Regeneration by Opera Gallery, Art et antiquités

generation Perspectives on Contemporary Korean Art

PRÉFACE

En association avec notre galerie à Séoul, Opera Gallery Paris a souhaité présenter avec force un panorama actuel de la scène artistique coréenne au travers d’une sélection rigoureuse d’œuvres de onze artistes emblématiques. Pour la première fois à Paris, l’exposition Regeneration, Perspectives on the Contemporary Korean Art se propose de mettre en lumière la force créatrice de la scène contemporaine coréenne et de souligner ses spécificités. Tandis que le public international est déjà familier avec l’art contemporain japonais et chinois, l’art contemporain coréen se révèle être selon nous un des terrains de création les plus innovants et les plus fascinants grâce à ce que l’on peut nommer aisément une poétique du matériau. Dans un jeu de communication constant avec ses traditions et son passé culturel, la création coréenne actuelle tend à définir et à dégager les contours d’une identité singulière. Ces artistes se distinguent généralement par la sobriété de leur travail, la quête d’une harmonie au travers de son utilisation de la ligne et de la forme, un usage de la couleur enclin au minimalisme, comme si leurs créations visaient à un équilibre épuré dans un pays dont les considérables transformations récentes ont pu être la source d’une inventivité originale. La nature est omniprésente. Elle peut être le sujet des œuvres ou le médium qui permet l’expression. Repenser et représenter la nature dans un pays qui a connu une des modernisations les plus spectaculaires ces dernières décennies est un véritable défi. Les sculptures en bois de Lee Jae Hyo transforment et révèlent à la fois l’essence de ce matériau, elles sont dotées d’une aura méditative qui rappelle les œuvres

traditionnelles bouddhistes mais aussi le Land Art ou l’Arte povera. La réévaluation de la place de l’homme dans l’équilibre social de la société coréenne et le questionnement sur son identité constituent l’épicentre des réflexions de ces artistes. La notion de modernisation et ses conséquences aliénantes sont questionnées au travers de la figure humaine mécanisée des sculptures de Seo Young Deok notamment. L’artiste Lee Lee Nam intègre l’art digital et la vidéo à ses créations aux apparences traditionnelles. La singularité du médium est alors envisagée comme une signature: chacun a son propre matériau, sa propre technique et s’interdit tout emprunt ; les boutons pour l’artiste Ran Hwang, le bois pour Lee Jae Hyo, le polycarbonate retro éclairé et l’acrylique pour Son Bong Chae, le charbon pour Bahk Seon Ghi, le feu pour Han Kyung Won, le papier mûrier pour Kim Illwha… Cette originalité leur est propre et permet un enrichissement et un renouveau de la création artistique. Il nous a semblé que les productions de la scène contemporaine coréenne dénotaient une poésie singulière et un anticonformisme subtil et font ainsi de ce pays un des nouveaux foyers de la création mondiale qui mérite de s’y arrêter longuement ensemble. Gilles Dyan Président et Fondateur Opera Gallery Group Fatiha Amer Directrice Opera Gallery Paris

FOREWORD

In association with our gallery in Seoul, Opera Gallery Paris is proud to present a panorama of today’s Korean art scene, a meticulous selection of the works of eleven emblematic artists. For the very first time in Paris, ‘Regeneration, Perspectives on Korean Art’ throws a spotlight on the creative strength and uniqueness of Korean Contemporary Art. While the world is quite familiar with Japanese and Chinese creations, their Korean cousins, in our opinion, seem to bathe in a particularly fertile environment for creating fascinating, innovative works, the result of what we think of as a poetry of mediums. Constantly revisiting their traditions and cultural history, Korean artists are fleshing out the beginnings of a quite singular identity. Their creations are always sober, simple; a quest for harmony reflected in the artist’s use of lines and shapes; a use of colors that is often subdued, as if the creations themselves were seeking simplicity in a country having undergone such major transformations, most likely at the root of Korean inventiveness and originality. Here, Nature is ubiquitous, found in both subject and medium. To rethink and represent Mother Nature in a place that has recently experienced one of the most spectacular modernizations the world has ever known is a true challenge, indeed. Lee Jae Hyo’s wooden sculptures transform and reveal the essence of the material employed, which in turn lends a sort of meditative aura, instantly reminding us of traditional Buddhist works, Land Art and Arte Povera. Rethinking man’s place in a harmonious, Korean society and questioning one’s identity are at the core of the thought process of today’s Korean contemporary artist. The notion of

modernization - and the fallout that follows are explored through Seo Young Deok’s robotlike sculptures of men and women. Lee Lee-Nam mixes up digital and video for creations with a traditional touch. The novelty of the medium used is a signature feature of Korean Contemporary Art. Each artist has his own preferred material and technique, with no two artists using the same. For Ran Hwang this means buttons; Lee Jae Hyo prefers wood; Son Bong Chae opts for LEDilluminated polycarbonate glass and acrylic; Bahk Seon Ghi adopts charcoal; Han Kyung Won uses fire; Illwha Kim stages hand-dyed hanji, also called mulberry paper. Such originality in the mediums used can only be seen only in Korean Contemporary Art which has embellished and transformed it. The more we study these creations, the more we discern a unique, poetic element combined with a subtle hint of anti-conformism. This explains, in part, why Korea is such a new, exciting hub of artistic talent, worthy of our utmost attention. Gilles Dyan Chairman and Founder Opera Gallery Group Fatiha Amer Director Opera Gallery Paris

L’exposition Regeneration, Perspectives on Contemporary Korean Art présente le travail de onze artistes coréens incontournables de la scène contemporaine. Cette sélection souligne la volonté commune de ces artistes de créer une harmonie entre la technologie et la nature. La notion de « régénération » est explorée à travers l’évolution de nouveaux médiums et de la tradition artistique coréenne. Suh Jeong Min exploite des matériaux traditionnels et revisite l’histoire culturelle de son pays au prisme de l’art contemporain. Han Kyung Won édifie de sublimes montagnes de cendres qui révèlent le lien entre création et destruction. Les paysages en trois dimensions de Son Bong Chae et les œuvres numériques de Lee Lee Nam explorent la nature dans un monde envahi par la technologie. Par sa matière ou par son artifice, chaque œuvre plaide pour la Nature et tente un renouvellement, une véritable renaissance. Tous ces créateurs sont originaires et ont été formés en Corée du Sud. Riche et fascinant, ce pays peut s’enorgueillir d’un héritage artistique à présent reconnu et encensé dans le monde. Son patrimoine, fort de traditions et de savoir-faire millénaires, alimente aujourd’hui une dynamique artistique remarquable. D’abord célébré localement, l’art contemporain coréen prend enfin sa place sur la scène internationale grâce à de nombreuses expositions muséales d’envergure. De fait, hors Lee Ufan et Nam June Paik, peu de créateurs coréens, malgré leur talent évident, n’ont eu jusqu’à ce jour les honneurs du marché de l’art. Sans préséance et dans un même élan créatif, de l’illustre Kim In Kyum, premier représentant de son pays à la biennale de Venise en 1995, au tout débutant Seo Young Deok, Regeneration rassemble et fédère.

Tous ces artistes ont été influencés par les courants artistiques des années 1970, lorsque le Land Art et le Minimalisme prédominaient en Occident. Les matériaux naturels sont dès l’origine le médium privilégié des artistes coréens. L’élan créatif de leur pays est alors rythmé par le cycle de la nature. Comment l’Homme a-t-il modifié la Nature ? Quelle place lui accorde-t-il à présent ? Que révèle son action sur elle ? Les sculptures de bois de Lee Jae Hyo et celles de charbon de Bahk Seon Ghi sont l’exemple lumineux de ce qui réunit les artistes de Regeneration en abordant toutes sortes de matériaux dont la pierre, le tissu, le bois et l’acier. Tous aspirent à un affrontement avec la Nature, et à souligner le paradoxe du matérialisme qui la modifie inexorablement. Suh Jeong Min a, lui, exprimé la relation entre tradition et utilitarisme en moulant des milliers de morceaux teints de papier mûrier qu’il accumule avec raffinement. Touchés aussi par l’évolution industrielle et technique, ces artistes ont élaboré à l’inverse une façon de révéler les formes naturelles au travers de matériaux artificiels. Les arbres gigantesques soudés de cuivre de Lee Gil Rae crient à la déforestation et le pillage des ressources naturelles. Son Bong Chae, avec ses arbres en 3D sur plaques de polycarbonate rétro éclairées, nous alerte sur la modification de la nature et nous rappelle que nous en sommes pleinement responsables. Ran Hwang dénonce les paradoxes de la production sur les paysages en martelant épingles, perles et boutons sur du bois nu. Les paysages menaçants et menacés que la flamme de Han Kyung Won marque dans des morceaux de bois non traités et les anneaux de chaînes montrant les hommes, les femmes et les enfants esseulés de Seo Young Deok révèlent la puissance de ces jeunes artistes. Regeneration rassemble trente années de création artistique coréenne dont l’excellence technique, la variété d’expression et l’usage d’un médium singulier sont mis au service d’une puissance créatrice rare. Gili Karev, Critique d’art

Regeneration, Perspectives on Contemporary Korean Art is an exhibition showcasing the work of eleven major Korean artists in today’s contemporary art scene. The selection highlights the artists’ shared desire to strike a harmonious balance between technology and nature, exploring the evolution of new mediums against the backdrop of Korean artistic traditions. The concept of regeneration appears here in a variety of forms. Suh Jeong Min’s contemporary style uses traditional materials to revisit cultural history; Han Kyung Won’s sublime mountains made from the ash of burning wood evoke the inalienable bond between creation and destruction. Son Bong Chae’s 3D landscapes and Lee Lee Nam’s digital renderings depict the organic through the lens of the man-made. Each piece evokes nature, embodies a unique process of renewal, restoration and growth. A tenet of this exhibition holds that each participating artist be born and raised in Korea. Korea has a rich and fascinating artistic heritage, the result of a striking combination of native traditions, technical craftsmanship, radical creativity and an irrepressible spirit. Yet with all its cultural accolades, Korean art has only just begun to receive recognition in the international arena. With the exception of a handful of Korean artists whose legacies have left their mark in the history of Western art - Lee Ufan and Nam June Paik come to mind - scores of gifted creators, many of whom have experienced immense success locally, have been left out of the global discourse. A slightly unconventional mix, the artists of Regeneration include the most established artists as well as up and coming talent, from Kim In Kyum, who represented Korea in the first Korean Pavilion at the Venice Biennale in 1995, to Seo Young Deok, who is just beginning to make his noteworthy mark in the art world. All of the above mentioned artists share a connection to art movements of the 1970s, a time when the concepts of Minimalism and Land Art were popular in the West. Using the innate properties of natural objects as a starting point, the tendency that prevailed in the Korean art scene in the 1970s was on the effects of the passage of time on nature’s cyclical processes. Seeking to understand man’s impact on nature’s infinitude, works depicting man-made intrusions on nature were often used to highlight the paradox of materiality.

Seen most acutely in the cross-sectional wood sculptures of Lee Jae Hyo and the ethereal charcoal sculptures of Bahk Seon Ghi, the intentional, artistic strokes on stone, fabric, wood and steel communicate humanity’s influence on nature’s virility. Artists such as Suh Jeong Min interpreted this theme using the relationship between tradition and function, moulding thousands of hand-dyed pieces of hanji paper into painstaking compositions. The emphasis on ‘many parts making up a whole’ was and remains an integral component at the heart of Korean art: exploring the rhythm of nature’s cycles. Affected by continued industrial and technological growth, artists drawing from this initial thematic spirit created their own inverted language depicting natural forms through unnatural materials. Lee Gil Rae’s massive copper-welded ‘trees’ speak of the effects of deforestation and man’s interference with natural resources; Son Bong Chae dwells on the steady destruction of nature in his ethereal paintings on layers of LEDilluminated polycarbonate glass; Ran Hwang depicts the paradox of massproduction on natural landscapes by hammering thousands of pins, beads and buttons into wood. Two of the most promising young artists in this selection are Han Kyung Won, who burns foreboding landscapes into thick pieces of untreated wood, and Seo Young Deok, who welds hundreds of pieces of iron chains into humanlike figures, poised in varying degrees of anguish and meditation. Chosen for their technical mastery and thematic expression, the artists of Regeneration examine the way in which the concept has affected the artistic mood in Korea over the last thirty years. By focusing on renewal, growth and man’s everchanging relationship with nature, we hope to propel the underpinning essence of these works into a new sphere, enabling both the discovery of some of the nation’s most talented artists within a new context, and the perpetuation of the evershifting process of regeneration.

Gili Karev, Art critic

KIM

In Kyum

b. 1945

Kim In Kyum naît en Corée en 1945. Il obtient un diplôme en Sculpture en 1973 et un diplôme en Sciences de l’Art à l’Université de Hongik en 1985. Pendant la décennie suivante, en parallèle de son travail artistique, Kim In Kyum est maître de conférences à l’Université de Hongik, de Kyung Hee, et de Séoul. Jouant avec des configurations de dimensions, le travail subtil de Kim In Kyum sur l’espace a fait de lui l’un des sculpteurs les plus renommés de Corée. Il a notamment représenté la Corée à la Biennale de Venise en 1995, et a été le premier artiste coréen invité par le Centre Pompidou à Paris en 1996. On a pu voir les œuvres de Kim In Kyum dans de nombreuses expositions locales et internationales, comme la Biennale de Venise, le Musée national d’Art Contemporain de Corée, le Musée d’Art de Séoul, le Musée d’Art Contemporain de l’Université de Hong-Ik à Séoul, le Centre d’Art Arko et le Musée d’Art Sejong Centauri de Séoul.

Kim In Kyum was born in Korea in 1945. He received a BFA in Sculpture from Hongik University in 1973, and an MA in Art Education from the same university in 1985. In the following decade, Kim In Kyum worked as a lecturer at Hongik University, Kyung Hee University, and Seoul City University alongside his artistic development. Playing with configurations of dimensions, Kim In Kyum’s spatially ambiguous works have made him one of Korea’s most renowned sculptors. He represented Korea at the 1995 Venice Biennial, and he was the first Korean artist invited by Pompidou Center in Paris in 1996. Kim In Kyum’s works have appeared in numerous local and international exhibitions, including the Venice Biennial, the National Museum of Contemporary Art Korea, the Seoul Museum of Art, the Contemporary Art Museum of Hong-Ik University (Seoul), the Arko Art Center, and the Sejong Center Museum of Art (Seoul).

Space Less, 2015 Acrylic ink on paper 78.8 x 109 cm - 31 x 42.9 in.

KIM

In Kyum

b. 1945

Space Less, 2015 Acrylic ink on paper 78.8 x 109 cm - 31 x 42.9 in.

KIM

In Kyum

b. 1945

Space Less, 2013 Stainless steel black mirror 117 x 116 x 5 cm - 46.1 x 45.7 x 2 in.

SON

Bong Chae

b. 1967

Son Bong Chae naît en Corée en 1967. Il étudie les Beaux-Arts à l’Université Chosun de Gwangju et obtient un diplôme en arts au prestigieux Pratt Institute à New York. Il est l’un des premiers artistes à utiliser l’art cinétique en Corée dans les années 1990. Acclamées par la critique, ses peintures à l’huile sont réalisées sur des plaques de polycarbonate qu’il superpose et éclaire. Il y représente des arbres en 3D qui font référence au déracinement culturel actuel. Ses paysages poétiques rappellent l’importance de la vie, du temps qui passe, et le désir de stabilité de la société moderne dans un environnement qui ne cesse d’évoluer. Les œuvres de Son Bong Chae sont exposées au Musée National d’Art Contemporain en Corée, à la Fondation de la Biennale de Gwangju, au Musée National de Gwangju, au Centre Culturel de Corée en Chine, et dans la collection privée du Groupe Samsung. Son succès a été récompensé par le Residency Award du Musée Duolun de Shanghai en 2006, et le Gwangju Artist Award en 2010. On retrouve ses œuvres dans de nombreuses expositions internationales, salons d’art et biennales du monde entier.

Son Bong Chae was born in Korea in 1967. He studied Fine Arts at Chosun University in Gwangju, Korea, and received his MFA from the prestigious Pratt Institute in New York. A pioneer of kinetic art in Korea in the 1990s, Bong Chae garnered critical acclaim for his illuminated oil paintings on layers of polycarbonate glass. Using trees as a metaphor for cultural uprooting, and as a representation of identity and perspective, his haunting landscapes reflect the fragility of perception and desire for stability within an ever-changing milieu. Son Bong Chae’s works feature in the collections of the National Museum of Contemporary Art in Korea, the Gwangju Biennial Foundation, the Gwangju Museum of Art, Korean Cultural Centre in Shanghai (China), and the Samsung Group Private Collection. He was awarded the Duolun Art Museum Residency Award (Shanghai) in 2006, and the Gwangju Artist Award in 2010. His work has appeared in numerous international exhibitions, art fairs and biennials worldwide.

Migrants, 2013 Oil on polycarbonate, LED 84 x 124 cm - 33.1 x 48.8 in.

SON

Bong Chae

b. 1967

Migrants, 2013 Oil on polycarbonate, LED 122 x 162 cm - 48 x 63.8 in.

Migrants, 2013 Oil on polycarbonate, LED 94 x 184 cm - 37 x 72.4 in.

SON

Bong Chae

b. 1967

Migrants, 2013 Oil on polycarbonate, LED 84 x 124 cm - 33.1 x 48.8 in.

SON

Bong Chae

b. 1967

Migrants, 2015 Oil on polycarbonate, LED 124 x 84 cm - 48.8 x 33.1 in.

Suh

Jeong Min

b. 1962

Suh Jeong Min est un artiste coréen né à Séoul en 1962. Il est diplômé en peinture et en arts des Universités de Chosun et de Kyonggi. Les sculptures de Suh sont faites de papier dérivé de la pulpe du mûrier, l’arbre à papier coréen, une pâte très résistante utilisée depuis des siècles par les artisans coréens pour construire meubles et objets décoratifs. En empruntant cette technique à ses ancêtres, les œuvres hanji de Suh suggèrent une réflexion sur le dualisme de l’existence, et sur l’usage de matériaux naturels au sein d’une culture contemporaine. Les œuvres de Suh ont été exposées à la Biennale de Venise en 2013, au Personal Structures Collateral Event, au Centre des Arts de Séoul, à la Biennale de Gwangju et au KEPCO Plaza Art Museum, ainsi que dans de nombreuses expositions nationales et internationales. Il a reçu le Prix d’art de Haengju en 2005 et 2011, et le Grand Prix pour l’Art du Papier de la World Gallery of Drawing en 2013. Certaines de ses œuvres font partie des collections privées de la Hauser & Wirth Gallery, du Musée du Papier de Séoul et de la Twin Tower Foundation (USA).

Suh Jeong Min is a Korean artist born in Seoul in 1962. He received his BFA in Painting from Chosun University and an MFA in Fine Arts from Kyonggi University. Suh’s sculptures are created using paper derived from the inner bark of the national Mulberry tree, a resilient pulp that has for centuries been used by Korean craftsmen for decorative items as well as furniture. Employing a similar technique to that of those ancient masters, Suh’s hanji compositions dwell upon the duality of existence, and the use of natural materials in contemporary culture. Suh’s works have been exhibited at the 2013 Venice Biennial, Personal Structures Collateral Event, the Seoul Art Centre, the Gwangju Biennial and the KEPCO Plaza Art Museum, as well as in numerous solo and group exhibitions both locally and abroad. He received the Haengju Art Award in 2005 and 2011, and the Golden Award for Paper Art from the World Gallery of Drawing in 2013. His work forms part of the private collections of Hauser & Wirth Gallery, the Seoul Paper Museum, and the Twin Tower Foundation (USA).

Lines of Travel, 2015 Hand-dyed hanji paper 90 x 120 cm - 35.4 x 47.2 in.

Suh

Jeong Min

b. 1962

Sound VIII, 2015 Hand-dyed hanji paper 182 x 150 cm - 71.7 x 59.1 in.

Suh

Jeong Min

b. 1962

Korean House Roof 15, 2015 Hand-dyed hanji paper 90 x 150 cm - 35.4 x 59.1 in.

Suh

Jeong Min

b. 1962

Korean House Roof 16, 2015 Hand-dyed hanji paper 90 x 150 cm - 35.4 x 59.1 in.

KIM

Ilhwa

b. 1967

Née à Séoul en 1967, Kim Ilhwa obtient un premier diplôme en arts en 1991, puis un master de Peinture Orientale de l’Université Hongik en 1996. Elle utilise des milliers de morceaux de papier de mûrier, découpés, teints à la main et enroulés sur eux-mêmes pour créer de grandes pièces en relief inspirées par les subtils changements d’espace et d’environnement du monde moderne. Ses méticuleuses “peintures à graines,” pour utiliser ses propres termes, lui ont valu le Prix d’Excellence de la 16ème Grand Art Exhibition de Corée en 1996, et le Prix Seoul MANIF en 1999. On retrouve ses œuvres au Musée d’Art Seongkok à Seoul, à l’Opéra de Guangzhou en Chine, au Salon international d’Art de Karlsruhe en Allemagne, ainsi que dans de nombreuses autres institutions et galeries privées.

Born in Seoul in 1967, Kim Ilhwa received her BFA and MFA in Oriental Painting from Hongik University in 1991 and 1996, respectively. Using thousands of hand-dyed, cut and rolled pieces of Korean mulberry paper, Kim Ilhwa creates large-scale, textured works inspired by subtle changes in space and environment experienced in the modern world. Her meticulous “seed” paintings, as she refers to them, won her the 1996 Excellence Award in the 16th Grand Art Exhibition in Korea and the 1999 Grand Prize MANIF Seoul Award. Kim Ilhwa’s works have featured in the Seongkok Art Museum (Seoul), the Guangzhou Opera House (China), and Art Karlsruhe (Germany), among many other private galleries and institutions.

Seed Universe 13, 2015 Hand dyed hanji 162 x 132 x 15 cm - 63.8 x 52 x 6 in.

KIM

Ilhwa

b. 1967

Seed Library 3, 2015 Hand dyed hanji 95,5 x 120,5 x 10 cm - 35.6 x 47.4 x 3.9 in.

Kim

Kang Yong

b. 1950

Kim Kang Yong naît à Jeongeup en 1950. Il obtient sa licence en arts et son master en Peinture à l’Université Hongik de Séoul. Il est un artiste déterminant en Corée depuis les années 1970, exposant ses œuvres lors des Jeux Olympiques de Séoul en 1988, et dans des expositions nationales annuelles par la suite. Son art offre un mélange singulier d’hyperréalisme occidental et d’abstraction traditionnelle coréenne, mélangeant sable et terre dans ses couleurs qui représentent l’opposition entre les forces naturelles et industrielles. Les œuvres de Kim Kang Yong ont été exposées dans le monde entier : au Centre des Beaux-Arts de Séoul, au Musée Kwanhoon de Séoul, au Centre Culturel de Taïpeï, à la Galerie Nationale des Beaux-Arts de Hangzhou, au Musée des Arts de Samsung à Séoul, au Musée du Népal à Katmandou, et au Musée d’Art de Singapour. Ses tableaux figurent parmi les collections permanentes du Musée d’Art de Séoul, du Musée national d’art contemporain de Gwacheon, du Musée de l’Université de Hongik, et de la Fondation d’Art Frederick R. Weisman de Los Angeles.

Kim Kang Yong was born in the city of Jeongeup in 1950. He received his BFA and MFA in painting from Hongik University, Seoul. He has been a formative artist in Korea since the 1970s, exhibiting at the 1988 Seoul Olympic Games, and in national museum exhibitions afterwards on an almost yearly basis. His work portrays a unique blend of Western hyperrealism and traditional Korean abstraction, mixing sand and dirt into his pigment that speaks to the dichotomy between natural and industrial forces. Kim’s work has been included in numerous exhibitions both in Korea and internationally, including at the Fine Arts Centre and National Museum of Art (Seoul), the Kwanhoon Museum, (Seoul), the Cultural Centre (Taipei), the Chinese National Gallery of Fine Arts (Hangzhou), the Samsung Museum of Art (Seoul), the Nepal Museum (Kathmandu), and the Singapore Art Museum. His work forms part of the permanent collections of the Seoul Museum of Art, the National Museum of Contemporary Art (Gwacheon), the Hongik University Museum, and the Frederick R. Weisman Art Foundation (Los Angeles).

Reality+Image, 2013 Mixed media 130 x 97 cm - 51.2 x 38.2 in.

Kim

Kang Yong

b. 1950

Reality+Image, 2012 Mixed media 162 x 130 cm - 63.8 x 51.2 in.

Han

Kyung Won

b. 1985

Han Kyung Won est un jeune artiste né à Séoul en 1985. Il obtient un diplôme en arts et un master en Peinture Orientale à l’Université de Hongik. En brûlant des cure-dents sur un bloc de bois, Han reflète, à travers son œuvre, le processus de création et de destruction qui rappelle l’inexorable nature cyclique de l’existence. Ses tableaux de bois brûlé rencontrent un succès grandissant, et apparaissent dans de nombreuses foires d’art internationales et expositions en Corée.

Han Kyung Won is an emerging artist born in Seoul in 1985. He graduated with a BFA and MFA in Oriental Painting from Hongik University. By burning a toothpick onto a wooden block, Han reflects through his work a process of creation and extinction that imitates the circulatory nature of existence. His expressive burnt wood paintings have been met with growing acclaim, and his works have appeared in numerous international art fairs and solo exhibitions in Korea.

Ash 47, 2014 Burnt ash on wood 160 x 120 cm - 63 x 47.2 in.

Han

Kyung Won

b. 1985

Ash 43, 2013 Burnt ash on wood 80 x 120 cm - 31.5 x 47.2 in.

Ran

Hwang

b. 1960

Ran Hwang naît à Séoul en 1960. Elle étudie à l’École des Arts Visuels de New York et à l’École supérieure des Beaux-Arts de l’Université Chung-Ang, à Séoul. Ran est connue pour ses grandes installations murales méticuleusement composées de boutons, perles et fils sur des panneaux de bois peint. En utilisant une technique de méditation issue du bouddhisme zen, elle plante des milliers d’épingles dans une sorte d’état méditatif. La nature répétitive de son art, ainsi que la patience qu’il requiert, apparaît comme une métaphore de la persistance et de la résistance de la nature, comparée à la production de masse des matériaux qu’elle utilise dans ses œuvres. Artiste reconnue en Corée et aux Etats-Unis, Ran a exposé au Musée international des Arts et des Sciences de McAllen au Texas, dans le cadre d’une résidence d’artiste au Musée d’Art contemporain du Massachusetts, au Musée d’Art du Queens (New York), au Centre d’ Art comtemporain de l’Hudson Valley (New York), au Musée d’Art de Chelsea (New York) et au Centre des Arts de Séoul. Certaines de ses œuvres font partie des collections permanentes du Musée de Brooklyn, du Musée Hammond, de la collection singapourienne d’Hermès, du Musée de North Salem dans l’Etat de New York, et du Centre des Arts de Des Moines dans l’Iowa.

Korean installation artist Ran Hwang was born in Seoul in 1960. She studied at the School of Visual Arts in New York City and attended the Graduate School of Fine Arts at the Chung-Ang University in Seoul. Ran is best known for her large-scale and meticulously intricate wall installations made from buttons, beads and threads on painted wooden panels. Using a meditative technique derived from Zen Buddhism, she hammers thousands of pins in a form of selfmeditation. The repetitive and time-consuming nature of her work becomes a metaphor for the resilience and persistence of nature in light of the mass production of materials such as the ones she uses in her works. An acclaimed artist in both Korea and the United States, Ran has held exhibitions at the International Museum of Art & Science (McAllen, Texas) as their first Artist-in-Residence at the Massachusetts Museum of Contemporary Art, the Queens Museum of Art (New York), the Hudson Valley Centre for Contemporary Art (New York), the Chelsea Art Museum (New York) and the Seoul Arts Centre. Her work features in the permanent collections of the Brooklyn Museum, the Hammond Museum, the Hermès Singapore Collection, the North Salem Museum (New York), and the Des Moines Art Centre (Iowa).

Ode to Second Full Moon, 2013 Buttons, pins and pearls on wood 100 x 100 cm - 39.4 x 39.4 in.

Ran

Hwang

b. 1960

Ode to Second Full Moon, 2013 Buttons, pins and pearls on wood 100 x 100 cm - 39.4 x 39.4 in.

Ran

Hwang

b. 1960

Secret Obsession, 2013 Crystals, beads, pins on plexiglass 222 x 190 cm - 87.4 x 74.8 in.

Ran

Hwang

b. 1960

Two Love Blossom, T7/20, 2013 Buttons, Pins, Beads, Wooden Panels 100 x 120 cm - 39.4 x 47.2 in.

Seo

Young Deok

b. 1983

Né à Séoul en 1983, Seo Young Deok est un des jeunes artistes coréens les plus prometteurs. Il est diplômé en arts et sculpture environnementale de l’Université de Séoul et obtient en 2008 le Grand Prix étudiant de sculpture. Il sculpte des chaînes de métal à la main et les relie une à une pour former nus et visages. Les sculptures envoûtantes de Seo Young Deok offrent une réflexion sur le combat de l’homme moderne contre la fragmentation du monde. Depuis son diplôme en 2009, Seo a exposé à la Galerie de l’Université de Séoul, au Centre des arts Insa (Séoul), à la Galerie SODA (Istanbul). Ses œuvres ont figuré dans des expositions du Musée d’Art de Sungkok et au Musée Beyond (Séoul), et font partie des collections permanentes du Musée d’Art de Sungkok, du Centre d’Arts de Seongnam, de la Fondation de la Culture de Daekyo, et de la collection Harley Davidson, ainsi que de nombreuses autres collections internationales privées.

Born in 1983 in Seoul, Seo Young Deok is one of Korea’s most formidable emerging artists. He graduated with a BFA and MFA in Environmental Sculpture from the University of Seoul and was the recipient of the 2008 Grand Prize for Undergraduate and Graduate Student Sculpture Competition. Hand welding metal chains and linking them piece-by-piece to form nude figures, Seo reflects, through his haunting sculptures, upon the fragmented world and the modern human struggle within it. Since graduating in 2009, Seo has held solo exhibitions at the Gallery of the University of Seoul, the Insa Art Centre (Seoul), and Gallery SODA (Istanbul). His work has been exhibited at the Sungkok Art Museum and the Beyond Museum (Seoul), and features in the permanent collections of the Sungkok Art Museum, the Seongnam Arts Centre, the Daekyo Culture Foundation, and the Harley Davidson collection, as well as numerous international private collections.

Anguish 11, 2015 Edition of 8 Iron chain 80 x 76 x 60 cm - 31.5 x 30 x 23.6 in.

Seo

Young Deok

b. 1983

Nirvana 6, 2015 Edition of 8 Iron chain 166 x 106 x 36 cm - 65.3 x 41.7 x 14.2 in.

Seo

Young Deok

b. 1983

Meditation 19, 2015 Edition of 8 Iron chain 100 x 45 x 90 cm - 39.4 x 17.7 x 35.4 in.

Seo

Young Deok

b. 1983

Anguish 10, 2015 Edition of 8 Iron chain 177 x 60 x 30 cm - 69.7 x 23.6 x 11.8 in.

Seo

Young Deok

b. 1983

Meditation 16, 2015 Edition of 8 Iron chain 200 x 130 x 70 cm - 78.7 x 51.2 x 27.6 in.

Seo

Young Deok

b. 1983

Meditation 13, 2015 Edition of 8 Iron chain 100 x 110 x 90 cm - 39.4 x 43.3 x 35.4 in.

Lee

Lee Nam

b. 1969

Né en 1969 à Damyang, Jeollanam-do, en Corée, Lee Lee Nam obtient son diplôme en arts à l’Université de Chosun, puis son master et son doctorat à l’École universitaire d’Images Visuelles de Yonsei. Il est l’un des premiers artistes à utiliser une forme d’art ludique, qui combine le numérique et les nouveaux médias. Il est consultant pour l’UNESCO Creative City, l’artiste exclusif de Samsung Electronics et ambassadeur pour le World Conservation Congress Green Olympics. Ses travaux innovants, qui combinent imagerie classique et technologie, ont fait de lui un objet d’étude pour les élèves coréens de l’enseignement secondaire. Il a reçu de nombreuses récompenses prestigieuses, telles que le prix Gwangju Art, le prix de l’artiste de l’année du Gwangju Museum of Art et le Prix d’art de la Sun Gallery. Ses œuvres figurent au sein des collections du bureau du Président de la République de Corée, au Centre d’art de Gwangyang (Youngam), au Musée d’Art de Gwangju (Corée), aux ambassades de Corée en Allemagne et aux ÉtatsUnis, et au Musée Haenam Uhang-ri Dinosaur à Haenam Uhang-ri (Corée).

Lee Lee Nam was born in Damyang, Jeollanam-do, Korea, in 1969. He graduated with a BFA from the Department of Art at Chosun University, and received his Graduate and Doctorate degrees from the Yonsei University School of Visual Images. Pioneering a facetious form of digital and new media art, Nam is the Exclusive Artist of Samsung Electronics, the World Conservation Congress Green Olympics Ambassador, and the UNESCO Creative City Consultant. His innovative works combining classical imagery and technology have made him the subject of study for secondary education students in Korea. Lee Lee Nam is the recipient of numerous prestigious awards, including the Gwangju Art Prize, the Gwangju Museum of Art Artist of the Year and the Sun Gallery Art Award. His work is included in the public collections of the Office of the President (Republic of Korea), the Gwangyang Art Centre Sculpture Park (Youngam), the Gwangju Museum of Art (Korea), the Korean Embassies in Germany and the USA, and the Haenam Uhang-ri Dinosaur Museum in Haenam Uhang-ri (Korea).

Peach, 2008 C-print 30 x 30 cm - 11.8 x 11.8 in.

Lee

Lee Nam

b. 1969

Lux-Flower 1, 2014 C-print 128 x 180 cm - 50.4 x 70.9 in.

Lee

Lee Nam

b. 1969

Flowers and Creation, 2013 55 pouces/in. LED tv 7 min, 40 second loop

Lee

Lee Nam

b. 1969

Blossoming Flowers on Assa Cloth, 2013 LED tv 4min, 30 second loop

Lee

Jae Hyo

b. 1965

Né à Hapchen en 1965, Lee Jae Hyo obtient un diplôme en Arts Plastiques à l’Université de Hongik en 1992. Il crée principalement des propositions singulières de mobilier d’art et de sculptures, des assemblages harmonieux et des meubles en bois calcifiés et de clous en métal. Les matériaux qu’il utilise, naturels pour la plupart, allient pureté et modernité. Il a reçu de nombreuses récompenses internationales, tels que le Prix olympique d’Excellence 2008 de Sculptures de Paysages, le Prix d’Excellence Hyogo International 2005, et le Prix ‘Woodland Art’ en sculpture. Ses œuvres ont fait partie de centaines d’expositions nationales et internationales, et figurent parmi les collections permanentes du Musée national d’Art contemporain en Corée, du Musée d’Art moderne de Gyeongghi, et du Musée Herbert F. Johnson de l’Université de Cornell aux états-Unis. Plus récemment, ses travaux ont fait partie de l’exposition 2015 Révélations, la Corée du Sud, au Grand Palais, à Paris.

Lee Jae Hyo was born in Hapchen, Korea, in 1965, and received his BFA in Plastic Arts from Hongik University in 1992. Creating harmonious objects and pieces of furniture out of calcified wood, Lee speaks through his work to a formal sculptural language that both imposes upon and cooperates with the natural world. Lee is the recipient of numerous international awards, among which are the 2008 Olympic Landscape Sculpture Prize of Excellence, the 2005 Hyogo International Competition Prize of Excellence, and the Woodland Art Prize in Sculpture Award. He has participated in over one hundred group and solo exhibitions worldwide, and is included in the permanent collections of the National Museum of Contemporary Art in Korea, the Gyeongghi Museum of Modern Art, and the Cornell University Herbert F. Johnson Museum, USA. He was most recently honoured with the inclusion of his works in the 2015 Spotlight on South Korea exhibition at the Grand Palais of Paris.

0121-1110=114103, 2014 Larch wood 205 x 205 x 35 cm - 80.7 x 80.7 x 13.8 in.

Lee

Jae Hyo

b. 1965

0121-1110=114051, 2014 Stainless steel bolt, nails and wood 32 x 162 x 108 cm - 12.6 x 63.8 x 42.5 in.

Lee

Jae Hyo

b. 1965

0121-1110=115016, 2014 Juniper wood 67 x 94 x 81 cm - 26.4 x 37 x 31.9 in.

Bahk

Seon Ghi

b. 1966

Né à Séoul en 1966, Bahk Seon Ghi étudie la sculpture à l’Accademia di Belle Arte di Brera de Milan et au Barnet College de Londres après un diplôme en arts de l’Université Chung Ang de Séoul. Inspirées par les relations complexes entre l’homme et la nature, ses sculptures suspendues faites de charbon explorent les processus de transformation, de régénération et d’extinction. Ses œuvres mondialement célèbres ont été exposées au Musée des Arts et du Design de New York, au Musée de Sculpture Kim Chung (Séoul), à l’Espace des Arts de Séoul, au Centre des Arts de Séoul, au Musée Hangaram et au Musée d’Art de l’Université de Séoul ainsi qu’au Musée d’Art de Nam Po (Koheung). Certaines de ses œuvres font partie des collections permanentes du Musée d’Art de Pohang et du Musée d’Art d’Imok (Suncheon).

Bahk Seon Ghi is a sculptor born in Seoul in 1966. He spent several years studying sculpture at the Accademia di Belle Arte di Brera (Milan) and Barnet College (London) following the completion of his BFA from Chung-Ang University in Seoul. Inspired by the complex relations between nature and humanity, Bahk’s suspended charcoal sculptures explore the transformative process of regeneration and extinction. Bahk’s internationally celebrated sculptures have been exhibited at the Kim Chung Sculpture Museum (Seoul), the Seoul Arts Space (Busan), the Seoul Art Centre, Hangaram Museum, Seoul National University Museum of Art, New York Museum of Arts and Design, Nam Po Art Museum (Koheung). His work is collected by the Pohang Museum of Art and the Imok Museum of Art (Suncheon, Korea).

Panorama, 2007 Charcoal, nylon threads and stone 300 cm - 118.1 in.

Lee

Gil Rae

b. 1961

Né en 1961 à Séoul, Lee Gil Rae est diplômé d’une licence d’enseignement et d’une maîtrise en sculpture de l’université Kyunghee. Depuis plus de vingt ans, Lee Gil Rae s’inspire de la nature et de l’emprise de l’homme sur son environnement en détournant des structures tubulaires en acier et en cuivre, symbole de l’urbanisation ravageuse. Marqué par la violence de la déforestation en Corée, sa série « Arbres » est une réflexion sur la manière dont les créations humaines tentent de suppléer les formes harmonieuses de la nature. Lee Gil Rae a participé à de nombreuses expositions institutionnelles, au Musée d’Art Contemporain Savina à Séoul, au Centre des Arts de Séoul et aux musées Hangaram et Kumho, à Séoul. Ses œuvres ont été acquises pour le collections permanentes du Musée National d’Art Contemporain Gwacheon à Séoul, du Musée d’Art Contemporain Savina, du Parc Mémorial de Sculptures Anseong, du Parc de Sculpture Yeongdong, du Parc du Mont Jinhae Jangbok et du Parc Bucheon Dodang.

Lee Gil Rae is a Korean artist born in Seoul in 1961. He graduated with a BA in education and MFA in sculpture from Kyunghee University. For twenty years, Lee Gil Rae has drawn inspiration from nature and from man’s impact the environment by using pipes, steel tubes and copper, syumbols of urban devestation. Deeply affected by the effects of deforestation on his homeland’s beauty, Lee Gil Rae’s Tree series meditates on the way the man-made is replacing more harmonious, organic objects. He has exhibited in numerous institutions including the Savina Museum of Contemporary Art, Seoul; Seoul Arts Centre; Hangaram Art Museum and Kumho Museum of Art, Seoul. His work forms part of the collections of Seoul Gwacheon National Museum of Contemporary Art, Savina Museum of Contemporary Art, Nampo Art Museum, Anseong Memorial Sculpture Park, Yeongdong Sculpture Park, Jinhae Jangbok Mountain Park and Bucheon Dodang Park.

Crooked Pine Tree 3, 2010 Copper Welding 135 x 115 x 62 cm - 53.1 x 45.3 x 24.4 in.

Remerciements très spéciaux à Vivian Choi, directrice Opera Gallery Seoul, pour ses conseils éclairés et son rôle d’intermédiation avec les artistes coréens. Les artistes, pour la confiance qu’ils nous accordent, leur don créatif qu’ils nous offrent et qui change nos vies. Shana Dyan Benchetrit pour son soutien indéfectible, son amitié et son sourire qui évite les catastrophes. Dan Benchetrit, pour son goût bien tranché et son sens de l’humour qui permet d’avancer. Damien Simonelli pour son professionnalisme et son don relationnel qui embellit le quotidien d’une galerie. Prune Vidal, celle qui œuvre dans le calme et dont le regard, autre, permet de se confronter et d’avancer. Grégory Komornik, Aurore Esberard, Frédéric Kuhnert, Maurice Mongo, Constant Bouchenoir, ces êtres de l’ombre sans qui aucune exposition ne pourrait avoir lieu aussi heureusement.

Very Special Thanks go to Vivian Choi, Director of Opera Gallery Seoul, for her enlightened advice and intermediary flare with the Korean artists; The artists, for the trust they so generously gave us, for the genius they so naturally shared with us and that transforms our lives; Shana Dyan Benchetrit for her untiring support and participation, friendship and an inner joy that so elegantly avoids catastrophe; Dan Benchetrit, for his impeccable taste and sense of humor that propels you forward; Damien Simonelli for his professionalism and innate people skills, enhancing the gallery’s daily life; Prune Vidal, the calm during the storm, the support in the wings and the other way of seeing things that challenges you forward; Grégory Komornik, Aurore Esberard, Frédéric Kuhnert, Maurice Mongo, Constant Bouchenoir, who in the wings wield their knowledge; without whom no exhibition would be as harmonious.

Credits Coordinators: Fatiha Amer, Aurélie Heuzard, Marion Galan Alfonso Authors: Fatiha Amer, Gili Karev Designer: Nicolas Imbert Translation: Lucie Landais, Amanda McLane Printers: Losfeld Impression

operagallery.com 62, rue du faubourg Saint-Honoré 75008 Paris T +33 (0)1 42 96 39 00 paris@operagallery.com Lundi au samedi 10h -19h30 & Dimanche 11h - 19h