Arte en Papel Cuenca 2011 by Dani Jarque

SAELIA APARICIO

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8 10

9 12

1. Serie Tu rincón favorito. Tinta sobre papel. 21 x 29,7 cm. 2011 2. La belleza de la vida o he salido cinco minutillos, ahora vuelvo. Tinta sobre papel. 21 x 29,8 cm. 2011 3. Tinta caústica (lo mejor sobre las cartas de despecho es no escribirlas). Tinta sobre papel. 21 x 29,8 cm. 2011

4. Porque no hay nada como llegar a casa y deleitarse con los sonidos de la naturaleza torturada. Técnica mixta. Tamaño variable. 2011 5. Caracueva. Técnica mixta. 110 x 80 cm. 2010

6. Deforestación nasal. Mixta. 42 x 29,7 cm. 2010 | 7. Carita de botón. Mixta. 21 x 29,7 cm. 2009 8. Como hecha a medida II. Mixta. 20 x 15 cm. 2009 | 9. La profundidad del trampantojo. Mixta. 10 x 15 cm. 2010 | 10. Tabla de ejercicios para la operación bikini. Mixta. 21 x 29,7 cm. 2009 | 11. Como hecha a medida III. Mixta. 15 x 10 cm. 2011 | 12. Igualdad de oportunidades. Mixta. 10 x 15 cm. 2009

CARLOS CODES

ALEJANDRA FREYMANN & GUILLERMO SARMIENTO

RUTH GÓMEZ

1. Serie Color de color. 3 Serigrafías. 25 x 50 cm. 1997

7. Serie Ballroom. Técnica mixta. Medidas variables. 2010/11

1. Las ilusiones fantásticas. Animación. Color. 36’’ loop. 2009

ROSA M. JEREZ

5. Teléfono antiguo I. Grafito sobre papel. 29,7 x 42 cm. 2010 6. Proyector de diapositivas. Grafito sobre papel. 45 x 60 cm. 2010

7. Teléfono antiguo II. Grafito sobre papel. 29,7 x 42 cm. 2010 8. Radio. Grafito sobre papel. 42 x 29,7 cm. 2010

9. Cafetera. Grafito sobre papel. 29,7 x 35 cm. 2010 10. Cámara de fotos. Grafito sobre papel. 29,7 x 42 cm. 2010 11. Cascos. Grafito sobre papel. 35 x 50 cm. 2010 12. Extintor. Grafito sobre papel. 60 x 45 cm. 2010

MANUEL H. MOMPÓ

5. Sin título. Serigrafía. 76 x 56 cm. 1984 6. Huertanos mirando el paisaje 2/6. Serigrafía. 56 x 76 cm. 1984 7. Sin título 2/10. Serigrafía. 76 x 56 cm. 1985

8. Sin título 7/10. Serigrafía. 76 x 56 cm. 1985 9. Sin título 5/12. Serigrafía. 74 x 55 cm. 1985

10. Sin título 15/24. Serigrafía. 70 x 50 cm. 1983 11. Sin título 30/30. Serigrafía. 63 x 48 cm. 1978 12. Sin título 67/75. Serigrafía. 79 x 61 cm. 1979

WILLY RAMOS

1. Chicago, puente rojo. Serigrafía. 76 x 112 cm. 2000 2. Suite Chicago I. Serigrafía. 76 x 112 cm. 2000

3. Flor amarilla y desnudo. Serigrafía. 120 x 160 cm. 2004 4. Flores. Serigrafía retocada. 120 x 76 cm. 2009

5. El siroco de la tarde. Libro de artista. 22 x 30 cm. 2006

VICTORIA SANTESMASES

7 1

Serie Rostro invisible. 4 Gofrados. Monotipos. 76 x 56 cm. 2006 1. Sin título I. Clavos 2. Sin título II. Papel vegetal 3. Sin título III. Espinas de rosal 4. Sin título IV

5. Serie Rostro velado. 2 Serigrafías (serie incompleta). Aguafuerte + Velo. Monotipos. 76 x 56 cm. 2006 6. Rostro borrado. Aguafuerte. Monotipo. 2006

7. Fragmentadas. Técnica mixta. Libro acordeón. 2010 8. Memoria y ausencia. Libro de artista. Texto Enrique Páez. Ed. taller La Zúa. 2004

JOSÉ A. VALENCIANO

10 1

1. Shift. Grafito sobre papel. 12 x 12 cm. 2009 2. Auriculares antiguos. Grafito sobre papel. 12 x 12 cm. 2009 3. Micrófonos. Grafito sobre papel. 12 x 12 cm. 2009 4. Radio antigua. Grafito sobre papel. 12 x 12 cm. 2009

5. Rat rod. Tinta sobre papel. 12 x 12 cm. 2009 6. Low Rider. Tinta sobre papel. 12 x 12 cm. 2009 7. Tits. Tinta sobre papel. 12 x 12 cm. 2009 8. Citroën 2CV. Tinta sobre papel. 12 x 12 cm. 2009 9. SEAT Seiscientos. Tinta sobre papel. 12 x 12 cm. 2009

10. Waiting for the american dream. Tinta sobre papel y acetato. 12 x 12 cm. 2011 11. This side down. Tinta sobre papel. 12 x 12 cm. 2008 12. This side down (boceto). Tinta sobre papel. 12 x 12 cm. 2008 13. I qué es la veritat? Fotograbado. 35 x 25 cm. 2009 14. Sit down and enjoy, thinking is not necessary. Fotograbado. 35 x 25 cm. 2009 15. McDonalds. Tinta sobre papel. 29 x 29 cm. 2010

Ed. LA ZÚA: KEIKO MATAKI

COLECCIÓN PARKETT

4 4. Serie Fiesta 21/30. 3 de 5 Aguafuertes, aguatintas. 75 x 75 cm. 1996

GWILHERM COURBET (Fr) Burn 1 de 7 pág. de portfolio Xilografia y stencil sobre papel 98 x 74 cm. 2010

NATALIA FARIÑAS (Es) Hits pictóricos Composición de 3 LP’s Edding 751 sobre vinilos 29 x 29 cm. 2011

8 7

1 1. Thomas Ruff. C-Prints. 2 impresiones C. 50 x 50 cm. 1991 2. Philip Taaffe. Lineament Monotypes. Litografía sobre papel japonés. 49,5 x 40 cm. 1990 3. Wolfgang Laib. A wax room for a mountain. Serigrafía. 49,2 x 40,9 cm. 1994 4. Mario Merz. Sin título. Aguafuerte, técnica al azúcar, punta seca. 40,8 x 25,5 cm. 1988

LAURA FLORES (Es) Células del oído Huecograbado en PVC espumado y linografía en relieve 100 x 70 cm. 2010

AGUSTÍN GARCÍA (Es) 85 % CACAO Litografía 50,5 x 50,5 cm 2010

5. Ellsworth Kelly. Red curve. Litografía. 25,3 x 19,2 cm. 1999 6. Sigmar Polke. Desasters und andere bare Wunder. Fotografía. 30 x 40 cm. 1982/84 7. Thomas Schütte. Olga’s wallpaper. Litografía. 101,5 x 68,4 cm. 1996 (1977) 8. Franze Gertsch. Cima del mar (detail). Xilografía. 25,4 x 41,6 cm. 1990/91 9. Pipilotti Rist. The help. Impresión sobre tela . 178 x 110 cm. 2004

IGNACIO LOBERA (Es) Penélope Caja de luz . Stencil sobre papel 52 x 52 cm. 2011

ÓSCAR MARTÍNEZ (Es) La giganta Impresión digital 100 x 70 cm. 2011

BONIFACIO ALFONSO

BONIFACIO ALFONSO & ENRIQUE LEAL

ENRIQUE LEAL

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1. Serie Insectos. Grabados. Medidas variables. 1972

1. Enrique Leal. “Teselas“ dentro de la serie Entomografías. Grabado (fotopolímero). 27,5 x 20,5 cm. 2003/05 2. Bonifacio Alfonso. Serie Insectos. Grabados. Medidas variables. 1972

4. “Corpo(s) I y II “ dentro de la serie Entomografías. Impresión digital. 56 x 82 cm. 2003/05 5. “Corpúsculos I, V, VII “dentro de la serie Entomografías. Impresión digital. Medidas variables. 2003/05 6. “Sellos Entomograficos” dentro de la serie Entomografías. 10 Impresión sobre arcilla. 18 x 13 x 3,2 cm. 2003/05

COCO ESCRIBANO

CELIA GUILLÉN

ROSA M. JEREZ 1

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3 4

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1. Serie Pajaretes. 5 de 5 Dibujos. Mixta. 29.7 x 21 cm. 2009

ÓSCAR LAGUNAS

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1. Vómito. Mixta | 2. En grupo. Mixta | 3. El hielo. Mixta | 4. Interrupción. Mixta | 5. En el bar. Mixta | 6. Casas vacías. Mixta | 7. Escapar. Mixta | 8. Árbol. Serigrafía | 9. Atada al suelo. Mixta | 10. Columpio de seda. Mixta | 11. Abrigado. Serigrafía | 12. Chica-perra. Mixta | 13. De camino a casa. Mixta | 14. Foca de chicle. Mixta | 15. Nadando. Grafito || Medidas variables. 2010/2011

1. Máquina de escribir I. Grafito sobre papel. 29,7 x 42 cm. 2010 2. Máquina de escribir II. Grafito sobre papel. 29,7 x 42 cm. 2010 3. Máquina de escribir III. Grafito sobre papel. 29,7 x 42 cm. 2010 4. Máquina de escribir IV. Grafito sobre papel. 29,7 x 42 cm. 2010

JOSÉ M. LILLO

MANUEL H. MOMPÓ

1. Sin título. Aguafuerte, técnica al azúcar. 100 x 70 cm. 2006 2. Sin título. Aguafuerte, técnica al azúcar. 100 x 70 cm. 2006

1. Biblioteca de Babel I. Impresión sobre lienzo. 120 x 150 cm. 2011 2. Biblioteca de Babel II. Impresión sobre lienzo. 120 x 150 cm. 2011 3. Holan house. Impresión sobre lienzo. 150 x 200 cm. 2011

1. Sin título. Serigrafía. 62 x 76 cm. 1968 2. Sin título. Serigrafía. 64 x 56 cm. 1968 3. Sin título. Serigrafía. 56 x 68 cm. 1968 4. Sin título 10/25. Serigrafía. 52 x 70 cm. 1980

MIGUEL A. MOSET

HÉCTOR ORRUÑO

1. Serie Bellezas ocultas. 8 Serigrafías. 32 x 32 cm. 2010/11

1. Serie Landscape of nothing. Serigrafía. 62 x 50 cm. 2011

2. Serie Landscape of nothing. Serigrafía. 62 x 50 cm. 2011

WILLY RAMOS

12 11

6. La memoria del color 1/75. Caja nº69. 14 Serigrafías. 2001

7. Bodegón. Litografía. 50 x 65 cm. 2004 8. Toros en Valencia. Serigrafía. 77 x 57 cm. 2010 9. Flores de Nabusímake. Serigrafía. 120 x 160 cm. 2010

10. Mujer con poder azul. Serigrafía. 50 x 65 cm. 2001 11. Flores. Serigrafía. 90 x 63 cm. 2001 12. Bodegón. Serigrafía. 50 x 65 cm. 2009

MARTÍN SATÍ

1 1. God machina. 2011 Impresión digital sobre porex. 300 x 300 cm. Caja de Luz. 65 x 65 cm.

2. Pelos en la lengua. 8 impresiones digitales. Tamaños variables. 2010 3. Stampede. Impresion digital. 130 x 130 cm. 2010 4. No. Impresion digital. 100 x 70 cm. 2010 5. My life sucks. Impresion digital. 130 x 130 cm. 2010 6. Tobacco. Impresion digital. 120 x 100 cm. 2010

7. We love cinema. Impresion digital. 110 x 110 cm. 2010 8. Powerful & light. Impresion digital. 110 x 110 cm. 2010

AZUCENA VIEITES

Ed. LA ZÚA: JAVIER CHOZAS, MIT BORRAS, PERICO SIMÓN

Serie Collages 1. Lady fest. Go lady. Serigrafía sobre papel y cartulina dorada. 70 x 50 cm. 2010 2. Soytomboy. Serigrafía. 65 x 50 cm. 2010 3. If i can’t dance. Serigrafía. 55,5 x 37 cm. 2010 4. Pauline whith short hair. Serigrafía. 55,5 x 37 cm. 2010

Serie Collages 5. If i can’t dance. 3 + 1 Serigrafías. Tamaños variables. 2010

COLECCIÓN PARKETT

3 2

1. Javier Chozas. Die rede. Caja con grabado láser sobre papel + DVD. 19,5 x 36 X 4 cm. 2010 2. Mit Borras. Gist Holders. Libro de Artista. Caja con libro + vídeo. 75 x 75 cm. 2009 3. Perico Simón. Sin título. Punta seca, entintado a rodillo. 38 x 54 cm. 2004

COLECCIÓN PARKETT

21 10

10. Francesco Clemente. Reconciliatiom. Puntaseca. 25,5 x 42 cm. 1986 11. Sigmar Polke. Sin título. Impresión para Parkett 40/41 . 25,5 x 21 cm. 1994 12. Robert Wilson. A letter for Queen Victoria. Litografía. 25,3 x 61 cm. 1988 13. Enzo Cucchi. Elegy and etching. Aguatinta y puntaseca . 25,5 x 42 cm. 1983

MARIANA MORANDUZZO (Pt) Mind Condition Aguafuerte sobre papel en tres dimensiones 100 x 70 cm. 2011

SILVIA PASCUAL (Es) Más allá Manera negra 70 x 70 cm. 2011

14. James Rosenquist. Drifter: speed of light. Litografía. 44 x 37,1 cm. 2000 15. Laura Owens. Sin título. Litografía. 46 x 30,6 cm. 2002 16. Franz Ackermann. Peak season. Serigrafía. 45,7 x 66 cm. 2003

GILBERTO MOYA (Es) Paper Cube Tipografía generada con papel 2011

DANIEL PERES (Pt) Sin título (Landscaping-zona #4) Técnica mista de grabados/papel. Monotipo 18 x 70 cm. 2010

17. William Kentridge. Medusa. Litografía + cilindro acero acabado de espejo. ø 64 cm. 2001 18. John Currin. The Beggar’s alms. Aguatinta. 25,4 x 20,3 cm. 2002 19. Peter Doig. Gasthof. Aguatinta. 79 x 60,4 cm. 2003 20. Richard Phillips. Miss Parkett. Litografía. 66 x 51,3 cm. 2004 21. Katharina Fritsch. Mill/Ambulance/Toads. Juego de 3 singles. ø 17,5. 1990 22. Andreas Slominski. Folding rule. 200 cm. 1999 23. Glen Brown. Disorder. Impresión digital sobre plexiglas. 72 x 55 cm. 2005

RUTH SANJUÁN (Es) Sin título Impresión digital 70 x 50 cm. 2011

JAVIER VÁZQUEZ (Es) Daddy’s little girl Xilografía sobre papel Japonés Argelia 78 x 58 cm. 2011

Patrocinadores del Festival / Sponsors Institucionales / Institutions

PĂşblicos / Public Sponsorship

Sedes / Exhibition Spaces

Colaboradores / Collaborators

Junta / Steering Committee Members: Organiza / Organized by Excmo. Ayuntamiento de Cuenca D. Francisco Javier Pulido

Sedes / Exhibition Spaces Fundación Antonio Pérez D. Jesús Carrascosa

Consorcio ciudad de Cuenca D. Francisco Javier Pulido

Escuela de Arte José M. Cruz Novillo D. Carlos Hernandez

Área de Educación y Cultura D. Emilio Catalá

Fundación Antonio Saura. Casa Zavala D. Miguel López

Facultad de Bellas Artes de Cuenca Universidad de Castilla-La Mancha Dª. Ana Navarrete

Espacio Torner Dª. Fuencisla Zomeño Aula Cultural Universidad Abierta de la UCLM Excmo. Sr. D. José I. Albentosa

Comisariado / Curated by D. Daniel Jarque D. Crístoffer L. Sevilla Dª. Macarena Moreno

Museo de la Semana Santa D. José Ángel Palacios Fundación Caja Castilla-La Mancha D. Francisco Recuenco Centro Cultural Aguirre D. Pedro J. García Facultad de Bellas Artes de Cuenca Universidad de Castilla-La Mancha Dª. Ana Navarrete Colección Parkett. Facultad de Bellas Artes UCLM D. Óscar Martínez Teatro Auditorio de Cuenca D. Pedro Mombiedro

Arte en Papel Cuenca 2011

Catálogo / Catalogue

Staff Daniel Jarque Crístoffer L. Sevilla Macarena Moreno

Coordinación y textos / Coordination & texts Crístoffer L. Sevilla Textos / Texts Sus autores / Their authors

Asistentas técnicas de montaje / Exibition Technical Staff Ana Álvarez Inés Fraile

Traducción / Translation William James Packer

Asistentas de sala / Exhibition Attendants Katia Amez Alba Carrasco

Edición / Edition Fotografía y tratamiento de imágenes/ Photography and image processing Staff y sus autores / Staff and their authors

Redes sociales / Outreach Worker Ruth García

Diseño / Design Daniel Jarque

ProBETA, laboratorio urbano por DO2 / ProBETA, Urban Laboratory and DO2

Impresión / Printing Artes graficas Trisorgar

Equipo artístico: Soraya Agulló, Chesco Bueno, Sara Gómez, Sandra Martín, Adrián Martínez, Cristina Moreda, Héctor Morejón, Julio Serrano, Gilberto Moya, Agustin Tello, Beatriz Torres y Elena Valer

Edita / Published by Excmo. Ayuntamiento de Cuenca

Producción: Carmen Arias, Irina Sánchez y Marta Sukiennik

Depósito legal CU-206-2011

Comunicación y Redes Sociales: Aaron Añover, Diego Ayllón, Alejandro Godoy, Raquel Martín, Lucía Piuzzi y Cristina Puerta

© de esta edición / of this edition: Excmo. Ayuntamiento de Cuenca © de las imágenes / of the images: sus autores / their authors / VEGAP © de los textos / of the texts: sus autores / their authors © de la traducción / of the translation: sus autores / their authors

ISBN13 978-84-694-1384-5

Vídeo y Sonido: Ángel Alarcón, Ricardo Esteban y Adrián Langreo Dirección: José A. Montero

Índice Presentación / Presentation 11 D. Francisco Javier Pulido, Alcalde de Cuenca 15 Dª. Ana Navarrete Decana de la Facultad de Bellas Artes de Cuenca. UCLM 19 Daniel Jarque, Crístoffer L. Sevilla y Macarena Moreno Comisarios de Arte en Papel Cuenca 2011

Exposiciones / Exhibitions 28 BALLROOM Alejandra Freymann & Guillermo Sarmiento 32 GRÁFICA ARTRÓPODA / ARTHROPOD GRAPHICS Bonifacio Alfonso & Enrique Leal 38 COLOR/TINTA / COLOUR/INK Manuel H. Mompó & Willy Ramos 44 GRÁFICA TORNER / TORNER GRAPHICS Gustavo Torner 48 GREATEST HITS Saelia Aparicio, Coco Escribano, Ruth Gómez & Azucena Vieites 56 RAYAR EL PAPEL / SCRATCHING PAPER Rosa M. Jerez & José A. Valenciano 62 GRÁFICA DE LA NADA / GRAPHICS OF NOTHINGNESS Héctor Orruño & Martín Satí 68 CUENCA Carlos Codes, Celia Guillén, Óscar Lagunas, Jose M. Lillo, Miguel A. Moset, Victoria Santesmases, Ediciones La Zúa (Mit Borrás, Javier Chozas, Keiko Mataki y Perico Simón) 82 GRÁFICA PARKETT / PARKETT GRAPHICS Colección Parkett

Arte en Papel Cuenca 2011 24 Cartografía y programa

SELECCIÓN PREMIO CONTORNOS / CONTORNOSSHORT-LISTED WORKS Gwilherm Courbet (Fr) Natalia Fariñas (Es) Laura Flores (Es) Agustín García (Es) Ignacio Lobera (Es) Óscar Martínez (Es) Mariana Moranduzzo (Pt) Gilberto Moya (Es) Silvia Pascual (Es) Daniel Peres (Pt) Ruth Sanjuan (Es) Javier Vázquez (Es)

ProBETA. Laboratorio Urbano

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Talleres y conferencias / Workshops and lectures

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Carta a Sigfrído / Letter to Sígfrido

D. FRANCISCO JAVIER PULIDO

Alcalde de Cuenca / Mayor of Cuenca Cuenca es una ciudad con una larga tradición en exposiciones y festivales de arte contemporáneo, numerosos centros de arte, salas de exposiciones y museos han ofrecido importantes exposiciones y festivales y han permitido que la ciudad tenga un significativo reconocimiento por su actividad cultural tanto nacional como internacionalmente. La creación del Museo de Arte Abstracto que abrió sus puertas el 1 de julio de 1966, fruto de la donación de Fernando Zóbel a la Fundación Juan March, permitió y allanó el terreno para el desarrollo posterior de todo un tejido cultural especializado en arte contemporáneo que ha ido creciendo exponencialmente con la creación de la Fundación Antonio Pérez, la Fundación Antonio Saura y el Espacio Torner. Asimismo la creación de la Facultad de Bellas Artes en 1986 por parte de la Universidad de Castilla–La Mancha ha dado un impulso muy importante para el desarrollo de todo este tejido cultural. La Facultad de Bellas Artes de Cuenca ha sido pionera en el contexto universitario español en adaptarse a las transformaciones de las prácticas artísticas desde hace dos décadas y ha destacado en su constante promoción del arte joven.

The city of Cuenca has enjoyed a long history of contemporary art exhibitions and festivals. Its numerous arts centres, exhibition spaces and museums have programmed important events which have brought the cultural life of the city considerable recognition both nationally and internationally. The Museum of Abstract Art first opened its doors on July 1st 1966, the outcome of the generous donation made by Fernando Zóbel to the Juan March Foundation. This was the first step towards the ongoing development of a cultural fabric specializing in contemporary art, which has seen exponential growth with the opening of the Antonio Pérez Foundation, the Antonio Saura Foundation and the Espacio Torner. Likewise, the inauguration of Fine Arts Faculty by the University of Castilla La Mancha in 1986 was a further but no less important step in the development of the city’s cultural life. The Fine arts Faculty has been a pioneer amongst Spanish Universities in adapting itself to the transformation of art practices over the last twenty years and has been remarkable for its keen promotion of new and emerging art and artists. 11

El Festival Arte en Papel que tengo el placer de presentar ha sido posible por el compromiso de muchos, y gracias a la experiencia acumulada de todos. Durante un mes podremos ver lo más actual en gráfica, junto con propuestas de artistas nacionales de gran renombre. Todo ello acompañado de talleres y seminarios que complementarán las exhibiciones en salas o en el espacio público de la ciudad. Con estas líneas quiero agradecer la implicación de todas las instituciones participantes y especialmente de la Facultad de Bellas Artes por su ayuda inestimable para el desarrollo de este proyecto y destacar el trabajo desarrollado por sus estudiantes que han demostrado su gran preparación, su enorme potencial creativo y su capacidad de gestión. Sin olvidar a todos y todas las artistas que han participado en este festival.

It now gives me great pleasure to introduce the Arte en Papel festival, made possible thanks to the work, commitment and experience of numerous individuals and organizations. For a whole month we will be able to see examples of the latest developments in graphic arts in the work of nationally renowned artists. The festival is completed by a full programme of workshops and lectures complementing the exhibitions, which are to be held not only in the town’s exhibition spaces but also in its public spaces. I would like to take this opportunity to thank all the participating bodies in particular the Fine Arts Faculty for its inestimable help in developing the project and to draw attention to the tireless work carried out by the faculty’s students who have shown their excellent creative potential and organizing capacity in curating and organizing the festival. And last but not least, thanks go to all the artists who have taken part in the festival.

Dª. ANA NAVARRETE

Decana de la Facultad de Bellas Artes de Cuenca / Dean of the Faculty of Fine Arts, Cuenca Este festival nace de un proyecto de colaboración entre el Ayuntamiento de Cuenca y la Facultad de Bellas Artes de la UCLM, pretende hacer de la ciudad de Cuenca un escaparate de propuestas de gráfica contemporánea que abarcan desde exposiciones hasta un laboratorio urbano: ProBeta; además ofrece varios talleres y conferencias, impartidos por los propios artistas participantes o profesores de la Facultad de Bellas Artes, que se realizarán en los laboratorios de estampación gráfica y en sus aulas teóricas durante el desarrollo del festival. Un premio de arte gráfico completará la propuesta, creado específicamente con motivo del festival con el nombre Contornos, dirigido a creativos y artistas a nivel internacional. Las calles y sus centros de exposiciones serán, junto con los laboratorios y las aulas, los escenarios donde se llevarán a cabo, conectando a la ciudad con la universidad, proporcionando nuevas plataformas de aprendizaje y de formación para los estudiantes de la Facultad de Bellas Artes. En las exposiciones conviven propuestas innovadoras con otras menos novedosas pero imprescindibles en el complejo panorama icónico de los últimos 50 años. Las impresiones

Arte en Papel 2011 is the outcome of a collaboration between Cuenca City Council and the Fine Arts Faculty of the University of Castilla La Mancha, a project that aims to make the city of Cuenca a show-case for contemporary graphic arts. The festival offers a wide variety of events and activities, ranging from exhibitions to the ProBeta project – urban laboratory – as well as workshops and lectures imparted by the participating artists or the faculty’s teaching staff, which will take place in the fine arts faculty’s printmaking studios and classrooms. A new and specially created graphic art competition – Contornos, aimed at artists both local and international – completes the programme. The streets of Cuenca, the city’s exhibition spaces, together with the faculty’s workshops and classrooms will be the settings for these events, forming a link between the city and the University and providing fine arts students with new platforms for learning and experience. The exhibition programme includes some innovative new proposals alongside others of a more conventional nature; all are necessary in order to encompass the complex panorama 15

gráficas reunidas en diversas exposiciones que constituyen esta primera edición del festival, pretenden aproximar al espectador a la pluralidad propia de los medios de reproducción gráfica. La estampación, una de las más antiguas técnicas de producción y reproducción icónica, se ha trasformado radicalmente en el último siglo forzada por las evoluciones técnicas y por el desarrollo de una cultura que se define a partir de la densificación y la imparable demanda de imágenes. Desde sus remotos orígenes hemos asistido a una prolífica evolución de las prácticas de estampación, marcada por una progresiva e imparable demanda de medios de representación que permitieran trasmitir información gráficamente. La estampación gráfica desplazó y descentralizó el monumento1 (la escritura adquirió un poder sin precedentes), y la fotografía y todas las tecnologías visuales que le han precedido han forzado a todas las prácticas artísticas a su redefinición (la imagen desplazó a la escritura). La representación gráfica forzada por estas transformaciones ha abandonado el sistema de convenciones impuesto desde el Renacimiento. Ya los primeros modernistas creían que los efectos discontinuos y fragmentarios del montaje conducirían a un sentido renovado de lo real, así prácticas como: el collage, el fotomontaje… propias de las vanguardias artísticas permitieron la proliferación de diversos productos, de difícil clasificación dentro de las categorías artísticas modernistas: facsímiles, libros de artistas, insertos gráficos en prensa, pasquines, tarjetas postales...

of iconography produced during the last fifty years. In this way, the graphic works brought together in the diverse exhibitions that make up this first edition of the festival set out to introduce the public to the plurality that has come to characterize graphic media. Printmaking – one of the oldest means of iconographic production and reproduction – has undergone a radical transformation during the last century driven both by technical developments and by the evolution of a culture defined by densification and an unstoppable torrent of images. Since its earliest origins, printmaking practices have evolved and proliferated, marked by an evergrowing and unstoppable demand for means of representation that allow the graphic transmission of information. Victor Hugo described the moment when graphic print displaced and decentred the monument1 (the written word gaining an unprecedented position of power). More recently, photography and all the art practices that have succeeded it have forced art practices to redefine themselves (the image displacing text) and, driven by these transformations, graphic representation has abandoned the system of conventions imposed on it since the Renaissance. The early modernists believed that the discontinuity and fragmentation of the image produced by montage would reform our sense of the real through practices such as collage, photomontage… The vanguard movements generated a proliferation of diverse new forms difficult to classify within modern art categories: facsimiles, artists’ books, graphic

1 “Victor Hugo pronuncia la oración fúnebre del monumento, condenado a muerte por la aparición de la imprenta”. (Françoise Choay en Alegoría del patrimonio).

1 “Victor Hugo delivers the funeral oration of the monument, condemned to death by the arrival of the printing press.” (Françoise Choay in Allegorie du patrimoine [Heritage as Allegory]). 16

Los medios de estampación gráfica han permitido el desarrollo de una historia iconográfica rica y compleja, desde la litografía y el grabado buril, hasta los modernos medios de reproducción gráfica: offset, serigrafía… y sobre todo las posibilidades técnicas que ofrece el ordenador ha llevado a las artes gráficas a expandirse más allá de su lugar e hibridarse con otras prácticas. Hoy el cine, la fotografía, el vídeo, la infografía se han fusionado en una sola práctica pluridisciplinar y heterogénea Con los nuevos procesos de digitalización y las interconexiones en tiempo real a nivel global, se ha producido una radical transformación en las formas de comunicación visual, y también en nuestra manera de interpretar el mundo. El futuro de la estampación gráfica hoy está directamente relacionado con su condición de Art Moyen2 (arte-medio) (como la fotografía), es decir, entre las bellas artes y los medios de comunicación e información. Sobre todo porque las herramientas gráficas son elementales para la transmisión de información, pero, además, de placer y de conocimiento. Sirvan los trabajos que en esta publicación se presentan como un inmejorable ejemplo de la experimentación e investigación gráfica que hoy realizan los artistas.

interventions in the press, poster-art, post card art… Print media have spawned a history of rich and complex iconographies, from lithography and engraving to modern reproduction media: offset, screen-print…In particular, the technical possibilities offered by the computer have lead artists to go beyond traditional practices and move towards a hybridization with other fields. Today film, photography, video, and digital output have merged into a single heterogeneous and pluridisciplinary practice. New digital processes and interconnectivity in real time on a global scale have produced a radical transformation of the forms of visual communication and also of our way of interpreting the world around us. The future of graphic art and printmaking is directly related to its condition as an Art Moyen2 (a middle-brow art) this is to say situating itself between fine art and the information media of mass communication. It is for this reason that graphic devices are essential not only for the transmission of information but also of pleasure and knowledge. The range of graphic works included in this publication offer a first-rate example of the graphic experimentation and investigation in which artists are now engaged.

2 Bourdieu acuñó el término en su conocido libro Un Art Moyen. Essai sur les usages sociaux de la photographie. Les editions de minuit, (1965) (Un arte medio. Ensayo sobre los usos sociales de la fotografía, Gustavo Gili); en este libro Bourdieu defiende la fotografía como Art Moyen, es decir desde el punto de vista de sus funciones sociales.

2 Bourdieu coined the term in his well-known book Un Art Moyen. Essai sur les usages sociaux de la photographie (A middle-brow art. An essay on the social uses of photography); in the book Bourdieu defends photography as an Art Moyen from the point of view of its social functions. 17

DANIEL JARQUE, CRÍSTOFFER L. SEVILLA & MACARENA MORENO Comisarios de Arte en Papel Cuenca 2011 / Arte en Papel Cuenca 2011, Curators Nos gusta presentarnos como el Staff de Arte en Papel, el equipo que ha conseguido que este proyecto tenga esta forma y que cuente con estos contenidos. Han sido unos meses de gran aprendizaje por nuestra parte porque, aun teniendo preparación e intentando ser lo más profesionales posible, hemos tenido que desenvolvernos como nunca antes en un ámbito que conocíamos poco desde dentro. Eso sí, hemos contado con el apoyo, y la gran ayuda, de otros profesionales a los que nos une una fuerte amistad; sin Amparo Lozano, Guillermo Navarro o Ana Navarrete, nuestros guías espirituales, no nos hubiéramos sentido tan seguros de nosotros mismos. No olvidamos los detalles que han tenido con nosotros Ana Álvarez e Inés Fraile (asistentas técnicas de montaje y terapeutas del Staff), Hugo López (con la música para el spot publicitario), nuestros familiares (por ayudarnos, apoyarnos y aguantarnos), las chicas y chicos de DO2 Magazine (que han hecho unos experimentos magníficos en ProBeta), Julio Sánz y el equipo del CIDI, Carlos Julián Martínez y José Antonio Perona (Servicio de Publicaciones de la UCLM), el equipo de Colección Parkett, el gran Antonio Pérez,

We like to introduce ourselves as the Arte en Papel Staff, the team who have shaped the project and selected the contents. The last few months have represented a major learning curve for us and even though we felt quite prepared to take on the project and have approached it in as professional a manner as possible, we found that we had taken on a commitment like none other, in an ambit about which we knew little. We have benefited from the advice and encouragement of other professionals who provided not only help and support but also friendship; without Amparo Lozano, Ana Navarrete and Guillermo Navarro, our spiritual guides, we would not have felt so able to cope. Nor will we forget the help and kindness of Ana Álvarez and Inés Fraile (exhibition technicians and therapists to the staff); of Hugo López (who provided music for out publicity video); our families (for their help, support and patience); the students at D02 Magazine who have carried out a fantastic series of experimental works with their ProBETA project; Julio Sánz and the CIDI team (Centre for Image Research and Development); Carlos Julián Martínez and José Antonio Perona (UCLM Publications 19

Fuencisla Zomeño, Santiago Catalá y Mónica Mompó (por cedernos parte de sus colecciones privadas), Pedro J. Hidalgo y José Luis Moreno (que nos ha hecho la vida administrativa mucho más fácil), los responsables de los espacios expositivos… A todos ellos gracias. Pero sobre todo, a nuestros artistas (y ahora amigos) que son el cuerpo de este embrión que comienza a crecer, y que han sido tan generosos con nosotros. Es muy interesante cómo Cuenca ha sabido acoger a artesanos y artistas de la gráfica, y cómo éstos han quedado prendados de la ciudad… Así pues, en esta primera edición de Arte en Papel hemos querido presentar una mezcla de técnicas, estilos y visiones de la gráfica “de ayer, de hoy... y de siempre”1. En Ballroom (Fundación Antonio Pérez), Alejandra Freymann y Guillermo Sarmiento, ex alumnos de la Facultad de Bellas Artes y nombres actuales en el mercado, nos presentaron un juego íntimo de creación a cuatro manos; una colección de dibujos postales creada entre la recepción y el envío de arte postal. Gráfica artrópoda (Escuela de Arte José M. Cruz Novillo) confrontaba dos visiones de un tema con sumo calado en la gráfica atemporal; el insecto. Y es así cómo veíamos un diálogo entre la obra de Bonifacio Alfonso y Enrique Leal. Color/Tinta (Fundación Antonio Saura. Casa Zavala) nos trajo la luz, el color y la intensidad de dos grandes de la estampación, como son Manuel H. Mompó y Willy Ramos. En Greatest hits (Aula Cultural Universidad Abierta de la UCLM) pudimos ver las obras de cuatro mujeres; Saelia Aparicio,

Service), the Parkett Collection team; the great Antonio Pérez; Fuencisla Zomeño, Santiago Catalá and Mónica Mompó for the loan of parts of their private art collections; Pedro J. Hidalgo and José Luis Moreno who has greatly facilitated administrative work and the staffs at each of the exhibition spaces. Special thanks go to the generosity of the artists themselves (who have become friends), the main protagonists of this embryonic project. It has also been remarkable to witness the warm welcome Cuenca has extended to graphic artists and craftspeople and how these in turn have come to love Cuenca. In this first edition of Arte en Papel it was our aim to show a varied range of techniques, styles and visions of the graphic art “of yesterday, today and always.”1 In Ballroom (Fundación Antonio Pérez), Alejandra Freymann and Guillermo Sarmiento, former students of the Fine arts Faculty and now well-known names in the art market, have exhibited an intimate series of fourhanded pieces, a collection of postcard-sized drawings sent and received as a postal art dialogue. Arthropod Graphics (José M. Cruz Novillo Art School) brings together two representational approaches to a subject that has been of profound significance throughout the history of graphic art: the insect. This exhibition was conceived as a kind of dialogue between the work of two artists: Bonifacio Alfonso and Enrique Leal. Colour/Ink (Fundación Antonio Saura. Casa Zavala) gave us light, colour and intensity from two major figures in printmaking: Manuel H. Mompó and Willy Ramos.

1 Volver. Pedro Almodóvar. 2006. 20

Coco Escribano, Ruth Gómez y Azucena Vieites. Con ellas quisimos visibilizar no sólo las múltiples posibilidades de las prácticas contemporáneas, sino también la importancia que tiene la presencia femenina en el mundo de la gráfica. Rayar el papel (Museo de la Semana Santa) mostró la obra de dos artistas enamorados del dibujo. Rosa M. Jerez y José A. Valenciano presentaban una gráfica focalizada en la técnica y el estudio de la línea, y en su necesidad de rayar el papel diariamente para sentirse vivos. Por su parte, Gráfica de la nada (Fundación Caja Castilla-La Mancha) ofrece las inquietudes de dos jóvenes de gran trayectoria; Héctor Orruño y Martín Satí. Que desnudan sus pensamientos en un envoltorio estético de preciosos detalles por los que dejar pasear la vista y la imaginación. En esta edición no podíamos dejar de visualizar la gráfica autóctona, reuniendo una amalgama de artistas relacionados con la ciudad: Carlos Codes, Celia Guillén, Óscar Lagunas, José M. Lillo, Miguel A. Moset, Victoria Santesmases y bajo el sello Ediciones La Zúa; Mit Borrás, Javier Chozas, Keiko Mataki y Perico Simón. Algunos nacidos, y otros llegados de todas partes del mundo, ellos componen Cuenca (Centro Cultural Aguirre), una exposición panóptica de la gráfica conquense. Finalmente, Gráfica Torner y Gráfica Parkett han sido un abrazo de este festival con el Espacio Torner y la Colección Parkett de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Castilla-La Mancha, grandes contenedores de obra gráfica de incalculable valor para la ciudad.

In Greatest Hits (University of Castilla La Mancha, Aula Cultural Universidad Abierta) we could see work by four women artists: Saelia Aparicio, Coco Escribano, Ruth Gómez and Azucena Vieites in an exhibition that aimed not only to show the multiple possibilities of contemporary practices but also the importance of women’s’ presence in graphic art. Scratching Paper (Museo de la Semana Santa) showed the work of two artists enamoured of drawing. Rosa M. Jerez and José A. Valenciano exhibited works focussing on technique and the study of line and on their obsessive need to put pencil to paper on a daily basis. Graphics of Nothingness (Fundación Caja Castilla-La Mancha) shows the concerns of two young artists with already wellestablished careers: Héctor Orruño and Martín Satí. They bare the inner workings of their minds in accumulations of highly aesthetic components that invite us to explore their vision and imagination. In this first edition of the festival it was important to include local graphic talent and bring together an amalgam of artists with connections with the town: Carlos Codes, Celia Guillén, Óscar Lagunas, José M. Lillo, Miguel A. Moset, Victoria Santesmases and artists working in collaboration with Ediciones La Zúa (artists’ print publishers): Mit Borrás, Javier Chozas, Keiko Mataki and Perico Simón. Some were born in Cuenca, others have made their way here from different parts of the world; these make up the selection of artists included in Cuenca (Centro Cultural Aguirre), an exhibition offering an overview of graphic work in Cuenca from past to present.

Con esta primera edición de Arte en Papel hemos querido realizar un acercamiento general a la gráfica, haciendo un apunte de técnicas, expresiones y artistas a lo largo de un amplio periodo de tiempo, con el que poder visualizar la magnitud y la impronta que la gráfica deja en la historia. No obstante, nuestra intención siempre ha sido invadir la ciudad y llenar tanto sus espacios expositivos como el entorno urbano de numerosas exposiciones y actividades relacionadas con la gráfica en el mundo del arte, diseño... Así surgió ProBETA, Laboratorio Urbano, que convirtió la calle en un experimento creativo para la ciudad. En esta edición el colectivo que surge alrededor de la revista DO2 de la UCLM (compuesto por artistas, diseñadores, fotógrafos...) llevó a cabo una serie de acciones, cada sábado, por toda la ciudad. Además, también tuvieron lugar a lo largo del festival diversas actividades, como talleres de dibujo y serigrafía pensados para los estudiantes de la ciudad y un ciclo de conferencias, vinculadas a la gráfica, la edición, el diseño y el arte, impartidos en la Facultad de Bellas Artes y en la Escuela de Arte José M. Cruz Novillo. Por último, Arte en Papel seleccionó la mejor obra creada a partir de cualquier técnica de reproducción de imágenes, tanto de la tradición histórica como de las permitidas por los avances técnicos, presentada al Premio Contornos, donde la pieza Daddy’s little girl del artista Javier Vázquez resultó ganadora. Tras este duro y arduo trabajo, “agradecidos y emocionados solamente podemos decir, gracias por venir”2.

Finally, The Espacio Torner and the Parkett Collection at the University of Castilla La Mancha Fine Arts Faculty are two permanent collections that provide an invaluable resource for the city; showing works on paper selected from amongst the graphic art in the collections, these completed the festival’s exhibition programme. In this first edition of Arte en Papel we set out to provide a broad approach to graphic art, works on paper and printmaking, to make a survey of techniques, modes of expression and artists covering a lengthy time-span in an attempt to show the magnitude and impact of graphics on the art history of the last few decades. At the same time, our intention was always to create an event that would have a strong presence in the city filling not only exhibition spaces but also the urban fabric, its streets and institutions, with exhibitions, events and activities. This is how the ProBETA project came into existence; during the festival period, this ‘urban laboratory’ transformed the streets of Cuenca into a space for experiment and creativity involving the city and its inhabitants. All those involved in the studentlead, university magazine DO2 (artists, designers, photographers…) implemented a series of performances, interventions and actions, each Saturday, at sites located all over the city. The festival also hosted a wide range of complementary activities, including drawing and silk-screen workshops aimed at the town’s art students and a full programme of lectures on graphic art, print editions, art and design, which took place at the Faculty of Fine Arts and at the José M. Cruz Novillo Art School. 22

Lastly, we come to the Contornos Prize, an open-entry competition for new unpublished images created in any technique, whether traditional or one of the new media made possible by advanced technologies. Arte en Papel has exhibited a selection of the best works submitted at the Teatro Auditorio, including the winning piece, Daddy’s little girl by Javier Vázquez. Now we have come to the end of this arduous undertaking and, “thrilled and grateful as we are, all we can say is thank you for coming”2

2 “Gracias por venir” en Pura Metalúrgica. Compuesta por Gregorio García Segura. Interpretada por Lina Morgan. 1975.

2 Our translation of “Gracias por venir” in Pura Metalúrgica. Composed by Gregorio García Segura and sung by Lina Morgan, 1975. 23

1 4

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9 6

MARZO / MARCH 4 Viernes / Friday

INAUGURACIÓN / OPENING CEREMONY Aula Cultural Universidad Abierta UCLM

2 Sábado / Saturday

ProBETA,LABORATORIO URBANO MUROS / WALLS Marquesinas de autobus de la ciudad

5 Sábado / Saturday

APERTURA OFICIAL DE SALAS / OPENING OF EXHIBITIONS ProBETA,LABORATORIO URBANO SUBURBANO / SUBURBAN Refugios Antiaéreos de la C/ Alfonso VIII 10 Jueves / Thuesday

CONFERENCIAS / LECTURES

COLECCIONISTA-EDITOR-ARTISTA, Antonio Pérez PRUEBAS DE ESTADO, Enrique Leal Facultad de Bellas Artes UCLM 11 Viernes / Friday

CONFERENCIAS / LECTURES

LETRAS DE PELÍCULA, Julio Sanz GRÁFICA DENTADA. Guillermo Navarro Facultad de Bellas Artes UCLM

14, 15, 16, 17 Lunes - Jueves / Monday - Thuesday

TALLER / WORKSHOP

DIBUJO Y CULTURA DIY, Azucena Vieites Facultad de Bellas Artes UCLM 18 Viernes / Friday

CONFERENCIAS / LECTURES

MOVIDA GRÁFICA, Ruth Gómez GENERACIÓN DE PAPEL, Luis Venegas Facultad de Bellas Artes UCLM 19 Sábado / Saturday

ProBETA,LABORATORIO URBANO LUZ / LIGHT Facultad de Bellas Artes UCLM

EXPOSICIONES / EXHIBITIONS 1. BALLROOM

6. RAYAR EL PAPEL / SCRATCHING PAPER

2. GRÁFICA ARTRÓPODA ARTHROPOD GRAPHICS

7. GRÁFICA DE LA NADA GRAPHICS OF NOTHINGNESS

3. COLOR/TINTA / COLOUR/INK

8. CUENCA

Alejandra Freymann & Guillermo Sarmiento Fundación Antonio Pérez Ronda de Julián Romero, 20

Bonifacio Alfonso & Enrique Leal Escuela de Arte José M. Cruz Novillo San Pedro, 19 Manuel H. Mompó & Willy Ramos Fund. Antonio Saura. Casa Zavala Plaza de San Nicolás, s/n

4. GRÁFICA TORNER / TORNER GRAPHICS Gustavo Torner Espacio Torner Carretera Hoz del Huecar, s/n

5. GREATEST HITS

Saelia Aparicio, Coco Escribano, Ruth Gómez & Azucena Vieites Aula Cultural Universidad Abierta UCLM Colmillo, 5

Rosa M. Jerez & José A. Valenciano Museo de la Semana Santa Andrés de Cabrera, 13

Héctor Orruño & Martín Satí Fundación CCM Cardenal Gil de Albornoz, 1

Carlos Codes, Celia Guillén, Óscar Lagunas, Jose M. Lillo, Miguel A. Moset, Victoria Santesmases, Ediciones La Zúa (Mit Borrás, Javier Chozas, Keiko Mataki y Perico Simón) Centro Cultural Aguirre Aguirre, 2

9. GRÁFICA PARKETT / PARKETT GRAPHICS COLECCIÓN PARKETT Facultad de Bellas Artes UCLM Santa Teresa Jornet, s/n

10. SELECCIÓN PREMIO CONTORNOS CONTORNOSSHORT-LISTED WORKS Teatro Auditorio de Cuenca Paseo del Huécar, s/n

ABRIL / APRIL 25, 26, 27 Viernes - Domingo / Friday - Sunday

TALLER / WORKSHOP

SERIGRAFÍA, LA IMAGEN IMPRESA, Miguel Ángel Ortega Escuela de Arte José M. Cruz Novillo

1 Viernes / Friday

CONFERENCIAS / LECTURES

MARTÍN BEGUÉ. ARTISTA POLIÉDRICO Juan Paz & Vicente Jarque Facultad de Bellas Artes UCLM

25 Viernes / Friday

CONFERENCIAS / LECTURES

3 Domingo / Sunday

MUESTRA DE SELECCIÓN PREMIO CONTORNOS / EXHIBITION OF SHORT-LISTED WORKS

CEREMONIA DE CLAUSURA. ENTREGA PREMIO CONTORNOS CLOSING CEREMONY & CONTORNOS PRIZEGIVING

EL MUSEO ENVASADO, La Lata Facultad de Bellas Artes UCLM

Teatro Auditorio de Cuenca 26 Sábado / Saturday

ProBETA,LABORATORIO URBANO SOMBRA / SHADE Calles de la ciudad

CIERRE DE LAS SALAS / LAST EXHIBITION DAY

PASTORA, UN VIAJE EN NORIA Teatro Auditorio de Cuenca

ALEJANDRA FREYMANN GUILLERMO SARMIENTO

ESPACIO / SPACE Dirección / Address Fundación Antonio Pérez Ronda de Julián Romero, 20 Cuenca 16001 Contactar / Contact +34 969 230 619 fapcuenca@telefonica.net www.fundacionantonioperez.es Fecha / Date 5 marzo - 3 abril / March 5th - April 3rd

CARACTERÍSTICAS TÉCNICAS / DETAILS Técnica / Technique Dibujo / Draw Piezas / Piezes 33

Ballroom es una apropiación de reproducciones de fotos de postales re-ubicadas en la superficie del papel. Un diálogo, un juego, un cadáver exquisito postal a través del dibujo.

Ballroom is an appropriation of post card photographs transferred onto paper. A dialogue, a game, an exquisite postal cadaver created through drawing.

“A: Montaña-hierba. G: Montaña-hierba-cabeza-puente.

“A: Mountain-grass. G: Mountain-grass-head-bridge.

“Querido G: ¡Qué lejanos me resultan hoy aquellos luminosos días de verano en Devon! Recibí con inmensa alegría tu postal hace justo una semana. Me alegra saber que estáis todos bien. Aquí no ha dejado de llover en todo el mes. Las clases me tienen tan ocupada que apenas encuentro un momento para sentarme a escribir. Dile al pequeño X que pronto podré enviarle las obras de X que me pidió hace unos meses. Hasta pronto.

Dear G: How far away I am from those bright summer days in Devon! I was overjoyed to get your postcard just a week ago and I’m so glad you are all well. It hasn’t stopped raining here for a month. I’m so busy with the classes that there’s hardly time to sit down to write. Tell little X that it won’t be long before I send him the works of X that he asked for months ago. Write soon. Dear A: I’ve just got the swimming caps you sent. I went to visit B a couple of times in January. She didn’t know anyone here, not even D. Of course, there are some who have a whole room to themselves1”.

Querida A: Los gorros de baño que me mandaste ya los he recibido. En enero fui a visitar a B, una o dos veces. Aquí no conocía a nadie, conocía apenas a D y ni siquiera eso. Hay pedazos que ocupan, naturalmente, toda una habitación”1.

1 Fragmento de una conversación postal entre Alejandra Freymann y Guillermo Sarmiento.

1 Fragment of a postal conversation between Alejandra Freymann and Guillermo Sarmiento. 30

PĂĄg. 29 y 31: Serie Ballroom. Alejandra Freymann & Guillermo Sarmiento. TĂŠcnica mixta. Medidas variables. 2010/11.

BONIFACIO ALFONSO ENRIQUE LEAL

ESPACIO / SPACE Dirección / Address Escuela de Arte José M. Cruz Novillo San Pedro, 19 Cuenca 16001 Contactar / Contact +34 969 237 250 16008667.ea@edu.jccm.es www.eajosemariacruznovillo.es Fecha / Date 4 marzo - 3 abril / March 4th - April 3rd

CARACTERÍSTICAS TÉCNICAS / DETAILS Técnica / Technique Aguafuerte, impresión digital / Etching and digital-print Piezas / Piezes 33

El pintor Bonifacio Alfonso, con su serie de aguafuertes Insectos y el artista gráfico Enrique Leal, en la obra Entomografías, se unen al repertorio de creadores fascinados en explorar el latente potencial gráfico del insecto. Así pues, mientras Bonifacio nos deleita con su representación, un insectario, Leal utiliza el comportamiento de dichos insectos grabadores, haciéndolo visible en su obra.

The painter Bonifacio Alfonso, with his series of etchings Insectos and the printmaker Enrique Leal, with his work Entomografías, join the repertoire of artists who have explored of the graphic potential of the insect. Whilst Bonifacio Alonso delights audiences with his representation of an inventory of insects, Leal looks at the way of life of one particular species – themselves engravers.

In the print series entitled Entomografías, Enrique Leal has created a visual and volumetric reproduction of the sub-cortex of trees that have been eaten away (etched) by different species of wood-eating beetles among which are found Ips Typographus and Pityogenes Chalcographus. The reproduction media used to transpose the marks incised by the beetles have been chosen to fulfil a twin purpose so that, firstly, the resulting images generate new readings and secondly, include and trace the evolution of their own production processes, referring directly back to the allegorical purpose of the work. In spite of the variety of techniques employed, these studies show how information registered in analogue, mechanical and digital media, engender recursive feedback processes that are capable of conjugating and projecting the artefacts and images produced as reasoned and postulated aesthetic documents. Enrique Leal

La serie de impresiones tituladas Entomografías, de Enrique Leal, presenta la reproducción visual y volumétrica de la superficie subcortical de árboles, grabadas por distintas especies de coleópteros xilófagos (escarabajos grabadores), entre las cuales están la Ips typographus y la Pityogenes chalcographus. De acuerdo con este planteamiento, se ha procurado que los medios de reproducción empleados para trasponer los signos incisos cumpliesen un doble cometido: por un lado, que los resultados fuesen determinantes en la creación de nuevos significados; por otro lado, que trazara una panorámica de la historia de los medios de reproducción, de forma que revertiera directamente en el incentivo alegórico de la obra. Pese a las diferencias entre las técnicas emprendidas, el estudio demuestra como la información captada por los medios manuales, mecánicos y digitales, engendra procesos recursivos de feedback (retroalimentación), capaces de conjugar y proyectar los artefactos y las imágenes obtenidas como documentos razonados y postulados estéticos. Enrique Leal

Pág. 33: Serie Insectos (detalle). Bonifacio Alfonso. Aguafuerte. 8,5 x 10,5 cm. 1972. Esta pág.: (Arriba) Serie Insectos. Bonifacio Alfonso. Aguafuertes. 14,5 x 14,5 cm. 1972. (Abajo) “Corpo(s) I “ dentro de la serie Entomografías. Enrique Leal. Impresión digital. 56 x 82 cm. 2003/05.

Con sus 40 años casi cumplidos, Insectos , de Bonifacio, conforman varios grupos de ediciones promovidas por la Galería Juana Mordó, con quien estuvo ligado media vida. En aquellos maravillosos años, cuando el Museo de Arte Abstracto era, de la mano de Fernando Zóbel, un hervidero abrumador de iniciativas y talentos, y los artistas se daban empujones para hacerse con el timón del tórculo, Bonifacio experimentó la fascinación que produce el aguafuerte. Podría decirse que ha elevado el arte gráfico a la categoría de obra maestra porque consigue el máximo posible de una forma expresiva generalmente tenida como menor. Esto demuestra que Bonifacio es, sencillamente, un pintor imprescindible, como se verifica a cada paso, ora recreándose por la magnífica serie de litografías que de cuando en cuando estampa en el taller de su amigo Antonio Gayo, ora cuando remata un lienzo; Bonifacio siempre consigue el máximo expresivo. Amigo de la pesca y gran observador, a lo largo de muchas horas de espera supo captar del apasionante mundo de los insectos. Luego irían, uno a uno, yendo a parar a un frasco y de allí, como si de un científico se tratase, los ubicaba en un artefacto con el que poder observar, con nitidez exploratoria, todas las entretelas de tan extraña anatomía. Sólo Durero; Rembrandt; Goya, con sus famosos Caprichos, Disparates y Desastres de la Guerra; Picasso con la Suite Vollard y el propio Antonio Lorenzo -su maestro- con aquellas fantásticas naves espaciales, han sido capaces de conseguir en aguafuerte la intensidad, la hondura y la vitalidad como la que Bonifacio nos regaló con esta serie excepcional. Santiago Catalá

Following a forty-year trajectory, Bonifacio’s Insectos (Insects) consist of sets of editions published by the Juana Mordó Gallery, with whom he has collaborated for a large part of his life. During those marvellous years, when the Museum of Abstract Art, under the direction of Fernando Zóbel, was a hothouse of new talent and initiatives and artists felt a newfound enthusiasm for printmaking, Bonifacio first experienced a fascination for the etching process. Making the most of a means of expression usually regarded as a minor one, it might be said that he has raised etching to the level of masterpiece. In this way, Bonifacio is an indispensable artist, a fact verified at every step, as when he turns his attention to a magnificent series of lithographs, or when he turns to printmaking in the studio of his friend Antonio Gayo, or when he puts the finishing touches to a canvas he always achieves maximum expression. Fond of fishing and a great observer, during the long hours of waiting he became absorbed by the enthralling world of insects. One by one they would end up in a jar and then, as if making a scientific study, they would be placed in a container that would allow him observe with extraordinary precision the minutiae of so strange an anatomy. Only Durer; Rembrandt; Goya, in his famous Caprichos, Disparates and Desastres de la Guerra; Picasso in Suite Vollard and our own Antonio Lorenzo –Bonifacio’s teacherwith his fantasy space ships, have managed to achieve the intensity, depth and vitality in etching that Boniface gives us in this exceptional series. Santiago Catalá

(Arriba) “Teselas III“ dentro de la serie Entomografías. Enrique Leal. Grabado (fotopolímero). 27,5 x 20,5 cm. 2003/05. (Abajo) Serie Insectos. Bonifacio Alfonso. Aguafuertes. 29,5 x 14,5 cm. 1972. 37

MANUEL H. MOMPÓ WILLY RAMOS

ESPACIO / SPACE Dirección / Address Fundación Antonio Saura. Casa Zavala Plaza de San Nicolas, s/n Cuenca 16001 Contactar / Contact +34 969 236 054 fundacion@fundacionantoniosaura.es www.fundacionantoniosaura.es Fecha / Date 5 marzo - 3 abril / March 5th - April 3rd

CARACTERÍSTICAS TÉCNICAS / DETAILS Técnica / Technique Serigrafía / Screen-printing Piezas / Piezes 23

The truth of Willy Ramos’s work lies in the fact that each piece is the testament of a project without end. Or an end that is provisional, reflecting at once the search undertaken and the announcement of future undertakings. New departures without pause; Ramos’s works form a tireless sequence working to unravel the secrets of the body or the object. The subject? Few painters work to that point of altruism at which work goes beyond the worker and intention surpasses the artist’s identity. For Ramos painting is perhaps an act of love and painting in his hands becomes infected with the adventure of seizure. The sensuality that overflows his paintings is like the secretions caused by an infallible passion. Brush strokes loaded with colour are applied without restraint; Ramos, like a hero elect, lives in the world to risk his life. If his paintings are troubling it is because they are made in a spirit of adventure and at times, in a state of self-imposed blindness, they reach out to grasp, from the other side of the gaze, the secret key of the real. In this way, Ramos’s paintings are at once as flat as they are rounded, showing a desire to reach an intense closeness to skin, an intent that is finally resolved in a kind of visceral density. Between success and intrigue, between action and effusion, this ongoing accumulation of essays stresses the artist’s essential concern, which is with feelings and with sex. Colour is a smell and knowledge in these canvasses operates like a flavour. Ramos’s paintings shine bright but who can doubt that they also smell? And also taste, in possession of a knowledge that goes beyond any written treaty. And as if that isn’t enough, they speak to us and pulse as warm human encyclopaedias. Vicente Verdú

La verdad de los cuadros de Willy Ramos radica precisamente en este testimonio de un proyecto sin final. O con un final provisional donde se refleja tanto la categoría de la búsqueda como el anuncio de nuevas acometidas futuras. Acometidas sin tregua porque toda la obra de Ramos es una secuencia incansable hacia el objetivo de cautivar el secreto del cuerpo o del objeto. ¿El sujeto? Pocos pintores trabajan hasta este punto altruista en que el trabajo desborda al trabajador y la intención traspasa la identidad del artista. Ramos se ama acaso a través de la pintura y la pintura se confunde en sus manos con la aventura de aprehender. La sensualidad que chorrean sus cuadros es igual a la secreción que produce su pasión a toda prueba. No hay mesura en el color ni mesura en los gestos del pincel porque Ramos, como un elegido heroico, ha venido al mundo para jugarse la vida. Si sus cuadros turban es porque son realizados en medio de la máxima aventura y, en ocasiones, bajo la ceguera extrema inventada para captar, desde el otro lado de la vista, la clave oculta de lo real. De este modo, las obras de Ramos son a la vez tan planas como esféricas, muestran el intento de un intenso acercamiento a la piel y se resuelven en la densidad de las vísceras. Entre el éxito y la intriga, entre la acción y la efusión, su larga colección de tentativas deja constancia de la tesitura central de este gran artista del sexo y los sentidos. El color es un olor y el saber de sus lienzos una forma de sabor. Los cuadros de Ramos lucen extraordinariamente pero ¿quién puede dudar que también huelen? Y que también saben. Saben más que todos los tratados escritos y, por si faltaba poco, nos tratan y palpan como calientes enciclopedias humanas. Vicente Verdú 40

Pág. 39: Bodegón (detalle). Willy Ramos. Litografía. 50 x 65 cm. 2004. Esta pág.: Flores. Willy Ramos. Serigrafía. 90 x 63 cm. 2001. 41

En un acontecimiento como éste donde el papel es el protagonista de fondo, no podía faltar Manuel Hernández Mompó, uno de los representantes de la generación de los cincuenta que abrió para el arte español la anhelada modernidad. El papel como soporte iniciático, el espacio donde todos, desde niños, plasmamos los seres que pueblan nuestros personales universos adquiere en Mompó un singular valor. Sobre ese medio dúctil, agradecido, manejable, efímero y, al mismo tiempo, eterno, manifestó el artista sentirse muy cómodo. En papel dibujó, con sólo ocho años, las primeras escenas que, bulliciosamente, penetraban por la ventana de su casa de Valencia, y siguió trabajando hasta el final, abierto a cualquier técnica con la que representar su inquietud creativa. Sentir el universo plástico de un artista implica pasear por la línea del tiempo. Sus primeras referencias fueron Miró, Klee, Cézanne. En la madurez nos encontramos a un pintor que hace del vacío la esencia y con el despojamiento construye rumores, sugerencias y sutiles narraciones. La realidad que interesa a Mompó es la del momento, la de la calle, verdadero escenario de lo cotidiano, charangas, mercados, campesinos… pueblan sus obras convirtiéndose en el fundamento de su quehacer creativo. Desde pequeño bebió la plenitud de la luz y el susurro del Mediterráneo, haciendo del color un elemento clave con el que mostrar lo íntimo y lo mínimo. Acercarse a la obra de Manuel Hernández Mompó es percibir la actitud de un artista vital que como afirmó de una manera muy poética José Mª Moreno Galván se mueve “en un juego pendular entre dos presentes de infinitivo: aludir, eludir”. Celina Quintas

In an event in which paper acts both as protagonist and backdrop, Manuel Hernández Mompó’s presence is indispensable as the representative of a generation of artists who opened up Spanish art to a longed-for modernism. Paper as the primary support – a surface on which all children project the beings that populate their universe – acquires in Mompó’s work a singular value. With this ductile medium, receptive, manageable, ephemeral and eternal, the artist shows us just how at ease he is. At the age of eight he first put pencil to paper to draw the boisterous scenes that came in through the window of his home in Valencia, and thereafter he worked in this vein until the last, open to any technique with which to represent his creative interests. Understanding an artist’s plastic universe involves tracing a line through time. Mompó’s first references were to Miró, Klee, Cézanne. With maturity we find a painter who has made emptiness an essential feature of his work, a stripping down of compositional elements to construct subtle narratives of rumours and suggestions. The reality that interests Mompó is of the moment, the street, everyday reality, street musicians, markets, country people… These are the subjects that populate his work and the starting point for the creative process. From an early age he absorbed the brilliance of Mediterranean light and sound and it is these elements that have made colour the key element in his work, used sparingly to create a feeling of intimacy. To reach an understanding of Mompó’s work is to perceive the modus operandi of these vibrant works which, in the poetic words José Mª Moreno Galván, move “with the playful swing of a pendulum between two infinitives: allude – elude”. Celina Quintas 42

Sin título. Manuel Hernández Mompó. Serigrafía. 76 x 56,5 cm. 1985.

GUSTAVO TORNER

ESPACIO / SPACE Dirección / Address Espacio Torner Carretera Hoz del Huécar, s/n Cuenca 16001 Contactar / Contact +34 969 238 373 espaciotorner@espaciotorner.es www.espaciotorner.com Fecha / Date 5 marzo - 3 abril / March 5th - April 3rd

CARACTERÍSTICAS TÉCNICAS / DETAILS Técnica / Technique Serigrafía / Screen-printing Piezas / Piezes 39

El Espacio Torner presenta en Arte en Papel Cuenca 2011 una selección de obra gráfica realizada por Gustavo Torner a través de tres carpetas de serigrafías que permiten rastrear las claves artísticas y vitales del artista: Equivalencias (1969), Sur-Geometries (1972) y Japonesadas (1974). En Equivalencias Torner expresa el misterio de la vida a través de preguntas que no tienen respuestas, como se ve en los títulos que encabezan las diferentes serigrafías: martirio, batalla, idilio, milagro, equilibrio… Como dice la cita de Kandinsky que aparece en el texto de introducción a la serie, es como si las formas del arte, a lo largo de la historia, estuvieran siempre tratando sobre los mismos temas, sobre los problemas que atañen al hombre. Sur-Geometries consta de diez serigrafías que representan nueve homenajes a figuras destacadas del arte arquitectónico a las que admira y con los que siente una afinidad por el espíritu que alienta sus obras. Por su parte, Japonesadas es el resultado de un largo viaje realizado por Extremo Oriente. Es un conjunto de 18 serigrafías cuyo título alude a la posibilidad de comprensión de otras culturas. En ellas expone lo que le atrajo del arte tradicional japonés (arquitectura, teatro, jardinería) y de la vida moderna y agitada de las grandes ciudades orientales. Fuencisla Zomeño

For Arte en Papel, the Espacio Torner has exhibited a selection of works on paper by Gustavo Torner in the form of three portfolios of silk screen prints that give us an opportunity to delve into the key elements of his art and his interests: Equivalencias (1969), Sur-Geometries (1972) and Japonesadas (1974). In Equivalencias Torner expresses the mystery of life in a series of unanswerable questions: martyrdom, battle, idyll, miracle, balance… In an introductory text, he quotes Kandinsky, saying that it is as if the forms of art down through history always deal with the same themes – the eternal anxieties of the human condition. Sur-Geometries (1972) is made up of a series of ten screen-prints that pay homage to nine outstanding figures from the world of architecture. These are architects that the artists admires and with who he feels an affinity of spirit, the spirit that breathes life into their work. Japonesadas (1974) is the result of a long journey across the Far East. A set of eighteen screen-prints whose title alludes to the possibilities offered by an engagement with other cultures. Here he shows us what has attracted him both to traditional Japanese art and the vigour of contemporary Oriental cities. Fuencisla Zomeño

Pág. 45: Serie Japonesadas (detalle). Gustavo Torner. Serigrafía. 62 x 84 cm. 1974. Esta pág.: “A Wendel Dietterlin“ perteneciente a la serie Sur-Geometries. Gustavo Torner. Serigrafía. 62,5 x 50,1 cm. 1972.

SAELIA APARICIO COCO ESCRIBANO RUTH GÓMEZ AZUCENA VIEITES

ESPACIO / SPACE Dirección / Address Aula Cultural Universidad Abierta de la UCLM Colmillo, 5 Cuenca 16001 Contactar / Contact www.uclm.es Fecha / Date 4 marzo - 3 abril / March 4th - April 3rd

CARACTERÍSTICAS TÉCNICAS / DETAILS Técnica / Technique Animación (vídeo), dibujo, escultura y serigrafía / Animation (video), draw, sculture and screen-printing Piezas / Piezes 28

These artists speak of representation in different ways: of how we represent and reproduce what we experience both within and outside ourselves, of how we approach reality, reverie and memory. But also of the consumer society, of systematic alienation, our relation to objects and the relationship objects have with us. Saelia Aparicio illustrates human feelings, revealing metaphors and conveying meanings. From multiple angles, intuiting the depth of things, she confesses: “I like looking at fragments of the world I see from wherever I am: from a park bench, like a cat perched on a window sill, a rat peeping up from the gutter, or a sniper crouched in a ditch…”.

La obra de estas artistas nos habla, de distintas maneras, de la representación, de cómo representamos y reproducimos, de lo que vivimos dentro y fuera de nosotros, de abarcar la realidad múltiple, de la ensoñación y la memoria. Pero también de la sociedad de consumo, la alienación sistémica, la relación que tenemos con los objetos y la que los objetos tienen con nosotros. Saelia Aparicio ilustra sentimientos humanos para mostrar metáforas y relatar significados. Desde múltiples ángulos es desde donde se intuye la profundidad de las cosas, por eso Aparicio nos confiesa: “Me gusta mirar el fragmento de mundo que veo desde aquí: a veces desde un banco, a veces como un gato desde la ventana, otras como una rata asomando desde una alcantarilla, como un francotirador apostado tras una cuneta...”.

Coco Escribano is preoccupied with “the accelerated and superficial world of which we form part, which forces us to pose questions and thoughts endlessly. At times these questions drive us into uncertainty, in the face of which we undergo a loss of identity”. In this way, her work makes a dialogue between both worlds, “the attempt to find a point of fusion, not of distancing from our ‘world’ and nature. Given that this is what really defines us, wherein lies our true identity, all the rest is pure artifice”. Ruth Gómez invites us to fantasize by doing so herself, in order to reveal the fictions we live with, create or which we keep private. “An attempt to remind the viewer and myself that although paradoxically an illusion is something real, a trick, fictitious, it is not therefore false. And what is commonly called fantasizing is often a necessity, a human survival mechanism; no matter what era we

A Coco Escribano le preocupa “el mundo acelerado y superficial del cual formamos parte, que nos incita a plantearnos un sin fin de cuestiones y pensamientos. En ocasiones, estas cuestiones nos ahogan con la incertidumbre, siendo incapaces de identificarnos ante él”. Así pues, su trabajo es el diálogo entre ambos mundos, “el intento de encontrar un punto de fusión, y no de alejamiento, entre nuestro ‘mundo’ y la naturaleza. Ya que es ésta la que nos define realmente, donde radica nuestra ‘verdadera’ identidad, lo demás es puro artificio”, según la propia artista. Ruth Gómez nos invita a fantasear, haciéndolo ella misma, para revelar las ficciones que vivimos, creamos o que dejamos en lo privado. “Un intento de recordar al espectador y a mí misma, que aunque paradójicamente una ilusión sea algo irreal, engañoso o ficticio no se corresponde con algo falso. Y que lo que vulgarmente conocemos como fantasear 51

es, en muchas ocasiones, una necesidad, un mecanismo de supervivencia del ser humano, ya que si perdiéramos nuestra capacidad para ilusionar y ser ilusionados, independientemente de la época que vivamos, estaríamos perdidos”1. Por su parte, Azucena Vieites, enlaza fragmentos de distintas realidades contemporáneas como testigos de productos de la cultura visual desarrollando el dibujo “desde su vertiente técnica e ideológica convirtiendo a éste en un medio de expresión ágil, directo, accesible, en una forma de reflexión y conocimiento del entorno que nos rodea. El dibujo posibilita la representación de una cultura contemporánea desde aproximaciones que

live in, if we lose our capacity for illusion and for hope, we will be lost.”1 Azucena Vieites, links fragments of different contemporary realities as witnesses of the products of visual culture, developing her drawings “from a technical and ideological angle making these an agile, direct and accessible means of expression in a form of reflection and understanding of the environment which surrounds us. Drawing makes possible the representation of a contemporary culture from approximations that question the formal narrative logic and from which arise a multiplicity of images which compose a visual fabric in the manner of remix”.

1 Extracto de “Toda historia es posible, ahora“ de El puente de la visión. Tania Pardo. 2010.

1 Taken from “Toda historia es posible, ahora.” in El puente de la visión. Tania Pardo. 2010. Our translation. 52

cuestionan la lógica formal narrativa y de la que surge una multiplicidad de imágenes que componen un tejido visual a modo de remezcla”, según la artista.

Pág. 49: Tinta caústica (lo mejor sobre las cartas de despecho es no escribirlas) (detalle). Saelia Aparicio. Tinta sobre papel. 21 x 29,8 cm. 2011. Pág. 50 y 51: Fotogramas extraídos de Las ilusiones fantásticas. Ruth Gómez. Animación. Color. 36’’ loop. 2009. Pág. 52 y 53: Serie Pajaretes. Coco Escribano. 4 de 5 Dibujos sobre papel vegetal. 29.7 x 21 cm. 2009. 53

Esta pág.: If i can’t dance. Azucena Vieites. 1 de 4 serigrafías. 70 x 50 cm. 2010. Pág. 55: Lady fest. Go lady. Azucena Vieites. Serigrafía sobre papel y cartulina dorada. 70 x 50 cm. 2010.

Esta pág.: (Arriba) Sonidos sublimes. Saelia Aparicio. Grafito sobre papel. 20 x 30 cm. 2010. (Abajo) Porque no hay nada como llegar a casa y deleitarse con los sonidos de la naturaleza torturada. Técnica mixta. Tamaño variable. 2011. Pág. 57: Caracueva. Saelia Aparicio. Técnica mixta. 110 x 80 cm. 2010.

ROSA M. JEREZ JOSÉ A. VALENCIANO

ESPACIO / SPACE Dirección / Address Museo de la Semana Santa Andrés de Cabrera, 13 Cuenca 16001 Contactar / Contact +34 969 221 956 www.juntacsemanasantacuenca.es Fecha / Date 5 marzo - 3 abril / March 5th - April 3rd

CARACTERÍSTICAS TÉCNICAS / DETAILS Técnica / Technique Dibujo y serigrafía / Draw and screen-printing Piezas / Piezes 29

La unión de estos dos artistas surge de una confesión común; la ansiedad que les produce pasar un día sin dibujar, sin rayar el papel con el grafito o la tinta, sin su investigación diaria de la técnica, que les lleva a dibujar esos pequeños detalles olvidados, dotando a sus obras de un realismo muy particular, alejándose del mero apunte académico. Así pues, superado el dominio de proporciones, luces y sombras... el factor más destacable es su capacidad de conseguir darles vida a los objetos y personas retratadas.

The idea of showing these two artists together arose from their shared confession - the anxiety provoked in them whenever a day passes without the chance to draw, to make lines on paper with pen or pencil, without pursuing their eternal interest in investigating drawing techniques, an interest that leads them to draw the tiny forgotten details that populate their work. This brings a very particular form of realism to their work, one that is quite different from the realism of traditional academic drawing. Reaching beyond the mere command of proportion, light, shade… these artists show an outstanding capacity for breathing life into the objects and persons portrayed.

“Necesito dibujar. Siempre lo he necesitado. De hecho, cuando paso demasiado tiempo sin arañar un papel con un lápiz o un bolígrafo experimento una especie de ansiedad. Ha sido así desde que tengo recuerdos y espero que lo siga siendo hasta que se me acaben. La vida y sus necesidades me han llevado por los más dispares derroteros, dentro y fuera de lo que nos atrevemos a llamar arte. También suelo cambiar de disciplina tanto como de camisa. Pero lo único que calma de verdad esa ansiedad siempre ha sido arañar el papel. A veces íntimo, a veces superficial, a veces social o incluso humorístico. No voy a buscar una definición entre lo metafísico y lo poético para mis dibujos, porque afortunada o desgraciadamente son simplemente eso: dibujos”. José A. Valenciano

I need to draw. It’s something I have always needed. In fact whenever too much time goes by without putting pen or pencil to paper I experience a kind of anxiety. It has been like this for as long as I can remember and I hope it continues to the last. Life and its necessities have led me in different directions, both inside and outside what we dare to call art. I also tend to change medium like I change my shirt. But the only thing that calms this disquiet is making marks on paper, at times intimate, at others superficial, social or comic. I am not going to seek a definition of my drawings in the metaphysical and the poetic, because, for better or for worse, they are simply this: drawings. José A. Valenciano

La línea, el trazo y la sombra, son el rico alfabeto interior de Rosa M. Jerez. Cada huella de su lápiz es una crónica de escorzos y evanescencias, donde el dibujo se hace palabra precisa y emocionada, que representa la investigación de una idea largamente pensada.

Line, tracing and shading are the rich inner alphabet of Rosa M. Jerez’s work. Each mark made by the pencil is a chronicle of foreshortening and evanescence, in which drawing becomes a text of precision and feeling, the working-out of a long-considered idea. 60

(Arriba) Micr贸fonos. (Abajo) Shift. Jos茅 A. Valenciano. Grafito. 12 x 12 cm. 2009. 61

La depurada técnica de Jerez, sobrepasa el umbral de perfección de sus imágenes en busca de la historia. Lo que parece realismo, sólo es una excusa para fijar, en la atmósfera de un instante, mensajes sutiles que nos interroguen o nos obliguen a completar sus láminas, en apariencia inacabadas; su diversidad de pareceres, o la elegancia de su perspectiva. Más allá de nuestras preguntas y nuestro asombro, está la mirada de Jerez, imaginando el mundo de sus sensaciones, que es el suyo y el nuestro. Los objetos. He aquí el desfile de moda de los objetos cotidianos. Desde el hombre desnudo se prolongan los objetos como brazos sin memoria: anónimos ejércitos que nos ganan las batallas del tiempo y del ocio, sin quejas ni soldada. ¡Vedles ahora en plenitud de brillos! Serán estrellas de museo cuando corran los siglos:

Jerez’s technique is one of refinement, going beyond the perfecting of images in search of a broader narrative. What appears to be realism is in fact an excuse for momentarily fixing subtle messages that address us and oblige us, in our minds’ eye, to make her pictures complete, which, despite the diversity of viewpoints and the flawless elegance of her perspective, appear to be unfinished. Beyond our questioning gaze and our amazement, lies the artist’s gaze piecing together images of the world of her feelings, which she shares with us. Objects. I have here a fashion parade of everyday objects. From human nakedness objects stretch out like limbs without memory: like anonymous armies, unpaid and uncomplaining, they defeat us in the battle for time and for repose. See how they shine! With the passing of the centuries they will become prize museum exhibits; they will inhabit glass

Esta pág.: Cámara de fotos. Rosa María Jerez. Grafito sobre papel. 36 x 59 cm. 2010. Pág. 63: Proyector de diapositivas. Rosa María Jerez. Grafito sobre papel. 45 x 60 cm. 2010. 62

habitarán vitrinas de salas perfumadas con oxígeno puro, y tendrán por piel sulfuro de herrumbre y pátina de tiempo. Con ellos, los sabios, leerán nuestro pasado entre bobinas agotadas y tóxicos metales inservibles, tanto como lo remoto de nuestro tiempo presente. Hoy, sin embargo, Rosa M. Jerez, les hace un homenaje desde los ángulos de su mirada, para hacernos pensar. Su trazo de carbón nos cede coquetos perfiles que concentran toda la inventiva de nuestra historia; y nos recuerda que no son piedras, que fueron creados por nosotros. No los quiere sumisos Jerez, nos los presenta adornados, y nos invita a cogerlos y usarlos, con cotidianidad, con confianza. Los dibujos nos hacen ver que, si no es amor, debe parecerse mucho a eso lo que sentimos al ver estas láminas. Luis Belda Benavent

cases in galleries perfumed with pure oxygen; they will acquire the patina of time and have rust for skin. Amongst spent tape reels, and scraps of toxic metal, scholars will divine our present, for them a distant past. Rosa M. Jerez pays homage to these objects, viewing them with her particular angled gaze, and by doing so she makes us think. Strokes of the pencil shape their appealing profiles. A distillation of the ingenuity of human history, they remind us that they are not made of stone but were made by us. Jerez does not want to portray them as submissive, but enhances them with an everyday familiarity, inviting us to grasp and use them. The drawings make us see that what we feel when we see these drawings is, if not love, then something close to it. Luis Belda Benavent

HÉCTOR ORRUÑO MARTÍN SATÍ

ESPACIO / SPACE Dirección / Address Fundación Caja Castilla-La Mancha Cardenal Gil de Albornoz, 1 Cuenca 16002 Contactar / Contact +34 925 225 796 correo@fundacioncajacastillalamancha.es www.fundacioncajacastillalamancha.es Fecha / Date 4 marzo - 3 abril / March 4th - April 3rd

CARACTERÍSTICAS TÉCNICAS / DETAILS Técnica / Technique Impresión digital y serigrafía / Digital print and screen-printing Piezas / Piezes 9

Esta exposición nos muestra dos de las vertientes de la gráfica más actuales de la mano de Héctor Orruño y Martín Satí. Héctor Orruño exhibe un trabajo inédito, Landscape of Nothing; una serie de serigrafías en torno a este nuevo paisaje plagado de presencia humana, de preguntas sin resolver y de inquietudes silenciosas; con un discurso lleno de contrastes. Martín Satí nos trae parte de sus experimentaciones, a medio camino entre el lenguaje publicitario, el diseño digital y la gráfica contemporánea en un juego constante de forma y color. En sus imágenes aparecen representaciones de animales, personas y elementos naturales, muchas veces conformando fractales, creando patrones de orden dentro de un caos visual, hipnótico, estructurado a la vez que orgánico.

This exhibition shows the work of two of the most cutting-edge artists in contemporary graphics, Héctor Orruño and Martín Satí. Héctor Orruño shows previously unpublished work, Landscape of Nothing; a series of screen-prints of a new landscape plagued by human presence, unanswered questions, silent anxieties – a discourse full of contrasts. Martín Satí shows us a part of his experimental work, situated somewhere between, advertising, digital design and contemporary graphics with a constant play of form and colour. His images contain representations of animals, people and elements taken from nature, often forming fractals, generating ordered patterns within a hypnotic visual chaos that also structures the organic.

Pág. 65: Stampede. Martín Satí. Impresion digital. 130 x 130 cm. 2010. Pág. 66: Pelos en la lengua. Martín Satí. 8 impresiones digitales. Tamaños variables. 2010 . Pág. 65: (Arriba) My life sucks. Martín Satí. Impresion digital. 130 x 130 cm. 2010. (Abajo) Powerful & light. Impresion digital. 110 x 110 cm. 2010. 67

The landscape that we inhabit has become saturated with signs and constructions, generating a new approximation or even removal from what has traditionally been understood as landscape. The extreme contemporary need for ease of mobility and instant access to any corner of the planet has destroyed space-time frontiers, annulling the power of nature as the last frontier Landscape of Nothing is a reflection of this dissolution of landscape, both physically and mentally. Cartography traced onto the nature/culture, chaos/geometry fiction/ reality dichotomies. Landscapes and maps which pose the question of who we are and what future awaits us. Héctor Orruño

El paisaje en el cual vivimos se ha saturado de signos y construcciones, generando una nueva aproximación o incluso extrañamiento de lo que tradicionalmente hemos entendido como paisaje. La extrema necesidad contemporánea de una movilidad fácil y la accesibilidad instantánea a casi cualquier rincón del planeta ha destruido las fronteras espacio-temporales, anulando el poder de la naturaleza como última frontera. Landscape of Nothing es una reflexión sobre la disolución del paisaje a un nivel físico y mental. Una cartografía trazada sobre conflictos como naturaleza/cultura, caos /geometría, ficción o realidad. Paisajes y mapas que generan la pregunta de qué somos y qué futuro nos espera. Héctor Orruño

Esta pág.: Instalación de la serie Landscape of nothing en Arte en Papel Cuenca 2011. Héctor Orruño. Pág. 69: Serie Landscape of nothing. Héctor Orruño. 2 de 5 serigrafías. 62 x 50 cm. 2011

CARLOS CODES CELIA GUILLÉN ÓSCAR LAGUNAS JOSÉ M. LILLO MIGUEL A. MOSET VICTORIA SANTESMASES EDICIONES LA ZÚA (Mit Borrás, Javier Chozas, Keiko Mataki y Perico Simón)

ESPACIO / SPACE Dirección / Address Centro Cultural Aguirre Aguirre, 2 Cuenca 16002 Contactar / Contact +34 969 240 481 areadeeducacion@cuenca.es educacionycultura.cuenca.es Fecha / Date 5 marzo - 3 abril / March 5th - April 3rd

CARACTERÍSTICAS TÉCNICAS / DETAILS Técnica / Technique Aguafuerte, aguatinta, dibujo, impresión digital, serigrafía, caja-vídeo y caja-DVD / Etching, aquatint ,draw, digital print, digitalprinting, video-box and DVD-box Piezas / Piezes 44

If Arte en Papel has made one thing clear it is that graphic art is alive and well in this part of the world. In this way, an exhibition that brings this particular combination of artists together will seem less unlikely. All have one thing in common and that is the city of Cuenca. Some were born here; others have made their way here from different parts of the world, to contribute to an event that offers an overview of the graphic arts in Cuenca.

Cuando el espectador descubra la historia de la cultura grafica de la ciudad, le resultará menos extraña esta unificación de artistas, ya que, como se imaginará, todos ellos tienen algo en común; Cuenca. Algunos nacidos, otros llegados de todas partes del mundo, ellos componen esta exposición panóptica de la gráfica conquense. CUENCA EN TORNO A LA OBRA GRÁFICA A mediados de la década de los años 60 se produce en Cuenca un acontecimiento que va a marcar un cambio en el desarrollo y en la evolución de la cultura de esta ciudad: la inauguración del Museo de Arte Abstracto por Fernando Zóbel. Dos años antes de su apertura ya se trabajaba en ediciones de serigrafía y grabado para la institución que iba a abrirse. Talleres como el de Antonio Lorenzo y Abel Martín fueron pioneros en aquellos momentos. Después vendrían los del propio Museo y, a partir de entonces, una continua y dilatada serie de ediciones sirvieron para acercar estas técnicas tanto a pintores que vivían en la ciudad, como a otros que se sintieron atraídos por lo que en ella estaba ocurriendo. Así pues, en esas primeras ediciones trabajaron, por una parte, artistas que estaban representados en la colección y, por otra, creadores más jóvenes que se iniciaban en el conocimiento de ese medio a través de los talleres, que como ya hemos expuesto, se abrieron en el Museo. Este primer embrión caló profundamente en toda la generación posterior, la cual mostró un interés creciente por todo lo novedoso y, también, experimental que aportaban estas técnicas tan diferentes, incorporando y mezclando, al mismo tiempo, formas de impresión gráfica tan sugerentes y dispares,

GRAPHIC ART IN CUENCA In the mid-sixties an event took place that was to mark a change in the development and evolution of the cultural life of Cuenca – the opening of the Museum of Abstract Art by Fernando Zóbel. Mindful of the museum’s imminent opening, local artists had already started to produce silkscreen prints and etchings. Print workshops such as that of Antonio Lorenzo or Abel Martín were the pioneers at that time. Later on, the museum itself set up its own printmaking facilities and ever since successive editions of artists’ prints have served to make these techniques attractive to painters working in the town and others from further afield. The first editions were produced not only by artists represented in the museum’s collection but also younger artists starting to work in the printmaking workshops that the museum had opened. From this beginning, a growing interest permeated a later generation keen for new experiences and the experimental possibilities that these techniques offered, incorporating and combining the new and evocative techniques – photography and pad printing – that were being introduced into art practices at that time. 72

Pág. 71: Rostro borrado. Victoria Santesmases. Aguafuerte. Monotipo. 76 x 56 cm. 2006. Esta pág.: Biblioteca de Babel I. José Mª Lillo. Impresión sobre lienzo. 120 x 150 cm. 2011.

Esta pรกg.: (Arriba) Interrupciรณn. Celia Guillen. Dibujo sobre papel. 2010/11. (Abajo) El hielo. Celia Guillen. Dibujo-collage sobre papel. 2010/11. Pรกg. 75: En grupo. Celia Guillen. Dibujo-collage sobre papel. 2010/11. 74

como podría parecer en aquella época, de la tampografía y la fotografía. A lo largo de los años 70 se produjo la apertura de nuevos talleres que, además de participar en la creación de nuevas ediciones promovidas desde el museo, empezaron a realizar trabajos para el exterior. En aquellos momentos es tal el interés que mostraron las nuevas generaciones que se abre en 1978 el taller de grabado del Museo Provincial de Cuenca y con él se produce otro despertar en el desarrollo del ámbito gráfico en la ciudad. Por otro lado, es justo aludir a la importancia que supuso la intervención y participación de Julián Pacheco, pintor y grabador que había residido y trabajado en Urbino (Italia) pues a través de él se iniciaron una serie de contactos e intercambios que sirvieron para formar a nuevos estampadores. Estas iniciativas abrieron nuevas posibilidades que permitieron trabajar de forma

During the seventies, new studios opened that, as well as taking part in new editions promoted by the museum, began to carry out commissions from further afield. At that time, younger artists showed so much interest in printmaking that the Museo Provincial de Cuenca (Province of Cuenca Museum) set up its own printmaking studios, giving a further impulse to the local development of graphic art. It was during this era that Julián Pacheco, painter and printmaker, made an important contribution to the Cuenca’s art activities; Pacheco had formerly lived and worked in Urbino (Italy) and it was through him that a series of contacts and exchanges were begun which helped in the development of new printmakers. Such initiatives opened up new possibilities allowing artists to work independently on new emergent projects. The community of 75

más autónoma en los nuevos proyectos que surgieron. Aquel colectivo acaba montando talleres en lo que sería una nueva e interesante experiencia, los talleres del antiguo Asilo: se abren nuevos espacios donde estampar grabados y serigrafías, se realizan trabajos con técnicas mixtas, se introduce la fotografía y se llevan a cabo proyectos multidisciplinares entre los muchos artistas que en aquel momento residían en Cuenca. Realmente lo que a mi juicio se produjo fue un interés continuado no sólo por parte de los creadores, sino que la propia ciudad fue un agente más que acrecentó el estímulo, promoción y desarrollo de todas aquellas parcelas que rodean a la producción gráfica. En la actualidad se observa que siguen existiendo talleres privados, galerías que promocionan la obra gráfica y, también, cómo desde la Universidad, además de la creación en su momento del Museo de Electrografía, se

printmakers set up their own workshops and studios in a former asylum, a new and interesting development that provided new spaces for etching and screen-printing, where works combining different techniques were produced, introducing photography, as well as multidisciplinary projects. In my opinion, what was really produced was an ongoing interest and enthusiasm not only amongst artists; the town itself became an agent, adding to the growth, promotion and diffusion of all aspects of printmaking and graphic art. Today we see that private workshops are still alive and well, as well as galleries that promote and market artists’ prints and also the University, which together with the Museum of Electronic Art, has fomented new practices which we see in the work emerging from its studios and print shops.

Pág. 76: Serie Fiesta. Keiko Mataki. 2 de 5 aguafuertes, aguatintas. 75 x 75 cm. 1996. Esta pág.:(Arriba) Serie Rostro invisible. Victoria Santesmases. 2 de 4 gofrados. Monotipos. 76 x 56 cm. 2006. (Abajo) Fragmentadas. Victoria Santesmases. Técnica mixta. Libro acordeón. 2010. 77

han ido marcando nuevas líneas de actuación a través de iniciativas surgidas de sus propios talleres. Con el análisis retrospectivo que nos permite el tiempo, creo que podríamos afirmar que la obra gráfica de aquella época en nuestro país, sobre todo en los inicios, se limitaba a trabajos tradicionales y muy concretos. Sin embargo, es curioso observar cómo en una ciudad tan pequeña como era Cuenca, que llegó a tener tres talleres de serigrafía y dos de grabado, se apostó por espacios de trabajo que además de la estampación se dedicaron al estudio del proceso gráfico. No cabe duda que, hoy en día, el eco de ese interés sigue latente. Miguel Ángel Moset

Looking back over time, it might be said that the graphic art of the era I have described in Spain, especially in the early days, limited itself to work that was traditional with a very particular set of subjects and concerns. Nevertheless, it is interesting that a town as small as Cuenca, that had three silk screen and two etching workshops, has hosted a community dedicated not only to printmaking but also to the study of printmaking practices. There is no doubt that today the echoes of earlier interests still resonate. Miguel Ángel Moset

Pág. 78: Serie Color de color. Carlos Codes. 1 de 3 serigrafías. 25 x 50 cm. 1997. Esta pág.: (Arriba) Serie Bellezas ocultas. Miguel A. Moset. 2 de 8 serigrafías. 32 x 32 cm. 2010/11. (Abajo) Sin título. Óscar Lagunas. Aguafuerte, técnica al azúcar. 100 x 70 cm. 2006.

Esta pág.: Gist Holders. Mit Borras. Libro de Artista. Caja con libro + vídeo. 75 x 75 cm. 2009. Pág. 81: (Arriba) Sin título. Perico Simón. Punta seca, entintado a rodillo. 38 x 54 cm. 2004 (Abajo) Die rede. Javier Chozas. Caja con grabado láser sobre papel + DVD. 19,5 x 36 X 4 cm. 2010. 80

COLECCIÓN PARKETT

ESPACIO / SPACE Dirección / Address Facultad de Bellas Artes Cuenca Edificio Antonio Saura. Santa Teresa Jornet, s/n Cuenca 16071 Contactar / Contact +34 969 179 100 bellasartes@uclm.es bellasartes.uclm.es Fecha / Date 8 marzo - 1 abril / March 8th - April 1st

CARACTERÍSTICAS TÉCNICAS / DETAILS Técnica / Technique Aguafuerte, aguatinta, dibujo, litografía, impresión digital, serigrafía, xilografía y revistas / Etching, aquatint ,draw, lithography, digital print, screen-printing, xylography and magazinez Piezas / Piezes 23

La Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Castilla-La Mancha presenta en Arte en Papel Cuenca 2011 una selección exclusiva de arte gráfico de los fondos de la Colección Parkett.

For the Arte en Papel festival, the University of Castilla La Mancha Faculty of Fine Arts has mounted a specially selected exhibition of works on paper from the Parkett Collection.

Parkett se describe a sí misma como “un pequeño museo y una gran biblioteca de arte contemporáneo”. La revista Parkett fue fundada en Zúrich en 1984 por un grupo de amigos, con la intención de fomentar un mayor intercambio de ideas entre artistas y escritores de Europa y de EE.UU. Para ello, establecieron oficinas de redacción en Zúrich y Nueva York. Los artículos se publican en alemán e inglés. Desde su origen no se ha limitado a escribir acerca de artistas, sino que también ha colaborado estrechamente con ellos. La obra de importantes artistas internacionales se analiza en varios ensayos de escritores y críticos. Los artistas son invitados a participar en la edición eligiendo a los escritores y aportando ideas para el diseño de las cubiertas y los lomos de cada una de las publicaciones. Cada artista crea, además, una edición especial limitada, firmada y numerada como obra

Parkett describes itself as “a small museum and a large library on contemporary art.” The Parkett magazine was founded in Zurich in 1984 by a group of friends, with the idea of generating an open exchange between artists and writers on art in Europe and the United States. With this in mind, Parkett opened offices in Zurich and New York and articles have always been published in both German and English. From the start the magazine did not restrict its activity to writing about artists but entered into close collaboration with them. Not only is the work of leading international artists analysed in essays by writers and critics, but artists are also invited to participate in editorial work by choosing writers as well as collaborating in cover and spine designs for each individual edition. Each artist also creates a work of art, specially produced for Parkett in limited edition, signed and numbered, offered for 84

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exclusiva para Parkett, que se ofrece para su adquisición a los suscriptores. Las obras abarcan diferentes medios, incluyendo pinturas, proyectos de arte insertados en la revista, fotografías, dibujos, grabados, esculturas, vídeos, DVDs y piezas de sonido. Parkett se publica tres veces al año con una tirada de 12.000 ejemplares. La publicación es leída por unos 30.000 lectores en 40 países. Las ediciones de artistas para Parkett han sido expuestas desde 1987 en museos y centros de arte de todo el mundo, entre los que se encuentran el Centre Georges Pompidou (París), Lousiana Museum (Dinamarca), Ludwig Museum (Colonia), Centre d’Art Contemporain (Ginebra), MOMA (Nueva York), Whitechapel Art Gallery (Londres), Irish Museum of Modern Art (Dublín), Kunsthaus (Zúrich) y 21st Century Museum of Contemporary Art (Kanazawa, Japón). En 2009, la UCLM recibió -por parte de Helga de Alvear-, la donación de las revistas y ediciones de Parkett aparecidas desde 1984. La Facultad de Bellas Artes de Cuenca fue designada como la sede permanente de dicha colección con el propósito de conservarla y difundirla. Óscar Martínez

purchase to the magazine’s subscribers. These works have covered a wide range of media including magazine inserts, painting, photography, drawing, sculpture, video, DVDs and sound. Parkett is published three times a year in an edition of twelve thousand and is read by some thirty thousand readers in forty countries. Since 1987, the special artists’ editions for Parkett have been exhibited in museums and art centres all over the world including Centre Georges Pompidou (Paris), Lousiana Museum (Denmark), Ludwig Museum (Cologne), Centre d’Art Contemporain (Geneva), the M.O.M.A (New York), Whitechapel Art Gallery (London), the Irish Museum of Modern Art (Dublin), Kunsthaus (Zurich) and the 21st Century Museum of Contemporary Art (Kanazawa, Japan). In 2009, the University of Castilla- La Mancha received the donation – from Helga de Alvear – of all numbers of the journal and its artists’ editions published since 1984. In order to ensure its conservation and future dissemination, the Parkett collection has been given a permanent home at the Fine Arts Faculty, Cuenca. Óscar Martínez

Pag. 83: Cima del mar (detalle). Franze Gertsch. Xilografía. 25,4 x 41,6 cm. 1990/91 Pág. 85: Imágenes de las exposición Grafica Parkett para Arte en Papel 2011. Pág. 87: Lomos y contracubierta de algunas ediciones de la revista Parkett, incluidas en al exposición. 86

Montserrat de PabloÂŠ

GWILHERM COURBET NATALIA FARIÑAS LAURA FLORES AGUSTÍN GARCÍA IGNACIO LOBERA ÓSCAR MARTÍNEZ

MARIANA MORANDUZZO GILBERTO MOYA SILVIA PASCUAL DANIEL PERES RUTH SANJUÁN JAVIER VÁZQUEZ

ESPACIO / SPACE Dirección / Address Teatro Auditorio de Cuenca Paseo del Huécar, s/n Cuenca 16001 Contactar / Contact +34 969 232 797 info@auditoriodecuenca.es www.auditoriodecuenca.es Fecha / Date 25 marzo - 3 abril / March 25th - April 3rd

CARACTERÍSTICAS TÉCNICAS / DETAILS Técnica / Technique Aguafuerte, dibujo, litografía, impresión digital, serigrafía, stencil y xilografía / Etching, draw, lithography, digital print, stencil, screen-printing and xylography Piezas / Piezes 12

El Premio Contornos surge como una necesidad de buscar propuestas gráficas interesantes en el panorama internacional que conformen un patrimonio cultural en la ciudad de Cuenca. Para ello se convocó a artistas gráficos a presentar una obra. Se recibieron, en pocas semanas, más de 70 iniciativas de todas las partes del mundo, de las que se pudieron seleccionar 12 obras, que formarían parte de una exposición en el Teatro Auditorio de Cuenca. La xilografía Daddy’s little girl de Javier Vázquez se coronó como ganadora del premio, obteniendo 5.000€ y una exposición individual para el artista en la próxima edición del festival.

The Contornos Prize has been created to discover and new international initiatives in graphic art, as well to contribute to the cultural heritage of the city of Cuenca. Contornos is an open-entry competition aimed at graphic artists, who were invited to submit a single work. Over seventy works were sent in from all over the world from which we have made a selection of twelve pieces which make up the exhibition in the Teatro Auditiorio de Cuenca. Daddy’s little girl’s xylography by Javier Vázquez was the prize-winning piece, awarded a prize of five thousand euros, as well as the chance to mount a solo exhibition in the next edition of festival.

Pág. 89: Daddy’s little girl. Javier Vázquez. Xilografía sobre papel Japonés Argelia. 78 x 58 cm. 2011. Pág. 90: Células del oído. Laura Flores. Huecograbado en PVC espumado y linografía en relieve. 100 x 70 cm. 2010. Esta pág.: Mind Condition. Mariana Moranduzzo. Aguafuerte sobre papel en tres dimensiones. 100 x 70 cm. 2011.

Esta pág.: (Arriba) Hits pictóricos. Natalia Fariñas. 3 LP’s. Edding 751 sobre vinilos. 29 x 29 cm. 2011. (Abajo) Burn. Gwilherm Courbet. 1 de 7 pág. de portfolio. Xilografia y stencil sobre papel. 98 x 74 cm. 2010. Pág. 93: Penélope. Ignacio Lobera. Caja de luz. Stencil sobre papel. 52 x 52 cm. 2011.

Las obras fueron muy distintas entre sí, todas ellas con la frescura contemporánea buscada, producidas por muy diversas técnicas; desde el grabado o la litografía, hasta métodos electrográficos o digitales. El resultado fue una muestra de las inquietudes de los creadores actuales, jóvenes la mayoría de ellos, con la que poder cartografiar los caminos que se están abordando actualmente y así tener una visión amplia de las prácticas vigentes.

The works submitted were very varied, all showing a freshness that was contemporary in spirit, and representing different techniques, ranging from etching and lithography to new digital media. The resulting exhibition shows the concerns of today’s artists – most of them young – with which we can map the paths that they are treading as an overview of current practices.

Esta pág.: (Arriba) Sin título (Landscaping-zona #4). Daniel Peres. Técnica mista de grabados/papel. Monotipo. 18 x 70 cm. 2010. (Abajo) 85 % CACAO. Agustín García. Litografía. 50,5 x 50,5 cm. 2010. Pág. 95: La giganta. Óscar Martínez. Impresión digital. 100 x 70 cm. 2011.

Esta pág.: Sin título. Ruth Sanjuán. Impresión digital. 70 x 50 cm. 2011. Pág. 97: (Arriba) Paper Cube. Gilberto Moya. Tipografía generada con papel. 2011. (Abajo) Más allá. Silvia Pascual. Manera negra. 70 x 70 cm. 2011.

ProBETA, Laboratorio urbano, surge como un proyecto personal de los comisarios del festival para darle la oportunidad a colectivos de la ciudad de Cuenca a mostrar su valía como creativos, como artistas, como profesionales. El colectivo que afrontó la propuesta es DO2 magazine, de la UCLM. Desde el primer momento se tuvo clara la importancia de crear unos retos que estimularan las capacidades de estos creadores, y darles la oportunidad de moverse por la ciudad a sus anchas, pero bajo unas pautas: Subterráneos fue un buen inicio. Tomaron los refugios antiaéreos de la Guerra Civil para crear una exposición en proceso; comenzaron con el espacio vacío y fueron produciendo una memoria fotográfica de los visitantes, paralelizando con la memoria del propio espacio y creando un vínculo entre el pasado y el presente continuo.

ProBETA Urban Laboratorio developed as the festival curators’ personal project giving an opportunity to any groups or artists’ collectives in Cuenca to show their worth as creators, artists and professionals. The group who rose to the challenge was the University’s student-lead DO2 magazine. From the outset we felt that the creation of an event that would stimulate the capacities of these artists should be an important part of the festival. And that this would be an event that would allow them to make use of the city itself but with a clear set of aims: Subterranean got the event off to a good start. Taking over bomb shelters left over from the Spanish Civil War to host an exhibition in progress, the project started with the empty space, which was then filled with a photo record of the visitors to the event, gradually papering the space and creating a link between past and present. 100

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Muros, Arte en tránsito ofrecía, a pie de calle, una serie de exposiciones, tan efímeras como el espectador quisiera, en las marquesinas de los autobuses urbanos. Convocaron a través de las redes sociales a aquellos artistas gráficos que quisieran participar en el experimento, arriesgándose a la crítica directa de un paseante curioso. Luz, en el transcurso de la noche , una serie de proyecciones en las paredes rocosas de la hoz del Huecar visibilizaron las inquietudes sobre la saturación de información audiovisual de estos artistas. Sombra fue un pequeño homenaje a todas esas personas y colectivos que todos los días se esfuerzan por seguir adelante. Todos aquellos que trabajan y luchan por conseguir que la vida sea un poco mejor. Para ello, el equipo de DO2 utilizó proyecciones dinámicas de sombras, desde un coche que paseaba las calles en busca de espectadores, e improvisaciones musicales a partir de piezas del compositor Francis Poulenc.

Walls, Art in Movement offered a series of street exhibitions in bus shelters as ephemeral as their spectators. Through local social networks the event was made open to any artist who felt like taking part in the experiment, placing his/her work in a context in which it would be exposed to the comments and criticisms of passers-by. Light, a nighttime event, a series of projections on the rocky walls of the Huecar river gorge visibilized the artists’ preoccupation with the over-saturation of audiovisual information. Shade paid homage to all the people and groups who make an effort every day to move forward, all those who work and struggle to make life a bit better. The DO2 team used moving images of shadows, projected from a car that passed through the streets in search of an audience, accompanied by improvised music based on compositions by Francis Poulenc.

Pág. 101: (Arriba) Exposición Arte en tránsito en las marquesinas de autobuses de la ciudad. (Abajo) Exposición en proceso en los refugios antiaéreos de la Guerra Civil de la C/ Alfonso VIII. Pág. 103: (Arriba) Proyección de sombras, desde un coche en movimiento, por las calles de la ciudad. (Abajo) Proyecciones en la hoz del Huecar. 102

Revista DO2©

Talleres / Workshop DIBUJO Y CULTURA DIY Azucena Vieites La propia experiencia de la utilización del dibujo como técnica, como especificidad generadora, marcará el inicio de la propuesta, haciendo hincapié en el proceso de trabajo y expandiéndolo hacia nuevos contextos. La cultura DIY (Do It Yourself, hazlo tú mismo/a) se establecerá también como una referencia fundamental siguiendo una genealogía propia de este medio de expresión.

DRAWING AND DIY CULTURE Azucena Vieites Drawing as a generative technique underpinned the proposal for this workshop, placing particular emphasis on the working process and extending this into new contexts. The concept of DIY culture was established as fundamental to the genealogy of this means of expression. SCREEN PRINTING, THE PRINTED IMAGE Miguel Ángel Ortega The workshop gave an introduction to screen printing techniques, dealing with materials and the various stages of elaboration and printing in this analogue image production technique.

SERIGRAFÍA, LA IMAGEN IMPRESA Miguel Ángel Ortega El taller pretende dar una aproximación a la técnica de la serigrafía. Introduciéndonos en el conocimiento de los materiales y los procesos de elaboración y producción de esta técnica de impresión analógica.

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Conferencias / Lectures COLECCIONISTA-EDITOR-ARTIST Antonio Pérez Si tuviésemos que definir el trabajo de Antonio Pérez con una palabra usaríamos tres: coleccionista, editor y artista. Ruedo Ibérico, Antojos, sus objetos encontrados... Toda su vida contada por él mismo.

COLLECTOR/PUBLISHER/ARTIST Antonio Pérez: If we had to define Antonio Pérez’s work in a single word, we would have to use three: collector, artist and publisher. Ruedo Ibérico, Antojos, found objects… A life-story told by the man himself.

PRUEBAS DE ESTADO. PRÁCTICAS GRÁFICAS CONTEMPORÁNEAS Enrique Leal Leal revisó la producción de distintos artistas contemporáneos cuya labor viene indagando y potenciando los recursos creativos de la imagen gráfica.

ARTISTS’ PROOFS AND CONTEMPORARY GRAPHIC PRACTICES Enrique Leal Leal reviewed the work of a range of contemporary artists who have investigated and broadened the creative resources of the graphic image.

LETRAS DE PELÍCULA. UN RECORRIDO TIPOGRÁFICO POR EL DISEÑO DE CRÉDITOS Julio Sanz Presentación en torno al comportamiento expresivo de la tipografía a lo largo de la historia del cine. Mediante la revisión de las apariciones de la letra en forma de luz, principalmente en las secuencias de créditos cinematográficos, se exploró la evolución de las corrientes artísticas contemporáneas y la influencia de éstas en el diseño gráfico. Particularmente en el diseño tipográfico y su integración en las piezas de títulos cinematográficos, contribuyendo a los estereotipos de los géneros en el cine.

FILM TITLE SEQUENCES. AN OVERVIEW OF THE TYPOGRAPHY USED IN THE DESIGN OF FILM CREDITS. Julio Sanz A talk about typography’s expressive behaviour throughout cinema history. Through a review of the appearance of text in the form of projected light in film title sequences, the lecture explored the evolution of contemporary art currents and their influence on graphic design, with particular regard to typography design and its integration into film titles, which contributed to cinema genre stereotypes. THE EVOLUTION OF THE POSTAGE STAMP IN SPAIN Guillermo Navarro The evolution of the postage stamp in metropolitan Spain from its creation in 1850 to 2010, including printing techniques, graphic representation, the use of typography and the introduction of graphic design software in the production process.

GRÁFICA DENTADA: LA EVOLUCIÓN DEL SELLO POSTAL EN ESPAÑA Guillermo Navarro Revisión de la evolución del sello postal en la España metropolitana desde su creación en 1850 hasta 2010, tanto en las técnicas de estampación, como en la representación grá107

GRAPHICS ON THE MOVE Ruth Gómez This well-known artist delighted the audience with her own experience of audiovisual practices, related to mathematics and geometry. Numbers, vectors and points in space, coordinates and parameters on a time-line that mixes 2D (drawing) and 3D (sculpture) in the manner of collage over a background sound-track.

fica, el uso tipográfico y la influencia de la introducción de las aplicaciones gráficas en el proceso de su producción. MOVIDA GRÁFICA Ruth Gómez Esta reconocida artista nos deleitó con su experiencia del audiovisual, relacionada con las matemáticas y la geometría. Números, vectores y puntos en el espacio, coordenadas y parámetros en una línea de tiempo que mezcla 2D (dibujo) y 3D (escultura), a modo de collage, sobre una base de audio.

PAPER GENERATION Luis Venegas Editor of Fanzine 137, EY! Magateen and Candy, art director, occasional photographer… recounted his experiences in the world of publishing.

GENERACIÓN DE PAPEL Luis Venegas El editor de Fanzine 137, EY! Magateen y Candy, director de arte, fotógrafo ocasional... relató su experiencia en el mundo editorial.

THE CANNED MUSEUM OR ART AS FOOD La Lata Carmen Palacios and Manuela Martínez gave an insiders view of the fantastic and tasty pleasures of object-magazine La Lata.

EL MUSEO ENVASADO O EL ARTE COMO ALIMENTO La Lata Carmen Palacios y Manuela Martínez nos adentraron en el fantástico placer degustativo de la revista objeto La Lata.

MARTÍN BEGUÉ. POLYHEDRAL ARTIST Juan Paz and Vicente Jarque The purpose of this lecture was to pay homage to artist, teacher, colleague and friend Sígfrido Martín Begué, and to emphasise the multi-faceted nature of his career, including not only his painting (the basis of his work) but also object design, installation (including a large falla [papiermâché burlesque sculptures, centrepieces of the Fallas fiesta in Valencia]) and exhibitions, as well as his contributions to a diverse range of projects.

MARTÍN BEGUÉ. ARTÍSTA POLIÉDRICO Juan Paz y Vicente Jarque El propósito de esta conferencia fue rendir homenaje al artista, profesor, compañero y amigo Sigfrído Martín Begué, y poner de manifiesto la multiplicidad de facetas que presenta su trayectoria, que no incluye sólo su pintura (pese a todo, fundamental en su trabajo), sino también el diseño de objetos, instalaciones (incluyendo una gran falla) y exposiciones, así como contribuciones a los más diversos proyectos.

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Carta a Sigfrído / Letter to Sígfrido Conocer a Sigfrído Martín Begué es una experiencia. Incluso podemos decir que las personas que le conocimos tenemos un nexo en común; saber que hemos tenido cerca a una de las personalidades más importantes de este país. No somos expertos en su obra, ni fuimos amigos íntimos de años y vivencias. Sencillamente podemos afirmar que él, con su presencia (que no fue poca, ni anodina), hizo una marca en nuestras vidas, quizá una pincelada, un boceto, pero ahí está. De una manera u otra fuimos comprendiendo esa fuerza arrolladora de su mente en movimiento, comprendiendo la fluidez de su vocabulario y la amplitud de su cultura. Era imposible estar con él sin aprender una, dos, tres mil cosas en sólo un rato. Y sin parar de reír. Porque, de hecho, su humor era una de sus señas de identidad, otra puede que sean los calcetines a juego con el pañuelo de la solapa. Fumar con él en los descansos de las clases era un ejercicio intelectual más que una conversación de cigarro. Su vida la podía contar hilándola con infinitas referencias al cine, la literatura, la ópera o la pintura, dejando entrever en sus palabras lo cómico y lo dramático, pero siempre con la mejor de las ironías. Conocerle, a través de cada charla, de cada encuentro, ir profundizando en su vida, como por fascículos, siempre dejaba con ganas de más, de querer preguntar sobre algo más. Pero nos dejaste a medias, de pronto, como el retrato que acompaña estas palabras. Crístoffer López Sevilla

To meet Sígfrido Martín Begué was always an experience. We might even say that all those who knew him share something in common – the knowledge that we have known one of the nation’s most exceptional personalities. We were never experts on his work, nor were we his close friends, sharing a lifetime of experiences. Simply we can affirm that his presence (which was never bland) has marked our lives, maybe with a lightest of brush strokes, the quickest of sketches, but nevertheless it has changed us. We could nor fail to recognize the force of his tireless mind, the fluency of his vocabulary and the breadth of his culture. It was impossible to be in his presence without learning one, two, three thousand things in no time at all. And laughing all the while because his sense of humour was a key part of his identity, like his socks matching his breast pocket handkerchief. Smoking with him in the breaks between classes was more of an intellectual exercise than a quick fagbreak. He recounted his life through endless references to the cinema, literature, opera or painting, giving glimpses that were often comic or dramatic, but always full of irony. Getting to know him, entering a little further into his life, episode by episode with each conversation, always led to a fresh set of unanswered questions, always left one wanting more. But then he left – suddenly – like the portrait that accompanies these few words. Crístoffer López Sevilla

Pág. 110: Sigfrido Martín Begué. José M. Lillo. Temple (boceto). 2011. 111

SAELIA APARICIO

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4. Porque no hay nada como llegar a casa y deleitarse con los sonidos de la naturaleza torturada. Técnica mixta. Tamaño variable. 2011 5. Caracueva. Técnica mixta. 110 x 80 cm. 2010

CARLOS CODES

ALEJANDRA FREYMANN & GUILLERMO SARMIENTO

RUTH GÓMEZ

1. Serie Color de color. 3 Serigrafías. 25 x 50 cm. 1997

7. Serie Ballroom. Técnica mixta. Medidas variables. 2010/11

1. Las ilusiones fantásticas. Animación. Color. 36’’ loop. 2009

ROSA M. JEREZ

5. Teléfono antiguo I. Grafito sobre papel. 29,7 x 42 cm. 2010 6. Proyector de diapositivas. Grafito sobre papel. 45 x 60 cm. 2010

7. Teléfono antiguo II. Grafito sobre papel. 29,7 x 42 cm. 2010 8. Radio. Grafito sobre papel. 42 x 29,7 cm. 2010

MANUEL H. MOMPÓ

5. Sin título. Serigrafía. 76 x 56 cm. 1984 6. Huertanos mirando el paisaje 2/6. Serigrafía. 56 x 76 cm. 1984 7. Sin título 2/10. Serigrafía. 76 x 56 cm. 1985

8. Sin título 7/10. Serigrafía. 76 x 56 cm. 1985 9. Sin título 5/12. Serigrafía. 74 x 55 cm. 1985

10. Sin título 15/24. Serigrafía. 70 x 50 cm. 1983 11. Sin título 30/30. Serigrafía. 63 x 48 cm. 1978 12. Sin título 67/75. Serigrafía. 79 x 61 cm. 1979

WILLY RAMOS

1. Chicago, puente rojo. Serigrafía. 76 x 112 cm. 2000 2. Suite Chicago I. Serigrafía. 76 x 112 cm. 2000

3. Flor amarilla y desnudo. Serigrafía. 120 x 160 cm. 2004 4. Flores. Serigrafía retocada. 120 x 76 cm. 2009

5. El siroco de la tarde. Libro de artista. 22 x 30 cm. 2006

VICTORIA SANTESMASES

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Serie Rostro invisible. 4 Gofrados. Monotipos. 76 x 56 cm. 2006 1. Sin título I. Clavos 2. Sin título II. Papel vegetal 3. Sin título III. Espinas de rosal 4. Sin título IV

5. Serie Rostro velado. 2 Serigrafías (serie incompleta). Aguafuerte + Velo. Monotipos. 76 x 56 cm. 2006 6. Rostro borrado. Aguafuerte. Monotipo. 2006

7. Fragmentadas. Técnica mixta. Libro acordeón. 2010 8. Memoria y ausencia. Libro de artista. Texto Enrique Páez. Ed. taller La Zúa. 2004

JOSÉ A. VALENCIANO

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Ed. LA ZÚA: KEIKO MATAKI

COLECCIÓN PARKETT

4 4. Serie Fiesta 21/30. 3 de 5 Aguafuertes, aguatintas. 75 x 75 cm. 1996

GWILHERM COURBET (Fr) Burn 1 de 7 pág. de portfolio Xilografia y stencil sobre papel 98 x 74 cm. 2010

NATALIA FARIÑAS (Es) Hits pictóricos Composición de 3 LP’s Edding 751 sobre vinilos 29 x 29 cm. 2011

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LAURA FLORES (Es) Células del oído Huecograbado en PVC espumado y linografía en relieve 100 x 70 cm. 2010

AGUSTÍN GARCÍA (Es) 85 % CACAO Litografía 50,5 x 50,5 cm 2010

IGNACIO LOBERA (Es) Penélope Caja de luz . Stencil sobre papel 52 x 52 cm. 2011

ÓSCAR MARTÍNEZ (Es) La giganta Impresión digital 100 x 70 cm. 2011

BONIFACIO ALFONSO

BONIFACIO ALFONSO & ENRIQUE LEAL

ENRIQUE LEAL

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1. Serie Insectos. Grabados. Medidas variables. 1972

1. Enrique Leal. “Teselas“ dentro de la serie Entomografías. Grabado (fotopolímero). 27,5 x 20,5 cm. 2003/05 2. Bonifacio Alfonso. Serie Insectos. Grabados. Medidas variables. 1972

COCO ESCRIBANO

CELIA GUILLÉN

ROSA M. JEREZ 1

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1. Serie Pajaretes. 5 de 5 Dibujos. Mixta. 29.7 x 21 cm. 2009

ÓSCAR LAGUNAS

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JOSÉ M. LILLO

MANUEL H. MOMPÓ

1. Sin título. Aguafuerte, técnica al azúcar. 100 x 70 cm. 2006 2. Sin título. Aguafuerte, técnica al azúcar. 100 x 70 cm. 2006

1. Sin título. Serigrafía. 62 x 76 cm. 1968 2. Sin título. Serigrafía. 64 x 56 cm. 1968 3. Sin título. Serigrafía. 56 x 68 cm. 1968 4. Sin título 10/25. Serigrafía. 52 x 70 cm. 1980

MIGUEL A. MOSET

HÉCTOR ORRUÑO

1. Serie Bellezas ocultas. 8 Serigrafías. 32 x 32 cm. 2010/11

1. Serie Landscape of nothing. Serigrafía. 62 x 50 cm. 2011

2. Serie Landscape of nothing. Serigrafía. 62 x 50 cm. 2011

WILLY RAMOS

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6. La memoria del color 1/75. Caja nº69. 14 Serigrafías. 2001

7. Bodegón. Litografía. 50 x 65 cm. 2004 8. Toros en Valencia. Serigrafía. 77 x 57 cm. 2010 9. Flores de Nabusímake. Serigrafía. 120 x 160 cm. 2010

10. Mujer con poder azul. Serigrafía. 50 x 65 cm. 2001 11. Flores. Serigrafía. 90 x 63 cm. 2001 12. Bodegón. Serigrafía. 50 x 65 cm. 2009

MARTÍN SATÍ

1 1. God machina. 2011 Impresión digital sobre porex. 300 x 300 cm. Caja de Luz. 65 x 65 cm.

7. We love cinema. Impresion digital. 110 x 110 cm. 2010 8. Powerful & light. Impresion digital. 110 x 110 cm. 2010

AZUCENA VIEITES

Ed. LA ZÚA: JAVIER CHOZAS, MIT BORRAS, PERICO SIMÓN

Serie Collages 5. If i can’t dance. 3 + 1 Serigrafías. Tamaños variables. 2010

COLECCIÓN PARKETT

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COLECCIÓN PARKETT

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MARIANA MORANDUZZO (Pt) Mind Condition Aguafuerte sobre papel en tres dimensiones 100 x 70 cm. 2011

SILVIA PASCUAL (Es) Más allá Manera negra 70 x 70 cm. 2011

GILBERTO MOYA (Es) Paper Cube Tipografía generada con papel 2011

DANIEL PERES (Pt) Sin título (Landscaping-zona #4) Técnica mista de grabados/papel. Monotipo 18 x 70 cm. 2010

RUTH SANJUÁN (Es) Sin título Impresión digital 70 x 50 cm. 2011

JAVIER VÁZQUEZ (Es) Daddy’s little girl Xilografía sobre papel Japonés Argelia 78 x 58 cm. 2011

ORGANIZA / ORGANIZED BY

COMISARIOS / CURATORS

DANIEL JARQUE, CRÍSTOFFER L. SEVILLA & MACARENA MORENO