Es Madrid no Madriz Magazine

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NĂşmero 27 / Octubre 2014

Editorial esde la Edad Media, e incluso antes, la región de Madrid ha sido tierra de paso para las diferentes culturas que han pasado por España, su situación estratégica, en medio de la península ibérica, ha hecho que también sea tierra de paso para migración de norte a sur y de sur a norte del ganado, especialmente ovino, en lo que se denomina como la Trashumancia, una migración que dejó de ser productiva ya en el siglo pasado y que hoy, con las modernas técnicas de ganadería ha dejado de existir.

Sin embargo, la importancia histórica y cultural de estas rutas para la migración del ganado queda reflejada en la inmensa red de vías pecuarias que se extienden por todo el país y muy especialmente las Cañadas Reales.

D

Por la región de Madrid pasan cuatro de las diez cañadas reales que cruzan España, una de ellas por el mismo centro de la capital, se trata de la Cañada Real Galiana que pasa por lugares tan emblemáticos como la calle de Atocha, la Puerta del Sol o la calle de Alcalá. Por estas mismas calles, desde hace veinte años, diversas asociaciones culturales y ganaderas, organizan una fiesta reivindicativa conocida como la Fiesta de la Trashumancia que se organiza en el mes de octubre y que, por un día, Madrid recupera su esencia de pueblo castellano gracias a la invasión de cientos de ovejas merinas para sorpresa de propios y extraños. La aparición de las ovejas en pleno centro de la ciudad es uno de los espectáculos más curiosos y provoca todo tipo de reacciones, especialmente en algunos niños, pequeños urbanitas que no han visto una oveja en su vida.

Pese al carácter festivo de este evento, la Fiesta de la Trashumancia es también un acto reivindicativo que sirve no sólo para recordar la importancia histórica de las cañadas reales y vías pecuarias, también para recordar a las administraciones su deber de proteger y conservar estas rutas de extrema importancia para la cultura y el medio ambiente. Por este motivo el tema central de este número lo hemos dedicado a este arte ancestral que es la Trashumancia.

Ramón Rivas

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Sumario

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NOTICIAS

10

Reportaje. LA FIESTA DE LA TRASHUMANCIA

24

Madrid Comunidad. NUEVO BAZTÁN

34

Madrid Natural. EL GALLIPATO

38

Viajar. JERUSALÉN

46

Personajes. SANTIAGO FAJARDO

52

Arte. KOLIA / PABLO UGARTETXEA

60

Fotografía. MAGGIE CARDELÚS

78

Cine. FESTIVAL CINE DE MADRID / CINE DOCUMENTAL

92

Escena. PABLO RAIJENSTEIN

100

Música. DEAD BRONCO

106

Libros

110

Tiendas. NUNOS

112

Comer. VILLOLDO

116

AGENDA

122

24 34 52 66 78 100

Reportaje. LA FIESTA DE LA TRASHUMANCIA

Madrid Comunidad. NUEVO BAZTÁN

Personajes. SANTIAGO FAJARDO

Arte. PABLO UGARTETXEA

Fotografía. MAGGIE CARDELÚS

Escena. PABLO RAIJENSTEIN

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ES MADRID NO MADRIZ MAGAZINE La única revista online dedicada a Madrid y a la cultura Es Madrid no Madriz Magazine es una revista independiente, online y gratuita dedicada exclusivamente a la cultura, el ocio y el espectáculo. Reportajes, noticias, personajes, artistas, la mejor música, lo mejor del mundo de la escena y el entretenimiento. Los mejores bares, restaurantes y la mejor agenda cultural de la ciudad y la Comunidad de Madrid, es todo lo que vas a encontrar en este magazine.

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Número 27 / Octubre 2014

COLABORADORES Antón Pérez

Magazine

Araceli Tzigane Carmen Martínez de Artola Marco Alom Pilar Sarro

IMAGEN DE PORTADA:

MAQUETACIÓN

“Requiescat in pace” Cortesía de Ausín Sáinz www.ausinsainz.es

Maite Rivas

FOTOGRAFÍA Archivo EMNMM

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La Laguna Mensual Nicolás Rodríguez (Kolia) Fundación Lázaro Gadiano

Edita: Es Madrid no Madriz Magazine ISSN 225-5846

Ayuntamiento de Madrid

Apdo. Correos 14.544

Bar Villa de Verín

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Comunidad de Madrid

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Caminos a la escuela: 18 historias de superación

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Foto: Nichole Sobecki - Sipa Press

Esta exposición muestra los trabajos de 18 fotoperiodistas, que describen los desafíos a los que se enfrentan niños de todo el mundo para llegar cada día a sus escuelas, a veces con un gran riesgo personal y sin perder la esperanza de que a través de la educación alcanzarán una vida mejor.

Para la mayoría de nuestros niños ir a la escuela representa un pequeño gesto, como dar un corto paseo o 10 - EMNMM

subirse al autobús del colegio. Pero para otros, significa cruzar montañas, desiertos, ríos, aguas heladas, escenarios de conflictos armados o barriadas extremadamente peligrosas. Sacrificios inconcebibles que para ellos merecen la pena porque son conscientes de que acceder a la educación es su única salida hacia una vida mejor. Su actitud demuestra que, gracias a su determinación y tesón, podrán acceder a la educación a pesar de tener que sortear obstáculos tan arraigados como

Noticias

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la pobreza, la desigualdad de género, la marginación social, la inseguridad en las zonas urbanas, los peligros naturales o las situaciones de conflicto.

En 2012 dieciocho periodistas gráficos de Sipa Press viajaron por el mundo para capturar esta impactante y conmovedora colección de imágenes. Mientras seguían los pasos de escolares de todo el mundo descubrían estas barreras no sólo en países tan previsibles como Nigeria, Tailandia, Libia o India, sino sorprendentemente, también en países del denominado “primer mundo” como Japón, Francia o Estados Unidos.

Historias reales, con nombres y caras, están presentes en esta exposición de fotoperiodismo que a través de un sugerente diseño expositivo invita al visitante a viajar con estos niños, compartiendo sus desafíos, y a reflexionar sobre las tremendas circunstancias que a día de hoy siguen impidiendo a muchos niños acceder al Derecho Humano a la Educación, una de las metas fundamentales para la UNESCO. A pesar de todo, las 134 imágenes presentes en esta exposición, y sus 18 historias, demuestran que estos niños son capaces de romper barreras geográficas, sociales, económicas y de género para poder aprender.

Esta exposición, encargo de la UNESCO a la agencia SIPA PRESS, incluye 134 imágenes tomadas por 18 periodistas gráficos en 13 países diferentes; cada fotógrafo captó la historia de superación de uno o varios niños, en una ciudad determinada del mundo, y los obstáculos que se interponen en su camino hacia la educación y que dificultan el acceso y la permanencia de estos niños dentro del sistema educativo.

Además de estas fotografías, la exposición incluye un avance de la película documental “Camino a la escuela” (Francia, 2013) que se estrenará en los cines de España a finales de año y cuyo pase previo tendrá lugar en el auditorio de la Fundación Canal. Esta película, dirigida por Pascal Plisson, cuenta la historia real y extraordinaria de cuatro niños, héroes cotidianos, que deben enfrentarse diariamente con una multitud de desafíos para ir a la escuela.

Estos niños viven en cuatro puntos muy distantes de la tierra, pero comparten las mismas ganas de aprender, al igual que los niños protagonistas de la exposición. Ellos entienden que tan sólo la educación les permitirá un futuro mejor, y es por eso que cada día emprenden el largo y peligroso viaje que les llevará al conocimiento.

La exposición se divide en tres categorías temáticas: “Larga distancia”, “Entorno hostil” y “Discriminación”. A continuación, describimos las historias transcurridas en los siguientes países: Tailandia, Nigeria, Francia, India, Kenia, Marruecos, Burkina Faso, Libia, México, Australia, Estados Unidos, Brasil y Japón.

Esta exposición se presentó por primera vez, y de forma itinerante hasta 2015, en Nueva York, en la sede de Naciones Unidas, en marzo de 2013, con la colaboración entre la UNESCO, Veolia Transdev y Sipa Press. Posteriormente la exposición viajó a Francia donde se expuso primero en la sede de la UNESCO (París) y después en Calais, Vannes, Nantes, Bordeaux, St Etienne, Arles, Perpignan, La Rochelle y Macon. Ahora llega a la Fundación Canal en Madrid.

Fundación Canal www.fundacioncanal.com Hasta el 5 de enero de 2015 Entrada libre Laborables y festivos: 11 a 20 h. / Miércoles: hasta las 15 horas.

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Geometrías

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Esta muestra lleva por título Geometrías porque todas las piezas de indumentaria expuestas parten de una forma base: el rectángulo. A partir de éste, en función de cómo se cosa y se doble va surgiendo el resto. Se añaden mangas, se abren cuellos, se hacen mini-costuras, siempre, no obstante, a partir de la máxima simplicidad, del concepto menos es más. El resultado son esos grandes chales, las chaquetas-chal, y abrigos-chal en los que se han dejado los orillos deshilachados y las marcas de los clavos empleados para mantener las telas en el bastidor al pintarlas. La técnica empleada es la evolución / transgresión de las rígidas técnicas de pintura japonesa sobre seda para crear un lenguaje propio y subjetivo.

Con estas prendas se pretende buscar la intemporalidad y también el concepto de indumentaria en vez del de moda. Prendas para mujeres de todas las edades que saben que la auténtica belleza va mucho más allá de conceptos estrechos y con límites dictados por modas convencionales y frustrantes.

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Para el teórico del diseño Daniel Giralt Miracle “La trayectoria de Kima Guitart empezó con la construcción de unas vestimentas que transformaron el arte en elemento portable, en piezas que, más tarde, deconstruyó, subvirtiendo los modelos para aportar soluciones informales e insólitas a la ropa y que, ahora, en la etapa presente, a la que llamo etapa de reconstrucción, trata de un modo especial, puesto que deja que la geometría de raíz constructivista o neoplasticista desempeñe un papel muy importante y porque usa unos patrones de piezas de vestir que no tienen nada que ver con las propuestas convencionales. Se trata de unas ropas de estructura aleatoria, con una ornamentación vigorosa, una coloración cálida o fría, en las que sólo el gesto de su escritura pintada directamente sobre la tela es lo que nos remite a su lenguaje plástico.”

Geometrías Kima Guitart en el Museo de Artes Decorativas de Madrid 8 de octubre a 30 de noviembre

Joyas de la Colección Lázaro en el Universo de Švankmajer

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El coleccionista y cineasta checo Jan Švankmajer (Praga, 1934) está considerado como un artista único, quizás el más completo y coherente de su generación. Esta exposición se enmarca dentro de la muestra de La Casa Encendida “Metamoforsis, las visiones fantásticas de Starewitch, Švankmajer y los Hermanos Quay” coproducida por el CCCB (Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona) y La Casa Encendida que se exhibe en Madrid este otoño.

La exposición en el Lázaro Galdiano profundiza en la faceta de coleccionista de este artista, creador de su propio imaginario artístico. En esta Visión de Tondal. Seguidor de El Bosco. (Inv 2892) © Museo Lázaro Galdiano. ocasión, se podrá ver por primera vez, un video coproducido para esta ocasión por el CCCB y La Casa Encendida en el que se presenta su gabinete de coleccionista, estrechamente relacionado con su producción cinematográfica.

La Sala Arte Invitado del Museo exhibirá también una selección de obras de la Colección Lázaro que no están expuestas en sala como La Visión Tondal, de un seguidor de El Bosco, o libros como Crónica de Nürember (1493) de Hartmann Schedel, que ilustra la historia del mundo desde su creación hasta el siglo XV. Todas ellas reflejan la conexión surrealista de Švankmajer con el Renacimiento, época por la que Lázaro a su vez sintió gran predilección.

INFORMACIÓN PRÁCTICA Joyas de la Colección Lázaro en el Universo de Švankmajer Del 22 de octubre de 2014 al 15 de enero de 2015.

(Inauguración 22 de octubre) Sala Arte Invitado. Museo Lázaro Galdiano.

Organizan: Biblioteca y Museo Lázaro Galdiano, en colaboración con La Casa Encendida y el CCCB. Visita gratuita en el Museo Lázaro Galdiano presentando el folleto de la exposición “Metamorfosis, las visiones fantásticas de Starewitch, Švankmajer y los Hermanos Quay” que se celebra en la Casa Encendida del 2 de octubre de 2014 al 11 de enero de 2015.

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Obras maestras de la Colección Abelló en CentroCentro Cibeles

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Desde el 2 de octubre CentroCentro Cibeles de Cultura y Ciudadanía acogerá la Colección Abelló, en la que está destinada a ser la gran exposición del Paseo del Arte en la temporada 2014-2015.

Comisariada por Felipe Garín, ex-director del Museo del Prado, la muestra presentará al público por primera vez una selección de 160 piezas de la colección de Juan Abelló, una de las colecciones privadas de arte más importantes del mundo.

En un único espacio expositivo, ofrecerá un recorrido por cinco siglos de arte, del siglo XV hasta mediados del siglo XX, con piezas Juan Gris. El cazo de pintura, escultura y dibujo de algunos de los principales artistas nacionales e internacionales de la historia. Entre otros, se podrán ver obras de: Pedro de Berruguete, Juan de Flandes, El Greco, Lucas Cranach, Juan Pantoja de la Cruz, José de Ribera, Francisco de Zurbarán, Alonso Cano, Murillo, Juan de Arellano, Luis Meléndez, Canaletto, Francesco Guardi, Antonio Joli, Francisco Bayeu, Francisco de Goya, Santiago Rusiñol, Ramón Casas, Isidro Nonell, Joaquín Sorolla, Mariano Fortuny, Juan Gris, Pierre Bonnard, Georges Braque, Fernand Léger, Paul Klee, Mark Rothko, Pablo Picasso, Joan Miró, Salvador Dalí, Vincent Van Gogh, Edgar Degas, Amedeo Modigliani, Gustav Klimt, Egon Schiele, Otto Dix, George Grosz, Wassily Kandinsky, Edvard Munch, Henri Matisse, Francis Bacon o Antoni Tapies.

CentroCentro Cibeles organiza esta exposición gracias a la generosidad del matrimonio Abelló, que cede las obras sin interés económico alguno y que destinará los posibles beneficios que correspondan a Caritas Madrid.

La colección Abelló está definida por la pasión por el arte y la historia de sus propietarios, quienes han llevado a cabo una importante labor de recuperación de obras para el patrimonio español. También ha sido pionera en interesarse por la producción de artistas con muy pocas obras presentes en España, como Francis Bacon u otros pintores clave de las vanguardias históricas. Este carácter precursor define otra de las características de esta colección, la predilección por la obra sobre papel, considerada en España hasta fechas recientes como menor.

La muestra se podrá visitar hasta el 1 de marzo de 2015, y contará con un exquisito catálogo científico editado por Ediciones el Viso. www.centrocentro.org

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XI Semana de la Arquitectura

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La Fundación Arquitectura COAM y el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid, junto con el Ayuntamiento de Madrid organizan la Semana de la Arquitectura 2014 que este año celebra su XI edición.

La Semana de la Arquitectura obtuvo el premio del Ayuntamiento de Madrid del año 2005.

El objetivo de la Semana de la Arquitectura es difundir la arquitectura y el urbanismo entre todos los ciudadanos y visitantes de la ciudad de Madrid. Este año, la Semana de la Arquitectura se celebrará del 3 al 12 de octubre y podrán realizarse visitas guiadas a 31 edificios, recorrer más de 30 itinerarios explicados por guías del COAM, y participar en otras muchas actividades, y todo de forma gratuita.

La Semana de la Arquitectura se desarrolla en toda la Comunidad de Madrid con múltiples eventos organizados por las instituciones y empresas colaboradoras de la iniciativa, que representan una buena muestra de la actividad cultural de Madrid y que ayudan a difundir y entender el gran patrimonio arquitectónico y urbanístico del que disponemos.

5 días para cambiar el mundo

Del 3 al 12 de octubre www.coam.org

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Entre el 1 y el 4 de octubre, Madrid se convertirá en una auténtica incubadora de proyectos de innovación que buscan transformar el mundo en que vivimos. La capital acoge la reunión internacional de la red Impact Hub, que aglutina a más de 7.000 emprendedores sociales en 54 centros repartidos por todo el mundo. www.impacthub.net

Cinco días de conferencias, encuentros y, sobre todo, colaboración entre emprendedores de todo el mundo para agitar el intercambio de conocimiento y favorecer la aparición de las mejores ideas para el cambio social. Con el objeto abrir el encuentro a la sociedad, Impact Hub Madrid ha organizado Change, un conjunto de actividades dirigidas a todos los públicos: a quienes están emprendiendo o quieren montar su propio negocio, a los responsables de empresas e instituciones y, sobre todo, a los ciudadanos que quieren saber cómo la innovación puede mejorar sus vidas.

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Nanaísmo. La primera vanguardia del siglo XXI

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Hasta el 5 de diciembre, la Galería Modus Operandi presenta la I Exposición Nanaísta, una exposición colectiva que tiene como objetivo impulsar el Nanaísmo y reunir a todos aquellos artistas, poetas, filósofos, escritores, músicos y comunicadores que se sientan identificados parcial o totalmente con este movimiento. La muestra contará con obras de once artistas seleccionados mediante convocatoria, así como de artistas de la galería, que mostrarán su visión personal de este movimiento.

La artista Lucie Geffré (Burdeos, Francia, 1976) ha apostado para esta exposición con dos obras “Sienna” y “ Caballero (según El Greco)”. En ellos, trata temas esenciales como la dualidad fundamental del ser: vida-muerte, oscuridad-luz y presenta personajes humanos demasiado humanos.

Gabri Solera (Madrid, 1983) a través de distintas fotografías pertenecientes a la serie “La Condición Humana”, nos muestra la invasión que la Naturaleza ha sufrido a causa de la civilización. Nos sumergimos en distintos espacios naturales desprovistos de su esencia primigenia, la cual podemos encontrar sin embargo en la inserción de otras imágenes sobre caballetes.

José Salguero (Madrid, 1985) presenta “Código de silencio”, un proyecto pictórico que reflexiona sobre la alienación del ser humano en el ámbito militar. De cómo los militares pierden su identidad y capacidad de decisión por proteger un interés ajeno a cambio de un sueldo y de cómo un único elemento les une: un casco dorado, símbolo del jornal al que acceden al desempeñar su oficio. En este tríptico, los soldados son conscientes de su estado y denuncian esta situación.

Pepe Castro (Madrid, 1963) a través de sus retratos fotográficos nos acerca a distintos “nanaístas”, personalidades del mundo de la cultura, el cine y el espectáculo, que se sienten identificados con los ideales de este movimiento.

Sus retratados pierden en ellos toda sensación de ser observados, dejando al descubierto sus caracteres y estados de ánimo.

Rafael Jiménez (Córdoba, 1989), interpreta con imágenes deformadas, algunos de los mandamientos y personalidades en los que se basa el Nanaísmo, retratando a personajes como Nietzsche o Schopenhauer y acercándonos a la estética del Atlético de Madrid.

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David Arnás (Madrid, 1976) nos trae una serie de retratos de cabezas enmascaradas en las que ha estado trabajando en los últimos meses. Obras que inquietan al espectador y le hacen reflexionar, llenas de humor e ironía.

Fernando Palacios (Valladolid, 1976) apuesta en esta ocasión por la interpretación de las sensaciones que le transmiten la luna y otros planetas. La presencia de la raya y el punto, cada vez mayor en su obra, representa en sus “Mundos esféricos” la estela cósmica y matérica de estos cuerpos.

Pablo Lozano (Madrid, 1960), a través de sus esculturas, realiza una delicada crónica del hombre y su entorno. Partiendo de una realidad insinuada y sugerente, recupera materiales de desecho tales como chapas, hierro o alambre, para poner de manifiesto el alma de los objetos cotidianos que han acompañado al hombre desde hace años.

José María Casanova (Burgos, 1956), nos trae una hermosa pieza enmadera blanquecina de tilo, “La Justicia dormida”, en la que la Justicia es representada por una mujer reclinada, ausente y ajena a lo que le rodea.

Joaquín Pacheco (Madrid, 1934) plasma en “Atardecer rojo” recuerdos de imágenes y paisajes fragmentados. En ella muestra una vez más el pleno dominio de la luz y el color que el artista posee. Como es habitual en sus obras, los personajes deambulan solitarios y contemplativos por un espacio casi desnudo, metafísico, mezclándose con los reflejos del mar, la arena y el ocaso.

Para cerrar la exposición, qué mejor manera que hacerlo transcribiendo el décimo mandamiento nanaísta “los nanaístas somos, consciente o inconscientemente, del Atleti de Madrid”. La artista Elena Guerrero (Ciudad Real, 1965), haciendo un homenaje a Jasper Johns, le otorga a este equipo y a esta forma de afrontar la vida, su propia bandera.

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Millesime Madrid

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El Pabellón Satélite de la Casa de Campo acoge la VIII edición de este escaparate de tentaciones que destapa los sabores de la alta cocina. Este año la gastronomía viene acompañada del diseño arquitectónico bajo el título CALEIDOSCOPIC, para vivirlo desde su lado más exclusivo.

Como cada año desde su nacimiento, los amantes de la gastronomía esperan el décimo mes del calendario y las sorpresas que traerá Millesime Madrid. Esta edición, que tendrá lugar del 7 al 10 de octubre, las sorpresas comienzan por la estética y la aparición de CALEIDOSCOPIC, un juego de espejos que multiplica y combina lo mejor de dos expresiones artísticas y a la vez complementarias como lo son la gastronomía y la decoración.

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El Pabellón Satélite de la Casa de Campo se convierte en el nuevo escenario de Millesime Madrid. Se trata del pabellón más moderno, con 13 metros de altura, que llena aún más de vanguardismo esta exclusiva experiencia gastronómica. Una esperada cita donde se reúnen los chefs y se degustan los productos más novedosos del momento. El mejor sabor de boca en un marco incomparable, porque Millesime es una vivencia única…

7, 8, 9 y 10 de octubre Millesime Madrid Porque en esta edición todo son novedades y la duración y el horario también, ya que abre sus puertas durante cuatro jornadas en lugar de tres y lo hace con dos sesiones: día y noche. Así, los días 7 y 8 el horario será como en ocasiones anteriores de 13:00 a 20:00 h.

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y el 9 y el 10 abrirá sus puertas por la tarde de 20:00 a 02:00 de la madrugada. Y con CALEIDOSCOPIC la imagen de Millesime se llena de espacios que reflejan la comodidad y el calor propios de un diseño inteligente y trasgresor.

Este año, chefs e interioristas se unen de nuevo para convertirlo en un escenario impactante e inolvidable.

Una plataforma única con acceso directo a los más prestigiosos cocineros, bodegueros, empresarios, personalidades y firmas de lujo, que confluirán en seis grandes y preciosos restaurantes pop up, pero también en torno a otras muchas experiencias, por supuesto, marcadas por la exclusividad… Porque incluso antes de entrar en el pabellón, ya se agasaja con un confortable servicio de transfer desde el parking de la mano de los últimos modelos de Peugeot.

Seis espacios de ensueño decorados por los mejores interioristas del momento para saborear dos menús bien diferenciados en los que no faltará un maridaje de excepción con champagnes, vinos y cerveza, solo una, la histórica cerveza de abadía Affligem. Guillermo González, José Manuel Baños, Diego Hernández, prestigiosos ches llegados desde México para traer el sabor del otro lado del Atlántico como muestra de la edición mexicana de Millesime. De España, Jorge de Andrés, Xosé Torres Cannas y Arnau Bosch serán los responsables de sorprender a los invitados. Sin duda, grandes referentes de la gastronomía que, durante estos días, harán vivir y sentir una ilusión culinaria, una ilusión auténtica.

Tanto de día como de noche, se podrá disfrutar de este multifuncional espacio. Un lugar de encuentro para deleitarse con originales vinos, gracias a las catas in situ, en el Wine Bar o para acercarse al showcooking de la Gran Plaza Central donde las jóvenes estrellas del momento ofrecerán sus platos, además de tener la oportunidad de charlar con ellos. Es aquí donde podrán

probarse también los mejores productos entre los que no faltan aceites, jamones, caviar... o cerveza. Y es que este año la cerveza cobra un especial protagonismo, más gastronómico que nunca, de la mano de Affligem, una centenaria cerveza de abadía que podrá descubrirse a través de pequeñas catas y maridajes perfectos junto a los principales chefs galardonados con los prestigiosos Soles Repsol que nos conquistaran con sus creaciones. Ah, y los cafeteros tienen también una zona reservada en la Plaza del Café de la mano de la firma Mocay.

Como sobremesa (bien tras el almuerzo o la cena) el Open Bar abrirá nuevamente sus puertas para disfrutar de su espacio Lounge, con la terraza como protagonista, con la mejor coctelería, con los productos más Premium y los barmans más prestigiosos. Todo ello envuelto en un agradable ambiente, amenizado por DJ’s y, por supuesto, con una sorprendente puesta en escena… porque en esta octava edición, los restaurantes y los espacios han sido confeccionados cada uno por un diseñador distinto apreciándose así el saber hacer de las primeras espadas de la arquitectura, como Héctor Ruiz Velázquez, Isabel López Vilalta, Ricardo de la Torre, el Estudio Cul de Sac, el Estudio Muher y Simona Garufi. Las líneas maestras a cargo de Raquel Chamorro, In4Out y Tania Urvois también estarán presentes en otros espacios de encuentro como los Lounges, la Terraza y el Wine Bar, respectivamente.

En definitiva, Millesime Madrid es ya un evento ineludible entre los encuentros anuales de la capital, y este año, destaca, como siempre por la calidad de su gastronomía, y también por lo impecable de su puesta en escena, avalados por firmas tan relevantes como Heineken (a través de su cerveza de abadía Affligem), Bezoya, Repsol, Mocay y Peugeot entre otros. Porque lo inalcanzable, se hace realidad en Millesime. www.millesimemadrid.com

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Reinterpretada I. Enrique Marty revoluciona el Museo Lázaro Galdiano Reinterpretada I, es un proyecto experimental de Rafael Doctor que busca dotar de nuevos contenidos y reactualizar las obras de la Colección Lázaro a través de las miradas de destacados artistas españoles contemporáneos.

Enrique Marty es el primer invitado que reinterpretará las obras que alberga el Museo Lázaro Galdiano.

Un proyecto de estas características conlleva una implicación directa, por ello el artista ha realizado un intenso trabajo de documentación, estudio y reinterpretación no sólo de la Colección, sino también del edificio, la historia del Museo y la de su fundador José Lázaro; del que explica el artista que “poco a poco su figura me fue fascinando, hasta convertirla en el personaje principal de la intervención”. El gran trabajo que ha llevado a cabo Enrique Marty parte de la admiración que ha sentido siempre desde pequeño por la Colección Lázaro. Así, comenta que “hacer una versión de un cuadro significa que has tenido que estudiarlo tan a fondo, que tú mismo produces tu propia obra partiendo de la obra de otro…aquí he querido profundizar en las obras, devorarlas”.

Como resultado, ofrece una aproximación integral a los aspectos claves de la Institución a partir de tres propuestas articuladas: una intervención en los muros exteriores del museo, el diálogo entre la Colección y su producción artística, realizada en su mayor parte ex profeso, y un catálogo que revisa buena parte del museo desde la mirada del artista. “No estamos ante un copista ni ante un observador objetivo, lo que aquí aparece es el mundo complejo e insondable de las pinturas de la Colección rehecho a la manera de este artista contemporáneo en un ejercicio valiente e inaudito en la pintura actual. Y es que no existe una aproximación tan amplia de un artista vivo hacia una Colección del pasado como la que Enrique Marty ha hecho durante varios meses de trabajo de dedicación exclusiva al estudio y reinterpretación de la misma”. Rafael Doctor, comisario de Reinterpretada I. El arte sale a la calle Uno de los ejes más novedosos del proyecto es la experimentación con nuevos espacios expositivos hasta ahora no utilizados. Los muros de la Institución se cubrirán con 16 grandes lienzos pintados por Marty transformando el aspecto exterior durante los meses que dure la muestra.

Estas obras podrán ser contempladas por las miles de personas que a diario pasan por este lugar, enclave privile-

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giado situado en la confluencia entre Serrano y María de Molina en Madrid. El artista asumirá el riesgo que supone exponer la obra original de forma directa en la calle. Esta actuación es una invitación y un reclamo: el museo sale al espacio público aceptando sus normas y reclamando su espacio propio y vivo en la ciudad que lo alberga. Así, no solo la pintura se reinventa a través de la acción del artista contemporáneo sino que además el propio museo se expande sabedor, como señala el comisario, de que la mejor forma de avanzar en el terreno contemporáneo es asumir los riesgos y experimentos que el propio mundo le ofrece.

La temática que los grandes lienzos representan se inspiran en la Colección, reinterpretando obras del Museo como El aquelarre, Las brujas o el Modo de Volar de Goya, El Salvador adolescente de Boltraffio, las Meditaciones de San Juan Bautista de El Bosco o El Niño Jesús adorado por San Juan Bautista de Lucas Cranach que se reinventan en estas nuevas composiciones, en las que podemos ver a José Lázaro como un personaje que dialoga con todo el gigantesco mundo iconográfico que reunió en torno a él.

Un Museo “infiltrado” En las salas del Museo, el comisario y el artista proponen un segundo nivel de lectura al visitante. En ellas la Colección permanente convivirá con acuarelas, cuadros, esculturas e instalaciones de Marty producidas en su gran mayoría para esta ocasión y concebidas de forma que se integren u oculten, de forma natural, con las obras a las que hacen referencia. Enrique Marty afirma que sus obras están “infiltradas” en el Museo, habrá obras distribuidas por las salas como los 36 “ídolos”, piezas de pequeño tamaño, creadas especialmente para dialogar con las colecciones de bronce, plata y joyas y que se colocarán “camufladas” entre el resto de las piezas expuestas en las vitrinas.

Marty ha realizado tres instalaciones Escena exterior revelada 1, 2 y 3, inspiradas en la Étant Donnés de Duchamp que siempre le ha fascinado, situando al espectador en el papel de “voyeur” y jugando con el Eros y el Thanatos tan presentes en la Colección. Una escultura de gran formato Europa –Poseidón, un personaje envejecido cuyos ojos son comidos por los cuervos, ocupará la Sala Pórtico.

El artista, que se declara un admirador de la obra de Goya, ha visto una oportunidad única para realizar su propio

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Aquelarre que se colgará en el mismo lugar en el que se ubica la obra original de Goya (en préstamo en esas fechas al Museo de Bellas Artes de Boston). La pintura es una versión que respeta la composición original aunque con variantes en los elementos fundamentales. Por último, 61 acuarelas de pequeño formato y enmarcadas a la manera del resto de la colección se mostrarán en una de las paredes del museo. En su mayoría son reinterpretaciones de los retratos de la Colección que Marty ha mostrado con cara de estupefacción, a veces de terror y con la boca abierta: “me imagino a todos esos retratados conviviendo en estas salas y dándose miedo unos a otros”, comenta el artista.

Así, este libro es un catálogo particular que refleja la devoción y el trabajo que Marty ha realizado para la Institución. Como cuaderno de impresiones y dibujos, constituye un instrumento documental al servicio de la reinterpretación de la Colección, que refleja y amplía la coherencia de la reflexión de Marty. Pero al mismo tiempo es un espacio exento que por sí mismo tiene dinámica y vida propia. La mirada del artista, que sin duda ha sabido absorber las claves de la historia de la pintura española y sobre todo avanzar a través de las enseñanzas humanísticas de Goya o Gutiérrez Solana, aquí consigue un diálogo único entre presente y pasado, al mismo tiempo que trasciende todos los convencionalismos que normalmente son adquiridos cuando los artistas revisitan la historia.

Catálogo particular Esta edición consta de 400 ejemplares, la mitad de ellos intervenidos manualmente en la portada por el artista en la continuación por la obsesión de volver a representar la iconografía del Museo Lázaro Galdiano.

Reinterpretada I (Hasta el 5 de enero de 2015) Museo Lázaro Galdiano. www.flg.es

Enrique Marty. Escena exterior revelada

La exposición se completa con un catálogo que constituye el tercer espacio de reinterpretación del universo Lázaro Galdiano que nos ofrece Enrique Marty. En él, ha volcado su pasión por la Colección, por su historia y los personajes que la pueblan, una obra compleja, llena de intuiciones y propuestas renovadoras desde el respeto a la historia y a sus protagonistas.

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Concluye la restauración del cuadro de San Andrés El IPCE concluye la restauración del cuadro de San Andrés de la catedral de Ávila El Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, a través del Instituto del Patrimonio Cultural de España (IPCE), ha terminado los trabajos de restauración del cuadro de San Andrés, una importante obra pictórica procedente de la catedral de Ávila que podría atribuirse al taller del pintor Ribera y fecharse en la década de 1730.

En el lienzo, la figura del santo aparece iluminada con un fuerte tratamiento de claroscuro sobre el fondo casi negro, lo que corresponde al estilo tenebrista de Ribera, en cuyo taller son frecuentes en esos años los encargos de apostolados con este tratamiento pictórico.

La restauración, que ha sido llevada a cabo por la conservadora restauradora del IPCE, María Porras-Isla Fernández, ha fijado los estratos de policromía, suprimiendo las deformaciones del soporte y adhiriendo in-

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jertos en las faltas de lienzo original, para conseguir la estabilidad estructural a la obra. La posterior eliminación de barnices añadidos y repintes posteriores de la capa pictórica ha permitido recuperar el dibujo de los pliegues del manto, los matices cromáticos de las carnaciones del santo y del pez, y la rotundidad de la figura que destaca sobre el fondo oscuro.

El criterio adoptado para el tratamiento cromático de reintegración se ha tomado bajo los criterios fundamentales e internacionalmente aceptados de máximo respeto al original y mínima intervención. En este proceso se ha procurado restaurar la unidad estética y conceptual de la obra, reintegrando cromáticamente las zonas que facilitan la lectura de la imagen del Santo y sus atributos. La restauración se ha realizado siempre con materiales reversibles y técnica identificativa, logrando la integración de aquéllas faltas que permitían su reconstrucción sin hipótesis.

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Reportaje

La Fiesta de la Trashumancia

na vez al año, normalmente a finales de octubre, se produce en la ciudad de Madrid un acontecimiento único y sorprendente, cuando las calles más emblemáticas de la ciudad son literalmente invadidas por cientos de ovejas merinas que, a paso ligero, recorren la ciudad para sorpresa de propios y extraños en la ya tradicional Fiesta de la Trashumancia que este año celebra su vigésimo aniversario.

U

La Trashumancia es el desplazamiento estacional de los ganados para aprovechar los recursos naturales, especialmente pastos. Esta práctica pastoril se remonta a la antigüedad, siendo durante la Edad Media cuando adquiere mayor importancia gracias al edicto real dictado por Alfonso X el Sabio en 1273, con el que se creaba el Honrado Concejo de la Mesta, una de las primeras asociaciones que se podría denominar de carácter nacional e incluso democrática, con la que los pastores de los reinos de Castilla y de León adquirieron importantes privilegios, así como derechos de paso y pastoreo.

El Honrado Concejo de la Mesta era una de las instituciones más importantes y poderosas gracias a los privilegios reales, tenía diversas funciones, como la de controlar el tráfico ganadero o la protección de las vías pecuarias siendo, además, una institución que se podría denominar como jurídica, con potestad para la resolución de litigios derivados del uso de los pastos y de paso del ganado por las Cañadas Reales. Para ello existía un código que regulaba los delitos que se pudiesen producir y estos asuntos se dirimían en juntas o concejos dos veces al año.

Esta institución estuvo vigente durante siglos hasta épocas recientes, cuando en 1836 pasó a llamarse Asociación General de Ganaderos, que desapareció definitivamente cien años después, al inicio de la Guerra Civil.

La ganadería ovina fue trascendental en la historia de España y muy especialmente para la economía de Castilla, pues la venta de lana de oveja merina a Flandes producía grandes beneficios económicos. Dos han sido las principales razas ovinas de Castilla, la churra, que se destinaba sobre todo a la producción de carne y la merina, apreciada sobre todo por tener una lana excelente.

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CAÑADAS REALES Lo que hoy conocemos como cañadas reales son caminos usados desde la remota antigüedad para la actividad pastoril, estos caminos cruzan la península de norte a sur recorriendo en algunos casos más de 800 kilómetros. Su regulación por el edicto real de Alfonso X el Sabio dotó a estas vías de una protección especial que se ha mantenido hasta la actualidad.

Además de su protección, el edicto real también regulaba las características que debían tener, como su anchura, las cañadas debían tener de lado a lado 90 varas castellanas, poco más de setenta metros aproximadamente y debían estar bien señalizadas.

En España existen diez cañadas reales, de ellas, la más larga es la Cañada Real Soriana Oriental que comienza en Soria y acaba en Sevilla recorriendo 800 kilómetros. Esta cañada también pasa por la provincia de Madrid junto a la Cañada Real Leonesa Oriental, la Cañada Real Segoviana y la Cañada Real Galiana, esta última recorre el mismo centro de la capital.

LA CAÑADA REAL GALIANA Esta cañada nace al sur de La Rioja y recorre las tierras de Soria, Guadalajara, Madrid, Toledo y, finalmente, Ciudad Real donde termina. En su tramo por la ciudad de Madrid discurre por la mismísima Puerta de Alcalá, curiosamente, en ambos lados de la calle, todavía existen dos mojones de piedra, que no son fáciles de ver, que indican su categoría de cañada real.

Aunque en la teoría esta cañada es de dominio público y no se permite ni la modificación de la misma ni su uso urbanístico, en la práctica, es una de las arterias más importantes de la ciudad. Hay otro tramo de esta cañada que pasa por el municipio de Madrid que se encuentra en una especie de limbo jurídico, aunque más bien lo correcto sería denominarlo como una “patata caliente” a la que ninguna administración se atreve hacer frente. Concretamente es un tramo a las afueras de la ciudad en la que las construcciones ilegales surgen por doquier, en una de las zonas más desfavorecidas, peligrosas y menos recomendables de la capital del reino.

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LA FIESTA Desde hace veinte años diversas asociaciones ganaderas y ecologistas se dan cita en lo que se ha denominado como la Fiesta de la Trashumancia. Pese a su carácter festivo, el objetivo de esta trashumancia es apoyar la recuperación de las cañadas para el uso turístico, rural y ganadero.

Este año la cita es el domingo día 26 de octubre y, como en años anteriores, pastores de diversas regiones españolas cruzarán el centro de Madrid ataviados con sus trajes típicos al son de las gaitas, los tambores y las dulzainas. Si bien es cierto que el espectáculo es llamativo y colorido, el plato fuerte no lo ponen los pastores, sino las ovejas, cientos de ellas agrupadas en rebaños que por un día se adentran en la ciudad, cambiando los espacios abiertos del campo por las calles de asfalto.

Ver cruzar cientos de ovejas por la calle Mayor, la Puerta del Sol, rodear la impertérrita Cibeles y cruzar la Puerta de Alcalá es todo un espectáculo, más en una ciudad en la que muchos de sus habitantes han perdido todo vínculo con el medio natural.

Las vías pecuarias y las cañadas reales están protegidas por la Ley, pese a que no siempre se cumple, por ello, este tipo de reivindicaciones no son sólo un espectáculo, son una reivindicación más que necesaria, porque su conservación y la utilización de estas vías para el ganado no sólo permite aprovechar eficientemente los recursos naturales, además, su protección permite que estos ancestrales caminos naturales sirvan de pasillos verdes para los desplazamientos de la fauna local, evitando así el aislamiento de las especies y su irremediable extinción por la falta de diversidad genética.

La conservación de estas rutas también puede permitir el ser aprovechadas por ciclistas, excursionistas, además de ser un preciado recurso turístico y cultural.

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DESCUBRE TUS CAÑADAS Aunque las cañadas son víctimas de la dejadez de las administraciones, no siempre son ignoradas, en ocasiones, no muchas, hay alguien que tiene una buena idea y la pone en práctica, es el caso del programa de rutas creado por la Comunidad de Madrid a finales de los noventa llamado Descubre tus Cañadas. Se trata de una iniciativa con la que se pretende acercar el rico patrimonio natural y cultural al ciudadano, ofreciendo interesantes rutas turísticas que pueden ser completadas con todo tipo de actividades lúdicas, culturales y deportivas.

Aunque de vez en cuando aparezcan este tipo de iniciativas tan favorables, no es lo habitual, los vertidos ilegales o el urbanismo descontrolado son dos de los problemas más comunes que las administraciones correspondientes deberían controlar y atajar, por eso, iniciativas como Descubre tus Cañadas y la Fiesta de la Trashumancia son muy necesarias para conservar y disfrutar el rico legado natural y cultural del que goza España.

Texto y Fotos: Ramón Rivas

Fuentes: Comunidad de Madrid Más información www.viaspecuariasdemadrid.org/images/la_mesta.pdf

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Madrid Comunidad

NUEVO BAZTÁN UNA JOYA DEL BARROCO

A 45 kilómetros de Madrid, entre los valles del Henares y del Tajuña se encuentra Nuevo Baztán, un municipio surgido en el siglo XVIII con la idea de convertirse en el complejo industrial más moderno de su época.

Por Ramón Rivas Fotos: José Latova

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La fundación de Nuevo Baztán se debe al político y empresario navarro Juan de Goyeneche, un influyente personaje que llegó a ser tesorero de Isabel de Farnesio, además de desempeñar otros importantes cargos de la España del XVIII. Juan de Goyeneche, que ya contaba con algunas propiedades en la región de Madrid, adquirió a principios del siglo XVIII unas tierras en una comarca despoblada y yerma, lo que hoy es Nuevo Baztán, para crear en ellas un complejo industrial y agrícola. Estaría formado por una serie de empresas dedicadas a la manufactura de productos de lujo, como tejidos de seda, pañuelos, vidrio, sobreros… En definitiva, un proyecto acorde con el pensamiento ilustrado que recorría Europa y que, además, contribuiría a potenciar económicamente esa zona.

Las obras de construcción comenzaron en 1709 y Goyeneche, en honor a Baztán, comarca navarra donde nació, llamó a estos terrenos Nuevo Baztán. Para la construcción del complejo urbanístico y el palacio que sería su residencia, contó con el arquitecto José de Churriguera.

El conjunto está dominado por el sobrio palacio y la iglesia, junto a ellos se construyó la villa, que algunos han considerado como un “lujo del Barroco”. Para la edificación de este conjunto urbanístico

contaron con artesanos traídos de Flandes, Francia e Italia, además de mano de obra de gentes del valle de Baztán en Navarra.

El proyecto tuvo no pocas vicisitudes, como la escasez de materia prima y los escasos recursos naturales de la zona, especialmente la falta de madera para poner en funcionamiento los hornos. Pese a ello, Nuevo Baztán luchó por sacar adelante aquella industria que finalmente se vería destruida y abandonada pocos años después de su creación, tras la muerte de Goyeneche en 1735.

En la actualidad, en las bodegas del viejo palacio de Goyeneche, se encuentra el Centro de Interpretación de Nuevo Baztán, un museo fundado en 2003 en el que se recupera la historia de este municipio y la de su fundador. Además, el palacio está siendo rehabilitado con el objetivo de que, en un futuro cercano, se ubique en él un centro internacional de arte.

Nuevo Baztán es una joya barroca que se niega a desaparecer víctima de la dejadez y el olvido y un destino turístico en alza que se enmarca, junto a otras poblaciones, en el proyecto Ruta de las Villas de Madrid.

Fuentes: Comunidad de Madrid y Ayto. Nuevo Baztán

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El Gallipato Por: Ant贸n P茅rez Fotos: Javier G贸mez Aoiz 38 - EMNMM

Madrid Natural

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L

lega el otoño: todavía no hace frío, pero las lluvias son abundantes y las noches cada vez más largas, ¿qué más puede pedir… un anfibio? Poco,

la verdad, y cualquier charca de la Comunidad no demasiado maltratada se adorna en esta época, tras el letargo veraniego, con las llamadas de multitud de tipos de ranas y sapos. Ranas y sapos son precisamente, porque cantan y por sus hábitos más o menos terrestres y conspicuos según las especies, los anfibios más evidentes, pero no son los únicos; comparten de hecho espacio en muchos humedales madrileños con un verdadero gigante de la fauna anfibia: el gallipato Pleurodeles waltl.

El gallipato es una especie de tritón, muy acuática y muy grande: hasta 30 cm llegan a alcanzar los mayores ejemplares. Su tamaño y su aspecto externo lo distinguen de cualquier otra especie. La piel, de color entre gris y pardoamarilenta, más clara en el vientre, está cubierta por completo de pequeñas verrugas, y a cada lado del dorso aparece una hilera de tubérculos anaranjados.

Este animal vive en las regiones mediterráneas de la Península y Marruecos, y en Madrid aparece en zonas húmedas de todo el territorio por debajo de 1.000-1.200 m snm, con excepción de las zonas más áridas del sureste.

Al contrario que las salamandras comunes, que sólo se acercan al agua para criar, o que otras especies de tritón, que pasan buena parte del año viviendo en tierra, los gallipatos pueden estar en el agua todo el año, aunque a veces pasen los veranos bajo piedras o enterrados cerca de las orillas. Y en el agua es donde podemos contar con sorprenderlos: atravesando un claro entre las plantas acuáticas o subiendo a tomar una bocanada de aire; y siempre con mayor facilidad al caer el día.

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Desde estas mismas fechas, y hasta ya entrada la primavera, puede uno encontrarse en las charcas gallipatos entregados al amor. Tras seguirla durante horas o días por el fondo de la charca, si ésta no lo rechaza, el gallipato macho se carga la hembra a la espalda, a “caballito”, sujetos ambos por sus extremidades anteriores, y así siguen viajando por su universo acuático unas cuantas horas más. Los urodelos (anfibios con cola) presentan fecundación interna, pero carecen de órganos copuladores, de modo que el proceso se torna un tanto complejo: llegados al momento culminante, el macho gallipato deposita en el fondo un paquetito de esperma gelatinoso llamado espermatóforo, se suelta de la hembra y ésta contacta con el espermatóforo, absorbiéndolo por la cloaca. La hembra pondrá luego entre 500 y 1.000 huevos entre las plantas acuáticas, de los que a su debido tiempo nacerán las larvas, que a lo largo de hasta año y medio se irán metamorfoseando hasta tomar el aspecto de sus progenitores. Es un periodo larvario largo, pero dado que los gallipatos pueden vivir hasta 20 años, pueden tomárselo con calma.

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Los gallipatos comen prácticamente toda cuanta sustancia animal les quepa por la boca, pero para evitar a su vez ser comidos disponen de un mecanismo de defensa notable: las costillas de los anfibios no se cierran en el pecho formando una caja torácica, sino que se disponen sólo por el dorso a modo de tejadillo (por eso las ranas se hacen tan fofas al tacto). Las costillas del gallipato están especialmente afiladas y, cuando es capturado, el gallipato contrae el cuerpo y las costillas perforan la piel y asoman al exterior a la altura de los tubérculos de los costados, impregnándose del veneno que como tantos anfibios tienen los gallipatos en la piel y pinchando la boca (o las manos…) del atacante, que de repente se encuentra con que el gallipato no está tan desprotegido como parecía… pero este as en la manga no es especialmente útil cuando de enfrentarse al hombre se trata.

Los gallipatos, bien conocidos por el hombre de campo, son pasto de todo tipo de leyendas y supersticiones, y como tantas otras “sabandijas” han tenido que soportar las atenciones de generaciones y generaciones de chavales con mala idea. Pero no se meten con nadie los pobres y ciertamente una charca con gallipatos es mucho más entretenida que una sin ellos. ¿Sabes ya si los hay en la que te quede más a mano?

Para saber más: Ficha del gallipato en la web de Vertebrados Ibéricos: www.vertebradosibericos.org/anfibios/pdf/plewal.pdf

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Je

Viajar

erusalĂŠn, la ciudad eterna

N

o hay en el mundo ninguna otra ciudad como Jerusalén, la ciudad eterna, la ciudad tres veces santa. La ciudad mil veces destruida y mil veces reconstruida.

Habitada desde hace miles de años, la ciudad de Jerusalén ha sido y es un crisol de culturas. Es la ciudad elegida por lo divino y por lo humano, ha sido cimentada con la sangre de los que la amaron y los que la odiaron, siempre sumida en una continua disputa que todavía hoy continúa.

Cada calle, cada templo, cada piedra, todo en esta ciudad adquiere un carácter sagrado en cada uno de los cuatro barrios (judío, cristiano, armenio y musulmán) en los que se divide la ciudad vieja y en la que sus gentes, no siempre en armonía pero sí en obligada vecindad, conviven.

Es imposible enumerar todos los lugares de obligada visita de esta ciudad: El Muro de las Lamentaciones, testigo pétreo de las plegarias de los creyentes y único vestigio del mítico Templo de Herodes edificado sobre las ruinas del Templo de Salomón que, quién sabe si algún día volverá a renacer. El Santo Sepulcro, donde la tradición cuenta que allí tuvo Jesucristo su última morada en la Tierra. La Explanada de las Mezquitas (Monte del Templo) lugar venerado por musulmanes y judíos y donde la tradición cuenta que Mahoma ascendió al Cielo y también lugar donde Abraham estuvo a punto de matar a su hijo Isaac por orden divina… Todos ellos son lugares, por citar sólo algunos, por los que merece la pena visitar Jerusalén.

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Todo en esta ciudad es y será sagrado y eterno pero hay otra Jerusalén que no está a la vista del que se adentra por sus calles. Hay otro Jerusalén oculto, no menos sagrado y fascinante en el que las leyendas y la tradición conforman grandes enigmas que esperan pacientes salir a la luz, se trata de los túneles, cámaras y vestigios ocultos en el subsuelo de la ciudad, como por ejemplo el Túnel de Ezequías, mencionado en la biblia, se encuentra parcialmente inundado y del que se conservan más de 500 metros . También está la Caverna de Zedequías, que conduce a la Jerusalén romana de los tiempos del emperador Adriano y que es parte de la otra Jerusalén misteriosa y oculta.

De todos los túneles subterráneos conocidos, el más importante por su simbolismo puede que sea el de los Asmodeos que, con más de 400 metros, recorre el corazón de la ciudad, desde el Muro de las Lamentaciones a la Vía Dolorosa. Este túnel abierto al público en 1987 daba acceso a las entrañas del Templo de Salomón y en él se podía contemplar la imponente cimentación del templo. Su apertura al público provocó una más de las revueltas entre musulmanes y judíos que se cobraron la vida de varias personas, demostrando así que cada piedra, cada centímetro cuadrado de esta ciudad se disputa hasta las últimas consecuencias.

Jerusalén es la ciudad santa por excelencia y sólo evocar su nombre provoca el más dulce de los sueños o la pesadilla más terrible y es que…

Si me olvido de ti, oh Jerusalén, pierda mi diestra su destreza.

Péguese mi lengua al paladar.

Si no me acuerdo de ti, si no enaltezco a Jerusalén sobre mi supremo gozo.

(Salmos 137)

Por EMNMM Fotos: Noam Chen www.goisrael.com

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Personajes

Santiago Fajardo Por EMNMM Fotos: Cortesía Roca Gallery

Santiago Fajardo es un reconocido arquitecto madrileño, su estudio ha sido el encargado de recuperar y rehabilitar edificios emblemáticos como el Palacio de Longoria. Es uno de los grandes especialistas en el desarrollo de proyectos de arquitectura para centros culturales y en la rehabilitación y reciclaje de patrimonio y edificios antiguos.

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El pasado mes de mayo Santiago Fajardo fue el moderador de unos interesantes debates realizados en Roca Gallery abiertos al público y en el que diferentes personalidades debatían sobre temas relacionados con la arquitectura y el patrimonio histórico.

Aprovechando que durante este mes de octubre se celebra en Madrid la Semana de la Arquitectura, hemos entrevistado a este personaje que tiene mucho que decir sobre Madrid y su patrimonio arquitectónico y también para conocer una interesante iniciativa auspiciada por este arquitecto con la que pretende crear una plataforma ciudadana abierta y libre que sirva de herramienta para lograr un objetivo: la conservación y puesta en valor del rico patrimonio madrileño y evitar, en la medida de lo posible, los errores y desmanes cometidos durante años.

— EMNMM. Santiago, su estudio ha sido el responsa-

adapta como cine y tiene un nivel de protección. Lo vi-

ble de la rehabilitación de edificios tan emblemáticos

sité hace año y medio porque se planteó un proyecto

como el Palacio Longoria y centros culturales como

nuevo con gente joven para seguir manteniendo el

teatros y edificios antiguos ¿cuáles son las prioridades

espacio como cine y sugerí la posibilidad de incluir en él

y objetivos a la hora de recuperar estos espacios?

un museo del cine, un café y una terraza sobre la caja

— S. Fajardo. Estas son las dos experiencias más solidas

escénica… en definitiva, hacer un espacio atractivo y

de mi ejercicio profesional, la recuperación, rehabilita-

vivo. Aquello no prosperó. El edificio sigue cerrado y no

ción y reciclaje de edificios antiguos y también el fasci-

sé en qué estado se encuentra ahora, de lo que sí que

nante tema de los espacios escénicos, es decir: teatros,

puedo dar fe es que cuando visité el edificio tenía graves

auditorios, centros culturales… en un concepto más

problemas en la cubierta por la humedad, se están

amplio, más contemporáneo porque ya la idea del

cayendo los techos de algunas salas, en fin, un desastre.

auditorio o el teatro entendido como una sala, un escenario… ya no es sostenible. Hoy en día se parte del

— Los Cines Madrid son un ejemplo de edificios

principio de sostenibilidad económica y diría que fun-

emblemáticos que se convierten en ruina por deter-

cional. Una infraestructura de este rango no puede fun-

minadas circunstancias, pero no es un caso único.

cionar sólo los fines de semana, debe estar vivo y

— Yo creo que Madrid tiene lo que yo denomino como

dotarse de opciones complementarias al uso principal,

“el patrimonio varado”,

que hagan del hecho de acudir a un espectáculo una

importantes que por alguna razón, que el ciudadano

experiencia más atractiva.

desconoce, están ahí, cerrados, sin uso, sin un posible

un conjunto de edificios

candidato interesado en hacer algo con ellos, con una — Entre sus proyectos estaba la rehabilitación de los

administración que tampoco hace nada, con una pro-

Cines Madrid, aunque finalmente sólo quedó en un

piedad que dice que no tiene posibilidades ni recursos

proyecto y hoy los cines están en un estado de aban-

de restauración… Creo que merecería la pena profun-

dono total ¿en qué quedó ese proyecto?

dizar en saber cuáles son las causas que han conducido

— Eso quedó en un proyecto, que yo recuerde, ese con-

a esa situación y tratar de desbloquearla porque real-

junto nace como un teatro que posteriormente se

mente eso es la antesala de la ruina.

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— El frontón Beti-jai es quizás el ejemplo más dolo-

— La historia de una ciudad está en sus edificios, ¿la

roso y triste que hay en Madrid ¿qué se puede hacer

nueva ley es beneficiosa en la defensa y protección

con este edificio?

del patrimonio urbanístico?

— Eso es un claro ejemplo, ¿y por qué se ha llegado a

— Efectivamente, en esa defensa de la cordura es

eso si en Madrid había media docena de frontones y

donde podemos encontrar una posibilidad. Yo creo que

afición? El Beti-jai era un edificio vivo, además del fron-

han hecho una cosa que puede ser positiva y es empe-

tón, se hacían conciertos, combates de lucha libre,

zar a ponderar, ya con cierto criterio, el nivel de protec-

boxeo… Creo que tampoco sería complicado rehabili-

ción de cada caso y no dar por protegido todo edificio

tarlo como tal y, efectivamente, es un espacio vacío con

con la máxima categoría, yo creo que eso es contrapro-

el que se puede recuperar la afición al frontón que

ducente. Es muy difícil conseguir una protección gené-

había en Madrid y hacer otras cosas en él como se

rica sin entrar en ese tipo de estrategias que yo

hacían en el pasado. La verdad es que es un caso que

considero extremadamente peligrosas y que la propia

no se entiende y que a mí me gustaría que pudiésemos

realidad ha demostrado. Hay que conseguir una impli-

encontrar una salida definitiva a este problema.

cación de la sociedad civil, del mundo empresarial, desde una posición de sensibilidad y conciencia que se

— Por desgracia el caso del Beti-jai no es único ¿cómo

llegue a valorar el patrimonio con menos codicia espe-

podemos acabar con esta situación?

culativa. Sería fantástico lograr ese acercamiento de

— Tenemos un escenario difícil y complejo, primero por

posiciones entre la administración que gestiona y tutela

la hipertrofia legislativa y, además, ¡autónoma! es

el patrimonio con la iniciativa privada porque, lamen-

incomprensible, no sé cómo es posible que la gente

tablemente, el dinero público se está retirando a pasos

que ha gestado la Nueva Ley de Patrimonio de la

agigantados, si somos capaces de crear una alternativa

Comunidad de Madrid no haya hablado con los que

civil para salvar el patrimonio sería un gran paso.

están haciendo la revisión del Plan General y a su vez, tampoco han hablado con los que han hecho la ley esa

— ¿Existe en Madrid una arquitectura que pudiése-

famosa de las tres R, no se entiende, es absolutamente

mos denominar como típicamente madrileña?

irracional que no se pongan de acuerdo porque las tres

— Cuando se construyeron las catedrales de España

partes están operando sobre un mismo territorio.

Madrid era un villorrio intrascendente, en Madrid puede que nos falte esa parte tan sustantiva del tiempo

— En muchas ocasiones la protección absoluta de un

pero, sin embargo, Madrid tiene, arquitectónicamente

edificio le lleva a la inevitable ruina, sobre todo si es

hablando, un siglo XVII y XVIII fantástico y incluso el XIX

de titularidad privada, por los costes que suponen su

y tiene cosas extraordinarias, a pesar de que algunos

rehabilitación y que en la mayoría de los casos son

dicen que es una ciudad que no tiene personalidad o

inasumibles por sus propietarios, casos hay muchos,

que no tiene alma, a mí me parece que la propia per-

no son pocos los palacios, castillos y edificios históri-

sonalidad de Madrid se basa precisamente eso, en no

cos que sus dueños conservan a duras penas. ¿La

tener ninguna identidad toponímica concreta, segura-

máxima protección es la solución?

mente la verdadera alma de Madrid sea el ser un crisol

— Eso es contraproducente, cuando hablamos de

de culturas.

patrimonio y de su protección, se requiere un análisis

El problema de Madrid es que cuenta con un impor-

individualizado, hay una casuística tan amplia de

tante patrimonio que no se conoce, no se valora, segu-

modelos, decisiones de posibles usos que, necesaria-

ramente porque en nuestro día a día no tenemos

mente, hay que revisarlos uno por uno. La arquitectura

tiempo, vamos ciegos y no somos conscientes del

ha sido siempre un traje a la medida, hay que analizarlo

patrimonio que tenemos a nuestro alrededor.

y hacerlo desde una actitud para acabar con los maxi-

Aunque, obviamente el tiempo siempre proporciona

malismos intransigentes, de uno y otro signo.

un plus que no tiene una obra acabada ayer, a mí me

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parece que tenemos que contabilizar y también reivin-

— Es una idea con la que me gustaría ir un poco más

dicar el valor la arquitectura moderna.

allá del debate, porque me parece que sería interesante que esa serie de edificios que yo denomino como

— Cuando se realizan intervenciones en edificios

“patrimonio variado” se les buscase unos usos alter-

históricos, en algunos casos, se recurre al “facha-

nativos y compatibles con esas arquitecturas, por ejem-

dismo” se conservan las fachadas pero se desaparece

plo, el frontón Beti-jai, es un frontón estupendo,

todo el interior para volver a edificar ¿no es una forma

rehabilitarlo otra vez como frontón sería lo ideal por-

de arrebatar el alma al edificio? ¿Qué opinión le

que en el tema de buscar un uso a un edificio está la

merece este tema?

mayor dificultad del asunto. Hay usos que son incom-

— Me he pronunciado en contra de eso en algunas oca-

patibles y que representaría destruir el 70% del edificio,

siones, la fachada de un edificio es, en definitiva, una

por eso lo interesante sería buscar qué usos son com-

piel que se adapta a una estructura funcional con unos

patibles con esas arquitecturas, es un ejercicio muy in-

elementos, hay una relación absolutamente biunívoca

teresante y eso, además, serviría para ilustrar a los

entre la forma y la función; ese elemento que conecta

gestores administrativos para que a la hora de plantear

el interior con el exterior es la mirada de los edificios,

la protección de un determinado edificio tengan en

¿hacia dónde miran? ¿Miran buscando el sol? ¿Esta-

cuenta qué uso puede funcionar como tal. Creo que no

mos en un sitio frío? Esa es la piel de los edificios.

tenemos una sociedad civil debidamente estructurada y organizada y eso efectivamente resta posibilidades a

— Otro de los grandes males que ha sufrido Madrid

muchas ideas que se dispersan, hay que tratar de hacer

ha sido la destrucción de patrimonio arquitectura civil,

un equipo, más que el ejercicio que hacen algunas per-

lo que se conoce como “la piqueta” que se llevó por

sonas de forma individual, yo creo que hay que enfo-

delante en los años sesenta numerosos edificios,

carlo de esa manera y en ese sentido, creo que la

como los palacios del Paseo de la Castellana que fue-

posibilidad de crear un grupo sólido y compacto,

ron derribados en nombre del progreso ¿por qué

abierto, con mentalidad abierta que se plantee el qué

hemos permitido eso?

podemos hacer. Para ello también es necesario hacer

— Después de la Guerra Civil en ese desarrollismo que

una declaración de principios con la más absoluta in-

se inicia en los años sesenta empieza a cundir una men-

dependencia. Soy partidario del pensamiento libre, de

talidad muy particular nada recomendable sobre la

no estar atado a nada ni a nadie. Esa “aconfesionali-

modernidad, lo moderno, por ejemplo, era derribar esa

dad” me parece que sería necesaria para crear ese

casa del pueblo de arquitectura tradicional de la familia

grupo que no tenga más ni menos que el propósito de

y hacer una nueva de ladrillo visto y carpintería de alu-

lanzar esa pregunta que yo me hago muchas veces

minio, pensando que eso era lo moderno. Ese tipo de

¿qué podemos hacer? Y ponernos manos a la obra

cosas no pasan en otros países como Austria, Alema-

hablando con la administración y tratar de que

nia… en los que ves sus pueblos impecables, con su

enmiende ese rumbo que tiene ahora, en definitiva,

arquitectura tradicional pero con todas las comodida-

una plataforma formada por personas de todos los

des del siglo XXI… ¿Cómo es que esta gente ha sabido

ámbitos para lograr objetivos concretos. Hay que dejar

entender la modernidad y nosotros no? Yo creo que

de mirar de perfil y hablar de dinero, que es muy

desde esa mentalidad de la modernidad mal entendida

importante. También habría que hacer un ejercicio de

han venido un montón de males.

imaginación, ver como lo han hecho en otros sitios y tratar de convertir el patrimonio no en esa herencia

— La creación de una plataforma abierta e indepen-

que es una carga onerosa, sino en una magnífica opor-

diente para concienciar sobre el valor de la conserva-

tunidad. Hay que ver cómo se puede hacer para man-

ción del patrimonio arquitectónico es uno de sus

tener y conservar el patrimonio y que, a su vez, tenga

proyectos ¿de qué se trata?

una salida sostenible, económicamente hablando y ya

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no planearlo en una mesa redonda, también hay que

momento mágico cuando un edificio se inaugura y ves

ser operativos. Hay que apostar para dar un paso más

a la gente que entra y lo mira, ver sus caras, la expre-

y tratar de influir de alguna manera para que la admi-

sión de sus ojos... eso también tiene su punto. La

nistración aporte más y mejores medios para la tutela

arquitectura es un arte aplicada, no tenemos la libertad

y custodia del patrimonio y que lo haga desde una

que tiene un pintor o un escultor… la arquitectura es

actitud menos intransigente y restrictiva. Cuando hay

un arte que sólo funciona por encargo y nuestra obra

un edificio que tiene valores intrínsecos que lo hacen

está ligada a la condición personal y económica de

merecedor de considerarse patrimonio público a mí me

nuestro cliente, un buen arquitecto con un buen cliente

parece que los debates sobre su futuro deben ser

puede hacer cosas estupendas.

públicos, yo voto por la transparencia a ese examen a

También estamos condicionados por la función y el

puerta cerrada entre un proyecto y la protección del

lugar, ese conjunto de fuerzas ocultas telúricas que sub-

patrimonio. Además, esa transparencia sería benefi-

yace en cada punto del planeta y que determina, con-

ciosa porque obligaría a las administraciones a meditar

diciona y define un determinado modelo de vida. Creo

más sobre sus acciones. Esta idea mía es también una

que esa vuelta a las viejas esencias de serenidad,

forma de dar a este oficio lo mucho que me ha dado,

reflexión… En los últimos tiempos se ha producido un

me siento en deuda de gratitud con la arquitectura.

proceso de internacionalización, de globalización en los modelos que a mí me parece extraordinariamente

— ¿La arquitectura es un arte incomprendido?

perniciosa, porque ha hecho posible que se pierda la

— Es un oficio maravilloso, los arquitectos no gozamos

identidad, el gesto las “arrugas de la cara” esa cosa

de los privilegios que tienen los artistas como los

indiscriminada que hace que vayas a una ciudad u otra

músicos que después de un concierto tienen el aplauso,

y que hace que todas se parezcan y sean iguales, creo

eso creo que debe ser como una droga dura, yo que

que ha sido como consecuencia a la renuncia a la con-

tengo muchos amigos músicos siempre les he envi-

sideración de aspectos tan esenciales como el clima.

diado en ese sentido. Los arquitectos tenemos ese

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Arte

Kolia y El Festival de La Contaminación Por Marco Alom

Fue a principios de este año de 2014 en el mes de mayo, estaba conduciendo en dirección a La Restinga (Isla de El Hierro) ese pueblo pesquero y diminuto que tiene la distinción de ser el asentamiento más al sur de Europa y que fue famoso recientemente a nivel Internacional por surgir allí en 2011 un volcán submarino que tiñó su mar de ocre y puso la mirada del mundo en ella. Para llegar hasta allí atraviesas un inmenso paisaje volcánico, parajes inhóspitos de lavas caprichosas, volcanes silenciosos y páramos solitarios que parecen recién creados si no fuese por aquella carretera en la que me encontraba… todo allí era de una belleza sobrecogedora. La radio sonaba en el coche dando las noticias a las que apenas mostraba atención, cuando de pronto el tertuliano de la radio que hablaba desde Madrid captó mi atención, sus palabras fueron como un ariete que derribase una puerta en mis oídos, dijo: “Queremos mencionar que ahora hace 40 años de aquel evento visionario realizado en Canarias que fue El Festival sobre la Contaminación orquestado de manera profética por el artista Kolia”.

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Aquella voz que hablaba desde Madrid y ahora salía por los altavoces del coche había dicho la palabra mágica: “Kolia”. De él y este evento revolucionario ocurrido en 1974 y hoy prácticamente olvidado vamos a hablar.

Quizás a la mayoría de los que lean estas líneas no le suene este nombre, pero eso no quiere decir nada, un hombre es quien es y no lo que digan o escriban de él, y ese es Nicolás Rodríguez “Kolia”, un hombre con tantas historias a sus espaldas… su dignidad, sus pasiones, sus logros y sus heridas. Sigue viviendo en aquella antigua casa terrera del viejo Santa Cruz, en apariencia abandonada pero llena de libros, pinturas, fotografías, voces de viejos amigos, ecos de recuerdos vivos por siempre; por ella pasaron los grandes escritores canarios a ver a su camarada Kolia, autores como Isaac de Vega o Rafael Arozarena (hoy en el Olimpo de las letras canarias), en su cama se sentaron a tocar músicos de todo el mundo en noches de fiesta a la luz de una farola… jazz, blues… etc. Bajo aquella puerta Maud Bonneaud, la viuda del surrealista Óscar Domínguez, modelo de Man Ray y conversadora de Picasso, sonreía a menudo al joven Kolia, y en esos sillones generaciones de artistas, pintores, músicos y creadores se han sentado para compartir ratos con aquel hombre con “el que se puede hablar”… esa casa sin luz, con la puerta remachada igual carecerá de los mármoles de los ateneos, o los blancos impolutos de las salas de arte, pero rebosa algo de los que ellos carecen… historias, personalidad: VIDA. A esa casa sigue hoy en día yendo la peregrinación muda de generaciones de artistas a conversar con el viejo maestro que se niega a cambiar… -siempre he sido disconforme, así que no me da miedo ser un viejo disconforme-, me dijo a oscuras la última vez que hablé con él.

En esa vida cargada de proyectos realizados y por realizar, de días enteros en la trinchera del Arte y la Cultura… de tantas guerras mudas por hacer algo, de tanta gente con la que ha intercambiado ideas… un momento, un acto brilla con especial intensidad en su trayectoria, por visionario, por adelantado… por profético, ese acto que define bien a Kolia tanto por su origen, por su ejecución, como por su legado, hablamos del ya mencionado “Festival sobre La Contaminación” de 1974, al cual aquella mañana en una carretera entre lavas, la radio hacía alusión.

Actualmente nuestra sociedad en mayor o menor medida es sensible al tema de la contaminación, o al 62 - EMNMM

menos no le puede ser ajena: ahorramos agua, reciclamos al día nuestros desechos, surgen ONG´s por todos lados combatiéndola, somos conscientes de su problemática, las instituciones dicen estar en contra y combatirla y cada vez en mayor medida, la combatimos y somos conscientes de sus peligros. Combatir la contaminación es algo aceptado, y lo contrario se ve como una barbaridad. Pero todo esto hace 40 años no era así, este país era bien distinto, su color nacional era el gris, que infectaba todos los aspectos de la vida ciudadana… “el progreso” malentendido y cargado de riesgos era la única meta. Cuando Kolia siendo niño abandonó el sur de su Tenerife natal de terrenos coloridos, playas paradisiacas y montañas nevadas en invierno y llegó a la capital de la isla, la imagen de la refinería emanando un humo como si de siniestras columnas tóxicas se tratasen, o su llama de fuego gigante que daba la bienvenida a los que allí llegaban del campo, le marcó tan drásticamente que su bisabuela María, con la que el niño vivía, le consolaba por las noches diciéndole: - no te preocupes que un día todo esto desaparecerá-. Pero el tiempo pasaba y aquello no desaparecía, el puerto tan visitado se cargaba de barcos de todo el mundo, y los petroleros cargaban combustible en sus costas… La refinería seguía, la llama eterna alimentada por el combustible se la recordaban cada día.

A pesar de todo esto Santa Cruz era una bella ciudad, llena de recodos bonitos, parques, edificios y una vida apacible que era ganada diariamente por sus habitantes, en ella y en sus barrios una soterrada vida cultural se desarrollaba como bien podía bajo el yugo del régimen franquista que todo lo aplastaba… la gente quería ser feliz y el arte era una buena manera de serlo y decir lo que con palabras no se podía decir. En todo esto Kolia descubrió su verdadera pasión… Cuando llegaron los años 70, y toda su filosofía de exigir hasta lo que en apariencia era imposible, nuestro protagonista estaba ya bien preparado y conocía a tantas y tantas personas como para hacer eso… exigir lo imposible. Así en el año de 1973, la primera piedra de este edificio que levantaría le llegó por casualidad: habían detenido en la Ciudad Universitaria de La Laguna a una estudiante por repartir octavillas antifranquistas, y el amenazante gobierno pedía para ella “una sanción ejemplarizante”, lo que podía significar la peor de las cosas. Los estudiantes se movilizaron, contrataron a un abogado, recaudaron dinero… y llamaron a Kolia. Le pidieron que realizase algo, él que llevaba obras de teatro, grupos de

Recorte de la noticia aparecida en el diario El DĂ­a de 21/5/1974 EMNMM - 63

música, que se movía por los barrios… algo, preparar algo para combatir aquella injusticia. El joven se encerró en su casa terrera y al cabo de unos días tenía en su mano todo un guión, su carácter combativo, sus ganas de hablar y de hacer estaban allí hechas de tinta y papel, hojas en una mano que se resistían a doblarse ante el viento del Estado.

Aquel guión titulado Recital sobre la amistad conjuntaba música, artes plásticas, imagen y pantomima, todo mezclado recreando una obra de teatro totalmente conceptual, anunciando sentimientos nuevos para un público al cual la cultura y las tendencias le llegaban a cuentagotas (recuerden el lema franquista que decía: “Que inventen otros”… ¿Qué se puede añadir?), Kolia enmudeció al público, fue tanto el éxito que lograron recaudar dinero para poder pleitear la causa… al poco la estudiante estaba en libertad, la gente, los estudiantes y Kolia le habían ganado una batalla a un gobierno acostumbrado a salirse con la suya.

Todo esto le abrió los ojos al joven creador, ¿podría ahora con la prueba validada aunar a las personas para combatir a su viejo enemigo: la contaminación? La calle era cada vez más combativa, el cansancio por la represión era cada vez mayor en las islas, las pequeñas reacciones cada vez cogían más carácter, independentismo, socialismo, anarquismo, independencia se decía cada vez más con la boca pequeña, faltaban unos pocos años para que la ciudad se levantara en armas contra el gobierno y sus autoridades en una batalla salvaje tras la muerte de un joven (Bartolomé) a manos de la policía… el caldo de cultivo era propicio para la reacción, más a nadie parecía importarle la contaminación, era un pequeño mal a favor del bien del “progreso”.

Aun así el artista se puso manos a la obra, encerrado una vez más en aquella casa elaboró otro guión, empuñó otra arma que clamaba la sangre de una jerarquía alimentada por el miedo. Empezó a recabar información hasta de donde no llegaba, aunó a gente en su lucha, gente de los barrios, buscavidas luchadores como su fiel amigo y colaborador en esta aventura: José Antonio Rodríguez Ramos “El gato” para el cual la palabra “imposible” no existía. Entonces llegaron los músicos (ese rock soterrado que en menos de una década sería Punk), los artistas, los técnicos de sonido, los actores de teatro, los mimos y los escritores… aquella casa terrera, hoy anónima, se convirtió en un hervi64 - EMNMM

dero cultural, en un espacio de libre expresión que por fin nacía en una calle cualquiera… En aquella escalera, hoy precaria, estaban de pie los actores de teatro ensayando sus guiones, en el salón los músicos de varias tendencias se conocían, ensayaban y experimentaban entre ellos. En la pequeña cocina los poetas y los escritores escribían y comparaban líneas que decían mucho más de lo que se podía decir, en el salón y el patio los artistas elaboraban sus piezas con barro, residuos, yeso, metal o pintura… y en medio de todo esto, coordinando y entrando y saliendo el artífice de todo: Nicolás, acompañado siempre por “El Gato” que no sólo era su ayudante y compinche, sino chófer improvisado.

Con su característica labia, Kolia pudo obtener algo de dinero de la administración (que celebraba sus “Fiestas de Mayo”) y un lugar donde llevar a cabo su acto final: El Teatro Guimerá, icono de la ciudad con más de un siglo y punto de encuentro de las alternativas culturales. Tras meses de trabajo, de estudio, de aunar a gente e instituciones, de generar esperanzas y soñar con concienciar al ciudadano de los peligros de la Contaminación… en definitiva: de un esfuerzo titánico que Kolia hubo de compaginar con el nacimiento de su primera hija, llegó el esperado día.

Santa Cruz estaba empapelado con carteles de diversos tipos que legiones de jóvenes en la oscuridad de la noche habían pegado… “Festival sobre la contaminación” anunciaban, ante tanta incógnita el pueblo decidió acudir… habían caído en la trampa furtiva que el artista había colocado. Cuando la gente llegaba al Teatro Guimerá y se disponían a abonar la entrada, se le daba un libreto en los que se especificaba los peligros y las zonas de máxima gravedad de la contaminación mundial y local, acusando a la refinería, y demás industrias, con esa bienvenida entraban a un hall lleno de obras de arte realizadas por artistas de todo tipo que, por primera vez, se les brindaba la oportunidad de ser libres en su expresión artística. Allí recibían al ciudadano esculturas que imitaban explosiones de desechos, aglomeraciones de plantas muertas, una escultura de Javier Alom (padre de este que les escribe) que mostraba a una mujer abriéndose la garganta y arrancándose la tráquea “Autodestrucción” y a otra de cuya boca salían tubos que iban a sus oídos “Ignorancia”.

También había fotografías de Carlos Rojas y “Tinerfe” que mostraban aquellas columnas de humo gigantescas que ahora descontextualizadas le recordaban al es-

pectador qué era lo que respiraba. Así a modo de introducción, por aquel paisaje desconcertante, el aturdido público entraba al teatro… allí dispuesto en tres niveles se encontraba una torre de Babel de grupos de música. Todo estaba sumido en la oscuridad, entonces una luz única enfocaba un nivel y los grupos que en él estaban tocaban sin parar, ahora se enfocaba a otro y los otros tocaban… una pantalla gigantesca proyectaba a toda prisa imágenes de residuos o atentados ecológicos… todo aturdía a los visitantes que pronto se entregaron a un éxtasis comunal… colores, luces, opiniones, denuncia… todo eran nuevos sabores, todo generaba esperanza y ganas de lograr algo nuevo y mejor.

Entonces entre el público alguien estallaba en gritos… ¡ABAJO LA CONTAMINACIÓN!, otro le contestaba ¡CÁLLATE, ES PROGRESO!, eran simplemente actores que empujaban a los espectadores a participar del debate, les enseñaba a dialogar y expresar su opinión tanto tiempo callada… y así fue, la gente empezó a hablar con tanto gusto que salieron de allí hablando.

Sobre ellos actrices con cuerdas volaban sobre sus cabezas en alocados movimientos y risas delirantes… La psicodelia había llegado a los corazones monocromos.

Fue un éxito. Aplausos, bravos, vivas… se oyeron por doquier, Kolia y su equipo lo habían conseguido, habían sembrado una semilla que en los años próximos daría tantos frutos. A la salida, el público recibía un pequeño drago (planta icónica de Canarias, de gran longevidad) para que llenaran la isla de plantas nuevas y hermosas, además de una lista de las plantas canarias en mayor riesgo de extinción. Así nació y culminó el Primer Acto contra la contaminación de la historia de España, hoy casi olvidado pero no por ello menos vigente. A los pocos días nuestro protagonista que estaba exultante recibió una carta desde Madrid, era del Ministerio de Interior, se le acusaba de ser el responsable absoluto de un espectáculo rebelde ¡y vaya si lo era! La acusación le costó una multa de medio millón de las pesetas de la época, toda una fortuna, y la mirada constante de la autoridad y la censura (con la que siempre ha lidiado). Su abogado no encontraba la ley por ningún lado y al final resultó ser una ley promulgada por Fraga Iribarne (aquél que se bañó en Palomares para ocultar los peligros de la energía nuclear) que, curiosamente, en toda su historia sólo se le aplicó a Kolia.

calles, en un bar al fondo de una barra tomando un café está el viejo guerrero, mil combates han venido después de aquella odisea de la que fue pionero… mil amigos e historias bellas también. Ahí está el hombre que a tantos nos enseñó directa e indirectamente, ya fuese con una charla en aquella casa donde nacen los hechos o en un festival asombroso… allí está con su dignidad aún en pie, las cosas claras y la sonrisa en los labios mientras habla con un amigo de esos que nunca le faltan. Lo puedo ver aún y recordar lo que el otro día me dijo: “siempre he sido disconforme, así que no me da miedo ser un viejo disconforme”, y es que para Kolia y su constante combatir, la vida al fin y al cabo es “sólo una mamada”.

En tiempos en que los éxitos contra la destrucción del planeta y la utilidad de las energías renovables son denostados, donde a nuestras costas aparecen las horrendas estructuras de plataformas petrolíferas impuestas contra la voluntad y que como guadañas nos amenazan con nuestra muerte, y que los gobiernos recortan más derechos y amenazan con la mordaza, el ejemplo de Kolia brilla más que nunca, lo que nos enseñó aquel mes de mayo de 1974 tiene más vigencia que nunca, y como aquél día el espectáculo ha de acabar con un “¡bravo!”. Así que hoy es momento de mirar a este luchador, a este Nostradamus de barrio y puerto, al “padre de todos nosotros” y decirle: GRACIAS, gracias por aquellas conversaciones, por la pintura, por el olor a óleo, por los trabajos inacabados, las esperanzas, por los actores en la escalera y los artistas en el salón, por el matiz de color en lo gris, por el humo del tabaco, por la multa millonaria, por el papel por pintar, por la puerta apuntalada pero abierta al amigo, por el ejemplo y los “bravos”, por la emoción y la poesía, por el esfuerzo y la necesidad de soñar, por el caminar incansable, por las bailarinas sobre nuestras cabezas, por la eterna dignidad, por los cafés de bar y el sonido de las voces, por cada encuentro, por hacernos pensar, por enseñarnos a exigir lo imposible, por la música, por la tertulia de madrugada, por la oscuridad de tu casa, por aquellos ecos entre las paredes… por estar siempre ahí caminando delante, recordándonos aquella premisa que dice: “los perros viejos ladran echados”.

Eternamente gracias: Tu Público.

Ahora, hoy en día, en una calle de Santa Cruz de reducido tráfico, donde se reúnen los veteranos de las EMNMM - 65

Pablo Ugartetxea

Pablo Ugartetxea es un artista de Bilbao con una extraordinaria habilidad, la de crear mundos nuevos en los que la presencia del mar y el urbanismo son una constante, siendo capaz de levantar de un plumazo nuevas ciudades, cosmopolitas, en las que nada es lo que parece y siempre bajo la sombra de la destrucción, una amenaza destructiva que no es otra cosa que un volver a empezar, una resurrección en la que tampoco falta la crítica ni el humor.

Este mes de octubre inaugura en la Galería Antonio Suñer de Madrid la exposición Ciudades Abiertas, por esta razón no hemos querido dejar pasar esta oportunidad para hablar con él en esta entrevista.

— EMNMM. Pablo, naciste en Bilbao, una ciudad en la que la propia ciudad y la cercanía del mar le imprimen su propia y particular esencia. En tus trabajos los paisajes urbanos y el mar también son recurrentes ¿hasta qué punto crees que el lugar donde se nace imprime carácter en la obra de un artista?

— P. Ugartetxea. En mi caso esto es así al 100 por 100. Tengo dos influencias muy claras que son los dos lugares en los que transcurrió mi infancia: por una lado el mar de Lekeitio, un pueblo pesquero de donde es originaria mi familia y donde pasaba los veranos, y por otro la arquitectura de Bilbao, mi ciudad. Bilbao es una ciudad extremadamente urbana, encajonada entre dos montes, muy estrecha y en la que en poquísimos kilómetros cuadrados se amontonan los edificios con una mezcla de arquitecturas muy ecléctica que, milagrosamente, funciona (gracias a que ha sido una ciudad rica y a lo largo de la historia ha contado con buenos arquitectos). Esas dos influencias, mar y arquitectura, son las que han marcado el carácter de mi obra.

— Tinta, óleo, foto… utilizas todo tipo de técnicas en tus trabajos ¿por qué esa fusión?

— No existen las barreras entre diferentes artes y técnicas, me sirvo de lo que cada una me ofrece para expresarme, el dibujo la pintura, la fotografía, el videoarte, la instalación o el mismo diseño gráfico.

— También en tus obras realizas una curiosa fusión de elementos en los que se mezclan todo tipo de edificios y espacios urbanos, mezclando paisajes antagónicos y diversos en una perfecta comunión, creando nuevos paisajes que llegan a ser familiares para cualquier persona, ya sea en Europa como en Asia ¿cómo se puede lograr esa armonía?

— Creo que esta capacidad de crear nuevos escenarios urbanos que resulten creíbles puede venir de lo que te comentaba antes de haber mamado desde pequeño la caótica pero al mismo armoniosa saturación del urbanismo bilbaino. También la globalización y la posibilidad del viaje a cualquier lugar del mundo transformado la manera de mirar un paisaje. Cualquier ciudad es a la vez, todas las ciudades, mi ojo asocia fragmentos, los recorta mentalmente y los pega fabricando urbes imaginarias. Estas ciudades son fruto del viaje como experiencia sensual y de la técnica del collage como chispazo liberador de asociaciones de la memoria.

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Retiro

— Has acuñado un término denominado “surfbanismo” ¿qué significa eso?

— En mis cuadros hay siempre una amenaza latente, se palpa la catástrofe: los edificios ardientes, los terremotos, los tsunamis destrozando ciudades... son la seña de identidad de mi trabajo. Creo que esto tiene que ver con el cambio de milenio tan traumático que vivimos, el clima enloquecido que produce huracanes en Europa, el desplome de la economía occidental, el 11 de septiembre…

Todo ello crea un ambiente apocalíptico que no puede dejar indiferente a un artista. El Tsunami es para mí una metáfora que invita a reflexionar sobre el impacto del hombre en su entorno natural y a su vez sobre el impacto de la naturaleza en el entorno urbano: cómo la naturaleza nos devuelve la pelota con su fuerza desatada destrozando nuestros monstruos de cemento. Para esto creé el término Surfbanismo, esto es, ¡urbanización a golpe de tsunami! Creo escenas apocalípticas que son relecturas satíricas de un pasado dramático, generando monstruos... pero, también, alentando la esperanza.

— Todas tus series y proyectos tienen una estructura perfectamente organizada ¿cómo te planteas cada proyecto? ¿Partes de una idea determinada?

— Efectivamente. Primero se me ocurre la idea, la dejo madurar un tiempo en mi cerebro, no la anoto, pienso que si no es suficientemente buena simplemente no pasará la criba de ser recordada. Si la idea aguanta y no es olvidada en unos meses, la doy por buena y empiezo a trabajar en ella. Hago varios bocetos para ver si lo que en mi cabeza parece factible y es plásticamente interesante sobre el papel (no siempre pasa). Si veo que funciona me pongo manos a la obra, me documento, si hace falta viajo al lugar donde va a estar ambientado el cuadro o video, intento empaparme de él y tomo cientos de fotografías.

De vuelta en el estudio me pongo a ejecutar la obra en sí. En general mis cuadros están muy pensados y trabajados y por eso precisamente dan esa impresión de sencillez, de facilidad que intento transmitir y que es tan complicada de conseguir en realidad. Whistler dijo algo así como que “hace falta un trabajo inmenso para borrar toda huella del esfuerzo”, suscribo totalmente esta frase.

— Una de tus exposiciones más impactantes es Unarmed Victory, en la que recreas los terribles bombardeos de Guernica, con todos los elementos simbólicos y dramáticos pero con ciertas dosis de sátira e ironía, herramientas que inducen a la reflexión sobre este conflicto pero que también se puede aplicar a todos los demás conflictos. ¿Cómo surgió la idea de esta muestra?

— Unarmed Victory es una exposición inspirada por el lugar en el que se lleva a cabo, ASTRA, una antigua fábrica de armas de Guernica (llegaron a vender más de 100.00 pistolas al ejército nazi en la Segunda Guerra Mundial) reconvertida recientemente en centro de creación artística. El edificio, del arquitecto vasco Ricardo Bastida, autor entre otros del edificio del Banco de Bilbao de la calle de Alcalá de Madrid, es uno de los pocos que sobrevivieron al bombardeo de la villa. En Unarmed Victory hice una reflexión sobre el cambio que supone el que un edifico como ASTRA, un antiguo centro de destrucción, se haya reconvertido en un centro de creación. A partir de esta reflexión me sumergí en la historia de esta villa mágica e icónica y realicé una serie de obras llenas de guiños y referencias a obras de arte, literarias o cinematográficas sobre la

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intolerancia y el afán destructor del ser humano... sin perder de vista la ironía y el sentido del humor. En Franc Attack, por ejemplo vemos a Franco metamorfoseado en uno de los marcianos de película de Tim Burton mientras los ovnis bombardean la actual Guernica reconstruida en los años 40 por el gobierno franquista. En Unarmed Victory también realicé una instalación en la que colgué de los techos de la antigua fábrica de armas reproducciones a gran escala de las bombas que allí se fabricaban alineadas junto a tablas de surf, confundiéndose unas con otras.

— Has expuesto en medio mundo y en los lugares más insospechados, como en las favelas de Río ¿qué importancia le das al lugar donde expones? ¿De alguna manera buscas que forme parte de la propia exposición?

— Exactamente, me parece muy importante que el continente forme un todo con el contenido, incluso que el lugar donde se va a llevar a cabo la exposición sea la principal fuente de inspiración de la misma como fue el caso de Unarmed Victory. Intento exponer en lugares con una especial significación arquitectónica como la Amabassade de Toriusme un palacio del siglo XVIII en Saint-Tropez donde expuse Méditerranée fragmentée en 2006, los antiguos docks del puerto de Yokohama en Japón donde mostré Tides from Bilbao en 2010, o Surfbanismo, instalación basada en el fenómeno arquitectónico de las favelas de Río de Janeiro y que realicé en la sede de la ONG Favela Surf Clube, en la Favela de Cantagalo, en Río y en el edificio de la Bienal de Sao Paulo, obra de Niemeyer.

— Además de la pintura, el dibujo y la fotografía, empleas el vídeo ¿forma parte de tu propia forma de expresión artística o es una forma de experimentar y explorar otros recursos?

— Pienso que un poco las dos cosas. Mis cuadros siempre han tenido un carácter narrativo muy vinculado a la planificación secuencial del cine y están llenos de referencias, cinematográficas. En Bellas Artes estudié la especialidad de audiovisuales y llevo bastante tiempo trabajando con el vídeo. Este medio me permite llegar a expresar cosas que no puedo con la pintura o sirve de complemento a esta en algunas exposiciones. Desde hace más de un año estoy trabajando en el proyecto Chachel. Es un vídeo en el que reflexiono sobre el momento histórico tan duro que estamos viviendo y que hace que la juventud española mejor preparada tenga que emigrar en busca de trabajo... tal y como hacían hasta los años 70 los españoles, aunque entonces los que emigraban eran gentes de origen humilde y sin preparación. El destino de muchas chicas españolas en esa época era París, donde trabajaban de criadas para la burguesía francesa. Allí eran -y son conocidas- como “Conchitas” un personaje muy popular y querido, que incluso aparece frecuentemente en el cine francés. El vídeo en el que estoy trabajando es un homenaje a todos estos universitarios y profesionales altamente cualificados reconvertidos ahora en criadas de lujo, en las nuevas Conchitas: chacha + lujo = CHACHEL Para este proyecto he creado toda una línea de productos de limpieza de ultralujo, la marca Chachel y me he transmutado en mi alter ego Coco Chachel, una mujer mayor, vestida como la famosa costurera francesa que viaja a París, Nueva

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Reina Sufría

Palacio Real

York, Biarritz etc y se dedica a limpiar -con su fregona forrada en matelassé negro con asa de perlas al estilo de mítico bolso 2.55 de Chanel- las sedes de Tifanny´s en Nueva York, de Chanel o Dior en París... o la misma Gioconda en el Museo del Louvre.

— Este mes podremos ver tu trabajo Ciudades abiertas en la galería Antonio Suñer Madrid, háblanos de este trabajo ¿qué nos vamos a encontrar?

— Veremos ciudades abiertas por las grietas de los terremotos, edificios emblemáticos destrozados... al igual que en el romanticismo de John Ruskin, la ruina es la protagonista. Ese paisaje abandonado donde la arquitectura yace moribunda es algo muy evocador con una fuerte carga reivindicativa en los tiempos que estamos viviendo. Tras esta destrucción de las ciudades propongo una reconstrucción basada en una mayor integración de arquitectura urbana y naturaleza. Para esa regeneración me inspiro por un lado en el fenómeno de las favelas de Río de Janeiro: una arquitectura precaria, salvaje, sin planificación, a merced de los fenómenos naturales. Lleno los centros urbanos de ciudades como París, Nueva York o Madrid, con estas chabolas de cartón, uralita y ladrillo de cara vista que, como si se trataran de hiedra, trepan por sus edificios más famosos cubriéndolos con su rara belleza. Por otro lado reconstruyo los edificios arruinados utilizando como material las furgonetas con las que los surferos -nómadas contemporáneos- recorren el mundo siguiendo las borrascas en busca de la ola perfecta. Al igual que en las favelas, amontono las furgonetas unas encima de otras construyendo torres de Babel de apartamentos que sitúo en el corazón de nuestras ciudades. Al utilizar como materiales para los edificios imaginarios de estos nómadas sus mismos vehículos, creo una metáfora, es como si quisiera detener el viaje continuo de los tuaregs del Sáhara, construyéndoles casas, utilizando sus camellos en vez de ladrillos. En Retiro podemos ver a los bucólicos adolescentes de las barcas del estanque del Retiro... ajenos al gigantesco Tsunami que amenaza con engullirlos desde detrás del Palacio de cristal. En Ruina Sofía y en Reina Sufría el famoso museo madrileño es bombardeado por los aviones de la Legión Cóndor. Entre las ruinas descubrimos a Picasso junto a los restos chamuscados del Guernica...

— ¿Qué proyectos tienes para un futuro cercano?

— Entre mis próximos proyectos hay una exposición en Gaza como parte de una serie de exposiciones e instalaciones que llevo a cabo desde 2012 en ciudades del mundo con una especial relevancia simbólica: lugares masacrados por las bombas como Guernica y Tokio o lugares azotados por la violencia, como las favelas de Río de Janeiro o Sao Paulo, donde expuse Surfbanismo. www.pablougartetxea.com

Ruina Sofía

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Foto: Zoo Somaini CardelĂşs

Fotografía

Maggie Cardelús Nacida en los Estados Unidos, de padre español y madre americana, Maggie Cardelús es una artista española que un buen día descubrió en la fotografía una nueva forma de ver el mundo y mostrarlo a los demás.

La familia y el arte son dos constantes en cada una de sus obras, logrando con ello una fusión mágica y perfecta en sus laboriosas composiciones fotográficas, tanto que parecen buscar algo más que un mero retraro; plasmando los deseos, los miedos... pero sobre todo, son los sentimientos más puros que hasta ahora ninguna lente ha podido captar y que Maggie sí ha sabido confeccionar a tijeretazo limpio.

Por EMNMM

EMNMM - 79

— EMNMM. Maggie, ¿cómo fue tu primer contacto con la fotografía?

— M. Cardeús. Las fotos de mi boda. Cuando las recibí me quedé sorprendida de lo poco que correspondían con lo que recordaba de la boda.

Todas las fotos tenían una mancha blanca muy molesta de por medio. ¡Era yo con mi vestido de novia! Miraba las fotos de la boda y veía a los demás y no a mí misma. Así que decidí recortar mi imagen (la mancha blanca de las fotos) y así empecé a interrogar a las fotografías, insistiendo que me dieran más de lo que querían darme.

— Una de las características más llamativas e interesantes de tu trabajo es la tridimensionalidad lograda con recortes fotográficos ¿cómo se te ocurrió la idea?

— No sé. Fue parte de un proceso durante el cual dejé que mi cuerpo hiciera lo que quisiera. Empecé a recortar mis fotos de boda, y se les ocurrió a mis manos transformar la imagen recortando en formas 3D, delicadas y frágiles. En el momento de hacer o de crear, es raro comprender el significado de lo que está ocurriendo. Tengo un máster en arquitectura (Columbia University), y eso también me ayudó a desarrollar un buen sentido de la relación entre la bidimensionalidad y la tridimensionalidad, y puede ser que eso fuera lo que hiciese natural el llevar las fotos a las tres dimensiones.

Quizás inconscientemente quise crear espacios u hogares por donde entrar de una manera más íntima dentro de una superficie. Hay críticos que me han hablado de la violencia que supone el gesto de cortar y transformar la foto, pero ese gesto, para mí, tiene poco que ver con la violencia.

Para mí es un acto de intimidad y devoción.

— ¿Qué es lo más difícil de esta técnica?

— No es difícil. Es práctica y precisión. Tuve que dejar que se me formaran callos en las manos para que se me pasara el dolor de los primeros días, y después de eso fue como cualquier actividad de coordinación, práctica y más práctica.

— Es imposible no quedar atrapado ante tus obras, al comenzar una obra ¿partes de una idea previa determinada? ¿Cómo es el proceso creativo?

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— No hay fórmula ninguna. Dejo que la intuición me lleve. He tenido que tener fe en mí misma. Una obra nueva puede empezar con sólo una pequeña idea que con tiempo, quizás años, refuerzo y desarrollo hasta que caigo en algo, por ejemplo con Zoo, age 10. También puede empezar con una foto que me mueve algo en lo más profundo dentro de mí, por ejemplo en Zoo as Sky, sky as Zoo. O también se puede empezar poniendo en marcha un proceso que deja que la obra vaya decidiendo lo que quiere ser, como en el caso de White Piece: Conversations in New York o puede empezar con una curiosidad, por ejemplo, para Looking for Time, la pregunta fue ¿cómo puedo cambiar el “tiempo” de una foto? También puede darse el caso de que surja de una observación de alguien en la familia que pienso necesita atención, por ejemplo, cuando me preguntaba sobre cómo podría librar mi hija del peso de mis obsesiones, me llevó a Laura’s Inheritance. Para mí es esencial tomar un tiempo para reflejar y realmente comprender lo que estoy sintiendo y viendo en un momento dado de mi vida, y más importante es aún, el identificar ese sentimiento como importante. Nada es banal. Todo es monumental. Es sólo saber reconocerlo y hacerlo visible a los demás.

— ¿Utilizas unos patrones determinados a la hora de trabajar en un proyecto?

— Sí. Para hacer los recortes es necesario crear un dibujo o patrón. Estos dibujos pueden ser dibujados a mano o dibujados con el ordenador. El ordenador ha hecho posible ver el resultado en representaciones antes de empezar a cortar, y esto, naturalmente, ha influido sobre el proceso y el carácter de las líneas. En el momento de la producción me tomo libertades con el dibujo, si quiero, o si lo veo necesario.

— Otro de los elementos característicos de tu trabajo es el uso de imágenes personales, fotos de familia ¿por qué?

— Los retratos de familia que hice en los noventa eran obras tempranas, fruto de la devoción, su confección me servía de consuelo cuando me mudé a Italia. Fue a través de esta obra como adquirí una fascinación con el vertiginoso mundo

Zoo as Sky, sky as Zoo (2004)

Font (1999)

de las instantáneas y todo el material potencial que contenían. Luego, con niños, usé mi trabajo como una manera de interrogar el presente y el estado de la familia, las relaciones entre todos, y usar el arte como un espacio de reflexión, de libertad absoluta, de curación, recuperación o reconciliación… El arte se convirtió en algo que está íntimamente conectado con la vida cotidiana, es inseparable de ella. El arte me pudo dar una manera de inventar nuevas modalidades para poder gozar y para profundizar en las relaciones humanas. Esta actividad “gender-full” se contrasta con el camino paralelo de investigación artística “gender-free” sobre la imagen fotográfica.

Llevo desde hace seis años, cuando mi hijo mayor, Zoo, cumplió doce años, haciendo proyectos al extranjero con mis hijos. Hemos estado en residencias en Japón, Malasia y en la India. El año que viene llevaré mi hijo más pequeño a Sudáfrica, y en 2016 iré con mi hija a una residencia artística en Tailandia. En estos viajes, que suelen durar un mes, nos dedicamos a trabajar sobre algo que decidimos juntos, es de particular importancia.

Estas son experiencias que llevan a otro nivel de concentración y productividad la idea de confundir arte y vida, intencionalidad artística y maternidad.

Con el paso del tiempo no he querido tratar otros temas. Estudiar el “micro” de la vida inevitablemente dirige al “macro”. Me he dado cuenta que la familia es el mundo, no es otra cosa o algo que está en relación con el mundo. Podemos empezar a ver ahora cómo el cambio de las estructuras familiares en las últimas décadas está vinculado a los cambios en todos los aspectos de la sociedad y la vida. Estos mundos familiares son los temas más importantes de la experiencia humana, por no mencionar uno de los más tensos y cargados. Las relaciones humanas de carácter íntimo y todos los aspectos de la vida son contiguos e interdependientes y mi obra pone eso de relieve.

— Para uno de tus trabajos llegaste a utilizar miles de fotografías familiares realizadas en un periodo de 10 años, ¿cómo surgió esta idea?

— La idea de obra-regalo siempre me ha atraído mucho. Si pudiera, me hubiera gustado que todas mis obras fueran regalos. Me quedé enamorada

de un trabajo de Alan Kaprow el gran artista conceptual americano de los años 70, que consiste en un regalo a su novia, y me inspiró para crear unos años después Zoo, Age 10.

Cuando mi primer hijo, Zoo, estaba a punto de cumplir 10 años, quise hacerle un regalo retrato.

El retrato consistía en una proyección en alta velocidad de mi álbum de fotos de 20.000 imágenes tomadas desde el día que nació mi hijo, hasta su décimo cumpleaños. La secuencia de imágenes se barajaba cada 20 minutos y durante diez años.

La instantaneidad de la fotografía, de esta manera, se siente por lo rápido que es, y se recontextualiza, pues se muestra como parte de una línea temporal que, sin embargo, no refleja el tiempo cronológico.

Lo más bello de este retrato para mí, es que no es sólo la clásica foto de un niño retratado, sino de un niño que es parte de una comunidad, el retrato se expande, se hace más complejo y se extiende a todos los que lo rodean.

— La obra de un artista es algo similar a un sentimiento y muy personal, en tu caso, es posible que los sentimientos se multipliquen tantas veces como los recortes que realizas, pues el uso de imágenes de tus seres queridos irremediablemente ha de tener un componente sentimental muy importante en cada uno de tus trabajos.

Teniendo esto en cuenta, cuando participas en una exposición ¿cómo te enfrentas a ella y a la posible venta de tus trabajos?

— Es curioso, pero mi marido, por ejemplo, está más ligado a mis trabajos que yo. Cuando acabo una obra, no me siento particularmente posesiva con ella. Es como si al hacer una obra me muevo a otro espacio mental y la obra se queda como un rasgo de ese pasaje. Nunca confundo la obra o la imagen con la persona retratada en la obra. Mis hijos han tenido siempre muy claro la separación entre ellos y una imagen de ellos. Hubiera sido desastroso que los niños se identificaran con las obras.

Veo mis obras como objetos de arte, sí, pero más que eso son fragmentos de un proyecto de artevida más amplio, así que son rasgos de un proceso, y de eso no me es difícil separarme. Son testigos de una investigación, de un experimento profunEMNMM - 83

damente personal y a la vez, político, y este aspecto político se revela, se desarrolla sólo al ver las obras expuestas, vendidas, discutidas y en circulación.

— Aunque la fotografía es tu herramienta habitual, también has tocado otras disciplinas artísticas en tus obras ¿se trata de un proceso natural de creación o se trata de un paso más allá de la fotografía?

— Me encanta experimentar con otros materiales, y cuando llega el momento de hacerlo, lo hago pensando en la fotografía, así que se trata de un proceso que siento que está integrado con la actividad fotográfica. Es como si no llegara a considerar las cosas desconectadas de la fotografía, o como si los problemas conectados con fotografía se escondieran de alguna manera en todo lo que nos rodea.

— Recientemente has expuesto en Valladolid con gran éxito tanto por el público como por la crítica en el Museo de Arte Contemporáneo. Total Envi­ ronment, es el nombre de la expo y se ha calificado como una reflexión personal en la que se resume, además, 17 años de carrera artística. ¿Qué ha supuesto esta exposición para tí tanto a nivel personal como artístico? ¿Con ella se cierra y se abre una nueva etapa profesional?

— Creo que reunir cincuenta obras en un magnífico espacio como es el Patio Herreriano es un raro privilegio. Fue una experiencia única poder verlos todos de nuevo, verlos juntos y trazar los muchos hilos que unen los trabajos lo largo de mi carrera.

He querido aprovechar la ocasión de la expo para explicar mejor la complejidad, intencionalidad y proyectualidad de mi trabajo porque creo que, en pasado, muchos no han comprendido esto y con esta exposición creo que logramos comunicarlo. Es fácil perderse en la estética de una obra y no ir más allá de esa experiencia, y Total Environment me dio la ocasión para darle ese contexto.

Me gustaría que con esta expo se me considerara más como artista española, porque lo soy, a veces

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he tenido la sensación de ser vista como extranjera. Es verdad que vivo en el extranjero desde que tengo 14 años y que soy mitad americana, pero también soy española y esto sigue siendo una parte vital y fuerte de mi identidad.

La verdad es que no veo que durante la expo coincidiese con una sensación de conclusión de una etapa o el comienzo de algo nuevo. La vida sigue dando golpes y regalos y aquí sigo, viviéndolos.

— ¿Para cuándo una expo en Madrid?

— Estoy preparando una expo para la galería F2 de Madrid. Se inaugurará el 15 de noviembre. En esta ocasión estoy cerrando los ojos y encogiéndome en un mundo más silencioso y oscuro donde las imágenes flotan en los bordes de la experiencia y de la memoria, de forma casi imperceptibles.

Todas las obras nacen de papel fotográfico negro.

También para la expo estoy haciendo unas nuevas cerámicas negras que el ceramista Manolo Fernández Quintana me ayudará a producir en su taller de Algete.

— ¿Qué planes tienes para el futuro? ¿Estás trabajando en algún proyecto concreto que nos puedas adelantar?

— Aparte de la expo en F2, estoy haciendo tres retratos comisionados por coleccionistas italianos y americanos. Son trabajos que me fascinan porque me permiten entrar en la cultura privada de otras familias. Encuentro que a través las comisiones puedo ayudar a los coleccionistas a identificar y elaborar a través del retrato que hago de ellos, las emociones que en ese momento necesitan atención. Además de los retratos, estoy preparando un proyecto que haré con mi hijo, Kiko, en Sudáfrica el año que viene.

Maggie, muchas gracias por tu tiempo, es todo un honor contar contigo y esperamos verte muy pronto por Madrid.

www.maggiecardelus.com

Blue pearl (2003)

Laura’s inheritance (2003)

Looking for time (mom in loft) (2007)

Conversations in NY

Madrid necesita un festival independiente de cine emergente, consolidado, con identidad y personalidad, un lugar propio en la parrilla anual de eventos... y ese es el Festival de Cine de Madrid-PNR, toda una referencia nacional.

El FCM-PNR es el segundo certamen cinematográfico más antiguo de la capital y desde su primera edición en 1991 está consolidado como un escaparate fundamental para producciones emergentes, a las que da cobijo y promoción, aglutinando la mejor selección del diverso cine nacional que no se comercializa en el país.

Con foco en obras de los nuevos realizadores, el FCM-PNR es un lugar de encuentro en constante búsqueda de nuevas narrativas y creadores que necesiten una ventana desde la que proyectarse. Su identidad propia y diferenciada hace que su público crezca año a año y se renueve con nuevas generaciones de espectadores y autores, muchos de los cuales serán con los años quienes muestren sus obras al gran público y quienes se verán atraídos por estas, lo que ha venido sucediendo en ediciones previas. En definitiva, constituye una de las citas ineludibles para el público cinéfilo de Madrid y ocupa un puesto relevante en el circuito nacional de festivales, por lo que está incluido en la preselección de candidaturas a Mejor Cortometraje en los Premios Goya de la Academia de la Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, optando a dicha posibilidad tres galardonados en el FCM-PNR.

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Cine

El FCM-PNR demuestra su compromiso con las nuevas producciones españolas manteniendo desde hace tres años el pago por selección a participantes en secciones oficiales tanto de largometrajes como de cortometrajes, a modo de derechos de exhibición, y, además, busca repartir premios u otras retribuciones materiales a las mejores obras de dichas secciones, incentivando así estas cinematografías y apoyando en la medida de sus posibilidades a la débil industria española de producción, distribución y exhibición.

Con sede principal en la Sala Berlanga de la Fundación SGAE, en esta 23ª edición tendrá programación, además en otros espacios relevantes del panorama cultural madrileño, como son el Cine Doré de la Filmoteca Española, la sala de proyecciones de la Academia de Cine, el salón de actos de la Universidad Complutense de Madrid, la escuela Blank Paper y el salón de actos de la Universidad Rey Juan Carlos I. La Plataforma Nuevos Realizadores PNR es una asociación nacional sin ánimo de lucro fundada en 1989 por directores, productores y técnicos de cortometrajes y primeros largometrajes, que desde hace 25 años trabaja por la exhibición, difusión e interrelación con el público general de las obras de sus socios, y por la representación, defensa y reconocimiento del cine emergente creado por nuevos realizadores, muchos de los cuales, con el tiempo, se han venido consolidando como los directores del futuro cine español.

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PROGRAMACIÓN ////////////////////////////////////////////////////

Secciones Oficiales Sección oficial LARGOMETRAJE-selección de 5 largometrajes no estrenados en salas comerciales.

Sección oficial CORTOMETRAJE-selección de 25 cortometrajes (hasta 30 ) Sección oficial SOCIOS PNR-cortometrajes de socios y socias PNR. ElFCM-PNR lleva a concurso más de 50 obras: Cortometrajes y largometrajes de producción española no estrenados en salas, canales o plataformas comerciales, con proyecciones en alta definición en una de las mejores salas de la capital, la Sala Berlanga, equipada con los mayores avances técnicos actuales. Además, la entrada a estas sesiones es gratuita.

Secciones Paralelas Entre todas las salas que acogen al FCM-PNR (Sala Berlanga, Cine Doré, Academia de Cine, Universidad Complutense de Madrid, Universidad Rey Juan Carlos I, escuela Blank Paper, escuela TAI, Salón de Actos de la CAM) hay programadas 11 secciones paralelas que completan una amplia panorámica del cine emergente contemporáneo: Homenaje a… Rafael Gordon Tendrá lugar en el Cine Doré de la Filmoteca Española con una revisión de la filmografía del histórico director español Rafael Gordon, repasando a lo largo de 6 sesiones lo mejor de su obra cortometrajes y largometrajes. Habrá la oportunidad de encontrarse en persona con un director que ha construido una parte de nuestra historia audiovisual. Este homenaje se completa con un libro, de la colección “Perspectiva en corto” que edita la PNR. Los anteriores libros, y homenajeados, fueron: Luciano Berriatúa, Mercedes Gaspar, Santiago Lorenzo y Javier Aguirre.

En memoria de Joan Soler Esta sección pretende rendir homenaje a la memoria de Joan Soler, un documentalista catalán ganador de un Goya en 2004 en la categoría de cortometraje documental, y nominado nue-

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vamente a dicho Goya en 2006, cuya obra desde 2003 asciende a 7 cortometrajes y 3 largometrajes, todos ellos desde el prisma del género documental. El programa será dos sesiones de entrada gratuita en la sala de proyecciones de la Academia de Cine.

Sesiones de Estreno El FCM-PNR apuesta desde hace varios años por mostrar las primeras obras de autores internacionales, y por ello este año está programado el estreno en España de dos largometrajes y dos cortometrajes latinoamericanos: una sesión inaugural con obras de México y una segunda, como clausura al Festival, con trabajos procedentes de Argentina.

Cine molón En 2014 se ampliaron a tres el número de sesiones dedicadas a los niños y sus familias, con el objetivo de acercar el FCM-PNR a los espectadores más pequeños, y fomentar así el cine hecho para niños y jóvenes, con animaciones en formato cortometraje divididas en sesiones por edades, y programando estas obras sin diálogos, para dar cabida a la demanda de la comunidad sorda de la capital.

Sección Blank Paper Propuesta de cine experimental en dos sesiones de obras con nuevas narrativas, lenguajes distintos… La escuela de fotografía BlankPaper ofrece en su sede dos sesiones de contenidos vanguardistas para públicos ávidos de nuevas estéticas y lenguaje.

Panorama Documental El público de Madrid disfrutará de dos películas documentales, en largo y en corto, de estreno y de visita en el Festival. Sesión especial de cine documental.

I Muestra Internacional Amigos de Mincasor La Cofradía Cinematográfica MINCASOR, formada por personas sordas con inquietudes artísticas, culturales y cinematográficas, programará una interesante sesión con el objetivo de mostrar obras acordes a lo que la comunidad sorda necesita, en Lenguaje

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de Signos, rompiendo así barreras de comunicación y mostrando al mundo sus capacidades: Matinales en la universidad con estudiantes Para fomentarla participación de alumnos universitarios con intereses audio visuales en el FCM-PNR y colaborar en su formación, del 13 al 17 de octubre trasladará la sección oficial de largometrajes a la Universidad Rey Juan Carlos, programando cada mañana un largo de Sección Oficial, con posterior coloquio entre los asistentes y los realizadores, con el fin de acercarles lo más posible al audiovisual emergente.

Cine-fórum con alumnos El Centro Universitario TAI organiza unas sesiones grupales con sus alumnos, en las que visionan y comentan la Sección Oficial Cortometraje, en un coloquio en el que participan directores, para luego decidir entre los alumnos qué cortometraje merece una mención por parte de ese Jurado Joven.

Vermú Corto Sección de cortometrajes breves antes de la Sección Oficial de Largometrajes y de las Sesiones de Estreno Inaugural y de Clausura.

Un año en Corto: presentación del Festival en la CAM Presentación oficial en el Salón de Actos de la Comunidad de Madrid de la edición nº23 del FCM-PNR, con una sesión retrospectiva.

Cine por alimentos Colecta de alimentos con la ayuda de la Red de Solidaridad Popular, donde el mundo del cortometraje y la PNR muestran su inquietud frente a los problemas actuales en nuestra sociedad.

Por eso se organiza una acción solidaria de recogida de alimentos a lo largo de todo el festival en la Sala Berlanga, donde el espectador podrá colaborar. www.festivalcinepnr.com

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La leyenda de Pale Male

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Cine Documental

Pajareros El cine documental es un género que no siempre cuenta con el reconocimiento que se merece, siendo éste un trabajo laborioso y difícil, tanto o más que el cine convencional. Aunque cuenta con un gran público incondicional, por desgracia no cuenta con los canales de distribución convencionales, siendo un género relegado, en algunas ocasiones, a los canales de televisión temáticos. Sólo en algunos casos muy concretos hay quien apuesta por mostrar al público este género de cine.

Durante el mes de octubre La Casa Encendida, en colaboración con SEO/BirdLife, ofrece un ciclo de documentales que tiene a las aves como protagonistas y a las personas que, como profesionales o como aficionados, dedican parte de su vida a conocerlas y protegerlas.

Pajareros es el nombre de esta cita con el cine documental y en esta ocasión se han seleccionado cuatro magníficos documentales muy recomendables tanto por su calidad como su contenido.

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PROGRAMACIÓN Earthflight – Europa, de John Downer. Reino Unido, 2011. 52 min.

Earthflight es una serie producida para la BBC que muestra la migración de las aves desde su propio punto de vista, dedicando un capítulo a cada continente.

El capítulo dedicado a Europa nos regala, entre otras maravillas, grullas y gansos sobre Venecia, los acantilados blancos de Dover y Edimburgo. Las cigüeñas abandonan África y luchan para llegar a Estambul, la puerta de entrada a Europa por el este, mientras que las grullas toman una ruta más fácil a través del Estrecho de Gibraltar.Gansos, golondrinas, estorninos y aviones nos revelan muchos otros secretos del apasionante viaje que millones de aves realizan para criar con éxito a su descendencia. Europa a vista de pájaro, como nunca antes se ha visto.

Springwatch – Guía de las aves marinas, de Lucy Smith. Reino Unido, 2012, 60 min.

El equipo Springwatch - Martin Hughes-Games, Chris Packham y Michaela Strachan - con el invitado especial Iolo Williams, celebrar la maravillosa historia natural de las aves marinas del Reino Unido.

El equipo Springwatch ha viajado a los rincones más lejanos del Reino Unido para mostrar lo mejor de las aves marinas británicas y contar sus fascinantes historias. Martin Hughes-Games estará en las Islas Orcadas, la capital de aves marinas del Reino Unido; Iolo Williams en la isla de Skomer - la colonia de cría de aves marinas más grande y más importante en el sur de Gran Bretaña, y hogar de 6.000 parejas de frailecillos atlánticos; Chris Packham está en el Museo de Bristol, donde investiga la manera asombrosa en que estas aves se adaptan a una vida de extremos; y Michaela Strachan se encuentra en la ciudad de Bath, donde algunas de nuestras aves marinas se han ale-

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jado de sus lugares de cría tradicionales para asentarse muy cerca de nosotros.

Parrot Confidential, de Allison Argo. Estados Unidos, 2013. 53 min.

Abandonado en una vivienda hipotecada, Lou es uno de miles de loros que necesitan ser rescatados. Desde las selvas de Costa Rica a América suburbana, un adorable y peculiar elenco de loros que cuentan historias inolvidables y el mundo agridulce que comparten con los seres humanos.

La leyenda de Pale Male, de Frederic Lilien. Estados Unidos. 2010. 84 min.

Este es el relato verídico de una de las historias de amor más sorprendentes y notables en la historia de Nueva York. Se inicia en 1993, cuando un joven de Bélgica que busca giro en su vida tiene un encuentro inesperado en Central Park. Se cruza con un buteo de cola roja, un ave de presa que no había vivido en la ciudad desde hace casi cien años.Para seguir a esta criatura extraordinaria, compra una cámara de vídeo y se dispone a realizar el seguimiento del ave.Lo que no sabe que ese viaje durará casi veinte años y lo llevará por caminos diversos: vida, muerte, nacimientos, esperanza y redención.

Conocido cariñosamente por los neoyorquinos como Pale Male, el colarroja se convierte en una magnífica obsesión y una metáfora de triunfo contra todo pronóstico.Su nido encaramado en una elegante avenida, que comienza como una curiosidad cautiva a un puñado de ávidos observadores de aves, pero se convierte en un destino turístico internacional - un lugar de peregrinación. www.lacasaencendida.es

Parrot Confidential

Pablo Raijenstein Mentalista

Cuando pensamos en un mentalista se nos viene a la cabeza la imagen de personaje misterioso, de inquietante mirada que somete a su voluntad a cualquiera que se cruce en su camino, induciéndoles a realizar todo tipo de actos en contra de su voluntad. El cine, es sin duda alguna, el culpable de que este sugerente, pero falso mito, nos haga pensar de esta manera tan sugestiva. La figura del mentalista siempre nos ha atraído porque, ¿a quién no le hubiera gustado alguna vez tener ese tipo de poderes?

Para saber más sobre el misterioso y desconocido mundo del mentalismo hemos hablado con el mentalista madrileño Pablo Raijenstein que, temporada tras temporada, llena los escenarios madrileños con sus espectáculos sorprendentes en los que recupera la esencia primigenia del mentalismo clásico y en el que la hipnosis, la sugestión y la magia crean un espectáculo único.

Por R.J.

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Escena

Foto: Aitana Guzmรกn

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Con todo el interés que suscita un mentalista, concertamos una cita con Pablo Raijenstein después de uno de sus ensayos para hablar con él y de sus espectáculos. Confiando en que sus habilidades sobrenaturales no serían más que un juego de ilusionismo realizamos la entrevista sin saber que nuestra charla acabaría de un modo sorprendente e inquietante.

—EMNMM. Pablo, cuando alguien nos pregunta de pequeños ¿qué quieres ser de mayor? todos decimos que policía, bombero… nadie dice ¡mentalista! ¿Cómo llega uno a encaminar su profesión por estos derroteros?

—P. Raijenstein. Pues comencé como les pasa a muchos mentalistas e ilusionistas, de pequeño me regalaron los típicos juegos de magia y fue cuando me empecé a obsesionar y a fascinar con todo lo relacionado con ese mundo. Mis padres al ver que me pasaba el día haciendo juegos de magia me metieron en unos talleres de magia y después, con el paso del tiempo, la magia se convirtió en algo más que una afición y empecé a interesarme por otras disciplinas, concretamente con todo lo relacionado con la actuación, arte dramático, dirección de cine, montaje y sonido… en general, todo lo que está relacionado con la comunicación artística. También estudié en una escuela de circo, exploré los códigos de comunicación, tanto verbal como no verbal. Además de todo ello estudié técnicas como la hipnosis que aplicaría en el futuro. Con todos estos elementos decidí utilizarlos y aplicarlos en la línea del mentalismo en mis espectáculos.

—No hay escuelas de mentalismo ni nada parecido, formarse en este sentido ha de ser de forma autodidacta ¿no es así?

—Claro, el mentalismo requiere estudiar diferentes técnicas de aquí y de allá, seminarios de hipnosis, estudios teatrales… En mis espectáculos yo quiero que todas estas habilidades que he aprendido vayan acompañadas con una puesta en escena interesante, es cierto que cuando lees la mente a alguien siempre se sorprende pero yo quiero que sea algo más o que por lo menos sea una especie de viaje sensorial.

—¿Qué es lo que debe tener un buen espectáculo de mentalismo?

—Para llegar a tener un buen espectáculo hay que saber qué darle al público y, en mi caso, ser fiel a mis ideas. Me gusta experimentar, por eso en un momento 102 - EMNMM

determinado de mi carrera me planteé cómo podía hacer que mis espectáculos fueran fieles a mi idea sobre el mentalismo, a la gente que sigue mis espectáculos y, a la vez, poder llegar a un público más amplio, creo que eso se consigue pudiendo aplicar todo tipo de elementos que ayuden a llegar al gran público. En mis espectáculos hay una historia acompañada de elementos de sugestión colectiva, hipnosis... Mi apuesta personal era también dar un poco de circo y poderes mentales sin olvidarme de la experimentación, este es un mundo apasionante. Lo más importante de todo es que el mentalista utilice sus cinco sentidos de tal modo que pueda parecer que ha desarrollado un sexto sentido.

—¿Cuáles han sido los mentalistas que más te han motivado? ¿Cómo está el mundo del mentalismo en España?

—En España tenemos grandes mentalistas, como Luis Pardo o Anthony Blake a nivel internacional grandes como Uri Geller que es un referente muy interesante.

—¡Quién no recuerda Uri Geller y su famosa aparición en el programa de José María Íñigo!

—Me interesa mucho la figura de Uri Geller porque es un personaje que creo que fue el que dio los últimos coletazos del mundo paranormal del siglo XX. Él afirmaba que lo que hacía eran habilidades psíquicas reales, cuando lo que hacía realmente eran puros juegos de mentalismo e ilusionismo, pero esa ambigüedad suya, esa faceta políticamente incorrecta me interesa mucho. Fue un fenómeno global que todavía hoy mucha gente no sabría decir si lo que hizo era un truco de ilusionismo, algo real o sugestión colectiva, esa ambigüedad es lo más fascinante e irrepetible. En la actualidad lo que hizo Uri Geller en la televisión no creo que fuese viable, si hoy sale un personaje que dice que tiene habilidades psíquicas en la tele y que no dice claramente que es mentalista o ilusionista, estoy convencido de que a los cinco minutos por Internet ya habría

Foto: Del espectáculo “La mirada de Aleister Crowley”

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Foto: Mario Rey miles de vídeos explicando si lo ha hecho de esta manera o de esta otra. Por eso creo que fue un fenómeno muy original que se pudo hacer en aquel momento y que fue maravilloso.

—En tus espectáculos empleas técnicas de sugestión e hipnosis ¿realmente funciona la hipnosis?

—Sí, es cierto que hay elementos de sugestión colectiva e hipnosis. Todo proceso hipnótico parte de la sugestión, aunque no toda la sugestión es hipnosis, lo que pasa que tu mente deja que entre un mensaje, si tú no quieres ser hipnotizado no lo serás. Lo que hago en mis espectáculos es utilizarla en momentos muy concretos para llevar a la gente a un punto determinado. De todos modos en mis espectáculos hay momentos en los que

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utilizo la hipnosis pero no es sólo un espectáculo de hipnosis, yo lo empleo como un elemento más para jugar y contar una historia, como en el caso de Oui-ja House, que es un espectáculo de mentalismo de teatro donde se cuenta la historia de unos personajes.

—En tus espectáculos también aparece un pequeño personaje curioso e inquietante…

—Es Little Danny, mi muñeco ventrílocuo que a la gente le suele dar bastante grima, no sólo por lo que es, también por lo que hago con él, mejor dicho, por lo que él hace. Lo cierto es que este tipo de muñecos tienen algo que, dejando a un lado toda la iconografía de las películas de terror, resulta muy inquietante, a la gente le provoca todo tipo de reacciones.

—Háblanos de tus últimos espectáculos —En 2007 hicimos Matrimonio Chariot que era un espectáculo transgresor que provocaba en el público reacciones curiosas, o lo amaban o lo odiaban. Tenía una estética muy original con elementos cabareteros, burlesque, mentalismo clásico… estuvo varias temporadas en el Teatro Arenal y también fuimos de gira por España. Después llegó La mirada de Aleister Crowley con el que quise reivindicar la figura del mago ocultista, esotérico, ceremonial… Este es uno de mis personajes favoritos y toda la leyenda que rodea su vida me parece fascinante, por eso quise hacer este espectáculo. Después vino Mentalismo en el Cine. La sala Artistic Metropol me propuso hacer un espectáculo en su sala y me encantó la idea porque, entre otras cosas, en esta sala se hacen grandes cosas relacionadas con el cine independiente, el cine de autor, cine de serie B y, además, proyectan películas que no tienen distribución en España, es una sala maravillosa y una apuesta loca y valiente. Este espectáculo se centraba, como no podía ser de otra manera, en un cine y en él jugamos con elementos psicológicos, subliminales, imágenes inquietantes que se proyectan en la pantalla y el hilo conductor del espectáculo es el cine maldito y qué pasa después de ver una película de terror.

Oui-ja House, el último que estoy haciendo, es una apuesta para teatro y está producido por la Mansión del Terror, que es una web especializada en cine de terror. Es un espectáculo que lo he codirigido con Gema Navarro que es de una editorial especializada en libros de magia. Creamos un guion para dos personajes que podrían ser de los años treinta, aunque es un espectáculo totalmente atemporal, con elementos de mentalismo clásico que nunca pasan de moda, como leer la mente, telepatía, clarividencia o espiritismo, también participa Little Danny, que averigua una serie de cosas bastante inquietantes.

—Y en Oui­ja House, ¿cuánto hay de real y cuánto de ilusionismo?

—Pues ni yo mismo lo sé, el único que lo sabe es Little Danny (risas)

Llegados a este punto, la entrevista tomó un giro radical, Pablo cambió su actitud, con seriedad y algo de sobriedad me hizo una sencilla pregunta, “es un juego”, me dijo… Me hizo pensar en un lugar muy concreto e inmediatamente se puso a escribir en un trozo de papel. Acto seguido me lo entregó y, para mi sorpresa, en aquel trozo de papel estaba escrito el lugar concreto que había imaginado. ¿Cómo lo hizo? No lo sé, tampoco me lo quiso revelar pese a mi reiterada insistencia, sólo me dijo que era un ejercicio de escritura automática…

Oui-ja House. Teatro Arlequín. 12 y 19 de octubre a las 19h Mentalismo en el cine. Sala Artistic Metropol. 11, 18 y 25 de octubre a las 22:30h

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DEAD BRONCO

Música

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Dead Bronco es una banda de Bilbao… porque dicen que son de Bilbao porque por su estilo musical bien podría haberse formado en Alabama o en cualquier otro estado sureño de EE.UU. Se formó en 2012 y todos sus componentes, tras haber estado tocando juntos en otra banda, mucho más numerosa y de estilos de lo más variopintos, se unieron para formar Dead Bronco.

Paco Sánchez (Voz/Guitarra), Jokin Totorika (lap steel), Óscar Calleja (Upright Bass), Alain Llopart (banjo/guitarra) y Jokin Corral (batería) son los componentes de esta banda que con sólo dos años de existencia ya han logrado hacerse un hueco importante en el mundo de la música, un mundo nada fácil, mucho más si tenemos en cuenta que su estilo, que podríamos decir que pasa por el folk hasta el rockabilly no es precisamente mayoritario en nuestro país.

El éxito de la banda comenzó a materializarse desde el principio, nada más formarse, seis meses después de la formación de la banda comenzaron a recibir las primeras propuestas para tocar en diferentes puntos de España. Meses después se hicieron con el premio al mejor vídeo musical en el festival Cinemad 2012.

Un año después Dead Bronco fue la banda reconocida por BBC como grupo revelación a nivel mundial.

In Hell es el nombre de su primer álbum, un estupendo trabajo autoproducido y autoeditado. En estos momentos se encuentran preparando un nuevo trabajo que compaginan con su gira de conciertos por Europa, con bastante éxito y que, sin lugar a dudas, servirá para dar un empujón más a esta genial banda que sin darnos cuenta se ha colado por la puerta grande en la banda sonora de nuestras vidas. www.deadbronco.com

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Anfibios y reptiles de la península Ibérica y Baleares Los amantes de la naturaleza encontrarán toda la información sobre los anfibios y reptiles de la Península Ibérica y de las Islas Baleares. Una guía de campo completa que aporta los nombres comunes y científicos de las especies para su fácil y rápida identificación, y su uso para la educación ambiental.

Lujosamente ilustrada con fotografías de gran calidad, esta guía satisfará las inquietudes tanto de los recién iniciados en la observación de anfibios y reptiles como la de los más expertos, y a la vez será de gran utilidad al gestor o al técnico que deba enfrentarse a la redacción o el análisis de, por ejemplo, un estudio de impacto ambiental. Las grandes aportaciones que hace esta guía respecto a otras existentes en el mercado son: Mapas de distribución; Fotografías de gran calidad y detalle, a diferencia de los dibujos que no reflejan con exactitud los coloridos y las proporciones reales; Legislación completa en el ámbito nacional, internacional y autonómico.

Toni Aragón Rebollo 496 Páginas Ediciones Jaguar 9788496423336

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Jerusalén. La biografía Jerusalén es, a la vez, la capital de un poder político, objetivo de mil batallas, conquistas y destrucciones a lo largo de los siglos, y la ciudad santa de tres religiones: el lugar destinado a ser el escenario del Juicio Final profetizado por el Apocalipsis. Simon Sebag Montefiore ha logrado el prodigio de evocar en estas páginas sus tres mil años de historia, contados a través de las vidas de quienes los protagonizaron, en una nómina que incluye reyes, políticos, conquistadores o profetas, de Salomón a Lawrence de Arabia, pasando por Abraham, Jesús o Mahoma, por Saladino, los cruzados, Suleimán el Magnífico o Winston Churchill, sin olvidar a la infinidad de hombres y mujeres comunes que han vivido, amado, sufrido o luchado en sus calles.

Simon Sebag Montefiore 888 Páginas.

Editorial Crítica 9788498922332

Libros

El último trashumante La trashumancia de las ovejas merinas, la más importante actividad económica en tiempos medievales, ha logrado sobrevivir hasta hoy, y aún se conserva el grueso del tejido de las cañadas, los senderos por donde los rebaños transitaban desde las dehesas extremeñas hasta los pastos de verano de los puertos de montaña. El mayoral Justo Prioro, el último de los pastores trashumantes, hace el recorrido por una de las grandes cañadas reales y al hacerlo va desgranando las peripecias y azares del camino, su paso por una naturaleza y una cultura que luchan por no desvanecerse, arrolladas por unos tiempos que traen sensibles cambios en los usos y los paisajes. El último trashumante es el canto a ese mundo libre y silvestre de los campos y pueblos españoles, un cofre que contiene el tesoro del latido del ámbito rural, con sus palabras, sus expresiones, sus secretos y sus personajes.

Borja Cardelús 175 Páginas Otero Ediciones 9788486998912

Por la sierra de Guadarrama con el Arcipreste de Hita y otros personajes singulares Corría el mes de marzo a mediados del siglo XIV y Juan Ruiz, el Arcipreste de Hita, realizó un viaje desde Hita a Segovia cuyos sucesos relató en el Libro del Buen Amor. En este itinerario atravesó la sierra de Guadarrama por el valle del Lozoya y el Puerto de Malagosto.

En Segovia se gastó todo el dinero que llevaba y trató de volver a la meseta sur por el Puerto de la Fuenfría, perdiéndose en los Pinares de la Acebeda, situados en la vertiente norte de la sierra para conseguir, finalmente, atravesar ésta por el Puerto de Tablada. Una vez alcanzada la vertiente sur, Juan Ruíz pasó por el Santuario de Santa María del Vado, y en agradecimiento por haber conseguido cruzar con bien la sierra, dedicó unas composiciones a la Virgen. Las cinco composiciones del Libro del Buen Amor en que relató este viaje, son las que se toman como pretexto para realizar unos recorridos por la sierra de Guadarrama más o menos fieles a los mismos que en su momento debió transitar Juan Ruiz, el Arcipreste de Hita.

Antonio Javier Arteche 356 Páginas.

La Librería 9788496470316 EMNMM - 111

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Tiendas

NUNOS Pastelería Maestros pasteleros

Desde hace más de trece años José Fernández y su esposa Puerto Díaz, llevan ofreciendo a los madrileños pasteles, dulces y chocolates de alta calidad, desde los más tradicionales a los dulces más innovadores y es que su pastelería está considerada como uno de los referentes de la alta pastelería madrileña o de la “gastronomía dulce”, como les gusta definirla a ellos.

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José Fernández, arquitecto de profesión, se embarcó en este mundo de los sabores cuando se casó con su esposa Puerto Díaz, juntos han hecho que la pastelería Nunos sea todo un referente artesano en Madrid, además de un templo del sabor en el que la calidad, tradición e innovación van de la mano.

La calidad de sus productos ha sido merecedora de numerosos galardones, entre ellos el de Mejor Pastelero de Madrid en 2008, Mejor Dulce Típico de Madrid 2008 o siendo finalista por Madrid de las finales nacionales de España en el World Chocolate Masters.

José Fernández-Ramos, maestro pastelero y experto en chocolates, trabaja con más de una docena de tipos de orígenes distintos de chocolates, además de elaborar un chocolate propio llamado Goson Noir, compuesto por una selección de habas de México, Tanzania y Sao Tomé pero, además del chocolate, de su atelier salen todo tipo de pasteles y tartas. Ya son todo un clásico la gran variedad de dulces típicos, de todo tipo y más castizos de la ciudad, como son los buñuelos, las rosquillas, los huesos de santo, los roscones, las torrijas e incluso el turrón.

Hay quien considera que comer dulce es un pecado… lo que sí es realmente un verdadero pecado es no probar los excelentes dulces de esta pastelería madrileña.

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c/ NarvĂĄez 63 Madrid www.pasteleria-nunos.es

NUNOS PastelerĂ­a

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Comer

Villoldo La solidez de las cosas bien hechas

Llegaron de Palencia para traer a la capital un pedacito de su tierra. Allí, en la población de Villoldo, se encuentra La Estrella del Bajo Carrión, un hotelrestaurante que refleja un estilo de vida en la que las prisas no existen. Donde uno va a disfrutar y a compartir. En el que sólo cabe la paz de los buenos momentos. Una filosofía que ahora encontramos en su negocio madrileño que toma el nombre del lugar que vio nacer a su hermano mayor hace 34 años: Villoldo.

Anselmo Fierro junto con Pilar, Mercedes y Paula, las hermanas Pedrosa, son el alma de una casa en la que todo gira en torno a la fiabilidad del mejor producto y el cuidado de cada detalle. Una receta que les funciona tan bien que están a punto de abrir una nueva barra en Palencia capital. Para conseguirlo traen desde su pueblo las materias primas. Productos de calidad recién llegados de Palencia, o de Cantabria en el caso de los pescados, que componen una carta no muy larga en la que es difícil escoger por lo apetecible de todos sus platos.

Por Carmen Martínez de Artola

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PURO TERRUÑO Sus clásicos pimientos rojos asados en leña de encina y servidos con sal de mar y aceite de oliva virgen, la menestra de verduras, las verduras a la brasa con huevo de corral a baja temperatura y chorizo de matanza, las alubias blancas viudas de la Vega de Saldaña, las alubias con hongos de temporada, los chipirones en su tinta rellenos de sus patas, jamón y huevo o el lomo bajo de choto a la parrilla. Irresistibles. Además el fantástico lechazo churro de Palencia en diferentes versiones, que van desde el pincho de lechazo hasta las mollejitas guisadas o fritas o el cochinillo ibérico de cría ecológica asado a baja temperatura y dorado al horno. Y para terminar con algo dulce, postres basados en la repostería de siempre puesta al día con un punto moderno, y delicias como el tocinillo de cielo al estilo de Villoldo con helado de coco y piña caramelizada o las natillas de huevo con helado de galleta María y caramelo de canela.

El restaurante está situado en pleno barrio de Salamanca, en un recogido y coqueto local, que da a un agradable patio y que, a pesar de ser un semisótano, resulta tremendamente alegre. Una vez te sitúas en una de sus bien vestidas mesas, el festival sápido comienza con los buenos panes del Horno de Luzaga elaborados de forma artesana, con masa madre y las mejores harinas que hornean cada día en leña de encina y que les traen todas las mañanas desde la provincia de Guadalajara. Tanto el blanco como el rústico con harina de centeno, exquisitos.

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VILLOLDO c/ Lagasca 134 Madrid Telf. 910 22 45 52 www.villoldomadrid.com

LO MEJOR DE CADA TEMPORADA Como aperitivo probamos un delicado ajo blanco con sorbete de guinda y una cremosa croqueta de cecina que, en sí misma, ya es toda una declaración de intenciones. Buena muestra de esa cocina tradicional con buena materia prima y mucho mimo. Los entrantes se abren con unas buenas rabas que nos explican que llegan directamente desde puertos cántabros para gusto nuestro. Muy bien fritas, jugosas y tiernas, que no blandas.

Continuamos con unos excelentes guisantes de Palencia, dulces y tiernos, con cebolleta pochada, jamón crujiente y un huevo a baja temperatura. Uno de esos platos que tienen fuera de carta en función de lo que les ofrece la temporada. De diez también el revuelto de senderuelas, con unas setas plenas de sabor, ajetes salteados y únicamente las yemas del huevo muy poco hechas que otorgan al conjunto una perfecta melosidad. Para repetir. Los segundos platos se abren con unos pichones de Tierra de Campos, simplemente estofados y acompañados de col braseada. En su punto de cocción, con una salsa llena de sabores de toda la vida. Para terminar con la parte salada una paletilla de lechazo entreasado de auténtico lujo, cocinada a fuego lento al vapor dentro de una olla tapada y luego deshuesada, da como resultado una carne que se deshace de ternura, sin apenas grasa y un profundo sabor.

Llegamos a los postres con un listón muy alto que se mantiene gracias a un sensacional helado de queso con sopa de frutos rojos. Ligero, cremoso y realmente adictivo. Y un curioso arroz con leche en crema, con su espuma y el cereal suflado, que resulta también un dulce ligero y nada empalagoso. Y para acompañar toda la comida un agradable Cillar de Silos El Quintanar, un vino joven de la Ribera del Duero, de una carta de vinos sensata y con opciones para todos los gustos.

Muy buen restaurante que, simplemente con honestidad y cosas buenas de verdad, ha conseguido hacerse rápidamente un hueco en el panorama madrileño hasta convertirse en un clásico imprescindible con mucha vida por delante.

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Agenda EXPOSICIONES _________________________________ – Bernini y España (Del 21 de octubre al 8 de febrero de 2015. Museo del Prado) – Le Corbusier (Hasta el 12 de octubre. CaixaForum Madrid) – Dibujos españoles en la Hamburger Kunsthalle (Hasta el 30 de octubre. Museo del prado) – Diseñar América (Hasta el 12 de octubre. Biblioteca Nacional) – Dominique Gonzalez-Foerster (Hasta el 19 de octubre.

Palacio de Cristal de El Retiro) – Edvar Munch (del 6 de octubre al 17 de enero de 2015.

Museo Thyssen Bornemisza) – Entre el cielo y la tierra, doce miradas al Greco (Hasta el 8 de noviembre. Real academia de Bellas Artes de San Fernando) – Guerra de la Independencia en La Zarzuela (Hasta el 25 de enero de 2015. Biblioteca Nacional) – Inventos. Ideas que cambian vidas (Hasta el 26 de octubre. CaixaForum Madrid) – Kerry James Marshall (Hasta el 26 de octubre. Palacio de Velázquez) – Mediterráneo. Del mito a la razón (Hasta el 5 de enero de 2015. CaixaForum Madrid) – Nicola Tesla. Suyo es el futuro (Hasta el 1 de diciembre.

Fundación Telefónica) – Reflejo del tiempo. Pintura Pablo Echevarría (Hasta el 5 de abril de 2015. Museo de Ciencias Naturales) – Reinterpretada I (Hasta el 5 de enero de 2015. Museo Lázaro Galdiano) – Richard Hamilton (Hasta el 13 de octubre. Museo Nacional Reina Sofía) – Sorolla y Estados Unidos (Hasta el 11 de enero de 2015.

Fundación Mapfre) – El último viaje de la fragata Mercedes (Hasta el 30 de noviembre. Museo Naval)

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In Flames (7 de octubre. La Riviera) Jamie Cullum (22 y 23 de octubre. Circo Price) Jay Brannan (22 de octubre. El Intruso) Kylie Minogue (13 de octubre. Palacio de los Deportes) Malevaje (31 de octubre. Círculo de Bellas Artes) Morrissey (9 de octubre. Palacio de los Deportes) Pharrell Williams (4 de octubre. Palacio de los Deportes) – La Unión (3 del octubre. Palacio Vistalegre) – Wayne Shorter (26 de octubre. Auditorio Nacional) – Wayne Hussey (17 de octubre. Sala Caracol) ESCENA ________________________________________ – Excítame (Hasta el 19 de octubre. Teatro Fernán Gómez) – Al final de la carretera (Hasta el 2 de noviembre. Teatro Fernán Gómez) – Haz click aquí (Hasta el 23 de noviembre. Teatro María Guerrero) – Joaquín Reyes. ¡Que me aspen! (Hasta el 12 de diciembre. Teatro La Latina) – Los jugadores (Hasta el 5 de octubre. Teatros del Canal) – El mejor espectáculo del mundo (Del 9 al 26 de octubre.

Circo Price) – Los Justos, de Albert Camús (Del 1 al 26 de octubre. Matadero Madrid) – Largo viaje del día hacia la noche (Hasta el 30 de noviembre. Teatro Marquina) – Lluvia constante (Del 9 al 26 de octubre. Teatros del Canal) – An Old Monk (Hasta el 1 de noviembre. Teatros del Canal) – Sexpearemente (Hasta el 25 de noviembre. Teatro Alfil) – Toda la verdad sobre el oso hormiguero (Hasta el 19 de diciembre. Teatro Cofidis) – VIPS Els Joglars (Del 8 al 26 de octubre. Teatro María Guerrero)

MÚSICA ________________________________________

FERIAS ________________________________________

– Anastacia (25 de octubre. Palacio Municipal de Congresos) – Dorian Wood (15 de octubre. El Sol) – El Drogas (30 de octubre. Teatro del Barrio) – Elliott Brood (27 de octubre. Sala Boite) – Imelda May (30 de octubre. Joy Eslava)

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Estampa 2014 (Del 9 al 12 de octubre. Matadero) SIMO Network 2014 (Del 15 al 17 de octubre. IFEMA) Madrid Games Week (Del 16 al 19 de octubre. IFEMA) 13th World Congress of the Human Proteome Organization (Del 5 al 8 de octubre. IFEMA)

esmadridnomadriz.com 8

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2014. Es Madrid no Madriz