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D*Face // Nico Artusi // The Cult en Buenos Aires // Jack Johnson // Carajo // Hercules and Love Affair // 100 años de FILA // fight club // Big Air in Japan // John Jackson // Entrevista a Pier // Milton Martinez // Snow Look // Fermín Eguía // Maxi Vernaza // Bafici // Shee y mucho más…

argentina $22

ejemplar de colección - 02/2011

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D*Face Nico Artusi Jack Johnson Best of Fest Hercules and Love Affair Carajo The Cult en Buenos Aires

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Sheee Entrevista a Pier Jezz Hill 100 años de Fila fight club Snow tech Foto X

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John Jackson Milton Martinez Fermin Eguía Maxi Vernazza Teatro Bafici

STAFF Dirección Gral. y Creativa Diego J. L. Timpanaro.

bkmag.com.ar - 02/2011

Diseño gráfico Diego L. de Guevara. Gustavo Saliola. Comunicación y Mktg Valeria Izzo. Asesor Financiero Dr. Jorge A. Daniel. Asesor Legal Dr. Martín Sivieri. Colaboran en este número Fotografía Julieta Romalde, Federico Nuñez, Monstruo Estudio. Ilustración Fernanda Kusel. Coordinación de contenidos Ana Quiroga, Cecilia Rubino, Silvina Figueroa. RR.PP. Fer Mergonari. Redacción Ana Quiroga, Cecilia Rubino, Nicolás Sobrero, Lorena Cevallos, Pablo Medina, Macarena Nannucci, Leo Gutierrez. Agradecimientos especiales Lola Scotta, Silvina Tenembaum, Martín Ventola, Pedroca Castro, Mariana Aguilera, Diego Toledo y Paula de Monstruo Estudio, Fer Musauer, Cristian Ramos, Luciana Amicola, Hernán Nisembaum, Euge Aramburu, Ale Czerwacki, Eitan Sobol, Christian Del Bianco, Barbara Barreiro, Luis Pons, Roxana Dubar, Nico Lavazza y a todos los que siempre nos dan una mano. Contacto Press y publicidad: publicidad@bkmag.com.ar / comercial@cuartorayo.com.ar Notas: contenidos@bkmag.com.ar Suscripción: suscripción@bkmag.com.ar Lectores: lectores@bkmag.com.ar

Cuarto Rayo S.A Tel / Fax: (5411) 4718-1085 www.cuartorayo.com Mail: info@cuartorayo.com.ar BK es una publicación de Cuarto Rayo S.A El Nombre BK y el logo son marcas registradas cuya licencia fue concedida a Cuarto Rayo S.A. Registro de Propiedad Intelectual N° 596332. Hecho el depósito que marca la Lay11.723 Está prohibida la reproducción total o parcial de los contenidos sin previa autorización de la editorial. El material periodístico y publicitario es de absoluta responsabilidad de sus autores y de las marcas auspiciantes respectivamente. Distribuye en Capital Federal y Gran Buenos Aires: RBYM S.R.L Distribuye en el interior y Exterior: Austral de Publicaciones S.A.

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Créditos Tapa Ph: Monstruo Estudio Modelo: Luz Peacan Nazar para BasemodelosRock Make up: Julieta García Styling: Diego Perez Producción: Monstruo Estudio

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10/11

arte urbano

En 1984, dos fotógrafos neoyorkinos - Martha Cooper y Henry Chalfant - , publicaron un libro de fotografía inolvidable. El libro se llamó “Subway Art” y se convirtió en un manual imprescindible para cualquier interesado en el arte urbano y su historia. El manual se vendió por millones en todo el mundo e inspiró a cientos de jóvenes que encontraron en sus páginas un catálogo detallado de novedosas maneras de abordar artísticamente las ciudades. Entre estos jóvenes se encontraba el reconocido londinense D*Face, aka. Dean Stockton. Autodidacta, ilustrador, pintor y artista urbano: su cuerpo de trabajo está inspirado en la cultura del Hip Hop, en los comics, en la intervención urbana y el StarSystem. “Un día decidí construir mi universo a partir de caricaturas que propagué como a una plaga en las calles de Londres. Desde hace una década que hago esto”, confirma Stockton. Criado en la capital inglesa, su pasión por el arte creció mientras montado a su skate publicaba fanzines punk. Reconoce que el libro “Subway Art” fue un antes y un después en su concepción a cerca de las múltiples relaciones que existen entre el espacio público y el arte. Fiel seguidor de los dibujos animados (especialmente los del universo Disney), su estilo conjuga este fanatismo por ciertos personajes de la cultura pop con un manto de oscuridad cínica y actual. “Suelo describir mi obra como “aPOPcalyptic”, una mezcla entre pop art, líneas planas y colores intensos con el impiadoso clima condenado que construyen los medios de la realidad y la constante confirmación del hecho de que todos volveremos a la tierra que nos dio vida”, profetiza el artista.

¿Cómo surgió el lazo con Puma? Mi asociación con Puma se dio por casualidad, me preguntaron si estaba interesado en exponer en Argentina, amo viajar y que mi obra recorra el mundo y el Puma Urban Art me ofreció la posibilidad de llevar a cabo algunas ideas con las que venía trabajando hace ya un tiempo. Me gusta trabajar con marcas que apoyan y ayudan a la cultura under. Cuando trabajo junto a una marca tengo que asegurarme de que me entiendan igual que a mi obra. A la vez, tengo que compartir la pasión o interés en lo que ellos creen y promocionan en eventos de este tipo. ¿Qué vas a estar mostrando en la feria? Van a tener que esperar para ver!! Voy a trasladar a Buenos Aires una idea en la que vengo trabajando desde ya hace un tiempo y lo único que puedo decir al respecto es que no se parece a nada que yo haya hecho antes ni tampoco se parece a nada que haya visto antes. Al mismo tiempo, voy a invadir algunas paredes de las calles con varios de mis diseños y en el showroom se podrán ver algunas impresiones y fotografías de obras que hice en la calles de Londres. ¿Cuál es la mejor manera de leer tu obra? Me gusta la idea de que las distintas formas y personajes que dibujo se conviertan en elementos visuales que tienen variables interpretaciones y obligan a quienes las ven a darles su propio sentido. Tu estilo mezcla el pop y el gore y a esto lo unís con imágenes de celebridades ¿Cómo nace esta idea? Busco unir estilos e íconos que nos interpelan histórica y emocionalmente, me interesa cuestionar la noción de celebridad, fama, estrellato; qué les pasa a esas personas que buscan el éxito toda su vida y finalmente lo encuentran, qué les sucede una vez llegado ese punto. Michael Jackson es la celebridad perfecta para ejemplificar y ayudar a este cuestionamiento en general. Me gusta que mi obra genere un shock en el espectador, me gusta polemizar, abrir un debate y controversia. ¿La controversia en tu caso apunta a conformar un discurso político? No busco hacer una declaración político, más bien una social. Me interesa generar en las personas que se cuestionen a cerca de lo que los rodea, que se pregunten con qué cosas ellos se rodean y qué buscan con eso. Lo que nos rodea es lo que nos conforma como seres.

¿Cómo describirías a los personajes que solés dibujar? Como caricaturas de Disney, pero a unas criaturas que les gusta salir, que les gusta pintar y disfrutan de es ensuciarse con pintura fresca. Personajes un poco más actuales. Lo que hago es de cierta forma un homenaje a esos viejos dibujos animados: Disney y los comics siempre me interesaron. ¿Qué dibujos animados mirabas de chico? Desde Disney, Hanna-Barbera y 2000AD hasta El Laboratorio de Dexter y Bob Esponja. ¿Cómo es tu vida cotidiana en Londres? Voy en bicicleta o en moto a mi estudio, intento llegar a eso de las 10, me tomo un café, reviso mi casilla de correo y mientras tanto voy figurándome el día, qué necesito para iniciar el día. En general trabajo hasta las 9 de la noche, tal vez más tarde, depende en lo que esté trabajando. Mi mente es como una cocina que no se detiene nunca, estoy pensando en el próximo show o en la próxima pintada en la calle, así que por eso coloque una pizarra donde escribo lo que voy pensando y el BlackBerry lo uso para eso también. Mi vida es simple aunque agitada, me gustar estar en familia y entre amigos cercanos, me siento privilegiado de poder vivir de mi arte que es lo que amo. Cada mañana le agradezco a Dios, Allah, Buddah de poder hacerlo todos los días de mi vida. ¿Sos amigo del artista Bansky? Si, es un tipo cool, me gusta muchísimo lo que hace y su aporte a la escena es enorme. En algún momento de nuestras vidas salíamos a tomar cervezas por ahí y en algunas ocasiones nos embriagabamos, muchos de esos encuentros fueron muy coloridos.

Entevistamos al artista urbano inglés

D*Face

El famoso londinense D*Face, reconocido mundialmente por sus imágenes anárquicas que comprenden a una familia de personajes disfuncionales en las calles de Londres, se presentará este año en el festival Puma Urban Art de Buenos Aires. Texto: Nicolás Sobrero. ¿Imaginabas que lograrías alcanzar todo lo que lograste cuando recién comenzabas? Jamás! Nunca podría haberme imaginado el viaje que he vivido gracias a mi obra. Al principio lo hacía por pura diversión, si alguien me hubiese dicho en ese entonces de que estaría mostrando mi obra en todo el mundo, en colecciones privadas y en museos, hubiese pensado que deliraba. Soy un privilegiado de amar lo que hago y de vivir de lo que amo y de tener una vida maravillosa. Pero aclaro que no ha sido simple el camino. ¿Qué le dirías a los jóvenes artistas urbanos? Les diría que las calles son suyas! Vayan y háganlas suyas. Manténganse firmes a sus ideales y creencias y busquen intensamente la inspiración, no necesitamos otro Bansky.

El Puma Urban Art tendrá lugar en el Centro Cultural Recoleta los días sábado 28 y domingo 29 de mayo de 13 a 24 horas. Además de la presencia internacional de D*Face, entre las actividades del festival, habrán proyecciones de documentales sobre arte urbano, exhibición de obras de artistas locales, conferencias y bandas en vivo, incluyendo una banda internacional a confirmar próximamente.

14/15

entrevista

Además de ser editor del suplemento Sí! de Clarín, haber trabajado como VJ en la pantalla de MTV y tener su programa en radio Metro, Nicolás Artusi se ha transformado en uno de los pocos periodistas especializados en la cata de café. Se formó en el tema de manera autodidacta, a lo que le sumó varios cursos especializados en Bs. As. y Avenches (Suiza). Investigó sobre esta disciplina, dio clases acerca de la misma y actualmente maneja su propia marca llamada “Club del Café”, que lleva las mejores variedades del mundo hasta la puerta de la casa de sus clientes. -¿Cómo nació tu interés en el ritual de la degustación de café?

-¿Cómo se distingue un buen café de uno malo? En la temperatura del agua (alrededor de 93 grados, sin que hierva); en el color, más chocolatoso y dorado que oscurísimo; y en la espuma, que debe soportar el azúcar por lo menos durante 3 segundos en su superficie, entre otras cosas. -¿Cuáles son los tipos de café que más te han gustado o sorprendido en tu trayectoria como sommelier? Me gustan mucho el café de Kenia, el de Papúa Nueva Guinea o el Blue Mountain, de Jamaica, que es uno de los pocos cafés “completos” del mundo y uno de los más cotizados.

Empezó desde chico, con los primeros cafés con leche antes de ir al colegio, y siguió de grande, tomando café en los pasillos de las redacciones donde trabajé como periodista. En cada viaje que hice, pude aprender más sobre el café y visitar desde plantaciones en Centroamérica hasta cafeterías históricas en Europa. -¿Dónde te formaste como sommelier de café? Desde que descubrí el café como una pasión sobre la que podía especializarme hice muchos cursos, además de tomar el camino autodidacta. En cada viaje aprovechaba para conocer más de las costumbres cafeteras del país que visitaba, así como para comprarme libros (tengo una nutrida biblioteca cafetera). Y en octubre viajé a Avenches, en Suiza, para cursar una especialización en el tema, basado en el Coffee Codex, el libro que normaliza la tarea del sommelier.

Nico Artusi Sommelier de café

El periodista Nico Artusi nos cuenta algunos secretos a cerca del ritual de degustación de esta infusión. Txt: Nicolás Sobrero. Fotos: Gentileza Marcelo Campini.

-¿Cuánto café tomás por día? Como trato de que cada café sea, realmente, una experiencia única y placentera, tomo sólo los cafés que sospecho que me van a gustar y evito los de compromiso. ¡Tengo que cuidar mi paladar! En todo caso, tomo alrededor de seis cafés por día. No es mucho. -¿En qué puntos se unen tu trabajo como sommelier de café y tu carrera periodística? En muchos, sobre todo los que tienen que ver con el rigor en la investigación (me la paso averiguando historias sobre el café) como con la difusión de la información. Una de mis misiones es crear cultura de café y, en ese sentido, hay muchos puntos en común con la tarea periodística. -¿Qué acontecimientos de la historia del café y su comercialización a lo largo de la historia te han sorprendido? Infinitos. El café está relacionado con la larga historia del colonialismo y el capitalismo. Por eso, es fascinante estudiar cómo llegó hasta Latinoamérica de la mano de los conquistadores o cómo llegó a ser el segundo commodity del mundo, después del petróleo. -¿Cómo se relaciona la Argentina con el ritual del café? La Argentina es un país donde se toma poco café (apenas 1 kilo por habitante por año, contra 6 kilos de la yerba mate). Además, el 100% del café que tomamos es importado, porque nuestro país no produce café. En todas las grandes ciudades, el ritual de las cafeterías reúne amigos y es un ritual que se mantiene a lo largo de las generaciones, con actualizaciones: ahora, los más jóvenes piden un frappuccino en lugar de un cortado. -¿Por qué crees que el café se convirtió en la infusión más popular? Es así. El café compite con el té el segundo puesto entre las bebidas más consumidas del planeta, después del agua. Creo que su relevancia entre todas las clases y las culturas se debe a que su consumo es más público que privado, con infinidad de locales (cafeterías) repartidos por el mundo y dedicados no sólo a ofrecer una bebida sino a brindar un espacio de encuentro, un lugar de estudio, un sitio de lectura, etc -¿Crees que cada modalidad a la hora de tomar café enseña características de quien lo bebe? Es posible. Tal vez el café instantáneo diga algo sobre una persona práctica o que no se toma el tiempo para prepararse una bebida de manera artesanal y el ristretto, tan corto y concentrado, delate a un tipo amante de las emociones fuertes. -¿Hay algún tipo de café que aun no hayas probado? Espero probar pronto el Kopi Luwak, el café que se hace procesando la materia fecal de unos marsupiales asiáticos. En serio. -¿Qué lugar recomendarías para comprar café o ir a tomarlo? Para comprarlo, en el Club del Café, mi propia marca de café que lleva las mejores variedades del mundo hasta la puerta de tu casa. Y para tomarlo, donde quieras. Y con quien quieras.

16/17

música

Jack johnson

Brisa de mar por la gran ciudad

El cantautor de soft rock y ex surfista hawaiano Jack Johnson pasó por primera vez por nuestro país y cautivó al público porteño de la mano de su trabajo más reciente, To The Sea. Txt: Ana Quiroga. Fotos: Prensa.

Hijo del campeón de surf Jeff Johnson, nació y vivió toda su vida en Hawaii. A los 17 años, cuando ya llevaba tres años como surfista profesional, fue invitado a participar en el torneo Masters de Pipeline, siendo el competidor más joven del certamen. Sin embargo, un accidente contra un arrecife le dejó el cráneo fracturado con más de 150 puntos en la cabeza, la pérdida de algunos dientes y el fin de su promisoria carrera como deportista. Durante la recuperación, le regalaron una guitarra y así empezó su acercamiento al arte, que siguió con estudios en cine en la Universidad de Santa Bárbara, California, y con la producción de dos documentales sobre surf: Thicker Than Water (1999) y The September Sessions (2000). En estos proyectos, comenzó a componer para las bandas sonoras, y su música empezó a circular entre los surfers. Así es que surgió el contacto con quien sería su primer productor musical, para finalmente en el 2001 editar su álbum debut Brushfire Fairytales. Este disco, que contó con la colaboración del cantante de folk rock estadounidense Ben Harper, fue disco platino y obtuvo los primeros puestos en la revista Billboard. Hoy, con sus 36 años recién cumplidos, tres hijos, varios discos de platino en su haber, la banda de sonido de la película animada Jorge el Curioso (2006), y su propio sello discográfico –Brushfire Records-, este músico oriundo de la isla de Oahu no se deja abrumar por la fama y no pierde la apacibilidad que lo caracteriza. Su último disco To the Sea, editado en el 2010 y grabado en un estudio ecológico -siguiendo su impronta activista-, conforma su quinta producción de estudio, y sigue teniendo presentes ese suave sonido de guitarras acústicas que lo identifica, melodías y vibraciones positivas y aires de mar en las 13 canciones que lo componen. To the Sea debutó en el primer lugar de ventas de la revista Billboard, y el primer sencillo lanzado fue el más exitoso de su carrera hasta el momento. Con este disco desembarcó en Buenos Aires Jack Johnson –en el marco de una gira que destinará todo lo recaudado a grupos ambientalistas e instituciones musicales y educativas sin fines de lucro- para seducir a un público seguidor desde los primeros acordes de “You and Your Heart”. Con melodías sencillas, sensibles y apacibles, y un lenguaje relajado e inspirado en el mar y la naturaleza, Johnson y su banda compuesta por el tecladista Zach Gill, el baterista Adam Tpol y el bajista Merlo Podlewski, conquistaron a 22 mil personas la noche del 19 de mayo. A lo largo del show, pudieron escucharse desde éxitos como “Banana Pancakes” y “Sitting, Waiting, Wishing”, hasta una versión del clásico de Ramones “I Wanna be your Boyfriend”. Una noche en la playa, en medio de la gran ciudad.

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música

best of fest

El mes de mayo significó una brisa refrescante para los amantes de la buena música. El Festival Quilmes y los shows de algunas de las mayores leyendas vivientes del Rock&Roll, coronaron la temporada otoñal en Bs. As. 2011. Txt: BK mag Staff. Fotos: Prensa.

john fogerty

El ex vocalista de la legendaria banda Creedence Clearwater Revival llegó a Buenos Aires en el marco de su última gira por Latinoamérica. La misma lo llevó también por las principales ciudades de Brasil y Chile. Desde 1973, Fogerty se ha dedicado a su carrera como solista y ha alcanzado a editar 13 discos de estudio con asombroso éxito. Su última placa del 2009 se titula “The Blue Ridge Rangers Rides Again” y en ella lo acompaña Bruce Springsteen con quien ya había colaborado anteriormente. Algunos temas de este disco y de sus emblemáticos predecesores, sonaron en el inolvidable show que dio en el Estadio Luna Park el pasado mes de mayo.

quilmes rock

tricky El sábado 21 regresó a la Argentina una de las grandes figuras del trip-hop y el máximo exponente y creador del downtempo. Tricky visitó Buenos Aires en el marco de la gira “Mixed Race Tour” que también lo condujo a los escenarios de Chile, Uruguay, Perú y Colombia. El músico británico - siempre acompañado por una banda de músicos notables – se presentó en el Club Groove con un amplio repertorio de clásicos y nuevos temas. Gran parte de las canciones que pudieron oírse en su show, pertenecen a “Mixed Race” (2010), título de su décimo álbum. El mismo cuenta con la colaboración de Bobby Gillespie (líder de la agrupación Primal Scream), Terry Lynn, Blackman y Marlon Thaws. Al igual que su última placa, el show le rindió culto a los sonidos de África y Jamaica. Combinados con electrónica francesa y rock británico, hicieron de la noche un momento inolvidable.

A pesar de algunos rumores de cambios de fecha y demás problemas en la organización, del 19 al 22 de mayo se realizó uno de los festivales de música más importantes del año. El Quilmes Rock 2011 cumplió cinco años y en esta ocasión contó con algunos artistas internacionales de la talla del australiano Jack Johnson y Jamiroquai. También se destacó la presentación oficial de “A propósito”, el nuevo disco de Babasónicos. En relación a las demás presentaciones locales brillaron Ciro y Los Persas, Los Tipitos, Dante, Las Pelotas, Versuit Bergarabat, Los Cafres y Banda de Turistas. El festival se llevó a cabo en la sede Jorge Newbery del club GEBA.

Alice Cooper motley crue

Uno de los grandes iconos del rock llegó nuevamente a la Argentina y se presentó el 28 de mayo en el Estadio Cubierto Malvinas Argentinas de La Paternal. Cooper subió al escenario acompañado por una orquesta de maquillaje, disfraces y elementos escenográficos, dio un show colorido y grotesco que nada tuvo que envidiarle a Marilyn Mason, Slipknot, o Rob Zombie. Originario de Detroit, su verdadero nombre es Vincent Furnier y formó su banda en 1969. Durante las siguientes tres décadas se dedicó a editar varios clásicos del rock incluyendo “The Alice Cooper Show” (1977), “Flush the Fashion” (1980), “Trash” (1989) y “The Last Temptation” (1994). Su último álbum de estudio, “Along Come a Spider”, editado en el 2008, sonó la noche del show en Buenos Aires, en la que fue ovacionado por sus fanáticos locales.

La banda norteamericana de Hard Rock integrada por Nikki Sixx, Tommy Lee, Mick Mars, y Vince Neil, festejó los 30 años de carrera en el Estadio Cubierto Malvinas Argentinas. El show se realizó el 20 de mayo y fue, sin dudas, la gran fiesta del metal del 2011. La banda nació en 1980, en Los Angeles, cuando el bajista Nikki Sixx se unía al baterista Tommy Lee, que había dejado  la agrupación Suite 19. A lo largo de su trayectoria, Mötley Crüe ha sido influencia de bandas como Green Day, Marilyn Manson y Korn y cuentan en su haber más de 81 millones de discos vendidos.

20/21

música

hercules and love affair Electro funk Los máximos exponentes del electro funk neoyorkino lanzaron su esperado tercer álbum, “Blue Songs”. Con nuevo contrato discográfico y nuevos integrantes, la banda le hace honor a su nombre y con valentía experimenta con los sonidos del House de Chicago. Txt: Nico Sobrero. Foto: Prensa.

Durante el 2004, Hércules and Love Affair dio sus primeros pasos en algunos recónditos clubes nocturnos de Brooklyn. Desde entonces la banda se transformó en un quinteto de personajes coloridos y extravagantes, con un único propósito: hacer bailar. Su meta se cumplió gracias a sus canciones, en las que emulan con precisión sonidos de décadas pasadas, combinándolos a la cultura clubber contemporánea. Sus composiciones son de corte retro-futurista: el pop más actual, el euro-pop de los ochenta o el discofunk de los setenta conviven en díscola armonía. Dominado por este clima, “Blind” –el primer hit de su álbum debut homónimo del 2008- combinaba purismo soul e influencias Dance con fraseos modernos y una estética basada en la Antigua Grecia. El 2011 trae de regreso a Hércules and Love Affair, aunque con algunas reformas. Luego de trabajar por cuatro años junto al sello DFA (la discográfica de LCD Soundstystem), decidieron editar su nueva placa a través de la nueva Moshi Moshi Records. Esto, sumado al alejamiento de dos de los miembros originales de la agrupación (Anthony Hagarty - vocalista principal de Antony and the Johnsons- y Nomi Ruiz – encaminada en su carrera solista) son hechos que reafirman una nueva etapa para la agrupación creada por el DJ y productor Andy Butler. “Blue Songs” retoma el pulso noctámbulo, plebeyo y terrenal que dio pista al carnaval de sonidos en sus dos placas anteriores. Las canciones “Answers came in dreams”, “Painted Eyes” y “Falling” son muestras valiosas del fanatismo que el nuevo álbum profesa por la era dorada del disco. Sin embargo, este trabajo contiene un puñado de temas que renuevan el amplio espectro de influencias que dominaron hasta ahora el universo hercúleo. Las canciones “Step Up” y “I Can´t Wait” ejemplifican este nuevo camino. También lo hace “My House”, el primer corte de difusión, que tan sólo en un verso (“Mi corazón ahora se eleva en otro lugar, libre de tus manos, tengo mi propio espacio”) corrobora el clima renovador que transmite el álbum en su totalidad. La evolución del estilo de la banda es sutil aunque trascendente. Se apoya en la melomanía avanzada del quinteto y en su incesante búsqueda por nuevos referentes e inspiraciones musicales. En esta oportunidad su interés tendió al revisionismo de los eléctricos días del año 1985, cuando la música House dominaba la escena de clubes de la ciudad de Chicago. Fue allí donde los DJ´s de la época comenzaron a darle un uso expresivo a las primeras cajas de ritmos y donde surgirían las distintas variantes dentro del género: Hip House, Acid House y Deep House. Las composiciones de Chicago suelen incluir vocales similares a las de la música disco o el góspel pero sus estructuras están formadas por un patrón rítmico compuesto por entre 5 y 7 acordes que entran en un compás de 4 tiempos. En ellas, los sonidos son generados electrónicamente y toman prestados a través del sampling elementos de géneros como el jazz y el synth pop. Todd Terry, Maurice, Mr. Lee y Sandy Rivera son tan sólo algunas de las nuevas referencias musicales de la banda e inspiraciones para el armado de “Blue Songs”. Producido por Mark Pistel (conocido por sus trabajos dentro del género industrial electro), el disco cuenta con la incorporación dos miembros nuevos: la vocalista venezolana Aerea Negrot y el norteamericano Shaun J. Wright. Ambos interpretan con sensualidad y sofisticación las composiciones de Butler. También se puede oír la participación de Kele Okereke de Block Party en el tema “Step Up” y la pequeña Kim Ann Foxman vuelve a demostrar la calidez de su voz en la nueva versión del tema de Sterling Void and Paris Brightledge’s “It´s Alright”, que cierra el álbum.

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mĂşsica

Trabajadores del rock

Carajo festeja sus 10 aĂąos de carrera con un show en el Luna Park

Mientras preparan lo que serĂĄ un momento cumbre de su carrera, los integrantes de la banda hacen una pausa para reflexionar sobre el camino recorrido y sobre el momento actual del rock en Argentina. Txt: Pablo Medina. Fotos: Prensa.

ñas o sobre el viento. Nosotros a veces estamos tocando y decimos “Paremos para ver un poco el mar”-. El rock no puede ser solamente la queja, el rock tiene que volver a sorprender”. Sin embargo, hay un tono que se mantiene y que está presente desde el primer álbum hasta El Mar de las Almas, la última producción del grupo. “Ahí está el trabajo de Ale Vázquez”, continúa Corvata, “que es nuestro productor desde el primer disco. Él es el que nos hace mantener cierta identidad, para que los discos sigan teniendo siempre algo de Carajo”. Aunque sea trillado, no podemos resistir preguntarles por la expectativa de tocar en un estadio emblemático como el Luna Park. Corvata nos contesta con naturalidad: “En realidad, en el ambiente en el que nos movemos, el lugar clave era Obras. Era ahí donde tocaban las bandas que nos gustaban cuando éramos chicos. El Luna Park uno lo asocia más con otro tipo de espectáculos, como el Holiday On Ice. Pero fuimos a ver el lugar y nos dimos cuenta que da un marco muy bueno. Nosotros tenemos una relación muy linda con nuestro público, y el Luna Park te permite tenerlos muy cerca a pesar de ser un lugar grande”. Lo que los entusiasma, en definitiva, es el show en el que festejan los 10 años de la banda, y para ello se preparan. Andrés (baterista) no deja lugar a dudas: “Ahora estamos a full con esto, estamos trabajando y ensayando exclusivamente para ese show.”

Pocas bandas argentinas tuvieron un inicio de carrera como el que tuvo Carajo apenas una década atrás. A menos de un año de subirse por primera vez al escenario, el trío integrado por Marcelo “Corvata” Corvalán, Andrés Vilanova y Hernán “Tery” Langer, editó su primer disco (Carajo, 2002), el cual les permitió ser elegidos como banda revelación por los principales medios y periodistas especializados del ambiente del rock en muy poco tiempo. A pesar de este inicio a toda marcha, la banda se tomó las cosas con calma, y haciendo caso omiso a las insistencias de su entorno, prefirió las giras y los shows pequeños antes de subirse a los grandes escenarios, lo que sucedió por primera vez en el año 2005 en el Estadio Obras. “Nosotros no nos ponemos un objetivo, no decimos –queremos llegar a tocar en tal estadio-, las cosas se nos van dando. Preferimos no apurar las cosas”. Las palabras de Tery (guitarrista) son tranquilas y mesuradas. Hoy, a 10 años de aquel comienzo, se preparan para festejar su primera década de trayectoria con un recital en el estadio Luna Park. Por ello, nos acercamos hasta la sala de ensayo del barrio de Villa Ortúzar a conversar con Carajo. Es fácil hacer la cuenta. Diez años atrás, el país atravesaba una de las peores crisis económicas e institucionales de su historia. El plano internacional tampoco gozaba de un clima demasiado prometedor. Y sin dudas, ese marco tuvo mucho que ver con el tono y el contenido de aquel primer álbum, y de la repercusión que tuvo en la gente el primer corte “Sacate la mierda”. Sin embargo, cuando le preguntamos a la banda cuánto de lo que reflejaban esos temas en aquel momento permanece hoy en sus creaciones, rápidamente ponen el acento en el cambio y la evolución, tanto en lo musical como en la actitud frente al mundo. “En ese primer disco, las canciones las grabamos con un sonido mucho más crudo. Por el momento en el que estábamos nosotros, pero también por la ansiedad de sacar el primer disco. Ahora, musicalmente, estamos trabajando con otros sonidos, y estamos recuperando esas canciones. Para el show del Luna Park vamos a presentar versiones nuevas de esos primeros trabajos”. Para Tery, el festejo de los 10 años es también una ocasión para volver sobre lo hecho e imprimirle algo del momento que viven hoy. Además de resaltar la incorporación de un trabajo más refinado en sus canciones, Corvata (cantante y bajista) encara la evolución del grupo desde el punto de vista del contenido. “No alcanza con la queja y la denuncia. Para que las cosas cambien, hay que hacer algo concreto. No sirve estar destruyendo todo el tiempo, también hay que remarcar lo que está bueno, cantar sobre las monta-

Pero hay ciertas realidades de la actualidad del rock en Argentina que hacen que la charla con Carajo no sea puro festejo. Estamos en la cocina de la sala de ensayo y la noticia del día es la muerte de un fan de La Renga herido por una bengala. Para Andrés, hay un cierto afán de protagonismo en el público que no se observa en otros lugares. “Cuando fuimos a tocar a Colombia, en un Festival de Bandas, te repartían un folleto con reglas para hacer pogo. Es lógico, hay distintos tipos de público y la gente sabe que no tiene por qué incomodar al otro. Acá la gente hace lo que quiere, es un problema de educación”. “Acá hay una cadena de responsabilidades que no se cumple, hay un cierto vacío, y los músicos de repente nos tenemos que hacer cargo de un montón de cosas porque alguien no cumple su tarea”, agrega Hernán, mientras Andrés asiente para llevar el comentario un poco más allá. “A nosotros nos tocó un momento en el que están cambiando un montón de cosas. Cayeron las discográficas, se discute el tema de los derechos de autor. Por eso nos parece importante el trabajo que hace Cristian Aldana con la UMI (Unión de Músicos Independientes)”. Corvata completa el concepto: “Es una asociación civil, somos músicos autoconvocados para defender nuestros derechos. No puede ser que la discográfica venga y te diga: esta es toda la plata que sacamos vendiendo tu disco, tomá esta partecita. O que SADAIC vaya a cobrar un montón de plata a un lugar donde tocaste, y después te devuelva parte de esa plata que es tuya”.

En su preocupación hay un reclamo, la necesidad de una regulación, de establecer derechos, normativas, parámetros, de considerar al músico como un trabajador. Andrés concuerda: “Nosotros pasamos más tiempo ensayando que con nuestras familias, pero la gente no considera lo que hacemos como un trabajo”. Y es así, esto es Carajo. Es el entusiasmo y el esfuerzo, son sus deseos y sus preocupaciones. Pero para conocer lo que realmente importa, para escuchar sus obras, la encarnación de todo aquello por lo que trabajan, hay que ver sobre el escenario a la banda que renovó el rock pesado en la Argentina. Y el show que darán el 1 de Julio en el estadio Luna Park conmemorando los 10 años de la banda será, sin lugar a dudas, un marco inmejorable para hacerlo.

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música

The cult en buenos aires

Una noche cargada de rock

Los ingleses volvieron a nuestro país en el marco de su gira latinoamericana para promocionar sus dos últimos trabajos “Capsule I y II” lanzados a fines del año pasado. En su segunda presentación en Buenos Aires lograron congregar alrededor de 800 personas. Texto: Macarena Nannucci. Fotos: Fede Nuñez.

A las 22:15 hs. el escenario se iluminó con la salida de los cinco músicos que los cientos de fanáticos, que llegaron el 11 de Mayo al Teatro Colegiales, esperaban ver. Poco queda de la imagen estilizada y glamera de Ian Astbury pero, pese a los años y los kilos de más, su voz permanece intacta. Vestido completamente de negro, con su pelo largo y unos anteojos oscuros, el cantante lanzó la primera estrofa de la canción “Every Man and Woman is A Star”, seguido de cerca por Billy Duffy, cuyo talento con la guitarra se puede ver y escuchar a través de esos riffs cargados de hard rock ya tan característicos de la banda. Sin duda Astbury y Duffy son las figuras más potentes y los que han logrado salir de todas las crisis por las que ha pasado The Cult. Y eso se aprecia sobre el escenario, donde la complicidad entre ellos se hace notar. La banda se paseó por toda su discografía, mostrando el nuevo material grabado a fines del año pasado (dos discos de cinco temas cada uno) y sus ya conocidos y clásicos temas de los álbumes Love, Electric y Sonic Temple, y tan sólo un tema del tan discutido Beyond Good & Evil. La interacción con el público fluyó de principio a fin. El pick de la noche fue cuando uno de los asistentes lanzó una camiseta de Boca Juniors al escenario; Astbury la recogió, la mostró al público y dijo “me gusta mucho Boca”, provocando gritos y consignas a favor y en contra del equipo xeneize. Luego de nueve canciones, la banda se tomó un break de 5 minutos, durante el que se proyectó un corto con imágenes de naturaleza con música de fondo. Tras el descanso, los ingleses volvieron recargados rematando la noche con “Love Removal Machine”, “Fire Woman” y “Break on Through”, un excelente cover de los míticos The Doors. En resumen, la banda logró en la hora y media que estuvo sobre el escenario mostrar un espectáculo de calidad, tanto en sonido, iluminación y puesta en escena, recorriendo todo su material discográfico y dejando en claro que aún tenemos The Cult para rato.

©2011 Oakley,Inc.

TAROBINHA | SKATE

OAKLEY.COM

Sheee Heavy Metal

PH: Julieta Romalde Estilismo: Mariano Mailland Asistente de foto: Ignacio ValdĂŠs- Leo Molina Asistente de estilismo: Renata Vallebuona-Paula Caffaro Make up: Barbara Rizzuti Pelo: Florencia Lazcano Modelo: Juliana Rossa (Civiles) Agradecimientos: Estudio Espacio Combate

TRIBUTO A OZZY OSBOURNE

Saco Complot Calzas Orb Botas Paruolo Cruz y anillos Aurora Joleen Cadenas Isadora

Vestido Ona Saez Cruz y anillos Aurora Joleen Cadenas y pulseras Isadora

Campera Doma Leather Remera vintage Black Sabbath World tour 1978 Anillos Aurora Joleen

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arte urbano

Pier

Graffiti salvaje

Prolífica, audaz y personal: la obra del graffitero Pier se nutre de la ciudad. Y a través de sus diseños, reinterpreta las formas, los ruidos y colores de la calle. Txt: BK Mag Staff. Fotos: Gentileza Pier. “Me gusta tomar elementos de la vida cotidiana que luego dibujo en la pared: formas y colores que recojo mentalmente en la calle y luego reúno en un mismo plano” explica este artista al referirse a su relación con el graffiti. Dicho vínculo crece día a día y se remonta a más de diez años. Desde las primeras “bombas” hasta las “piezas” realizadas con obsesivo detallismo, su trabajo da muestras de una fresca y precisa evolución. Pier aborda las paredes con el estilo del Wild Style y el aerosol a mano alzada. El modo en que bosqueja entrelazadas formaciones tipográficas hace de sus diseños algo inolvidable por su complejidad. Sin embargo, reconoce que lo que realmente lo seduce al pintar no tiene nada de complejo: “Para mí es fundamental en mi proceso de trabajo tener en claro que lo que quiero hacer es darle más vida a la pared que tenga enfrente. Ya sea a través del graffiti más clásico o por medio de dibujos o fondos. Así es como se comienza a dar vida a una pared” comenta Pier. -¿Dónde expusiste tus graffiti? Exhibí mi obra en Argentina y Chile repetidas veces (2004, 2005, 2006, 2008). En Santiago, conocí a clásicos graffiteros como Saile, Hes, Fisek, Abse en el Concegraf (evento de graffiti) y en el evento “Meeting on the style”, que se llevó a cabo en el Museo de Bellas Artes chileno. Allí dibujé en vivo, expuse cuadros y di una charla junto a otros artistas como Nerf y Shonis. Mis graffiti a su vez forman parte de las páginas del libro “Graffiti Argentino”, editado en Francia y España hace unos años.

-¿Cómo empezaste a interesarte en el graffiti? Mi familia es de Chile. Mis dos hermanos mayores son de allá y la familia de mi madre aún vive allá. Cuando era chico solíamos viajar con mi familia a la provincia de Talca y ahí, en esos viajes, me empezaron a fascinar los dibujos que había en las calles, los graffiti que veía. Desde chico que siempre me gustó dibujar, calcar caricaturas o incluso tunear los guardapolvos del colegio. -¿Cómo fue el primer graffiti que realizaste? Lo hice en la casa de un amigo cuando estaba en 1° año del secundario. En ese patio dibujé lo que se denomina una “Bomba” que es un estilo dentro del graffiti que se compone por el uso de letras simples, con 1 o 2 colores. En ese patio dibujé dos letras: la B y la F. En ese entonces, entre mis amigos mi apodo era Bufo y de ahí la elección de las letras. Luego llegarían más pintadas en la calle y entonces empecé a investigar en lo que se llama “la pieza” (letras con relleno de 2 o más colores, delineadas, en 3-d, con power y brillo) y los “Frowups” (que vendrían a ser los contornos de las bombas). -¿Cómo sucede el cambio de tu nombre artístico Bufo por el de Pier? Cuando me apodaron Bufo, yo era más chico (hoy tengo 26 años) y en ese entonces lo que más me interesaba era la cultura skater y la del hip-hop. Bufo, surge cuando empiezo a inetesarme en el graffiti que es uno de los 4 elementos que conforman la cultura Hip Hop ( junto al MC, al Dj y el B-Boy ).

En el 2000, y a raíz estudiar por un tiempo francés , surge mi actual apodo, Pier. Este cambio está unido a modificaciones íntimas y personales con mi trabajo. -¿Cómo definirías tu estilo al trabajar? Laburo aerosol a mano alzada. En general no trabajo con pincel. Cuando cambié mi nombre por el de Pier empecé a hacer un curso de aerografía junto al artista plástico Pablo Pérez. Eso fue clave para que mejorara mi trazo y la prolijidad de mis laburos. -¿Qué temas soles tratar en tus graffiti? En general me interesan las tipografías. Me gusta en particular el estilo “wild style”: letras entrelazadas, yuxtapuestas. A las letras las voy deformando para así llegar a un estilo personal. Mato a una letra para poder así crear algo propio y personal. -¿Cuánto hay de inspiración espontánea y cuánto de elaboración previa al abordar una pared? Uno cae con la idea y con un boceto en general. Pero hay veces en que uno busca improvisar entonces cae al lugar sin el boceto y empieza a laburar la pared con mayor libertad. -¿Quienes fueron tu inspiración o tus maestros en lo que a graffiti se trata? La inspiración, la ayuda y el apoyo para el desarrollo de mi estilo son los chicos de la crew DSR , de la que formo parte desde 1998 aproximadamente. Yo tenía tan solo 16 años cuando me aceptaron dentro de la crew y son mis amigos desde entonces. Sus nombres son Brujo, Dano y Jazz. Obviamente, mi familia también es una fuente enorme de inspiración. Creo que de las charlas con familiares o amigos surgen las mejores ideas. -¿En qué estás trabajando actualmente? Actualmente estamos dibujando con otro artista un mural de Don Gato y su Pandilla en las calles Sanchez de Bustamante y Charcas. Nos decidimos por dibujos y a esto le agregué mi impronta de wild style. -¿Cómo ves el graffiti actualmente? El grafitti es un arte. Siempre quise vivir de esto que hago. En un principio a mi padre no le gustaba pero cuando vio que empezaba a autofinanciar mis pinturas y a generar dinero con mis pintadas se tranquilizó. Siempre logre costear mi propia pintura. En Chile pareciera que hay más apoyo al graffiti que en Argentina. Acá igual veo que sigue creciendo el interés diariamente y el apoyo, sin dudas.

Concepto, producción & make up: Jezz Hill www.jezzhillmakeup.com.ar. Fotografía: Samantha Otheguy. Retoque digital: Juanmi Icardo. Modelo: Guadi para Love Model Managment. Agradecimientos: Nala Worth. Facebook: www.facebook.com/jezzhill.makeup. Web: www.jezzhillmakeup.com.ar. Mail: info@jezzhillmakeup.com.ar. Tel: (011) 155 992 9860.

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evento

FILA

festejó sus 100 años con un evento diferente Con el claim “No son 100 años de historia. Son de presente”, FILA, la exitosísima marca deportiva a nivel mundial fundada en 1911 por los hermanos Gila en el Piamonte italiano, celebró su 100° aniversario con un evento completamente original. Presentado a través de una performance multimedia en el estudio de Andy Cherniavsky, se exhibió un video de su lookbook otoño-invierno 2011 de la colección Vintage  en una puesta en 180° y la campaña “One Hundred” para sus nuevos productos Rakett y Stella, una anamorfía diseñada por el artista Diego Roa.

Como cierre, y previo al show en vivo de la banda The Ovnis, se exhibió un video sobre la historia de Fila y el rock culture con un repaso de las bandas que vistieron y visten la marca, como Beasty Boys, Damon Albarn, Gorilaz, Tupac, Big Audio Dynamite, Kanye West, Nas, Jamiroquai, Artic Monkeys, Good Charlote y Avril Lavigne.

En el evento estuvieron las modelos Dolores Fancy, Belén Carro, Betiana Wolemberg, Stephanie Demner, Bárbara Attias, el DJ Ale Lacroix, el músico Lucas White y el grupo Banda de Turistas, entre otras personalidades de la música y el espectáculo.

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CREDITOS: Ph: Monstruo Estudio. Producción: Monstruo Estudio. Maquillaje: Julieta Garcia. Vestuario: Diego Perez. Asistente Ph: Carlos Frith. Asistente producción: Fernando Margonari. Modelos: Luz Peacan Nazar, Dominique Gamondes, Josefina Perez Portillo y Delfina Pugliese para BasemodelosRock.. CREDITOS VESTUARIO: LUZ:  Campera Adidas Originals, Musculosa Levis, Calzas Tramando, Zapatillas Fila, Gafas Absurda. DOMINIQUE: Jogging Adidas Originals, Top y Zapatillas Fila. JOSEFINA: Musculosa Adidas Originals, Calzas Tramando, Zapatillas Fila. DELFINA: Campera y Top Fila, Jeans Levis, Zapatillas Converse. Agradecimientos Monstruo: Monique, gracias por permitirnos invadirte la casa, te amamos. Ricardo, gracias por abrirnos el parking.

big air in japan De Mojarrita a Ballena Blanca

La historia de alguien naturalmente contraindicado para realizar deportes, menos los extremos, se convierte en uno de los números uno. Fuerza de voluntad y la convicción, la receta mágica para superar los límites. Texto: BK Mag Staff. Fotos: Gentileza Red Bull.

Shinji Osada, un nipón que lleva ganada cinco veces la Copa de Canadá en estilo libre de esquí, tuvo una infancia muy lejana a lo que se convertiría su porvenir: no le permitieron realizar ningún tipo de deporte debido a un defecto cardíaco potencialmente fatal. Para pasar de ser un pez que nadaba en un pequeño estanque a un pez que nada en el Oceano, Shinji Osada tuvo que desafiar a sus padres y médicos que no le permitían ni salir a jugar debido a la enfermedad congénita que padece, Tetralogía de Fallot. Fue somedito a dos cirugías mayores antes de los cuatro años, pero lo consideraban un discapacitado. Pero al ver a sus hermanos jugar, sintió el deseo de romper algunas reglas y hacer lo mismo. “Quiero vivir sin arrepentimientos todo lo que pueda. Incluso si muero más joven por mi participación en deportes, lo haré sabiendo que mi vida fue buena”, afirma Osada. Y continúa, “Quiero practicar deportes de la forma en que el resto de las personas lo hacen, porque les resulta natural. Para mí, por supuesto, esto es una decisión de vida o muerte”. Decisión que tomó a los 12 años cuando vio un aviso de snowboard durante una visita a una tienda con uno de sus hermanos. Allí, compró una tabla económica y se fue a la montaña. Tal vez, el mismo hecho de saber que su tiempo podría ser limitado resultó en que emprendiera su tarea con mayor afán y motivación que las personas lo hacen habitualmente, y esto lo llevó al lugar donde se encuentra hoy.

“Preferiría que la gente no piense en mi discapacidad y que me viera como un esquiador primero”.

Shinji Osada ganó la competencia de salto más grande de su país cinco de las siete veces que se presentó. En 2009 participó del Festival Mundial de Esquí y Snowboard en Whistler y obtuvo el primer lugar de Salto Alto, convirtiéndose en el primer esquiador japonés en ganar una competencia internacional de este tipo, gracias al cuádruple perfecto que realizó (un girdo de 1440º).

“Esa fue la primera competencia en la que participé”, comenta Osada, “Estaba muy motivado. Cuando tenía 18 años tenía como meta la WSSF, así que ganar allí convirtió un sueño de seis años en realidad. Y estaba tan entusiasmado que creo que era natural que me emocionara. Creo que mis esfuerzos por lograr ese punto fueron expresados en mis lágrimas”. Desde entonces, ha competido en eventos de salto alto en Corea del Sur, España, Suiza y el Reino Unido. “A decir verdad, cuando gané el WSSF, creo que perdí el foco, porque había estado trabajando con gran determinación para esa meta durante seis años. Después de eso, tuve la fuerte sensación de que necesitaba mejorar mi habilidad más y más para obtener un buen desempeño en el gran escenario”, comenta. Actualmente se está entrenando para presentar nuevos trucos en su repertorio. Ha estado trabajando en ejes dobles, un tipo de doble salto mortal y prerrequisito de una corrida de estilo montaña de clase mundial. Un truco difícil en sí mismo, pero que si uno es un competidor que no puede aterrizar sobre el pecho por un problema cardíaco, y un eje doble mal calculado lo planta con el pecho sobre la nieve más a menudo que la mayoría de otros trucos –razón por la que se ha mantenido alejado de eso la mayor parte de su carrera-, entonces su dominio se convierte en algo más que un simple emprendimiento atlético. “Yo soy mi propio rival”, afirma Osada. “Cuando pienso que no puedo hacer algo o dudo si debería hacerlo o no, si no lucho contra mí y gano esa batalla, no puedo derrotar a otras personas”. La reciente apertura en Japón de una instalación de entrenamiento de esquí de estilo libre especializada lo ayudó a trabajar en su eje doble; pero él aporta su inquebrantable espíritu y foco que, finalmente, resultan claves en sus méritos.

Nombre: Shinji Osada Nació: 13 de enero de 1985, Sapporo, Japón Aire: Osada ha ganado cinco veces la Copa de Canadá, el evento de esquí de estilo libre de salto líder en Japón. Accidente al aterrizar: En el evento Jon Olsson Invitational de 2007 en Are, Suecia, el salto de Osada fue demasiado alto: se pasó del área de aterrizaje, pero no sufrió lesiones.

Rider: Dan Treadway Foto: Eric Berger / Red Bull Illume Spot: Whistler, BC, Canada Gentileza Red Bull

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vida x

John jackson

El rider del año

Fue elegido como el mejor snowboarder del año por las revistas Transworld y Snowbarder Magazine, fue figura en la película Fuck It y su presentación ha sido considerada como una de las mejores dentro de los riders que participan. Actualmente es esponsoreado por las marcas Forum y Special Blend. Txt: Macarena Nannucci.

John Jackson practica el snowboard desde los 11 años. Hoy, a sus 26, es el rider del año, elegido por las dos revistas más prestigiosas de snowboard a nivel mundial. Esponsoreado por Forum y Special Blend, Jackson se encuentra actualmente participando de dos proyectos. Por un lado, está grabando con la marca Forum y por el otro, está participando de una película junto al también destacado rider Travis Rice, que tiene como fecha tentativa de estreno el 2013. Ambos tuvieron la oportunidad de trabajar juntos en 2010 en la película Fuck It, auspiciada también por Forum. Para esto viajaron a Alaska durante un año para captar las mejores imágenes y los trucos maestros de Jackson. Esa experiencia “fue el mejor viaje de mi vida”, cuenta el rider y agrega que “fue todo muy difícil pero pese a las condiciones de la nieve y la inestabilidad del clima se logró registrar un excelente material”. Varios medios especializados han definido la participación del rider en la película Fuck It como una de las mejores que se han visto, e incluso, que su estilo ha llevado al freestyle snowboarding a un nivel superior. Amante de la pesca con mosca y de la vida al aire libre, Jackson busca su inspiración fuera de las pistas, en la montaña misma. “De esta forma se aprende a correr en todo terreno y aflora aún más la creatividad”, comenta. La conexión que hay entre la tabla de snowboard y el rider es fundamental para él, que siempre busca la creatividad en sus trucos y dice que le gusta salir a andar todos los días, “no importa si está nublado, nevando o hace frío”, le gusta encontrar cosas que los demás no pueden. Sale a explorar con su trineo nuevas zonas, incluso si hay tormenta. Cada día, para él, es una búsqueda constante. Otro de los hobbies que apasionan a Jackson es la música, principalmente el reggae. Actualmente dejó su cabello crecer y se hizo rastas. Dice que le gusta mucho ese estilo porque es positivo y le entrega mucho amor. “Siempre me pone de buen humor y me hace disfrutar de la vida aún más”, concluye. Pero con tanta actividad el rider tiene que hacerse el tiempo para poder recuperarse de una antigua lesión que no ha sanado del todo, cuando se rompió su ligamento anterior cruzado la temporada pasada. Para lidiar con esto ha estado entrenando mucho, tanto física como mentalmente. Pese a ello sus proyectos siguen y ya podremos ser testigos de una nueva participación, ya sea un en campeonato, película o video. No pierdan de vista a John Jackson que seguro seguirá dando de qué hablar. Fuente: Espn.com

Milton martínez El Rey de los X Games

Milton Martínez nació en Mar del Plata, y con sus cortos 20 años es el argentino más reconocido en el mundo del skateboard internacional. A sólo unas semanas de su regreso de Shangai, donde obtuvo la medalla de oro en la disciplina Skateboard street en los X Games Asia 2011, repasamos su corta pero prolífica trayectoria. Txt: BK Mag Staff. Fotos: Gentileza Red Bull.

Tras viajar largas horas rumbo a China por invitación de la  WCSK8 para participar de los X Games, competencia internacional que involucra a los mejores representantes de deportes extremos, el marplatense Milton Martínez se llevó el primer lugar del podio con una pasada abrumadora. Luego de obtener el  4to. lugar en la eliminatoria que sentenció los nombres de los cinco finalistas,  realizó una rutina compleja y rápida que le mereció la victoria en los juegos que se disputaron a principios de Mayo en Shangai. La presentación internacional de Milton fue en el año 2007, cuando con tan sólo 16 años ganó la medalla de plata en los X Games de México. En su casa se respira el mundo del skate desde que nació: su padre, su madre y sus cuatro hermanos lo practican. En un hogar donde siempre hay unas 25 tablas listas para montarles sus tracks y empezar a rodar, no podía esperarse menos que el nacimiento de uno de los mejores skaters profesionales del país.

De esta manera, al año de su presentación consiguió el primer premio en el Pro de Italia, en el Campeonato O Marisquiño de España y en el Open AMS de Mar del Plata, y el premio Jorge Newbery de Plata al Mejor Skater de la Ciudad de Buenos Aires, que luego ganó nuevamente en las siguientes dos ediciones. Desde ese momento, alterna su tiempo entre viajes, entrenamientos y demostraciones, tanto de Manual como de Street skate. El reconocimiento internacional lo ha llevado a participar de los mejores torneos de skate del mundo entre los cuales se encuentran las giras del Dew Tour y las fechas de la Word Cup, de exhibiciones y de producciones de fotos y videos para las más prestigiosas revistas y los programas con más audiencia de la especialidad. Recientemente, fue el ganador del circuito mundial en las paradisíacas playas de Copacabana en Río de Janeiro, donde fue el único argentino invitado a participar y el primer extranjero en ganar un contest en Brasil. Y sigue consolidándose en el exterior con visitas a países de Centroamérica y giras europeas por distintos torneos de la World Cup skateboarding -en el 2010 obtuvo el Bestrick en Praga, el primer lugar en las disciplinas Bowl y Street en Roma y el campeonato O Marisquiño en Vigo, España-. Sin lugar a dudas este joven marplatense seguirá escribiendo la historia del skate nacional, y habrá que seguirlo de cerca.

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Fermín eguia

El bestiario de Fermín

La obra de Fermín Eguía esconde extraños universos donde palabra e imagen van de la mano y lo monstruoso y lo bello se fusionan graciosamente. A continuación, un pequeño acercamiento a la obra de un gran artista elogiado por la crítica, codiciado por los coleccionistas y cuya obra, curiosamente, aún posee un valor de mercado muy bajo. Txt: Lore Cevallos.

Esquiva de la tendencia clasificatoria de estilos, la obra de Fermín Eguía (Comodoro Rivadavia, 1942) es el resultado de más de cuarenta años de trabajo por parte de un artista que ha mantenido a lo largo de su carrera la figuración como forma expresiva, a pesar del clima general de desvalorización que ha sufrido la pintura. A esto se suma un rasgo interesante, que tiene que ver con la técnica principal del pintor, la acuarela, que en el siglo XXI parecería anticuada. Sin embargo, Eguía renueva tanto lo figurativo como la técnica, y genera en su pintura una especie de mixtura entre el cómic y la técnica artística depurada. Es por la peculiaridad de su obra que todo intento de clasificación en torno a ella se ha vuelto una tarea poco exitosa. La crítica ha procurado ubicarlo en algún lugar entre la caricatura, el surrealismo, la ilustración y la pintura fantástica, pero al revisar su producción podemos percatarnos que tiene un poco de todo, sin ser ninguno a la vez. Cada cuadro de Fermín Eguía es un mundo que narra una historia a través del humor, la ironía y el erotismo, que cumplen el objetivo de llevarle al espectador un mensaje a través de códigos más libres, en general buscando romper con aquellos procedentes de la sociedad burguesa. Es probablemente la voluntad crítica del pintor la que revela su fuerte postura en contra de las normas rígidas y la negación de los impulsos de una sociedad pacata a través de toda una mitología-bestiario posmoderno que la encarna satíricamente. En su vasta iconografía hallamos un imaginario único protagonizado por seres maravillosos e inexplicables. Entre ellos encontramos a las famosas narices-hombres, seres vociferantes o dientudos, mosquitos que parecen helicóptero, cochecitos-insecto, teteras, tazas de té y panes con pies, manos y bocas, autitos-personaje, seres entre pulpo y araña o pinceles humanizados (que es el personaje con el que Eguía se representa a sí mismo). Todos aparecen en escenas teatrales, momentos detenidos en el tiempo o que parecen salidos de un cuento. También los encontraremos en retratos bucólicos, misteriosos paisajes del Tigre o reinterpretaciones de clásicos como El despertar de la Criada, en el cual Eguía nos muestra una curiosa escena erótica donde aquella criada de Sívori ya no despierta sola y tiene un amante que es una nariz. La clave dentro de la obra de Fermín Eguía es un poder transfigurador de lo real mediante el cual inserta dentro de lo cotidiano, lo familiar y lo reconocible, elementos de lo fantástico, lo sobrenatural y lo monstruoso. El resultado es un mundo poblado de objetos de uso cotidiano alterados y convertidos en seres graciosos o siniestros que funcionan como parte de un mensaje que será completado con la palabra, que en la obra de Eguía cumple un rol muy importante ya que, lejos de cerrar el sentido planteando una moraleja, aporta nuevos enigmas que atraviesan la imagen y la potencian. A su vez, en este juego que se establece, la imagen alcanza un poder fantástico, transmitiendo una magia donde la palabra ya no alcanza. Las imágenes de Eguía pueden parecernos graciosas, bellas o incluso terribles, pero lo que tienen en común es que ofrecen un ingreso simple a un mundo fantástico que en realidad

esconde cuestiones sociales y culturales complejas, que no son tratadas desde el pedestal de la alta cultura, sino desde la risa, el sexo, el asco, la ternura o el deseo. A pesar de ser un “inclasificable”, es evidente que la obra del comodorense tiene rasgos posmodernos de sobra. La metáfora, la parodia, la cita, la ironía y el humor son un leit motiv en toda su producción artística. También encontraremos en sus óleos y acuarelas un sentido de lo fatal que le otorga una atmósfera especial, quizás un sentimiento de oscuridad o de azar inescrutable. No es casual enfrentar este sentimiento al encontrarnos ante un mundo sobrenatural lleno de criaturas que salieron de la realidad cotidiana para instalarse en un lugar imaginario y en permanente mutación. Fermín Eguía sigue un proceso de desnaturalización de la realidad a través de la ironía, el humor y lo monstruoso, cuyo resultado es, por momentos, el roce con lo sublime.

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maxi vernazza Fotografiar los mitos

Maxi Vernazza es tal vez uno de los más envidiados por los fanáticos de Charly. Su vínculo con él lo convierten hoy en quien más ha fotografiado a la estrella rock. Pero ahí no termina su suerte, también fotografió infinidad de veces a Maradona… say no more! Txt: Ceci Rubino. Fotos: Prensa.

Vernazza conoció a Charly en 1997 cuando fue a tomarle unas fotos para la revista Gente con motivo de la reconciliación entre el músico y el medio. Le habían advertido que tuviera numerosos cuidados y precauciones para no volver a herir su susceptibilidad. “Cuando llegué el periodista ya estaba entrevistándolo. Esperé en el living, sentado sobre un sillón todo roto. Las paredes estaban pintadas; las alfombra, totalmente manchada de lo que imaginen. En un momento salió de la cocina la mucama, que andaba de uniforme, y empezó a pasar la aspiradora. ¡Hasta me hizo levantar las piernas! La producción duró unos veinte minutos y estuvo buena: yo lo fotografiaba mientras él corría por toda la casa. En un momento me dijo: Me aburrí. Yo le contesté: Chau. A partir de ese momento, primero la gente de él y después él, me empezaron a pedir para las notas”, cuenta Vernazza, que en principio no sentía una admiración particular o profunda por Charly, pero que la experiencia de encontrarse con él y poder registrar su intimidad lo convirtieron en su fan número uno; “sobre todo del personaje Charly García”, afirma. Lo que empezó con una cobertura periodística terminó convirtiéndose en una amistad que le permitió a Vernazza fotografiar a Charly en su departamento de Palermo, en giras, grabaciones, vacaciones, cumpleaños. “De ahí logré una intimidad con él”, comenta. Es decir, de meterse en la fibra menos visible de una figura pública: su vida cotidiana. Esto fue lo que Vernazza compiló en 74 fotos de gran tamaño que exhibió en el Centro Cultural Recoleta durante el mes de marzo pasado. Se trataba de piezas de 1 x 1 en las que podía verse todo el trabajo realizado por el fotógrafo con el músico entre 1997 y 2009. Una forma de humanizar la vida tan mediática de una estrella de rock, que para el momento en el que se realizaba la muestra estaba celebrando su vuelta a los escenarios y su recuperación. La idea de Vernazza al realizar esta muestra era, de alguna manera, romper con el mito del rockstar mostrando que Charly, como todos, es un tipo común que no está todo el día rompiendo cosas sino que cocina, hace cosas cotidianas, etc. Cuando le preguntamos por sus sensaciones al ver toda su obra colgada junta nos contesta: “­Me emocioné mucho, son catorce años fotografiando nada menos que a Charly. Muchas de las imágenes nunca las vio nadie más que mi familia o algún amigo. Pero lo que mas me emocionó fue el día que la muestra estaba expuesta en el Centro Cultural Recoleta y fue Charly a verla. Increíble, ¡una cosa impensada!”. Vernazza no sentía una especial inclinación por ser fotógrafo de rock, fue algo que se dio de manera natural y como parte de su trabajo de fotoperiodista, que hace que se considere un “privilegiado por poder vivir de esto”. La fotografía como medio de expresión en su vida nace a raíz de la influencia de un amigo, y a partir de ese momento nunca la dejó. De su profesión admira a Walter Astrada, Carlos Barría y Rodrigo Abd, tres argentinos que trabajan en las agencias de noticias más importantes del mundo. Volviendo a su relación con el músico, nos cuenta también que el hecho de fotografiar a Charly no hizo que se modificara su acercamiento a la música. La relación se estableció desde otro lugar, tal vez desde el lugar en que uno se acerca a un amigo. “Nunca me dijo que no a una foto, siempre pude fotografía lo que quería; él confía en mis propios límites”. Quizá este sea ese plus que tiene el trabajo de Vernazza, que no hay una aspiración por algo más allá de lo que se ve; sus obras pueden entenderse como distintos retratos que, sostenidos en el tiempo, permiten que la gente que no tiene ese grado de confianza con el ídolo del rock pueda enterarse de sus pequeñitos detalles. “El Charly que se ve en mis fotos es el que se puede ver siempre. Como lo ves, vive”. Cuando le preguntamos a qué otro músico le gustaría fotografiar nos contesta: “A ninguno en particular. Pero por suerte, a otra persona que pude fotografiar mucho - aunque no tanto como a Charly- es a Maradona, del que siempre fui fanático”. Las pequeñas alegrías que puede darte una profesión…

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teatro

teatro

Lo que hay para ver

Para estos meses en los que ya hace fr铆o y las salidas empiezan a ser a lugares cerrados y con calefacci贸n preferentemente, te recomendamos algunas obras de teatro para que, c贸modo y calentito, disfrutes de la escena teatral porte帽a. Txt: Ceci Rubino.

Un teatral estreno cinematográfico. Esta vez elegimos tres propuestas bien distintas entre sí. Van de menos a más convencionales, pero son obras en donde siempre se privilegia la buena actuación. A veces podemos pensar que la teatralidad tiene que ver el espacio donde genera la obra, que haya un escenario o que estén diferenciados los asientos para el público. Sin embargo, la obra Un Hueco cuestiona este concepto. Sucede en el Club Estrella de Maldonado, un típico club de barrio donde se juega el fútbol 5, al Volley y se dictan clases de Patín. Esos clubes a los que nos llevaban nuestros padres cuando por los ochentas éramos chicos y que hoy son casi un tesoro en el barrio. Allí, Patricio Aramburu, Nahuel Cano y Alejandro Hener le dan vida a tres amigos de la infancia que vuelven a verse a causa de un hecho nefasto: la muerte del cuarto amigo. De todos los espacios posibles del club, el director Juan Pablo Gómez elige el que menos teatralidad dispara a simple vista, el vestuario. Es gracias al mundo sensible que construyen los actores que la obra toma cuerpo y el espacio se convierte en pura teatralidad. De hecho, el carácter realista del vestuario potencia el clima que generan estos tres amigos que se encuentran después de varios años. Dos de ellos nunca han dejado su “pueblito” natal (donde sucede el velorio), pero uno de ellos si y vive ahora en “La Capital”. En el encuentro salta a luz el paso del tiempo, los reproches y reclamos de viejos amigos que hace tiempo no se ven, las diferencias, el dolor por el amigo que ya no está, el recuerdo, las anécdotas; todo esto en la piel de estos tres increíbles actores que no temen encontrarse con el costado sensible de la masculinidad ni con el afecto propio de los amigos.

El 13 de junio estrena Un Mundo Misterioso, la nueva película de Rodrigo Moreno (el director de El Custodio). Se trata de una pieza cinematográfica que tiene varios elementos teatrales. En primer lugar los actores, que son todos del circuito de teatro del off porteño: Esteban Bigliardi y Cecilia Rainoso. También cuenta con la participación de Rosario Blefari. El film se estrenará sólo en una sala (Atlas Santa Fé), imitando el ritmo de las obras de las obras teatrales ya que estará en cartel durante dos meses consecutivos. Esta nueva película, coloca a su director en nueva búsqueda estética, mucho más libre que su película anterior. El film comienza con una escena pos coital en donde la novia de Boris (Bigliardi) le pide un tiempo. Este tiempo, la separación, es la excusa para que la película comience su viaje arrojando excelentes vistas de la Ciudad.

En el Camarín de las musas se presenta Mujer Armada, Hombre Dormido pieza de Martín Flores Cárdenas. Un título sugestivo que se intensifica cuando al entrar a la sala vemos la escenografía simple, sutil y minimalista. Esta decisión estética no es de extrañar en el joven director (que está en sus veinti largos) y que anteriormente trabajó sobre cuentos de Carver en Catedral. Esta nueva propuesta lleva a un máximo punto de desarrollo esos primeros pasos que había dado años atrás, asentándose como uno de los nombres más interesantes del off porteño. Sus propuestas siempre encuentran un balance entre la innovación y tradición; es decir, hay un amplio lugar para la experimentación y la novedad pero el espectador no queda afuera; justamente como la obra se apoya en las actuaciones tan cuidadas y creíbles hay espacio para que podamos conmovernos y experimentar lo que se atraviesa en la escena; sin por eso dejar de sentir que la manera en la que nos llega es totalmente novedosa. Por último, para celebrar el centenario del nacimiento del maestro norteamericano Tennessee Williams, Daniel Veronese decidió homenajearlo con una puesta de Un tranvía llamado deseo que se presenta en el teatro Apolo de miércoles a domingos. Esta nueva versión, es fiel al libro de Williams. La primera versión fue estrenada por Elia Kazan en 1947. Si bien Veronese es ya un consagrado director que en general juega con los textos haciendo versiones que se caracterizan por una libertad estética (como por ejemplo una versión de Las Tres Hermanas de Chejov en dónde ellas son varones), aquí no se da permiso para este juego. Eso se extraña. No obstante, la obra cuenta con actuaciones excelentes de Érica Rivas en el papel de Blanche Dubois y Diego Peretti en el rol de Stanley. Es tal vez una oportunidad de ver un clásico, literalmente hablando.

Cartelera Un Hueco. Domingos a las 17:00hs en Club Estrella Maldonado (J. B. Justo 1439, CABA). Mujer armada, hombre dormido. Sábados a las 23:15hs en el Camarín de las Musas (Mario Bravo 960, CABA). Un tranvía llamado deseo. De miércoles a domingos en Teatro Apolo (Av. Corrientes 1372, CABA).

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con los ojos llenos Cómo y dónde ver todo eso que te perdiste Pasó el 13º Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente, una nueva fiesta para todos los cinéfilos en busca de esas películas que no llegan nunca. O sí. A continuación, un repaso de lo mejor que pudo verse, además de algunas recomendaciones para que sus posibles estrenos no te agarren desprevenido. Texto: Leo Gutiérrez 438 películas entre largos y cortos, con el récord de 113 producciones nacionales. 1083 funciones divididas en 11 sedes. Más de 300 invitados de todo el mundo. 210.000 entradas vendidas, y un total estimado de 300.000 asistentes, un 10% más que la anterior edición. Más secciones, más actividades especiales, más proyecciones al aire libre, más charlas. El Bafici, de la mano de su cada vez más aceitada organización y un público ávido por descubrir un cine distinto, volvió a ser un éxito absoluto, y esto casi que ya no es noticia. Pero más allá de los números, el Festival sigue potenciando un rasgo que ha sido su marca desde el inicio, y que el público que no lo frecuenta desconoce: su amplitud. Una amplitud que, paradójica y felizmente, más de una vez pone en cuestión su propia condición de “independiente”. En el Bafici uno puede ver una película de 4 horas del húngaro Bela Tarr o un estreno anticipado de Los Marziano; El gatopardo en versión restaurada o Torrente 4; disfrutar de un foco dedicado a Godard o dejarse llevar por (o como) un chico a una animada del Baficito. No es un cambalache, sino la generosidad de un festival multiforme que permite que convivan en su programación, ni más ni menos, un foco de cine realizado en el primitivo y nostálgico Súper 8 con tres films producidos con la última tecnología 3D. Sí, en el Bafici se pudo ver cine “artesanal”, casi casi hecho en vivo y en directo, y también calzarse los anteojitos para ver la última locura (en todo sentido) de Herzog. Ahora bien, queda claro para qué sirve un festival como el Bafici, pero la pregunta que surge, a un mes de su finalización, es: ¿para qué puede servir la mera crónica del mismo, o eso que llamamos “balance”? ¿De qué manera intentar que se expanda en el tiempo, y que no quede sólo ahí, en once días repletos de buen cine? La respuesta es sencilla: más que hacer un simple repaso, advertir sobre aquellas películas que hicieron la diferencia, pero también, y especialmente, sobre la posibilidad de verlas. Lo que sigue, entonces, es un resumen de esas películas que no te podés perder, más algunos tips para encontrarlas.

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La mayoría de las películas nacionales presentes en las distintas competencias suelen estrenarse, aunque no siempre con la rapidez que deberían (como la extraordinaria e imprescindible Los labios, de Santiago Loza e Iván Fund, del Bafici 2010, actualmente disponible en el Malba y la Lugones). Por esto se recomienda chequear mensualmente la programación de dicho museo, que suele ser el anfitrión predilecto de estos grandes films con escasa difusión. Habrá que estar atentos, entonces, a las premiadas El estudiante, a La carrera del animal y a Yatasto, pero especialmente a la divertidísima Novias-madrinas-15 Años, un documental simple y encantador que demuestra que no hay que ser Herzog e internarse en el confín del mundo para encontrar personajes (y anécdotas) increíbles: con meter la cámara en una sedería de Once alcanza. Lo mismo ocurre con dos películas uruguayas que fueron de lo mejor que pudo verse en la Competencia Internacional:

Norberto apenas tarde, el encantador debut como director del también encantador Daniel Hendler, y La vida útil, un bello ensayo cinéfilo (y humano) acerca de los avatares de un empleado de la cinemateca uruguaya (el crítico Jorge Jellinek, ganador del premio a Mejor Actor).

seguramente tendrá su estreno. Mientras tanto, es para celebrar el arribo de otra película de la Competencia, la italiana Le quattro volte, un film moroso y mínimo pero cautivante y no exento de humor, que fascina por sus hazañas formales (el plano secuencia del perro y la procesión es de antología), y que tiene unas cabras que parecen salidas de una película de Pixar.

disponible en algunas señales de cable, que permite ver en TV películas descargadas en Internet, donde podrán encontrarse varios títulos del Bafici, en gran calidad y con subtítulos.

El resto, a esperar el acierto de alguna distribuidora local, la proyección en algún cineclub (se recomienda chequear el del Buenos Aires Mon Amour, de muy buena programación), el lanzamiento en DVD o la alternativa más novedosa e interesante: el sistema Video On Demand,

Poder ver el resto de la producción internacional es un poco más complicado. Más allá de los estrenos de la ganadora de Cannes, El hombre que podía recordar sus vidas pasadas, y las confirmaciones de Copie conforme de Abbas Kiarostami y Blue valentine, muchas suelen tardar más de un año en estrenar, incluso las galardonadas (como la bellísima Alamar, ganadora de la Competencia Internacional de 2010, que llega –por fin- el 30 de junio), y la mayoría puede perderse en el olvido. El film que obtuvo el máximo galardón en la presente edición, el documental francés Qu´ils reposent en révolte (des figures de guerres),

Quizá tengamos suerte –atención distribuidoras- con la increíble Truth about men (ver aparte), At Ellen´s age, original film alemán sobre una azafata a la deriva, o Shelter, comedia agridulce búlgara con grandes diálogos y un manejo de cámara admirable. Y habría que ponerle unas fichas a Morgen, una película emocionante y entradora con varias escenas memorables, que ratifica que el cine rumano es de lo más interesante que se está haciendo actualmente en Europa.

Párrafo aparte merece la mejor película vista en la Competencia del Futuro, sección que es algo así como el corazón del Bafici, y una de las grandes sorpresas del festival (anoten): Separado!, un apasionante documental autobiográfico protagonizado y codirigido por Gruff Rhys, líder de los Super Furry Animals, quien decide recalar en nuestros pagos, más precisamente en la colonia galesa de Chubut, en busca de un extravagante antepasado suyo, también músico. El resultado es un trip bizarro y desopilante plagado de buena música, pero también con espacio para descubrir anécdotas increíbles o explorar episodios menos conocidos de nuestro propio país. Sencillamente imperdible. Por otra parte, y ya fuera de competencia, dentro de las distintas secciones, cabe aguardar por American passages, un documental magistral sobre los Estados Unidos post crisis. O Meek´s cutoff, un atípico y reposado western de Kelly Reichardt (directora de la excelente Wendy and Lucy). O la querible Mammuth, con Gerard Depardieu. O la apasionante e inolvidable Tournée, cuarto film dirigido y protagonizado por el enorme Mathieu Amalric (La escafandra y la mariposa). Y por qué no, también, ponerle unas fichas a los títulos más hiteros y festivos que se vieron en las colmadas trasnoches: la sangrienta 13 Assassins, de Takashi Miike, la bizarrísima Norwegian ninja, y la desquiciada canadiense FUBAR: Gods of blunder. Anoten, busquen y vean. Pasó un nuevo y atrapante Bafici, pero las películas quedan. Sólo hace falta salir a su encuentro.

TOP 1: TRUTH ABOUT MEN Si hablamos de “una romántica danesa”, más de uno pensaría en el cine más bien moroso y solemne al que nos tienen acostumbrados los escandinavos, o vendría a su mente el exitoso pero gastado Dogma 95. Bueno, no. Truth about men es una comedia romántica moderna, ácida y veloz como pocas, repleta de buenos chistes, que nada tiene que envidiarle a las mejores producciones de Hollywood. Pero esta historia de un guionista en plena crisis de los 30 y a punto de casarse es también inteligente, reflexiva y emocionante; una suerte de Alta Fidelidad, pero con el guión (y el cine, y la ficción) en lugar de la música. Es decir, una película con lo mejor del género: la historia de siempre, pero contada como nunca. Y de paso, la prueba viviente de que cada Bafici puede deparar la sorpresa de ver un film “industrial”, de género y puramente narrativo pero absolutamente inolvidable, que de otra manera jamás habríamos visto.

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1- Luciano Caceres experimentando la velocidad del nuevo servicio Arnet Turbo 7 Megas. 2- Ludovico Di Santo experimentando la velocidad del nuevo servicio Arnet Turbo 7 Megas. 3- Chechu Bonelli experimentando la velocidad del nuevo servicio Arnet Turbo 7 Megas. 4- Candela Vetrano experimentando la velocidad del nuevo servicio Arnet Turbo 7 Megas. 5- Victorio D´Alessandro experimentando la velocidad del nuevo servicio Arnet Turbo 7 Megas. 6- Chechu Bonelli y Marco Antonio Caponi sorprendidos con la rueda Beldent. 7- Flor Torrente en la presentación del citi de “Cuando Harry conoció a Sally”. 8- Sofía Zamolo en la presentación del citi de “Cuando Harry conoció a Sally”. 9- Lucas Ferraro y Guillermo Pfening en el evento de Fila One Hundred. 10- Barbara Attias y Ale Lacroix en el evento de Fila One Hundred. 10

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11- Melisa Stasiuk, Lucas White y Stephanie Demner en el evento de Fila One Hundred.

some news Tic Tac lanza su primer sabor mixto: cereza y maracuyá Con la presentación del pastillero más grande del mundo en el Shopping Abasto y en el marco de una promoción con importantes premios que durará hasta fines de junio, Tic Tac presenta su primer sabor mixto: cereza y maracuyá. La promo incluye premios como un Citroen C3 Aircross 0 Km., 3 Full Screen Led TV 32’’, 6 DVDs portátiles doble pantalla y 60 premios de Tic Tac gratis por un año. Para participar, sólo hace falta entrar a www.tictac.com.ar y mutiplicar las chances de ganar recomendando el sitio a amigos en Facebook, o acercarse al stand del Abasto para contestar la pregunta: ¿De qué sabor hay más en la caja gigante de Tic Tac: Cereza o Maracuyá?.

I.Sat y TCM presentan Orgullo y Prejuicio: un ciclo de cine contra la intolerancia En junio, mes del orgullo gay, I.Sat y TCM presentan una iniciativa inédita de cross programming, dedicada a explorar el tratamiento que hizo el cine de esta temática y la construcción de los distintos estereotipos homosexuales en la pantalla -y, en consecuencia, en el imaginario popular-, a lo largo de ocho décadas. Se podrán ver títulos como Morrer como um homem, del portugués Joao Pedro Rodrigues sobre el ocaso de una veterana transexual en Lisboa, la ganadora del Oscar a Mejor Guión Milk, sobre el militante estadounidense de la comunidad gay de los años ’70 protagonizado por Sean Penn, documentales y cortometrajes. Todos los lunes de junio a partir de las 22.00 por I.Sat, y los martes por TCM, ambas en doble función.

Las mejores marcas de Freestyle Snow llegan a la Argentina Forum, Special Blend y Four Square, tres de las mejores marcas de Freestyle Snowboard de Estados Unidos ya están siendo comercializadas en nuestro país por Florida Importa S.A. Tablas, fijaciones, botas, camperas y pantalones para hombres y mujeres son algunos de los productos que se pueden encontrar a partir de esta temporada otoño-invierno en los locales de 7Veinte Store de Martínez, Buenos Aires y de Extrema Patagonia Duty Free de Ushuaia. Las tres marcas se dedican a comercializar productos especializados para practicar Snowboard y patrocinan a los riders más importantes del mundo en películas, videos, publicaciones y otras estrategias de promoción.

Invierno 2011 en Cerro Chapelco Chapelco Ski Resort inicia una nueva temporada en su centro de pistas de esquí y snowboard, el más importante de la Provincia de Neuquén, ubicado a 20 Km de San Martín de los Andes. Como todos los años, se renueva y mejora para continuar brindando a sus visitantes una experiencia inolvidable, con 24 pistas con variados niveles de dificultad que recorren bosques de lengas, cañadones, y miradores, tres nuevos itinerarios fuera de pista para expertos, un Snowpark para los amantes de los saltos, nuevos paradores para almorzar o tomarse un tiempo para ver el imponente paisaje, y eventos deportivos como el World Polo Tour y el Tetratlón de Chapelco, que lo consolidan como escenario indiscutido de los torneos y campeonatos internacionales de deportes de invierno en diferentes disciplinas.

PH Matias Stoliar

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A S I R U T N E E QU E DE QUE T R A L S E Ă A M V E I D V S O L N A I R


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