Revista DIGITAL INDALOFOTO Nº 6

D NÚMERO SEIS SEPTIEMBRE 2014

I

DIGITAL INDALOFOTO revista FOTOGRÁFICA grupo indalo foto

H C B Henri

Cartier - Bresson

REVISTA DIGITAL INDALOFOTO NÚMERO 6

EDICIÓN SEPTIEMBRE 2014

REDACTOR JEFE: Cristóbal Barea

DISEÑO Y MAQUETACIÓN: Carmen Pascual José Francisco Góngora

Equipo de redacción: Cristóbal Barea Carmen Pascual José Francisco Gongora Ángel Soler José Miguel Martínez

COLABORACIONES:

Miguel Hidalgo

Juan Enrique Moya

DISEÑO DE PORTADA:

Carmen Pascual Foto:

Todos los derechos reservados © Grupo Indalo Foto

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2-3. Índice

4-5. Editorial-

6.

¿Quiénes Somos?

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D

¿HACIA DONDE VAMOS ?

HENRI CARTIERBRESSON 32.

Redacción

I

ndice 56.

FOTÓGRAFOS DEL NUEVO MUNDO

54. PAUL BIDDLE

76. QUIMICOS Y DECIBELIOS Lo Que Pudo Haber Sido

2

80. Fotografía de Viajes “Regresar a les Corbières”

El Porfolio Destacado

90.

Alfredo Romero

EL HUMOR DEL

12.

10.

FOTÓGRAFO

de Colección 66.CámarasIsolette Agfa

68.

Serie “Grandes Fotógrafos”

Sebastiao Salgado

50.

BIBLIOTECA INDALO foto HENRI

CARTIER-BRESSON CATÁLOGO

100.

NOS MOVEMOS

LA FOTOGRAFÍA DESTACADA

96.

98. LOS NUEVOS INDALOFOTOS | 2014

3

D I

Editorial

Coincidiendo con la publicación del Nº6 de nuestra revista, el grupo muestra en nuestra ciudad dos exposiciones consecutivas, una con motivo de la celebración del milenio de Almería, denominada “Mil años de luz y cuarenta formas de mirar”, en la que hemos querido resaltar la maravillosa luz que baña nuestra provincia y que se ha expuesto durante el mes de agosto en el Patio de luces de la Excma.

Diputación de Almería.

La segunda, es el homenaje que el grupo Indalofoto quiere hacer a los pequeños pueblos del interior, que existen en la dura y escarpada orografía almeriense (ya que el 44% de la misma se encuentra por encima de los 800 m) y a sus pobladores, que con ingenio y sudor, hicieron posible esta “arquitectura sin arquitectos”, empleando para ello los escasos materiales del entorno, dando lugar a preciosos pueblos de teja, pizarra y cal.

La muestra tendrá lugar desde el 11 de septiembre hasta mediados de octubre en el museo de Almería. Recomendamos su visita para contemplar las fotos que por su valor etnográfico será un documento que se revalorizará en el tiempo. La exposición contará con numerosas actividades paralelas, que documentaremos en el próximo número de nuestra revista.

Quedáis todos invitados,

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Miguel Hidalgo Presidente Grupo Indalo Foto

N

os ha costado y mucho, pero al final os presentamos el número seis de la revista Digital Indalofoto, en primer lugar quisieramos pedir disculpas al saltarnos alegremente un cuatrimestre, esperamos que con el contenido de esta revista os deis cumplida satisfacción. En segundo lugar creemos que la espera ha merecido la pena, hemos condensado ocho meses intensos de actividad tanto en el mundo de la fotografía como en la vida del propio Grupo Indalo Foto. La impresionante muestra dedicada a Henri Cartier-Bresson es el nucleo sobre el que gira esta edición, su obra en conjunto, vista desde una perspectiva cronológica, nos permite acercarnos de una forma novedosa, al que para muchos es el fotógrafo más importante del S. XX. También hemos visitado PhotoEspaña14, dedicado a la fotografía española, destacando como cada año, aquellas exposiciones que más nos han gustado. Del resto de la publicación me gustaría destacar el magnífico artículo firmado por nuestro compañero José Miguel Martínez glosando la figura y la obra de Sabastiao Salgado, dentro de la serie Grandes Fotografos que se está convirtiendo en un referente de esta publicación. Y por supuesto, como no podía ser de otra forma, toda la información relativa al Grupo Indalo Foto, con las fotografías ganadoras de la Jarapilla de enero a julio y un Nos Movemos pleno de actividades. Por último y atendiendo al cambio en la directiva del Grupo Indalo Foto queremos hacer mención especial a la persona de Miguel Hidalgo, Presidente saliente, por su generosidad, su esfuerzo y su dedicación a lo largo de estos años, en los que ha luchado por preservar la vida del grupo en los malos tiempos, manteniendo e impulsando todo tipo de actividades, entre las que se incluyen la edición de esta revista, y dejando la presidencia del grupo en un gran momento, como podeís ver reflejado en nuestras páginas. Sin Miguel esto no hubiera sido igual, asi que no podemos más que darle las gracias por todo lo que nos ha aportado, este número de la revista se lo dedicamos con todo nuestro cariño, esperamos que os guste.

Equipo de Redacción

Indalofoto Grupo

¿Quiénes Somos?

El Grupo Indalofoto es una asociación formada por fotógrafos amateurs y profesionales, con sede en Almería, que busca la promoción y desarrollo de la fotografía en todas sus vertientes. Fundado en 1982, perdura hasta nuestros días acogiendo a artistas y amantes de la fotografía de diferente índole, estilo y formación fotográfica.

Nuestra Sede Social se encuentra en:

Grupo INDALO FO

¿Qué Actividades Hacemos?

Exposiciones: Desde su primera muestra colectiva en el desaparecido Casino Cultural de Almería en 1982, el Grupo Indalofoto no ha dejado de promover la actividad expositiva, tanto con carácter individual como colectivo, siendo uno de sus principales objetivos acercar a través de las mismas el trabajo de los socios al público.

C/ Padre Picazo, 31 Todos los años se organizan dos o 04002-ALMERIA tres exposiciones, en ocasiones con una

determinada temática y en otras de es950 25 52 74 tilo libre, donde cada autor presenta su trabajo de una forma más personal. info@grupoindalofoto.com

Salidas y quedadas fotográficas: Disfrutar de la fotografía mediante la realización de salidas fotográficas y culturales es otra de las actividades que se promueven dentro del grupo, siendo una oportunidad genial para compartir experiencias y vivir buenos momentos, tanto personales como fotográficos, rodeado de profesionales y amantes de la fotografía.

Cursos y seminarios fotográficos: La fotografía es un mundo en constante evolución. El Grupo Indalofoto se encarga de la organización de cursos con la finalidad de que tanto socios como no socios desarrollen su potencial con las herramientas y conocimientos necesarios para ello. Cursos que van desde la composición fotográfica, el uso básico y avanzado de cámaras digitales, iluminación natural y de estudio, así como las últimas técnicas de revelado y postprocesado, etc.

Aunque los cursos se ofertan al público en general, los socios cuentan con ventajas tales como la gratuidad en la mayoría de ellos, descuentos en otros, prioridad a la hora de la matriculación, etc.

Ayuda en el montaje de exposiciones individuales: Objetivo del Grupo es la ayuda al socio que quiera realizar su propia exposición fotográfica, brindando un valor añadido necesario para su montaje, tanto a nivel de conocimientos, como en el préstamo de materiales, ayuda en la con-

fección de cartelería, herramientas y mesas de corte, iluminación auxiliar, etc.

Promoción Individual de los fotógrafos: El Grupo Indalofoto da cobertura a la promoción individual de sus socios, ayudándoles a darse a conocer y proyectarse. En ese sentido, se hace hincapié en el diseño y distribución de cartelería, el acceso a salas y lugares de exposición, apoyo grupal en sus actividades y exposiciones individuales, difusión en las redes sociales y en los medios digitales y escritos, así como publicaciones en nuestra página web y nuestra revista.

Uso de equipos e instalaciones: Actualmente se dispone de instalaciones y diferentes equipos para el uso y disfrute de los socios, así como sala de reuniones y una pequeña biblioteca de temática fotográfica.

El concurso “Jarapilla”: Sin duda uno de las actividades sociales más importantes del Grupo. Un concurso mensual, abierto a la participación de todos los socios, en el que de forma anónima se presentan copias impresas de fotografías, siendo las mismas objeto de valoración, tanto en su faceta técnica como artística, por el resto de asistentes. La sesión acaba después de comentar una a una todas las obras presentadas, abriendo un debate enriquecedor y necesario para contrastar las diferentes formas de entender el medio fotográfico. Cada mes, los participantes reciben una puntuación dependiendo de

la valoración recibida por sus fotografías y a final de año se premia a los tres mejores fotógrafos de esa sesión.

propongan, podrás hacer uso de las instalaciones y equipos, acceder a exposiciones, cursos gratuitos y diferentes actividades fotográficas.

Una manera de ponerte a prueba y lograr la motivación necesaria para desarrollar tu propio estilo personal. Una noche mágica sin la que no podrás pasar.

Ponte en contacto con nosotros:

( 950 25 52 74 Proyecciones de Reporta- info@grupoindalofoto.com je Fotográfico:

Aprovechando la posibilidad que nos brindan las nuevas tecnologías, se realizan de manera virtual exposiciones de reportaje fotográfico, donde el autor presenta a los asistentes su especial y particular visión de un tema que ha desarrollado fotográficamente en profundidad. Una serie de elementos temáticos y contextuales que, unidos en serie, intentan hacer llegar al observador, de una manera amplia, la realidad que quiere transmitir el fotógrafo.

Revista Indalofoto Digital: El fotógrafo es un artista que necesita enseñar lo que ve, una manera de transmitir lo que lleva en su interior. A veces, esta disciplina de la luz se mezcla con otras disciplinas, como por ejemplo el diseño gráfico o la creación literaria y personal. Indalofoto Digital ofrece la posibilidad de poder desarrollar esas inquietudes mediante la colaboracion con nuestra revista.

>> ¿Que puedo hacer para apuntarme?

Siendo miembro del Grupo Indalofoto podrás participar en todas las actividades que se

>> ¿Dónde puedo seguir las actividades?

Las nuevas tecnologías brindan la posibilidad de poder estar al tanto, de manera dinámica y a tiempo real, de cada una de las actividades que lleva a cabo la asociación. Te invitamos a que nos sigas ...

Puedes encontrarnos en:

www.grupoindalofoto.com

twitter: #Grupo Indalofoto https://twitter.com/#!/GrupoIndalofoto

Grupo de Facebook: Grupo Indalofoto http://www.facebook.com/#!/ groups/GrupoIndalofoto/

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Indalofoto Grupo

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CARMEN PASCUAL

http://www.carmenpascualsoler.com

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Una de las actividades más importantes que realiza el Grupo Indalofoto es La Jarapilla. Un concurso fotográfico mensual abierto a la participación de todos los asociados y en el que éstos exponen su obra a la valoración y crítica, tanto en su aspecto técnico como artístico, del resto de participantes.

Una dinámica que deriva en un enriquecedor debate analítico de los trabajos presentados y la fotografía en general.

2014 se presenta como un año de grandes cambios y grandes oportunidades fotográficas. Caras nuevas entre los socios y nuevos entusiastas participantes junto con grandes clásicos que no se resisten a ese gusanillo del concurso. “La jarapilla” vuelve a convertirse en un nexo de unión entre los trabajos de los diferentes socios, un nuevo comienzo con renovados proyectos e imágenes frescas. Será este un año de buena cosecha fotográfica, sólo queda poner las imagenes sobre la jarapa y cultivar tu espíritu crítico.

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Carmen Pascual Alfredo Romero Primera Clasificada Primer Clasificado La Jarapilla Enero 2014 La Jarapilla septiembre 2013

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Jose F. Góngora Segundo Clasificado La Jarapilla septiembre 2013

Miguel Pérez “Er Juli” Segundo Clasificado La Jarapilla Enero 2014

Miguel Perez “Er Juli” Tercer Clasificado La Jarapilla septiembre 2013

Ángel Soler Tercer Clasificado La Jarapilla Enero 2014

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Miguel Pérez “Er Juli” Primer Clasificado La Jarapilla Febrero 2014, Temática: Henri Cartier-Bresson

Javier Márquez Segundo Clasificado La Jarapilla Febrero 2014, Temática: Henri Cartier-Bresson

Javier Pérez Tercer Clasificado La Jarapilla Febrero 2014, Temática: Henri Cartier-Bresson

Miguel Pérez “Er Juli” Primer Clasificado La Jarapilla Marzo 2014

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Carmen Pascual Segunda Clasificada La Jarapilla Marzo 2014

Crist贸bal Barea Tercer Clasificado La Jarapilla Marzo 2014

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Jorge JimĂŠnez Rapallo Primer Clasificado La Jarapilla Abril 2014

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Inmaculada JimĂŠnez Segunda Clasificada La Jarapilla Abril 2014

Carmen Pascual Tercera Clasificada La Jarapilla Abril 2014

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Miguel Á. Pérez “Er Juli” Primer Clasificado La Jarapilla Mayo 2014 : Temática Fotografía Deportiva

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Alfredo Romero Segundo Clasificado La Jarapilla Mayo 2014 : Temática Fotografía Deportiva

Javier Márquez Tercer Clasificado La Jarapilla Mayo 2014 : Temática Fotografía Deportiva

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Miguel Pérez “Er Juli” Primer Clasificado La Jarapilla Junio 2014

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Desi Sanz Segundo Clasificado La Jarapilla Junio 2014

JesĂşs Vallejo Tercer Clasificado La Jarapilla Junio 2014

Miguel Pérez “Er Juli” Primer Clasificado La Jarapilla Julio 2014

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Jorge JimĂŠnez Rapallo Segundo Clasificado La Jarapilla Julio 2014

Manolo PĂŠrez Tercer Clasificado La Jarapilla Julio 2014

EL PROCESO ¿HACIA DÓNDE DE APRENDIZAJE VAMOS ?

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¿H

acia dónde vamos?

Una de las preguntas que la mayoría de fotógrafos nos hacemos alguna vez es, ¿hacia dónde quiero ir en fotografía?.

Resulta realmente difícil responder a esa cuestión.

En los últimos años se ha producido tal incremento de gente haciendo fotos que la avalancha de imágenes es espectacular. Si unimos a esto la capacidad que tenemos hoy día de compartir dichas imágenes por internet, nos encontramos con una oferta inacabable, a las que podemos acceder con solo encender nuestro ordenador, tablet, móvil, etc.

Para comenzar me gustaría centrarme en lo que considero

que es realmente fotografía. Como escuché decir a José Manuel Navia hace poco en una conferencia: “Todos sabemos escribir, la mayoría dominamos medianamente la ortografía y la gramática, y tenemos cierta capacidad para expresarnos, pero…¿cuántos de nosotros nos consideraríamos escritores?”

¿HACIA DÓNDE VAMOS? En fotografía parece que esto se olvida, casi todo el que accede a comprar una cámara de cierta calidad y aprende cuatro conceptos básicos, se considera fotógrafo. Nada mas lejos de la realidad.

La fotografía es una manera de expresarnos, de mostrar nuestra visión personal del mundo, de la vida.

Echando un vistazo a las redes sociales encontramos que, actualmente, hay diferentes modas o corrientes fotográficas, entre las que me gustaría destacar algunas: - Preciosismo: Se puede aplicar a todo, flores, edificios, paisajes… normalmente con colores muy llamativos.

En el caso concreto del paisaje nos encontramos con un sinfín de imágenes que suelen tener varios denominadores comunes: uso de trípode, filtro de densidad neutra y baja velocidad de obturación.

- Sesiones con modelos: Hoy día, gracias a los sitios de intercambio entre modelos y fotógrafos (TFCD), tenemos la posibilidad de realizar este tipo de fotografía con relativa facilidad. Esto hace que las redes se inunden de fotos, mas o menos sugerentes, de aspirantes a modelo.

Este tipo de fotografía resulta atractiva, pero sinceramente, antes de afrontar un proyecto de estas características, deberíamos intentar prepararlo mínimamente, para que el resultado sea original.

- Foto de calle (Street photography): Con este sugerente título, que atrae a mucha gente que empieza en fotografía, resulta imponente la cantidad de fotos de mimos, mendigos, gente paseando, etc., siempre en blanco y negro, que nos encontraremos, y que por mas que las miremos, no nos dirían absolutamente nada.

Si queremos lanzarnos a la calle, no dejemos de ver la obra de los grandes. Ahí encontraremos la clave para que nuestras fotos consigan transmitir nuestra forma de mirar.

- Estilo “hipster”: Se puede llamar de muchas maneras, pero a mi me hace gracia este nombre.

Aquí la cosa consiste en hacer fotos sin importarnos realmente que fotografiamos. Lo importante es que los colores sean extraños, haya poco o nada enfocado, y las imágenes tengan ese tonillo de modernidad abstracta que hace difícil su calificación.

He de reconocer que el efecto resulta bonito, pero cuando llevas vistas varias miles de fotografías prácticamente iguales la cosa pierde interés. Si además hay un colectivo grande en tu provincia uno tiene la sensación de estar viviendo en el día de la marmota.

Después de este repaso parecería que esto es una crítica a todas estas tendencias, y no es exactamente así. Creo que en la evolución de cada aficionado a la fotografía es importante probar y aprender de todo lo que podamos. Además, en cada una de ellas hay fotógrafos muy buenos, que aportan un plus de calidad interesante, pero la mayoría de fotos que inundan las redes sociales nos van a dejar fríos, a poco que tengamos un mínimo

¿HACIA DÓNDE VAMOS? de visión fotográfica. La mayoría serán imágenes muy efectistas, directas, impactantes y vacías…

Sin embargo, como decía al principio, casi todos los fotógrafos nos hacemos en algún momento la pregunta: ¿hacia dónde queremos ir en fotografía?.

Difícil respuesta, esta es la mía: No sé si es porque las fotos que veo últimamente me aburren, salvo raras excepciones, pero creo, que lo que de verdad quiero, es expresar mi visión de lo que me rodea, de la vida, a través de mis imágenes. Sin dejarme llevar por tendencias o modas, siendo sincero.

Sé que haciendo las fotos que de verdad quiero hacer, probablemente mis imágenes gozarán de menos popularidad, pero lo importante es que nosotros nos sintamos satisfechos con nuestro trabajo.

Si no puedo confiar en el criterio que me dan tantos años abducido por la fotografía, ¿en qué leches voy a confiar? Ángel Soler

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HENRI CARTIERBRESSON

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Carrera ciclista “Los seis días de París”, Velódromo de Invierno, París, Francia, noviembre de 1957 © Henri Cartier-Bresson, Colección Fondation Henri Cartier-Bresson

H C B Henri

Cartier - Bresson

Cristóbal Barea El 3 de agosto de 2004 fallecía en la localidad de Montjustin, en el suroeste de Francia, el que probablemente sea el fotógrafo más reconocido del S. XX, pasados diez años desde la muerte de este genial artista el Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou de París organizó desde el 12 de febrero hasta el 19 de junio del presente año la mayor retrospectiva realizada sobre su obra que recorre de manera cronológica el trabajo de una de las leyendas de la fotografía contemporánea.

Más de 500 fotografías originales, en las que podremos reconocer alguna de las más icónicas junto a otras desconocidas, revistas de época, dibujos, pinturas, papeles personales y hasta documentales, nos permiten abordar al personaje en toda su complejidad y a su obra en toda su diversidad más allá del famoso instante decisivo. Se trata de un Cartier-Bresson en contexto, mostrando cada una de las diferentes etapas por las que atraviesa su obra como producto de una época, constituyendo sus imágenes un extraordinario testimonio de lo que fue el S. XX. Una vez finalizada la exposición en París la misma se trasladó a Madrid gracias a la colaboración entre la Fundación Mapfre y el Centro Pompidou, donde desde el día 28 de junio y hasta el día 7 de septiembre, en el que continuará su periplo por Roma y posteriormente Mexico, hemos podido disfrutarla. Hasta allí, en la magnifica sala de exposiciones que posee la Fundación Mapfre en el Paseo de Recoletos, se ha trasladado el Grupo Indalo Foto para ver in situ la obra de este inmenso artista que cambió la historia de la FOTOGRAFÍA con mayúsculas.

En Digital Indalofoto, hemos querido, mediante este artículo, hacer un sincero homenaje tanto a Cartier-Bresson como a todos aquello que han puesto su grano de arena para que esta impresionante muestra viera su luz desde la Fundación Henri Cartier-Bresson, el Centro Pompidou y la Fundación MAPFRE.

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SIGNOS ASCENDENTES La obra fotográfica de HCB es el producto de un concierto de factores: una clara predisposición artística, un aprendizaje perseverante, algo del espíritu de su tiempo, aspiraciones personales, numerosos encuentros. Ve la luz en los años veinte, bajo el doble signo de la pintura y la fotografía practicadas como aficionado, para desarrollarse después mediante algunos momentos fundacionales como el viaje a África en 1930-1931. Revela la huella de su amor por el arte, de las horas pasadas leyendo o mirando cuadros en los museos. Quedó profundamente marcada por la enseñanza de André Lhote y el trato con sus amigos norteamiricanos; Julien Levy, Caresse y Harry Crosby, Gretchen y Peter Powel. Si con el primero se inicia en los placeres de la composición, es en compañía de los segundos como descubre las fotografías de Eugènge Atget y las de la Nueva Visión. El primer Cartier-Bresson es el resultado de estas diversas influencias: una compleja alquimia.

Costa de Marfil, 1930 copia realizada en 1931 por el autor © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos, cortesía Fondation Henri Cartier-Bresson, París

Madrid, España, 1933 Gelatina de plata, copia realizada en 1946 © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos, cortesía Fondation Henri Cartier-Bresson, París

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Livorno, Toscana, Italia, 1933 Gelatina de plata, copia de época realizada por el autor © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos, cortesía Fondation Henri Cartier-Bresson, París

Hyères, Francia, 1932 Gelatina de plata, copia realizada en 1946 © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos, cortesía Fondation Henri Cartier-Bresson, París

LA ATRACCIÓN SURREALISTA A través de René Crevel, a quien conoce en casa de Jacques-Émile Blanche, Cartier-Bresson empieza a frecuentar a los surrealistas hacia 1926. “Demasiado tímido y demasiado joven para tomar la palabra” como contará más tarde, asiste, desde una esquina de la mesa, a algunas de las reuniones en torno a André Breton celebradas en los cafés de la Place Blanche. De esos encuentros retendrá determinados motivos emblemáticos del imaginario surrealista: los objetos empaquetados, los cuerpos deformados, los soñadores con los ojos cerrados… Pero lo que más le marca del surrealismo es su actitud: el espiritú subversivo, el gusto por el juego y el lugar otorgado en él al insconciente, el placer del deambular urbano, la clara predisposición a acoger el azar.

Cartier-Bresson será especialmente sensible a los principios de la belleza convulsiva enunciados por Breton y no dejará de ponerlos en práctica a lo largo de los años treinta. Desde ese punto de vista, es sin duda uno de los fotógrafos más propiamente surrealistas de su generación.

EL COMPROMISO MILITANTE Como casi todos sus amigos surrealistas, Cartier Bresson compartía muchas de las posturas políticas de los comunistas: un anticolonialismo implacable, un compromiso sin fisuras con los republicanos españoles y la profunda convicción de la necesidad de “cambiar la vida”. Tras los violentos disturbios organizados en febrero de 1934 en París por las ligas de extrema derecha, que en ese momento se interpretan como una señal del riesgo de ascenso de los fascismos europeos en Francia, su compromiso político se hace más palpable.

En esa época firma varios panfletos de “llamamiento a la lucha” y a la “unidad de acción “ de las fuerzas de izquierdas. Durante sus viajes a México y Estados Unidos, en 1934-1935, la mayor parte de las personas con quienes mantiene relación están muy comprometidas con la lucha revolucionaria. A su regreso a París en 1936, Cartier-Bresson se radicaliza: participa asiduamente en las actividades de la Association des Écrivans et Artistes Révolutionaires (AEAR) y comienza a trabajar para la prensa comunista.

Distrito 20. París, Francia, 1937 Gelatina de plata, copia realizada en 1984 © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos, cortesía Fondation Henri Cartier-Bresson, París

Primeras vacaciones pagadas. Orillas del Marne, Francia,1936 Gelatina de plata, copia realizada en 1946 © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos, cortesía Fondation Henri Cartier-Bresson, París

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En un campo de desplazados, una confidente es reconocida por quien ella había denunciado. Dessau, Alemania, 1945 Gelatina de plata, copia de época © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos, cortesía Fondation Henri Cartier-Bresson, París

EL CINE Y LA GUERRA

Fotogramas extraidos de la película El retorno, 1945 cortesía Fondation Henri Cartier-Bresson, París

Cartier-Bresson decía del cine que le había “enseñado a ver”. A lo largo de su viaje a México, en 1934, es cuando se empieza a manifestar en él el deseo de dirigir películas. El cine le interesa en el contexto de su propio compromiso militante, ya que se dirige a una mayor audiencia que la fotografía y permite, mediante su estructura narrativa, transmitir mejor el mensaje. En 1935, en los Estados Unidos, aprende los fundamentos de la cámara de cine en el seno de una cooperativa de documentalistas que, muy inspirados por las ideas tanto políticas como estéticas de los soviéticos, se congregan en torno a Paul Strand bajo la denominación de “Nykino”, contracción de las iniciales de “Nueva York” y de la palabra “cine” en ruso. Con ellos, dirige un primer cortometraje. A su vuelta a París, en 1936, después de haber intentado sin éxito que Georg Wilhen Pabst, primero, y Luis Buñuel, después, le contratasen como ayudante, inicia una colaboración con Jean Renoir que se prolongará hasta la guerra.

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LA ELECCIÓN DEL FOTORREPORTAJE En febrero de 1947, Cartier-Bresson inagura su primera gran retrospectiva institucional en el Museum of Modern Art (MOMA) de Nueva York. Unos meses después, junto con Robert Capa, David Seymour, George Rodger y Wiliam Vandivert, funda Magnum, la agencia que rápidamente se convertirá en uno de los referentes mundiales en el campo del fotoreportaje de calidad. Tras su exposición en el MOMA, Cartier-Bresson habría podido optar por ser meramente artista; sin embargo, decide hacerse reportero y se embarca en la aventura de Magnum. A partir de 1947 y hasta principios de los años setenta, realiza multitud de viajes y reportajes en prácticamente todos los rincones del planeta, y trabaja para casi todas las grandes revistas ilustradas internacionales. Pese a las limitaciones que le impone la prensa, los cortísimos plazos inherentes al sistema mediático las contingencias del trabajo por encargo, Cartier-Bresson logrará mantener un nivel de excelencia intachable en su producción fotográfica de esas décadas de reportero.

Multitud esperando delante de un banco para sacar el oro durante los últimos días de Kuomintang, Shanghái, China, diciembre 1948 Gelatina de plata, copia realizada en los años 60 © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos, cortesía Fondation Henri Cartier-Bresson, París

Funerales de Gandhi, Nueva Deli, India, 1948 Gelatina de plata, copia de época © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos, cortesía Fondation Henri Cartier-Bresson, París

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Acelerador lineal, Universidad de Stanford, Estados Unidos, 1967 Gelatina de plata, copia realizada en los años 70 © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos, cortesía Fondation Henri Cartier-Bresson, París

ANTROPOLOGÍA VISUAL En paralelo a sus reportajes, Cartier-Bresson también fotografió determinados temas de forma recurrente en todos los países que visitó y a lo largo de varios años. Realizadas en los márgenes de los reportajes o con total autonomía, estas series de imágenes, que abordan algunas de las grandes cuestiones sociales de la segunda mita del Siglo XX, constituyen auténticas investigaciones. No responden a un encargo, escapan a la urgencia impuesta por la prensa y son mucho más ambiciosas que numerosos reportajes. Dichas investigaciones temáticas y transversales, que el mismo Cartier Bresson describe como una “combinación de reportaje, filosofía y análisis (social, psicológico y de otros tipos)”, están ligadas a la antropología visual, esa forma de conocimiento de lo humano donde las herramientas de registro analógico juegan un papel capital. “Soy visual –afirmaba, de hecho, CartierBresson- (…). Observo, observo, observo. Entiendo a través de los ojos”.

Carreras de caballos, Thurles, Tipperary County, Munster, Irlanda, 1952 Gelatina de plata, copia de época © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos, cortesía Fondation Henri Cartier-Bresson, París

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TRAS LA FOTOGRAFÍA A partir de los años setenta, CartierBresson, ya sexagenario, deja paulatinamente de responder a los encargos de reportajes, es decir, de fotografiar en un marco obligado. Considerando que Magnum se aleja cada día un poco más de su espíritu fundacional, se retira de los negocios de la agencia. Su fama internacional no ha dejado de crecer: se ha convertido en una leyenda viva. En Francia encarna, casi por sí solo, el reconocimiento institucional a la fotografía, lo que evidentemente no le hace feliz.

Invierte mucho tiempo en supervisar la organización de sus archivos, la venta de sus copias y la realización de libros o exposiciones. Aunque oficialmente ya no fotografía, conserva sin embargo su Leica a mano y toma en ocasiones imágenes más contemplativas. Pero, sobre todo, es asiduo de los museos o las exposiciones, y dedica lo mejor de su tiempo al dibujo.

Henri Cartier-Bresson, París, Francia, 1992 Gelatina de plata, copia de época © Martine Franck / Magnum Photos, cortesía Fondation Henri Cartier-Bresson, París

Martine Franck, París, Francia, 1967 Gelatina de plata, copia de época © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos, cortesía Fondation Henri Cartier-Bresson, París

París, Francia, 1980 Gelatina de plata, copia de época © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos, cortesía Fondation Henri Cartier-Bresson, París

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BIBLIOTECA INDALO foto

HENRI CARTIER-BRESSON CATÁLOGO

cristóbal barea

Edita Centre National d´Art et de Culture Georges Pompidou y Fundación MAPFRE Tapa dura 399 págs.

Con ocasión de esta exposición retrospectiva, FUNDACIÓN MAPFRE ha publicado la versión en español del catálogo publicado por Éditions du Centre Pompidou bajo la dirección de Clément Chéroux. El libro cuenta con amplios textos del comisario y reproducciones de todas las obras de la muestra. El artículo que publicamos en la revista Digital Indalofoto se basa integramente en el contenido de este magnifico libro que se puede considerar ya como el estudio definitivo de la obra de Cartier-Bresson. Desde aquí os lo recomendamos encarecidamente pues merece la pena tanto por su valor artístico como por su calidad.

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Luis de la Poza José Francisco Góngora Ángel Gonzalez de las Heras Alfredo Romero Ángel Soler Antonio Benete César Moreno Carmen Pascual Javier Márquez de las Heras Jorge Jiménez Rapallo Antonio Ciendones Antonio de la Poza José Miguel Marínez Manolo Pérez Requena María Luisa Marínez Jesús Vallejo Juan Enrique Moya Rafael Ramos Maribel Martínez “Almurabi” Miguel Ángel Marín Miguel Ángel Pérez “Er Juli” Juan Pedro Díaz Espigares Pedro Alonso Miguel López Muñoz Soledad Haro Ruben Marín “Challen” Jaime Berenguer Jiménez D. Manuel Sánchez Miguel Hidalgo Encarna Mari Herrera Desiderio Sanz Chencho Ruiz Alberto Bascuñana Inmaculada Jiménez Gabriel Martínez López Anna Maj Michelson Juan Jose Montes Ferre Fernando Taramelli Javier Pérez Cristóbal Barea José Antonio Moreno Eduardo Hernández de Haro Raul Moreno Jiménez José Navarro “Jonago” Rocío García Siles Josefina López Pozo Yusef Chuillaj

Grupo Indalo Foto: Mas que fotografía

CARMEN PASCUAL

http://www.carmenpascualsoler.com Paul Biddle es un fotógrafo inglés con un sorprendente estilo que hace de la fotografía una auténtica obra surrealista y pictórica, caracterizada por el ensamblaje de objetos, la ironía, los colores intensos y la libertad creativa. Cuenta con un merecido reconocimiento por la excelente combinación de creatividad y calidad basada en composiciones que van desde las más tradicionales hasta la fotografía digital.

Miembro de la Association of Photographers de Londres y el Circle 2.4, una de las mas destacadas asociaciones internacionales de fotógrafos. Ha recibido numerosos premios como la medalla de oro de The Association of Photographers, dos medallas de oro de The Royal Photographic Society, otras del 3D Illustrators, además de haber sido ganador del Kodak Triple Exposure. Su obra ha sido expuesta en numerosos museos como el Leonardo Da Vinci de Milán o el Musée de la Civilisation de Québec, igualmente ha realizado destacadas exposiciones en la Asociación de Fotógrafos de Inglaterra, en la Royal Photography Society y en varios salones de Nueva York, Tokio, Cologne, Viena, Linz, Arles y Ámsterdam.

Se han publicado numerosos artículos sobre su trabajo en prestigiosas revistas fotográficas, como Zoom, Image, The British Journal of Photography, Foto Art, Polaroid “P” Journal of Photography, o la revista del Image’s Bank Icon, el propio autor nos lo describe así: “Muchas de las fotos surgen en mi cabeza inicialmente de forma simple y concreta. Pero en su mayoría, la imagen acaba por desarrollarse a partir de la inspiración que me generan los mismos objetos. Estos suelen ser cosas que descubro en negocios de segunda mano, o algo que encuentro casualmente en la playa junto a mi casa, o recuerdos de mi pasado como partes de juguetes o la paleta que usaba en la época en que estaba en la escuela de arte. Normalmente combino y ensamblo estos objetos, experimentando hasta encontrar una composición perfecta, la armonía entre las formas y los colores. La alta saturación de los colores que utilizo caracteriza de alguna forma mis creaciones, para lograr esto uso pigmentos puros tanto sobre los objetos como en los fondos.

La mayoría de mis imágenes son tomadas directamente con la cámara, aunque algunas acabo por retocarlas con el ordenador con la intención de crear nuevas posibilidades. En cualquier caso, tanto en las imágenes generadas desde la computadora como con la fotografía convencional, mi interés es el de buscar la máxima excelencia.” - Paul Biddle

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FOTÓGRAFOS DEL NUEVO MUNDO

PAUL BIDDLE

Carmen Pascual Crist贸bal Barea

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Desde que iniciamos la publicación de la revista fotográfica del Grupo Indalo Foto, hemos sido fieles seguidores de este festival internacional de fotografía, consolidado como un referente dentro del mundo fotográfico y cultural. Este año el festival está dedicado a la fotografía española “en un intento de proyectar a todo el mundo la calidad de la fotografía que se crea desde hace década en este país” como bien dice Alberto Anaut presidente de PhotoEspaña en su comunidado de presentación.

A esta magnifica propuesta se suma la concesión a PhotoEspaña, por parte del Go-

bierno de la Nación, de la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, desde aquí trasladamos nuestra más sincera enhorabuena y el orgullo de que tan importante muestra fotográfica se celebre en nuestro país.

Evidentemente no podemos mostrar la totalidad del festival que abarca más de 70 exposiciones y multiples actividades, toda la información relativa la podeís encontrar en la web oficial www.phe.es, en este artículo hemos seleccionado algunas de las más destacadas y que tuvimos el placer de poder visitar, ahora sólo queda esperar un año hasta el inicio de PHE 2015.

Pinceladas, Lillian Bassman (en Loewe Serrano)

Lillian Bassman se reinventó y superó a sí misma en varias ocasiones a lo largo de su carrera artística. Desde joven simultaneó la pintura y el dibujo con la danza, disciplinas que incorporó a su trabajo como fotógrafa de moda para crear un lenguaje único. Fundación Loewe organiza y patrocina esta muestra comisariada por María Millán que podrá visitarse hasta el 27 de julio.

La exposición Pinceladas muestra una selección de imágenes que sirven de introducción al extenso y singular trabajo de una mujer que, haciendo poco caso de las reglas de la fotografía, utilizó el medio para dar rienda suelta a su creatividad. En una época en la que las prendas se mostraban rígidas sobre los cuerpos de las modelos, Bassman las retrató interactuando con la ropa de forma natural.

VI SI TA Lillian Bassman. Blowing Kiss, Barbara Mullen, New York, c.

1958. Reinterpreted 1994.

Courtesy: Estate of Lillian Bassman © Estate of Lillian Bassman

Liliam Bassman. It´s a Cinch, Carmen, lingerie By Warne´s, 1951 (alternate version published in Harper´s Bazzar, September 1951). Courtesy: Estate of Lilian Bassman © Estate of Lilian Bassman

Lillian Bassman (EE.UU., 1917-2012) nació en el seno de una familia de emigrantes rusos judíos. Con 15 años se independizó para vivir con Paul Himmel, de quien no se separaría hasta su muerte. En 1935 se integró en el Federal Art Project, área artística del plan pro empleo del New Deal. En 1941 comenzó a trabajar en Harper’s Bazaar y en 1945 se convirtió en directora de arte de Harper’s Bazaar Junior. Su primer encargo fotográfico llegó en 1948 y desde entonces recibiría encargos de las mejores revistas de moda del momento. Junto a su marido, en 1951 puso en marcha el estudio Bassman-Himmel donde trabajarían como fotógrafos de moda hasta 1971, año en que lo cerraron para desarrollar trabajos personales. En 1993 su obra vivió un redescubrimiento y ya con ochenta años comienza a ser reconocida por museos y galerías. En 2004 recibió el premio Lucie por su relevante papel en el mundo de la fotografía de moda.

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Fundación Banco Santander presenta las exposiciones de Josep Renau, La Palangana y Fotografía 2.0.

EN EL CíRCULO DE BELLAS ARTES DE MADRID La sección oficial temática de PHotoEspaña 2014, centrada en la fotografía española, incluye en esta edición tres exposiciones organizadas junto a Fundación Banco Santander. El Círculo de Bellas Artes de Madrid acoge así las muestras colectivas La Palangana y Fotografía 2.0. y la exposición individual de Josep Renau.

La Palangana da nombre a un colectivo de fotógrafos surgido en 1959 en el seno de la Real Sociedad Fotográfica madrileña. Se trataba de un grupo de amigos que compartían las

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mismas inquietudes estéticas y teóricas. Sus intenciones eran, fundamentalmente, apartarse de los criterios academicistas y del pictorialismo fotográfico imperante, así como dar un testimonio veraz de la España de su tiempo mediante sus imágenes. Para ello dirigieron su mirada a la periferia de la ciudad y a los pueblos, una actitud insólita y casi subversiva. La muestra, ubicada en la sala Goya, está comisariada por José María Parreño.

Desde sus distintas sensibilidades, estos fotógrafos plantaron la semilla de lo que hoy podríamos considerar un Neorrealismo espa-

Gerardo Vielva, Veraneo, Santander 1960 © Gerardo Vielva.

ñol y, junto a otros nombres señalados, constituyeron la llamada Escuela de Madrid. Al grupo fundacional de La Palangana, constituido por Leonardo Cantero, Gabriel Cualladó, Paco Gómez, Ramón Masats, Francisco Ontañón y Joaquín Rubio Camín se le sumaron en dos etapas sucesivas Fernando Gordillo, Gerardo Vielba, Juan Dolcet y Sigfrido de Guzmán, al tiempo que algunos de los iniciadores se distanciaron del proyecto. El nombre del colectivo procede de una fotografía, incluida en la exposición, realizada por Francisco Ontañón.

En ella vemos los retratos de los seis fundadores depositados en una palangana, un recipiente que utilizaban para el líquido revelador. Esta exposición estudia este episodio clave y poco conocido de la historia de la fotografía española, ofreciendo una cumplida muestra de la obra de sus participantes.

Fotografía 2.0.

La sala Picasso acoge por su lado la colectiva Fotografía 2.0. para la que su comisario, Joan Fontcuberta, ha seleccionado a una veintena de fotógrafos nacidos a partir de 1970 que han interpretado críticamente la nueva situación. Las primeras generaciones de fotógrafos se desarrollaron con la cultura visual de

Alejandro Guijarro. Estudio para una ciudad infinita IV / Study for an Endless City IV, 2012 © lejandro Guijarro

la pintura, otras tomaron el cine como referencia, las siguientes lo hicieron con la TV y finalmente ha irrumpido Internet como universo formateador del imaginario contemporáneo. Un universo caracterizado por un flujo de imágenes infinito.

Esta producción masiva de fotografías puede considerarse como un efecto del pos capitalismo y de la globalización que viene propiciado por una sucesión de innovaciones tecnológicas y culturales. El nuevo contexto ha trastocado las reglas de juego de la imagen. Los valores de la fotografía “sólida” que respondían a la cultura tecno-científica y a la economía industrial del siglo XIX son sustituidos por los de una fotografía “líquida” basada en la cultura de lo virtual y en las economías de la información del siglo XXI. Fotografía 2.0 pone de relieve estas transformaciones tomando como caso de estudio el ámbito español, en un momento en que se surge una oleada de jóvenes fotógrafos capaces de interpretar críticamente la nueva situación. La exposición se estructura en tres apartados. El primero se ocupa de aspectos como la banalización del acto fotográfico, la vorágine de los reality shows, el voyeurismo exacerbado y la pérdida de intimidad. El segundo atañe a las formulaciones de identidad social, a las narrativas biográficas, a las ficciones personales a la luz de las nuevas herramientas digitales. El último apunta al “inconsciente tecnológico” de la posfotografía, a los accidentes y fisuras que son reciclados artísticamente para desplegar un vocabulario estético innovador.

The American Way of Life El artista valenciano Josep Renau destacó sobremanera en la técnica del fotomontaje. Vinculado desde 1931 al Partido Comunista, su preocupación por la política y la influencia que recibió de movimientos artísticos como el expresionismo, el dadaísmo y el surrealismo le llevaron al convencimiento de que debía usar el arte como arma revolucionaria. Al término de la contienda española se exilió en México donde, influido por la proximidad con los Estados Unidos, comenzó la serie Fata-Morgana. USA – The American Way of Life. La muestra, comisaria por Josep Vicent Monzó, permanecerá abierta al público en la sala Minerva hasta el 27 de julio.

En este trabajo critica la Guerra Fría, el capitalismo, el racismo o el militarismo, muy influenciado por el artista alemán John Heartfield y con la pretensión de lograr la mejora de las condiciones de vida del ser humano. Esta exposición reúne la serie completa, compuesta por 69 obras, y rescata un trabajo que, lejos de envejecer, cobra especial interés en la actualidad, tanto por el contexto de crisis socioeconómica como por su reflexión sobre la función social del arte y la cultura.

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Josep Renau (1907– 1982), graduado en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos, fue director y fundador de Nueva Cultura y codirector de Verdad. Como Director General de Bellas Artes fue responsable de la salvaguardia del patrimonio artístico nacional durante la Guerra Civil. En 1937 participó en la realización del Pabellón de la Exposición Internacional de París encargando a Picasso la realización del Guernica. Tras años de exilio en México se instaló en Berlín Oriental en 1958 hasta su muerte y no regresó a España hasta la amnistía general de 1976.

Josep Renau, All men are created equal...

Serie The American Way of Life , 24, 1956 cortesía del IVAM , Institut Valencià d´Art Modern, Generalitat. Depósito Fundación Renau Valencia

Alberto García-Alix Un instante de eterno silencio, 2010 © Alberto García-Alix. VEGAP. Madrid 201

El Círculo de Bellas Artes y PHotoEspaña organizan Autorretrato, de Alberto García-Alix, que podrá visitarse en la Sala Picasso desde el 31 de julio al 28 de septiembre. La exposición, comisariada por Nicolás Combarro, forma parte de la Sección oficial de PHotoEspaña 2014.

Autorretrato no pretende ser un diario de Alberto García-Alix ni supone un ejercicio egocéntrico. El concepto de autorretrato es para él muy amplio ya que abarca una gran parte de su obra en la que se considera reflejado. Es difícil encontrar en su trabajo alguna pieza que no sea intensamente autorreferencial y podría decirse incluso que toda su obra, en conjunto, forma un gran autorretrato.

La muestra recorre su trayectoria desde los primeros autorretratos realizados a finales de los 70 hasta la actualidad. Un ejercicio continuo de búsqueda y experimentación sobre sí mismo y su vida.

La exposición incluye 72 imágenes, además de su obra en vídeo más autobiográfica hasta la fecha De donde no se vuelve.

Alberto García-Alix (León, 1956) ha recibido los principales premios españoles en reconocimiento a su carrera: Premio Nacional de Fotografía (1999), Premio de Fotografía de la Comunidad de Madrid (2004) y Premio PHotoEspaña (2012).

Su obra también se ha desarrollado en Francia y China, donde ha trabajado y residido. Desde 1981 ha realizado numerosas exposiciones entre las que destacan las de Les Rencontres Internationales d’Arlès y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Ha publicado una docena de libros de fotografía y ha firmado vídeos de creación donde palabra e imagen se fusionan. Su faceta de escritor se refleja en la publicación de cerca de 50 textos ensayísticos, relatos y cuentos en prensa diaria, revistas culturales y libros de imágenes. Como editor creó la revista de culto El canto de la tripulación y codirigió la colección Los Libros del Cuervo.

Cámaras de Colección

Jsolette Agfa En 1926 comenzó su andadura la empresa alemana Agfa como productora de cámaras fotográficas, siendo su primer modelo la “Agfa standard”, que ya lucía el típico rombo de la marca. Entre 1937 y 1950, esta empresa fabricó una cámara a la que llamo Jsolette, construida en la ciudad de Múnich (Alemania) por Agfa Kamera Werk, pasaría a llamarse posteriormente Isolette.

Se trataba de una cámara de tipo petaca fabricada en metal y forrada de material sintético negro, con un peso de 580g. Su objetivo Agfa varió (para los primeros modelos) 4,5 a F32 con diafragma de 10 palas y velocidades de 1 a 1/200 y B modelo pronto, usa película de 120 (12 fotogramas en 6x6) de avance nanual con inclinación de paso en la ventana trasera en rojo, un visor de mirada directa y fuelle de apertura automática.

Se fabricaron varios modelos: Jsolette, Isolette II, Isolette III, Isolette L y Isolette súper, este último modelo sigue siendo objeto de culto de muchos fotógrafos coleccionistas por su calidad y fácil transporte para una cámara de formato medio.

texto y fotografías

Miguel Hidalgo

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José Miguel Martínez

Se-

Jose Miguel Martinez

Sebastiao Salgado Serie “Grandes Fotógrafos”

A

sus 70 años, después de haber recorrido el mundo con sus Leicas al hombro y con su eterna mirada en blanco y negro, Sebastiao Salgado está considerado hoy, seguramente, como el máximo exponente del documentalismo social y el reporterismo fotográfico más comprometido. Alabado y criticado igualmente, sus imágenes no dejan indiferente a nadie. Pero por encima de otras consideraciones, la belleza e intensidad de las mismas, no dejan lugar a dudas de su calidad como fotógrafo.

S

algado, nacido en Aymorés (Brasil), llegó a la fotografía a una edad ya avanzada.

Estudia Economía en Sao Paulo y en 1969 se traslada a Paris junto a su esposa Lélia sin la que seguramente su trabajo no habría tenido la misma repercusión. Trabajando en Londres para la Organización Internacional del Café y

con ocasión de frecuentes viajes a África en comisiones para el Banco Mundial, realizó sus primeras fotos con una Leica de su mujer y quedó para siempre atrapado por la fotografía que, inmediatamente, comenzó a invadir su vida. En 1.973 decide dejar su trabajo como economista para comenzar su carrera como fotógrafo. Con las agencias Sigma y Gamma

r

ealizó reportajes en Europa, África y Latinoamérica y en 1979 entra a formar parte de la legendaria Magnum Photos. Trabajando para ésta tuvo el privilegio de ser el único fotógrafo que registró el atentado contra el entonces presidente de Estados Unidos Ronald Reagan. Estas fotografías fueron publicadas en los medios de todo el mundo, catapultándolo a la fama, pero no era esto lo que más interesaba a Sebastiao. El quería recoger con su cámara el drama social y humano que ya venía mostrando en libros como “Otras Américas” o “Sahel: El fin del camino”, donde recoge la pobreza en América Latina y la tragedia de la sequía en el África Subsahariana. En 1.994, siempre con su inseparable esposa Lélia que organiza y cataloga su trabajo, prepara sus libros y lo anima continuamente, funda la agencia Amazonas Images exclusivamente para distribuir y publicar sus propios trabajos.

S

ebastiao Salgado es un fotógrafo de largos recorridos. Sus trabajos son dilatados en el tiempo porque no pretende llegar, hacer fotos y largarse.

El llega para quedarse, para vivir con y como la

gente que fotografía, para impregnarse del entorno que quiere mostrar y así poder hacerlo con la intensidad y la fuerza que pretende.

Entre 1.986 y 1.992 se ocupó en recoger la labor de los trabajadores manuales por todo el mundo para culminar con el libro “Workers”.

Desde 1.993 a 1.999 concentró sus esfuerzos en el fenómeno de los grandes movimientos de personas a lo largo de todo el mundo, fotografiando de manera sobrecogedora a los refugiados como consecuencia de los desastres naturales y las guerras y a las personas que se ven obligadas a emigrar huyendo o buscando una vida mejor y dando como resultado sus libros “Exodos” y “Los niños de exodos”. En su último trabajo “Genesis” ha invertido ocho años en viajar por 32 países buscando los paraísos de la tierra, los lugares aún preservados de la destrucción medioambiental.

S

in perder nunca la visión del economista que es, salgado ha querido conocer política, sociologica y antropológicamente el entorno en el que trabaja, la sociedad, el planeta que habitamos. Le interesan ante todo las personas y descubrir el significado de lo que a ellas les sucede. El profundo respeto que profesa a los sujetos que fotografía se plasma en imágenes

que dan testimonio de la dignidad de los seres humanos y denuncian a la vez que esa dignidad es continuamente violada. Pero Sebastiao no cree hacer fotografía de protesta, sino que su trabajo es el resultado de una forma de mirar, es como él ve y entiende el mundo y la sociedad que lo rodea.

S

u lenguaje es el blanco y negro. Aunque cuando trabajaba para otras agencias hizo fotos en color, dice no recordar ni siquiera donde paran esos negativos.

El blanco y negro le ayuda a concentrarse en lo que quiere, conoce como se va a reflejar la luz en la imagen y como va resultar ésta reducida a la abstracción de la gama de grises.

Sabe cuidar como nadie la luz y la composición obteniendo bellas e impresionantes fotografías perfectamente equilibradas y tratadas que, a mi entender, en nada restan fuerza e intensidad al motivo que recogen. Sus fotos nunca son robadas, cuentan con la complicidad del retratado, lo que da una idea del respeto y la dignidad que le inspiran las personas y los entornos que las protagonizan. En su último trabajo “Genesis” ha empezado a trabajar en digital ante la dificultad cada vez mayor de viajar y atravesar sistemas de seguridad de aeropuertos cargado de material fotográfico.

Sebastiao Salgado

Empezó a probar primero con una Pentax de formato medio digital convenciéndose de que el formato Raw le ofrecía la calidad necesaria para su trabajo. Posteriormente empezó a utilizar satisfactoriamente una réflex digital de Canon que le ofrecía la misma calidad y le permitió volver a trabajar como lo hacía antes.

P

aradójicamente, por la belleza de sus imágenes ha sido largamente criticado, siendo acusado reiteradamente de buscar el efectismo en beneficio propio, de hacer mercantilismo con la miseria y

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la pobreza o de anestesiar las conciencias fotografiando bellamente el drama humano haciéndole perder autenticidad, como declaró la escritora Susan Sontag. Personalmente no comparto estas críticas, ni las entiendo. ¿Es que para que una foto remueva conciencias debe estar mal hecha o ser fea?, ¿es necesario que una foto que refleje el drama social para denunciarlo, no tenga una luz cuidada o una buena composición?. Creo que es precisamente lo contrario, una foto para que impacte en el observador debe estar bien hecha y si es bella aún mejor porque atraerá más miradas. no me

cabe ninguna duda que tras la primera mirada el espectador se concentrará y entenderá la realidad que la imagen refleja, si ésta tiene la fuerza, intensidad y desgarro necesarios. Las fotografías de salgado son así. La maestría y la elegancia, el respeto y la plasticidad con que están hechas no restan ni un ápice de autenticidad al drama social o a la situación que recogen. Prueba de ello es la conmoción que sus primeras fotos de África causaron en Estados Unidos donde algunos editores las consideraron demasiado perturbadoras para sus lectores. Considerar a Sebastiao un mercantilista es desconocer su trayectoria paralela a la fotografía. Este hombre ha colaborado con las más importantes organizaciones humanitarias del mundo como Médicos sin fronteras, UNICEF, de la que es embajador de buena voluntad, ACNUR, Amnistía Internacional o la Organización Mundial de la Salud, cediendo en muchas ocasiones los derechos de sus obras en favor de la labor de las mismas. Con ésta última y con UNICEF hizo un libro sobre el esfuerzo para erradicar la polio y presta continuamente su apoyo a muchos proyectos humanitarios y en favor de la infancia. Pero, sobre todo, lo importante de las fotos de Salgado es que provocan el debate y la dialéctica. Demuestran que se pueden y se deben hacer cosas en vez de limitarse a comentar lo que otros hacen.

Seguramente nos lleven a reflexionar sobre el papel y la responsabilidad de la fotografía en la lucha contra la injusticia.

D

e lo que no cabe duda es de que Sebastiao Salgado es un gran fotógrafo, lo que le ha valido para ser premiado repetidamente con distinciones como el WorldPressPhoto o el premio Príncipe de Asturias de las Artes. Es un artista en toda regla, cargado de humanidad, que ha sabido conjugar como nadie la denuncia social con la belleza y maestría de sus imágenes. Ha sido referente indiscutible para miles de fotógrafos en el mundo, sin que, creo, que haya ninguno que no haya recibido alguna influencia de su obra. A su edad sigue siendo incansable, persiguiendo siempre nuevos proyectos. Ha declarado querer hacer un trabajo sobre la amazonia, lo que nos da esperanzas de poder seguir disfrutando con sus obras. En Mayo de este año hemos podido verlo en Mazarrón como invitado estelar del Encuentro Fotográfico “Fotogenio”.

José Miguel Martínez

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QUIMICOS Y Lo Que Pudo Haber Sido

DECIBELIOS E

l mundo de la música y de la fotografía o la imagen en general, siempre han estado muy ligados. Siempre ha existido la necesidad de poner cara a aquellos trabajos discográficos y dejar constancia a lo largo del tiempo, de las singularidades de los músicos. En el mundo de la imagen musical, las portadas de los vinilos, Lp´s, cassettes o compact discs, son, sin duda, la punta del iceberg para una exitosa carrera. Todos recordamos aquel álbum de nuestro artista o compositor preferido a través de la imagen mental de la portada de su disco.

L

as discográficas encargaban miles de imágenes y gastaban cientos de dólares en artistas fotógrafos y gabinetes de comunicación y promoción para conseguir una portada exitosa. El conseguir una imagen icónica que hiciese justicia a lo que el consumidor iba a encontrar en el interior del disco al escucharlo o que fuese en consonancia con la imagen que el músico o grupo musical quería transmitir al oyente, se había convertido en la búsqueda del santo grial musico-fotográfico de finales del siglo pasado. Artistas como Annie Levobitz, Andy Warhol, Eric Meola, William Eggleston o el estudio de diseño de Hipgnosis, etc trabajaron, junto con otros muchos artistas, en este sentido.

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QUIMICOS Y

DECIBELIOS Y

por supuesto, para llegar a la portada final, había detrás un trabajo a veces casual y otras titánico que obligaba a sesiones desarrollando muchas ideas y que generaban un número importante de imágenes descartadas. La fotografías de las portadas mas míticas, no fueron en casi ningún caso, fruto de la casualidad, sino de largas sesiones de trabajo o preparación previa(o no tan largas, como el ejemplo de la sesión para Abbey Road, que duró tan sólo diez minutos).

E

n muchas ocasiones se partía de ideas geniales, como en el caso de Nirvana y la sesión de piscina para su album “Nevermind”, que fueron entrañablemente desechadas y acabaron usando ese mítico bebe con un anzuelo y un billete.

E

stas imágenes dan una buena idea acerca del proceso de creación de portadas que han pasado a ser iconos de la historia de rock. Os traemos un vistazo a tomas alternativas y descartadas, que pudieron ser portadas de discos clásicos del rock, pero que no lo fueron. The Beatles, The Doors, Fleetwood Mac, Nirvana, Ramones o Bob Dylan fueron el blanco de estos descartes.

José Francisco Góngora

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Grupo Indalo Foto

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“Mis influencias las vivo a diario conforme veo los trabajos que se van publicando.”

“me gusta contar historias y las historias las cuentan las personas”

Alfredo Romero El Porfolio Destacado José Francisco Góngora

El fotógrafo almeriense Alfredo Romero irrumpe en el Grupo Indalo Foto en el año 2011 cargado de fantásticas imágenes capturadas con su Canon. Poco a poco esas imágenes y las que el destino fotográfico le depararían posteriormente, le han llevado a firmar con un sello propio, tanto las noches de Jarapilla, como cada uno de los que observamos su obra.

Su fotografía es un trabajo de dedicación exquisita, unida a un muy buen ojo fotográfico.

Nunca duda en contar una historia si la imagen se lo permite y desde luego a nadie deja indiferente.

2013 fue una año singular en su trayectoria fotográfica, cosechando muchísimos éxitos en todos los ámbitos. Sin duda, un trabajo estupendo que le llevó a ocupar un más que merecidísimo cuarto puesto en el concurso “la jarapilla”, en la edición de ese mismo año.

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Hoy queremos hacer llegar esa imagen personal que tiene como fotógrafo, desgranar su alma con sus palabras y sus imágenes.

Alfredo. ¿Recuerdas cómo comenzaste con esto de “la fotografía”?.

Realmente colecciono imágenes desde que no era ni consciente de mi afición por la fotografia. Recuerdo de pequeño gastar carretes tras lo que me llamase la atención con una pequeña compacta, para desesperación de mis padres.Un poco mas tarde me fui dando cuenta de esta necesidad de capturar momentos y desde que compré mi primera reflex y mi estudio de revelado en b/n (hace a mas de 20 años) me lo tome mas en serio.

“Todo el proceso creativo debe ser una diversión, una terapia, una manera de reconciliarte con el mundo.”

Te voy a hacer recordar. Si tuvieses que elegir una imagen que te impactase en tus comienzos y que hayan influido en tu fotografía. ¿Cuál sería?.

Te vas a reir, es un clásico, pero la foto de Steve Mccurry de la niña afgana me cautivó en el momento de su publicación y tal huella dejó en mi memoria, que cuando planteamos el reto en la jarapilla de Noviembre 2013 sobre MIRADAS, no dude en interpretrarla (con todos los respetos del mundo), me lo pase muy bien.

Se de buena tinta que antes de llegar al Grupo Indalo Foto ya tuviste una buena experiencia en sociedad con otros fotógrafos. Nos cuentas algo de aquella vivencia.

Algo fundamental para crecer personalmente junto a esta afición es compartirla. La llegada de internet y con ella de páginas especializadas que te facilitaban esta labor (recuerdo focofijo.com) me puso muy fácil el conocer obras y relacionarme con autores de todo el país, incluso conseguimos realizar una exposición colectiva con fines beneficos en Almuñecar (Granada).

Entre estos autores, coincidimos varios de Almería y decidimos realizar durante un tiempo proyectos juntos bajo el nombre de “6 miradas”. ¿Qué queda de aquel fotógrafo que comenzaba hace años?¿Las motivaciones son las mismas?.

Queda poco, inevitablemente se evoluciona, conforme se aprende se es mas crítico y exigente y aún me queda mucho por evolucionar.

Las motivaciones si son las mismas, divertirme. Todo el proceso creativo debe ser una diversión, una terapia, una manera de reconciliarte con el mundo.

Todo fotógrafo ha tenido sus maestros. ¿Cuáles han sido tus mayores influencias a la hora de dedicarte a la fotografía?

No puedo darte un nombre. Mis influencias las vivo a diario conforme veo los trabajos que se van publicando.

Quiero empaparme de una buena imagen ya sea tuya o de Cartier-Bresson.

Si algo sabemos aquellos que seguimos tu obra, es que eres un fotógrafo multidisciplinar, pero ¿En qué genero se mueve más cómodo Alfredo Romero?

Ya te he comentado que colecciono imágenes y dependiendo del momento y la motivación personal desarrollo un género u otro. Ahora bien, me gusta que

en mis fotografías exista el elemento humano (presencia o acción) porque sabes que me gusta contar historias y las historias las cuentan las personas, pero si ante mis ojos se presenta un bello paisaje, no dudes en que lo fotografiaré.

Los ejercicios temáticos son una de tus especialidades dentro del concurso “la Jarapilla”. Me atrevería a decir, que con los que más disfrutas. Por eso esta pregunta es obligada. En tu fotografía, ¿la imagen se crea o se encuentra?.

Difícil pregunta. En general encuentro la imagen, pero no me cabe duda que si la encuentro es porque ya en mi cabeza inconscientemente la había imaginado (sabiendo lo que quiero y como encajarlo), así es posible verla en el momento mas inesperado; viendo una película, en una conversación...etc. ¿Cuál ha sido la fotografía mas difícil que has hecho?.

Difícil por querer conseguir la idea, mas que por técnica. Fue el retrato en la calle de un drogadicto. Para que se prestase me las tuve que ingeniar a través de un asistente social que lo convenció y me autorizó a poder publicar las fotografías, y asi en mitad del paseo de Almería pude realizar un reportaje con algunas fotos muy impactantes.

Esta pregunta se convierte ya en un clásico en mis entrevistas. Se valiente ¿Angular o tele?.

Me quedo en el termino medio, tan importante es acercar el foco como conseguir el ambiente de alrededor. Me quedo con el 24-105mm.

Si hay alguien que tiene un estilo muy definido a la hora de procesar una imagen, ese es Alfredo Romero. ¿Cómo de importante consideras el postprocesado dentro de tu proceso creativo?.

Estamos hablando del “positivado”, al igual que en la reveladora, tras tomar la imagen en mi cámara, he de terminar el trabajo informáticamente para que el resultado final sea el que yo quiero, ya sea un simple ajuste de luces, como una edición por zonas, o lo que la foto me pida en ese momento.

Para Alfredo Romero, lo importante en una fotografía es …

Que no te deje indiferente.

Cuando vas a comprar un libro de fotografía. ¿Prefieres un libro de técnica o de obra de autor? Cual es libro que Alfredo Romero recomendaría a cualquier fotógrafo.

Mas bien de técnica. Como no puede ser de otra manera, me encanta ver fotografías y rendirme ante ellas, sean de quien sean y como espectador disfrutar del resultado final. Pero para llegar a ese resultado hay mucho trabajo y técnica y esa no la enseña la imagen.

Si pudieses tener un deseo, ¿Cuál sería tu sueño fotográfico?

Realmente estoy viviéndolo dentro del grupo. Tengo la oportunidad de poder seguir aprendiendo y compartiendo, exponiendo, desarrollando trabajos colectivos con repercusión...etc. Espero poder crecer y disfrutar de esta bella afición durante todos los días de mi vida.

Boys smoke on a street in west London, 1956.

Photograph: Roger Mayne/ Getty Images

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LA FOTOGRAFĂ?A DESTACADA

Hoy día es imposible permanecer dentro de la comunidad fotográfica y no conocer lo que ahora denominan el “Street Photography” para referirse a la fotografía callejera. Un término inglés que cada vez suena más para referirse a esas escenas de ciudades y ciudadanos que con el tiempo cada vez van adquiriendo un mayor valor artístico y documental. Son incontables los nombres propios dentro de esta disciplina que han pasado a los anales de la historia, nombres como Henri Cartier-Bresson, Vivian Maier o Garry Winogrand. Su forma de entender la fotografía y su aproximación a la vida cotidiana, hicieron de la street una manera de fotografiar con multitud de planteamientos e infinidad de posibilidades visuales.

Hoy este tipo de fotografía nos trae un nombre propio que es noticia desgraciadamente. El pasado 7 de junio falleció Roger Mayne, otro de los grandes, uno de los fotoperiodistas británicos más admirados del siglo XX. Roger Mayne fue un fotógrafo Inglés (nacido el 5 de mayo de 1929 en Cambridge y fallecido el 7 de junio de 2014) famoso por su documentación de los niños de Southam Street de Londres.

El mismo se definió como: “Soy un fotógrafo documentalista, siempre he tenido el hábito de observar. Me atraían las áreas más pobres de la ciudad, donde la presencia de niños era muy evidente. La calle era como su propio patio, y siempre estaban dispuestos a ser fotografiados.”

Roger Mayne estudió química en el Balliol College de la Universidad de Oxford. Entre los químicos, se interesó en el proceso fotográfico coincidiendo con Hugo van Wadenoyen, una figura clave en la ruptura de la fotografía británica con el pictorialismo. Su graduación en 1951 le dio la posibilidad de fotografiar por hobby, hasta que las fotografías que tomó en una representación de ballet fueron publicadas en la revista Picture Post.

“Fotografía Humanitaria” es el nombre que muchos estudiosos de la fotografía han dado a su trabajo debido a una razón de profundo calado: Conseguir mostrar la vida de la clase trabajadora londinense, y en especial, de los niños, a través de una fuerza sobrecogedora.

Roger Mayne se ha ido, pero afortunadamente nos queda su legado fotográfico, obras que han sido expuestas en galerías y centros de arte de renombre mundial, », como la

Corría el año 1972, cuando Toni presentaba su primera nuevos valores de las artes plásticas españolas junto con exposición y desde entonces, sus obras han viajado obrasladeGalería artistasVictoria consagrados Picasso,de Dalí y Miróy NationalPortraitGallery de Londres, la Galería Tate depor Liverpool, de Bathcomo o el Museo Victoria diversosdepaíses, participando tanto en exposiciones Investigador e incansable autodidacta, en sus comienzos, Alberto Londres. individuales como colaborando con otros autores.

Catany trabajó e investigó las técnicas antiguas de reproducción fotografía, como el calotipo.

Para los españoles tiene un significado especial también.

Durante losde años 60 se pasó a la fotografía enIntentó color y Ya en 1989 fue un la muestra plasmar la belleza de lossus paisajes y en las las naturalezas dedicó una parte deintegrante la obra quede elaboró en esacolectiva época a España y Grecia, publicando artículos revistas a ‘España ahora’ organizada Tokio, en la que participaron muertas, para pasar posteriormente a buscarla en el color New Sunday Times yen Observer.

Nuestra fotografía destacada en esta ocasión va para él, con su obra mas característica, a modo de pequeño homenaje.

José Francisco Góngora Pellicer

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LOS NUEVOS INDALOFOTOS | 2014

177 | ANNA MAJ MICHELSON

178 | YUSEF CHULLAJ

179 | ALBERTO BASCUÑANA

180 | JORGE JIMÉNEZ RAPALLO

183 | JUAN JOSÉ MONTES FERRE

184 | JAIME BERENGUER JIMÉNEZ

185 | EDUARDO HERNÁNDEZ DE HARO

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P A R A

M A S

I N F O R M A C I O N

V I S I T A

W W W . G R U P O I N D A L O F O T O . C O M

s o N s o m e v o M

“Porque la fotografía no se disfruta sólamente con el momento de la captura ...”

NOS MOVEMOS Comienza el año cargado de ilusiones y nuevas propuestas. 2014 ha sido un año de cambios, con nuevas caras en la dirección del grupo. Las jarapillas, las reuniones de pincipio de mes, las exposiciones individuales y los cursos han sido una tónica a lo largo de todas las jornadas.

Iniciamos el año con la entrega de premios del concurso “La Jarapilla 2013”, como siempre, en las instalcaiones del bar Capitol. Carmen Pascual, Miguel Pérez “Er Juli” y Ángel Soler fueron los ganadores repectivamente en una noche mágica y una cena estupenda.

Con motivo de la muestra retrospectiva que el CAMA (Centro de Arte Museo de Almería) dedicó a la obra del gran fotógrafo Carlos Pérez Siquier el Grupo Indalo Foto organizó una visitia guiada con el gran privilegio de que el propio autor ejerciera de cicerone y presentara su obra a través de sus ojos y recuerdos, algo que pocos pueden disfrutar. Aprovechamos además la ocasión para entregarle un obsequio, la edición impresa del número cuatro de la revista Digital Indalofoto, dedicada ,precisamente, a su figura.

NOS MOVEMOS

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I N F O R M A C I O N

V I S I T A

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En lo que llevamos de 2014, dos cursos han ocupado esta parcela de la actividad del grupo. A finales de mayo y comienzos de junio tuvo lugar el curso de iniciación en el uso de cámaras digitales, con un notorio éxito de participación, tanto de socios como de usuarios no socios. Las clases teóricas se compaginaron con una salida práctica de lo mas útil.

El segundo de los cursos estuvo a cargo del profesional Antonio Ciendones. Un curso sobre Photoshop CS6 avanzado donde depurar técnicas de procesamiento fotográfico y flujos de trabajo novedosos. Otro éxito de asistencia y aprovechamiento

Carmen Pascual nos deleitaba a comienzos de año con una exposición en las instalaciones de Canal Sur Almería, llamada Imaginación de la Realidad. En marzo participaba en FACBA ´14, Feria de Arte Contemporaneo de la Facultad de Bellas Artes de Granada, en el stand del centro de arte MECA de Almería.

NOS MOVEMOS

Carmen Pascual y Anna Maj Michelson, participaban en una muestra organizada por el centro de arte MECA en las instalaciones del Museo de Almería. El Grupo Indalo Foto no dudó en apoyar esta iniciativa de dos de sus socias y disfrutar de sus magníficas fotografías en un evento muy especial.

P A R A M A S I N F O R M A C I O N

Nuestra compañera Carmen Pascual, muy activa este año, participaba en la IV edición de la muestra de arte contemporáneo ARTE GIRA que se celebró en la Facultad de Bellas Artes de Granada organizada por el centro de arte MECA de Almería

Inmaculada Jiménez tenía por fin la satisfacción de poder ser profeta en su tierra, Ceuta, participando en una muestra junto con diferentes autores. La experiencia fué toda una maravilla. 17 Miradas se estrenaba el 6 de Junio y duró hasta el 6 de Julio.

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Miguel Hidalgo, a lo largo del verano, nos traía una muestra sobre su particular visión fotográfica. En esta ocasión, las “Texturas de Pitas” nos brindaban la posibilidad de ver magistrales composiciones y hallazgos imaginativos sin igual.

V I S I T A

Miguel Pérez “er Juli”, José Francisco Góngora y Javier Márquez, participan en una exposición íntima y personal en las antiguas instalaciones de la Casa Melilla [1:1] Es un muestra de grandes fotografías en el singular formato cuadrado y con un montaje exquisito.

Juan Enrique Moya, durante el mes de Junio, nos deleitó con un pase fotográfico titulado “De lo Instantáneo y todo lo demás”. Las instalaciones del Bar Capitol vuelven a ser el punto neurálgico del grupo en una noche fotográfica con nombre propio. Juan Enrique nos trajo toda una cosecha de sus mejores fotografías y su particular visión fotográfica, así como sus laboriosos y cuidados trabajos en pos de la consecución de una imagen.

P A R A

M A S

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NOS MOVEMOS

El Grupo Indalo Foto, se desplaza, a mediados de mayo, al encuentro fotográfico por escelencia del sur de España. En esta ocasión, los ponentes eran de renombre. Sebastiao Salgado, Eugenio Recuenco o José María Mellado, eran la punta de lanza de una jornadas que no quisimos perdernos. Por supuesto, no falto nuestra tradicional fotografía con nuestro querido, José María Mellado. Unas jornadas de convivencia sin igual.

NOS MOVEMOS Durante los meses de Junio y Julio Carmen Pascual exponía en la Librería Picasso de la capital almeriense.

P A R A

Como dijimos, 2014 es un año de cambios. A finales de marzo, se llevó a cabo una Asamblea General de todos los socios, donde se renovó el equipo directivo de la Asociación.

Desde aquí queremos agradecer al ya ex-presidente, Miguel Hidalgo y a los miembros de su Junta Directiva, su dedicación y entrega a lo largo de todos estos años, nunca lo olvidaremos. La nueva directiva está formada por:

Secretario: José Miguel Martínez

Vocal de publicaciones y patrimonio Cultural: Cristóbal Barea

Miguel Hidalgo, a lo largo del verano, nos traía una muestra sobre su particular visión fotográfica. En esta ocasión, las “Texturas de Pitas” nos brindaban la posibilidad de ver magistrales composiciones y hallazgos imaginativos sin igual.

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Vocal de planificación y comunicación: Ángel Soler

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Tesorero: Juan Enrique Moya

Miguel Pérez Er Juli gana el concurso de Onda Cero sobre Espacios Naturales, en su edición de paisaje.

Esta muestra, junto con otros autores, formará parte de una exposición itinerante que recorrerá Almería y en la que participarán tambien otros autores de la asociación, como Miguel Hidalgo, José Francisco Góngora o Rafael Ramos.

I N F O R M A C I O N

Vicepresidente: José Franciso Góngora

Desiderio Sanz Gana el 2º Concurso al fotografo Revelación Foto-Tecnica, por su trayectoria mostrada a lo largo de todo el Concurso “La Jarapilla” de 2013. Su premio fué entregado en abril de este mismo año.

M A S

Presidente: Luis de la Poza

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NOS MOVEMOS

Por fín arranca el ilusionante Proyecto J. La noche de Jarapilla siempre es especial. Sobre la mesa se muestran numerosas capturas que han sido tratadas y cuidadas con mimo.

I N F O R M A C I O N

V I S I T A

El proyecto J nace para dar valor y homenajear a todos aquellas fotografías que se han presentado a lo largo del año y a sus autores. Fotografías que han hecho de esa noche fotográfica, la piedra angular del Grupo Indalo Foto y una cita ineludible para todos los fotógrafos.

P A R A

M A S

Alfredo Romero hace un trabajo exquisito a través del montaje de dos vídeos, un trailer y un vídeo definitivo. Un trabajo fantástico antesala de mayores proyectos.

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Buen hacer en el montaje preparatorio de la exposición: Milenio de Almería: Mil años de luz y cuarenta formas de mirar. Todas las manos son pocas, pero las vuestras, las mejores ...

NOS MOVEMOS Sin duda, dejamos para el final el plato fuerte del año. Por lo menos uno de ellos. El pasado 11 de Septiembre se inauguraba la fantástica exposición fotográfica: Milenio de Almería: mil años de Luz y cuarenta formas de mirar, con un rotundo éxito de asustencia en el día de su inauguración. El patio de Luces de la Excma. Diputación de Almería era el escenario perfecto para realizar dicha muestra.

P A R A

Desde el Grupo Indalo Foto queremos dar las gracias a todos aquellas personas que compartisteis con nosotros aquellos fantásticos momentos y a los que lo habéis hecho posible, tanto autores, montadores, instituciones, etc.

M A S I N F O R M A C I O N

Miguel Pérez Er Juli gana el concurso de Onda Cero sobre Espacios Naturales, en su edición de paisaje. Esta muestra, junto con otros autores, formará parte de una exposición itinerante que recorrerá Almería y en la que participarán tambien otros autores de la asociación, como Miguel Hidalgo, Jose Francisco Góngora o Rafael Ramos.

Personalidades de todos los tipos y grandes fotógrafos, como son el caso de Carlos Pérez Siquier o Antonio Garcia “Che” no dudaron en compartir esos momentos tan importantes con nosotros.

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