth step. I remember, in the Ed Harris film on Pollock, the intro scene is one of my favorites in cinema, related to my passions at least. Pollock is coming up the stairs with his brother-in-law, and he’s shitfaced, and he’s falling down, and his brother-in-law is drunk too, dragging him up the stairs. And Pollock starts yelling, “Fuck Picasso! Fuck Picasso! That bastard did everything…” That whole notion of “Fuck Picasso.” But there is this other historical perspective, in which I can say, “Thank God Picasso exists.” I have Picasso to look at. Picasso didn’t have Picasso to look at. Esa idea la vemos claramente en la tecnología. Ray Kerzwell habla de lo excepcional que se aproxima rápidamente. Su idea es que la tecnología se integrará a la biología humana para el 2020, creo que ese era el año, basándose en el crecimiento exponencial que tiene la tecnología casa dos años. No podemos tener el iPhone sin el iPod. No podemos tener el iPad sin el iPhone. Debido a que existe esa tecnología, podemos desarrollarla rápidamente hacia algo espectacular. Pero nunca pensamos en el arte de la misma forma. Porque nos quedamos constantemente en la idea de originalidad como si tuviéramos un derecho a fanfarronear. We view that technologically, hands down. Ray Kerzwell talks about the singularity rapidly approaching. His whole notion is about technology integrating into human biology by 2020, I think this was the year, and this is based on the exponential growth of technology every two years. We can’t have the iPhone without the iPod. We can’t have the iPad without the iPhone. Because this technology exists, we’re able to rapidly increase toward something he thinks is spectacular and I think is a travesty. But we never look at art that way. Because we’re constantly against this notion of originality being bragger’s rights.

JS: Capabilidad negativa. ¿Conoces ese término? Capabilidad negativa es la capacidad de retener dos pensamientos opuestos en tu mente al mismo tiempo. Digamos, tu capacidad de pensar en 2012, “Gracias a Dios que Picasso existió para poder admirarlo” y lo genial que fue que Jackson Pollock dijera “¡Que le jodan a Picasso!” Puedes respetar de forma equitativa a lo mejor, o al menos respetar ambas ideas al mismo tiempo. Gracias a Dios por Picasso y gracias a Dios por que le jodan a Picasso. Que puedan significar cosas parecidas para ti como artista es algo postmoderno, imagino, al menos en términos de poesía. JS: Negative capability. Do you know that term? Negative capability is the capacity to hold opposing thoughts in your minds at once. So, the capacity for you to think in 2012, “Thank god Picasso exists for me to look at” and how great it was for Jackson Pollock to say “Fuck Picasso!” You can respect equally, maybe, or at least respect both of those ideas at once. Thank god for Picasso and thank god for Fuck Picasso, as a gesture. That they could mean similar things to you as an artist is kind of a post-modern thing, I guess, at I guess, at least in terms of poetry. EDV: Esta frase está escrita en la cubierta de mi cuaderno. Esto es algo de lo que hablo con frecuencia, porque Nietzsche ha sido al mismo tiempo un gran héroe y un adversario para mi, bregando con las nociones de cristiandad y demás. Esta es una de mis frases suyas favoritas, es de Así Habló Zaratustra: “Solo podría creer en un Dios que supiese bailar. Y cuando vi a mi demonio lo encontré serio, grave, profundo y solemne. Era el espíritu de la pesadez. Todas las cosas caen por su causa”. EDV: This quote is written in the front of my notebook. This is something I frequently talk about, because Nietzsche has been a big hero and adversary at the same time, struggling with notions of Christianity and whatnot. This is one of my favorites of his, and it’s from Thus Spoke Zarathustra: “I could only believe in a god that would know how to dance, and when I saw my devil I found him serious, thorough, profound, and solemn. He was the spirit of gravity, and through him all things fall.” Me he servido de ello muchas veces. No se encuentra a lo mejor en el primer plano de mi trabajo. ¡Pero es una idea tan fuerte!. Sólo podría creer en un Dios que supiese bailar. Ese concepto de verdad, de cómo la verdad debe ser - la verdad sin humanidad. El arte parece estar en una discusión constante acerca de la presencia de la verdad como un absoluto. Tanto si es lingüísticamente, como culturalmente, siempre plantea una opción a verdades socialmente aceptadas, verdades filosóficamente aseveradas. I’ve referenced that lots of times, because it’s not maybe at the forefront of my work, but it’s such an idea. I could only believe in a god that knows how to dance. That kind of notion of truth, how truth is supposed to behave—truth without humanity. Art seems to be constantly in conversation with the presence of truth as an absolute. Whether it be linguistically, whether it be culturally, its always posing an option to socially accepted truths, philosophically guaranteed truths, etc. But, it gains this wonderful privilege of dancing on responsibility.

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Humanize Issue 21